Catálogo de Exposiciones de Espacio Menosuno 2005-10 by Espacio Menosuno

Exposición Poétika de Núria Gil en Espacio Menosuno fecha: del X 8 al D 19 Julio 09 L-V 12-14h y 17-20h. S y D 18-21 + info: espaciomenosuno.com Poesía no podría escribirse con Z sin que perdiera algo de la dignidad que la caracteriza, pero lo poético puede lucir una flamante K para convertirse entonces en una poesía abierta que invade la calle y el recorrido cotidiano en la ciudad, que se desprende de la fijación de la letra impresa para resultar una experiencia fugaz dentro del contexto más cotidiano. La POÉTIKA de Núria Gil apuesta por una poesía viva que renueve los espacios urbanos y conceda al viandante un nuevo matiz en su relación con la ciudad: la acera, una papelera, los asientos del metro, la parada del autobús, un árbol en el parque, se convierten en los nuevos soportes de las palabras y, por añadido, de la poesía, en donde la expresión se abre paso a través de los lugares comunes de la experiencia urbana. La artista propone entonces una serie de intervenciones en el espacio público en las que fragmentos poéticos se integren en la calle y el mobiliario urbano de forma más o menos efímera, a la espera de posibles receptores desprevenidos de esta poesía con K intercalada . Queralt Lencinas

Exposición Poétika de Núria Gil Doblas una esquina, vas caminando, en metro o en bus y, cuando menos te lo esperas, ahí está: LA INSPIRACIÓN. Poétika es una iniciativa que pretende arrojar la poesía a la calle, de donde procede, y mostrarse desnuda, como es. Se trata de una homenaje a la cotidianeidad, al entorno urbano inmediato, una reivindicación de los espacios, una invitación a crear, a expresarnos en cualquier lugar. Es el reconocimiento de que la poesía, el arte, está en todas partes. Poétika es una intervención que interactúa con el espacio en el que se desarrolla y las personas que transitan por él. Introduce mensajes en un entorno, dotándoles de un nuevo significado, y lanza una reflexión a quienes hacen uso de ese espacio. Sin importar que cada mensaje físico (cada poema escrito en cinta adhesiva) perdure en el tiempo, porque representan un momento y porque la reflexión/reacción que pueda despertar es más importante que el mensaje. Poétika es una propuesta abierta y viva, no un acontecimiento aislado, por ello se desarrollará periódicamente en distintas ciudades. Todas las intervenciones de Poétika serán documentadas con video y fotografía. El material utilizado serán rotuladores y cintas adhesivas, material básico, al alcance de todos, que enfatiza la idea de que todos podemos acceder al arte. Núria Gil Núria Gil nació en Madrid en 1977, donde reside y trabaja como redactora y guionista. Está diplomada en educación infantil, en guión cinematográfico y en audiovisuales. Desarrolla y participa en proyectos artísticos multidisciplinares -arte conceptual, videoarte, instalaciones, etc.- tanto individual como colectivamente. Desde 2003 forma parte del Colectivo Confusión Group conEdu Bertone, Rafa Bertone, Martín Bochicchio, Baltazar Rodes y Simón Rodes. En 2008 realizó el guión y codirigió “Disculpen las molestias”, cortometraje-performance realizado y producido por Confusión Group, finalista en Cinemad 08, Festival de Cine Independiente y de Culto. Durante 2007 y 2006 realizó varios Colors Notebook en colaboración con CONFUSIÓN que viajaron por todo el mundo: exhibiéndose en el Pompidou / 2006 / París, en la Trienal de Milán / 2007 /, en el Museo de Arte Contemporáneo de Shangai / 2007 /, en TYPOberlin 13th International Conference / 2008 / Berlin, Shiodomeitalia Creative Center (2008) Tokyo, Fabrica Features space in Lisbon (2009) Lisbon. En 2006 publicó su primer libro “Entre nosotros”, ilustrado por diversos artistas.

Exposición Do it yourself – Ni idea en Espacio Menosuno fecha: del X 24 Junio al D 05 Julio L-V 12-14h y 17-20h. S y D 18-21 + info: espaciomenosuno.com El Do It Yourself, es decir, Hazlo Tú Mismo, ha sido una invención del movimiento punk que se refiere a la autoproducción y autopromoción en el mundo de la prensa, la música y la moda. Significa el hacer algo, porque lo quieres hacer, sin fin económico. A partir de esta noción, este colectivo de artistas y arquitectos intenta explorar las aplicaciones del DIY en el arte con una propuesta multidisciplinar. En la exposición participan artistas de España, Grecia y Taiwan que se aproximan al DIY a través de la performance, la instalación, la fotografía, el collage, el dibujo, la pintura y el vídeo. Además, se presenta el fanzine Ni idea, una publicación underground de música y arte que circula en Madrid desde hace dos años. Afroditi Psarra (Atenas, 1982) “Sin título” Composición de cuadros hechos con hilo sobre tela. Con esta obra Afroditi intenta recuperar el valor creativo de las manualidades y del arte de tejer, creando ilustraciones sobre el DIY, el feminismo, los movimientos culturales y musicales, sus propios valores y pensamientos, a través de una estética pop y una manera postmoderna, destruyendo muchas veces el valor antiguo de los términos y asignándoles un significado nuevo. “Memory Feeder” Vídeo de animación realizado a partir de una serie de dibujos sobre la memoria. Daniel Silvo (Madrid,1982) “20 Formas de Doblar un Dólar” Consiste en 20 pequeñas figuras de papiroflexia realizadas con billetes de un dólar. Con esta obra Daniel se pregunta sobre la relación entre trabajo y ocio, así como el valor de la obra de arte. Con absoluta transparencia muestra el valor de cambio de esos objetos ya que el valor material es, evidentemente, el de un dólar. Francisco García Triviño (Cádiz, 1981) “Mi incubadora de ideas” El trabajo que presenta es la colección de 54 imágenes de 31x10 cm en papel de 180 gramos, mutadas y plasmadas en auto-postales, que desencadenan sus deseos y futuras exploraciones de investigación.

Exposición Do it yourself – Ni idea Anthi Kosma (Sparta, 1980) “What' s in the box?” Imágenes de la ciudad transformada expuestas en miniatura, puestas en cajas que se mueven a lo largo de hilos verticales y vistas con lupa. Proceso de miniaturización donde el espectador se reduce en la imagen y se convierte en el ser de la imagen, en un soñador en un viaje al microcosmos. Efi Giannopouolou (Creta, 1979) “Play Puzzle City Game” Dibujo de la ciudad de Madrid en pizarra blanca magnética. Las letras de las calles de la ciudad son de tres dimensiones y llevan un imán. Se mueven en la superficie magnética destruyendo y reconstruyendo la ciudad-puzzle. Katerina Zamzara (Alexandroupoli, 1980) “Habitat” A través de este vídeo intenta demostrar los modos múltiples de tratar el espacio de una monada de vivienda, en este caso el dormitorio, utilizando planos diferentes dibujados en superficie transparente. Maria Varela (Atenas, 1983) “Grow up and blow it up”. Impresión digital e instalación. En su trabajo, María Varela intenta aplicar la idea de la deconstrucción de lo que nos imponen las mentalidades masivas, con el propósito de redefinir estas ideas a través de ciertos símbolos y semióticas. Usando ropa de moda para niños como referencia a la producción industrial y destruyéndola, la autora está intentando desarrollar un nuevo significado social en lo ya existente. Chi-chun Chang (Taiwan, 1984) “Lost Omen” El vídeo que presenta Chi es una historia ficticia sobre un pez que es tragado accidentalmente por una chica, y sus aventuras dentro del cuerpo humano. Combina la técnica de la animación tradicional con el stop motion. The Callas (Atenas, 1974, 1975) Performance en directo e intervención en el espacio. Presentación de su último disco en un DIY escenario-instalación. Una fusión de la estética DIY punk pop, con Felini y las tradiciones locales.

Exposición Desastres cotidianos en Espacio Menosuno fecha: del X13 may al D24 may 09 / del X27 may al D7 jun 09 / del X10 jun al D21 jun 09 L-V 12-14h y 17-20h. S y D 18-21 + info: espaciomenosuno.com Un hecho acontecido a diario, o al menos con cierta frecuencia y periodicidad, se convierte en algo cotidiano. La causa y consecuencia lógicas del quehacer corriente se construyen a través de la vivencia temporal repetitiva. Es entonces un elemento que el hábito o costumbre ha asimilado, es decir, el método de la rutina para vivir el día a día, reduciendo los sobresaltos a su número necesario y con tendencia hacia la monotonía. El desastre es precisamente el sobresalto que altera la línea continua del orden de las cosas. Lo desastroso como fenómeno, puede aparecer de forma esporádica en el acontecer ordinario, alterando la regularidad propia del hábito inmutable; de este modo se puede hablar de un acontecimiento desafortunado, un hecho garrafal o un periodo adverso que destacan por su inusual arribo. En algunos casos, el devenir común tiene una tendencia dramática al desastre, es decir, un sino de carácter funesto que marca un punto de inflexión en la línea del cotidiano, el cual quedará señalado por aquel aciago día, aquella fatídica decisión o ese ominoso suceso de irreversibles consecuencias. ¿Pero qué significa, entonces, un desastre cotidiano? En el supuesto de que estos picos de tensión del desastre dentro del cotidiano adquirieran cierta frecuencia, o incluso tanta como para transformarse en una nueva linealidad, se podría hablar de lo desastroso convertido en cotidiano, o de un cotidiano que adquiere un carácter desastroso.

Exposición Desastres cotidianos

El hecho aciago, el desastre inserto en el cotidiano o el cotidiano inmerso en desastre, la hecatombe final o la fatalidad del día a día,… Todos estos aspectos, y más que surgen, se entrecruzan en esta exposición colectiva con más de veinte propuestas distintas. Desastres cotidianos es pues un encuentro en el que varios artistas, desde los más diversos medios (pintura, fotografía, dibujo, instalación, video,…) reflexionan acerca de lo cotidiano y lo desastroso desentrañando sus múltiples paradojas y formas. Queralt Lencinas

Programa de exposiciones y eventos: 1ª Muestra Fechas de exposición: 13 -24 mayo 09 Performance inaugural: 13 mayo 09: Mario Sarramián Artistas participantes: Nuria Blanco, Mora Huguet, Alfredo Morte, Jonathan Notario, Unai Requejo, Rubi Rincón, Mario Sarramian, Laurita Siles, Annegien van Doorn (HOL) - Verónica Luyo. 2ª Muestra Fechas de exposición: 27 mayo – 07 junio 09 Performance inaugural: 26 mayo 09: Clara Graziolino + Eduardo Huelin Artistas participantes: Marcos Belmonte, Maite Camacho, Jorge Chamorro, Juan García, Clara Graziolino (ITA) + Eduardo Huelin, Patxi Izquierdo, Susana Jiménez, Queralt Lencinas, José Eugenio Mañas. 3ª Muestra Fechas de exposición: 10 - 21 de junio 09 Artistas participantes: Younes Baba-ali (FRA), Antonio Carralón, Jacinto Estévez, Mario Gutiérrez, Cristina Izquierdo, Sangre Menstrual, PAN (Alberto Chinchón y Miguel Palancares), Amparo Pérez, Luis Ángel Romero, Elisabeth Sierra.

Exposición Desastres cotidianos 1ª Muestra Fechas de exposición: 13 -24 mayo 09 Performance inaugural: 13 mayo 09: Mario Sarramián. Nuria Blanco – instalación cunas Jordi Mora – pintura Alfredo Morte - instalación Jonathan Notario – fotografia y maquetas “serie horror en el supermercado” Unai Requejo - acuarela Rubí Rincón – fotografía Mario Sarramián – vídeo 5-7 min. Laurita Siles – vídeo Annegien van Doorn - vídeo¨6 Marías en blue¨ junto a Verónica Luyo y/o la foto ¨Cotton bud smile¨, o de la serie ¨Quiet afternoon”

Exposición Desastres cotidianos 2ª Muestra Fechas de exposición: 27 mayo – 07 junio 09 Performance inaugural: 26 mayo 09: Clara Graziolino + Eduardo Huelin Marcos Belmonte – instalación Maite Camacho - instalación Jorge Chamorro – collage Juan García – fotografía Clara Graziolino + Eduardo Huelin – acción y vídeo Patxi Izquierdo – ejecutable Susana Jiménez – collage Queralt Lencinas – vídeo Jose Eugenio Mañas - fotografía

Exposición Desastres cotidianos 3ª Muestra Fechas de exposición: 10 - 21 de junio 09 Younes Baba-ali – instalación Antonio Carralón - fotografía Jacinto Estévez - instalación Mario Gutiérrez - instalación Sangre Menstrual - fotografía Cristina Izquierdo – serigrafía PAN – vídeo-acción Amparo Pérez – instalación Luis Angel Romero – vídeo proyección sobre camisa blanca Elisabeth Sierra- instalación

Exposición Inventario piso carrer banys nous 15 3º2ª, barcelona & other works de Annegien van Doorn & Verónica Luyo Torres en Espacio Menosuno fecha: del X 10 al D 21 Junio 09 L-V 12-14h y 17-20h. S y D 18-21 + info: espaciomenosuno.com Todos incluimos, en mayor o menor medida, una serie de pequeñas rutinas en nuestra vida cotidiana. Y en nuestras casas, donde somos dueños y señores de lo que nos rodea, imponemos un orden que nos las facilita –si la cafetera y la regadera comparten la encimera es porque mientras desayuno cuido mis plantas–. ¡Qué ardua sería nuestra vida de ser forzados a vivirla bajo el interiorismo de otro! Cabría preguntarse, entonces, si puede haber una posición neutra para los objetos del día a día. Annegien y Verónica encontraron la respuesta en forma de anexo al contrato de alquiler de su apartamento, firmado siete años atrás: un inventario obsesivamente detallado que más bien parece la obra de un artista conceptual en versión agente inmobiliario. Y, documento en mano, ambas artistas procedieron a la recomposición del piso. A través de su video-instalación, podemos ser testigos de un viaje en el tiempo que elimina sistemáticamente los signos de la vida cotidiana de los actuales habitantes del apartamento, y lo devuelve a un estado original tanto o más arbitrario que cualquier otro. Mauro Fariñas

Exposición Inventario piso carrer banys nous 15 3º2ª, barcelona & other works de Annegien van Doorn & Verónica Luyo Torres Annegien van Doorn (Holanda) y Verónica Luyo Torres (Perú) se conocieron en el 2006, cuando se mudaron a España para estudiar un master en bellas artes en la Universidad de Barcelona. Ambas tomaron como punto de partida de su práctica artística su experiencia cotidiana; el proceso de relacionarse con otra ciudad, una cultura diferente y especialmente la manera en que se adaptaban a su nuevo espacio. Durante el verano del 2008 vivieron juntas en un piso compartido en el centro de Barcelona. El piso estaba amueblado con las pertenencias de su primera propietaria, una mujer mayor. En septiembre, el contrato estaba por finalizar y el actual dueño no quería renovarlo. Entonces la agencia inmobiliaria les obligó a ellas y los otros inquilinos a regresar todos los objetos y muebles al lugar que señalaba el inventario original del piso. De no ser así, no se les devolvería el dinero de la garantía. El inventario describía cada objeto de la casa: “servilletas de papel”, “imagen del Papa actual”; a veces su condición: “una botella de licor (medio llena)”; hasta incluso su lugar en la habitación: “el mando del aire acondicionado está encima de ...” Ninguno de los que vivía en el piso en el 2008 lo conoció con su aspecto inicial. El contrato y el inventario se habían firmado en el 2001. Bajo estas circunstancias empezaron a reconstruir las habitaciones del piso en su marco original, siete años después, a través de la interpretación del inventario. En Espacio Menosuno, se presentará por primera vez la vídeo instalación ¨Inventario piso Carrer Banys Nous 15 3º2ª, Barcelona¨, conjuntamente con otros trabajos que las artistas realizaron a partir de su experiencia cotidiana entre 2006 y 2008. Annegien van Doorn & Verónica Luyo Torres Annegien van Doorn se licenció en el 2004 en fotografia en la St. Joost Academy for Art and Design en Breda (Holanda) y Verónica Luyo Torres se graduó en la especialidad de escultura de la Pontificia Universidad Católica del Perú. Ambas cursaron entre el 2006 y 2008 la especialidad de Arte y Contexto Intermedia del Master Producciones Artísticas e Investigación de la Universidad de Barcelona. Durante estos últimos años han expuesto juntas en Breda Photo en Holanda, Optica Festival en París, NIU Espai Artistic Contemporani en Barcelona, Fundació Espais en Girona y el Car Art Festival en Delft. En junio 2009 tienen programada una exposicion y residencia en Youkobo Art Space en Tokyo. Paralelamente, Verónica Luyo ha realizado distintas muestras en Berlín, México, Italia, Lima, entre otros lugares. Su trabajo ha sido mostrado como parte de una retrospectiva de los últimos 25 años de arte contempóraneo en Perú, a partir de la cual se publicó el libro Post-Ilusiones, Arte Crítico en Lima. Por su parte, Annegien van Doorn ha participado en varias exposiciones entre Amsterdam, Rotterdam y Mataró. Obtuvo la beca de la Fundación Arte y Derecho en Madrid y resultó ganadora de la convocatoria para la Sala d'Arte Jove de la Generalitat de Catalunya en Barcelona.

video proyección del inventario

cotton bud smile

Exposición De 0 a 99 años… de Miguel Soler en Espacio Menosuno fecha: del X 15 al D 26 Abril 09 L-V 12-14h y 17-20h. S y D 18-21 + info: espaciomenosuno.com El juego es pactar una serie de reglas o condiciones para que, por un lado, se produzca una situación anómala que no podría darse por sí sola (ej.: Todo sujeto está armado al colocar los dedos índice y pulgar en ángulo recto. El arma se dispara apuntando al blanco con el índice y al grito de ¡bang!); por otro lado, para que lo ocurrido sea puramente lúdico, la situación producida a través de dichas pautas debe ser reversible en sus consecuencias (ej.: Todo el que sea disparado deberá darse por muerto permaneciendo inmóvil y en silencio en el suelo; se reincorporará a la partida en la siguiente ronda, una vez que sólo quede un sujeto en pie, quien será el ganador). De este modo, el juego propicia el tantear y exponerse a situaciones que escapan a la lógica de la causalidad, siendo gestos y actos inofensivos en su experiencia. Miguel Soler nos propone precisamente un juego en el que los cascos de los soldados son de colores o rebosan letras de plástico sobre cojines de terciopelo, o las pistolas son siluetas recortadas en positivo y negativo para encajar como en un puzzle en una mullida manta de juegos. Sus instalaciones y vídeos parecen tan lúdicos como inquietantes. Tener en la mano una pistola de plástico es completamente inofensivo, sin embargo, Miguel Soler crea dicha inquietud al hacer patente esta situación inocua en la que lo lúdico y lo violento se entremezclan: el arma se ridiculiza y el juego se vuelve violento. Queralt Lencinas

Exposición De 0 a 99 años… de Miguel Soler (…) Miguel Soler debe formar parte de un linaje generacional en donde la hermenéutica o la iluminación aparecen ahora, de forma renovada, en escena. Si antaño en las representaciones descriptivas y narrativas sobre las batallas acontecidas, se pretendía hacer apología sobre el poder y honrar así la memoria, ensalzando y vanagloriándose para la posteridad; ahora las representaciones bélicas de Soler, nos evidencian que la guerra que hay que librar se ubica en nuestro interior. Sus objetos viran hacia un punto de reflexión ambivalente, en donde la imposibilidad de despojarnos del mundo, más que alejarnos de él, nos une haciéndonos partícipes, y creando a la vez realidades paralelas que tienen cabida. Podría decirse que es una advertencia, una denuncia social y política, pero nada más lejos de la realidad. El trato irónico, casi sarcástico de sus piezas, siempre con ese toque aséptico, frío y distante que él borda, nos proponen una nueva fórmula de enfrentarnos a todo eso que denominamos entorno o paradigma. En esta nueva etapa, bien planteada, revestida de lo bélico y lo político, sus creaciones tienen que ver muy mucho con lo cuántico y con el hallazgo del pensamiento capaz de vislumbrar el trampantojo. Desnudando a la realidad y mostrando parte de su engranaje, apreciamos una revolución asocial, íntima e impar, en donde una nueva hipótesis formulada desde la emoción más que desde el intelecto, nos expresa un tipo de conceptualismo minimalista propio del eclecticismo contemporáneo dentro de la multidisciplina soleriana. Tanto individualismo no traerá otra cosa que la capacidad para transigir y ser más indulgente con aquello, que en su desarrollo precario, se muestra inmaduro y poco acertado. Para concluir, anunciar que la “estética cuántica”, cada vez más instaurada dentro de la trayectoria de Miguel Soler, nos incita o impulsa a indagar sobre la complejidad humana, utilizando así, su creatividad como un instrumento de conocimiento que vierte posibilidades a favor de la libertad y la identidad personal. Felipe Ortega-Regalado Miguel Soler (Sevilla, 1975) Exposiciones individuales (selección últimos 2 años): 2008 “Concienciada continuidad” MediaFest Galeria Luroa, Las Palmas; “TODO ES POLÍTICA”, Horno de la Ciudadela, Pamplona. 2007 “indiferencia razonada” Centro 14 Alicante. 2006 “conflictos de inercia” Galería Isabel Ignacio, Sevilla; “Perspectiva crítica” Sala Unamuno, Salamanca; “Panorama censor” MUA, Museo de la Universidad de Alicante; “Lenguaje de signos” Baluarte de la Candelaria, Cádiz. Exposiciones colectivas (selección últimos 2 años): “Democracy & Violence” 11Th September, Werkstatt Galerie, Berlin; VIDEOAKT, videoartworld selecction, GloagauAIR, Berlín, Alemania; European Glass Context 2008, Island of Bornholm Dinamarca; Aquí y Ahora, Sala Alcalá 31, comisaria: María Martín; “Visiones” MAVA, Museo del vidrio de Alcorcón, Madrid; ARTCHICAGO´07, Galeria Isabel Ignacio; XLIII Certamen de Artes Plásticas Caja San Fernando, Sevilla; ALBIAC 1ª Bienal internacional Cabo de Gata-Nijar, Almeria; La mirada de la mujer de Lot, Sala de Arte de la Generalitat, Barcelona; Visionarios, Blitz-arte, Sala St. Inés, Sevilla; The Ultimate Art Experience Sala Amadis del Injuve, Madrid; Estética del Olivar, Diputación de Jaén, comisario: Michel Hubert; Abierto 05, Sala San Hermenegildo, Sevilla, comisario: Rubén Barroso. Méritos (selección): Beca Vazquez Diaz ´07 Diputación de Huelva; Mención de Honor Premio BANCAJA, Valencia; Premio XLIII Certamen de Artes Plásticas Caja San Fernando, Sevilla; Premio Arte Joven Castilla y León 2005, Junta de Castilla y León; Representante de España del Premio Intern. Unión Latina Joven en Artes Plásticas´05; Beca producción de proyecto MIDE, Museo Internacional de Electrografía , Cuenca; Accésit Innovación gráfica 1ª Bienal de Grabado y Artes Gráficas de Cáceres. Rights Vs. Left (Dancing guns)

Conflictos de inercia

En blanco

Exposición La línea invisible de Javier Montero y La línea negra de Raphäel Larre en Espacio Menosuno fecha: del X 18 al D 29 Marzo L-V 12-14h y 17-20h. S y D 18-21 + info: espaciomenosuno.com Que el lápiz y el papel han sido herramientas privilegiadas del trabajo de campo no deja lugar a la duda. El naturalista dibuja las alas de un Aedes albopictus en el sudeste asiático, y el escritor apunta la conversación de la mesa vecina. Así hemos compuesto un primer boceto del mundo. Claro que hoy en día ya no resulta tan fácil: ¿Quién se arriesga a una línea quebrada por el renquear del autobús en su nueva moleskine? El dibujo o el texto en crudo parecen estar de capa caída, precisamente, por haberse convertido en un fin en sí mismo: al cuaderno de apuntes del artista le exigimos genialidad en la mirada, carácter en el trazo, y precisión en la mancha de café. Raphäel Larre y Javier Montero escapan de esta tiranía al trabajar en algo parecido a un “bloc de notas en el campo expandido”. Para mantener la inmediatez de la línea, recurren al vídeo; para mantener la espontaneidad del texto, a la instalación. Así ambos artistas, de forma independiente pero perfectamente coherente, nos muestran su trabajo de campo elaborado y traducido, en el que la libertad del apunte rápido se conserva gracias al cruce de disciplinas y soportes. Y a partir de una serie de notas al margen, tomadas de la experiencia cotidiana y filtradas por el humor y la ironía, nos presentan nuestro día a día, esta vez sí, en bruto. Mauro Fariñas

Exposición La línea invisible de Javier Montero y La línea negra de Raphäel Larre Una línea invisible comienza a separarnos en bandos antagónicos. Las acciones emprendidas para destruir el sistema de representación marcan una línea entre bandos enfrentados de personas, que compartimos un pasado emocional común y, hasta hace apenas unos minutos, éramos íntimos amigos. Además, dicho sea de paso, esta exposición elimina el concepto de obra artística. Javier Montero Para la exposición presento una vídeo-instalación de varias animaciones o dibujos en movimiento. Ésta se compone de 7 televisiones (5 con sonido). Es una mexcla de diferentes animaciones. Éstas son de diferentes trabajos recientes y más antiguos que tienen la especificidad de estar dibujados en movimientos cortos y en bucle. Entre cinco segundos y dos minutos. Tratan de escenas cotidianas en el sentido largo del término: escenas de vida francesa, española, política, futbol, cerdo… Cada animación es una interpretación en dibujo de nuestra vida cotidiana. Sería un collage a modo de sátira y humor de nuestra realidad cotidiana. La instalación es una mexcla de diferentes trabajos de dibujos en movimiento que tratan el mismo concepto: una mirada sobre la realidad cotidiana con humor y decisión. No hay una narración precisa pero es el espectador quién hace su propia construcción gracias a la confrontación de diferentes animaciones. Una parte importante es el sonido. Estos sonidos se escuchan juntos (sin cascos) para unificar la instalación, y para amplificar la unión entre las diferentes vídeos en lugar de aislarlas. El proyecto se presenta en bruto para estar en relación con la espontaneidad, la libertad de la línea, del dibujo. Raphäel Larre Javier Montero es artista, performer y escritor. Realiza habitualmente exposiciones de su trabajo artístico, visual y sonoro. Además participa en espectáculos escénicos y ha actuado en numerosos festivales por toda la Península. Dirige el programa La Oveja Negra (Radio Círculo), donde realiza sesiones de performances y literatura sónica en directo. Ha publicado la novela Guerra Ambiental. Es parte del dúo Los Invisible y es comisario del festival antiliteratura. En la actualidad prepara numerosos proyectos artísticos y performances, visibles e invisibles. Raphäel Larre (Francia 1978), es artista plástico graduado por la escuela de Bellas Artes de Quimper y diplomado con Matrícula de Honor en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de París. Ha pasado dos años consecutivos (2006-2008) como miembro en la residencia francesa Casa de Velázquez, implantada en Madrid. Ha participado en varias exposiciones y eventos: en la edición 2007 de la Noche en Blanco con una propuesta de vídeo-intervención urbana y en el XIX Circuito de Artes Plásticas y Fotografía. Además realiza trabajos de dibujo en colaboración con compositores y artistas sonoros. Javier Montero

Raphäel Larre

Exposición Por su seguridad de Mario Gutiérrez en Espacio Menosuno fecha: del X 18 feb al D01 mar 09 L-V 12-14h y 17-20h. S y D 18-21 • info: espaciomenosuno.com •

Exposición Por su seguridad de Mario Gutiérrez Toda presencia en este nuevo mundo civilizado es grabado, clasificado y estudiado. Nuestras mínimas acciones se convierten en archivo infinito de investigaciones privadas de organismos públicos y privados. Somos conscientes de nuestra situación bién camuflada en una vida más relajada, gracias a estos sistemas que ayudan a sentirnos más seguros en este mundo que nos obliga a atemorizarnos ante todo tipo de amenazas, del tipo que sean. Miles de ojos velan “por nuestra seguridad” o por lo menos eso es lo que parece o queremos que parezca. Millones de cámaras controlan todos los entornos posibles de nuestro sistema de seudo-libertad, dichas imágenes repetidas hasta el infinito, producen unas inumerables reproducciones de realidades anónimas y privadas, controladas a su vez por personas de seguridad que tienen que supervisar dicho material, analizarlo y supuestamente sacar algo en claro, alguna faceta que justifique ese despliegue de medios, personas y tecnología. Mi planteamiento ha sido un trabajo de campo e investigación usando los mismos sistemas que nos controlan para reivindicar otros posibles usos artísticos. La idea es muy sencilla, unas videoinstalaciones formadas por un mapa de un posible recorrido por Madrid en el que el controlado es el deambulante, enfrentado a grabaciones en los que los controlados son las propias cámaras, todo ello en un marco en el que el espectador también se sentirá vigilado. Grabaciones de registros insitu y a tiempo real, forman este pequeño panel de control. Mario Gutiérrez Mario Gutiérrez es artista licenciado en Bellas Artes UPV-EHU, comisario de arte, y creativo. Como artista desarrolla desde el 2002 una investigación vinculada al registro de las personas y su relación con el uso del espacio y tiempo en piezas monocanal, video-instalaciones, instalaciones sonoras e interactivas. Su obra se ha podido ver a nivel nacional en el CCCB, Fundación BBVA, Canal de Isabel II, Conde Duque, Festival Loop, Opticafestival; Festival MEM, Feria Madrid Tentación... y a nivel internacional en Perú, México, Francia, Portugal, Holanda, en centros como la Fundación Telefónica de Lima, Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, o el Festival Coutures de Estrasburgo. Compagina su obra con labores de coordinación del Colectivo Menosuno desde el 2001, así como de Espacio Menosuno, centro de experimentación artística, desde el 2005. Además es también cofundador de IN-SONORA, plataforma de para la difusión e investigación del arte sonoro e interactivo, que se desarrolla a nivel internacional, asi como nacional con su V muestra. Ejerce de comisario o crítico de proyectos como el Festival de música y arte experimental Decibelio 06, Festival Qubo Zip 06, Alrevés 04, Instantes 03, apartado de arte de la revistas Qubo, el apartado de Net-Art del Círculo de Bellas Artes de Madrid o la muestra internacional de videoarte DVDProject. Además de ser uno de los promotores de colectivosenred.org registros de calles de madrid vigiladas por su seguridad

tríptico en video de por su seguridad

Exposición Giro en la dirección contraria en cualquier momento de Left Hand Rotation en Espacio Menosuno fecha: del X 4 al D 15 Febrero L-V 12-14h y 17-20h. S y D 18-21 + info: espaciomenosuno.com "No encontrar el camino en una ciudad no significa gran cosa. Pero perderse en una ciudad como se pierde uno en un bosque requiere toda una educación", dice Walter Benjamin1. Y es que parece tarea imposible el romper esos trazados, caminos o límites que marcan la ruta en su recorrido lógico de origen y destino, que anclan nuestros pasos en un repertorio finito de posibilidades. Paralelo sistema el de la cartografía de la información: la estrategia mediática cumple su tarea de trazar el entramado dentro de lo acontecido. El utilitarismo, para la comprensión organizada de lo real, es el fin último. La pérdida de toda referencia de ordenación, es decir, el enfrentamiento al caos orgánico, da paso al pánico. Y es que la inequívoca preeminencia de lo urbanizado en su más amplio sentido es constante en la percepción de lo que se conoce. Tener que enfrentarse al caos o tomar la opción del campo a través es como aspirar a convertir lo urbano en bosque. Left Hand Rotation nos acercan al pánico de lo real a través de la ficción de este entramado sistemático. No solo se pone al descubierto la dificultad del libre merodeo en la ciudad, tal y como se muestra en su pieza Madrid, cerrado por vacaciones, también la ironía de lo absurdo desmantela los mecanismos de lectura de las imágenes en los medios. El enfrentamiento mediático de Félix Vs Cousteau o la farsa montada alrededor de Supported weapons, son igualmente ejemplos de este tipo de gamberrismo visual que caracteriza a este colectivo y marca sus obras. Queralt Lencinas

Citado por Paul Virilio en Ciudad pánico. El afuera comienza aquí, Libros del Zorzal, 2006, p. 13

Exposición Giro en la dirección contraria en cualquier momento de Left Hand Rotation

LEFT (el concepto abstracto) HAND (el objeto, lo material) ROTATION (la acción) es un giro en la dirección contraria que puede producirse en cualquier momento, un tornillo que hay que apretar justo al contrario de lo esperado. Supported Weapons. Un arsenal fruto Félix Vs. Cousteau.

cultura

mainstream,

Las fuerzas de la naturaleza Madrid, cerrado por vacaciones.

enfrentadas.

comando Dos

mujahidin, mártires

invasión

televisivos

del

espacio lucha

visual.

mediática.

