Diseño Gráfico

PRODUCCIÓN EDITORIAL

Tema 6: Introducción al Diseño Gráfico 1.

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Introducción Antecedentes del Diseño Gráfico (Estilos Artísticos) Historia del Diseño Grafico El Diseño Grafico en la actualidad El lenguaje visual y la percepción Elementos básicos del Diseño Elementos formales del Diseño

1. Introducción El diseño grafico surgió como disciplina independiente a mediados del Siglo XX. En términos generales se puede definir el diseño como la ordenación, composición, y combinación de formas y figuras, pero también se puede entender el diseño sencillamente el dibujo o conjunto de líneas principales de una cosa, en concreto el diseño grafico debe conocerse como el arte y la técnica de traducir ideas en imágenes y formas visuales. El diseñador grafico es un artista al servicio de los que le encarguen su trabajo, aunque en la actualidad se ha ampliado enormemente al aumentar los procesos técnicos de reproducción y ser mucho mas satisfactorios. El artista se puede manifestar como le parezca sin preocuparse ni de la interpretación que se le de a su obra. Además de la publicidad y los Medios de Comunicación de Masas (MCM) el trabajo del diseñador se ha extendido a campos diferentes como los que tienen que ver con la imagen corporativa, señaletica, empaquetado. Antes de que se pudiera hablar de diseño grafico, existía el arte gráfico, que como un arte menor tomaba de los estilos artísticos, las influencias lógicas que han quedado manifiestas en impresos y libros a lo largo del tiempo.

2. Antecedentes del diseño gráficos (Estilos Artísticos) a. Estilos clásicos: Al inventarse la imprenta y durante el periodo de los Incunables (1460 – 1500 libros que se imprimieron) se uso mayoritariamente el carácter gótico y para la ornamentación imitaron las orlas y las iniciales, y las finales de los libros medievales manuscritos. A lo largo del Siglo XVI se utilizo el carácter romano o humanístico del que derivaron, el romano itálico, también llamado cursivo primero y es del Siglo XVII y el romano neoclásico o moderno del Siglo XIX. b. Estilo romántico: Apareció a principios del Siglo XIX y se manifestó como un estilo nuevo, idealista, dinámico, etc. Introdujo en el Arte Grafico elementos atrevidos, decorativos y recargados por las iniciales y viñetas de fantasía con abundantes flores, rasgos y arabescos y fue en esta época en la que tuvieron más éxito las ilustraciones. c. Impresionismo: En la 2ª mitad del Siglo XIX supuso una autentica revolución tipográfica por la evolución de los métodos de trabajo si bien para el artista grafico no fue un buen periodo salvo por el impresionismo (1860 – 1910) que avanzó hacia el cartelismo y la publicidad y no a la creación de estilos. d. Modernismo: Es un estilo decorativo mas que artístico pues se da en las Artes Menores (fotografía, tipografía) Art. Nouveau en Francia, Modern Style o Liberty en Inglaterra, Juenstil en Alemania, Floréale en Italia; inspirándose en las formas de la naturaleza creo un estilo nuevo naturalista y recargado en cuanto a tipos y ornamentación (entre 1890 – 1910). e. Los ismos (1910): El futurismo, el cubismo, el dadaísmo, ultraísmo, surrealismo y otras corrientes artísticas que comenzaron a influir en la tipografía a partir de 1910 tendían a simplificar las formas y a buscar los elementos estrictamente esenciales de la obra pero empleando los caracteres en disposiciones extravagantes y desequilibradas. Culturistas y dadaístas hicieron las obras más representativas de la

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PRODUCCIÓN EDITORIAL época y también las más excéntricas. El cubismo, en cambio por su tendencia al reposo y la serenidad, influyo mucho en la tipografía por la afinidad de sus formas geométricas con la estructura del libro y del impreso y por la facilidad de combinación entre masas de texto, ilustración, espacios en blanco, etc. f. La nueva tipografía (1920 – 1930): Es la denominación que se da a las realizaciones derivadas de los distintos movimientos de renovación tipográfica anteriores, basadas en las corrientes artísticas de finales del Siglo XIX y principios del Siglo XX. Su afán renovador causo impacto e influencia en la tipografía de casi todos los países europeos produciendo composiciones muy dinámicas y distintas que sustituyen de forma generalizada a las clásicas. g. Tipografía Funcional: Se trata de una vuelta a la tipografía primitiva y pura del periodo neoclásico pero presentándola de forma actualizada. En estos años destaco la Escuela Banhaus (1919), que unifico arte e industria y que hizo del Arte Grafico objeto de estudio y experiencias muy interesantes influyendo después en la s escuelas de diseño grafico sobretodo por su especial valoración de los elementos de la pagina igual para los grafismos que para los contra grafismos.

3. Historia del Diseño Gráfico Se llama diseño gráfico a la transformación de ideas y conceptos en una forma de orden estructural y visual que abarca tanto el arte de hacer libros, periódicos y revistas, como anuncios, embases y carteles. El termino “diseñador gráfico” acuñado por el Norteamericano William Adison Dwinggins, no se empezó a utilizar hasta 1922, aunque ya los primitivos sistemas de escritura en columnas o filas revelaban el empleo de una cuadrícula elemental para organizar la página y facilitar la comunicación.

La Revolución Industrial y la aparición de la litografía hicieron del S. XIX (finales) el punto de partida del diseño moderno, por que en esta época aumento de manera espectacular la cantidad de material impreso.

1. En 1890: En Inglaterra, el artista y escritor socialista William Morris, fundó la Kemscott Press que es una imprenta dedicada a la impresión de libros bien acabados, trato de resaltar la importancia del arte en contra de lo que consideraba la vulgaridad del estilo, y la manufactura de las mercancías producidas en masa. Morris se inspiró en la ornamentación medieval y en las formas vegetales creando diseños naturalistas, barrocos, recargados y formales.

2. En la época impresionista destaca Toulouse Loutec, pintor (1864 – 1901) famoso por sus carteles sobre la vida nocturna de París, compuestos a partir de siluetas planas y bloques de color como las estampas japonesas, pero organizadas en una composición dinámica. Sus cubiertas para programas y sus litografías produjeron una revolución en la técnica publicitaria. Fue el primero que concibió un arte en la calle.

3. (1810 – 1910): El modernismo inglés con Beardsley había hecho un estilo inspirado en composiciones medievales y ultra barroco traducidas a una versión naturalista de líneas ondulantes y asimétricas en Francia dentro del abnobo, destaca la producción de carteles con Guimard (en el metro) que hizo por primera vez una fusión entre las ilustraciones y el propio cartel. Los dos grandes componentes de carteles en este país son, Jules Charet, autor de mas de mil carteles y Alphone Mucha, que llevo el cartel a la perfección máxima.

