¡CORTEN! La revista para cinéfilos
AÑO 1-Nº1 DICIEMBRE 2019
FOTOREPORTAJE MADRID, CIUDAD DE CINE ¿LA PElÍCULA DEL AÑO? EL IRLANDÉS
EL GRAN
K U R O S AWA
3.50€
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Diciembre de 2019
SUMARIO
COLABORADORES Noticias y festivales
Pág 6
Marcos García Quesada
Pág 10
Daniel González Fernández
Pág 12
Crítica: El Irlandés
Pág 14 Alberto Picó Gil
Estrenos
El papel del guionista: Billy Wilder Pág 18
Artículo: WWE y el cine Pág 16
Películas que nunca se hicieron: Ronnie Rocket
Jorge Zazo Balbuena
Juego de planos: The Florida Project Miguel Ángel Rite Palmer
Pág 22
Efemérides: 2019 Aroa Rocher Gerpe
Juan José Arenas Galán
Pág 34
Reportaje: El gran Kurosawa Pág 44
Irene Álvarez Vallejo
Opinión: El cine contra Marvel
Pag 50
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Pág 20
Fotoreportaje: Madrid, ciudad de cine Pág 32
Artículo: Makoto Shinkai
Pág 36
Mejores salas de cine: Madrid
Pág 48
Pasatiempos
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EDITORIAL
EL CINE HA MUERTO Crónica de una muerte recurrente. El mundo llora el fallecimiento del cine.
E
l viejo cine es difícil de olvidar. Cada día nos resulta más fácil rememorar con añoranza la impoluta fotografía en blanco y negro de esas películas de Masaki Kobayashi, la mirada irónica de Bogart o cruel destino cómico de los personajes de Berlanga. Qué cómodo es declamar esa frase tan de puro y de olor a brasero: el cine ha muerto. El cine ha muerto tantas veces que podría tener su propio biopic dirigido por George Romero. En años como este 2019, uno casi puede alegrarse de que el cine haya muerto. Porque en sus ojos acristalados todavía Martin Scorsese (El irlandés) brilla con su prosa y labia cinematográfica incansable. Porque en esa piel ya verdosa Quentin Tarantino (Érase una vez en Hollywood) hace borbotear de talento a las mayores estrellas del presente y nos solaza entre acordes de José Feliciano y Vanilla Fudge. Ese olor emana de los poros de genio del cine de Bong Joon-Ho (Parásitos). Y quién iba a decir que ese esternón partiéndose durante la autopsia iba a ser de un tipo tan poco esperanzador como
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Todd Philips ( Joker). A su funeral, por cierto, apenas acuden las otras artes. No quieren saber nada de la que llegó nueva y acaparó toda la atención del público del que se alimentaban. El teatro estuvo a punto de escupir sobre el féretro, la música se lo impidió con un fuerte agarrón por las solapas. Nunca admitirá que, por mucho que le odiase, espera con ansia alguna de sus obras póstumas, esa de Robert Eggers (El faro) tiene una pinta especialmente suculenta. La arquitectura, la escultura y la danza ni siquiera han aparecido. La pintura y la literatura observan en silencio con la cabeza gacha; claro que un fisgón sagaz notaría que no han derramado ni una sola lágrima. ¡Qué sí, el cine ha muerto! Pero no ha sido entre secuelas marvelitas y el entorno Disney hiperexplotado en remakes y excrecencias creativas. No, que no nos engañen. Si hasta la nueva que protagoniza Adam Sandler (Uncut Gems), pinta fascinante, muy pronto lo comprobaremos. Si ha muerto ha sido, acudiendo a todas las frases manidas que existen: con el mono de faena, con las bo© 1972 Paramount tas puestas, con la carne en el asador y con el rollo de película en el proyector. Se fue porque tenía que morir, porque llega un momento en el que no se puede mantener un ritmo brillante como el de este año. Con todo, certificado y enterrado, el teatro lo sabe, se prepara. El sonido agudo y metálico le da gustito en los dientes cada vez que pasa la piedra de afilar por el trinchante. No le pillará desprevenido esta vez, porque el cine vuelve, siempre vuelve; y allí estará el teatro para darle la más cálida de las bienvenidas..
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NOTICIAS DE CINE ELIZABETH BANKS DIRIGIRÁ Y PROTAGO'PUÑALES POR LA ESPALDA': UN CLUEDO NIZARÁ EL REMAKE DE “LA MUJER INVISIBLE” CON MENSAJE POLÍTICO Tras estremecernos con el primer tráiler de El hombre invisible donde Elizabeth Moss es la protagonista acosada por el tipo del título y saber que el secuaz de Drácula iba a tener su propia película en Renfield, hemos llegado a algo como La mujer invisible. La cual no es exactamente una revisión loca, ya que se basa en la película homónima de 194o que protagonizaron Virginia Bruce y John Barrymore, pero el mero hecho de que el estudio haya querido ponerse con ella ya es toda una declaración de intenciones.
MARIO CASAS Y NATALIA DE MOLINA HABLAN DE LO DURO QUE FUE INTERPRETAR A SUS PERSONAJES EN “ADIÓS” Adiós, lo nuevo del director Paco Cabezas (Penny Dreadful: City of Angels), ya ha llegado a las salas de cine y, con motivo de su estreno, en SensaCine tuvimos la oportunidad de hablar en directo con sus actores protagonistas en nuestro plató. Mario Casas (Instinto) y Natalia de Molina (Elisa y Marcela) interpretan a una pareja que pierden a su hija pequeña y ambos nos reconocieron que fue muy duro dar vida a estos personajes.