La ciudad cerrada por vacaciones puede ser una oportunidad para generar flujos que empujen a la creación de zonas temporalmente autónomas.

Left Hand Rotation es un colectivo artístico (nacido en 2004) que realiza sus proyectos en el ámbito de las ideas principalmente, ya sea desarrolladas en video, instalaciones, arte delictivo, intervenciones urbanas, performance o cualquier formato asumible. Left Hand Rotation ha estado presente en espacios como Liquidación Total, Off Limits, Espacio Menos Uno, en Madrid; y eventos como Infraestructuras Emergentes (Valencia), Óptica: Festival Internacional de Videoarte de Gijón, Festival de Música y Arte Contemporáneo de Albacete, Nowhere State of Art (Desierto de Monegros, Zaragoza); entre otros. Más información: lefthandrotation.com

SUPPORTERD WEAPONS

FÉLIX VS. COUSTEAU

MADRID, CERRADO POR VACACIONES

Exposición Hogar, dulce hogar I Mercado de Nuevos Creadores Amanoamaquina / Can´tbelieveit / Con2tijeras / Confusion group / Creaciones Criollitas / delaO / Silvia Fornie / Marga Garrido / Hi-Hirvi / Hola por qué / Los tocados de Ca / Teresa Negrín / No-time Tolouse / Mario Sarramián / Daniela Setién / Señor Naranja / + revistas (Telamagazine, Iconographic, LookdeBook, Caldo de Cultivo...) + obra pequeño formato artistas espacio menosuno y +...... en Espacio Menosuno fecha: del M 23 Diciembre 08 al D 4 Enero 09 Horario de apertura al público L-D 11-15h. y 17-21h. días festivos cerrado: J25 - X31 – J1 días abierto solo por la mañana 11-15h.: X24 Inauguración Martes 23 de Diciembre a las 21h. + info: espaciomenosuno.com

Es navidad otra vez y esperamos que te sientas como en casa y comentar las buenas de este año. En Espacio Menosuno hay muchas cosas buenas que hablar y ver: moda, accesorios, obra pequeño formato que cuelga de nuestras paredes y que se verían muy bien en las tuyas. Anímate a pasar por nuestro Mercadillo 2008 para celebrar con los amigos, y así aprovechas para conseguir unos regalos únicos; recuerda, sin colas ni TARJETA DE CRÉDITO, sin la duda ¿ya lo tendrá?... todo en la comodidad de nuestro hogar. Marianna Salvioli

Exposición Ver y Mirar. El Detalle de las Letras I Iconographic Magazine en Espacio Menosuno fecha: del J 11 al D 21 Diciembre L-V 12-14h y 17-20h S y D 18-21h. + info: espaciomenosuno.com Caminamos por las calles sin mirar, sin apenas ver. No nos damos cuenta de todos los elementos que nos rodean que nos ayudan a movernos, que nos señalan las rutas, los caminos, las calles, los comercios, los autobuses... Pasamos de leer a ver, las palabras se convierten en formas que reconocemos, visualizamos imágenes, la lectura así se simplifica y hace que pasemos por alto los detalles que las forman. Son las mismas letras que nos permiten leer libros y periódicos, los subtítulos de las películas, los nombres de los discos, las marcas de ropa; esas mismas letras que nuestros ojos no ven. Si empezásemos a observar veríamos todos estos elementos que habitualmente ignoramos, y sin ellos la vida, tal y como la concebimos hoy en día, no sería lo mismo. Si miramos esas letras con detalle las habrá altas y bajas, negras, blancas, de colores, finas y gruesas, luminosas, con sombrero, con pie, recias, modernas y clásicas… Cientos, sino miles, de letras diferentes en nuestras ciudades. En esta exposición queremos, no mostrarlas todas, sería una misión imposible, pero si hacer hincapié en esa diferencia entre ver los elementos que nos rodean y mirarlos, aprender a tener en cuenta nuestro entorno, aplicado a la tipografía, es decir, a las letras. Se podrán ver además los carteles creados en exclusiva para el segundo número de la revista de tipografía Iconographic. Autores de la talla de Andreu Balius, el estudio Vasava o el venezolano Tohyto participaron en un ejercicio de deconstruir la ciudad para reinventarla de nuevo. Iconographic

Exposición Ver y Mirar. El Detalle de las Letras

Iconographic Magazine es una publicación de cultura y teoría del diseño gráfico y tipográfico, editada a nivel nacional. A lo largo de sus cuarenta y cuatro páginas se analiza, discute, reseña y representa un tema elegido previamente por el equipo editorial, Ruben Arnal, Ainhoa Fernandez, Elena Veguillas y Ricardo Peña, y el comité asesor de la revista, compuesto por Begoña Jordá, Montse Más, José Luis Martín y Alvaro García. El primer número de la revista, en el que han colaborado los diseñadores Paco Bascuñán y Andreu Balius, lleva el nombre de Iconographic Magazine 01: Cortar y Pegar . Una mirada hacia el pasado. En el comienzo de la publicación se ha querido revisar los principios del diseño. El segundo número, Ciudad y Tipografía ha contado con la colaboración de Tohito, Vasava, Inma Vera entre otros. Vasava Estudio de comunicación compuesto por diecisiete personas provenientes de diferentes campos y disciplinas, lo que les permite abordar el proceso creativo desde la experimentación, buscando, y encontrando, nuevos valores y tendencias.

Tohyto (Martín Allais), es ilustrador y diseñador gráfico, llegó desde Caracas a Barcelona hace cuatro años de la mano del Festival de Música Sonar y desde entonces trabaja para diferentes agencias, ha colaborado con revistas como IDN, 81plus, I.D o Belio, plagando Europa de su peculiar estilo, en el que la ilustración y la tipografía tienen una fuerte presencia.

Tactelgraphics Estudio formado por Ismael Quintana y Juanma Menero. En activo desde 2005 se dedican a la creación gráfica, el diseño web y multimedia, la ilustración, la fotografía y la producción audiovisual. Laura Cermeño Mas conocida en la web como Laurariii, se define como “una diseñadora gráfica en potencia, amante de la fotografía, la música de The Sunday Drivers, el cmyk y Alex Trochut”. Santiago Usano Martínez Diseñador gráfico titulado en la Escuela de Arte y Diseño de Valencia (EASD). Amparo Berenguer Docente del departamento de dibujo en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia. Aaron Feliu Bensai Alumno del Master en Artes Gráficas de la Universidad Politécnica de Valencia. Francisco Giner Calero Diseñador gráfico. En la actualidad forma parte del estudio de diseño de David Cercos.

Manel

Baptiste Pons

Andreu Balius Diseñador hiperactivo dentro del panorama tipográfico: diseñador de tipos, fundador de proyectos como TypeRepublic, Garcia fonts & Co, Typerware o GRRR, conferenciante, docente y todo lo imaginable que tenga que ver con la tipografía. Por sus manos pasó el proyecto Super Veloz y algunas de sus fuentes han sido premiada con la excelencia por el TDC de Nueba York. Roberto Alonso Diseñador gráfico e ilustrador, ha colaborado en revistas como Belio, maquetado y diseñado fanzines. En la actualidad forma parte del estudio gráfico bilbaíno Moriwase. Verdemalaquita Estudio de diseño multidisciplinar formado por Ricardo González Rosell y Mario Pedret Llorens, (licenciado en Bellas Artes e Ingeniero Técnico en Diseño Industrial respectivamente). Alumnos de Tipografía, Master CEU08 Ejercicio colectivo de los alumnos del Master de Tipografía del CEU (Valencia): Lucía Benavente, Javier Carrión, Marthe Drucbert, Inés Fuertes, Nacho Lozano, Gonzalo Llorens, Pablo Mestre [profesor], Daniel Molero, Reyes Mora, Laura Pérez y Sophie Vissière.

Carlos Cabañas

Iconographic Magazine

Tomás Gorria

Exposición Apariencias Discretas I Ebba Rohweder en Espacio Menosuno fecha: del X 26 Noviembre al D 7 Diciembre L-V 12-14h y 17-20h. S y D 18-21 + info: espaciomenosuno.com Ebba Rohweder, compositora y vídeoartista, lleva varios años experimentando con la música electroacústica y las imágenes, consiguiendo en sus videocomposiciones un ensamblaje mágico que fructifica en unas obras cargadas de poética, capaces de golpear el alma humana. En estas vídeocomposiciones la música no se subordina a la imagen, sino que ambos elementos conforman un todo, destruyendo las relaciones jerárquicas en las que se suelen mover otro tipo de manifestaciones audiovisuales. La música electroacústica, generada a través de grabaciones analógicas manipuladas digitalmente por la propia artista, es el eje conductor en estas creaciones, en torno al cual se estructuran una serie de imágenes que la complementan. Estas imágenes, alteradas también a posteriori, tienen diversas procedencias y en muchas ocasiones una estética orgánica que reproduce formas abstractas, introduciendo en dichas creaciones cualidades pictóricas. La atmósfera creada a través de estos elementos transluce sensaciones sobre la existencia humana, la vida o los sentimientos en un juego estético que prácticamente acaricia todos los sentidos. La idea de Rohweder para esta exposición es aunar las disciplinas que maneja habitualmente. Incluirá una vídeoproyección, audiciones de obras radiofónicas, la proyección de algunas de estas videocomposiciones, una instalación sonora para el baño, performance, conciertos y conferencias. Ana Martín

Exposición Apariencias Discretas

Los cambios a veces son muy sutiles, solamente pequeñas modificaciones, apariciones discretas que parece insignificantes. Poco a poco se acumulan, se hacen más y más grandes, se solidifican creando otra realidad. Quieres moverte sin dejarte mover. Has creado un mundo pequeño y te gusta. Tiene sus comodidades, sus certezas, sus costumbres, está claro. Y hay sitio reservado para sorpresas.

¿Te da miedo? Haces un salto: El mundo aún es más amplio, hay una realidad más allá de lo visible, más grande de lo que hasta ahora has imaginado. Y algunas semanas después ha cambiado todo y me sorprende la mirada que tenía de mí. Hay una soledad total – te pierdes en el espacio y por fin tienes intimidad contigo misma y te da un sentimiento de libertad, de grandeza y energía atemporal, expansión grandiosa y te das cuenta que estás sonriendo... Ebba Rohweder Ebba Rohweder se gradúa en la Escuela Superior Folkwang Hochschule Essen de Alemania, especializándose en música contemporánea, improvisación, performance y composición entre 1985 y 1991. En estos años co-funda ConGioco Esemble de música experimental. Desde 2001 trabaja en los estudios de música electrónica del LIEM/ CdMC de Madrid y de la Universidad Técnica de Berlín. Su obra se ha podido ver en multitud de eventos en diferentes países europeos como Alemanía, Francia, Dinamarca... En 2004 se traslada a Madrid, desde donde lleva coordinando varias ediciones del Festival Internacional de Improvisación Hurta Cordel, en La Casa Encendida. Ha participado poniendo la música en directo a clásicos del cine mudo como Metrópolis en Compañía...Más Música presenta Cine mudo con música en directo junto a Gregorio Kazaroff en 2007; El Acorazado Potemkim en la Galería El Cruce en 2006;o en el Círculo de Bellas Artes. En el año 2005 compuso la música para la vídeo instalación Casting - Las tres dimensiones del Quijote de Eva Lootz, que tuvo lugar en el museo Reina Sofía. Y en 2007 dentro de las XIV Jornadas de informática y electrónica musical de esta misma institución proyectó la videocomposición s.t. (versión para 18 canales), obra que había presentado con anterioridad en el Instituto Cervantes de París. Estos son algunos ejemplos de una larga trayectoria que se puede consultar en su página web http://www.ebbarohweder.com

Exposición La Sección Transversal

Mireia Berenger – Elisa Fernández – Marla Freire – Fernando Giménez – Left Hand Rotation – Blanca Lizaso – Juan García Perrote

en Espacio Menosuno fecha: del X 12 al D 23 Noviembre L-V 12-14h y 17-20h. S y D 18-21 + info: espaciomenosuno.com El tratado de anatomía es el manual de conocimiento del cuerpo en sus escondidos recovecos y divisiones imposibles. La disección, ejercicio de exploración, divide a la mole en unidades temáticas. El bisturí incide en la carne siguiendo el trazo de la línea intermitente y abre interiores resguardados. De este modo, el cuerpo/discurso se ha fragmentado, y cada sección muestra una vista inédita y nuevas perspectivas inesperadas. El cuerpo en la mesa de disección se convierte en modo de experiencia y herramienta de auto-observación. Los artistas que componen esta exposición se reúnen en su búsqueda bajo este signo del cuerpo y sus múltiples vertientes. Encontramos el cuerpo ausente, cuyo rastro son las telas suspendidas de los moldes de Blanca Lizaso; el cuerpo convertido en patrón como en las ingrávidas esculturas de Fernando Giménez; el cuerpo topográfico en los dibujos de Juan García; el cuerpo como vehículo de expresión en la danza performativa de Elisa Fernández; el cuerpo versátil, bajo los dominios de la cirugía estética en los vídeos de Mireia Berenguer o visto desde la ironía de Left Hand Rotation, cuya instalación se centra en la increíble flexibilidad de las piernas de Jean Claude Van-Damme, capacidad fruto del quirófano; no olvidar tampoco el cuerpo erótico expresado en los objetos que componen la instalación de Marla Freire.De este modo, la propuesta es un punto de reflexión que sirve de mirada introspectiva y reconocimiento mutuo.

Exposición La Sección Transversal Mireia Berenger – Elisa Fernández – Marla Freire – Fernando Giménez – Left Hand Rotation – Blanca Lizaso – Juan García-Perrote

Las obras nos reflejan a nosotros mismos en toda nuestra corporeidad. La exposición recoge la obra de dos artistas que trabajan técnicas y materiales diferentes, materializando así un cruce de caminos entorno al concepto de representación de realidad subjetiva. Queralt Mireia Berenger vídeo artista que ha participado en exposiciones nacionales e internacionales, como One Minute Film & Video Festival, en Suiza.

Elisa Fernández artista multidisciplinar dedicada al baile. Ha participado en ferias y exposiciones nacionales como bailadora y coreógrafa.

Marla Freire artista chilena, especializada en intervenciones espaciales y performance. Ha participado en diversas exposiciones tanto individuales como colectivas y obtuvo el Grado Académico de Licenciada en Arte en la Universidad de Playa Ancha.

Fernando Giménez artista multidisciplinar, su trabajo está entre la fotografía, la escultura, el dibujo... contando con registros muy diferentes. Ha participado en PhotoEspaña como asistente personal de fotógrafos célebres como Martin Parr y Bruno Barbey y recientemente mostró su proyecto individual Reality Show en Espacio Menosuno.

Left Hand Rotation colectivo artístico cuyos proyectos incluyen acciones urbanas, vídeos, un canal de televisión falso (HereNowTV), y otros muchos proyectos que contienen una buena dosis de crítica e ironía.

Blanca Lizaso escultora y pintora cuya obra gira en torno al tema del cuerpo, o el vaciado del mismo.

Juan García-Perrote artista interesado en la exploración de las formas y lo visual desde diversas disciplinas; pintura, fotografía, collage...

Juan García Perrote

Mereria Berenger

Blanca Lizaso

Marla Freire

Fernando Giménez

Elisa Fernández

Left Hand Rotation

Exposición Manifiesto Bufo I Pan en Espacio Menosuno fecha: del X 29 Octubre al D 9 Noviembre L-V 12-14h y 17-20h S y D 18-21h. + info: espaciomenosuno.com La ruptura de los cánones establecidos siempre abre el camino a nuevas creaciones, destruir lo que ya existe obliga a buscar nuevas soluciones. El pensamiento filosófico y estético ha ahondado en esta idea contraponiendo la figura de Dioniso (representación del Caos) a la de Apolo (representación del Orden). Siguiendo esta línea ideológica, Pan era un semidios al que se le atribuían dones proféticos que acompañaba a Dioniso en su cortejo y con el que comparte características similares; PAN, no en vano, es también el nombre que han elegido Miguel Palancares y Alberto Chinchón para englobar las creaciones que realizan juntos. Su línea de creación está relacionada con la ruptura de estilos y normas, incluidos los suyos propios, puesto que esta exposición supone una especie de retrospectiva de sus últimos trabajos conjuntos. Manifiesto Bufo es el elemento de ruptura en las creaciones de PAN, una oportunidad para conocer aquellos trabajos que sólo han tenido lugar en el momento en el que fueron desarrollados y una reflexión sobre el mercado, el arte y la búsqueda de nuevas vías de expresión. Ana Martín

Exposición Manifiesto Bufo

Alberto Chinchón y Miguel Palancares son performers que desarrollan su trabajo en Madrid. Afirman con vehemencia que para el artista el arte no puede durar más que el instante de la realización y que repetirse es exponerse a ser domesticado por el mercado. Saltándose este principio, aparentemente, ahora se exhibirán durante quince días en la sala MENOSUNO de Madrid. Promover esta exposición significa para ellos demarcar, generar una línea fronteriza en su producción. Su trabajo de los últimos años adquirirá sentido en esta muestra, permitirá una lectura más adecuada, casi panorámica de su realización y como ellos mismos dicen: "poder reunir aquí nuestras acciones será construir un muro que dará soporte a una puerta, un acceso a un nuevo camino, nos facilitará una visión mucho más extensa, también más dolorosa del desolador panorama arte que nos circunda".

Miguel Palancares artista multidisciplinar, poeta e investigador, trabaja en la idea de asociar arte y vida, cualquier lugar es el adecuado para realizar una intervención o realizar una obra. Experimenta repetidamente en sus obras con el concepto de existencia y los soportes de la misma. En la actualidad es profesor remunerado por la Comunidad de Madrid. Alberto Chinchón artista plástico que ha pertenecido a varios colectivos de performers (JAM o PAN) ha participado en varios encuentros nacionales e internacionales, como la exposición Deformes en Santiago de Chile. Entre sus exposiciones de vídeo y vídeo instalación se cuentan Generaciones, Inéditos, ha expuesto en la Galería Pi&Margall, La Noche en Blanco, El Matadero... En la actualidad también es profesor. Ambos han participado en varias convocatorias de Espacio Menosuno, la última Do not Disturb.

Alterofobia

Disputa entre artistas

Interferencias

Amoratados

Accionados

Exposición IN-SONORA IV Muestra de arte sonoro e interactivo I Alejandro Casales, Alejandro González Novoa, Alicia Grueso y Felipe Nuñez en Espacio Menosuno fecha: del M 14 al D26 de octubre L-V 12-14h y 17-20h S y D 18-21h. + info: espaciomenosuno.com + info completa:in-sonora.com Espacio Menosuno, dentro de la programación de la muestra IN-SONORAIV, presenta las instalaciones de cuatro artistas sonoros; Alejandro Casales, Alejandro González Novoa y Alicia Grueso, y la intervención sonora de Felipe Nuñez, que tendrá lugar el día de la inauguración (14oct.) a las 21-22-23h. Además habrá una zona de audición abierta al público en la que se podrá escuchar las piezas sonoras experimentales de más de 50 artistas de diferentes nacionalidades. IN-SONORA IV es una muestra que busca dar apoyo y difusión a propuestas artísticas relacionadas con lo sonoro, la interactividad y las manifestaciones que surgen entre estas y otras corrientes artísticas. Para esta edición cuenta con el apoyo de 11 espacios de Madrid y el de más de 50 artistas entre nacionales e internacionales que presentan instalaciones, eventos, piezas audibles, visuales, interactivos, forman parte de las conferencias o imparten alguno de los 4 talleres que se van a desarrollar en Intermediae. Si quieres conocer la información completa de la muestra visita: www.in-sonora.com

Exposición IN-SONORA IV Muestra de arte sonoro e interactivo

Alejandro Casales (méxico) No handing over / Instalación sonora Escultura que representa visualmente la onda de un sonido generado previamente, toda la escultura está formada por piezas de instrumentos sonoros; baterías, megáfono... En la sala estará también el sonido del cual parte dicha escultura, compuesta por el artista e interpretada por: Clarinete, Percusión, Electroacústica: Alejandro Casales / Voz: María del Carmen Navarrete / Trombón: Arteria Verde. Alejandro González Novoa (argentina) No derroche agua!...Ni siquiera una gota / Instalación sonora Por unos altavoces que emulan ser lavabos podemos escuchar: en el primero a la izquierda un chorro de agua constante y en el segundo gotas de forma ininterrumpida. Esta advertencia un tanto publicitaria funciona y es viable en el sentido que para tal efecto y mensaje no esta derrochando agua. Así el objeto parlante cumple una doble función: por un lado tiene forma de recipiente, como algo que podemos verter en el, por otro lado emite sonidos (chorros y gotas) en reemplazo del agua que no está. Alicia Grueso (españa) Reconocer / Instalación sonora e interactiva Todos los reconocimientos que se expresan en los demás, se vierten hacia el otro. Mi propuesta invierte este proceso. Propongo una exploración intima, cara a cara con la identidad. Un momento de auto-reconocimiento, por medio de la escucha profunda, en un sonido esencial del ser. El latido del cuerpo y el corazón. Sala vacía, en penumbra y en el centro nos encontramos con un fonendoscopio iluminado, este aparato utilizado en la práctica de la medicina nos va a servir para conectar, o poner en consonancia, directamente los oidos (con su “almohadilla” en forma de auriculares), con el cuerpo, (el pecho, los pulmones)… Felipe Nuñez (méxico) Aullido / Intervención sonora. 5´ en tres pases 21-22-23h. el Martes 14 oct. A partir del poema de Allen Gisnberg, “Aullido”, ícono representativo de la cultura beat. Propone realizar una instalación sonora basada en un aullido de lobo que será emitido a la vía pública, la noche del 14 de octubre; día en que se presenta la Luna llena del mes. Alejandro Casales

Alejandro González Novoa

Alicia Grueso

Felipe Nuñez

pequeño pueblo de pescadores en la costa andaluza: Marbella. Allí nacieron sus dos hijas, Laurita y Teba. Una vida documentada, en la que no sólo se aprecia la historia de una familia en particular, sino de cualquier familia en la época de la transición y los años venideros. Esta exposición consiste en una retrospectiva sobre todo el trabajo de Antonio dividida en cinco partes principales: - El artista, sus orígenes, su obra - Marruecos y el Hotel Villa de France - Antonio y la música, Los Condors - Maleni, su musa - Sus niñas Además de una pequeña sección con las hojas de contactos y prue-

bas del “mago de la bombilla roja” que pasaba horas y horas encerrado en un cuartito de fotos haciendo “magia”. La exhibición, aunque se centra mayoritariamente en la obra fotográfica del artista, también contará con alguna sorpresa sonora y por supuesto con música de Los Condors. Y esta exposición no se podría inaugurar sin la colaboración de Maleni, quien ofrecerá un exquisito catering, cuya mezcla de sabores conquistará a todos los asistentes. Antonio Siles expone por primera vez en Madrid en el Espacio Menos, pero los más curioso es que él no lo sabra hasta el día de la inauguración.

Tal vez “Mi padre es un artista, pero él no lo sabe” sea un regalo de unas hijas a un padre, tal vez le sorprenda, pero estamos seguro que no sólo a él

Exposición Historias ficticias, desocultaciones, outsiders I Raúl G. Collado - Mario Sarramián en Espacio Menosuno fecha: del M 16 al D 28 Septiembre L-V 12-14h y 17-20h. S y D 18-21 + info: espacio.menos1.com La exposición recoge la obra de dos artistas que trabajan técnicas y materiales diferentes, materializando asi un cruce de caminos entorno al concepto de representación de realidad subjetiva. Mario Samarrián experimenta en sus trabajos con la fotografía y el vídeo interesándose por el arte conceptual. Para esta exposición plantea como transfondo diferentes percepciones de la realidad convencional. Utilizando como medio de expresión el vídeo, atrapa pequeños instantes donde distorsiona el transcurso del tiempo para revelar otras realidades que de otro modo pasan desapercibidas a nuestros sentidos. Esta nueva realidad, creada a través de la utilización subjetiva del tiempo proporciona una serie de imágenes cargadas de una gran poética visual. Su trabajo se completa con una parte gráfica compuesta por figuras antropomorfas, representaciones de otros modos de existencia. Las obras de Raúl García han girado en torno al empleo del óleo y el collage para centrar su experimentación plástica en la abstracción. Tomando como punto de partida esta experimentación, ahonda para esta muestra en la representación de realidades imaginarias; este trabajo tiene como resultado una serie de ilustraciones que dan lugar a animaciones que crearán una videoinstalación multicanal. Dos propuestas de vídeo que conformarman un nuevo campo de experimentación para ambos artistas. Ana Martín

Exposición Historias ficticias, desocultaciones, outsiders I Raúl G. Collado - Mario Sarramián Outsiders Un outsider es una persona de fuera, un forastero. Es un forastero en la realidad o en el sistema en que nos toca vivir. Algunas personas, tratando de alcanzar un no-sé-qué con sus actos y actitudes, bucean en la realidad (o en la irrealidad) a ciegas, muy probablemente de manera inútil, improductiva, poco o nada rentable y satisfactoria (desde el punto de vista del sistema). Para el outsider, lo inútil es útil, lo improductivo es productivo, lo ruinoso es espléndido y excitante. Desocultaciones [videopoemas] Ralentizar la realidad grabada (registrada en vídeo) rescata del ocultamiento, de la pérdida (también de la perdición) y del olvido hechos que, de otro modo, no veríamos, quedando éstos velados, escondidos, ocultos, perdidos, olvidados... Cada Desocultación es un microvídeo de 12 seg (3 seg ralentizados); es, en sí misma, una aparición que intenta presentar la verdad de un hecho concreto. Mario Sarramián

La serie de dibujos animados que empecé a realizar a principios del año 2006 supuso para mí otra manera de pensar el trabajo en la creación plástica. Mis pinturas. Esta vez en Espacio Menosuno no presento pintura. Aun así quiero hablar de mi faceta como pintor por que es la base sobre la que se elaboran mis posteriores trabajos, donde aparece mi interés por el pensamiento abstracto y la relación directa que encuentro con el lenguaje de la imaginación. Historias ficticias. Una ficción es una realidad mágica donde todo puede suceder, donde un mago saca delante de nuestros ojos un pájaro blanco de una chistera, cuando vemos en la televisión que han puesto el dibujo animado de una esponja teniendo una conversación con un pez, e incluso cuando me levanto por la mañana y observo un cielo azul con una bola de fuego flotando que me proyecta directamente su luz. < La obra de arte no debe tener ni sentido común ni lógica, y en este sentido esta muy próxima a los sueños y al espíritu infantil>. Giorgio de Chirico Raúl G. Collado

Raúl y Mario han expuesto en varias ocasiones en Espacio Menosuno. Raúl García miembro del colectivo menos1, ha participado en las colectivas Procesos, Memoria de lo habitado, Do not disturb y llevó a cabo una individual en la que trataba el tema del proceso creativo y el crecimiento de las formas. Premiado por la Comunidad de Madrid en la convocatoria de Circuitos de 2005, sus obras están entre los fondos del Ayuntamiento de Aranjuez. Mario Samarrián ha intervenido en la colectivas Lo Minúsculo, Versus y Paraiso.

Exposición Made by myself I 3º Ciclo de Escena en Espacio Menosuno en Espacio Menosuno fecha: del M 9 al S 13 Septiembre + info: espaciomenosuno.com Made by Myself es un ciclo de eventos (danza, teatro, música y performance), talleres, videoproyecciones y coloquios en torno a la creación escénica y peRformativa autoproducida. Made by Myself surge como respuesta a la necesidad de dar visibilidad a diversas formas escénicas y performativas cuyo nexo es la autoproducción: el autor/es es el propio intérprete/es. Estas propuestas se inscriben en la creación contemporánea debido a su multidisciplinaridad y su utilización de espacios no convencionales para su presentación, invitando al público a asistir a diversos procesos creativos, ya que las piezas presentadas se encuentran en un ritmo constante de puesta a prueba y una continua renovación . Made by Myself es una plataforma de encuentro y diálogo entre artistas provenientes de diferentes regiones de España y de otros países que están interesados en llevar a cabo un encuentro cercano y real con el público madrileño. Este ciclo de eventos proporciona a los participantes la posibilidad de intercambiar sus métodos de trabajo y de compartirlos con el espectador en forma de presentaciones, talleres y coloquios que ayuden a la comprensión de los diversos sistemas de producción empleados por los artistas, generando así el diálogo entre actor y espectador. Dicho intercambio ayudará favorablemente al desarrollo de las diferentes propuestas dándoles la oportunidad de crear un material único: la respuesta del público.