4. También dejaron una huella profunda en el diseño gráfico, los movimientos posteriores en cubismo, el futurismo, dad, surrealismo, así como el constructivismo ruso que buscaron ante todo el cambio, rechazando la fluidez de las formas orgánicas y los motivos ondulantes del modernismos, Apolinarire, Morinetti

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PRODUCCIÓN EDITORIAL 5. En 1919: Apareció muy próxima a todos estos estilos de vanguardia la Escuela de la Banhaus, bajo la dirección del arquitecto Walter Gropius. La Banhaus, se esforzó en unir arte e industria en el convencimiento de que la industrialización ofrecía grandes oportunidades al artista y de que solo las ideas mas brillantes justificaban la producción en masa. Con ella prácticamente nace el concepto de diseño y en el diseño grafico se introdujeron tantas ideas innovadoras que su influencia aun se detecta.

6. 1908- 1939: Art. Déco, denominado en su momento Estilo Channel, Estilo Poinet, Estilo Vertical, Estilo Rascacielos, Estilo Jazz, Estilo New Cork. Su nombre actual viene de una exposición en París en 1925. Como estilo fue muy diverso, se puede decir que superficial, estilizado y lineal orientado al decorativismo. Fue una búsqueda de la modernidad como expresión del dinamismo de la época y reflejo de lo que la industria aporta a la sociedad. En el aspecto gráfico tiene dos tendencias, una de formas alargadas por influencia del ballet ruso y oriental y otra nacida al amparo de los movimientos de vanguardia: geometría, yuxtaposición de formas, fragmentación de imágenes, etc.

7. En el periodo de entre guerras: Destacaron los rotulistas y tipógrafos Stanley Morison y Eric Gill, creadores de importantes nuevas tipografías como Times New Roman – Gill Sans, perpetúa. También hay que mencionar a Karen Beige, arquitecto muy representativo de la Escuela Checa de Diseño.

8. Años 50: Los diseñadores suizos desarrollaron el Estilo Tipográfico Internacional (Las Escuelas de Zurich y Basilea). Sus aspiraciones eran la legibilidad y el orden; y para crear sus tipos recurrieron al uso de gráficos matemáticos, reproducciones y fotografías. También fueron dominantes en el campo del cartel, que tenia sus raíces en la Banhaus. Este estilo utilizó rejilla, reglas graficas terminantes y mucho blanco y negro, para obtener estructuras claras. La vanguardia de la creación artística se desplazó de Europa a Nueva Cork donde se consiguió un tratamiento mas intuitivo y pragmático en el cual lo que importaba era la originalidad. así surge la expresión grafica que combinaba con collage, fotomontaje, caligrafía, símbolos y otros elementos. Destacan Philip Meggs creador de un nuevo estilo de creación, mezcla de surrealismo y expresionismo.

9. Años 60: Los artistas Pop, reflejaron el surgimiento de una nueva conciencia social y la búsqueda de las formas alternativas de la vida: El Rock, las drogas psicodélicas y los limas, contrarios al sistema, convirtieron en los motivos dominantes de carteles creados para protestar contra la guerra, la represión, el machismo, y otras injusticias sociales. Estos años 60, se caracterizaron por estos elementos símbolos y una idea más universal del diseño. Destaca Andy Warhol y Milton Graser (Pop-Art) y Anthon Beeke (Total Desing).

10. La explosión actual del diseño, comenzó poco después en Europa y tuvo su prosperidad en el consumo que provocó un aumento masivo de la publicidad de libros, axial como la expansión y la radio. También han colaborado a este desarrollo el avance de las técnicas de impresión y Preimpresión sobretodo en cuanto a la calidad y economía de la impresión a color. De finales del Siglo XX podemos destacar Olt Aicher (Escuela Ulm), autor entre otras de las imágenes corporativas de Braun, Lufthunsa. David Carson, fotógrafo con diseños basados en imágenes fotografías artísticas y Wolfgrang Weingar, profesor de diseño, autor de carteles espontáneos complejos y caóticos que usaba mucha letterset.

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4. El diseño gráfico en la actualidad (no importante) En diseño grafico, se trabaja en un lenguaje de signos e imágenes y siempre se esta tratando de comunicar la información de un modo nuevo que resulte interesante al publico. En la actualidad, los diseñadores gráficos trabajan en muchos campos que antes no existían, como imagen corporativa, señalética, diseño de embases (packaging)…

Se define el diseño como la construcción de lo posible.

5. Lenguaje visual y la percepción Es una ley específica del diseño. Es la capacidad que tiene un signo, un elemento o un color ya sea aislado o integrado de provocar sensaciones o reacciones de interpretar o expresar una idea o de hacer una determinada comunicación visual. La forma y el estilo del signo, su densidad y dinamismo, su estructura y equilibrio señalan su capacidad expresiva. Los elementos que mas influyen en la percepción son los grafismos y los contra grafismos, dispuestos sobre el formato. A continuación, contribuye mucho el propio formato, la estructura de la página, la disposición de las masas, los caracteres, etc. y todos estos elementos adecuadamente organizados de acuerdo a las leyes compositivas, constituyen la forma apta para emitir un mensaje y ser percibida por el lector.

6. Elementos básicos del diseño Todo diseño tiene estructura, con ella vienen el orden y el significado del mensaje que se quiere transmitir, el objeto de la fuente emisora del mensaje impreso es la transferencia de significado a la mente del lector.

Con este fin, la fuente emisora elige los elementos verbales y gráficos y los dispone en una estructura. Cada vez que se diseña o proyecta algo gráficamente, se hace uso de un conjunto de elemento fundamentales en la comunicación visual que contribuyen el esqueleto básico de lo que se esta configurando y que serán lo que en ultima instancia perciba el receptor de la comunicación.

La forma visual es un lenguaje y consta de un vocabulario. Esta formado por una serie de elementos (el punto, línea, forma, tono, textura y espacio). Haremos uso de ellos por combinaciones, repeticiones o ausencias con el fin de transmitir el mensaje visual de la manera más efectiva posible. a. El Punto: Este elemento estructural es tanto imaginario como real. En cualquiera de los dos casos hace referencia a una posición en el espacio y ejerce una fuerte atracción sobre el ojo. El centro óptico de un impreso es un ejemplo de punto imaginario, como las letras iniciales, que actúan como puntos. De la misma forma se usan los puntos grandes para atraer la vista. El punto supone la unidad mínima de comunicación visual. Es el elemento gráfico fundamental, el mas económico y simple del alfabeto visual y además es el único elemento grafico irreducible en si mismo. b. La línea: También puede ser real o imaginaria. Es real cuando se utiliza para líneas de formas como sucede en el dibujo lineal o en figuras o letras del alfabeto. Es imaginaria en las palabras y en las oraciones que en si mismas forman líneas. Para el diseño, es muy importante la línea imaginaria. La línea, es una forma de energía que divide en letra, encierra y define los espacios. No solo comunica formas sino también estabilidad, movimiento, acción y dirección. Por definición, sirve para conectar dos puntos en el espacio aunque también puede entenderse como el resultado de la animación de un punto. La línea constituye un elemento indispensable para -4-

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poder visualizar materialmente todo aquello que tenemos en nuestra imaginación y en cualquier tipo de dibujo. Es rígida y definida en el dibujo técnico o expresivo y espontánea en el dibujo artístico. Tipos de líneas: i. Líneas dominantes: son las que dirigen el movimiento, la fuerza, la posición o la forma. Ejemplo los titulares. ii. Pautas, que apoyan la medida de la composición o las formas más dominantes de la letra. Ejemplo: filetes, marcos, remate. iii. Plantillas o retículas: mediante las que las que se colocan los distintos elementos de la página.