Parece que Hollywood ha iniciado una cruzada contra el 1%, y 'Puñales por la espalda' es la última muestra de ello. Desde las luchas por la supervivencia de Daniel Kaluuya entre racistas en 'Déjame salir' y de Samara Weaving entre obsesos tradicionalistas en la reciente 'Noche de bodas', pasando por las tretas macabras de películas como 'Parásitos', 'Estafadoras de Wall Street' o incluso 'Joker', la nueva película de Rian Johnson se une a una tendencia ,en la que las élites están desesperados por tener sus privilegios.
LA “ODISEA DE LOS GILES” LA PRI,MERA VEZ QUE RICARDO Y CHINO DARÍN TRABAJAN JUNTOS La Odisea de los Giles, la comedia del director argentino Sebastián Borensztein (Un cuento chino), llega hoy a las salas de cine y dos de sus protagonistas guardan una relación muy especial fuera de la gran pantalla. No es ningún secreto que Ricardo Darín (El amor menos pensado) y Chino Darín (Durante la tormenta) son padre e hijo. Tampoco que en la película de la que te estamos hablando interpretan pecisamente a eso: un padre y un hijo. Pero, ¿sabes que es la primera vez que ambos trabajan juntos en una película? Aunque no te lo creas, Ricardo y Chino Darín nunca habían coincidido.
“STARS WARS” LOS NUEVOS POSTERS DE ‘EL ASCENSO DE SKYWALKER’ HACEN LA ESPERA AÚN MÁS INOSPORTABLE Y ÉPICA
3 MILLONES PARA “FROZEN 2” QUE REPITE COMO LÍDER DE LA TAQUILLA ESPAÑOLA
Tras ocho películas y algo más de cuarenta años, la saga de los Skywalker llega a su fin en el Episodio IX de Star Wars que prepara J.J. Abrams. Una responsabilidad enorme para el que también fuera el encargado de revitalizar la franquicia con El despertar de la Fuerza (un film en constante relectura), que en los días previos al estreno está intentando afianzar apelando a nuestra nostalgia y, sobre todo, a una épica que va a hacer de El ascenso de Skywalker el evento del año.
La película de Walt Disney distribuida por Buena Vista, 'Frozen 2' vuelve a ser líder de la taquilla española al obtener una recaudación de 3 millones de euros en su segunda semana en cines (desciende un 42% respecto a su estreno). Un enorme éxito para la película dirigida por Chris Buck y Jennifer Lee, pues en tan solo dos semanas ya acumula 738,5 millones de dólares en la taquilla mundial. No hay que olvidar que hablamos de la secuela de la cinta de animación más taquillera de toda la historia con 1.274 millones de dólares.
Los festivales de cine más importantes de España: San Sebastían, Seminci, Gijón, Sevilla, Sitges, Málaga... En España contamos con una gran variedad de festivales. Tantos que muchas veces ni lo tenemos en cuenta los llegamos a tener en cueta. A continuació, me he encargado de seleccionaros los más relevantes: Semana Internacional Festival de Cine en Esde Cine de Valladolid pañol de Málaga La semana Internacional de cine
El Festival de Cine en Español de Málaga se celebra la primera semana de abril. Es un festival que destaca por estar dedicado exclusivamente al cine español, aunque en su última edición ha pasado a denominarse Festival de Cine en Español en lugar de Festival de Cine Español, con lo que ha abierto sus puertas a todo el cine latinoa-
en Sevilla la segunda semana de noviembre, da especial relevancia al cine europeo contemporáneo y todas las películas en sección oficial luchan por el Giraldillo de oro, premio que se llevó en su última edición la producción italiana “Martin Eden”, de Pietro Marcello. Es un festival joven, su primera edición se celebró en el año 2004, pero gran parte de la crítica especializada considera que está superando a los veteranos festivales de Valladolid y de Gijón.
Valladolid, más conocida como la Seminci, se celebra habitualmente la última semana de octubre. Nació un 20 de marzo de 1956 como Semana de Cine Religioso de Valladolid, vinculado a la Semana Santa. Se caracteriza por su apuesta por el cine de autor europeo. Fundado en 1956, El Festival Internacional de no sería hasta 1958 Cine de San Sebastián se cecuando se convirlebra la última semana de septió en un certamen tiembre: el único en nuestro competitivo. país de Clase A, es decir, está Su premio prinentre los mejores del mundo. Lleva celebrándose sin interrupción desde el cipal es la “Espiga de oro”, que se lle- año 1953. Todas las películas españolas más esperadas de cada año quieren vó “ Mongolia Ön- estar en este festival y, también, cómo no, muchas producciones internagög, dirigida por cionales. La Concha de Oro a la mejor película este año se la ha llevado el realizador chino “Pacificado” de Paxton Winters. Por la alfombra roja de este certamen han Wang en su última pasado estrellas de cine como Federico Fellini, Alfred Hitchcock, Elisabeth Taylor, Steven Spielberg, Harrison Ford, Richard Gere y Hugh Grant, entre edición. otros.