Exposición Made by myself I 3º Ciclo de Escena en Espacio Menosuno Concepto y coordinación: Teresa Acevedo acevedo_teresa@hotmail.com 659096626 / 915186854 Información y reservas:

Espacio Menosuno C/La Palma 28, Madrid metro: Tribunal info@espaciomenosuno.com 915213584

Programa y horario de actividades Taller Exploración y composición del movimiento. Impartido por Carmen Pereiro del martes 09/09/2008 al viernes 12/09/2008, 17h00 19h30 - Martes 09/09/2008: . 21h00: Performance y acción – Duo, de Pepe Murciego&Roxana Popelka . 21h30: Amor Doble Amor, performance voz y movimiento Miércoles 10/09/2008: . 21h00: proyección de video a cargo de Valérie Lanciaux . 22h00: Sonido que surge del movimiento, de Javier Aparicio y Caroline Pastor. Danza y tecnología Jueves 11/09/2008 . 21h00: Para Renacer, de Lucía Marote. Performance danza - Viernes 12/09/2008: . 22h00: Hora infinita, de Italo Panfichi y Simona Ferrar. Acción teatral - Sábado 13/09/2008: . 22h00: 100 cosas mejores que hacer en la noche en blanco de Paloma Calle y Monoperro. Dentro de la Programación de La Noche en Blanco con la colaboración de Ayto. de Madrid

Exposición Made by myself I 3º Ciclo de Escena en Espacio Menosuno TALLER CON CARMEN PEREIRO del martes 9 al viernes 12 de septiembre de 17h a 20h Exploración, improvisación y composición del movimiento Dirigido a personas con interés en el cuerpo como materia artística El taller tiene como pilares fundamentales: . Utilizar diferentes pautas que nos sirvan de telar para investigar calidades de movimiento y desarrollar una poética particular. . Trabajar con el poder del imaginario físico, la intuición y los niveles de asociación. . Atravesar diferentes niveles de escritura y estimular la claridad de un enunciado que defina “qué es lo que estamos haciendo”. Se utilizarán distintas herramientas para explorar, improvisar, componer en tiempo real y crear. Algunas de ellas: # Pautas de exploración de base física. Influencias de Body Mind Centering, contact-improvistation, release technique, flying low. Abordaremos la exploración del movimiento a partir de la auto observación, conciencia corporal, el estímulo de la sensibilidad y escucha, la atención sobre la percepción y el foco. Desarrollaremos el conocimiento sobre el propio cuerpo, nuestra respiración y organización física, la relación con el tiempo, el espacio y los otros. # Los tunning scores de Lisa Nelson, un sistema de feedback para observar la toma de decisiones en el momento en que la danza está siendo creada. Especial interés en el sentido de la vista y la composición de la danza en relación al contexto y la mirada. # La escritura automática en el espacio, entre otros trabajado por Vera Mantero. Estimula la asociación libre, da disponibilidad y apertura del bailarín en relación al entorno, evidencia hábitos creativos y con el tiempo se van descubriendo capas de danzas desconocidas. # Trabajo con “partituras” diversas como una pieza sonora, un texto, una imagen, un objeto, una situación, un lugar, un objeto, etc. Tratamiento de la misma con diferentes niveles de relación –literal, abstracta, rítmica, plástica- enfatizando con esto el cruce de disciplinas y la apertura del lenguaje coreográfico. Las propuestas pueden ser individuales, de a dos y grupales.

Exposición Made by myself I 3º Ciclo de Escena en Espacio Menosuno Performance y Acción- Duo Roxana Popelka se inicia en la literatura en 1989, desarrollando paralelamente un proyecto interdisciplinar: codirectora de la revista literaria y artística Lunula, codirectora y guionista de cortometrajes, y artista de acción (desde 1997). Pepe Murciego es coeditor de revista experimental de arte La Más Bella, codirector de los proyectos Bellamátic y Bellascopio, organizador de eventos artísticos y artista de acción (desde 1999), con los proyectos: 2006●Adiós Pluto! y Love Boat, dos acciones de Suvi Parrilla y Leena Kela, reinterpretadas para el proyecto de intercambio con artistas finlandeses Jamón-Kinkkua. Círculo de Bellas Artes de Madrid. ● Un largo día finlandés, proyecto Jamón-Kinkkua. Muu Galleri. Helsinki. Finlandia. 2007● Acerca de vuelos y tormentas. Contenedores 07. Festival Arte de Acción. Sevilla. ● De lo dulce a lo salado. Galería Centro Arte Moderno. Madrid. ● ¡Adiós Putón!. Edita 07. Punta Umbría. Huelva. ● Las mismas piedras, los mismos labios. Cuerpo a Cuerpo. La Regenta. Gran Canaria. ● Acerca de vuelos y tormentas, y otras asignaturas pendientes. Mirador 07. Intermediae - Matadero. Madrid. ● Nace Crece Desemboca. XIV Bienal de Cerveira. Grupopoeta MM7. Portugal. ● Esto no es casual. La Muga Caula. Les Escaules. Girona. ● Hecho a mano. InFluxus. Museo Vostell - Malpartida. Malpartida de Cáceres. ● Acerca de vuelos y tormentas, y otras asignaturas pendientes. La Más Bella en Zé Dos Bois. Lisboa. ● Nace Pasa Desemboca. Circo de Pulgas. Madrid 200 ● Foto-performance: ¿Dónde has estado?. Revista La Más Bella De Pega.

Exposición Made by myself I 3º Ciclo de Escena en Espacio Menosuno AMOR DOBLE AMOR Performance Voz y Movimiento de Valérie Lanciaux y Carmen Pereiro Numer Este proyecto trata del encuentro de dos artistas con la voluntad de trabajar juntas sobre la voz y la danza. Se proponen explorar el cuerpo como instrumento-movimiento para recorrer lugares de encuentro y vibración. La voz, la presencia del texto y del canto como materia sonora que dibuja un gesto. La danza como vibración musical. Viajes, influencia y contaminación de frecuencias. ¿Qué canto se va a crear? Valérie Lanciaux se forma como actriz con el Collectif Théâtral du Hainaut-Jeune Théâtre International (Valenciennes/Francia) y trabaja con la compañía entre 1995 y 2008.Descubre la danza contemporánea y co-dirige el festival “Lignes de Corps” con Philippe Asselin (director del Jeune Théâtre International y del Espace Pier Paolo Pasolini).Filma y hace edición de videos documentales sobre el trabajo de artistas a partir de entrevistas y imágenes de ensayos (con Myriam Gourfink, Elena Córdoba, Daria Faïn, DD Dorvillier, Jan Ritsema, Mónica Valenciano, Isabelle Schad, Vera Mantero…).Sus próximos proyectos de video tratan sobre mujeres viviendo en Madrid y Paris y sobre el trabajo de coreógrafos de Europa y Estados Unidos. También prepara una video-performance a partir de imágenes filmadas en la ciudad. Carmen Pereiro Numer es bailarina y coreógrafa argentina. En 2006 realiza el Curso de Investigación y Composición Coreográfica en Forum Dança, Lisboa y en 2006/7 participa en la formación “essais” del Centre National de Danse Contemporaine en Angers, Francia (becada por ambas instituciones). Paralelamente cursa Diseño de Imagen y Sonido en la Universidad de Buenos Aires entre los años 1998 y 2002. Desde el 2001 empieza a realizar trabajos propios y en colaboración con artistas de teatro, video, y música. En el 2007 crea y presenta junto João Costa Lima el dúo “Come Closer” en Paris; Angers y Barcelona. El mismo año trabaja junto a los artistas de la formación essais en la s. creación y performance de la pieza grupal titulada “Reservé au personnel” que es presentada en La Villette, París.

Exposición Made by myself I 3º Ciclo de Escena en Espacio Menosuno Sonido que surge del movimiento Proyecto de Javier Aparicio, Zaragoza y Caroline Pastor, Toulouse A partir de un software capaz de traducir los movimientos corporales en música, se vincula la danza y el arte digital en una representación interactiva. Esta tecnología se utiliza para generar nuevas dimensiones estéticas y musicales a fin de explotar las potencialidades del cuerpo humano. El sistema es un software que analiza los movimientos y transmite la información para convertirla en sonido. El programa determina a tiempo real el movimiento en función de los gestos y de los desplazamientos. El cuerpo humano se convierte en un instrumento musical. Javier Aparicio Frago estudia artes en la Universidad de Barcelona y piano en el Conservatorio Superior de Música del Liceo. Colabora en la noche del fin del milenio con la compañía Transse Express en 2000 coups de Minuit. París, Centre Georges Pompidou. En 2005 realiza el Máster de Arte y Nuevas Tecnologías de la Universidad Europea de Madrid. Publica el blog danzatecnología como trabajo de investigación acerca de proyectos de danza y nuevas tecnologías. Acualmente participa como músico en diversas agrupaciones de carácter interdisciplinar complementando su actividad musical con la producción en artes plásticas.

Exposición Made by myself I 3º Ciclo de Escena en Espacio Menosuno Para Renacer Para nacer estuve en el vientre de mi madre. Para Renacer mi cuerpo está en la placenta del mundo... Partiendo de improvisaciones y sensaciones corporales, he permitido que mi propio cuerpo me guíe. He decidido confiar en el camino por el que mi piel, mi carne y mis huesos me llevasen, sin necesidad de dar una explicación racional a cada uno de mis pasos. Dar espacio a mi cuerpo para que me hable, y escucharle... Para Renacer es una sucesión de imágenes desde mi cuerpo y expresadas por él... Creación e interpretación: Lucía Marote Lucía Marote, Costa Rica. Bailarina y performer. Su formación en Improvisación y Contact-Improvisation comienza con Cristiane Boullosa y continúa con otros maestros como Katie Duck, Jess Curtis, Echkard Müller y Daniela Schwartz, Jörg Hassman, Chris Aiken, Martin Keogh y Shahar Dor. Se forma en danza contemporanea en Madrid en el Real Conservatorio Profesional de Danza y con otros maestros como Francesc Bravo y Michelle Man. Ha trabajado en Madrid con coreógrafos como Francesc Bravo y Cristiane Boullosa, en el año 2007 presenta In-Fusión, su primera creación junto con Paula Villarroel mezclando danza y pintura. También participa en el proyecto “Más allá de lo Meramente Aparente...”, de Mamem Agüera con el grupo The Little Queens, y en el 2008 presenta junto con Ignacio Martín “Arroz para Toda la Vida” como parte de la programación de Gracias Por Favor en el Teatro Pradillo.

Exposición Made by myself I 3º Ciclo de Escena en Espacio Menosuno HORA INFINITA Acción teatral creada por Italo Panfichi, Simona Ferrar y Joel Curtz Hora infinita es una pieza que indaga el acto de creación y las diversas nociones de fe y cómo estas están presentes a lo largo de nuestra vida principalmente en sus estados más misteriosos y vulnerables. Hora infinita nos habla sobre la incertidumbre, la excitación y el riesgo que componen nuestras realidades cotidianas y sobre la infinidad de caminos y encuentros imprevistos que se pueden abrir mientras la transformación de la vida continua. La naturaleza como referencia de creación, la co-penetración del mundo interior con el exterior, la devoción, el sacrificio, la soledad, la paciencia y las preguntas que nacen de esas nociones, son todos elementos que alimentan y producen el acto teatral, su recorrido en el espacio y su encuentro con el espectador. Italo Panfichi, Perú. Como director ha realizado una quincena de espectáculos profesionales que han sido presentados en diversos países y festivales: Perú, Chile, Argentina, Brasil, Canadá, Francia y España. A partir del mes de mayo del 2007 reside en Madrid, donde ha presentado dos acciones teatrales Carnet de identidad y Durmientes ambas presentadas en la sala Aula 11.En 2008, él presenta la primera versión de Hora infinita en el Festival La alternativa – Madrid y ese mismo año obtiene un subvención de IBERESCENA para realizar la escritura escénica de Resurrección, su última creación. Simona Ferrar, Suiza. Trabaja durante dos años como intérprete y asistente de dirección en la compañía de danza-teatro Les Montreurs d’images, dirigida por Monique Décosterd. En 2004, se traslada a Madrid, donde empieza a explorar los puentes entre la danza y otras disciplinas como el teatro, la performance y la poesía.Actriz y bailarina en la compañía La Cabra, en los proyectos Solo Para Noël, Osario y Boyfriend, dirigidos por Valeria Alonso. Actualmente está trabajando con la compañía Ajour-théâtre 31 en la pieza coreográfica Paralelo 36 y otros paralelos dirigida por Alexandre Fernández.

Exposición Made by myself I 3º Ciclo de Escena en Espacio Menosuno 100 cosas mejores que hacer en la noche en blanco que ver la noche en blanco de Paloma Calle y Monoperro Dentro de la Programación de La Noche en Blanco con la colaboración de Ayto. de Madrid Acción-instalación Instalación dilatada con estado sonoro variable y acciones cómplices. Personas como objetos ornamentales dentro del conjunto de objetos elegidos, accidentes en mitad de un tiempo inmenso. Pieza seleccionada por Espacio Menosuno para este 3º ciclo de Menosuno en Escena. Formará parte de la programación de La Noche en Blanco madrileña 08. Se trata de, a lo largo de un tiempo dilatado e indefinido, ofrecer a los espectadores la posibilidad de elegir una acción posible y verla ejecutada. Habrá una lista secreta de 100 acciones posibles y un bombo de bingo lleno de números, cuando alguien del público saca un número éste se corresponde con una acción. Las acciones son todo lo que uno podría haber hecho esa noche en lugar de pasearse por la noche en blanco, desde lo más coherente hasta lo más delirante. Ejemplos: 1, Ver una peli mientras te comes un bocadillo de mortadela de Bolonia 2, Coserte todos los calcetines agujereados 3, Emborracharte con a tus vecinos (si no se han ido a ver la noche en blanco) 4, Tener cena romántica con tu pareja 5, Reconciliarte con tu hermana 6, Depilarte 7, Hacer una sesión de espiritismo con tus amigos. 8, Llamar por teléfono a tu exnovia que vive en Berlín 9, Grabar un vídeo para tus nietos 10, Cocinar una paella de marisco 11, Ver la tele. 12, Rezar un mantra budista 13, Pasarte la noche follando 14, Hacer llamadas obscenas anónimas 15, Podar todas tus plantas 16, Leer de una vez por todas “En busca del tiempo perdido” Se trata de una especie de teatrito grotesco y naif, de parodia del teatro “serio”, las acciones no tendrán una duración determinada, unas contarán con la participación del público y otras no. Los performers, alternaran el rol de maestros de ceremonias del sorteo y ejecutantes de la acción.

Exposición Made by myself I 3º Ciclo de Escena en Espacio Menosuno Paloma Calle Madrid, 1975. Después de formarse y trabajar los últimos diez años en España, Alemania e Italia como intérprete para diferentes compañías de teatro y de danza experimental comienza, a partir del año 2004, a trabajar en su propias creaciones dentro del ámbito de la performance, las artes escénicas y el vídeo. Desde entonces ha producido diez piezas que se han mostrado en diferentes espacios y festivales europeos como el Festival Gresolart, La Casa Encendida, el Festival Frisch Eingetroffen (Mannheim, Alemania), el Círculo de Bellas Artes, Festival Made in Mad (Barcelona), Festival Offlimits (Dortmund, Alemania) o Festival Creatures (S’Hertogenbosch, Holanda). Paloma Paloma Paloma Paloma

Calle Calle no es una artista culta. Calle es una artista caprichosa. Calle es una artista inculta, como todos los adivinos.

Por definición, un artista, si lo es, debe ser inculto. Alguien que pretende hacer algo en lo que a la creación se refiere ha de ser inculto, si no lo fuera, si fuera culto, podría ser un experto en arte, no un artista. La cultura es aquello pasado que ha ido creando discurso y contenido en el presente, pero otra cosa muy distinta es que eso que llaman cultura pueda definir el futuro, si así fuese poco o nada habría que hacer. En esta nada es en la que trabaja Paloma Calle haciendo lo que le da la gana. De un artista actual no se puede decir que sea bueno, eso sería adivinar el futuro, lo mejor que se puede decir es que tiene un buen presente. Tampoco sería más que otra falacia decir que tiene visión de futuro, sino que en cada momento desbroza con su espada la tupida maleza abriendo un camino que si es el correcto será transitado en el futuro. Esa es la angustia del artista, esa es su soledad, de esto hablará siempre una obra de arte. De esto mismo habla la obra de Paloma Calle, también, por supuesto, habla del amor, (¿acaso hay alguien que piense que son cosas distintas?), y de ella misma, ( y vuelvo a preguntar ¿acaso hay alguien que piense que el arte, el amor y la vida son cosas distintas?) Ser culto es ser moderno. Ser moderno es saltar con red. Ser inculto es saltar sin saber nada más que el salto es un buen salto.

IAB

Exposición Proyector 08 I Semana de videoarte en Espacio Menosuno fecha: del M 2 al S 6 Septiembre de 21-23.30h + info: espaciomenosuno.com Semana PROYECTOR 08 es una invitación a ver una selección de vídeoarte en la que se compaginan propuestas individuales y colectivas, nacionales e internacionales. M2 Festival Optica 08. 21h X3 Emilio Tomé. Videoinstalación. 21.30h y 22.15h J4 Menosuno, canal de arte. 21h V5 Dvdproject, muestra internacional de videoarte 08 (hol-port-mex-perú). 21h S6 Selección 08. 21h

Exposición Proyector 08 I Semana de videoarte Festival Optica 08 cita que sirve de anticipo al Festival Internacional de Vídeoarte que realizarán en Gijón, Madrid y París, este Otoño. Emilio Tomé. Abstracciones, video-instalación propuesta por Emilio Tomé, actor y artista multidisciplinar, es un acercamiento a las pieles, las sensaciones táctiles, el deterioro, los rastros del tiempo, y al arte escondido en nuestras ciudades. Plantea una reflexión sobre la escala y la percepción de la mirada. Propone una burbuja, un espacio para la contemplación, la ruptura en el tiempo, una grieta, una meditación. Menosuno, canal de arte, cap 1-10. Se presenta por primera vez en Madrid con los 10 primeros capítulos, una selección realizada por Laurita Siles durante los años 2005-07. Se plantea como un cierre de este primer ciclo, para empezar a preparar los nuevos capítulos del 11 al 20. Dvdproject 08, es un proyecto internacional de videoarte, el cual en 2008 ha ampliado su programación con artistas de Portugal, México, Holanda y Perú. En dichos países se han realizados diversas muestras y se presenta ahora en Espacio Menosuno coincidiendo con su estreno en la Fundación Telefónica de Lima, Perú. Selección 08 es un sección dedicada a vídeoartistas que presentaron sus proyectos a la convocatoria 07-08. Participan Marina Hernáez, Juan Cobos, Javier Montero y Left Hand Rotation.

Exposición TrozosI Bongore / Jorge Chamorro “La cáscara amarga”/ Juan Gil Segovia / Rocío González Clot / Andrea Hauer / Eugenio Vega en Espacio Menosuno fecha: del X 23 de Julio al D 3 de Agosto L-V 12-14h y 17-20h. S y D 18-21 + info: www.espaciomenosuno.com

Los antiguos exploradores, al regresar de sus extraordinarios viajes, se enfrentaban a la tarea de transcribir a la audiencia local aquello que habían experimentado. ¿Pero cómo explicas un tigre a quien sólo ha visto un conejo? Si la imaginación se entiende como la capacidad de pensar las cosas que no se conocen, el corta y pega supone la más útil de las herramientas: mujer + pescado = sirena. Ahora, instalados en nuestra vida moderna, la cosa se nos han ido de las manos. Prácticamente todas las actividades que llevamos a cabo en nuestra vida cotidiana han degenerado en collage: la lista de la compra incluye papaya y salmón; mis levis hacen juego con la rebeca que heredaste de tu abuela; y, ay, a golpe de google y wikipedia saco la tesis adelante. Incluso nuestras ciudades tienen el aspecto de un gigante palimpsesto en continua transformación. La exposición que se presenta en Espacio Menosuno reúne la obra de seis artistas a partir de un punto en común: el hecho artístico como resultado de la acumulación de fragmentos. Trozos explora las posibilidades del collage desde una multitud de perspectivas, ya sea la creación de nuevos significados a partir de la combinación de elementos, como en el caso del trabajo de Jorge Chamorro (La Cáscara Amarga) o el reciclaje del imaginario colectivo que realiza Juan Gil Segovia a través de la asociación de ideas.

Exposición Trozos En la obra de Eugenio Vega el paisaje contemporáneo intenta ser entendido desde la perspectiva plural que lo compone, mientras que Bongore se acerca a la estratificación de nuestro entorno reflexionando sobre la saturación mediática. Y si bien Andrea Hauer expone una cruda imagen de la mujer, fragmentada por el comercio de su cuerpo, no resulta menos cruda la galería de personajes de identidad recompuesta que presenta Rocío González Clot. A pesar de la diversidad en la materia prima utilizada, a pesar incluso de la pluralidad de intenciones que tienen sus autores a la hora de yuxtaponer elementos, las obras expuestas comparten una preocupación por entender o recrear la realidad contemporánea. Y es que a estas alturas tenemos tan asimiladas las técnicas del patchwork que nos enseñaron los exploradores, que podemos empezar ya a emplearlas no sólo para imaginar lugares lejanos, sino para comprender el cajón de-sastre en que vivimos. Suma y sigue. Mauro Fariñas

Exposición AktionimusI Alain M. Urrutia en Espacio Menosuno fecha: del X 09 al D 20 Julio L-V 12-14h y 17-20h. S y D 18-21 + info: espacio.menos1.com

La exposición que Alain M. Urrutia acerca a Espacio Menosuno relaciona materiales documentales de acciones-performances de los años 70 con las teorías estéticas de Roland Barthes. El hilo conductor de la exposición parte de la idea de que estas fotografías no eran obras en si mismas, sino material documental para dejar constancia posterior de esas acciones o performances. De este modo, lo innovador en el caso de Aktionimus, no es el mensaje, sino la transformación de un material puramente documental en un objeto estético, en una nueva obra de arte que celebra el retorno a determinadas temáticas. Figuras de entornos desdibujados y en blanco y negro conforman este nuevo código estético. Para enfatizar esta idea, el artista pretende contar con la presencia de un performer en la inauguración de la exposición, añadiendo las fotografías resultantes de la acción documental a la muestra. Ana Martín

Exposición Aktionimus

Aktionismus es una serie de tintas sobre papel que toma como referencia el material fotográfico de algunas de las accionesperformances más características de los años 70 que cuyo impulso, junto al deseo de experimentación formal, encerraba motivaciones libertarias y de protesta radical. Según Roland Barthes (La cámara lucida, 1982) la fotografía reproduce al infinito lo que únicamente ha tenido lugar una sola vez; repite mecánicamente lo que nunca más podrá repetirse físicamente. “Aktionismus” no es una versión ni una relectura de esas imágenes; Partiendo de esta idea de Barthes, el objetivo esencial, no es tanto ejecutar dibujos dignos de ser contemplados sino el de afirmar ciertas realidades sobre los papeles. No se trata de describir lo acontecido durante esas acciones. Se trata una representación estética de ese material que supuestamente se produjo con una intención únicamente documental. Alain M. Urrutia

Alain M. Urrutia es licenciado en Bellas Artes por la Universidad del Pais Vasco EHU y en la actualidad está realizando trabajos de investigación para el departamento de escultura de esta misma Universidad. A parte de esta exposición en Menosuno tiene prevista para este año una colectiva titulada Entornos próximos en el Museo Artium de Vitoria. Partícipe de varias ediciones de Getxoarte de los últimos años, en 2008 formó parte de la Muestra Itinerante de Artes Visuales ERTIBIL 2008 y de EXPLUM en Puerto Lumbreras, Murcia. Además le han concedido el IX Premio de Pintura de UNED Bizkaia. El año pasado fué uno de los participantes de la exposición colectiva COVERS MENOSUNO 05-07, en bonbARTdaketa- Gernika Lumo 1937-2007, Gernika y en ARTEZUBIARTE. Instalaciones artísticas (Proyecto INGRAVIDAD con Kepa Garraza) Centro Comercial Zubiarte, Bilbao. Stalker es la siguiente en esta lista que no para de crecer.

Exposición Cotas del cuerpo y otras manías sistemáticas I Ignacio Chávarri en Espacio Menosuno fecha: del X 25 Junio al D 06 Julio L-V 12-14h y 17-20h. S y D 18-21 + info: espacio.menos1.com Ignacio Chávarri muestra en Espacio Menosuno sus investigaciones anatómicas del cuerpo humano basadas en complejas operaciones matemáticas con las que, a la manera del “Hombre de Vitruvio”, traza una nueva cuadratura humana con resultados inesperados -el punto medio entre el cogote y la frente cae un poco por encima de la oreja-. Si en el Renacimiento el objetivo respondía a una delimitación del equilibrio y la proporción, la geometría del cuerpo que nos presenta Chávarri es en sí misma diferenciadora, más preocupada por encontrar las medidas particulares que un canon universal. Los modernos procedimientos de estudio que utiliza el artista arrojan puntos de luz sobre las dimensiones de esta estructura que nos contiene y define. El cuerpo contemporáneo ya no es la medida de todas las cosas; por el contrario, es maleable, interpretable, y único en su relación con el exterior y consigo mismo. Veinte cuellos, y todos diferentes. Mauro Fariñas

Exposición Cotas del cuerpo y otras manías sistemáticas I Ignacio Chávarri El cuerpo es el primer mediador entre el individuo y la sociedad, un espacio expositivo con el que la vida interior dialoga, un texto que comunica y define las primeras separaciones (sexo, edad, etc). Con su fisicidad, el cuerpo se convierte en el punto de referencia más inmediato en el anhelo a definirse, la concretez de su diferencia se contrapone a los confines identitarios culturales fluidos y mutables. Ignacio Chávarri hace del cuerpo un contenedor simbólico que se puede indagar y conocer tratándolo como un objeto material con propiedades organolépticas, medibles. Así busca un sistema que permita el análisis del complejo y delimite una unidad constructiva casi geométrica para luego discernir, dividir la arquitectura, descomponer el todo en elementos sencillos mediante un método repetible. Se genera entonces un mapa del cuerpo, en el intento de acotar las áreas de transito, comunicación y conflicto, y desnudar el conjunto de acciones e intenciones que les subyacen. Resulta una estructura que da forma al fluir, lo hace tangible, le da consistencia sin interrumpir su movimiento. Gabriele Marino

Ignacio Chavarri nació en Madrid en 1982 licenciado en Bellas Artes en la UCM de Madrid, su carrera ha transcurrido paralelamente con la SAIC (the School of the Art Institute of Chicago). Además de cursos con Gary Hill y George Quasha. Su carrera discurre entre el arte, el diseño y serigrafía. Su obra se ha podido ver en exposiciones individuales a nivel nacional e internacional como ‘Tránsitos II’, Centro de Arte nº 14, Alicante, ’Tránsitos’, C.S.C. Joan Miró, Madrid. 2005 ‘F.G.C. Found Gloves Collection’, Atomix Café, Chicago. 2004 ’En el Agua’, Centro comercial Zoco de Majadahonda, Madrid. ‘Sirenos’, intervención de un espacio en la playa de Corcubión, La Coruña. Y en exposiciones colectivas como 2007 Feria Estampa, Stand Pepe Herrera Taller Gráfico y Stand del Excmo. Cabildo Insular de La Palma. ‘Japan-Paper-Scissors’, Agripas 12 Gallery, Jerusalén. ’Propuestas 2007’, Centro de Arte Nº14, Alicante.2006 ‘Postcards from the edge’, Sikkema Jenkins & Co. Gallery, Nueva York.’Paper Never Lies’, Washi Paper Museum, Japón.2005 ‘Taste of Spain’, Fundación John David Mooney, organizado por el Instituto Cervantes, Chicago.’Poetas Visuales’, Facultad de Bellas Artes de Madrid. Distancia CD

Espacios de tránsito interno

Entre el caribe y una peli de vaqueros

sistema de luces#1

portable light-it-up, NEW!

Exposición Interiores I Olmo González en Espacio Menosuno fecha: del X 11 al D 22 Junio L-V 12-14h y 17-20h. S y D 18-21 + info: espacio.menos1.com La utilización de los medios digitales es algo cada vez más común en el arte actual, permite a los artistas superar la barrera de lo físico y abre un inmenso abanico de posibilidades expresivas. La exposición de Olmo González constituye un claro ejemplo. En estos Interiores se recogen una serie de retratos desnudos que se encuentran en diferentes actitudes y lugares de un interior panorámico, conformando una especie de narración inconclusa de un día cualquiera de la vida cotidiana de los retratados. Esta mirada produce en el espectador una sensación de transgresión de su intimidad, apoyada en gran parte por la deformación que se produce de la perspectiva espacial, ya que el resultado se asemeja a la imagen que aparece al mirar a través de la mirilla de la puerta, sólo que en este caso se invierten los papeles, ya que lo que el espectador observa desde la mirilla no es el exterior, si no el interior de una casa. La descomposición del espacio y posterior reconstrucción de manos del artista nos muestra una secuencia imaginaria donde la fotografía deja de ser un mero instrumento de representación de la realidad, para establecer sus propias leyes físicas en el espacio-tiempo. Ana Martín

Exposición Interiores Interiores es un recorrido por la intimidad del cuarto de estar en la que su autor, Olmo González, utiliza las fotografías panorámicas para hacer viajes de 360 grados. Sin embargo, Olmo da una vuelta de tuerca al sentido de la panorámica, que ya no sirve para expandir la imagen sino para multiplicar el detalle con el que recorre una docena de habitaciones con sus habitantes. La relación de una madre con su hijo, la de una pareja o la relación de uno consigo mismo queda reflejada en fotografías en las que, como él asegura, ha sido imprescindible establecer antes vínculos que permitiesen a los modelos sentirse libres como si el autor no estuviera. Y como si ellos no posaran desnudos.

Olmo González

Olmo González nació en Madrid en 1981 y, aunque dice ser de Vallecas, los años en Málaga son responsables de la mayoría de sus recuerdos e influencias. Allí dejó casi acabada una carrera antes de que se lo impidiera la Fotografía y conoció a todos los habitantes de sus Interiores. Su proyecto fue muy valorado por profesores y alumnos de la Escuela San Telmo, donde expuso las panorámicas que ahora podrán verse en la galería Menosuno del 11 al 22 de junio. Desde que volvió a Madrid, no hay un solo día en el que Olmo no cargue con su cámara ni reniegue de su nueva relación con la Fotografía, que ahora es a través del Periodismo. En prensa, le sigue obsesionando esa necesidad del detalle.