La forma: Las formas se articulan con las líneas, pero también pueden definirse en relación al tono, la textura, los contornos y el tamaño. El ser humano, impone a lo que ve tres formas básicas: cuadrados, círculos y triángulos. Existen infinitas variaciones y combinaciones de las formas.

Psicológicamente cada forma sugiere su propio significado. En diseño las formas se definen mediante sólidos y masas. Un sólido, es un elemento de tamaño y contorno definidos, por ejemplo: una fotografía; y una masa es un conjunto de piezas individuales que colectivamente forman una unidad, por ejemplo una columna de texto. Los sólidos y las masas establecen y mantienen el orden de prioridad de la composición. Hay que considerar detenidamente la colocación del espacio de los sólidos y las masas para que exista una armonía entre ellos.

El tono: La palabra tono, se refiere a la claridad u oscuridad relativa. Solo por este contraste percibimos visualmente puntos, líneas, formas y texturas.

También se le llama valor tonal. Nuestros sistemas visuales están equipados para percibir el color y eso es lo que vemos en la naturaleza, sin embargo una simbolización o representación en blanco y negro es perfectamente aceptable e intercetable por que el tono tiene una importancia básica para la percepción y la adquisición de información a la hora de comprender un impreso o imagen. En general, las masas de gris pueden analizarse para determinar su valor tonal. Una escala de valores tonales iría desde 0% que correspondería al blanco, hasta el 100% que correspondería al negro. El valor tonal es una referencia que ayuda a determinar los niveles de contraste y permite dirigir el interés del diseño.

La textura: Toda estructura de una superficie puede ser percibida visualmente como algo que tiene textura. En diseño grafico, la textura es el motivo de luces y sombras creado por la repetición de letras y formas en relación con el espacio que les rodea. Aparece siempre que las letras o los símbolos se imprimen formando bloques o cajas de texto. La trama de la textura puede ser abierta, aleatoria o prieta. Pueden crearse texturas repitiendo formas iguales o similares; o modificando la estructura bidimensional de la estructura de la superficie de la página. La fuerza de la textura guarda una relación directa con el espaciado entre tipos, cuando se trata de un texto y con la repetición cuando es un fondo o un adorno. El diseñador debe controlar la textura para que no interfiera con otros elementos del diseño. Las texturas no tipográficas son elementos energéticos que contienen distintas intensidades de tonos claros y oscuros y suelen producir mejores resultados cuando el texto no las pisa.

El espacio: Es el ámbito en el que actúan los demás elementos y la base sobre la que va a realizarse todo el diseño. El resultado de la composición viene determinado por la selección y la yuxtaposición de los demás

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PRODUCCIÓN EDITORIAL elementos dentro del espacio que se les ha reservado. En diseño, el espacio es un elemento ambiguo que puede estar definido tan rígidamente como en el papel de dibujo de un delineante, como ser ilimitado e infinito como el cielo.

El diseñador debe comprender que los elementos en del espacio interior del diseño tienen que sostener el motivo central y debe de ser consciente también de la influencia que el espacio exterior ejercerá sobre el diseño.

Tipos de espacio en el diseño tipográfico: i. Hay que considerar el espacio definido en su interior por algunas letras (blanco interno) y el que queda entre las propias letras (separación de letras) ii. Espacio entre palabras, que es necesario para diferenciar y que confiere a las palabras. Esa identidad que las hace inmediatamente reconocibles. iii. El espacio entre las líneas o interlineado, que es el espacio horizontal que separa unas líneas de otras y contribuye a la legibilidad.

7. Elementos formales del diseño Existen normas de estilo en el diseño, igual que en la escritura. Estas normas y principios son: El contraste, el equilibrio, la proporción, el ritmo, la armonía, el movimiento y la unidad.

1. El contraste: En todas las formas de comunicación, algunas ideas deben enfatizarse más que otras. En diseño grafico hay que tener en cuenta este principio, para realizar una selección de estas determinadas ideas. El contraste será una herramienta poderosa del diseñador para agudizar el significado del impreso puesto que muchos conceptos solo se pueden comprender en función del concepto de lo que significa lo contrario. Puede aplicarse el contraste aplicando polaridades de tamaño, forma, tono, textura y de dirección.

Tipos de contraste: • Contraste en el tamaño: ej.: Ilustraciones pequeñas enfrentadas a ilustraciones grandes, para evitar la monotonía y hacer que sea mas atractivo.

• Contraste en la forma: ej.: Un impreso con varias ilustraciones mejora si una de ellas es irregular.

• Contraste en el tono: ej.: un impreso con un dibujo en grises o una fotografía en blanco y negro mejora si se coloca una parte de la iluminación con un color muy vivo.

• Contraste en la textura: ej.: En una fotografía donde hay dos personas resulta mas interesante si la capa de uno es áspera y la del otro suave.

• Contraste en la dirección: ej.: un impreso que tenga un encabezamiento horizontal y el resto sea ilustración vertical para que el lector dirija la vista hacia abajo inmediatamente.

2. El equilibrio: existe cuando los elementos están colocados con un sentido de contrapeso, es decir, situados de forma que los pesos de los elementos se contrarresten para que aparezcan arraigados al sitio donde están.

Hay dos tipos de equilibrio: • Equilibrio simétrico: Todo a la misma distancia (los elementos)

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Equilibrio asimétrico: Es el resultado de conjugar otras condiciones distintas y conseguir dar la sensación de equilibrio.

La diferencia mas importante entre los dos tipos de equilibrio está en el uso del espacio en blanco. Este espacio tiene un papel pasivo en el diseño simétricamente equilibrado pero en el asimétrico este espacio se convierte en parte activo de la representación visual ofreciendo diferentes puntos de atracción.

Proporción: El ojo humano se mueve a saltos en un diseño mientras que el cerebro compara constantemente la información que recibe con la que ha recibido un momento antes midiendo las fuerzas composicionales. La proporción representa los resultados de la toma de decisiones del lector refiriéndose a la relación de un elemento con otro o al diseño entendido como un todo con dimensiones que reflejan determinado tamaño. Ciertas promociones son más atractivas a la vista que otras, la primera tarea en diseño es elegir el tamaño del impreso y sus dimensiones. Las dimensiones mas atractivas son aquellas en las que la relación entre el ancho y la altura no es obvia para el ojo.