Festival Internacional de Cine de San Sebastián
Festival Internacional de Cine de Gijón El Festival Internacional de Cine de Gijón se suele celebra la tercera semana de noviembre. Es un festival que también apuesta por el cine de autor pero abre sus puertas a todas las cinematografías de todos los territorios del mundo. Su mayor galardón se denomina Premio Principado de Asturias, que este año se lo ha llevado la producción portuguesa “Vitalina Varela”, de Pedro Costa.
mericano. Su mayor galardón son las dos Biznagas de Oro, una a la mejor película española, que se llevó “Los días que vendrán”, de Carlos Marqués-Marcet , y otra Biznaga de Oro a la mejor película Iberoamericana que obtuvo “Las niñas bien”, de Alejandra Márquez Abella.
Festival de Cine Europeo de Sevilla El Festival de Cine Europeo de
,
Sevilla que se celebra todos los años
Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña
El Festival Internacional de cine Fantástico de Cataluña más conocido como Festival de Sitges, puesto que se celebra este certamen todos los años en esta localidad costera. Se fundó en 1967 y se ha celebrado ininterrumpidamente cada año, normalmente tiene lugar a principios del mes de octubre. Es el más importante de nuestro país dentro de su género y también uno de los más importantes a nivel mundial. Por eso, cada año los fans del fantástico pueden disfrutar con las películas de suspense y terror más esperadas de cada temporada. La gran vencedora en su última edición fue la producción española “El Hoyo”, de Galder Gaztelu-Urrutia.
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ESTAS SON LAS CINCO PELÍCULAS ESPAÑOLAS QUE ASPIRAN A CONQUISTAR LA TAQUILLA EN LO QUE QUEDA DE 2019 El éxito incontestable de Si yo fuera rico invita a soñar con cerrar el año 2019 con una recaudación por encima de los €100 millones, algo prácticamente impensable sema-
Adiós,
de Paco Cabezas Estreno 22 de noviembre. Sony disparará un thriller noir castizo, avalado por un trailer muy atractivo (felicidades a sus creadores). Tiene elementos comerciales que pueden funcionar y a Mario Casas como protagonista. Aun así, no esperamos grandes conmociones. Podría estar en la línea de Toro (€1,7 millones), aunque apostamos por una cifra en torno a 2-3 millones.
nas atrás. Entre los factores que se deben cumplir para que esto suceda, es imperativo que el filme de Telecinco consolide su gran acogida con un excelente compor-
Legado en los huesos, de Fernando González Molina. Estreno 5 de diciembre. El primer episodio recaudó 3,7 millonesde euros marcado por una inoportuna polémica. Lo normal es que las segundas partes bajen, aunque los comentarios apuntan a que ésta película funciona mejor que la anterior. Menos de 2,5 millones supondría una decepción.
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tamiento y, además, los próximos estrenos deberán dar la talla. Pero, ¿qué cinco próximos estrenos de este año tienen aspiraciones comerciales?
Salir del ropero, de Ángeles Reiné. Estreno 13 de diciembre. Comedia cuyo atractivísimo reparto podría atraer a un público adulto. Llegará en un momento sin competencia en el género. Podríamos estar ante una pequeña sorpresa inesperada, aunque su nulo ruido publicitario (a estas alturas aún no existe online un mísero teaser) nos hace dudar muy mucho.
La odisea de los Giles, de Sebastián Borensztein. Estreno 29 de noviembre. Comedia negra convertida en el mayor taquillazo del año en Argentina. Darín tiene tirón en España, pero en su contra juega el hecho de tratarse de una temática para muchos lejana. Si la inocua Un cuento chino (también de Borensztein) recaudó en su día €2,3 millones, no es descabellado esperar cifras millonarias en su película más aplaudida.
Legado en los huesos, de Fernando González Molina. Estreno 22 de noviembre. Han pasado ocho largos años desde La voz dormida y lo cierto es que Zambrano siempre ha conectado con el público: sus tres largometrajes lograron recaudaciones por encima de los 3,5 millones. Hay más dudas respecto a esta propuesta árida y no parece que los premios la levanten. Aun así, los primeros comentarios del público no son malos y la figura de Tosar siempre es un plus.
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¿LA PELÍCULA DEL AÑO? La furia de El irlandés baña toda porción de tiempo de la película. No hay ni un solo minuto, sea cómico, dramático o casi pasivo que no tenga el atisbo de una ira latente. Esta furia, sin duda, viene de una contundente lesión. Existen lesiones que van más allá de un accidente, un golpe o una agresión. Hay lesiones constantes, crónicas, de esas que jamás se van; estas a veces son por amor, otras por envidia y a veces por un trauma irreparable al que la sociedad o nuestro círculo nos han abocado. Este último no es el más doloroso de todos —recordemos el del amor— pero sí es el que genera un sentimiento de injusticia e impotencia más intenso.