Hanna

María y Hugo

Teresa

Exposición Reality Show I Fernando Giménez en Espacio Menosuno fecha: del X 14 al 25 mayo del 08 L-V 12-14h y 17-20h. S y D 18-21 + info: espacio.menos1.com

Ver la tele, fumarse un cigarro, hacer la compra… No se podría decir que algo ha cambiado sustancialmente; seguimos desarrollando el drama cotidiano con total impunidad. ¿Fue Shakespeare o Jaques quien dijo aquello de que el mundo es un gran teatro, y los hombres y mujeres son actores? Hay una parte de nosotros que se refleja en las fotografías de Fernando Jiménez, pero… “¡Qué divertido va a ser cuando me vean a través del cristal y no puedan alcanzarme!” Mauro Fariñas

Exposición Reality Show I Fernando Giménez

”Si Alicia volviera Hace ciento treinta años,después de visitar el país de las maravillas, Alicia se metió en un espejo para descubrir el mundo al revés. Si Alicia renaciera en nuestros días, no necesitaría atravesar ningún espejo: le bastaría con asomarse a la ventana.” “...el mundo al revés está a la vista: es el mundo tal cual es, con la izquierda a la derecha, el ombligo en la espalda y la cabeza en los pies.”

Eduardo Galeano

Fernando Jiménez, Madrid, 1978. Licenciado en Bellas Artes en Aranjuez-Madrid. Su obra se vincula con la escultura, fotografías y vídeo. Cabe destacar su participación en PhotoEspaña 2007, así como en Festival Internacional de Fotografía y Artes Visuales de Madrid, Canal Abierto. “Una tirada de dados”. Canal de Isabel II. Madrid. O las proyecciones “BienVenido ”a casa”. La Casa Encendida, 2006. Madrid.

Exposición Demilamores I Majo G. Polanco y Mariola Moreno (delao*) en Espacio Menosuno fecha: del X28 Mayo al D8 Junio L-V 12-14h y 17-20h. S y D 18-21 + info: espacio.menos1.com El amor, tantas veces representado y siempre nuevo en cada individuo y su forma de vivirlo, es el paragüas bajo el que se cobija Demilamores, título de la exposición en la que Majo G. Polanco y Mariola Moreno ponen en común su particular modo de entenderlo. Sus obras son diferentes formas de amar no sólo en el fondo sino también en las formas, puesto que reflejan diferentes momentos de su vida utilizando diferentes soportes. La propuesta de Mariola Moreno la conforman una serie de fotografías que formaron parte de una acción que realizó recientemente en Santander: expuso en un espacio público de la ciudad 12 fotografías de su vida invitando a 60 personas a escribir “de mil amores” en un trozo de tela fotografíando el resultado. El conjunto de estas fotografías componen su propuesta expositiva, contraponiendo su visión personal e íntima a las fotografías de los participantes de la acción, colectivas y públicas, haciendo especial incapié en el transcurso del tiempo. El amor filial, el desamor o el dolor son las particularidades que ha elegido Majo G. Polanco para desarrollar las tres obras que conformarán su parte de la exposición. El hecho de que una de ellas sea un diario y las otras dos su visión del amor/desamor en momentos determinados de su vida hace que en su propuesta, el tiempo también cobre especial relevancia. Unidas por una visión muy femenina de la temática, realizarán una propuesta conjunta donde fusionar ambas formas de entender el amor. Ana Martín

Exposición Demilamores Bajo el título de la propuesta, el proyecto expositivo recoge diversos modos de amar, haciéndolo desde diferentes lenguajes, audivisual, fotográfico… Entre las piezas de esta propuesta se destacan: el homenaje a su madre a través de un seguimiento durante un día, que se materializa en una agenda femenina; un autorretrato realizado en una época de desamor; o una escultura ejecutada con materiales pertenecientes al universo femenino y que reflexiona sobre el dolor. sobre la propuesta de Majo G. Polanco

Hoy yo os ofrezco mi “yo” con 12 fotografías que reflejan mi vida y lo que interpreto de ella, mis sensaciones... A su vez quiero haceros partícipes de este proyecto creativo, haciendo por vuestra parte otro acto de amor dándome vuestro tiempo, si queréis. Invito a 60 personas a que una por una, me escriban “de mil amores” y después hagan una foto Polaroid quedando así un registro. Al final estas 60 fotografías serán una secuencia de tiempo que reflejará lo que hoy hemos vivido. Gracias por todo Mariola Moreno (delao*)

Mariola Moreno se ha formado en múltiples disciplinas que van desde la fotografía al video o web-art. En el año 1998 recibió el 1º Premio de la Asociación de los derechos humanos de Caja Madrid y este año ha sido galardonada con el Primer premio On-line de Movilmetrajes Juvecant. Ha realizado varias exposiciones hasta la fecha, este último año De mil amores Fotografia Exposición-acción. La pintura y el cine fotografia b/n pintada Exposición colectiva en los Cines Groucho, Santander. Sexo, Serie de fotografía en b/n. Exposición colectiva en la galería El Fotomata de Sevilla, por citar algunas. Con el colectivo menos1 ha expuesto en Instantes, Al revés y más recientemente Do not disturb. En solitario presentó en el 2006 Aquí no cerramos los ojos. Para los que queráis ver mucho más en su web se pueden ver sus trabajos http://www.delao.es/ Majo G. Polanco es técnico en realización de audiovisuales y espectáculos. Su formación se ha centrado en la fotografía pero también ha tocado otros campos. Citando alguna de sus últimas exposiciones El Arte Videoinstalación (De la cinética de lo humano y otros movimientos versátiles) en Colar...te...gallery, Santander, o la performance Violeta Violada con la artista Silvia Antolín Guerra en el Paraninfo de la Universidad de Cantabria. En el año 2005 se hizo cargo de la dirección de fotografía del cortometraje “Giros” de Eneko Ugarte, entre otros muchos trabajos relacionados con la fotografía, el cine y varias publicaciones. Su obra se encuentra entre las colecciones del Centro de Arte Contemporáneo Internacional Espacio C. España o la galería La Raza de San Francisco, EE.UU. Ambas están muy relacionadas con un arte reinvidicativo de los derechos de la mujer, participando con sus obras en varias exposiciones que giraban entorno a la temática de la violencia de genero. Mariola Moreno

Majo G. Polanco

Exposición Sin Países, Sin Ciudades: Bienvenido a Otasazubicam I Ana Matey en Espacio Menosuno fecha: del X 30 abril al 11 mayo del 08 L-V 12-14h y 17-20h. S y D 18-21 + info: espacio.menos1.com Como juntar en un mismo lugar siete ciudades tan diferentes...esto es Otasazubicam, una ciudad única, creada por la artista Ana Matey con fotografías de diferentes partes del mundo. En esta ciudad se juntan lugares cuyas culturas son totalmente diferentes pero que todas ellas tienen un hilo en común...el continuo circular de las historias de sus individuos. Sin países, sin ciudades recopila los viajes de esta artista realizados expresamente para ejecutar sus performances en diferentes espacios de las grandes urbes. Juntando todas las imágenes ha creado Otasazubicam: un lugar que hoy podemos ver a través de la mirilla de su cámara estenopeica que viaja con ella a cada rincón del mundo. Con este aparato ha captado las mejores instantáneas sobre momentos concretos en una ciudad, que a pesar de pararse en ese instante, sigue en continuo movimiento. Lorena Grossocordón

Exposición Sin Países, Sin Ciudades: Bienvenido a Otasazubicam I Ana Matey Sin Países, Sin Ciudades: Bienvenido a Otasazubicam”, Otasazubicam es un ciudad genérica que nace de la unión de siete ciudades, Distrito Federal, Madrid, Budapest, Zagreb, Sarajevo, Roma y Tokio. Otasazubicam entiende, reivindica y propone: El Arte como sanación La Acción como ritual La Identidad como una continua búsqueda La diferencia como cualidad La estandarización como aniquilador de lo anterior Ana Matey Ana Matey. Madrid, 1978. Se forma entre EEUU y Europa en comunicación audiovisual e imagen. Desde hace dos años investiga el cuerpo a través del butoh, en la Bausm de Madrid y en Tokio con Yoshito Ohno y Groupe du Vent. Colectivos El Carromato y Arte de la Memoria, distintas actividades a nivel nacional y Europeo. Exposiciones recientes, “EntreFotos” Conde Duque , Festival de Lyon , Iglesia San Lorenzo en Venecia, Centro de la Imagen en Ciudad de México, “Todos somos Juárez” México,…Publicaciones Photolaureates (Canadá), La Fotografía, FV, SuperFoto…Jornadas “Look at Me” en la universidad RUM de México, ponente y taller técnicas antiguas. www.elcarromato.net/matey_home.php

Exposición Slumming on Past I Aurora Rumi en Espacio Menosuno fecha: del X 16 al 27 de abril 08 L-V 12-14h y 17-20h. S y D 18-21 + info: espacio.menos1.com

Aurora Rumi nos propone en Slumming On Past una mirada despreocupada a un pasado de tonos desvaídos. Gracias a las maravillas del collage emprendemos un viaje anacrónico a través de una iconografía que ha caído en el desuso o que, en el mejor de los casos, desde nuestra perspectiva moderna, sirve de chiste kitsch. Rumi juega con imágenes devaluadas sin ningún tipo de prejuicios, imponiendo un orden disparatado a un cajón de-sastre a través de personalísimas asociaciones -el orden de los factores sí altera el producto-, para reciclar un imaginario que todavía resuena en nuestras retinas. Mauro Fariñas

Exposición Slumming on Past I Aurora Rumi

“…tengo una carpeta para los objetos, una para los animales, una para los personajes históricos…” Italo Calvino - Las Ciudades Invisibles. Cuando sueño, cuando viajo o cuando voy en el metro, las imágenes sencillas se convierten en escenas poderosas. Entonces las voy colocando en carpetas, muy dispares entre si. Al principio son menudas y anecdóticas, han de esperar ver la luz en un marco que las conjugue y desvele su valor. Puede pasar el tiempo y que caigan en el olvido, como ideas del pasado, como esos cuadros en la salita de estar de nuestros abuelos. En su momento representaban la auténtica obra de arte, la verdadera belleza, refinada y de buen gusto; hoy son pinturas de serie B con escenas planas y aburridas, carentes de interés. Slumming da nombre a una práctica que se puso de moda en Inglaterra en los años 80. Gente rica y acomodada, aburrida del lujo y movida por la curiosidad, realizaba visitas turísticas a los barrios obreros en busca de aventura, en bares y tabernas de los suburbios. Mis personajes salen de sus carpetas faltos de identidad para viajar a los barrios del pasado en busca de entretenimiento. Adolescentes de mirada melancólica, perros que dialogan con sus amos, alguien a través de una ventana del que imaginas toda una vida o seres viscosos de silueta hipnótica. Una visita irreverente a las escenas costumbristas de otra época, que provoca un choque atemporal. Como en los sueños, el contraste evoca una sensación de irrealidad donde las imágenes inconexas cobran sentido.

Aurora Rumi

Aurora Rumi Licenciada en Bellas Artes en Granada, su trayectoria está entre el diseño y el arte. Ha estudiado entre Leicester (Inglaterra, especialidad en Vídeo y Grabado); diseño y animación en la Massana, Barcelona. Su obra se ha podido ver en numerosas exposiciones colectivas e individuales tanto a nivel nacional como internacional, destacando el premio Arte Joven Contemporáneo del Parlamento Europeo de Bruselas. http://spaces.msn.com/members/aurorarumi

Exposición Simulacros: Naturaleza en Espacio Menosuno fecha: del X 18 al 30 de marzo L-V 12-14h y 17-20h. S y D 18-21 + info: espacio.menos1.com Naturaleza. Se tiende a pensar en el color verde. En imágenes de una arcadia de la que nos aleja cada vez más nuestra vida cosmopolita. Se tiende a pensar en la naturaleza como aquella excursión que hicimos algún domingo, cuando un tábano nos dejó en la piel un souvenir en forma de rasca y pica. Naturaleza salvaje, naturaleza cruel. Pero existe otra naturaleza. O mejor dicho: otra manera de ver la naturaleza -quizás, incluso, más natural, menos construída en base a herencias culturales-. Sí, vivimos en un paisaje urbano, pero el entorno depara sorpresas si sabemos prestar atención. Esa es precisamente la naturaleza que nos presentan las cuatro artistas que presentamos en Menosuno. La naturaleza que se abre camino a nuestro alrededor, la que se cuela por debajo de la puerta, la que por estar ahí, presente todos los días, obviamos. Hoy, esperando el autobús, la hoja de un árbol se posó en mi cabeza.

Exposición Simulacros: Naturaleza

Marga Garrido, Clara Graziolino, Paloma C. Meyer y Helena Zapke, a través de medios tan diversos como la estampación, la instalación o la fotografía, nos presentan una naturaleza cercana, humilde, “de andar por casa”. Mírenla con mimo, es frágil y se puede romper. Mauro Pérez

Exposición No Cool I Jesús Jara en Espacio Menosuno fecha: del X 5 al 16 de marzo 08 L-V 12-14h y 17-20h. S y D 18-21 + info: espacio.menos1.com

No Cool recoge la obra más nueva y pasional de Jesús Jara, junto a su primera obra compuesta por trípticos fotográficos ausentes de iconografía representativa. En todo este marco, nos encontramos con la novedad de una instalación basada en la colocación de un super munny, customizado por el propio artista. Jesús Jara, cuya formación se inicia en un mundo lineal y sistemático como es el de la música, muestra su lado más sensual y erótico en su serie más reciente e impactante, denominada “No Vaca”. Con esta obra podemos experimentar la sensación de estar más cerca de la autocomplacencia, una vía de escape a las dificultades que nos surgen en la vida. El artista juega aquí con simbología erótica, como es el caso de los tornillos encajando en las tuercas o la máscara de gas, haciendo referencia al mundo del fetichismo. Lorena Grossocordón

Exposición No Cool I Jesús Jara

Comentario: La idea de NO COOL es producir trabajos con humor y no llevarlos más en enserio de lo serio que es el trabajo. La serie “novaca” responde a un proceso de provocar objetivación como proyección simbólica de un erotismo ikeano y como proceso de proyectar sensaciones que ocurren en nuestro cuerpo, entendidas como proyecciones de un sentimiento real de lucha contra las dificultades de la vida. No como ilusión subjetiva, sino como compulsión en satisfacer necesidades primarias. El tríptico “cleanu#10” y Essence nacen de un juego de facultades intelectuales, nuestra experiencia ante la obra comienza con la ausencia de simbolismo presentativo, es decir, es la superficialidad de la imagen la única prueba de la fenomenología de la intencionalidad. Jesús Jara

Jesús Jara. Cuenca 1977 Libre improvisador y trabajador sonoro. Master de la Facultad de Bellas Artes, Cuenca, UCLM; Licenciado en Música y Artes Escénicas por el RCSM de Madrid; Postgrado en el Centre Andre Malraux, Bordeaux y Conservatoire Nacional de Musique Danse et Art Dramatique, Perpignan. Periodos de investigación en el desaparecido GME, Gabinete de Musica Electroacústica; en el MIDE, Museo Internacional de Electrografía, Cuenca y en el LIEM-CDMC, Madrid. Actualmente compagina la producción de procesos sonoros y su doctorado en Bellas Artes con la presentación de su último CD para tuba y electroacústica de la Serie Phonos/Ars Harmonica. http://www.jesusjara.net // http://www.phon.org

Exposición Cara a Cara I Antonio Carralón en Espacio Menosuno fecha: del X 20 Febrero al 5 de marzo 08 L-V 12-14h y 17-20h. S y D 18-21 + info: espacio.menos1.com

Antonio Carralón, partícipe de varias exposiciones de Espacio Menosuno, sorprende por la carga poética de sus fotografías y de los montajes expositivos utilizados para transmitir al espectador la idea de su obra. Muestra de ello es su Alcantalágrimas de Memoria de lo Habitado o su visión del beso en la colectiva Procesos. Cara a Cara conforma su primera exposición en solitario. Compuesta por varios retratos realizados a lo largo y ancho del mundo nos revelan, a través de su objetivo, nuevas miradas y rostros plasmados en unas fotografías que rezuman la pasión que siente su autor por este medio de expresión. Unas fotografías llenas de vida y de una sensibilidad especial que traslucen la insignificancia del ser humano en un mundo en el que la diversidad es su mayor virtud. Cara a Cara es la ocasión perfecta para dejar de ser por un instante el ombligo del mundo y abrir la mente a una multiplicidad de formas de mirar. Ana Martín

Exposición Cara a Cara I Antonio Carralón

Tras dudar entre pedir o no permiso para hacer un retrato, recibir estupendas sonrisas por un lado y ceños fruncidos por otro y perder trenes y autobuses por pararme a disparar, quedan estas fotografías como resultado y estos ojos y caras como testimonio de aquellos que en algún momento han estado delante de mi objetivo. La reflexión que aflora es la inmensidad del mundo y lo pequeño que se siente uno al querer estar en cada uno de sus rincones para poder retratar a sus gentes. ¿Cuánta gente conoces? ¿Mucha? ¿Poca? Somos 6.500 millones aquí fuera ¿No te crea eso ansiedad? Antonio Carralón

Antonio Carralón. Madrid 1976 Aunque su labor profesional está alejada de su faceta artística, tras estudiar Técnico superior en Aplicaciones Informáticas, estuvo trabajando en estas facetas hasta que cambió el absorbente mundo de la informática y dedica su tiempo libre a la fotografía, la música y a sí mismo. Actualmente trabaja en un Centro de Rehabilitación Laboral para enfermos mentales. Ha realizado pocas pero muy interesantes exposiciones en salas de la comunidad de Madrid y en especial su obra está muy vinculada con muestras colectivas de Espacio Menosuno, como son: Procesos (2005), Memoria de lo habitado (2006), Covers01 (2007), Do not disturb (2007). Este es su primer enfrentamiento con una exposición individual.

Exposición Artistas Emergentes de BRASIL I comisariado por Marlon de Azambuja y Bianca Rocha en Espacio Menosuno fecha: del X 6 al L 18 febrero L-V 12-14h y 17-20h. S y D 18-21 + info: espacio.menos1.com ¿Cómo definir una identidad artística en un país multicultural, con extensión territorial de más de 8.5 millones de km2 y una población que sobrepasó los 180 millones de habitantes? Cuando hablamos de Brasil, hablamos de dimensiones y de futuro, es decir, de espacio y de tiempo. Nada describe mejor el país que su amplitud, su diversidad y su mezcla. El arte en Brasil nace contemporáneo por definición, tiene muy poco compromiso con el pasado ya que es un país muy joven. No existe un arte brasileño, si artistas brasileños con sus particulares poéticas. ¿Posee el artista brasileño una noción diferenciada del espacio por el hecho de haber nacido en un país tan grande? Planteamos en esta exposición enseñar un pequeño panorama de artistas emergentes brasileños que trabajan con el espacio en distintos sentidos del término, y esperamos iniciar así un canal de dialogo entre artistas, comisarios y publico en general de Brasil y de España.

Exposición Artistas Emergentes de BRASIL Esta cuestión nos impulsó a reunir para esta muestra a los artistas, Alex Cabral, Marcel Fernandes, Mai Fujimoto, Camille Kachani, Nelson Logullo, André Malinski, Marga Puntel, Marcela Tiboni, Geraldo Zamproni, Camilo Faleiros y Marcel Hakime. Dejamos así abierta una puerta para el dialogo entre artistas, críticos y publico de ambos países.

Marlon de Azambuja y Bianca Rocha

Exposición Hechos reales I Andrés Senra en Espacio Menosuno fecha: del X 23 Enero al D 03 Febrero L-V 12-14h y 17-20h. S y D 18-21 + info: espacio.menos1.com

La realidad se inventa, y convenientemente empaquetada en seductores formatos audiovisuales, es distribuida de manera eficaz para que llegue a todos aquellos ingenuos que se ofrecen a ser manipulados a diario mientras degustan su almuerzo. Oportunamente concebido como proyecto específico para el espacio, Hechos Reales ofrece la primera parte de lo que es un reflexionado trabajo en progreso. Senra despliega su talento y capacidad multidisciplinar para mostrar un afilado discurso en lo conceptual, con una selección de obras cuya aparente sutileza se enmarca en el propósito de trabajar con elaborados códigos y lenguajes que los mass media utilizan para legitimar su actuación como filtros entre lo que sucede y lo que se cuenta. El uso de la representación y el lenguaje simbólico, evidencia la perversion del sistema y facilita diversas lecturas al espectador, que debe afrontar la distorsión a la que que se ve sometido. Javier Duero

Exposición Hechos reales I Andrés Senra La presentación de la realidad por los medios de comunicación constituye uno de los ejes centrales de esta instalación. Las piezas de hechos reales son una paráfrasis del documento informativo reproduciendo imágenes obtenidas de Internet y de los media en las que se da una situación de violencia; uno de los intereses era evidenciar que no sólo las obras que el artista ha creado son una representación sino que el documento original de prensa también lo es. Los personajes aparecen inmersos en situaciones relacionales en las que se evidencian juegos de poder que son metáfora de las relaciones sociales, los modelos que aparecen en el video y en las fotografías carecen de emociones, están en un estado de permanente melancolía, la situación es dramática pero ellos están posando. Ajenos a su propia participación en un acto de violencia, están en trance, enajenados de la realidad; esculturas aspirando a un ideal perdido. Lo real ha devenido en documento estetizado. En la instalación se establece un diálogo entre las fotografías, los dibujos, el video, la escultura y la performance. Distintos géneros confluyen en la construcción conceptual y plástica de las obras desde “la pintura de caza” a la naturaleza muerta, pasando por el paisajismo y el retrato. La performance La acción se hará el día de la inauguración, en el espacio expositivo. Participan 4 personas que aparecen también en las fotografías y el video, la acción se grabará en video quedando el documento expuesto el resto de la exposición. Entre otras cosas el público será anunciado según vaya llegando al espectáculo. Andrés Senra Andrés Senra. Río de Janeiro 1968 La obra de Andrés Senra reflexiona, entre otras temáticas, sobre los procesos de construcción de la identidad, lo sublime y lo utópico en la sociedad contemporánea y la violencia en la cultura mediática del espectáculo. Ha sido becario del programa “artistas en residencia” de Casa encendida, ha realizado acciones e intervenciones en: Centro Internacional de Cultura Contemporánea (San Sebastián), Observatori (Valencia), MEM (Bilbao), “Chámalle X” (Pontevedra) y en El Real Jardín Botánico “ Destino futuro” (Madrid). Su obra ha sido expuesta en numerosas galerías e instituciones como: CGAC, Casa encendida, Círculo de Bellas Artes, galería Oliva Arauna proyectos (Madrid), galería Nabi Center (Korea), Galería novembro de arte contemporáneo (Brasil), Galería Anita Beckers ( Frankfurt) y en diferentes Museos como: Museo Cabildo (Canarias), Museo de Arte Contemporáneo de Ibiza, Museo Greca, Paço das artes y Museo de Arte Moderno (Brasil). Artista seleccionado para Tentaciones Estampa 2006 y en diferentes ediciones de Loop Barcelona. + info: www.andressenra.com

Exposición Pequeñas revoluciones & El día que me hice mayor I Señor Naranja & Ephemera en Espacio Menosuno fecha: del X 9 al D 20 Enero L-V 12-14h y 17-20h. S y D 18-21 + info: espacio.menos1.com

El Señor Naranja y Ephemera abren una puerta con sus ilustraciones a un mundo poblado de seres alegóricos. Estos seres conforman un vehículo a la mente de sus creadores y nos trasladan su reflexión sobre el aprendizaje como pérdida de la inocencia y sobre el cambio, entendido como la sucesión de pequeñas alteraciones que acontecen de forma casual o causal. Ambos se valen de la utilización de personajes atemporales, situados en escenarios vacíos, creando un lenguaje metafórico que nos sitúa en el devenir de la vida; una vida llena de pequeñas revoluciones que nos van haciendo crecer y que podría ser la nuestra propia. Comenzar a ver sus ilustraciones es como transportarse a otro universo donde todo resulta extrañamente familiar, consiguiendo dar forma a los conceptos y convirtiéndolos en personjes. La utilización de seudónimos aumenta la idea de universo paralelo. El Hombre Viento ha querido ceder su lugar junto al Señor Naranja a Ephemera y ofreciéndonos la oportunidad de conocer sus ilustraciones, pues ésta será su primera exposición en Espacio Menosuno. Es posible que realicen una intervención en el espacio, por lo que constituirá una ocasión única para ver las ilustraciones que creen para esta muestra.

Ana Martín

Exposición Pequeñas revoluciones & El día que me hice mayor

El dia que me hice mayor… No lloré. Ni crecí. Quizá mengüé… no lo sé. Ese dia… Vi cómo mi hogar desapareció… Me dijo: ¡hasta luego!, ¡fue un placer!. y tuve que crear otro… Me di cuenta de que nada dura siempre todo lo que quisiéramos... Cuando los abuelos te miran de otro modo y solicitan mas besos… O cuando las personas se obligan a olvidar… Aprendemos a crecer. Y supe que nunca sabría nada. Y que nadie podrá explicarnos el porqué de las cosas. … Nos hacemos mayores en el momento en el que nos damos cuenta que nunca lo seremos del todo. .es imposible. Creados, deseados, olvidados, desaparecidos, dibujados… incompletos de por vida. Pero no es triste… no se equivoquen. Es normal. es la vida, ¿no?.

___________pequeñas revoluciones_______________________________________ __________________ (pequeñas revoluciones que se suceden; en un minuto debajo de una nuez. Invisiblemente conectadas y siempre dependientes el viento las traslada de un lado a otro casualidad casualidad

Señor Naranja

Ephemera

Ephemera está cursando actualmente Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid. Ha realizado Ilustración en la Escuela de arte Nº10 de Madrid y varios cursos con el ilustrador Miguel Fernández Pachecho. Además de varias exposiciones, lleva desde el año 2004 publicando sus ilustraciones en www.fotolog.net/ephemera_ para compartirlas con todos aquellos que quieran entrar y mirar. Como hemos citado anteriormente llega de la mano del Hombre Viento para quien realizó las fotografías del disco “Las Aventuras del Señor Bajito”. http://angelacarrasco.blogspot.com El Señor Naranja después de terminar en 2004 sus estudios de esmaltes artísticos en la escuela de arte de Burgos, comienza a interesarse por la ilustración, cursando los estudios de dicha disciplina en la Escuela de Arte Nº 10 de Madrid. Ha participado en varias exposiciónes colectivas como Malasaña 53h!!, Lo Minúsculo o en la exposición del concurso europeo comenius: signos que aparecen/signos que desaparecen, que organizó la Escuela Nº10 con motivo del centenario y que luego se expuso en Menosuno. Entre septiembre y octubre de 2006 presenta junto a Marcos Tejedor “absurdos y desacuerdos” en la Musa de Espronceda. En octubre de 2007 presenta “el mejor amigo del perro” en el primer certamen del festival de arte contemporáneo y diseño: acción-covarrubias 07.

Exposición I miss you, Brad I Juan Antonio Baños - SOÑAB en Espacio Menosuno fecha: del M 11 al V 21 de Noviembre L-V 12-14h y 17-20h. S y D 18-21 + info: espacio.menos1.com I miss you, Brad es el último trabajo que Soñab presenta en Espacio Menosuno. Tras su inmersión en las cinéticas transformantes, el artista Juan Antonio Baños nos muestra la inocencia corrompida de individuos exánimes marcados por el sino caduco en la epístola de su defunción. Un devenir por la muerte y resurrección de los instintos más íntimos del ser. Juan Antonio Baños - SOÑAB Cinéticas transformantes: Soñab monocromo 1. Cinética química: Teoría de las colisiones <<Las reacciones químicas se producen como reacción a los choques eficaces entre las moléculas de reactivos. Además de este choque adecuado las moléculas tienen que tener una energía suficiente, esta energía mínima se denomina energía de activación>>.

Expresado: A-Factor de frecuencia 1.1 Colisión Química: Lenguaje In K = Pigmentos + Cataplexia Onírica _ A Presencia-vieja bruja

Exposición I miss you, Brad I Juan Antonio Baños - SOÑAB Letanía de presencias intangibles, hijas de la cataplexia, impulsan su fluctuatio frontis. Un solicito viaje donde propone desvelar la faz de la vieja bruja, el lienzo de la Verónica. Soñab se destapa como un regenerador de iconografías, como el novecentista, reinterpreta los lenguajes del pasado para aventajar a lo ulterior. Una estrategia con la que transcurre por senderos reconstituidos de nuestro atavismo cultural. Somos portados hacia visiones acendradas de esa idealidad ajada, mientras somos acomodados como refrandatarios de las almas que en ese lugar residen. En definitiva, un viaje a lo mas profundo del subconsciente, el miedo, siempre el miedo, como motor del ser humano. 1.2. Colisión Química: Sexo, amor y muerte. In K = Condones + KOH ≤ Trimetilamina Inocencia corrompida, maculada por retales de erotizadas imágenes inconexas, zarandean un destacamento de hormonas dispuestas a desadormecerse. Estas, alojadas en el hipotálamo catalizan sus pulsiones más intimas, aquellas que algún día despertaron para no dormitar nunca más. Muerte, libación de retratos: contemplamos individuos exánimes marcados por el sino caduco, que en la epístola de su defunción nos invita a su ágape de habas fritas, gachas y bacalao. Rodeados de olores donde se entremezcla un lupino caduco, bolas de alcanfor y carbón vegetal atizado la fragua. 2. Principio de incertidumbre de Heisenberg. <<La teoría cuántica predice que es fundamentalmente imposible efectuar mediciones simultáneas de la posición y velocidad de una partícula con precisión infinita>>. 2.1. Incertidumbre en la posición: Los espacios Como en el palacio Hitita de Jorsabad, en el umbral nos presenta a su apolíneo Lanmasaru, la efigie totémica, el guardián del santa santorum. Al violar el limen de paso, contenemos la certeza de estar transgrediendo los dominios de una autoridad indiscutible, más cercana a lo divino que a lo humano. Es el paso hacia una muerte iniciática, donde no hay paso atrás, y un claro destinatario privativo, el ethos. 2.2. Incertidumbre en la velocidad: La Luz y la ingravidez <<La ingravidez es el estado por el que un cuerpo pesado no siente la atracción de la gravedad, sea por estar a gran distancia de cualquier astro capaz de ejercerla, o por haber sido puesto en condiciones especiales para que no la sienta>>. Como el arquitecto gótico emplea la luz, una luz transfigurada cuasi eléctrica, que desmaterializa los elementos de la fábrica, creando efectos de ingravidez y ascensión, en unas condiciones especiales donde una hidropresencia se hace tangible. Soñab = Hidropresencia In K = [I n A . Ente cabrón ± ∞ ]H2o RT

Gregorio Fernández

Juan Antonio Baños - SOÑAB Artista granadino que en la actualidad compagina su actividad artística con sus estudios de doctorado en Bellas Artes en la Universidad de Granada y como Coordinador y Gestor de proyectos artísticos de la Fundación Carpetania en Madrid. Posee numeras exposiciones individuales y colectivas, así como ha obtenido muchas de las becas y premios más importantes. Cabe destacar la Beca para creadores de la Fundación Antonio Gala. Beca ARCO. Universidad de Granada. Stand “Un Futuro DEARTE. SOÑAB”. Palacio de Congresos de Madrid. “Off” Bienal de arte Contemporáneo de Lánzarote. “Cariño seguro que tu sabes hacer algo” Sala de exposiciones Juana Mordó. Circulo de Bellasartes de Madrid.