Ritmo: Se logra a través de la repetición ordenada de cualquier elemento ya sea línea, forma, tono, textura, etc.…

Hay dos tipos de ritmo: • Ritmo simple o constante: Es la sencilla o monótona repetición del mismo motivo: un signo, una palabra, una viñeta, unas líneas de caracteres.

• Ritmo compuesto o libre: Es el que consigue variedad al combinar dos o mas ritmos simples, es decir, distintos elementos y estructura de la pagina, proporciones y su disposición, tonos, etc.

Armonía: La inteligencia humana busca también en el diseño la similitud entre elementos análogos o acordes entre sí. La armonía es la agradable combinación o consonancia entre las formas y estilos de las cosas. Se refiere a la correspondencia entre los distintos elementos del mismo o semejante estilo, por ejemplo: caracteres con ilustración. también es armonía de forma la semejanza de los componentes con el espacio en que van colocados.

Movimiento: el acto mismo de leer o mirar produce un sentido de movimiento por que el ojo se mueve de izquierda a derecha y de arriba abajo sobretodo en diseño tipográfico (diseño de elementos con texto). En otros tipos de diseño el control del movimiento ocular se vuelve mas problemático ya que el ojo se encuentra libra para mirar a cualquier punto en cualquier momento. El diseñador deberá manejar los elementos para que la interpretación del impreso sea la adecuada.

Unidad. Es el fundamento estético del orden compositivo y la finalidad que debe perseguirse con la distribución y organización de los elementos que se combinan en diseño. Sin la unidad resultarían imposibles la estabilidad y la claridad y existiría la confusión y dispersión de los elementos. Los elementos individuales del mensaje deberán relacionarse entre sí y también con el diseño total para que el impreso pueda registrar una sola impresión general.

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Tema 7. El diseño editorial Parte 1 1. Factores del diseño de libros 2. Diseño de cubiertas

Parte 2 1. Formatos y proporciones a. Proporción en el rectángulo b. Proporción más utilizada c. Construcción de formatos 2. Proporciones interiores 3. Distribución de márgenes: a. Sistemas de distribución de márgenes: i. Clásicos ii. Modernos b. Formatos y tipos de edición c. Proporciones y tamaños d. Construcción de maquetas (método clásico)

Parte 3 1.

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Diseño de páginas Pliego de principios Cuerpo del libro Paginas Finales

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Parte 1 1. Factores del diseño de libros El libro es un signo visual portador de códigos icónicos que contienen entre si un valor peculiar. Al mismo, también vehículo del mensaje y contenido mismo del mensaje, es decir, significante significado incluso tratándose de un objeto, posee características diferentes de otros tipos de objetos predispuestos para la comunicación la tú o el teléfono y no es objeto de rápido consumo, como seria por ejemplo un CD. El diseño de un libro podría definirse como la suma de las decisiones que hacen que este producto sea práctico y atractivo. Los factores que influyen en este diseño son: a) De tipo económico: • El publico al que van destinado (joven, adulto, infantil) • El precio (segmento del mercado) • La competencia (ofertas parecidas) • La relación peso-formato (calidad del papel, tapas…)

• El presupuesto (si lleva o no ilustraciones a color) • Los puntos de venta (kioscos, librerías, supermercados) b) De tipo creativo • La respuesta sectorial • La utilidad del producto • La naturaleza de los materiales

2. Diseño de cubiertas Tipos de encuadernación: • Tapa blanda = en rustica • Tapa dura = lomo fijo = lomo suelto •

En Rustica: Es la más económica. Después de las operaciones de cosido y presado del bloque de pliegos o asignaturas, se escala el lomo y se aplica la cubierta de papel o cartulina (sencilla o plastificada) previamente impresa y hendida coincidiendo con los ángulos del lomo. La aplicación de las cubiertas se realiza por lo general con maquinas de encuadernar en rustica y a continuación se guillotina (refila). A veces la encuadernación en rustica se deja acabada con cejas, es decir, con la cubierta sobresaliendo del bloque del libro.

“Encuadernación a la americana” es una variedad de la rustica en la que los pliegos no van cosidos si no pegados.

• Encuadernación en tapa dura: En ella la taba se confecciona separadamente del bloque del libro y esta formada por dos cartones separadas por una tira de cartulina que se revisten con papel, con tela, con piel, etc.… La aplicación de la tapa dura al bloque de libro se realiza pegando las caras externas de las guardas de las caras interiores de los cartones.

Lomo fijo: La piel o la tela de la cubierta va pegada a los cuadernillos.

Lomo suelto: No va pegada y ese espacio queda libre.

Hay diferentes estilos de encuadernación: • A la alemana

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PRODUCCIÓN EDITORIAL • A la holandesa • A la francesa • A la inglesa • En pasta italiana • En pasta española • En pasta valenciana.

Las tendencias en el diseño de cubiertas en la actualidad están en el manejo del color, decoración, el tacto natural y en cuanto a los materiales se orienta al respeto del entorno medioambiental. Materiales de recubrimiento: • Nº Erocelulosidos • Corcho • Celulósicos • Cuero • Vinílicos • Cuero regenerado • PVC • Tela • Acrílicos • Etc. Otra tendencia actual es considerar la cubierta a modo de “envoltorio” del producto del mismo modo que se le considera un vehiculo eficaz mediante el que se dirigen las elecciones del lector. Existen dos orientaciones en la proyección de las cubiertas de una colección editorial: • Incluye a todos los componentes, autores, titulo, subtitulo, logotipo, ilustraciones, etc. dentro de un marco más o menos flexible pero repitiendo este esquema.

• Es lo contrario, pues tiende a hacer de cada cubierta algo totalmente autónomo, incluso modificando el grafismo de cada título.

En la producción editorial conviven las colecciones que mantienen los signos connotativos de orden y simetría y aquellas cuyas cubiertas llevan los signos de la exageración por que colocan en sectores del mercado en lo que es indispensable imponerse.

Parte 2 1. Formatos y proporciones Se llama formato al tamaño de un libro o impreso que adopta una forma determinada.

Según sean sus dimensiones y su posición por ejemplo 18*24cm apaisada, siempre se indica en el sistema métrico decimal.

En la determinación de formato intervienen factores estéticos de interpretación, de comodidad y de practicidad.

El formato influye también mucho en la correcta interpretación de un texto, tanto por su forma como por su tamaño. La figura geométrica mas común en los impresos es el rectángulo aunque también se puede utilizar cuadrados, triángulos, círculos o siluetas de figuras diversas… cada una con sus propias características.