Diciembre de 2019 ese trabajo inacabable y terrible que realiza una y otra vez. Si algo destaca en El Irlandés es la tensión. Una tensión que no se refiere al uso más extendido del término en el lenguaje cinematográfico, sino algo más más cercano al ritmo, a ese ritmo imparable, secuestrador, que deja Scorsese en la sangre de su cine. Los que ya hayan disfrutado de las películas Uno de los nuestros y Casino, sabrán a qué atenerse en términos de estructura y cadencia. Las dos películas mencionadas aparecerán siempre relacionadas con El Irlandés, por el uso de la voz en off, por un metraje muy extenso e incluso por sus actores principales. El irlandés se atreve a dar un paso más, a establecer un fragmento diferenciador en la fase final de la película. Posee un sentido del humor mucho más agudo y una irreverencia cinematográfica muy avispada. Un
EN LA QUIETUD DE LA NOCHE Pese a que no existe una sola palabra sobre ello, no es muy diferente a lo descrito en el párrafo anterior: una furia desapasionada ocasionada por una lesión, la que aqueja al personaje de Robert De Niro (Frank Sheeran) en El Irlandés. Y es desapasionada no por falta de intensidad por parte del actor o del personaje, sino por una alexitimia, una falta de sentimientos —sin ser psicópata— que por momentos nos transmite el protagonista. Un correveidile y asesino fantásticamente interpretado por el ya clásico actor que no tiene muchos momentos para estudiar por sí mismo los encargos terribles a los que está sometido. Apelaríamos a Sísifo de no ser porque Frank Sheeran no sufre por
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ejemplo de ambas cosas aunadas son esos divertidísimos y crueles textos en pantalla que nos cuentan cuándo y cómo morirán muchos de los secundarios de la película. Se puede comparar, por tanto, a El irlandés con sus películas hermanas, pero es magnífica y única en sí misma. En ningún caso podemos hablar de estancamiento o de que Scorsese nos esté vendiendo la misma mercancía otra vez. El irlandés es una película por encima de todo enérgica, intensa. La evidencia de esto es la violencia del filme; está desprovista de todo encanto, es rápida, furibunda y poco estilizada. Un tiroteo no dura más que los fogonazos fulgurantes de las armas. Thelma Schoonmaker, la editora cinematográfica habitual de Scorsese y una de las figuras más importantes del cine en general en este campo, nos hace vivir la fuerza de la violencia y la rapidez de su irremediable potencia con toda crueldad.
PINTAR CASAS El irlandés finalmente no ha sido consumida por las expectativas. El filme, que finalmente es una película de Martin Scorsese (y no una película de Netflix) es una maravilla narrativa, interpretativa y visual. El vuelo crítico esta vez es más alto, inda-
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ga en la mafia pero también en la historia y política de un país no muy desapegado ni diferente a la estructura del crimen organizado. Y, sin ofrecer un relato deslavazado, también es una historia íntima, de personaje, que no es de redención ni de perdón. Sí de culpa, pero de una culpa incomprensible y desabrida. Es pronto para decir si El irlandés es una obra maestra o sólo se trata de una gran película—como si fuese fácil—. Lo que sí se puede afirmar es que se trata de la película de un genio del cine. Demuestra tanto su talento como esa labia verbal y cinematográfica imparable que Scorsese todavía manifiesta en cada entrevista y cada toma. Ciclópea, muy divertida y magistral. Tan apegada a los recursos del pasado como lo está en el futuro de la técnica audiovisual. Una soberbia muestra de personajes lesionados y heridos a una escala invisible. Un misterio para la física por mostrar una porción de tiempo tan extensa en una dilatada duración que se hace ínfima. Una porción de exquisito cine. Una obvia recomendación.
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WWE Y CINE World Wrestling Entertainment, más conocida como WWE, es una empresa de lucha libre profesional estadounidense. Por ella, han pasado numerosos actores de cine, algunos más conocidos que otros. En este artículo, repasaremos algunos de los personajes de la empresa que han triunfado, y siguen haciéndolo, en el mundo de las películas.
DWAYNE JOHNSON Dwayne “The Rock” Johnson es, sin lugar a duda, el miembro de este selecto club que más ha triunfado en el cine. Considerado uno de los actores más ricos del mundo, debuta en el año 2001 en la película “El regreso de la momia”, protagonizando el personaje del Rey Escorpión. A partir de entonces, realiza hasta 57 películas más. La última fue estrenada en agosto de este mismo año, “Fast & Furious: Hobbs & Shaw”. “El Tesoro del Amazonas” (2004), “La vida en juego” (2006), “Papá por sorpresa” (2007) o la saga de “Fast & Furious”, desde la quinta hasta la octava película (2011-17), son algunas de sus actuaciones más destacadas en su carrera cinematográfica.
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DAVE BAUTISTA Dave Bautista, conocido en el mundo de la lucha libre como “Batista”, es otro de los luchadores reconocidos en la gran pantalla. En su caso, hace su debut en el cine participando en la película “Relative Strangers: Una familia casi perfecta” (2006), representando a su propio personaje de la WWE. Su papel más representativo lo hace en las películas de Marvel: “Guardianes de la Galaxia”, tanto en la primera (2014) como en la segunda parte (2017), y “Vengadores: Infinity War” (2018), representando el papel de “Drax El Destructor”.
JOHN CENA John Cena actúa por primera vez en el mundo cinematográfico en la película “Persecución extrema” (2006), cuatro años después de su debut en la WWE. Este, lo hace en el evento de “SmackDown”, al igual que Dave Bautista. Trabaja en películas como “12 trampas” (2009), “The Wall” (2017) o “Blumblebee” (2018), además de formar parte de la película de animación, “Ferdinand” (2017), como actor de doblaje, poniendo voz al protagonista. En la actualidad, no forma parte de la plantilla de la WWE, aunque ha hecho alguna aparición en el último año. Su último combate data el 14 de enero de 2019.