Exposición Diagrama I Gabriel García en Espacio Menosuno fecha: del J 28 Noviembre al D 09 Diciembre L-V 12-14h y 17-20h. S y D 18-21 + info: espacio.menos1.com

Diagrama es fruto de la experimentación de lenguajes metafóricos y corporales, a través de los cuáles pretende trasladar al espectador la confrontación que siente el ser humano entre el mundo idealizado de los sueños o proyectos y la realidad que vive. Para esta intervención GAB utilizará una colchoneta como símbolo del choque con la realidad Esta propuesta de Gabriel García nos permitirá reflexionar Ana Martín

Exposición Diagrama I Gabriel García

DIAGRAMA es una propuesta desarrollada por GAB, Gabriel García. Representa el recorrido del ser humano contra las vicisitudes de la vida. La confrontación de nuestros sueños y deseos frente a la realidad que nos circunda. Nuestros proyectos de futuro y nuestras aspiraciones que nunca se llevaran a cabo tal y cómo pensabamos. El diálogo con la materia para encontrarnos con nosotros mismos. La lucha de lo inmaterial contra lo material. Una metáfora reflejada en el salto sobre una colchoneta y las incidencias que ocurrieron... GAB

Gabriel García se licenció en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco. Profesionalmente se ha dedicado muchos años a la animación en 3 dimensiones, participando en proyectos como el videojuego “The Return of the king” (Lord of the Rings) o la serie “Pocoyó”, por citar algunos. En el año 2001 dentro del Master Maisca, realizó un corto de animación en 3d que ha participado en numerosos festivales como Animadrid 2003, Artfutura 2003, en el Festival internacional de jovenes realizadores de Granada, en Baumann v.03 Festival de cortometrajes, en el Festival de cine de Aubagne, en SENEF 2004 Seoul net&film festival, o en el Festival internacional de animacion de Teheran. Ésta será su primera exposición en Espacio menosuno, acercándonos su trabajo más reciente.

Exposición We are going to make a killing I Sergio Ojeda en Espacio Menosuno fecha: del J 15 al D 25 de Noviembre L-V 12-14h y 17-20h. S y D 18-21 + info: espacio.menos1.com Produce: Catarsis Producciones s.l. * Rumor, especulación, incertidumbre, sospecha. * Tomando como "leit motiv", punto de partida, referencia y/o común denominador el lema "we are going to make a killing"(1), y aprovechándose de la ambigüedad interpretativa que es sugerida de ya entrada como matriz conceptual del proyecto, se provoca un desgarro simbólico hacia una vía alternativa y transversal, guiada por un ambiente de desconcierto, vacuidad y desamparo que maneja como ejes de tensión múltiples niveles interpretativos que se superponen o acontecen a la vez, contaminando, interfiriendo, y pervirtiendo un posible discurso completado por casualidades y coincidencias dejadas al criterio o juicio del espectador.

Exposición We are going to make a killing I Sergio Ojeda * Planteado como "work in progress" y presentado (o representado) en formato expositivo (en el que la forma quizás sea "lo de menos"), el proyecto obedece a una compleja estructura en espiral, de historias dentro de otras historias que se relacionan y/o contradicen entre sí, en el que "la obra" se cita a sí misma, se libera y escapa de su "función", quizás en un último y desesperado intento de reclamar "lo que es suyo"; sembrando el malentendido, el rumor, la especulación, la incertidumbre y la sospecha, y sugiriendo en última instancia que tal vez la perversión sólo resida en el propio ejercicio de "traducción". (1).- La traducción literal al español de "we are going to make a killing" sería "vamos a hacer una matanza", pero en realidad es una expresión construída que se utiliza para decir: "nos vamos a forrar". http://www.sergiojeda.com

Sergio Ojeda

Sergio Ojeda (Madrid 76) icenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid (2002), comienza su trayectoria artística mostrando un interés inicial/experimental por lenguajes o soportes como la acción, la performance o la vídeo-instalación. Su modus operandi se articula y define especialmente a través del trabajo en proceso o “work in progress”, utilizando un lenguaje ambiguo, radical, irónico y grotesco en la mayoría de sus proyectos. Ha participado en numerosas muestras colectivas e individuales, destacando “Circuitos”, “Generación 2003/04”, “Cert. de Artes Plásticas de Pollença”, “Premi Miquel Casablancas”, “Arenas Movedizas”, “DVD Project”, varias ediciones del “Festival FEM”, “Miradores”, o su reciente participación en “Rock My Illusion”. Entre sus exposiciones individuales cabe destacar la presentación de su proyecto “ECCE HOMO” (02 y 03) en Madrid y Málaga, “Mecanismos de domesticación” en Córdoba, o “Valentine´s Day” en Madrid. También ha desarrollado varios ciclos de acciones/performances, como “Propaganda” (Madrid, Barcelona,Lisboa), o “Valentine´s Day”. Ha presentado su obra en diversas conferencias y mesas redondas, y ha colaborado en proyectos específicos para publicaciones y piezas para televisión. Su obra ha sido mostrada en espacios como La Casa Encendida, el Centro de Arte Joven, el CASM o el Loop en Barcelona. Ha sido premiado en certámenes como “Generación 2004” o “Circuitos” y su obra forma parte de colecciones de instituciones como la Comunidad de Madrid o Cajamadrid, entre otros.

Exposición Falaz I Cristian Guardia en Espacio Menosuno fecha: del J 1 al D 11 de Noviembre L-V 12-14h y 17-20h. S y D 18-21 + info: espacio.menos1.com Las fotografías de Cristian Guardia nos revelan una identidad transfigurada, sutilmente metamorfoseada por el excitante juego de su puesta en escena. Podríamos considerarlas como una emanación de la actividad del artista como performer, si bien son, por derecho propio, un procedimiento específico para seguir desarrollando las fantasías representadas por medio de la acción en vivo. El resultado son unas imágenes donde se combinan de forma sorprendente erotismo, transformación y fetiche, intensificados por un toque barroco y por la sabia elección de la gama de colores empleada. Como tales imágenes estáticas, parecen cuidadosamente planeadas para introducir un elemento de ambigüedad, que nos lleva a mirar una y otra vez, que sugiere y nos reserva el placer de descifrar lo visto. Quizás por ello el espectador se cree resguardado en su posición de mirón; vemos, en efecto, a Cristian Guardia absorto como un moderno Narciso en la turbadora experimentación con su propio cuerpo. Pero ¡cuidado! No estamos exentos de los riesgos que conlleva la contemplación de estas imágenes. Menos ingenuo que Narciso, Cristian Guardia convierte su particular espejo fotográfico en una superficie donde nosotros mismos podremos sentir el tirón de aquellas de nuestras identidades más profundas; especialmente aquellas ignoradas o sencillamente negadas, mostrándonos que quizás no poseemos una identidad única y esencial, sino toda una infinidad de posibilidades por explorar. MariCruz P.

Exposición Falaz I Cristian Guardia “Existe en el mundo vivo una ley de disfrazamiento puro, una práctica que consiste en hacerse pasar por otro, claramente probada, indiscutible, y que no puede reducirse a ninguna necesidad biológica derivada de la competencia entre las especies o de la selección natural.” Roger Caillois La construcción de la identidad corporal se entiende en las superficies, el sujeto concebido como máscara se desplaza gracias a la simulación a una multiplicidad de absolutismos. Con respecto al travestismo humano Severo Sarduy apunta que “la pulsión ilimitada de metamorfosis, de transformación no se reduce a la imitación de un modelo real, determinado, sino que se precipita en la persecución de una irrealidad infinita”. En el gesto del camuflaje, aunque fallido, el cuerpo encuentra redención (contiene y/o libera), se redimensionan los límites de su individualidad en el territorio de la fantasía. Cristian Guardia

Cristian Guardia (Venezuela 82) Este joven artista venezolano afincado los últimos años en España es una gran promesa en el nuevo panorama artístico. Aunque estudió Arquitectura en la Universidad Simón Bolívar de Venezuela, su obra se ha separado totalmente de sus estudios más oficiales, pasando a estudiar Fotografía Experimental en la Organización Nelson Garrido de Caracas. De su estancia en Caracas cabe destacar su especialización en “performance en directo”. Sus piezas se pudieron ver en el “I encuentro de Arte de Acción”, organizado por el Instituto Pedagógico de Caracas. “Palabra, Tierra, Expresión”. Escuela de Artes Visuales Cristóbal Rojas , “Censura a la carta”, coordinada por la organización Nelson Garrido y “Di-versiones “ Universidad Central de Venezuela. Actualmente reside en Madrid donde está muy vinculado con Espacio Menosuno que apostó por él desde sus primeras muestras como “Malasaña 53h!, Arte Emergente Urgente” 2005, “Versus”, 2006 y “Turismo! Turismo! Turismo!”, 2006, este último fue mostrado en “Noticias 4 de Canal 4”. Además sorprendió a los asistentes en el Festival de Música Electrónica y Arte experimental “Decibelio 06”, Madrid, apoyado por la Comunidad de Madrid. Laguna, 07. 120x70 cms

Glad, 07. 80x50 cms

Pino puente, 06. 80x50 cms

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comisarios Maite Camacho y Mario Gutiérrez ayte. coordinación Davinia Román sede principal Espacio Menosuno sedes colaboradoras Espacio F, Off Limits y Medialab Prado texto prologo Llorenç Barber

dossier

+ info www.in-sonora.com PRÓLOGO por LLORENÇ BARBER Hubo alguien entre nosotros que nos explicó esas dos hermanadas facetas de la electricidad que son LA TRANSMISIÓN Y LA MÚSICA ELÉCTRICA. se llamó Juan García Castillejo, y en 1944 publicó un libro - a sus expensas - dónde con claridad y sobre todo entusiasmo nos lo explicaba. PERO ES ESTE UN PAÍS INATENTO que es capaz de coronar su falta de cuidado con un Ministerio de Cultura todo él sordo a lo que no sea orquesta y escaparate. Da igual que LAS MÚSICAS ELÉCTRICAS nos hayan cantado de mil maneras aquel axioma varesiano de "la música - toda música - es un fenómeno físico", o aquel otro de A.Lucier que dice "todos tenemos un pequeño estudio electrónico dentro de nuestro cerebro" o ese otro que a mí tanto me gusta de Bill Fontana de que "un sonido son todas las maneras de ser escuchado". A trompicones y - siempre a la contra - también nosotros hemos vencido la inexorabilidad del fugitivo sonar para entrar en gustosos jardines - u obscuras cuevas - poblados y pobladas de sonares-en-exposición (llámense ambientes como antes, llámense instalaciones como ahora se prefiere), también nosotros le entramos al arte público de SONIDO COMO MATERIA PRIMA Y PRIMORDIAL, o - como no - a la radio como arte de transmisiones que desopacan el aire y (a veces) las escúchas, o a la red-de-redes como oreja de todos pasándose la vez. Mucho de todo ello lo hemos consiguido mediante estricta práctica de esa difusa y todavía necesaria "cultura del paralelísmo", pero menos da una piedra. Y menos mal que cada vez somos más los que damos en salir de los insonorizados "auditoriums" esos para devenir ciudadanos gustosos de practicar todas las escuchas imaginadas e imaginables, y que armándonos de húmedas iniciativas como IN-SONORA, damos pábulo a un muy plural hacer, que obvia obsoletas culturas de pasillo, pedigueñeces y otras pequeñas miserias que todo ese - algo anticuado – modo, lleva aparejadas. llorenç barber, músico agosto 2007 PRESENTACIÓN La Muestra IN-SONORA III es un evento internacional que promueve el Arte Sonoro e Interactivo que se está realizando actualmente, reuniendo en Madrid del 13 de octubre al 8 de noviembre de este año, a artistas sonoros de diferentes disciplinas artísticas que tienen como fin último el estudio y la experimentación del sonido y la interacción con el espectador. A través de instalaciones, eventos, intervenciones en espacios públicos, conferencias y un espacio de documentación, IN-SONORA III pretende ser un portal para la difusión de un arte que ahonda en lo más profundo del sonido, extrayendo de él su esencia misma y elevándolo a obra de arte. En IN-SONORA III el espectador dejará de ser un mero observador y pasará a formar parte de la creación de la misma obra, haciéndola real al interactuar con ella. Tras el éxito de las dos ediciones anteriores, este año se ha apostado más fuerte ampliando el número obras presentadas y de espacios expositivos, siendo estos: Espacio-F, Espacio Off Limits, Espacio Menosuno y Medialab Prado. De esta manera, pretendemos que IN-SONORA llegue a ser un evento de prestigio dentro del panorama artístico español y una cita anual ineludible para aquellos interesados en las nuevas propuestas artísticas.

QUIÉN LO PROMUEVE La muestra está comisariada por Mario Gutiérrez y Maite Camacho, coordinadores de Espacio Menosuno, y en esta edición cuenta con el apoyo además de otros dos espacios de experimentación artística sin ánimo de lucro, Espacio-F y Off Limits, y de Medialab Prado. Todos ellos persiguen un objetivo común que es el de potenciar la producción y difusión del arte emergente. Apoyan la creación de artistas de gran creatividad y originalidad, los cuales debido a su innovación no suelen tener cabida en los circuitos convencionales de arte. - ESPACIO F, tras cerca de 5 años de trayectoria, se configura como un espacio de visibilidad e intervención (no comercial) para jóvenes artistas, entre los que se encuentran recién licenciados, doctorados o estudiantes de master, cumpliendo así con una labor divulgativa y formativa. Los proyectos seleccionados, por su carácter investigador, atrevido y crítico (en su mayoría carente de apoyos financieros y de legitimación crítica a priori) no suelen tener cabida en los espacios comerciales o institucionales al uso. Es por lo tanto un lugar de producción y desarrollo de proyectos expositivos que no tiene equivalentes en el entorno madrileño para este colectivo de artistas en concreto. Equipo humano: Josu Larrañaga, Daniel Lupión, Alberto Chinchón y Ramón Matoses - MAELSTRÖM (Off Limits) es una asociación sin ánimo de lucro que tiene como objetivo ofrecer oportunidades de exposición a creadores experimentales, ser un marco para el diálogo artista-público y un lugar de debate para apoyar la experimentación creativa. Su línea expositiva se desarrolla en el Off Limits y se nutre de una convocatoria pública anual a través de la que se seleccionan entre cuatro y seis proyectos , seleccionados por un consejo asesor formado por: Ana Cabello, Helena Carceller, Lurdes Fernández, Gonzalo García, Joaquín Ivars, Aitor Méndez, Alicia Murría, Miguel Riera, Ignasi Vendrell y Daniel Villegas. Coordinación IN-SONORA III: Lurdes Fernández, Isis Marco. http://offlimits.es - ESPACIO MENOSUNO en sus dos años de vida se ha desmarcado como un espacio de referencia para la visibilidad y la difusión del arte contemporáneo emergente y experimental. Cuenta con una programación muy intensa y multidisciplinar que incluye exposiciones, eventos sonoros, visuales y escénicos y todos parten de una convocatoria pública anual. A esto hay que sumar un esfuerzo enorme en la difusión artística mediante la actualización de su web, envío de emails y notas de prensa a más de 2.200 subscriptores y una labor de documentación y edición de todas las actividades. El potencial humano es también destacable, actualmente más de 100 socios, en su mayoría artistas de todas las disciplinas y procedencias, mantienen el proyecto. Además de contar desde su inicio con colaboradores de distintas nacionalidades que ejercen labores de gestión, diseño y edición. Equipo humano para IN-SONORA: Maite Camacho, Mario Gutiérrez, Davinia Román, Ana Martín, Betania Lozano, Lucía Cavalchini, Isabel Caravias, Eduardo Huelin y Luis Ángel Romero.

http://espacio.menos1.com MEDIALAB PRADO es un programa del Área de Las Artes del Ayuntamiento de Madrid que tiene su origen en el Medialab creado en el Centro Cultural Conde Duque en el año 2002. Está orientado a la producción, la investigación y la difusión de la cultura digital y del ámbito de confluencia entre arte, ciencia y tecnología. A través de líneas estables de trabajo, Medialab Prado se propone crear una estructura en la que la investigación y la producción relacionadas con este ámbito sean procesos permeables a la participación de los usuarios. Los modos de organización y los formatos de actividades buscan fomentar la aparición de diferentes maneras de interacción entre estos usuarios, así como desarrollar contenidos que integren diversas disciplinas de conocimiento, aprovechando para ello las posibilidades y los modelos ofrecidos por el actual desarrollo de las tecnologías de la información y la comunicación. http://www.medialab-prado.es

PROYECTOS DE LOS PARTICIPANTES DE IN-SONORA III: INSTALACIONES sonoras e interactivas Espacio Menosuno ALBERTO C. BERNAL + FERNANDO GARCÍA con woArLILds. Instalación audiovisual que se materializa en diferentes espacios oestaciones de dimensiones reducidas. Dentro cada uno de éstos, tiene lugar una proyección de video sobre su propia materia (techo, paredes, suelo...) junto con una sonorización de una correspondiente situación electroacústica concebida también exclusivamente para el propio espacio creado. Su obra se distribuirá entre Espacio Menosuno y Off Limits

ANDRÉS MONTES (México) con Serie Trayectos #20 Utilizando un péndulo rudimentario, modificado con unas de herramientas simples de trazo (Harmonograph), se van dibujando trayectorias oscilatorias para marcar una serie de mapas de mí andar personal. La intención es capturar el sonido del paso de la herramienta sobre el papel con micrófonos localizados por debajo y en el centro de los mapas.

ADELA SÁNCHEZ Trabajo de texturas sonoras y visuales muy sutiles que hablan de la fragilidad, la introspección y todo aquello que guardamos u ocultamos. Está pensada para que el público de manera individual intervenga acogiendo la imagen entre sus manos.

Espacio F XABIER ALCACER con Sonidos Orbitales La obra plantea la creación de un paisaje sonoro que manipula el propio espectador. Mediante un panel de controlse pueden activar distintas cajas sonoras con sonidos diferenciados por la fricción entre materiales y el motor de las lijadoras orbitales que contienen. Dichas cajas están suspendidas del techo y con activaciones prolongadas oscilan debido al sistema de anclajes y el movimiento rotatorio de las máquinas. Las cajas contienen una lijadora -o varias- con cepillos metálicos aclopados a la base. Estos cepillos rozan sobre plancha de zinc y crean distintos sonidos dependiendo del tipo de cepillo utilizado.

Off Limits EDITH ALONSO y ANTONY MAUBERT con Historias de bananero Con esta instalación queríamos utilizar el bananero que la Off Limits posee en su patio interior. El bananero nos habla de las relaciones humanas, sociales y económicas que giran a su alrededor. Su descubrimiento y explotación por los países coloniales han creado una red intricada marcada por el desplazamiento y la mezcla. Esta instalación se presenta como un espacio de documentación visual y sonoro en el cual el visitante se mueve cambiando el entorno sonoro. Los sonidos salen de las hojas como si el árbol nos hablara él mismo. ISAAC CORDAL con Engendro 07 Instalación mecánica de apariencia rudimentaria que mediante objetos variados e inconexos, que rozan y chocan unos contra otros, genera un escenario sonoro y visual muy interesante y lúdico.

ÁNGEL FARALDO con Diario de Cualquiera Instalación sonora interactiva para un altavoz y un oyente, que toma como punto de partida una colección de textos personales (51) que escribió el artista en un intervalo de dos meses a modo de diario, con motivo de un cambio de ciudad y ocupación. Estos escritos (principalmente en español, aunque un pequeño porcentaje está en inglés), han sido leídos y grabados de forma espontánea (a primera lectura) por personas de ambos sexos y diferentes países e idiomas nativos, constituyendo la totalidad del material sonoro presentado.

ISRAEL MELERO con Ente Ovino El rastro rotundo de los hechos y el tiempo, una pieza que habita en la urbe, cuya esencia es testigo del berrido de la natura que eclosiona como ente y se desploma ante el implacable destino de permanecer como huella del ser que coexiste con el pasado.

ALBERTO C. BERNAL + FERNANDO GARCÍA con WoArLILds. Su obra se distribuirá entre Off Limits y Espacio Menosuno.

Medialab Prado PABLO VALBUENA con Escultura Aumentada Investigación espacio-temporal en un entorno espacial específico. Forma parte de una serie de proyectos en los que estudio el espacio no solamente como entorno tridimensional, sino como mezcla indisoluble de espacio-tiempo. Para ello recurro al solape de dos niveles: por un lado el físico, que me permite controlar el espacio euclidiano y conformar una base volumétrica que me sirva de soporte. En segundo lugar utilizo una capa virtual, que me permite controlar las características de transformación y secuencialidad del espacio-tiempo. La superposición de los dos niveles da como resultado un espacio tridimensional euclidiano aumentado por una capa espacio-temporal.

INTERVENCIONES EN ESPACIO PÚBLICO y PRIVADO ENRIQUE TOMÁS y VERÓNICA PÉREZ PÉREZ con #ATMÓSFERA::SUSTRATO_RUIDO El sonido es parte de nosotros. Está siempre presente. Nos informa de nuestro espacio. Nos dirige. Nos llama la atención o se nos hace imperceptible. A veces se hace tan habitual que ya ni le escuchamos. El ruido es un anticomún. Es un desecho de la actividad humana del cual nadie desea apropiarse. Desde este punto de partida, intervedremos el sustrato atmosférico ruidoso utilizando el material sonoro que produce el sintetizador libre de la ciudad. Los sonidos de este sintetizador son infinitos, inmersivos y PÚBLICOS. Las intervenciones son varias: Árboles semáforos, El concierto imposible....

EVENTOS EXPERIMENTALES DANIEL GONZÁLEZ, OLMO COUTO, JAVIER DIEZ, RAPHAEL LARRE, LORA LILA Y JAY KINOLUCIÓN con Metafases de los espacios y Sentidos PETER MEMMER (Alemania) y MAITE LARRAÑETA (Colectivo: Pan, Luz y Mantequilla) con Son Sonoros. Esta es una celebración del "rebovina" y del "pasa pa' alante", funciones obsoletas en esta era digital del acceso directo. Que dulce espera cuando el radiocasette aceleraba para avanzar cierta estrofa de una canción y ganando velocidad, se precipitaba con un sonido estridente hacia el ojo del huracán para detenerse, derrepente, con un golpe seco que hacia saltar las teclas. O tal vez hablemos de la aguja del tocadiscos, de sus búsquedas imprecisas, de los placeres accidentales de la escucha a trompicones de un disco rayado, de una velocidad inusual que lo cambiaba todo. Recuerdo el placer que me produjo descubrir estos botones en mi primer radiocasette. Podía avanzar hasta el principio de la próxima canción, detenerme en mitad de la búsqueda, alargar los silencios y con los saltos mezclar ritmos. Creo que ese botón se jodió a la semana, o así... FERRER-MOLINA con Guitarra eléctrica sobre mesa vibradora Se trata de un par de mesas de oficina unidas por la base de dos de sus patas, que en otra de ellas llevan atornillado un pequeño motor industrial cuya velocidad depende del control de un ordenador. Con esto se consigue una mesa que vibra con un sonido tipo helicóptero. Sobre ella se sitúa boca abajo una guitarra eléctrica con seis cuerdas iguales afinadas por semitonos. De la guitarra sale un cable que lleva su sonido a un amplificador de guitarra eléctrica que funciona a la máxima potencia posible. MONOPERRO con Death Sounds. Participan MONOPERRO (Ignacio Álvarez Bordoy), José Aguirre Rosado, Hector Alfonso Aller, Musgo (Marina Hernaez) Anavaca (Ana Álvarez Bordoy) TSUNAMI KILLCORE + NO PRESET con Hades HADES: Terror, identidad, consternación ante la locura, transgresión de la mente, opacidad, multiciplidad, auto-censura...estados mentales que esquivamos, miedo a la oscuridad, miedo a la profundidad, miedo a nosotros mismos... HADES es un intento de naturalizar el encuentro del individuo consciente con los estados no evidentes, de incomprensión, difícil aceptación o acceso que genera su propia mente . Mientras la mente nos proporciona imágenes, nuestro grado de consciencia nos permite establecer diferentes planos de conexión con nuestra realidad interior La capacidad de extrapolar el pensamiento, de observar y asumir esa realidad permite anular las connotaciones negativas de cualquier estado de ánimo para moverse libremente en él

EVENTOS SONORO-VISUALES ZECT-BU con Alrededor y Dentro Escuchar algo agradable es dejar que el sonido entre en mi y hacerlo parte de mis sensaciones. Verme atacado por un sonido molesto es encontrarme con un

intruso dentro de mi percepciones y luchar por expulsarlo. Quiero crear entidades sonoras que rodeen y penetren las cabezas de quien escucha, que acústicamente comuniquen su tamaño y su intención, que desarrollen argumentos de interpretación libre y personal. Han colaborado: Arpa peruana: Clara Vázquez. Flautista: Antonio J. Berdonés. Guitarrista: David Joao de Almeida Percusionista: Paco Lafourcade y Raul Valdes. Saxo y Oboe: Isabel Lastres. Violinistas: Ana María del Valle, Marta González, Raquel Garay. MEDUSA MUSIC– Conciertos de RMSonce y Electrónica Discreta. RMSonce es un proyecto del matemático y compositor Francesc Martí que combina ritmos electrónicos e instrumentos eléctricos, paisajes ambientales y sonoridades experimentales. Sus dos primeros trabajos ya se han hecho escuchar en algunos de los festivales de música electrónica más importantes, además de haber recibido críticas excelentes a nivel nacional e internacional. En noviembre de 2007 publicará su tercer trabajo “Reflections”. eLECTRÓNICA dISCRETA publica su primer cd de nombre homónimo con MEDUSA MUSIC en el año 2006 y está llamado a ser un trabajo de referencia dentro la música electrónica experimental. eLECTRÓNICA dISCRETA es el nombre artístico del ingeniero de sonido y productor musical Juanjo Alba, un apasionado y activista de los sintetizadores analógicos, cajas de ritmos, pedales, theremins, extraños artefactos y efectos en general “vintage”. QZIOS KIERAN STEPHEN ZORT (Andres Oddone + Andrés Zunino + Adrian Bertol) RALF (Rafa Caivano) FRICKSTAILERS (Rafa Caivano + Lisandro Sona) Invitados a la Fiesta de Clausura (1h.) NET-LABELS Propuestas de arte sonoro e interactivo que por su carácter divulgativo o íntimo, han sido creadas para el entorno de internet y serán presentadas en INSONORA dentro de su contenedor original teniendo varios ordenadores accesibles. Algunos artistas o colectivos on line : MEDIATELETIPOS, ARTESONORO.ORG, NATALIA PUYOL, PLAY CODE, SINSAL, PABLO COELLO Mediateletipos.net y el Portal Artesonoro.org desplazan a la ciudad a dos enviados especiales para cubrir el evento. Ambos proyectos en red habilitarán un espacio en sus webs para informar de los contenidos: audio-entrevistas, reportajes y videos darán cuenta de este encuentro. CENTROS DE DOCUMENTACIÓN, AUDICIÓN Y PRESENTACIÓN DE PROYECTOS SONOROS

Un año más IN-SONORA hará un esfuerzo por poner a disposición de los espectadores CDs de audio experimental, ya sean propuestas de sellos música improvisada como SOFÁ, SILLÓN, o electrónica como RMSONCE, Medusa Music, así como múltiples piezas de artistas independientes.Además contaremos con propuestas de arte sonoro presentadas a modo de piezas únicas, cajas artísticas presentadas por La Pluma Electri*k, o muestras de Hablar en Arte, programa especial relacionado con el arte sonoro promovido por Radio Círculo de Bellas Artes. HABLAR EN ARTE RADIO. Radio Círculo 100.4FM. Círculo de Bellas Artes. 2003-2007. Bajo el nombre de la propia asociación se constituyó un espacio radiofónico sobre arte contemporáneo diseñado expresamente para Radio Círculo. Desde diciembre de 2003 se puede escuchar los jueves de 22 a 23 horas en la 100.4 de la FM, el dial de Radio Círculo o a través de Internet. Concienciados de la importancia del programa como medio de difusión, hemos incentivado desde este espacio el apoyo a la creación artística, por lo que lanzamos en 2005 la I Convocatoria de Arte Sonoro para Radio “En el Aire”, que en 2007 cumplió su tercera edición, y la I Convocatoria de Crítica de Arte para Radio “15 líneas”. Durante los años 2005 y 2006 contamos con una subvención de la Dirección General de Cooperación y Comunicación Cultural del Ministerio de Cultura. Participación de Hablar en Arte en In-Sonora En la III edición de In-Sonora se podrán escuchar las obras ganadoras y seleccionadas de “EN EL AIRE. III CONVOCATORIA DE ARTE SONORO PARA RADIO”. De entre los 57 trabajos recibidos de 49 participantes diferentes, el jurado decidió elegir 6 piezas destacadas además de una pieza finalista y una pieza ganadora. Estos son los títulos y los autores: GANADOR: Carlos Moya Pérez, con la pieza War (Each of us matters) FINALISTA: Ediciones Vinoamargo (José Rojano y Alejandro Gil), con la pieza Aprieta pero no ahoga, ya escampa SELECCIONADOS: David Alarcón, con la pieza Los sonidos de Europa. Tony Grady, con la pieza Ceci n’est pas un Picasso. Peter Memmer, con la pieza Traveling sound object. Roger Monserrat, con la pieza Y alta la voz. Alberto Picciau, con la pieza Madness. Mao Sian, con la pieza The way memory works. Igualmente, Hablar en Arte se convertirá en el espacio de In-Sonora en las ondas, una forma de disfrutar del proyecto a través del medio más adecuado para él como es la radio. Durante cuatro programas especiales, Hablar en Arte difundirá entrevistas a los comisarios y artistas participantes, seleccionará fragmentos de los coloquios y conferencias, hablará con los espectadores y “oyentes” de In-Sonora y emitirá varias de las piezas protagonistas de esta tercera edición. Más información: Asociación Hablar en Arte (www.hablarenarte.com) La Pluma Electri*k Experimento Marconi es una caja-objeto de arte sonoro creada el día del libro de 2007 por los artistas Aïda Gómez y Diego Vasko. La primera edición -cada caja trae una polaroid en portada única- está dedicada al humor, ironía y la sátira"age”. CONFERENCIAS Y PRESENTACIONES Medialab Prado con su programa AVLAB se une a la muestra. AVLAB son reuniones mensuales entre gente con intereses afines en los campos de la música experimental, electrónica, electroacústica, el arte sonoro, los dispositivos interactivos y en general el procesado de audio y vídeo en directo. Los encuentros surgen con la idea de ofrecer un lugar físico donde poder compartir conocimientos, críticas y opiniones acerca del proceso creativo en los ámbitos mencionados. En cada sesión se invita a tres o cuatro músicos, djs, vjs u otros colectivos a realizar una breve presentación conceptual y técnica de su trabajos, seguida de una demostración práctica. Para la ocasión IN-SONORA ha invitado a ISAAC CORDAL, CHIU LONGINA y CONCHA JERÉZ + JOSÉ IGES, que además propone una intervención publica.