La estética de formato esta en cierto modo supeditada a la utilidad y puesto que lo normal es adoptar la forma rectangular se estudiara la estética del rectángulo. Otra de las razones que el rectángulo que esta de pide sugiere acción, el que está apaisado sugiere tranquilidad. El rectángulo es una figura que en cuanto al papel obtenemos pliegos grandes y seguimos obteniendo rectángulos. Hay otra teoría que a los seres humanos nos gusta el rectángulo por que significa un poco la figura humana. La proporción, es decir, la relación de medidas y tamaños es la primera cualidad que necesita toda figura para ser mas bella. Para que el rectángulo sea agradable debe existir una correcta proporción entre sus lados, asegurada esta proporción se puede reducir o - 10 -

PRODUCCIÓN EDITORIAL ampliar a cualquier medida siempre a modo proporcional, trazando otros rectángulos sobre la diagonal o su prolongación.

a. Proporciones en el rectángulo

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La proporción puede apreciarse con la vista educada o por el método geométrico por que los rectángulos tienen diversidad de proporciones entre el lado mayor y el menor. Tradicionalmente se dividen en dos grupos que son: los rectángulos estáticos y los rectángulos dinámicos, rectángulo áureo.

Rectángulos estáticos: Cuando la relación entre el lado mayor y el menor es un número entero o fraccionario pero racional, es decir, que los dos lados son conmensurables. Esta medida o divisor común se llama modulo.

Rectángulos dinámicos: Cuando el lado mayor y el menos no son conmensurables, es decir, no hay una medida común que esta contenida en un y otro lado, un número exacto de veces, pero en cambio son conmensurables sus cuadrados. Por ejemplo 1 rectángulo normalizado (Din o Une) tiene sus lados en relación 1: 2 sus lados no tienen ningún divisor común exacto pero si en lugar de comparar los lados comparamos los cuadrados de los lados, entonces si son conmensurables esto quiere decir que la relación entre los dos lados solo puede expresarse con un numero irracional.

Rectángulo áureo: entre las posibles proporciones en la relación de los lados del rectángulo la experiencia dice que hay algunas que son más agradables y armónicas, entre estas destaca “de oro” o “divina proporción”. La proporción Áurea que el ojo humano percibe y valora subconscientemente nos la da geométricamente “la división de una recta en media y extrema razón” esta relación Áurea se designa con la letra phi I. Si tenemos en el segmento AB dividirlo en media y extrema razón o hallar su “sección Áurea” es hallar un punto C tal o de manera que una parte A sea a la otra parte B como la parte B es al todo A+B

El es un número algebraico inconmensurable irracional con características únicas y reconocidas en todas las épocas.

La proporción Áurea era conocida por los artistas de la antigüedad clásica: egipcios, griegos, romanos… que observaron - 11 -

PRODUCCIÓN EDITORIAL que en la naturaleza que en la naturaleza existen relaciones constantes y proporcionadas en la medida de todos los detalles y miembros particularmente aquellas figuras que resultan más agradables. Las aplicaron en sus obras artísticas como por ejemplo, el Partenón, Pirámide de Keox, las Estatuas de Fideax y las fijó Pitágoras en forma matemática. En el Siglo XVI se establecieron geométricamente las reglas de la proporción en todas las artes incluida la tipografía y también se aplico esta regla o secciona urea a la arquitectura, pintura, etc.

Proporciones más utilizadas (ver fotocopias) Construcción de formatos 1. Estático: Un rectángulo estático, es fácil de construir si conocemos la relación que debe haber entre sus lados y el valor de uno de ellos hasta dividir el lado conocido por el numero de módulos que tiene para hallar el valor del modulo y con él se construye el otro lado. Ejemplo: nos dan el lado menor de un rectángulo ternario (y por tanto las proporciones son 2:3) lo dividiremos en dos partes y el valor que nos dé, tomado 3 veces nos dará el otro lado.

En caso que nos dé el lado mayor la proporción seria 3:4

También se puede construir calculando simplemente el lado desconocido multiplicando el conocido por la razón si es el mayor por su inversa si es el menor.

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PRODUCCIÓN EDITORIAL La relación entre los lados se expresa en forma de razón que se suele expresar de menor a mayor si fuera mayor a menor seria a la inversa.

2. Rectángulos dinámicos: (normalizado), podemos obtener esta serie anterior partiendo de un cuadrado cualquiera si para cada una se toma como lado mayor la diagonal del anterior.

3. Rectángulos áureos: a. Conociendo el lado menor basta construir un cuadrado que se va a llamar ABCD y hacer centro en el punto medio de uno de sus lados y con un arco que pase por uno de los lados de los vértices opuestos, por ejemplo por el A; se corta la prolongación del lado en que hemos situado el centro F, el punto de intersección F nos da el lado mayor del rectángulo áureo.

b. Conociendo el lado mayor AB trazamos un segmento BC igual a su mitad y perpendicular a una de sus extremos; con un radio igual a su longitud trazamos desde el extremo C de este segmento un arco que corte la recta AC. La distancia AD es la longitud del lado menor.

También se pueden construir rectángulos áureos calculando la longitud del lado desconocido.

Esto seria la razón y la inversa seria

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PRODUCCIÓN EDITORIAL Si nos dan el lado menor lo multiplicaríamos por phi para obtener el lado mayor y si nos dan el lado mayor lo multiplicamos por

b. Proporciones interiores 1. Rectángulo de papel y texto: Según sea el tema y las características técnicas, estéticas y económicas de la edición se elegirá el formato conveniente, compasado entre los rectángulos más usuales y adaptado el que permita un adecuado uso del papel.

Una vez elegido es necesario cuidar las proporciones entre el rectángulo de la página del papel y el rectángulo de la caja de texto. El arte tipográfico nació basándose en los cánones auténticos de la belleza pero poco a poco influido por los distintos estilos artísticos de las diversas épocas fue degenerando. A finales del Siglo XIX y principios de XX puede decirse que había copiado todos los estilos en sus viñetas, iniciales, cabeceras, etc., olvidando casi por completo la importancia de la proporción de la página. Solo bastante después, la labor de algunos estudiosos Jan Ischichol, Raúl M. Rosarivo, han demostrado la calidad de las autentica tipográfica como los libros impresos por Gutemberg y sus cometarios que siguen en sus paginas, una rigurosa proporción matemática sobretodo en la distribución de los márgenes.

2. Márgenes y características económicas: Los márgenes son espacios en blanco que quedan a cada uno de los cuatro lados de una página impresa. Por el lugar que ocupan reciben los nombres de cabeza pie y costados. Antes de determinar los margenes de un libro o folleto conviene saber el fin y uso al que se destina, por que según las caracteristicas de la edici9ón llevara mas o menos abundantes. El area del texto suele ocupar del 30 al 70% de la superficie en las ediciones de batalla el texto ocupa de un 70 a un 75% en las ordinarias el 50% y las de lujo puede llegar hasta el 25% solamente.