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EL PAPEL DEL GUIONISTA
BILLY WILDER: EL DIRECTOR QUE NACIÓ DEL GUION
Billy Wilder nació el 26 de junio de 1906 en la ciudad de Sucha, en la actual Polonia, hijo de un hotelero judío. Aunque estudió derecho en la universidad de Viena,
nunca llegó a ejercer la profesión y prefirió dedicarse a ser periodista para un periódico vienés. Su carrera profesional le llevó a Berlín donde continuo con su trabajo.
En la capital alemana es donde nació su pasión por el cine y se unió a la UFA para desempeñar el oficio de guionista. En el tiempo que trabajó ahí llegó a escribir más de una docena de guiones entre los que se incluyen “El reportero del diablo” (1929) o “Emilio y los detectives” (1931). En el país tuvo una carrera prolífica pero efímera, ya que, tras la subida al poder de Adolf Hitler en el año 1933, tuvo que dejar todo detrás y emigrar a Francia por su ascendencia judía. Su familia no tuvo la misma suerte y su madre morirá en el campo de concentración de Auschwitz. En parís dirigió su primera película “Curvas peligrosas”, pero pasado un año
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en la ciudad decidió viajar a Estados Unidos. En el país norteamericano vivirá de forma precaria, solamente con el poco dinero que recibe de sus guiones. Es en el año 1938 cuando comienza su colaboración con el dramaturgo Charles Brackett y juntos como equipo de guionistas, escribirán películas para los más grandes directores de la época entre los que se encuentran Ernst Lubitsch y Howard Hawks. Así trabajaron durante cuatro años, pero Wilder harto de que sus películas fueran reinterpretadas por los directores, decidió convertirse el mismo en director de cine. De esta manera dirigió ese mismo año su primera película americana, “El mayor
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Extracto del guion de la película “Con faldas y a lo loco” (1959)
y la menor” (1942), comenzando así la gran lista de películas que le han convertido en uno de los creadores cinematográficos más famosos de la historia. Billy Wilder será sobre todo recordado por sus comedias de humor ácido e inteligente, como “Con faldas a lo loco” (1959) o “El apartamento” (1960), pero siempre subo abordar todos los tipos de cine. El bélico en “Cinco Tumbas al Cairo” (1943), el policíaco en “Perdición” (1944) o el musical en “El Vals del emperador”.
Incluso llegó a tocar temas sociales del momento como en el largometraje “El gran Carnaval” (1951). Hasta su muerte en el año en el año 2002 llegó a escribir 60 guiones y dirigir 26 películas en total. Al haber empezado su carrera como guionista, incluso cuando fue director, siempre tuvo en cuenta la importancia que tiene el guion en el cine, lo que le diferenciaba de la mayoría de los directores de la época, que hacían lo que querían con los escritos que recibían. Como él mismo de-
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cía: “Lo más importante es tener un buen guion. Los cineastas no son alquimistas; no se puede convertir un excremento de gallina en chocolate”. Gracias a su facilidad entre todos los estilos cinematográficos fue elegido en el año 2017 por la revista Vulture como el mejor guionista de la historia de una lista de cuarenta. Sin embargo, esta no es la única razón que le hace merecerse el primer puesto. Como dijo el guionista Stephen Farber: “La principal aportación de Wilder al cine norteamericano es la inteligencia”. En sus guiones era capaz de mezclar lo corrosivo y lo sensiblero de una forma tan simbiótica, que se mezclaban con pequeñas sutilezas en sus historias. Un gran ejemplo es la película “El apartamento”, porque aun siendo una comedia, trata temas serios como la soledad y la ambición casi enfermiza de los trabajadores en las grandes empresas americanas. Otro punto importante en sus guiones son los personajes, muy vanguardistas para la época. Wilder defendía que la gente no suele ser ni tan buena
como aparece en la superficie ni tan mala como teme ser en el fondo. Con esta premisa conseguía crear personajes de moral dudosa y siempre con sus blancos y negros. Por último, destacan sus diálogos. Llenos de sutilezas y dobles sentidos, que funcionaban de forma igual de brillante en comedia y drama. Muchas de sus frases han pasado a la historia, como el final de “Con faldas y a lo loco”. “Nadie es perfecto” decía el personaje interpretado por Joe E. Brown, mientras Jack Lemmon se quitaba la peluca y le mostraba que en realidad era un hombre. Billy Wilder siempre estuvo en contra de que el cine tuviera que transmitir un mensaje. “Cuando quiero enviar un mensaje, utilizo el servicio de correos” decía de forma irónica en unas declaraciones. Sin embargo, en contra de sus pensamientos el guionista y director fue capaz de transformar la industria cinematográfica y que los espectadores vieran la realidad con una visión más crítica.
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e u q e n i c l E o z i h a se
nunc
Ronnie Rocket
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ras el inexplicable éxito de Cabeza Borradora (1977) David Lynch buscaba ideas para una segunda película. La historia nos ha convencido de que el segundo proyecto cinematográfico del genial director de Montana fue El hombre elefante (1980), una película absolutamente maravillosa, de una tristeza incontestable y con una interpretación antológica de Anthony Hopkins. ¿Y si no hubiese sido así? ¿Cuántos proyectos pasaron por la cabeza del genio del surrealismo antes de que el guion de El Hombre Elefante se convirtiese en una realidad? La pregunta solo la podría contestar el propio Lynch, aunque hay algo que sí sabemos: hubo al menos un proyecto que trató de sacar adelante; su título era: Ronnie Rocket.