PROGRAMA IN-SONORA III OCTUBRE 13 Sábado AVLAB – Medialab Prado Conferencias y Mesa Redonda 19h. : Isaac Cordal, Chiu Longina y Concha Jeréz + José Iges Instalación de Pablo Valbuena 16 Martes ESPACIO F Inauguración 19h. Instalación Xabier Alcacer

c/ Alameda, 15 (Atocha) // www.medialab-prado.es

c/ Fuencarral, 45 – sótano. Mercado Fuencarral

ESPACIO MENOSUNO c/ La Palma, 28 (Malasaña) // espacio.menos1.com Inauguración 21h. Instalaciones de Alberto C. Bernal + Fernando García / Andrés Montes / Adela Sánchez + Presentación del Manifiesto MADRID::SUSTRATO_RUIDO de Verónica Pérez Pérez Y Enrique Tomás, que a partir de este momento comienzan su intervención Semaphorus Arborescensis desde Plaza de España a Cibeles pasando por Gran Vía y Sol. 17 Miércoles 18h. #ATMÓSFERA::SUSTRATO_RUIDO con Intervención: Concierto de ruidos (con la colaboración de "au") calle Gran Vía (entre plaza de españa y callao) + OFF LIMITS

c/ Escuadra, 11 (Lavapiés) // www.offlimits.es

Inauguración 20h. Instalaciones de Edith Alonso+Antony Maubert/ Isaac Cordal/ Ángel Faraldo/ Israel Melero/ Alberto C. Bernal+Fernando García Netlabels, Zona de Audición-Documentación, La Pluma Electri*k, Hablar en Arte... Intervenciones Públicas y Eventos Experimentales 18 Jueves 21h. #ATMÓSFERA::SUSTRATO_RUIDO con Intervención: Residuos Sonoros para la calle del Conde 19 Viernes 18h. #ATMÓSFERA::SUSTRATO_RUIDO con Intervención: La ciudad Suena. Barrio de Malasaña + ESPACIO MENOSUNO 21h. Daniel González, Olmo Couto, Javier Diez, Raphael Larre, Lora Lila y Jay KinoLución con Metafases de los Sentidos y Espacios

20 Sábado 18h. #ATMÓSFERA::SUSTRATO_RUIDO con Intervención: El sonido de la diversión en la Plaza de Tirso de Molina + OFF LIMITS 20h. Ferrer-Molina con Guitarra electrónica sobre mesa vibradora (30min.) Maite Larrañeta y Peter Memmer (Colectivo: Pan, Luz y Mantequilla) con STOP - PLAY (30min.) Monoperro con"Death Sounds". Participan MONOPERRO (Ignacio Álvarez Bordoy), José Aguirre Rosado, Hector Alfonso Aller, Musgo (Marina Hernaez) Anavaca (Ana Álvarez Bordoy) (30min.) Tsunami killcore + No preset con Hades (30min.) 21 Domingo 12h. #ATMÓSFERA::SUSTRATO_RUIDO con Intervención: El metro submarino. Túnel de Salida del Metro Retiro 27 Sábado OFF LIMITS 20h. Zect-bu con Alrededor y Dentro (1h.) Medusa music – RMSONCE y Electrónica Discreta (1.30h.) Qzios Kieran Stephen (30min.) 28 Domingo ESPACIO MENOSUNO Conciertos de clausura 20h. Zort (Andres Oddone + Andrés Zunino + Adrian Bertol) Ralf (Rafa Caivano) Frickstailers (Rafa Caivano + Lisandro Sona) 1 Jueves ESPACIO F 19h. Proyección vídeo resumen de la muestra y encuentro con los artistas participantes

D-28 OCT: Clausura Espacio Menosuno

X-31 OCT: Clausura Off Limits

J-8 NOV: Clausura Espacio F

ORGANIZA

COLABORAN

PATROCINA

MEDIOS y PUBLICACIONES

DISEÑO y DOCUMENTACIÓN

APOYAN

IV Festival Menosuno I Do not disturb Dos Exposiciones y un Ciclo de Acciones Primera Exposición: del 01 Septiembre al 16 de Septiembre Ciclo de Acciones: del 19 Septiembre al 23 Septiembre Segunda Exposición: del 27 Septiembre al 14 Octubre L-V 12-14 h y de 17-20 h. S-D 18-21h. Do not disturb es la 4ª exposición temática del colectivo Menosuno (www.menos1.com). Este año el tema elegido ofrece interpretaciones muy diversas, desde lo más personal e íntimo hasta el activismo político, “Do not disturb” pretende ser un detonante para que artistas emergentes se expresen desde diferentes disciplinas. La muestra, que contará con dos exposiciones y una semana dedicada a la performace y la acción, va a ofrecer una visión única a un tema que gana cada vez más y más significancia en una sociedad que se tiene que enfrantar a diario con las molestias y las injusticias. “Ya sea mental, físico, personal o general, la molestia casi siempre implica un cambio negativo y drástico para nosotros. Alguna fuerza extraña y bruta invade sorprendentemente un objeto en perfecto equilibrio e inmediatamente causa cambios fuertes y pronunciados en su estructura, seguido después por un cambio silencioso y progresivo como las réplicas sísmicas de un terremoto, hasta que el sistema se recupera y vuelve a su estado normal. De este proceso se crean y separan automáticamente dos lados opuestos: el estado original - la víctima, y la fuerza invasora – el delincuente.

IV Festival Menosuno I Do not disturb Siempre nos convencemos a nosotros mismos de que el cambio es algo bueno de cualquier forma, ya sea para nosotros o para nuestra sociedad, pero siempre preferimos los cambios lentos y suaves, y sobre todo controlados por nosotros mismos. Pero nos engañamos, porque las únicas veces que sentimos de verdad el efecto grave de un cambio es cuando sentimos las molestias, las que nos han puesto encima: los cambios que nos hacen sufrir. En un mundo donde el ser humano ocupa más y más espacio, y como consecuencia queda menos y menos para el individuo, la molestia es una sensación omnipresente e inevitable. De hecho, casi nunca pasamos un día sin ser molestados o molestar nosotros mismos sin darnos cuenta, convirtiendo la molestia en un estado casi normal y corriente. Ya sea empujar una mujer mayor en el autobús, una sintonía cutre puesta a todo volumen en el supermercado, las vallas de publicidad en la calle tapando una buena vista; nos enfrentamos a un número diario de molestias rutinarias. Pero lo que nos hace de verdad reconocer una molestia como tal, es cuando nos ponemos en contra de ella, cuando intentamos acabar con ella, cuando decimos “no molestar”. La exclamación “Do not disturb!” puede surgir de una infinita cantidad de motivos: el “cuelga-puertas” de un hotel, un país defendiendo su independencia, una persona queriendo estar a solas y trabajar desconectado de la realidad a su alrededor, el público en una exposición siendo irritado por la provocante obra de un artista, la advertencia de un guardaespaldas, etc…. Los artistas que participan en “Do not disturb” nos enseñan lo que les ha sugerido esta exclamación. Cada uno con ideas, sensaciones y recuerdos distintos, lo reflejan desde un punto de vista defensivo, agresivo, a través del sufrimiento, la revolución o el erótico vouyeurismo, y nos lo enseñan a través de una variedad de técnicas distintas, a través de la fotografía, el collage, el vídeo, la acción guerrilla, el performance, la pintura, el teatro o la instalación. Pero sea lo que sea, “ do not disturb” implica una orden, una amenaza. Vamos a ver lo que lo ha hecho gritar a los artistas.”

Amrei Hofstätter

Primera Exposición: del 01 Septiembre al 16 de Septiembre Izaskun Álvarez, Mario Gutiérrez, Estefanía Martín, Raúl García, Nino Maza, Jordi Mora, Amparo Pérez y Josu Rekalde. Ciclo de Acciones: del 19 Septiembre al 23 Septiembre, a las 21h. X 19 Antonio Ramírez con Terrorista J 20 Clan de Bichos V 21 Paloma Calle en colaboración con Tomás Calle con SECRET – Alberto Chinchón y Miguel Palancares (PAN) con Accionados S 22 Sergio Ojeda con We are going to make a killing, dentro de la programación de Noche en Blanco D 23 Naiara Delgado Segunda Exposición: del 27 Septiembre al 14 Octubre Antonio Carralón, Jacinto Estévez, Maite Camacho, Gonzalo Cordero, Eduardo Huelin, Cristina Izquierdo, Isabel Izquierdo, Left Hand Rotation, Mariola Moreno, Federica Pecorelli, Luis Ángel Romero, Laurita Siles y Juan Pablo Villalpando.

Exposición I ADREDE Y APOSTA Adrede y Aposta: Jorge Núñez y Unai Requejo Del 02 al 12 de Agosto L-V 12-14 h y de 17-20 h. S-D 18-21h.

La inauguración contará con la presencia virtual de los artistas, a través de una videoconferencia con Bilbao a las 20h. El Sábado día 4, también a las 20h actuará en la sala el grupo de tecno-rock Hamburguesa Vegetal (www.hamburguesavegetal.com), única actuación en Madrid de su gira. Jorge y Unai se vuelven a juntar para una nueva edición de Adrede y Aposta dejando a un lado sus proyectos propios, presentan cada uno obras plásticas inéditas buscando siempre la complicidad con la gente y haciendo guiños al Arte. Así mismo conjuntamente realizan 3 piezas de video para la ocasión, otra trilogía sobre los roles de artista como hicieron con buena acogida en el 2004.

Exposición I ADREDE Y APOSTA El texto de la exposición ADREDE Y APOSTA es interactivo y cambiante, es muy sencillo; coja un lápiz y rellene el siguiente formulario, tómese el tiempo que usted crea necesario: En esta exposición ustedes podrán: a) Beber kalimotxo b) Ver obras de arte c) Conocer gente encantadora

Es la segunda edición, dónde se mostró antes? a) En Santurtzi, Bizkaia b) En el Guggenheim de Bilbao c) En el museo etnográfico de Madrid

Ha entendido algo de la exposición? a) que había que entender? b) si, absolutamente todo c) no, nunca

Los artistas que la han preparado son: a) Jorge y Unai b) Malevich y Julen Guerrero c) No la han preparado artistas

Los que salen en los videos quienes son? a) Jorge y Unai b) Unos actores contratados c) Harrison Ford y Nick Nolte

Al ver esto usted se plantea... a) Esto si que es Arte! b) Me gustó mas en el Guggenheim c) Voy a comprarles alguna obra! Gracias por su visita, disfrute del buen tiempo.

Información sobre los artistas: Ambos graduados en Bellas Artes cuentan con numerosas exposiciones, por citar algunas Jorge Nuñez ha participado en dos ediciones de Getxoarte (2005 y 2006) Top ten (Bilbao-Zarautz, 2006) y ha sido seleccionado en Ertibil 2007. Ha recibido un premio de animación de eitbkultura 2007 por su pieza Montaña post-it. Unai Requejo ha participado en varias exposiciones de Espacio Menosuno, DVD Project (2007), memoria de lo habitado (2006), o lo minúsculo (2005). Comisario de Sent by post, (Bilbao-Breda-Bristol 2006) y Turismo! Turismo! Turismo! (Madrid, 2006); en 2005 presentó la individual desconexiones en Menosuno.

Exposición Casa tomada por carta I Casa Tomada en Espacio Menosuno fecha: del J 19 al D 29 de Julio L-V 12-14h y 17-20h. S y D 18-21 + info: espacio.menos1.com A pesar de que no existen muchos referentes de artistas latinoamericanos (pareciera que, en cuestión de creación, el pastel se lo comen entre Europa y Estados Unidos) últimamente se empiezan a colar por los circuitos del arte creadores argentinos, brasileños, mexicanos o cubanos. Menosuno, en su apuesta por la creación y la utilización de nuevos lenguajes expresivos, ha mantenido abiertas sus puertas a artistas de todas las nacionalidades. En esta ocasión el colectivo Casa Tomada van a ser los encargados de mostrarnos el arte más actual de La Habana. Casa Tomada surge de la necesidad de abrir un hueco al arte emergente en Cuba, rehabilitando para ello un espacio que había quedado relegado y que en otro momento constituyó un referente de la creación cubana. Dentro de este colectivo se ubican ocho artistas que abogan por un arte individual, diverso, en el que alcanza gran protagonismo la acción artística y cuyo nexo común es el Instituto Superior de Arte de La Habana. Para “tomar” Espacio Menosuno han puesto en marcha un proyecto, Casa Tomada por carta, que habla de las circunstancias que rodean a estos artistas; debido al bloqueo que sufre la isla, el correo se ha convertido a menudo en un hecho vital, muy utilizado y en ocasiones problemático. La carta pasa a ser la creación, el envio, la acción artística, y la creatividad se pone en marcha para trazar una ventana por la que mostrar al mundo el arte contemporáneo cubano.

Ana Martín

Exposición Casa tomada por carta

Casa Tomada es un grupo de ocho cubanos que en el 2005 toman, se apropian, arreglan, un espacio en la Habana concretamente en Plaza 8 estaba abandonado y deciden hacer sus catarsis, así los conocí yo. Esta nueva generación de artistas cubanos que abogan por un arte mas global y de menos corte politico ( aunque no deja de ser politico, por el mero hecho de vivir en un pais centralizado). Casa Tomada realiza un arte que va más a lo indeterminado y lo azaroso, por lo que defienden un tipo de arte intuitivo y directo, que roza con lo sensorial y retiniano pero no deja de lado asociaciones poeticas y profundidades conceptuales. Y una vez visita uno Cuba, aprecia la importancia del envio de la carta "oye hermano, puedes llevar este paquetico a ............." Casa Tomada por carta es todo ese tejemaneje de mano en mano y de favor en favor, para que llegue la carta en este caso a España, estos ocho artistas han hecho de su ingenio para mandar sus obras y poder disfrutar de ellas. Esperemos lleguen todas y nos encontremos todos aquí. Francisco Mateos, comisario de la exposición

Casa Tomada la constituyen Michel Pérez, Orestes González, Niels Reyes, Ranuel González, Osvaldo González, Akejandro Falconi, Yordani Jiménez Pavón y Katiuska Saavedra. Todos ellos cursan sus estudios artísticos el Instituto Superior de Arte de La Habana, en diferentes especialidades. Han participado en numerosas exposiciones, ya sea de forma individual como colectiva; podríamos citar algunos proyectos como Cuba the Next Generation en Centre of Cuban Art N. York; Espacio Abierto, Colateral a la Bienal de Sao Paulo, Brazil; Making Off, Pabellón Cuba, Ciudad de la Habana; Proyecto Kamikatze, en el centro provincial de arte de San Antonio de Baños; o Cuba for the incide looking out 1, en Elayne L. Jacob Gallery, Detroit. Definen así su manera de entender el acto artístico: “Creemos necesario abolir la imagen del artista contemporáneo que se fomenta institucionalmente, que reproduce mecanismos de circulación y lógicas de creación para las cuales no tenemos estructuras que la sostengan. Abogamos por un arte desde la intuición. Un arte individual. Que sea al mismo tiempo diverso e imperfecto, sin ese aire de falsa sofisticación que tanto se respira en muchas obras que hoy se producen. [...] Negamos las palabras y conceptualizaciones que se recluyen en el mundo de las teorías que se manejan en las artes visuales, pues no nos sirven para generar experiencias y obras auténticas. Queremos un arte para vivir lo real y asumir las condiciones de posibilidades de nuestra existencia, que nos permita apresar el rastro de libertad que hay en cada acto creativo. Nuestro tiempo es el presente.”

covers

5 - 15 de Junio

Exposición I Covers 01 en Espacio Menosuno Fecha: jueves 5 - domingo 15 junio L - V 12 - 14 h y 17 - 20 h S y D 18 - 21 h + info: menos1.com / covers.menos1.com Patrick Minram, artista audiovisual, afirmó que “el arte está donde menos te lo esperas”, y es cierto. La cita se reproduce en el libro Street Logos, una selección de lo mejor del arte urbano actual, que ha evolucionado introduciendo nuevos lenguajes como el diseño gráfico, la tipografía o la ilustración en un soporte efímero: la calle, conviertiéndola en arte público. El objetivo de la convocatoria Covers es parecido al del nuevo arte urbano ya que introduce el arte de hoy en un nuevo formato igual de efímero e igual de vivo: la red, y a su vez, convierte la red en una pequeña exposición virtual de fotografías, ilustraciones, grabados e instantáneas que se adaptan a las nuevas tecnologías y nuevos medios. Covers Menosuno es un proyecto interactivo en el que artistas de todos los estilos, tendencias y países, con distintas trayectorias, crean una obra en pequeño formato, que sirve de página de inicio para la web. Todas ellas se podrían considerar como Net Logos, puesto que ilustran la página web y funcionan como presentación del espacio (o logo de la web) durante un periodo de tiempo. La iniciativa fomenta el arte a través de la red y es una forma de mostrar un nuevo ciberarte. Un proyecto de colaboración en el que participan los miembros de una nueva generación de creadores y artistas, y que resume la filosofía de Menosuno. Para eliminar el carácter virtual de la propuesta, hemos editado el primer catálogo de portadas: una pequeña galería de arte que reúne todas las imágenes de un periodo de creación. Además, del 5 al 15 de Junio de 2007 se desarrollará una muestra visual y audiovisual con las portadas 01 en el Espacio Menosuno. La página web de menosuno [www.menos1.com] ha sido publicada en el Web Design Index 2005 (edit. Pepin Press). TEXTO: HELENA GP

Exposición I Covers 01 Los participantes en la primera edición de Covers son: Mario Gutierrez Roberto Camacho Jeremías Pau Toledo Lorena M. Carbajal Maite Camacho Eduardo Bertoné Aurora Rumi Izaskun Álvarez Raúl García María Latoba Unai Requejo Mikel Arce Erika Bernarhdt Ana Beltrá Francisco Castro Naiara Delgado Miguel Lasso Martín Bochicchio Corinne Navarrete Espacio Menosuno Marcos Belmonte Rafa Sánchez

Antonio Carralón Lila Arsuaga Mónica Grande Raúl Martínez Amparo Pérez Daniela Setién Dolores Esteve Helena G. Piera Manuel Martínez Laurita Siles Nino Maza Mª del Mar Molina Lucía Antonini Mariola Moreno Martín Blázquez Lula Mario Sarramián Federica Pecorelli Eduardo Huelin Marta Zarco Martino Chiti Pedro Alarcón

Txampa Patxi Izquierdo Modo 3 Jacinto Estevez Eva Mena & Sey Rodrigo Demirjian Arturo Marín Jose Carril Verónica Ibarra Alfredo Morte Grupo Jaos Natalia Vizcarra & Miguel Palomino Cristian Guardia Diego Manuel Emilio Osvaldo Cibils Martínez Bueno Elena Quintana Marta Ruiz Gimena Berenguer Lar Peterson Eva Mendoza

Natalia Puyol Ana Matey Belén Rodriguez Romina Orazi Jaime Arribas Yolanda Spinola Daniel Vega Juan Pablo Villalpando Javier Juan de Creix Rosa d’Acunti Raúl Lázaro Nadia Peinado Momo Jordi Mora Alison Home Lidón Ramos Jaqueline Bonacio Blanca Lisazo Marga Garrido Abel Gómez Usoa Areitio Ade Castro

Chico Sánchez Juan Justo Benjamín Torres Tahra Sarmiento Eduardo Cervera Pedro Peinado Nacho Baltasar Laura F. Gibellini Marta Silgo Alain M. Urrutia Cristina Izquierdo Rafa Martín Raquel Durán Jaime del Valle Julio Grisales Cococrash Diana Coca Ángeles Benítez Raquel Viana Javier IA Esther Achaerandio

Exposición y Jornadas de Videarte I DVD Project I dvdproject.menos1.com Espacio Menosuno presenta el Proyecto Internacional de Videoarte DVD Project: Muestra Internacional de Videoarte: DVD PROJECT Del 20 Junio al 1 de Julio L-V 12-14 h y de 17-20 h. S-D 18-21h. Viernes 29 Junio cerrado por fiesta de aniversario. Presentación en loop de los bloques de videoarte de: Alemania y Holanda, y en cabinas personalizadas del país invitado, en este caso España.

VIDEO_PALABRAS: Jornadas en torno al videoarte 23-24 de junio, 17:00-20h Paralelamente a la presentación del DVD Project en Madrid (21 de junio-1 de julio 2007), Espacio Menosuno organizará dos jornadas sobre videoarte para profundizar, acercar y abrir debate alrededor de un tema que gana cada vez más protagonismo en nuestra sociedad. Los conferenciantes son: Amparo Lozano, Pablo Martínez, Mario Gutiérrez, Maite Camacho, Lars Peterson, Stephen Reed, Unai Requejo, Félix Fernández y Andrés Senra, Alberto Chinchón.

Exposición I DVD Project I dvdproject.menos1.com DVD-project es un proyecto de videoarte internacional organizado por Stichting Idee-fixe (IDFX). Ha sido creado con la intención de mostrar videoarte emergente y experimental, como plataforma democrática y accesible sobretodo para nuevos artistas. Éstos se agrupan en un núcleo amplio, variado e internacional, donde pueden presentar y vender su obra a un precio muy asequible. Los vídeos se vende en edición limitada de 100 copias por un precio de 50 euros por obra, en una caja diseñada y firmada por el propio artista. Duración aprox. del proyecto:300 minutos. Después de haber sido organizado con éxito en Stichting Idee-fixe (Breda/Holanda), Verein für Original Radierung (Munich/Alemania), Spunk Seipel (Berlín/Alemania) con obras de artistas holandeses y alemanes, la primera muestra con artistas españoles se realizó en la Sala Miscelänea dentro del festival LOOP de Barcelona 2007. También están trabajando comisarios/as internacionales (Lucía Cavalchini/Italia, Betania Lozano/Argentina, Nathalie Brother/Suecia, Claudia Camacho/Portugal... ) para llevar el proyecto a sus respectivos países. Información sobre los coordinadores: Stitchting Idee-fixe (http://www.idfx.nl/) es un colectivo que lleva más que 10 años dedicándose a varios proyectos subvencionados por el estado holandés. Aparte de montar exposiciones y eventos en naves industriales y organizar festivales, como el famoso Buitenfilm, de cine serie B, su actividad principal son intervenciones en el espacio público, tanto visuales como sonoras e instalaciones. La coordinación española la lleva Espacio Menosuno (http://espacio.menos1.com), asociación cultural con un centro de experimentación artística abierto en el 2005 en el centro de Madrid, para la difusión de todo tipo de propuestas. Además de coordinar otras iniciativas fuera de su espacio, colaborando con otros colectivos, presentando propuestas a otros espacios... Selección de artistas: País invitado, ESPAÑA: Sergio Ojeda - Félix Fernández - Alberto Chinchón - Esther Achaerandio - Fernando Arrocha y Ángela Cuadra Unai Requejo - Laurita Siles - Izaskun Álvarez - Mario Gutiérrez - Maite Camacho / Alemania y Holanda: Thomas Bakker - Julia Benkert Karin Brunnermeier - Felix Buiks - Jan van den Dobbelsteen - Charlotte Desaga - Sonja Engelhardt - Felix M. Gaigl - Loek Grootjans - Andrea Hanak - Hendrik-XS - Roderick Hietbrink - Sabine Jelinek - Christian Keinstar - Christoph Kern - Oliver Kunkel - Yvonne Leinfelder - M+M München - Marisa Maza Vincent Oudendijk - Paradies Production - Oliver Pietsch - Lucinda Miranda Santos - Marco Schuler - Stefanie Senge - Koos Siep Nikolaus Steglich - Wolfgang Stehle - Isabel Theiler - Bas van den Hurk - Reinaart Vanhoe - Veronika Veit - Wouter Verhoeven.

VIDEO_PALABRAS: Jornadas en torno al videoarte en Espacio Menosuno 23-24 de junio, 17:00-20h El videoarte se abordará desde diferentes perspectivas, a cargo de profesionales involucrados en este medio. Comisarios, artistas, organizadores de festivales de videoarte y personal asistente de galerías..., con el fin de hacerlo accesible a todo público. ¿Se puede vivir de videoarte? ¿cómo se vende y cómo se cotiza? ¿cuál es la respuesta del mercado? ¿cuál es su lugar dentro de las artes plásticas? ¿dificultad o facilidad de comprensión? ¿cómo se integra en la didáctica de los museos y cómo usarlo como herramienta educativa? ¿por dónde debe comenzar el que se plantea ser videoartista? ¿cuáles son los problemas y las posibles soluciones a la hora de comisariar videoarte? Estos son algunos de los interrogantes que, durante estas dos jornadas, los invitados se plantearán y debatirán con el público asistente. Las conferencias planteadas a modo de una charla informal abrirán un espacio de diálogo y serán la ocasión para plantear el panorama de la situación; sus límites, naturaleza y el lugar que ocupa dentro del contexto artístico. Participantes: Maite Camacho, Coordinadora de Espacio Menosuno. Artista y comisaria. Coordinadora de DVD Project en España. Videoarte en primera persona El proceso creativo, la relación de la cámara con el cuerpo y el entorno y su capacidad para registrar acciones son algunos de los temas que Maite Camacho utiliza en sus últimos trabajos. Investigando con el vídeo como parte de un trabajo más amplio que casi siempre se traduce en instalaciones en las que la imagen en movimiento es un elemento más, una aspecto parcial de todo el trabajo de la artista. La pregunta que subyace a esta investigación es ¿Qué es lo que funciona y lo que no a la hora de traducir en vídeo un concepto o idea? Y por otro lado le interesa preguntarse sobre el papel del tiempo en el videoarte y la relación de éste con el espectador. Alberto Chinchón, Artista, profesor de audiovisuales en la Universidad Europea de Madrid. Presentará su obra y reflexionará sobre las relaciones existentes entre el vídeo, la performance y las implicaciones entre el retrato, la autobiografía, los límites y lo abyecto. Félix Fernández y Andrés Senra, Artistas. Félix participa en DVD Project con su trabajo Ensayo nº 5: sobre el amor. En 2003 Andrés Senra y Félix Fernández se conocieron y comenzaron una serie de colaboraciones artísticas que dieron como resultado videocreaciones, performances e instalaciones. Los trabajos individuales de ambos artistas se desarrollan en un corpus creativo que reflexionan sobre aspectos en torno al individuo, su biografía, su relación con el entorno social y consigo mismo. Su trabajo en conjunto ha desarrollado una tercera personalidad artística con la que abordan temas relacionados con hecho creativo, sus procesos de desarrollo y sus límites. Hazlo tú mismo Su conferencia se centrará en lo que supone ser videoartista español hoy en día y, dado que los dos han impartido diversos talleres de videoarte, (La Casa Encendida), nos comentarán cómo ha sido su experiencia docente en este campo. Mario Gutiérrez, Coordinador de Espacio Menosuno. Artista y Comisario. Coordinador de DVD Project en España. Presenta un resumen de su trabajo en vídeo, poniendo en relación la pieza realizada para dicha muestra con otras piezas que rondan la misma idea, “de registro de los trayectos de paseantes anónimos”, con la idea de subrayar el papel del vídeo como parte de un trabajo de investigación que se plasma en distintos soportes, instalaciones interactivas y fotografías.

Amparo Lozano, Comisaria independiente y Profesora de Bellas Artes en la Universidad Complutense de Cuenca. Durante los años 90 ha sido comisaria de la Sala Montcada de Barcelona. En el 2006 ha comisariado las exposiciones del Centro de Arte Joven de Avenida de América en Madrid y varios ciclos de cine entre que destaca Locuras Contemporaneas en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia. Colabora con revistas especializadas. Amparo Lozano hablará de su experiencia y la pondrá en relación con la de los demás participantes. Pablo Martínez, Coordinador de programas publicos del departamento de educación del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia. Desde hace tres años desarrolla programas relacionados con el vídeo y la imagen en movimiento para jóvenes y adultos. Contará su experiencia y su perspectiva desde el lado de lo institucional. Lars Petersons, Coordinador del Optica Festival en Madrid. Dada la inminente tercera edición del festival de vídeoarte Optica de Gijón, Lars hablará de su experiencia en la organización de este tipo de eventos y del intento de los organizadores de llevarlo a Madrid, del pasaje de la periferia a la capital y de los problemas y diferencias que pueda conllevar este pasaje. Stephen Reed, Asistente de Galería y Ferias Internacionales. Es licenciado en Bellas Artes e Historia por Universidad de Goldsmiths, Londres. Actualmente tabaja como colaborador de una galería madrileña que dedica gran parte de su labor al videoarte y con la cual ha participado en numerosas ferias de arte: cuatro ediciones de ARCO (Madrid), Freeze (Londres). Stephen dará su visión personal sobre el trabajo en la galería así como de su experiencia en el montaje de videoarte en ferias de arte; el contacto con artistas, comisarios y coleccionistas de videoarte. Unai Requejo, Artista y comisario. Participa de DVD Project con su trabajo OE OE. Videoarte: Géneros y proceso creativo “Videoarte me dicen que es arte en formato de vídeo. ¿Qué puede llegar a ser? ¿Qué tomo como punto de partida para un encargo tan amplio? ¿Dónde pongo los límites? Hasta decidirme por OE OE empecé y planteé otros vídeos para presentar en DVD Project, intentando coger ideas de los formatos de videoarte” Con este enfoque Unai Requejo reflexionará sobre los procesos de creación, la selección y las elecciones que tiene que hacer un videoartista a la hora de realizar su trabajo. PROGRAMA: Sábado 23. 17:00 Presentación del proyecto DVD Project Intervención y debate abierto de: Amparo Lozano, Pablo Martínez, Mario Gutiérrez, Maite Camacho y Unai Requejo. Domingo 24. 17:00 Intervención y debate abierto de: Lars Peterson, Stephen Reed, Alberto Chinchón, Félix Fernández y Andrés Senra Entrada gratuita gracias a la colaboración de todos los interlocutores.