Sistema de distribución de margenes (sistema moderno; sistema clasico) Para distribuir el bloque impreso y los márgenes en la pagina del libro, existen diferentes sistemas que van desde el sistema empírico, que se guía únicamente por la vista; hasta el convencional, que adopta como ancho de la pagina la diagonal de un cuadrado cuyo lado tenga la medida de una línea de texto o desde la distribución matemática de la masa del texto, imágenes obtenidas mediante la proporción Áurea u otras hasta la distribución geométrica conseguida con cálculos gráficos, dividiendo y subdividiendo las superficies de la pagina de papel mediante diagonales y líneas verticales y horizontales.

Por su parte los márgenes, en los libros que siguen las normas clásicas, deben aumentar por este orden: lomo, cabeza, corte y pie; en la pagina impar de izquierda a derecha en el sentido de las agujas del reloj.

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En la práctica se usara el sistema mas adecuado a cada caso, alternándose con otros para conseguir las disposiciones variadas en las distintas obras editoriales.

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Sistema Clásico Todos se basan en la norma general de progresión de márgenes. En primer lugar se determinan las dimensiones del rectángulo del texto (caja) basándose en el formato del papel. La altura total de la página del papel, la proporción propia del formato respectivo, la cual quiere decir que su altura debe ser igual a la anchura de la página del papel.

La anchura o medida del texto debe mantener la misma proporción propia del formato respecto a la anchura de la pagina del papel, por lo tanto el rectángulo del texto es semejante al rectángulo del papel, es decir, de iguales proporciones.

Los márgenes de cabeza y pie deben repartirse entre sí el blanco total de altura de la misma proporción y también se hará lo mismo con los del lomo y corte en anchura. Estas reglas no se siguen con todo rigor sino solo de forma aproximada por las proporciones del papel del texto y de los márgenes no siempre son las mismas. Ejemplo: Se pueden emplear textos y márgenes áureos en papel normalizado, etc. En la practica independiente de las dimensiones del papel para distribuir los márgenes el sistema ternario es mas frecuente que ninguno por la gran facilidad de calculo, por eso el método mas usual puede considerarse como regla general es dar al lomo la mitad que al margen de corte; a la cabeza una mitad mas que al lomo y al pie, aproximadamente el doble que la cabeza.

Los diversos métodos de distribución de texto y márgenes tienen generalmente en común estos detalles: La diagonal del rectángulo del texto coincide con la diagonal del papel y esta coincidencia garantiza la armonía de la página.

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Sistemas modernos Los sistemas libres y modernos de disposición de masas de texto e imágenes no se pueden regular por normas e imágenes, no se pueden regular por normas fijas sencillas pero deben ser el resultado de la colaboración entre la fantasía y geometría. En estas disposiciones libres hay que resolver los problemas de armonía, equilibrio, proporción, etc., con educación visual y buen gusto.

Los estilos de imitación clásico exigen disposiciones estáticas de simetría perfecta, colocando los distintos elementos de la página formando masas de peso iguales a ambos lados del eje vertical imaginario que la dividen de arriba abajo

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PRODUCCIÓN EDITORIAL por la mitad. En cambio, los estilos modernos y libres, admiten toda clase de disposiciones mientas mantengan el equilibrio y la armonía indispensables.

Formatos y tipos de edición La proporción Áurea en formato y márgenes, se aplicara sobretodo en las obras que persiguen finalidades estéticas en las que lo que mas cuenta es su elegancia y vistosidad.

P. Áurea: libros de arte, ediciones de bibliófilo, publicaciones caras.

La proporción normalizada (formatos DIN) se emplea mucho en libros corrientes y baratos por su mejor aprovechamiento del papel y en obras de divulgación popular.

P. Normalizada: libros baratos, divulgación popular.

La proporción ternaria, se emplea en libros de estudio y técnicos y en obras cuidadas.

En la práctica en el diseño editorial es la proporción de uso más general.

P. Ternaria: libros técnicos, obras cuidadas.

Proporciones y tamaños Existe una correlación entre las proporciones y los tamaños. Las obras mas lujosas y elegantes suelen adoptar tamaños grandes cercanos al folio clásico (Áurea). Para las obras científicas y técnicas (terciaria) suelen tener tamaños medios que se aproximan al cuarto. Para las obras de batalla y divulgación se suele hacer en normalizado, son formatos pequeños.

Construcción de maquetas (método clásico) 1. Para determinar la pagina base dibujando la maqueta se trazaran las líneas de la caja de texto según el método de los márgenes terciarios obtenidos mediante diagonales

2. Para elegir las medida de la caja de texto se tomara el ancho de la pagina como alto de la caja de texto y se hallara el ancho de la caja por la razón (2,3)

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PRODUCCIÓN EDITORIAL 3. Se distribuirán los márgenes según el sistema clásico de dar al lomo la mitad que al margen de corte, ala cabeza una mitad mas que al lomo y al pie el doble que la cabeza.

DISEÑO DE PÁGINAS División de las páginas de un libro Desde el punto de vista de la compaginación y el diseño, podemos dividir el libro en las siguientes partes: • Pliego de principios: constituyen el pliego de principios, la pagina de cortesía, la anteportada, las licencias, el retrato del autor, la portada, inscripción de la propiedad y pie de imprenta, dedicatoria, introducción (prologo, preámbulo, etc.), pagina de pliego: juicio de prensa, bibliografía, fe de erratas e índice.

Por introducción se entiende el texto que antecede al texto real de la obra, sea cual sea el titulo que se le ponga y su contenido • Cuerpo del libro: se entiende el texto en general o conjunto de composiciones en la que el autor desarrolla la materia propuesta. Forman parte del cuerpo del libro también las notas, sea cual sea su lugar de colocación.

• Al final van los apéndices y el colofón y a veces los índices. Recibe el nombre de apéndice todo tratado, accesorio que se añade a la obra para dar conocimientos complementarios. Se llama colofón a una anotación que se pone en algunos libros indicando el nombre de la imprenta, el lugar y la fecha de edición y otras notas explicatorios.

Pliego de principios • Pagina de cortesía, reciben el nombre de página de cortesía las dos primeras páginas de un libro. En las ediciones de lujo pueden ser 4 o más que aparecen completamente en blanco. Las ediciones económicas no tienen.

• Anteportada o falsa portada, es la pagina impar que precede a la portada propiamente dicha y en ella se pone únicamente el titulo de la obra (a veces incluye el de la colección o el del autor). También reciben el nombre de contraportada las páginas que con este criterio marcan las divisiones de la obra o de las obras que constituyen una colección. En este caso se consigna el subtitulo correspondiente y en la parte superior de la pagina, a cuerpo algo menor que el titulo de la obra. Si se trata de una colección se pueden sustituir el titulo del libro por el de una colección y añadir el número de orden correspondiente. Por regla general el titulo se pone en una línea o a lo sumo en dos, componiéndose a un cuerpo menor que los titulares de la portada y colocándose a ser posible en el centro óptimo de la página. La página siguiente se deja en blanco a no ser que vaya el retrato del autor o una ilustración. Si las anteportadas están en medio del texto de la obra también deben ir en página impar.