© 1990 ABC/Spelling Ent./CBS Paramount Domestic Television
Una no-película de David Lynch Una ciudad ahogada por la contaminación y la industria, de características arquitectónicas y visuales de los años cincuenta, aparece bajo planos generales. Cables eléctricos zumban cada vez con mayor intensidad. La cámara nos guía por un viejo hospital hasta una de las habitaciones. Un detective, vestido de traje, con una pistola del calibre .38 bajo el brazo observa una figura tendida en la blanca camilla sanitaria. Si no fuese por sus piernas y brazos apenas se percibiría que es un ser humano. Está terriblemente herido, deformado hasta el extremo. El herido le pude al detective papel y un lápiz, este se lo tiene y con gran esfuerzo el herido dibuja extrañas formas, tres círculos concéntricos, un triángulo con un punto en medio, otro triángulo de cuyos vértices sobresalen líneas. El detective mira el papel, lo guarda y sale de la habitación.
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Así comenzaba el guion de Ronnie Rocket, un proyecto donde podemos encontrar con mayor o menor facilidad reminiscencias al cine de Lynch posterior. Si hubiese que seleccionar un proyecto para hacer la comparativa entre este guion jamás llevado a la pantalla o algún proyecto de Lynch este sería, sin ninguna duda, Twin Peaks (1990). Lynch, cuando el guion estaba en preproducción, ya buscaba actores que pudiesen encarnar a los protagonistas de Ronnie Rocket, el primer actor elegido fue Michael J. Anderson, que quizá no recordemos por su nombre, pero que se trataba del actor con enanismo que interpretaba a ese extraño bailarín y confidente de la habitación de las cortinas rojas en Twin Peaks. Más allá de la elección del actor, el protagonista, un detective trajeado, bien podría ser el agente Cooper. Y si indagamos más en el guion vemos que existe una segunda dimensión en la que tiene que internarse el detective. También es recurrente en ambas obras la importancia de la electricidad, en Ronnie Rocket uno de los personajes puede utilizar la electricidad como una especie de arma, y en Twin Peaks, con su significado aún por descifrar, era parte importante de la trama. El surrealismo, marca habitual de David Lynch, también estaba muy presente en Ronnie Rocket. Una curiosidad, que también conecta este guion con Twin Peaks, es que la canción Sycamore Trees, escrita por David Lynch, compuesta por Angelo Badalamenti e interpretada de modo impresionando por Jimmy Scott —en el último episodio de la segunda temporada de Twin Peaks— utiliza para su letra diálogos sacados directamente de Ronnie Rocket.
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A lo largo de los años Lynch ha hablado en varias ocasiones del guion como una posible realidad. Las opciones de que podamos ver Ronnie Rocket en la pantalla cada vez se van difuminando más hasta el punto de que es prácticamente imposible que esto se lleve a cabo. Tras la tercera temporada de Twin Peaks, emitida en 2017, que llegó tras un parón de once años después de su última película: Inland Empire (2006), no hay nuevos proyectos a la vista por parte del director. Aunque su filmación y consolidación en celuloide parezca imposible, sí podemos disfrutar del guion a través de internet. Esto no es demasiado, pues el cine de Lynch es más emocional que sesudo, pero por el momento es la única forma que tenemos de desentrañar los secretos que Ronnie Rocket esconde entre sus páginas.
© afifestpublicity
Juego de planos
Lo primero que destaca en este plano (y en toda la película) es la saturación de los colore primera es que busca mostrar el mundo tan artificial que se encuentra a los alrededores d tan allí, y la segunda, es una forma de mostrar el mundo a través de los ojos de los niños que viven todos los protagonistas, delante, se encuentran las dos niñas, Moone y su amiga Este plano individualmente funciona como una métafora de la película entera. Las dos pr tienen los demás niños que asisten al parque de atracciones, pero ellas están limitadas po
“The Florida Project” es una película del director Sean Baker y escrita por Chris Bergorch, estrenada en el año 2017. La película trata sobre una niña de seis años, Moone (Brooklynn Prince), que vive en uno de los hoteles cercanos a Disney World. Aunque su vida está rodeada de pobreza y tragedias, ella disfruta de la vida como lo haría cualquier niño. El largometraje cuenta con actores no profesionales, con la excepción de Willem Dafoe, como el gerente del hotel.
es. Esto no es un error de la cámara, sino que es deliberado y tiene una doble función: la del parque Disney World, que se contrapone con las duras vidas que tienen los que habis, en este caso la protagonista Moone. En la imagen vemos el hotel de color morado en el a Jancey, que de espaldas a la cámara, observan el arcoirís que aparece detrás del edificio. rotagonistas observan el arcoirís, que representa una vida, para ellas útopica, como las que or su propia situación económica y social, que se representa con el hotel en el que viven.
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Vivimos rodeados de cine. Cada trocito de suelo es una pequeña parcela que fue o será un fragmento inmortalizado en cine. Así es la Comunidad de Madrid en sus distintas formas y colores, desde las impactantes estampas de la ciudad de Madrid hasta las guaridas de bandoleros en la Sierra bajo sus montañas o sobre ellas. Han sido muchos cineastas, nacionales o no, los que han pasado por esta tierra y han inmortalizado algunos de los momentos más icónicos que recordamos en la gran pantalla. Muchos recorremos calles y senderos sin reconocer los lugares de esas películas que hemos visto una y otra vez, sin saber que nosotros también podemos ser Clint Eastwood mordiendo su puro o Santiago Segura gritando como un lunático a la muerte. Y es que el cine no solo está en la gran sala o en las pantallas de nuestras casas, está a nuestro alrededor, por todas partes, como el aire que respiramos. Está a nuestros pies y sobre nuestras cabezas, en las cafeterías en las que nos refugiamos del frío y en los taxis que circulan como locos por el asfalto viejo. Está en ese gran plató en el que vivimos.