Exposición I Arte Emergente Urgente!! tema: PARAISO en Espacio Menosuno fecha: del J 7 al D 17 de Junio L-V 12-14h y 17-20h. S y D 18-21 + info: espacio.menos1.com Arte Emergente Urgente!! es la segunda convocatoria de Espacio Menosuno que invita a los artistas a crear obras en un fin de semana (56 horas). El tema elejido es: PARAISO. El ú nico paraíso es el paraíso perdido. Marcel Proust ¡Si sois buenos niños, vais a ir al paraíso cuando os muraís!. O esto es por menos lo que os han dicho en la escuela. Pero sea lo que sea, el paraíso no nos espera después de la muerte, el paraíso ya nos lo creamos mientras vivimos: nuestro jardín secreto imaginario a donde nos escapamos cada vez que ya no aguantamos lo que nos rodea. Porque eso si: aunque el paraíso sea perfecto, el mundo no lo es. Al final, sólo hay dos maneras de reaccionar con la realidad: la lucha o la escapada. Desde Menosuno no estamos para hacer un juicio sobre cuál de estos dos caminos es el mejor. Estamos unicamente para ver cómo se define cada uno de vosotros, cómo se enfrenta a las cosas que van mal en ese mundo. ¿Sois de los que se ponen en primera fila con el puño apretado?, ¿o de los que ya no necesitan luchar, porque ya han creado su propio mundo? Enseñadnos como os imagináis vuestro paraíso, o como lucháis para conseguirlo, y encontraros a vosotros mismos en el camino, en la búsqueda eterna entre jardinero y luchador.

Exposición I Arte Emergente Urgente!! tema: PARAISO Artistas seleccionados: Hernesto Conhache, Paloma Checa, Ana de Dios, Marta de la Calle, Rivelino Díaz, Arantxa Echarte, Juan G. D´Atri , Mora Huguet, Irene Morán, Ismael Moreno y Susana Sánchez, Maria Mercedes Paniagua, Liza Patrón, Luis Angel Romero, Alberto Santodomingo, Carmen Sardiña, Mario Sarramián.

Exposición Dádiva I Juan Pablo Villalpando en Espacio Menosuno fecha: del J 24 Mayo al D 03 de Junio L-V 12-14h y 17-20h. S y D 18-21 + info: espacio.menos1.com Juan Pablo Villalpando no sólo nos va a acercar a Espacio Menosuno los dibujos que conforman el germen de sus obras, sino que ha querido plantear con Dádiva una dialéctica entre las cosas que poseemos y acumulamos y aquellas que son efímeras. Su exposición constará de dos zonas diferenciadas. Por un lado plantea la idea de aquello de lo que no podemos desprendernos y que finalmente nos posee a nosotros, materializándolo a través de los dibujos preparatorios de sus obras. Estos dibujos, dotados para Villalpanado de un fuerte valor sentimental, serán ofrecidos por el artista a cambio un valor simbólico, ya que, como indica el nombre de la exposición, pretende ofrecernos su obra como un regalo. En la otra sala del espacio realizará unos dibujos sobre las paredes, simbolizando aquello que no podemos acumular, puesto que una vez finalizada la exposición desaparecerán con ella, no podiéndose recoger testimonios de dichas obras, solamente el recuerdo de quien visite el espacio. Villalpando ha dotado a la exposición de un carácter íntimo, pues su idea parte de su propia experiencia, pero está planteando un tema mucho más global, fruto de una sociedad acumulativa, en la que el individuo en muchas ocasiones pasa de poseedor a ser poseído por aquellos bienes que acumula o quiere acumular y le restan libertad. En definitiva Dádiva es una propuesta a la reflexión y una ocasión irrepetible para acercarnos a la obra de Juan Pablo Villapando. Ana Martín

Exposición Juan Pablo Villalpando Dádiva Un día muy feliz. La niebla se levantó pronto, trabajé en el jardín. Los colibríes se demoraban sobre las madreselvas. No había cosa en la tierra que yo deseara poseer. Sabía que no merecía la pena que envidiase a nadie. Cualquier mal que hubiera sufrido, lo olvidé. Pensar que una vez fui el mismo hombre no me molestaba. En el cuerpo no sentía dolor. Cuando me estiré, vi el mar azul y velas. Czeslaw Milosz

Juan Pablo Villalpando cuenta con un extenso curriculum, que resulta difícil resumir en pocas lineas. Se graduó en artes plásticas y diseño, especializándose en litografía. En 1988 colabora como estampador en litografías artísticas de Barcelona y Madrid. Ha compaginado durante todos estos años la producción artística con la docencia, siendo en la actualidad profesor de grabado y estampación en la Escuela de Arte Nº 10. Ha realizado numerosas exposiciones, individuales y colectivas. Sólo en 2006 expuso “menosdecuatrocientoseuros” y “Sweet art sweet” en la Galeria Brita Prinz Arte de Madrid, “orígenes/renovación/vanguardia” Estampas de la Calcografía Nacional, exposición itinerante, “Tú” en la galeria José Rincón, “Lost property” en la sala Maruja Mayo, por citar algunas. Ha recibido numerosos premios, en 1999 recibió el primer premio de la II bienal de la Fundación Deutsche Stiftung, en 2001 el primer premio del XXIX Certamen de grabado Carmen Arozena, y en 2006 el premio “Fundación Pilar Banús” XIII premios nacionales de grabado MGEC. Sus obras se cuentan entre los fondos de instituciones como la Biblioteca Nacional, Calcografïa Nacional, el IVAM, Centro de Arte Reina Sofía, Center for Books arts de Nueva York o el Steintorg Verlag de Alemania..

Ha ganado numerosos premios y concursos. www.juanpablovillalpando.com

Exposición Recuerdos de la ciudad de Alison Home I Sirenas de Gabriela Bossio en Espacio Menosuno fecha: del J 10 al D 20 Mayo L-V 12-14h y 17-20h. S y D 18-21 + info: espacio.menos1.com Gabriela Bossio y Alison Home nos van a trasladar a espacio Menosuno una exposición de fotografía con dos enfoques diferentes a primera vista, pero unidas por la búsqueda del testimonio de la realidad. Gabriela Bossio utiliza la alegoría de las sirenas como mujeres extraordinarias, tanto por su belleza como por sus cánticos, que atraían a los marineros, para mostrarnos una imagen de la mujer mucho más contemporánea. Las sirenas de Gabriela, lejos de tener cola de pez, son mujeres reales, alejadas de la idea clásica y misógina del peligro, moral o físico, de la belleza de la mujer. Esto va unido a la utilización, en algunos casos, de composiciones cercanas al retrato clásico, para reinvidicar una imagen iconográfica renovada de la mujer. Cada uno de los retratos de Gabriela es un alegato a la feminidad. Alison Home, por su parte, en la serie de retratos madrileños nos muestra también mujeres reales, pero no utiliza el género del retrato de un modo tan clásico, sino que sus instantáneas recuerdan más al fotoperiodismo, sus retratadas no posan, sino que son “pilladas in fraganti” en la calle, en su cotidianidad. En la otra serie se pasa al género del paisaje, fotografiándo la decadencia, el contraste entre las luces y las sombras y la vida y la muerte. Ana Martín

Exposición Recuerdos de la ciudad & Sirenas

“Sin mujeres enérgicas que lo quieren todo. Sin las valientes que exigen que se les devuelva su vida, porque es suya. Sin las soñadoras que se creen libres, aun sin serlo. Sin las auténticas, que disfrutan de los pequeños, además de los grandes placeres. Sin las justas, que se dedican el tiempo que se merecen. Sin Sirenas, el mar no sería el mismo”. Amaia Márquez (referente a Gabriela Bossio)

Dos años en Madrid: durantes los cuales andaba por las calles, viendo la ciudad. Encontré el gran cementerio y la ermita de San Isidro por casualidad una tarde de verano. Cuando lo ví por primera vez, no habia nadie, y la gran ermita principal estaba desierta y sumida en una gran decadencia, con todo el edificio desmoronándose. Volví para fotografiarlo unos meses después, y ya habian empezado a renovar la estructura. Las fotos de la decadencia del antiguo edificio pronto serán históricas. Alison Home

Alison Home estudió Bellas Artes y fotografía en Camberwell College of arts, en el sur de londres, licenciándose más tarde en ciencias políticas en Bristol University. En Septiembre de 2005 llegó a Madrid y retomó sus estudios de fotografía en la escuela Blank Paper Imagen . Se dedica a la fotografía desde hace unos siete años, siendo ésta su primera exposición. Gabriela Bossio ha centrado su formación en el cine y la fotografía. En los dos últimos años ha realizado varias exposiciones: en 2005 dos individuales una en Artepolis, Madrid y la otra en el Goethe Institut en Bahía, Brasil. El año pasado formó parte de dos colectivas en la galería Llumforn de Cadaqués y otra de nuevo en Bahía, Brasil bajo el título Afetos roubados no tempo.

Chicas en una fiesta. A. Home

Mujeres en la calle2. A. Home

Portal 2. Alison Home

Cruz 2. Alison Home

S 01. Gabriela Bossio

S 12. G. Bossio

S carnívora 1c. G. Bossio

Exposición I Jose María Granero en Espacio Menosuno fecha: del J 26 abril al D 06 de Mayo L-V 12-14h y 17-20h. S y D 18-21 + info: espacio.menos1.com José María Granero nos presenta una exposición cercana a la estética del graffiti, puesto que comenzó en la creación dentro de esta disciplina. La utilización de colores muy saturados o la composición de las obras, que llenan el espacio sin dejar un hueco libre de pintura, nos recuerdan a los graffitis o más bien lo son, pero en este caso colgados de las paredes. Partiendo de aquí, ha creado dos universos donde moran seres con cierto toque onírico que nos hace recordar el subrealismo. En uno de estos mundos habitan los personajes de los dibujos animados, que dejan su imagen de “inocentes” seres cargados de moralejas, para convertirse en los monstruos de la pesadilla de una mala noche. Esta reinterpretación de los personajes de las series infantiles produce un cierto extrañamiento, pues no dejan de ser los creadores de unos símbolos morales, que participaron de la socialización de una generación. En la obra de Granero son seres amorales, que devoran a su propia mascota, de rostros desencajados y amenazantes. Cercanos al subconsciente, parece que vuelvan para advertirnos la parte que no se mostraba en televisión: cómo serían si no te portabas bien... En el otro mundo ha creado el habitat de unos seres poliformos, de formas blandas, que se fagotizan y mezclan, sin poder discernir dónde empiezan y dónde acaban, cuáles son los pies y cuál la cabeza. El graffiti supone un medio de expresión diferente a lo que solemos encontrar en los circuitos del arte y esta exposición nos demuestra que la importancia no reside en el soporte o los medios que se utilicen en la expresión artística, sino en la propia creación, que desde EspacioMenosuno queremos reivindicar. Ana Martín

Exposición Jose María Granero

Tras realizar algunas instalaciones y algun que otro graffiti y firmas por la calles de Madrid, se me ocurrió hacer exposiciones. Quizá lo que mas me molestaba era que la obra se perdiera por el carácter efímero que tiene el arte urbano, algo que en soportes como lienzos ocurría lo contrario. Esta exposición, por una parte, está protagonizada por “zoomorfos” y “antropomorfos”, figuras blancas diseñadas primeramente para ser colocadas en paredes. Por otra, planteo la visión a la inversa de mascotas conocidas retorciendo su estado habitual. Jose María Granero

Jose María Granero se licenció en Bellas Artes en la Facultad de Madrid, en la rama de pintura. Entre sus exposiciones individuales recordamos aquellas en el Estudio de Pintura Isabel Baum (Madrid, 2006), en el Centro Cultural la Casa de Zamora (Madrid, 2005), en la Sala de Actuaciones y Locales de Ensayo Matilda (Madrid, 2001), en el Local Arlequín (Madrid, 1999). Participó a numerosas exposiciones colectivas como Patrona 2006, en la base aérea de Talavera de la Reina; expuso en la Galería Idearte de Madrid, en el Festival Decibelio 2006, en el Estudio de pintura Isabel Baum, en la Galería Valle Quintana, en la Galería D. Fue seleccionado en el XXVIII Certamen de jóvenes creadores en la modalidad de arte plásticas de Madrid del 2006 y en el XXVII Certamen de jóvenes creadores en la modalidad de graffiti de Madrid del 2005.

Don Kato y sus sekuances

Maikel

Zoopantano

Los Pikapiedra en epocas de hambrunas

Exposición Roomland I Lidón Ramos en Espacio Menosuno fecha: del J 12 al D 22 de Abril L-V 12-14h y 17-20h. S y D 18-21 + info: espacio.menos1.com Roomland es una instalación fotográfi ca que revisa temas como la soledad, el miedo o la tristeza. La dualidad y la disociación van cogidas de la mano en la obra de Lidón Ramos, siendo ambas el hilo conductor de esta exposición. Anitta Wizard es una serie de 40 instantáneas acompañada de un video y unas maletas dispuestas en el suelo, que nos translada a la individualidad. Las fotografías nos muestran a una mujer sola, unas veces dentro de unos espacios inmensos que la empequeñecen, y otras en espacios claustrofóbicos, cargados, llenos de una tristeza tangible, que parece tratar de asumir aterrada o huir despavorida. Doppelgänger es la dualidad. Este nombre, que signifi ca el doble que anda, procede de una leyenda alemana que cuenta que cuando alguien se encuentra con su doppelgänger es anuncio de una muerte segura. Las dualidades aquí se presentan como personajes inquietantes, transparentes, que torturan a su original. Twins aborda los dobles pero desde otra perspectiva, donde la imagen duplicada es la misma que el alter ego, pero donde se palpa la disociación de pensamiento, doble personalidad, y que la artista enlaza con lo que se conoce como el síndrome del gemelo evanescente: teoría que mantiene que la mayoría somos gemelos antes de nacer. En la serie Yeye, el desdoblamiento es fruto de la cultura de masas y las nuevas tecnologías. Por último Lidón cierra el ciclo con una serie de 9 ilustraciones que, bien son bocetos previos de su trabajo, o bien ideas imposibilitadas por la falta de medios. Roomland constituye una interesante propuesta, sobre temas que han sido tratados ampliamente por la literatura y otras formas de expresión artística, que la artista conoce y a los que ha logrado dotar de una nueva visión para su primera exposición individual en EspacioMenosuno. Ana Martín

Exposición Roomland La exposición se desarrolla dentro de un marco fantástico compuesto por las propias obras, en las que siempre aparece cierto componente onírico derivado de la búsqueda de de otros mundos mediante la imaginación. El color, la multiplicación, los tiempos cambiados y el dibujo facilitan este viaje hacia ese extraño mundo en el que la fantasía y la belleza tienden a la oscuridad y al desequilibrio.

Lidón Escena

Lidón Ramos, Castellón 1978 Mi formación proviene de la Facultad de Bellas Artes de la Univesidad Complutense de Madrid y en Bunel Univesity de Londres. Me dedico pincipalmente a la fotografía y al dibujo, intereses que surgieron tras acabar mis estudios artísticos y en los que he empezado a trabajar con entusiasmo tratando de con jugarlos sin dejar de investigar otros campos artísticos como el vídeo. Mis fotografías se han podido ver en Proyecta Madrid durante el 2006, podrá verse en abril del 2007 en la galería Espacio Menos1 en Madrid y durante el verano de 2007 en la galería Physicsroom en Nueva Zelanda. En cuanto al dibujo lo he desarrollado sobre todo en el campo de los cuadernos de artista que se mostraron por primera vez el pasado año en la facultad de Bellas Artes de la UCM y que durante este mes de Marzo podrá volver a verse en la sala de exposiciones de la biblioteca de la Facultad, también he hecho pequeñas incursiones en el mundo de la perfomance como las que se pudieron ver en el 2005 en el Círculo de Bellas Artes de Madrid y en el Festival internacional de Performance del Centro de Arte Contemporáneo en Madrid en el 2006. Actualmente continuo trabajando en la fotografía y el dibujo e investigando en el campo del vídeo

Roomland

Twins

Doppelgänger

Exposición Imaginario I Escuela de Arte Número Diez en Espacio Menosuno fecha: del J 29 Marzo al D 08 Abril L-V 12-14h y 17-20h. S y D 18-21 + info: espacio.menos1.com La Escuela de Arte Número Diez quiere hacernos partícipes de Imaginario, una instalación que recoge las obras realizadas para un catálogo alternativo del mismo nombre, que han llevado a cabo con motivo del centenario de la escuela, dentro del marco del proyecto europeo Kronos y Kairos. La creaciones que se van a exponer pretenden ser testimonio para futuras generaciones y homenaje a quienes han ido formando parte de la misma a lo largo de los años desde su origen. Estas obras son el guión gráfico de una temática que engloba la historia de la escuela, su espacio, sus alumnos y profesores y las revoluciones pedagógicas que han tenido lugar a través de sus cien años de historia. La instalación ideada para Espacio Menosuno mostrará las piezas gráficas acompañadas de textos de los propios autores, de modo que el espectador pueda formar parte de la exposición. Colectiva y multidisciplinar, añade otro elemento muy interesante: la proyección mediante fotografías de los procesos de creación de las obras. Imaginario supone la oportunidad de acercarnos a la Escuela de Arte Número Diez y a las obras que se están realizando como origen de un futuro creativo en las diferentes disciplinas que se imparten en la Escuela. Ana Martín

Exposición Imaginario

Este año celebramos el centenario de nuestra escuela de arte diez (1907/2007) Una de las actividades lúdico-pedagógicas planteadas, ha sido la creación de un proyecto colectivo: un catálogo imaginario que funcionara como alter ego a la edición de la publicación institucional del centenario. Para la creación de este catálogo se creó un marco festivo, una semana de creación colectiva, en la que las cuatro especialidades de diseño, ilustración, fotografía y grabado, intercambiaron sus talleres y sus conocimientos. Se creó como estructura un índice temático desde el que situar los diferentes aspectos relacionados con la historia del centro y la de sus habitantes, como soporte para crear proyectos y propuestas, donde se mezclaran la realidad y la ficción. Acciones, instalaciones, fotografías, objetos, grabados, ilustraciones o diseños, que debían concretarse en una serie de postales que conforman nuestro catálogo imaginario y que ahora presentamos. Escuela de Arte Nº 10 La escuela de arte Número Diez es la única escuela pública madrileña donde se cursan estudios superiores de diseño gráfico, Ilustración, grabado y fotografía. Fue abierta en 1907 como sección décima de la escuela de artes y oficios de Madrid en la actual ubicación, entonces Paseo del Pacífico, 25. Una de las razones de su apertura fue las pequeñas industrias que se crearon en esta zona de Madrid, al instalarse en ella los talleres del ferrocarril cercanos a la estación de Atocha. El creciente número de alumnos hizo que en 1926 se construyera un nuevo edificio que finalmente, en 1966, sería sustituido por el actual. Durante todo el siglo XX han sido muy diversos los planes de estudio y el tipo de enseñanza que se ha llevado a cabo en este centro. Desde los años sesenta, ha sido el campo fundamental de su actividad docente la imagen gráfica en sus variadas formas: diseño gráfico, ilustración, fotografía y grabado. En 1984 la escuela obtuvo autonomía administrativa, reforzó sus enseñanzas de diseño e inició diversos programas de intercambio internacional, entre ellos el Sócrates Comenius, una de cuyas ediciones ha sido seleccionada este año entre los diez mejores proyectos europeos. En 2003 se comenzaron a impartir los estudios superiores de diseño.

Festival de danza, teatro y música. Del 19 al 25 de marzo en EspacioMenosuno. La palma 28, madrid. + info: espacio.menos1.com // 918482971 - 915213584

L19 M20

X21 J22

- 12 a 22:30h. Improvisación creativa multidisciplinar ( música , danza, pintura, teatro…). - 10:30 a 13 h Taller de Danza Improvisada (M.Cruz Planchuelo). - 16 a 19h. Taller Teatro Improvisación (Raúl Marcos). - 19h Proyección de la película Mathilde Monnier, Gilles Coutvoix. (Danza- Francia) - 20.30h Espectáculo “Trazos Simbióticos” Danza: Cruz Planchuelo, Música: Raúl Orte (Digeridoo y Kalimba). - 10:30 a 13 h. Taller de Música Improvisada (Alessandra Rombolá). - 19h Proyección de la película Trisha Brown.(Danza- EE.UU.) -20:30h. Concierto de música improvisada. (Alessandra Rombolá, Ingar Zach y Esteban Algora) - 10:30 a 13 h. Taller de Música Improvisada. (Alessandra Rombolá).

- 16 a 19 h. Taller Teatro Improvisación. (Raúl Marcos) - 19 h Proyección de la película Carmen Larumbe. (Danza- España) - 20:30h. Dos espectáculos “Resquicio” y “Abrazame” la compañia XSiAcaso. Dirección y coreografía: Ainhoa Sarmiento. Música: Shigeru Umebayashi -interpretes: Inés Narváez, María de Dueñas, Víctor Linden, Ainhoa Sarmiento

V23 S24 D25

- 10:30 a 13 h. Taller de Danza Improvisada. (M.Cruz Planchuelo). - 19h. Proyección de Jacques Lecoq (Teatro-Francia) - 20h. Sup Buey ( Ainoa Vilar, Raúl Marcos y Pablo Pundik). Improvisación teatral. -20:30h Espectáculo “Love songs” Creación video y dirección Carlos Fernández. interprete Marisa Amor. Sonido Nilo Gallego. - 11 a 14 h Jam-sessión. - 14.30 h Comida clausura. - 20:30h. Espectáculo ” Antes de que llegue el invierno” Compañía Graziolino&white. Intervención de Clara Graziolino.

Coordinadora del festival: M. Cruz Planchuelo Precios: Precio por cada taller 55 €. Proyecciones: 1 € donación Actuaciones: 4 € donación 20% descuento a los socios Bono de la semana completa incluyendo talleres, actuaciones y proyecciones 150 € La programación esta sujeta a posibles cambios. nº de plazas: danza - 7 teatro - 10 música - 10 Ultimo día para inscripción 16 de marzo. Reserva del taller de 10 euros. Para todos los talleres no es necesaria la experiencia previa. En EspacioMenosuno de L a V de 17 a 20h T- 91 521 35 84 ó Número de cuenta: 0049-3537-89-2594047639 (BSCH) titular: Mª Cruz Planchuelo. En asunto poner Nombre del Taller. Profesores currículum: Alessandra Rombolá: Empezó sus estudios en Italia donde se graduó en el Conservatorio “G. Verdi” de Torino. En 1997 se traslado a Inglaterra donde obtuvo el Postgraduate Certificate in Performance y el Master in Performance and Related Studies en el “Trinity College of Music” de Londrés. De sólida formación académica, su interés por la música contemporánea la ha llevado a colaborar con numerosos compositores, estrenando obras como solista y en conjunto de camera. En Londres funda el dúo “arys” con la pianista Yukiko Shihonara. M.Cruz Planchuelo: Bailarina- coreógrafa. Nacida en Madrid (1977), estudia Danza Clásica, Española y posteriormente se especializa en Danza Contemporánea. Paralelamente ha ido enriqueciéndose con estudios de composición coreográfica, contact, danza a tiempo real, arte dramático, escultura, dramaturgia… Becada en el 2003- Ámsterdam, Katie Durk y 2005- New York, Ministerio de Cultura. Desde el 99 su campo de expresión es la improvisación, junto a la composición siempre en un campo de investigación permanente. Integrante del grupo “MovableDo”, y el colectivo “Menosuno”, organiza encuentros dedicados a la actuación y educación del arte contemporáneo. Ha creado 9 piezas, colaborando con artistas plásticos, músicos, cantantes y actores (Vertical, Fuga, Bandada, Vuelo de libélulas, Trazos Simbióticos, Trazos, Verde, El despertar de la música y la danza y La chica de Cristal). Su carácter creativo y dinámico ha marcado su trayectoria profesional llevándola a trabajar en diferentes ámbitos: “Fura dels Baus”, cabaret con “Paco Clavel”, Teatro Real, Larumbe-danza, Marina Bollaín y el compositor José María Sánchez Verdú... Raùl Marcos: Actor y profesos, licenciado en la RESAD, colabora con la LIM, Liga de Improvisación Madrileña, ha

trabajado con Sanchís Sinisterra y Carlos Marquerie, entre otros, también en producciones propias, ha actuado en países de Europa y Suramérica. El taller será un acercamiento a diversas técnicas de improvisación en el ámbito actoral, mediante juegos de agilidad mental y asociaciones que despierten nuestra imaginación y rapidez de respuesta, y ejercicios de espontaneidad y escucha, veremos algunas herramientas con las que poder crear personajes, situaciones, diálogos y finalmente historias en distintos estilos y formatos partiendo de lo más mínimo. Proyecciones: Karmen Larumbe Bailarina- coreógrafa-pedagoga. Navarra 14/07/1936 -Bruselas 16/02/1995. Formó varias cías. de danza -Ballet de Misiones (Argentina), en 1973 Micro Ballet , Ballet Karmen Larumbe y en 1983 Ballet Contemporain de Bruxelles y Compañía Karmen Larumbe Danza en Madrid.

Trisha Brown Bailarina –coreógrafa- pedagoga. Nacida en Washington. Colabora con Ivonne Rainer, Steve Paxton y Simona Forti. En 1970 crea su compañía, desarrollando su propio estilo. Jacques Lecoq. (Teatro- Francia) Filme sobre la Escuela Internacional de Teatro que funda en París en 1956. La actitud de movimiento y exploración de territorios dramáticos surgidos del cuerpo poético del autor. Mathilde Monnier, Gilles Coutvoix. (Danza-Francia) Proyección del espectáculo de Les Lieux de Là. Actuaciones LOVE SONGS (I y II) de la compañía Carlos Fernández Love Songs I y II son las primeras de una serie de propuestas escénicas que quieren reflexionar sobre la mirada, las heridas y lo real e irreal de la emoción. He escuchado las más estúpidas canciones de amor y he llorado hasta la muerte. Esa es la verdad. Y conozco a mucha gente como yo. Gente seria y preparada a la que se le rompe el corazón con una facilidad pasmosa al escuchar canciones de lo más simple; sólo tres o cuatro minutos de instrumentación básica capaces de provocarte un verdadero cortocircuito emocional. Y un día, hace muchos años escribí una de esas miles de notas que los artistas escribimos en libretas y que luego realmente no nos sirven para mucho: “hacer teatro como otros hacen hermosas canciones de amor”. Supongo que lo escribí en uno de esos momentos en los que uno intenta quitarse de encima un montón de supuestas obligaciones ideológicas, morales, formales, etc. que a veces los artistas llevamos como un pesado fardo a la hora de crear, y ese día concluyes que qué cojones, que lo único que deseas es tener la capacidad de emocionar con la misma facilidad con la que otros lo hacen agarrando una guitarra y poniéndose a berrear frases tontas. Nada más. Yo no sé hacer canciones de amor. Pero hay una herida que nunca cicatriza y que escuece cuando me enfrento a algunas cosas del mundo. Y me pregunto si será posible construir acciones escénicas como si fueran canciones de amor, con la misma capacidad de provocar en pocos minutos una intensa (y frágil y liviana a la vez), conmoción emocional.

Me gustaría construir con Love songs una espacio de convivencia entre los ojos y el deseo de mostrar o cantar esa herida. Love songs son fragmentos escénicos breves construidos buscando la inmediatez de la mirada y la emoción. Love songs quiere explorar una forma de comunicación escénica que se cuestione los recorridos narrativos y simbólicos y sea capaz de mostrar una forma de pensar en escena, una poética rápida y eficaz, basada en la imagen, el cuerpo y la acción. El deseo es que las acciones escénicas que construyan Love songs tengan la capacidad de crear un espacio de incertidumbre emocional situada entre la realidad y la ficción; entre el presente y el recuerdo. Hacer del espacio escénico un testimonio breve y conciso de una herida. Sin una narrativa definida, simplemente jugando con algunos elementos de construcción de la representación. ¿Dónde está la realidad y la ficción en lo que vemos? ¿Son capaces las dos de emocionarnos de igual manera? ¿Qué será todo esto después en tu recuerdo? Resquizio y Abrázame de la compañia "XsiAcaso". Profesora de Contact-Improvisación del plan de formación de la escuela de danza Carmen Senra. Bailarina de la compañía Dani Pannullo Dance Theatre. Directora y coreógrafa de la compañía XSiAcaso. Estudió danza clásica con María de Ávila, danza contemporánea en Holanda, Madrid y Barcelona, Contact-Improvisación en San Francisco CA, Nueva York, Viena, Madrid y Barcelona. dirección y coreografía: Ainhoa Sarmiento música: Shigeru Umebayashi interpretes: Inés Narváez, María de Dueñas, Víctor Linden, Ainhoa Sarmiento. Trazos simbióticos Coreografía: Cruz Planchuelo López Música: Raúl Orte Menchero ( Kalimba y Digeridoo). Sinopsis: fusión entre música ancestral y danza. Se trata de una “simbiosis” entre el cuerpo y el espíritu, representando en cierta manera, la eterna complicidad del ser y la música, la naturaleza vibrante del hombre y su universo, su dualidad o unidad, su concordia, su discordia, pero siempre en constante evolución y movimiento. Antes de que llegue el invierno de la compañía Graziolino&white La Compañía Graziolino&whitw Nace en Madrid, del encuentro entre Clara Graziolino, bailarina y escultura, y Olga Blanco Bailarina actriz. Tiene a su activo un solo” danza de papel” y unas performances realizadas en jardines y en la calle ( “manos de barro”, “ primavera en tiras de papel”) además de varias intervenciones improvisadas por la ciudad.. Sinopsis. Un video a cámara fija sobre un rectángulo de bosque blanco de nieve constituye el escenario- sonoro y visual- para la performance con la que, al mismo tiempo que en el video, la performer va montando una instalación plástica constituida por 900 hojas de porcelana colgando de un tendal.