• Retrato del autor. Cuando en la obra aparece el retrato del autor o su biografía, se coloca detrás de la portada y enfrentado a la portada. Puede ir impreso en el - 17 -

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mismo pliego o en papel diferente y en este caso la pagina par en la que debería ir colocado queda en blanco. A veces se marca la foto con filetes u orlas. La distribución de blancos de esta página dependerá de sus dimensiones y de la leyenda que lleve debajo, pero siempre con el criterio que sea el pie mayor que la cabeza.

Portada (importante), corresponde a una de las primeras páginas impares del libro en la que se pone el titulo con sus detalles complementarios y también el nombre y apellidos del autor y pie editorial. Cuando sean libros de la misma colección, se sitúan a veces dos portadas: una correspondiente a la del propio tomo, situada en página impar; y la portada de la colección en páginas par. El diseño de ambas debe ser armónico en cuanto a la disposición y caracteres empleados. La portada del libro es la página más importante por que representa al libro y debe estar en consonancia con el carácter y el estilo de la obra. Esta portada puede asemejarse o no a la cubierta de la publicación pero debe ser concordante. o Condiciones que debe reunir la portada.  Debe ser armónica, ofrecer la debida proporción entre sus elementos y que no exista “enfrentamiento” con el estilo tipográfico del libro y el carácter de la obra.  Deberá resaltar el titulo, y si es demasiado grande sus palabras principales.  Debe distribuirse el texto en varias líneas, de modo que predomine la palabra o frase principales sin reducir la claridad de los conceptos secundarios. o El texto de la portada se puede clasificar en los siguientes grupos:  Líneas principales, son las que constituyen el titulo de la obra y el nombre del autor.  Líneas secundarias, son las que complementan a las líneas principales, aclaran conceptos del titulo y exponiendo características de la obra y el autor.  Líneas perdidas, son las que se forman únicamente a base de preposiciones y artículos.  Pie editorial, lo forma el nombre del autor y el lugar de residencia del mismo. o Clases de portadas  Portada regular (clásica), es la que tiene sus líneas compuestas de modo que adopte la forma de jarrón alargado o cáliz, conocido por los nombres de Copa de Médicis o Copa de Vaso de Etrusco.

La disposición es la siguiente: • Titulo • Subtitulo • Nombre del autor • Numero de tomo o edición • Pie editorial Esta disposición corresponde a un diseño tradicional y al empleo actual se reduce a obras de estudio o de inspiración clásica.  Portada irregular (lapidaria), son aquellas que por sus especiales características o a causa de tener mucho texto no se pueden adaptar a la figura regular. Para su composición se tendrán en cuenta los siguientes criterios: - 18 -

PRODUCCIÓN EDITORIAL •

El título principal, a ser posible, debe llenar el ancho de la página.

• El resto de las líneas se colocarán de forma completamente irregular, evitando en lo posible que haya líneas de la misma medida, sobretodo si van seguidas.

• Si no es por causa de un párrafo que doblase, no deberán ponerse dos líneas seguidas al mismo cuerpo de letras.

• Dentro de las portadas irregulares, se encuentran las compuestas, formadas por un sector de portada regular que siempre es la parte superior y el resto formado por uno o varios grupos o según el estilo del libro.  Portada de fantasía, son aquellas que prescindiendo de todo tipo de reglas, se componen solamente, teniendo en cuenta el estilo del libro, la armonía con el contenido y el criterio de diseño.

Pueden llevar elementos decorativos e imprimirse en varias tintas. . o Normas generales para la composición de una portada:  Se deberá componer con tipos de la misma familia iguales o muy parecidos a los empleados en el texto de la obra, en vérsales o en caja baja (minúsculas) según el estilo y carácter del libro.  La composición no deberá alternar líneas de caja baja y caja alta a no ser que después de estudiado, facilite la lectura.  La división de las frases en la portada se hará según el estricto sentido gramatical evitando separaciones que pueden tergiversar el sentido del título.  En la portada no deben aceptarse más abreviaturas que las de los títulos de autor o traductor cuando vayan en la misma línea que el nombre.  Debe evitarse cualquier signo de puntuación, especialmente al final de la línea.  No hay que colocar con letras minúsculas las líneas perdidas, cuando el resto se haya compuesto en caja alta o viceversa. o Características de presentación de la portada:  Debe dar un aspecto de conformidad.  El espaciado de las líneas debe ser proporcional y cuando por necesidades estéticas hubiera que espaciar las letras de un mismo título se aumentará proporcionalmente el espacio entre palabras.  Para separar el título principal y líneas anexas de la parte del pie de página reservado a la editorial, lo mas corriente es colocar una viñeta o el logotipo del editor y si la obra consta de varios volúmenes se pondrá el número de tomo y del volumen en números romanos.  Las medidas generales de mancha del ancho de la portada serán las mismas que las demás páginas de la obra, distribuyendo para ellos los espacios blancos como sea conveniente. o Otras páginas del pliego de principios y final:  Pagina de propiedad: • La propiedad literaria: es el derecho que el autor protegido por la ley, se reserva sobre los productos de su obra. Ese derecho puede ser transferido como cesión, - 19 -

PRODUCCIÓN EDITORIAL venta, herencia, etc. y estar regulado por leyes nacionales e internacionales. Para hacer constar el derecho de propiedad se pone una leyenda que diga “Es propiedad” o “propiedad de” colocada en un lugar visible en la pagina siguiente a la portada. Se añade además el símbolo ©, seguido del nombre del autor o editorial y año de la primera edición. La composición suele efectuarse con cuerpos muy pequeños en dos o más líneas colocadas en el centro o a un lado de la página, solas o entre filetes.

• A continuación suele ir el ISBN, deposito legal y el número estándar internacional de los libros es la inserción obligatoria y consta de las siglas ISBN seguida de un número de diez dígitos. El depósito legal, consta de un número determinado precedido de la palabra depósito legal y la sigla de la ciudad donde se efectúa el depósito.

• Pie de imprenta: Va en las últimas líneas de la última página de propiedad y va precedido de un filete a toda medida, un espacio blanco u otro elemento que le separe de los otros datos. Incluye el nombre y domicilio del establecimiento grafico.