Fue El día de la bestia (1995), la película de Álex de la Iglesia (y no Bankia), quien comenzó a proponer a las famosísimas Torres KIO como un templo del mal, como el lugar de nacimiento del mismísimo anticristo. La imagen de las torres en la película, de una fotografía exquisita, resalta unos azules fríos de pura maldad con la icónica forma de ambas torres destacando la figura del actor Álex Angulo integrándose en el corazón de las puertas del maligno. Una de las imágenes más recordadas del director por méritos propios dentro de una película fascinante en sí misma.
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Por Alberto Picó, Daniel Go
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El día de la Bestia (1995)
Ciudad
de Cine
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Pedro Almodóvar es el director español más famoso y reconocido dentro y fuera del país. Aunque es de origen manchego, desde sus inicios la ciudad de Madrid no ha servido solamente de escenario para sus historias, sino como un personaje más. El director siempre ha querido plasmar la realidad de la capital española, mostrando lo más bonito y lo que se esconde tras esa capa. En el caso de La Flor de mi secreto, Almodóvar decidió grabar la escena interpretada por Marisa Paredes y Juan Echanove en la céntrica Plaza Mayor de Madrid.
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La Flor de mi Secreto (1995)
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El bueno, el feo y el malo (1966) Casi se escuchan silbidos y golpes rítmicos conforme uno se interna entre la hierba alta y las enormes rocas de Manzanares el Real. Huele a sudor, a desierto, a tabaco mascado y a cuero. Uno puede replicar con exactitud los lugares en los que Clint Eastwood y Eli Wallach se estafaban el
uno al otro. También es posible colocarse en el lugar de los ojos de Sergio Leone mientras rodaban esa maravilla del spaghetti western y del cine en general que es El bueno, el feo y el malo (1966).
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La muerte tenía un precio (1965) Hablar de Hoyo de Manzanares, pueblo de la Sierra de Madrid, y de cine es hablar de Golden City. Golden City fue todo un pueblo inspirado en el salvaje oeste que se erigió para la realización de multitud de películas. Entre estas películas se encuentra La muerte tenía un precio (1965).
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Sergio Leone encontró en Golden City el pueblo ideal para llenarlo de carretas, balazos y duelos bajo el sol. Actualmente Golden City ya no existe, los ladrillos que quedan de las construcciones o los bebederos para animales no son más que un vago recuerdo de lo que un día fue.
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El día de la Bestia (1995)
Si las Torres KIO crearon una imagen icónica de Madrid, la afamada escena del cartel de Schweppes llegó todavía más lejos, siendo esta la imagen más representativa de El día de la bestia y seguramente la imagen más recordada de todo el cine de Álex de la Iglesia. La escena, que conseguía esa mezcla impagable de comedia, terror y desconcierto, aprovechaba este cartel de publicidad que todavía podemos encontrar coronando la Plaza de Callao. El cartel, ya en el imaginario de todo cinéfilo, tiene cuarenta y siete años de historia y sus neones seguirán iluminando el cielo de Callao durante unos cuantos más.
Abre los ojos es la segunda película de Alejandro Amenábar y es la segunda vez que el director rodó en Madrid. En sus primeros minutos Amenábar ya nos regalaba una estampa única y seguramente nunca vista por ningún habitante de la ciudad: la Gran Vía completamente vacía salvo por una sola persona, el actor Eduardo Noriega que estaba tan desconcertado por ese comienzo tan impactante como el espectador. El rodaje fue complicado pues el ayuntamiento solo permitió cuatro horas de rodaje al equipo, las horas estipuladas fueron de cuatro a ocho de la mañana. Los productores lucharon por alargar este tiempo mientras la policía les instaba a abandonar el lugar. Con todo en contra la escena se rodó y su resultado fue, por supuesto, sobresaliente.
re los ojos (1997)
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Tesis (1996) Cualquiera que haya tenido un paso, fuese dilatado o fulgurante, por una facultad universitaria sabe cuál es el lugar donde se gestan las mejores ideas. Tal vez por esa razón Alejandro Amenábar quiso incluir la cafetería de la que por entonces era su facultad, la de Ciencias de la Información de la UCM, en su primera película: Tesis (1996). También, por supuesto, influyó la falta de medios del director; el novel acabó encontrando los sets perfectos en su facultad.
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La UCM no se ha olvidado del éxito que supuso Tesis; entre algunos de los murales que podemos encontrar por la facultad hay uno del icónico plano de Ana Torrent hablando directamente a la cámara: “Me llamo Ángela; me van a matar, decía la actriz”. La película, ganadora de siete Premios Goya incluyendo el de mejor película, ha dejado su impronta en la facultad del mismo modo que el edificio siempre estará íntimamente ligado a la película.