Exposición Buscando la postura I Maite Camacho en Espacio Menosuno fecha: del J 08 al D 18 de Marzo L-V 12-14h y 17-20h. S y D 18-21 + info: espacio.menos1.com Partiendo de conceptos cercanos a la acción, Maite Camacho ha construido un diálogo con el espectador del que surgen una serie de conflictos constantes en el ser humano, trabajándolos desde varios puntos de vista. Ayudándose de la utilización de diferentes técnicas que van desde el dibujo, la proyección o la instalación, parte de dos premisas para construir su discurso: de un lado el intermitente cambio (de espacios, gentes, momentos) en el que nos vemos inmersos y de otro la pérdida de identidad individual en una sociedad que se dirige, cada vez más, hacia el pensamiento único. Transcurre de lo general a lo concreto, de lo personal a lo colectivo, del espacio privado al público. Un díptico de dibujos trazan la necesidad de delimitar su espacio privado, su individualidad, que a su vez está modificada por sus propios cambios. Una instalación simula el inocente juego de las sillas y propone el campo de búsqueda de un espacio social (público) para esta individualidad, sujeto a la temporalidad marcada por la parte sonora de la instalación. Esta instalación servirá de campo de investigación para la artista, ya que propondrá una nueva mirada de la misma diariamente. Es por lo tanto una obra procesual que será documentada y dicha documentación presentada el domingo 18 de marzo. Buscando la postura es una métafora de conflictos que, como individuos, todos llegamos a sentir alguna vez. Es la continua búsqueda de nuestro propio lugar en el mundo. Ana Martín

Exposición Buscando la postura

... divididos y desorientados, inconexos, corriendo detrás de no se sabe bien qué, entre la masa y el cansancio persiguiendo un pequeño espacio donde tomar aire, ... divididos y desorientados, inconexos, tomando aire para salir corriendo. Maite Camacho Maite Camacho licenciada en Bellas Artes en la Facultad de Bilbao, compagina la producción artística con el comisariado y la gestión cultural. Proyecto: habitar es una de sus exposiciones individuales más importantes, expuesta en el Centro de Arte Joven de la Comunidad de Madrid. Este año tiene previstas varias citas, que comenzarán con Buscando la postura, su primera individual en EspacioMenosuno. Colectivas destacables son Never, Ever, dentro del festival Feministaldia en Arteleku, Guipúzkoa; Resistente al agua en la Sala Caixa Galicia (Santiago de Compostela); Proyecto: habitar que se ha mostrado dentro del festival Klem Kuraia, en Canal Abierto dentro de las jornadas Registros Imposibles, Sala Canal de Isabel II. Senses en [R][R][F] 2004, Festival de Netart de Colonia (Alemania), mostrado en Estambul Museum (Turquía), Bethlehem International Center (Palestina), Bergen Center of Electronic Arts Bergen (Noruega), Italia, Hong Kong, New York... Sentidos además se pudo ver en Mad03 Centro Cultural Conde Duque, en la Fundación BBVA en Bilbao y en el Círculo de BBAA de Tenerife. Elecciones en guerra, en el Festival Zèppelin 04, arte sonoro contra el caos y la guerra, CCCB de Barcelona y en La Casa de los Morlanes (Zaragoza). Ha publicado varios articulos en revistas y ha sido entrevistada en Radio3. maite.menos1.com maite@menos1.com

Habitando límites II (30x30)

Para dos (50x30)

Cuerpo raíz (200x135)

El juego de las sillas (instalación en proceso)

Confundidos I (30x30)

Exposición De repenteI Patxi Izquierdo en Espacio Menosuno fecha: del J 22 de Febrero al D 04 Marzo L-V 12-14h y 17-20h. S y D 18-21 + info: espacio.menos1.com

La fotografía de Patxi Izquierdo juega a la abstración con un espectro de luces provocadas por el azar, creando unas formas sinuosas que parecen estar sacadas de otra realidad. De repente son instantes fotográficos que juegan con la estética del caos. La libertad de la que Patxi dota a su fotografía para no tener que limitarla a la captación de objetos tal y como aparecen en la realidad, y que son para el espectador muy conocidos, nos acerca a un tipo de fotografía diferente y con propuestas que tienen mucho más que ver con las composiciones pictóricas que con la fotografía tradicional. Desde Espacio Menosuno os invitamos a que experimentéis con los caminos que sigue la luz, invisibles a nuestros ojos, y que os acerquéis a una visión estética de la luna muy diferente a la que solemos tener. Ana Martín

Exposición De repente

Experimentar con la luz de luna. Jugar sin dirección aparente. Dejar que sea la propia cámara de fotos la que tenga la última palabra sobre el resultado final. Provocar el caos y esperar a que sea el azar quién, de repente, nos dé la respuesta que andábamos buscando. Sin más elementos que una cámara digital y una noche de luna llena, salgo a la calle y hago fotografías moviendo el objetivo, intentando capturar la luz de la luna en movimiento. En ninguna fotografía existen elementos añadidos, se trata de conservar la esencia de la primera fotografía captada. Tampoco he efectuado alteraciones en el color. Se trata de una búsqueda extrema de la casualidad, y de cómo de una acción, nacida del más puro descontrol del medio con el que se efectúa, se puede llegar a obtener una propuesta estética interesante. Patxi Izquierdo

Patxi Izquierdo se inicia en el mundo de la fotografía en el año 1994, a través de un curso en el CEMTAV. Es a partir de este momento cuando decide dedicarse profesionalmente a esta disciplina cubriendo reportajes de actualidad y eventos culturales. En 1998 se va a Italia donde continua trabajando como fotógrafo en varias revistas, dedicándose a eventos de tipo cultural. Este periodo de siete años le sirve también para simultanear esta parte más profesional de su faceta como fotógrafo con una más artística, participando en varias muestras de fotografía colectiva en la ciudad de Roma. En 2005 regresa a Madrid y comienza su colaboración con Espacio Menosuno. De repente, además de ser su primera exposición en solitario, es la primera muestra de su abstracción fotográfica.

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Ligths 08

Exposición Untitled Sound ObjetsI Pe Lang + Zimoun en Espacio Menosuno fecha: del J 8 al D 18 Febrero L-V 12-14h y 17-20h. S y D 18-21 + info: espacio.menos1.com Me suena que esto es arte Desde que los futuristas crearan artilugios cuya función era emitir sonidos no tradicionales, muy vinculados con las máquinas, las fábricas y los coches, el ruido como tal se ha convertido en un elemento constitutivo del panorama artístico actual. Pe Lang y Zimoun, son dos artistas que aunan en su trabajo además del ruido, la tecnología, creando obras que mezclan muchos de los lenguajes de la contemporaneidad, la instalación, la escultura, la performance o el happening. Un conjunto de pequeñas máquinas comprimidas de fuerzas controladas/monitorizadas y programadas elactromagnéticamente, compuestas por motores con vibración. Se combinan con diferentes materiales cuya única funcion es emitir sonidos, dando lugar a las piezas conocidas bajo el titulo "untitled sound objects". La idea es crear obras vivas variables pero profundamente unidas al concepto de máquina de reiteración en donde todos los impulsos sean mecánicos. Unas de las piezas mas interesantes es la que se disponen en un escaparate en la que se muestra una sala llena en su totalidad de robots sencillos uno tras otro. Los sensores registran si hay alguien delante de la exposición y a que distancia se encuentra. Tan pronto como los sensores detectan a alguien, los robots golpean el escaparate. Cuanto más lejos se encuentra la persona mas débiles son los intervalos y mayor es la duración entre ellos, cuanto más se acerca más se intensifican y más deprisa se suceden hasta que la persona se encuentra justo delante, momento en el que la máquina corre a gran velocidad tejiendo de este modo una densa alfombra de ritmos. Tanto el propio escaparate, como las partes que lo golpean son manipuladas levemente para dar lugar a una amplia variedad de sonidos entremezclados.

Exposición Untitled Sound Objets A través de sutiles, imprecisas, pequeñas y constantes variaciones de los robots la pieza parece cobrar vida pasando a ser algo orgánico. Tras haber expuesto en Alemania, Francia, China, Reino Unido etc... la obra de Pe Lang y Zimoun llega a Espacio Menosuno para aturdirnos y golpearnos con su arte electronico. Espero que como a mi os hagan vibrar.

Adelino García Sánchez

Nuestras instalaciones sonoras “Untitled Sound Objets” están creadas usando pequeños robots conectados a ordenadores programados que supervisan elevaciones electromagnéticas y motores que vibran, generando sonidos a través de la arquitectura del edificio o de la galería. Nos centramos principalmente en investigar la acústica, los materiales y los sistemas que generan los sonidos, así como en crear espacios accesibles acústicos y orgánicos. Tratamos de crear una obra simple e inmediata, que puede ser apreciada sin entender el fondo técnico; creemos que la tecnología es una simple herramienta para convertir y realizar nuestras ideas, más que ser la base de las mismas. Pretendemos crear obras de arte partiendo de la reducción y la simplidad para lograr una estética mínimal, que alcance al público de una manera inmediata y estimularlo en el descubrimiento de sus propias conclusiones. Pe Lang + Zimoun

Zimoun trabaja de forma autodidacta desde el 2000, año en que obtuvo la mención de honor en el Premio Joven de Fotografía de Suiza. En el año 2004 comenzó su colaboración con Pe Lang, un experto en electrónica especializado en el campo de la música, los sonidos, los ambientes, los materiales y los diferentes formatos (cd, software, video instalaciones). De Zimoun destaca su participación reciente en Cibersónica 06, en Londres, de una trayectoria plagada de exposiciones internacionales en Francia, China en el 2004, donde realizó numerosas instalaciones sonoras y performances, Alemania, etc. La trayectoria de Pe Lang ha transcurrido de forma paralela a la de Zimoun. En el año 1998 formó parte de una gira por Europa haciendo performances sonoras, y en el 99 en Italia y Alemania. En el 2003 participó en el Festival de Cine de Locarno. Más recientemente participó junto a Zimoun en Cibersónica 06. http://www.untitled-sound-objects.ch/

Untitled Sound Objets 2005

contact@untitled-sound-objects.ch

2005/2006

Leerraum [ ] Bern 2006

2006

Exposición Placer y Dolor I Jose Luis Pinto en Espacio Menosuno fecha: del J 25 Enero al D 04 Febrero L - V 12-14h y 17-20h. S y D 18-21 + info: espacio.menos1.com Jose Luis Pinto a través de esta serie nos acerca al mundo de las expresiones. Los rostros pierden su importancia como individuos y pasan a ser representaciones de las emociones humanas en sus momentos más intensos. Las imagénes son radiografías del dolor y del placer humanos, relacionados con la muerte y el sexo como situaciones límite en las que estas emociones aparecen en su forma más pura. Captura en el lienzo el momento álgido de ambas expresiones, utilizando la iconografía cinematográfica como iconos fácilmente reconocibles por el espectador. Ana Martín

Los subgéneros cinematográficos son uno de los campos donde las imágenes e iconos del sexo y el terror son vomitados y consumidos con la voracidad y compulsión propia de una alcantarilla encargada de conducir y enmascarar la necesidad de la representación de los límites más intolerables de lo siniestro y lo sublime.

Exposición Placer y Dolor

En la serie “Placer y Dolor” las imágenes de rostros capturadas en este tipo de películas son, como en trabajos previos, fijadas, quemadas sobre lienzos (sudarios) en referencia a dos de los grandes iconos culturales y religiosos de occidente: La “Sábana Santa” y el “Velo o Sudario de la Verónica”... De esta manera, las imágenes, consiguen hacer eterna su fugaz y efímera existencia y se aparecen, como si de un extraño fenómeno paranormal teleplástico se tratase, sobre un soporte único, sobre un objeto donde el instante alcanza la eternidad. En el ámbito de este proceso creativo, como diría Georges Bataille en su ensayo sobre el erotismo, la convivencia de todos estos conceptos y fuentes, manifiesta la cercanía de los estados extremos surgidos en los desequilibrios de los trances eróticos y místicos al situarse en el límite en donde el ser abandona la vida (discontinuidad), para sumergirse en el instante eterno donde la inestabilidad y la violencia nos acercan a la muerte (continuidad). Las imágenes de esta serie encuentran su contexto en la sociedad actual que continúa parcelando la vida a través de la separación del tiempo del trabajo (tiempo profano) del tiempo dedicado a la trasgresión de las prohibiciones y a la fiesta (tiempo sagrado, sacrificiolicencia sexual). Momento o campo, este último, en el que el placer, potenciado por el sexo, y el dolor como perspectiva lejana de la muerte, en cuanto que abandono soberano de la vida, culminan en uno de los estados o trances más extremos: el éxtasis. Jose Luis Pinto Jose Luis Pinto compagina la producción artística con los estudios de doctorado en la facultad de Bellas Artes de la Universidad de Salamanca, donde se licenció. Ha realizado numerosos cursos de fotografia y video en el arte contemporáneo, pero cabe destacar, por el peso que tiene en su producción, el curso “Transferencia y Grabado” en la Fundación Pilar y Joan Miró de Mallorca. “Psicoimagenes” en Espacio F, Madrid trataba de ser la reflexión sobre los desechos y consecuencias que genera una sociedad basada en el consumo, en la sobreexplotación de los recursos y en la desigualdad social. Un poco antes, en el año 2001, realizó la instalación “El último Combate” en el Museo de Salamanca La Pared y también fue seleccionadopara los premios de arte Caja Madrid Generación 2001. En el 2003 fue seleccionado para el premio “Miquel Casasblancas” de artes plásticas de Barcelona. Y más recientemente participó con una intervención urbana dentro del proyecto “Ciudadanias. Foro arte y territorio” y en Espacio Tangente formó parte de la exposición multidisciplinar “Caballos de Troya” como participante, coordinador y comisario (Burgos, Salamanca, Palencia). Estos días nos acercará su obra a Espacio menosuno y podremos experimentar nuestro propio placer y dolor. Placer y Dolor. Imagen quemada sobre lienzo 180 x 130 detalle

180 x 130

detalle

Intervención Urdidura I Grupo Jaos en Espacio Menosuno fecha: del J 08 al D 21 Enero L-V 12-14h y 17-20h. S y D 18-21 + info: espacio.menos1.com En su búsqueda de nuevos lenguajes de creación, Jaos nos proponen de nuevo un encuentro en el que poder intervenir y sentirnos parte de la acción creadora. Insatisfechos con los caminos habituales del arte, no pretenden crear objetos que más tarde puedan comerciarlizarse, exponerse o pasar a los circuitos tradicionales, que convierten a la obra de arte en un objeto pasivo, contemplativo, donde el espectador se limita a mirar. Sus Encuentros son generadores de espacios comunes donde la creación sea un ente vivo, mutante, que elimine la distancia entre la obra, el artista y el espectador. Una vez que las partes creadoras han intervenido en la obra, la han experimentado, desaparece, se desecha, pasando a ser otra vez la materia prima informe de la que se partió. Urdidura pretende experimentar con la ausencia de gravedad, con el encuentro de personas como fuerza activa de creación, con la expansión de una estructura de forma libre, que cambiará con las intervenciones diarias que en ella se produzcan, desenredando una bobina de hilo negro, que se ira sustentando en diferentes agarres colocados en las paredes, formando asi una urdimbre no geométrica de trazos o líneas espaciales. Ana Martín

Intervención Urdidura Parió [la Noche] a las Moiras (...), vengadoras implacables: a Cloto, a Láquesis y a Átropo que conceden a los mortales cuando nacen, la posesión del bien y del mal... [Hesiodo, Teogonía 217 – 220] Son las Moiras (las cortadoras) quienes urdiendo su telar velan por que cada cosa cumpla con su destino, nada puede interferir su labor pues de hacerlo se pondría en riesgo el equilibrio del cosmos y por tanto su continuidad. La más joven, Cloto (la que hila) pro-teje durante los partos a los que nacen. Láquesis (repartidora de suerte) asigna el lote que a cada uno le corresponde y así marca el contenido de cada vida individual. La anciana Átropos (la inflexible e inexorable) corta el hilo que forma parte del gran telar poniendo fin a cada vida en el conjunto de la trama del mundo. Del hecho de acompañar desde el parto a cada vida proviene el nombre de Parcas (las que hacen nacer) que los ciudadanos romanos las darían y a cada una la rebautizarían como Nona, Décima y Morta, las “Tria Fata” o tres destinos: pasado, presente y futuro. Pero para los pueblo nórdicos estas tres mujeres habitan bajo las raíces Yggdrasil, el árbol del mundo situado en el centro del cosmos, se llaman Urd (lo ya sido), Verdandi (cuanto está siendo) y Skuld (Lo que habrá de ser). Allí tejen los tapices de los destino con un hilo por cada persona y con la longitud que les corresponde vivir.

El grupo jaos os convoca a acudir al Encuentro 016 - “Urdidura” portando un ovillo de hilo negro para colaborar en la confección del lienzo del mundo. La participación es abierta y se ha llegado a la elección de este material en la búsqueda de un elemento familiar y accesible que no suponga ningún impedimento para quienquiera tomar parte en la llamada. En esta primera convocatoria del Encuentro 016 el proceso tendrá un carácter de implosión, desde sus límites hacia el centro. Durante las jornadas que van desde el M9 (día en que se construirá una estructura que servirá de apoyo y en cuya elevación también se podrá colaborar) hasta el D15, se irán añadiendo puntos entre los cuales, quien acuda podrá participar en la urdidura del espacio, teniendo siempre en cuenta el trabajo ya hecho por quien le ha precedido y la circunstancia de que quien acuda a continuación laborará sobre cuanto él haya dispuesto. Durante la semana siguiente sólo se podrá participar en función del espacio disponible, pero para entonces se prevé que las fases marcadas para su crecimiento habrán concluido con la ocupación completa del volumen. El D21 a última hora se pondrá fin al encuentro desmontándose todo y eliminándose como desechos, siempre invitando a quien quiera a participar en ello. + info: www.grupojaos.org Grupo Jaos Jaos es la transcripción fonética de un vocablo griego que, según la Teogonía de Hesíodo, significa el abrirse de un abismo inconmensurable, sin fondo ni punto de apoyo. Son un grupo sin ánimo de lucro que trabajan proponiendo encuentros de participación creativa, dirigidos a personas no vinculadas con la creación artística, tratando asi de introducirles en un proceso generador con carácter estético vital y existencial. En el año 2003 comenzaron su andadura con la publicación de una revista impresa y una página web, subvencionadas ambas por la dirección general de la juventud. Desde entonces han realizado numerosos encuentros, intervenciones y actividades. Congregación es una invitación a participar en la expasión no coordinada de una forma espacial y emotiva. En 2004 también se produjeron los encuentros En las lomas y Pirámide; En 2005 Antorchas Encuentro 009, y Círculo de luz. Y más recientemente en la Escuela de Arte nº 1 han realizado la intervención Cubo de Ensayo. En 2007 suben la Palma para traer a Espacio Menosuno Urdidura. Congregación, 2004

Congregación, 2004

Pirámide, 2004

Las Lomas, 2004

Cubo de Ensayo, 2006

¡Cómo está el patio!! I Mercado Nuevos Creadores en Espacio Menosuno !COMO ESTÁ EL PATIO!, Mercado Creativo en Espacio Menosuno, para estas navidades Pues sí que está bueno!!, con las navidades acechando y el año que se nos acaba, hemos pensado que sería el momento indicado para ceder espacio a personas ingeniosas que tratan de rentabilizar su creatividad. Más de 20 creadores se darán cita en el patio que espacio menosuno ha diseñado para la ocasión, un lugar confortable donde hacer unas compras navideñas diferentes: sin aglomeraciones, sin villancicos, sin papel de regalo, SIN TARJETA de crédito, sin la duda ¿lo tendrá ya?... Convocamos Asamblea General de vecinos y amigos de espacio menosuno el próximo miércoles 20 a las 20h., nos gustaría pasar ese rato con todos vosotros que habéis estado apoyándonos durante todo este año 2006, tan intenso e increible. fechas: del Miércoles 20 Dic al Viernes 5 Ene horarios: L-V 12 a 14h y 17 a 20h S-D 18 a 21h (cerrado D24, L25, D31, L1 y V5 por la tarde)

¡Cómo está el patio!! I Mercado Nuevos Creadores Inauguración con DJ Qzios, Luis Ángel Romero en sesión electrónica. Pasen y vean..... amanoamaquina, anillos, broches, pins... amp, cuadritos infantiles ángela, camisetas, broches... benjamin torres, caja con 4 imanes eduardo bertone, chapas chisposas, bolsos, broches, diademas y pinzas para pelo con2tijeras, moda y complementos cristina lavish, moda y complementos dan, muñecos, carteras, monedero y guarda librillo eduardo medina, moda y complementos feli, muñequitos pequeños, broches, coleteros, llaveros, imanes, collares, adornos para bebés braguitas, sonajeros, accesorios para el pelo... elhombreviento, camisetas, sudaderas, bodis bebés, braguitas, calzoncillos.... wc art, bolsos, collares.... karlita me devora, collares y complementos lolailolá, camisetas cosidas con fieltros, pedrería... manufactur-e, lámparas, collares, llaveros, moda y complementos maría martínez, objetos de decoración, moda y complementos delao, chapas miuky, moda y complementos ojitos lindos, bambas customizadas planet rtx, muñecos, postales, llaveros... virginia losada, broches chapas menosuno, antonio carralón, patxi izquierdo, javier IA, amparo pérez, helena GP, javier cañadas, virginia losada, ricardo fernández, geso, unai requejo, maite camacho, cristina izquierdo, daniela setién, el hombre viento. Diseñadas en exclusiva para sacar fondos para Espacio Menosuno. Además podréis adquiri obra de pequeño formato por módicos precios. y mucho más.... diseño imagen: amparo pérez diseño del patio: elisabeth sierra

Exposición Elíseos I Miguel A. Moreno en Espacio Menosuno fecha: del J 07 al D 17 Diciembre L-V 12-14h y 17-20h. S y D 18-21 + info: espacio.menos1.com Miguel A. Moreno nos propone en su exposición Elíseos una reinterpretación contemporánea del género del paisaje. A través de la utilización de numerosas metáforas visuales, trata de que el espectador se sienta cómplice de la obra. Los elementos que componen sus obras nos permiten descubrir paradojas, cambios en el campo semántico, o guiños cómplices haciéndonos partícipes de un juego conceptual. Sus paisajes nacen de una construcción cultural, una mezcla entre su visión individual y la conceptualización de imágenes de la modernidad. Sus temas se mueven dentro de lo popular, el mundo del fútbol, los paisajes arquetípicos, el bricolage, tratados en ocasiones de un modo irónico, y en otras con cierta carga utópica y romántica. Elíseos es una oportunidad para reflexionar sobre el paisaje en el mundo actual, para adentrarnos como espectadores en un juego entre imágenes y conceptos y para ofrecernos una visión diferente de la naturaleza y el paisaje.

Exposición Elíseos

Hay condiciones artísticas que se manifiestan desde unas primeras instancias claras y resueltas, polarizadas en su elección y sentido. Algo desde luego comprobable en la todavía corta pero intensa producción artística de Miguel A. Moreno; en cuyas propuestas se confirman al menos hasta el momento una clara voluntad de poner en relación directa su obra, ahora abierta y diversa– también en lo que respecta a materiales y conceptos– con el amplio sentido contemporáneo del paisaje. Una producción que quiere orientarse, desde su construcción conceptual y material, hacia un diálogo mediante continúas referencias y relaciones hacia el sentido de naturaleza y el paisaje. Ciertamente, sus obras de un tiempo a esta parte, más que asignarse a esa categoría o género tan profundamente enraizado en el arte occidental, pretenden insertarse en la contemporaneidad mediante continuas referencias, alusiones y argumentos. Juan Fernández Lacomba Miguel A. Moreno Carretero licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla, co-dirige desde el año 2002 las Jornadas de intervención Artística en el Espacio Natural y Urbano de el Carpio, Scarpia. Desde el año 2000 ha intervenido en numerosas exposiciones de las que podríamos destacar “Paisaje” en el Palacio Ducal de El Carpio, en el 2002 en la Fundación Marcelino Botín en Santander, en el 2005 en Sevilla, la exposición individual “Cuando el paisaje se pone pintoresco” y en 2006 en el Palacio de Congresos de Madrid. Recibió en el 2000 el premio del Instituto Andaluz de la Juventud y tres años más tarde, la beca “Paisajes creativos en el cine español contemporáneo” por la Universidad Internacional de Andalucia. En el año 2005 resultó finalista en la Bienal de Pintura de CECO en Córdoba, y seleccionado en la Bienal “Pintor Laxeiro” de A Coruña. La Fundación Marcelino Botín, la Fundación Rodríguez Acosta y la Fundación Antonio Gala, entre otras, cuentan con obras de Miguel Moreno entre sus fondos. Regresa de nuevo a Madrid estos días para acercarnos a Espacio Menosuno su exposición Eliseos, y ofrecernos la oportunidad de acercarnos a sus paisajes. Contacto: morecarretero@hotmail.com Fútbol sobre Cantimplora Técnica mixta

Un dia en el bosque buscando agua me encontré una cantimplora. Técnica Mixta

Jardín Sobre madera. Acrílico sobre persiana

Cariño he pensado en comprarme una casa en el campo. Técnica mixta sobre madera

Exposición La Desaparición del IconoI Josu Rekalde en Espacio Menosuno fecha: del J 23 Noviembre al D 03 Diciembre L-V 12-14h y 17-20h. S y D 18-21 + info: espacio.menos1.com

El arte siempre ha estado ligado a los avances tecnológicos, y la aparición de nuevos soportes suponen un nuevo campo donde experimentar nuevos caminos estéticos. La video instalación trata de romper los límites de la obra, busca la participación del espectador, penetra en su memoria multisensorial y le hace participe de la obra de arte dentro de un juego alegórico. Fotografía y video son los elementos plásticos con los que jugará Josu Rekalde en esta instalación. Un flash sincronizado con el vídeo ocultará al protagonista tras los destellos de la fama. Los textos que acompañan a las imgenes nos reconducen al mensaje. Josu Rekalde participa de la filosofía de Menosuno puesto que reivindica la faceta de servicio público del arte y cree que se debería apoyar más al arte que no se comercializa o no tiene cabida en los circuitos tradicionales.

Ana Martín

Exposición La Desaparición del Icono

Los brillantes personajes de las ruedas de prensa, desaparecen ante los destellos de los flashes de las cámaras de fotos. Las estrellas del espectáculo nos ciegan, pues deslumbran incandescentes. El maravilloso paisaje que desfila ante nuestros ojos, se desvanece ante las gotas de agua que se deslizan por el cristal. El protagonista desaparece, el icono se desvanece, es hora de cerrar los ojos ante el destello. Josu Rekalde

Josu Rekalde 1960, Bilbao. Catedrático de audiovisuales de la Facultad de Bellas Artes del Pais Vasco desde 1995, compagina esta labor con la creación artística.Se encuentra entre los primeros vídeo-artistas españoles. Su campo de trabajo es multidisciplinar aunque sea su faceta más conocida la relacionada con el arte y las nuevas tecnologías. Ha expuesto y difundido su obra en numerosos lugares entre los que podemos citar el Museo de Bellas Artes de Bilbao (1995), el Museo de Girona (1997), Espace des Arts de Tolouse (1998), Mappin Gallery de Sheffield (1998) o el Espace d´Art Contemporani de Castelló (2000).Ha publicado, a su vez, varios libros y artículos en revistas. Anteriormente ha pasado por Espacio Menosuno en la exposición colectiva “Memoria de lo Habitado”.

Exposición Disoluciones & Desapariciones I Jordi Mora en Espacio Menosuno fecha: del J 12 al D 22 Octubre L-V 12-14h y 17-20h. S y D 18-21 + info: espacio.menos1.com En un momento en el que la actualidad está salpicada por noticias e imágenes violentas, y gran parte de la sociedad se pregunta qué es lo que falla, Jordi Mora nos plantea una mirada diferente hacia la violencia, abriendo nuevos interrogantes. Su discurso plástico incita a la provocación de cierta inquietud en el expectador. Esta inquietud es debida en gran parte por la utilización del artista de temas infantiles, cotidianos, a los que asociamos a priori conceptos como la inocencia, la fragilidad, pero a los que Jordi ha cargado de cierta crueldad subyacente, que nos cuesta captar en una primera mirada, pero que nos inquieta desde el primer momento. Esta misma sensación nos producen los retratos familiares, donde sus personajes quedan huérfanos de humanidad y comunicación faltos de rostro. En sus obras utliza diferentes técnicas que ayudan a apoyar la idea de “violencia simbólica”, los óleos de pinceladas muy empastadas que dotan a las obras de materialidad, o las acuarelas que disuelven las figuras con el fondo. Los tonos pastel utilizados en algunas figuras refuerzan la idea de inocencia, fragilidad, contraponiendose a la utilización de tonos muy saturados en determinados detalles de las obras que absorven nuestra atención. Los fondos neutros recortan las figuras proporcionándoles mayor protagonismo. “Disoluciones & Desapariciones” nos propone un acercamiento a nuestro propio interior, a nuestros instintos más primarios. Ana Martín

Exposición Disoluciones & Desapariciones

La realización de los cuadros parte de una reflexión acerca de la idea de “violencia simbólica” y de su relación con cuestiones como la identidad y la violencia física, sin tratar de conseguir ninguna respuesta y sí nuevas preguntas.¿En qué puntos se mezclan la violencia física y la simbólica? ¿En qué medida participa la violencia en la construcción de la identidad?, ¿qué papel juega en la sociedad, en las relaciones con los otros?, ¿de qué manera nos define la violencia tanto la que nos aplican como la que nosotros aplicamos?, ¿De qué forma interviene a lo largo de la infancia?, ¿Cuál es nuestra relación con la violencia?, ¿Cómo representamos la violencia y como la percibimos?. Es la violencia simbólica la que liga todo el trabajo, filtrándose en las obras de distintas maneras y a diferentes niveles de representación y lectura, de tal forma que los conceptos de memoria o tiempo, de identidad y de violencia entendida de una forma global y amplia, desde las más pequeñas violencias, las denominadas de “baja intensidad”, cotidianas, el aprendizaje de la violencia, hasta su representación en la “violencia de alta intensidad”. Jordi Mora Jordi Mora Huguet licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, ha recibido la mención de honor durante dos años consecutivos (2001 – 2002) en el Concurso de Pintura de Juste. En el año 2003 resultó seleccionado en el II Concurso de Artes Plásticas y Deporte, formando parte de una exposición colectiva que tuvo lugar en el Centro Cultural Conde Duque. Seleccionado en otros concursos, ha formado parte de exposiciones colectivas en el VIII Premio Frida Kahlo (2005) y en el Premio de la Fundación Valparaiso, en la galeria Kreisler (2003). Más recientemente (2006) ha formado parte de la exposición “Agua” en la Escuela de Artes de Guadalajara, y en la exposición “identidad” de Medialab. Tras su exposición colectiva “Malasaña 53h!” en el año 2005, Jordi Mora regresa esta vez de forma individual a EspacioMenosuno, para presentarnos “Disoluciones & Desapariciones”

Esperando la disolución. 200x200 cm. Acrílico sobre lienzo. / Desaparición III. 160x100 cm. (Díptico). /Desaparición V. 200x100 cm. (Díptico). Óleo sobre lienzo. / Let´s go boys