• Otros elementos son: El título en el idioma original en los libros traducidos y el nombre de la editorial que cede los derechos, la numeración de ejemplares (ediciones de lujo) y el número de ediciones con fechas.  Dedicatorias Es la declaración con que el autor dedica su obra a alguna persona en señal de estima o agradecimiento. Se compone de distintas formas predominando la lapidaria o de epígrafe y la de carta en caracteres cursivos. En el primer caso, suele componerse con mayúsculas y nombre de la persona a la que se dedica la obra en caracteres mayores que el resto de la composición. En el segundo, suele ser a la bandera, se coloca en el pliego de principios en una pagina impar, arriba o centrado, que se destinará únicamente a este objeto. También en página impar se pone la cita o citas.  Prefacio, prólogo, etc.

Suele comenzar en la primera página impar después de la dedicatoria, aunque a veces consta de muchas paginas. El prólogo se comenzará llevando como encabezamiento el mismo blanco de los principios del capítulo, pero se compone o en un cuerpo diferente o con mas interlineado o en cursiva.  Juicios de prensa Son las opiniones o críticas de autoridades, personalidades o especialistas alabando o recomendando la obra y que se incluyen en algunos libros después de la primera edición. Se colocan antes del texto comenzando en la página impar o en la solapa de la sobrecubierta. Suelen comunicarse en caracteres algo menores que los del texto y prologo y a medida un poco mas estrecha que el ancho de la caja.

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PRODUCCIÓN EDITORIAL 

Bibliografía Se inserta en los libros científicos y de arte sobretodo y tienen por objeto dar a conocer las fuentes consultadas sobre algunos conceptos que se mencionan en el curso de la obra. Acostumbra a ocupar página a parte de las otras secciones del pliego de principios y pueden ir en página par o impar a una o más columnas según convenga. También se pone con frecuencia al final de la obra.

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Fe de erratas Es una recapitulación de los errores advertidos en la impresión de la obra. Debe de ir en página aparte par o impar, compuesta en caracteres menores a los del texto.  Índice Puede ir al principio o al final del libro compuesto de más caracteres más pequeños que los del texto. Se coloca en página impar normalmente.  Cuerpo de la obra • Pagina: Es la parte del libro en la que el autor desarrolla la materia que trata en el mismo. Las notas pertenecen también al cuerpo de la obra. La primera página del cuerpo de la obra deberá ser siempre impar y se iniciara el texto según la maqueta o una altura aproximadamente dos tercios de la medida total de la página, dejando el resto de la página superior para los títulos o subtítulos o sencillamente blancos para componer adecuadamente títulos y subtítulos del libro. La composición y colocación de los títulos de la obra en la compaginación están supeditados al gusto del diseñador, al tamaño y clase de la obra y a su carácter por lo tanto no hay reglas fijas. El sistema más frecuente es el lapidario haciendo que los títulos y subtítulos adopten la misma forma componiéndose en distintos cuerpos pero de la misma forma componiéndolos en distintos cuerpos pero de la misma familia para dar mayor unidad al conjunto. Los títulos guardaran una determinada gradación según la importancia del concepto que se repetirá en toda la obra.

Utilizando caracteres normales se guarda la conveniente relación empleando para los títulos un cuerpo unos 6 pt mayor que el texto, entre el titulo y subtitulo bastan unos 2 ó 3 pt de diferencia.

• Distribución de blancos (dentro del área de mancha): La colocación de blancos de colocación y espaciado de los títulos y subtítulos en una obra debe de ser uniforme y estar en relación directa con las características de la edición los caracteres utilizados y en interlineado. En las obras de edición económica se pondrán los estrictamente necesarios, las científicas y literarias requieren mas y las

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PRODUCCIÓN EDITORIAL ediciones de lujo, abundantes pero sin exageración. En cuanto a los blancos de los títulos, todo titulo debe llevar 2 terceras partes de su blanco de cabeza y el resto al pie.

En general los blancos de aumentar proporcionalmente según el valor o intensidad de los distintos elementos que obligan al lector a hacer una pausa mayor o menor. Si en los títulos hay dos conceptos, los rangos se pondrán en este orden: el blanco mayor encima de la 1ª línea; el menor en medio de ambas y debajo de la 2ª separándola del texto, un blanco intermedio. En estos blancos de cabecera, de subtitulo y títulos, así como los de formulas, citas en verso, etc. en medio del texto deberán equivaler siempre a un numero de líneas del cuerpo que predomine en la composición de la obra para facilitar el registro. Para hacer las separaciones dentro de los capítulos por cambio de tema, pausas, etc., se emplean líneas blancas, normalmente una sola del mismo cuerpo que el texto, pero en ediciones importantes puede hacerse dos o más.

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PRODUCCIÓN EDITORIAL Tema 8 – Diseño Paraeditorial Parte 1: 1. Principios del diseño de revistas 2. Distribución del espacio 3. El formato 4. Diseño de páginas 5. Paginas especiales y problemáticas a. Portadas b. Paginas de índice c. Paginas problemáticas Parte 2: 1. Principios de diseño de periódicos 2. El formato del periódico 3. La presentación del periódico a. Sistema tradicional b. Sistema de módulos 4. Diseño de paginas a. Uso de marcos b. Uso de titulares c. Uso de fotografías y otras ilustraciones d. Uso del tipo común 5. Disposición de los anuncios en las paginas 6. Preparación de la maqueta 7. Clasificación de las noticias 8. Contraste de titulares 9. Equilibrio en las paginas 10. Armonía en el diseño del periódico a. De apariencia y carácter b. Tipografía c. Tema y lector 11. Compaginación y diseño 12. Estilos de diseños de periódicos: a. Vertical y horizontal b. Circo, simetrico y asimetrico

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PRODUCCIÓN EDITORIAL Parte 1 1. Principios del diseño de revistas Tanto desde el punto de vista del diseño como del contenido, las revistas son una forma híbrida pues tiene alguna de las características del periódico, pero tienen una calidad y un valor duradero similar a los libros. Suelen llevar información más o menos novedosa. También se asemejan a la publicidad en cuanto a que se pone gran atención a su atractivo visual y a veces puede tener metas básicas parecidas a la publicidad como en revistas de organismos oficiales o las que funcionan como órganos internos de algunas empresas. Un primer principio en el diseño de revistas, es que la apariencia de la revista debe adaptarse a sus metas editoriales básicas. Pero incluso dentro de cada una de las categorías de revistas existen diferencias sustanciales por que cada revista individual desarrolla su propio carácter y su apariencia física es un factor importante en dicho carácter.

2. Distribución del espacio El primer paso en el diseño de una revista empieza por la distribución del espacio que consiste en la repartición de la cantidad total del espacio entre los anuncios, artículos, las secciones fijas, etc.

• La publicidad es lo primero que se coloca por que casi siempre es la que mantiene la existencia de la revista. Las dificultades que surgen respecto a la colocación de los anuncios suelen resolverse mediante la colaboración entre los publicistas y el editor.

• Índice o directorio, se sitúa en aun de las primeras paginas, por que sirve para alertar al lector respecto el contenido del ejemplar.

• Las secciones mas importantes o características, se colocan también con frecuencia al final de la revista basándose en estudios 3.

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