Tesis (1996)
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Tesis está repleta de localizaciones de la UCM y de Madrid en general, este plano de las escaleras de la facultad de Ciencias de la Información es solo otro ejemplo del partido que Amenábar le supo sacar a un edificio de diseño tan extraño. La universidad no ha cambiado demasiado desde que Ana Torrent y Fele Martínez actuaban por sus pasillos, por lo que todavía son perfectamente reconocibles las localizaciones de la película.
PELÍCULAS
QUE CUMPLEN AÑOS
Aroa Rocher Gerpe
Repasamos algunos de los cumpleaños de grandes películas de nuestro cine
1979 Alien, el octavo pasajero. Ridley Scott De regreso a la Tierra, la nave de carga Nostromo interrumpe su viaje y despierta a sus siete tripulantes. El ordenador central, MADRE, ha detectado la misteriosa transmisión de una forma de vida desconocida, procedente de un planeta cercano aparentemente deshabitado. La nave se dirige entonces al extraño planeta para investigar el origen de la comunicación.
1989 Batman. Tim Burton Cinta basada en el cómic homónimo. La oscura y peligrosa ciudad de Gotham tan sólo se halla protegida por su corrupto cuerpo de policía. A pesar de los esfuerzos del fiscal del distrito Harvey Dent (Billy Dee Williams) y el comisionado de policía Jim Gordon (Pat Hingle), la ciudad es cada vez más insegura hasta que aparece Batman, el Señor de la Noche. La reputada periodista Vicky Vale (Kim Basinger) intentará descubrir el secreto que se oculta tras el hombre murciélago.
1999 El talento de Mr. Ripley. Anthony Minghella A finales de los cincuenta. Tom Ripley (Matt Damon), un joven empleado de una empresa de servicios de Manhattan, pide prestada una chaqueta de Princeton para tocar el piano en una fiesta al aire libre. Cuando el rico propietario de la casa charla con él, Ripley le hace creer que es amigo y compañero de universidad de su hijo Dickie (Jude Law); entonces, el padre le ofrece mil dólares si va a Italia y convence a Dickie para que vuelva a casa. Cuando conoce a Dickie, que es un playboy, se queda fascinado con el estilo de vida que llevan él y su novia Marge ( Gwyneth Paltrow)..
2009 Malditos Bastardos. Quentin Tarantino Segunda Guerra Mundial (1939-1945). En la Francia ocupada por los alemanes, Shosanna Dreyfus (Mélanie Laurent) presencia la ejecución de su familia por orden del coronel Hans Landa (Christoph Waltz). Después de huir a París, adopta una nueva identidad como propietaria de un cine. En otro lugar de Europa, el teniente Aldo Raine (Brad Pitt) adiestra a un grupo de soldados judíos ("The Basterds") para atacar objetivos concretos. Los hombres de Raine y una actriz alemana (Diane Kruger), que trabaja para los aliados, deben llevar a cabo una misión para hacer caer a los jefes del Tercer Reich. El destino quiere que todos se encuentren bajo la marquesina de un cine donde Shosanna espera para vengarse.
Mientras tanto, en España triunfaban géneros como... Todo sobre mi madre (1999). Pedro Almodóvar (Comedia dramática/ Drama)
Madrid. Manuela (Cecilia Roth), una madre soltera, ve morir a su hijo el día en que cumple 17 años, por echarse a correr para conseguir el autógrafo de Huma Rojo (Marisa Paredes), su actriz favorita. Destrozada, Manuela viaja entonces a Barcelona en busca del padre del chico. llegó a ganar el Óscar a la mejor película extranjera en 1999.
La lengua de las mariposas (1999). José Luis Cuerda (Drama)
Situada en 1936, Don Gregorio enseñará a Moncho con dedicación y paciencia toda su sabiduría en cuanto a los conocimientos, la literatura, la naturaleza, y hasta las mujeres. Pero el trasfondo de la amenaza política subsistirá siempre, especialmente cuando Don Gregorio es atacado por ser considerado un enemigo del régimen fascista.
Ingmar Bergman
Rita Haywroth
Paul Newman
Audrey Hepburn
100 años de su nacimiento el 14 de julio
100 años de su nacimiento el 17 de octubre
10 años de su muerte el 26 de septiembre
25 años de su muerte el 20 de enero
(Guionista y director de cine)
(Actriz, y bailarina)
(Actor y director)
(Actriz y bailarina)
Lluvia, lágrimas y sentimientos a flor de piel Si hay algo que sepan hacer mejor en Japón que las películas de animación es hacernos llorar con ellas. Y eso para el director Makoto Shinkai no es ningún misterio. Conocido por algunos como el “nuevo Miyazaki”, el director japonés tiene un don para cubrir con sus obras el lado más infimo y profundo de los sentimientos. En esta ocasión lo hará con su ultima obra Weathering With You (traducido como El Tiempo Contigo). La película ha llegado este mes de noviembre a algunos de los cines de nuestro país de la mano de Selecta Visión. Y es que trás el exito que tuvo el director con Your Name son muchos los fans que estaban esperando el estreno de su ultima película. En esta ocasión la película trata la historia de un joven, Hodaka Morishima, que ha estado toda su vida en un pequeño pueblo isleño y ahora se dirige a la gran ciudad de Tokyo para hacerse un hombre. Una vez ahí y de la mano de un misterioso escritor, Hodaka
acabara conociendo a Hina Amano, una chica con el extraordinario poder de cambiar el clima a su antojo. La película que se estrenó en su país hace ya algunos meses ha sido toda una sensación no solo a nivel nacional, sino siendotambién nominada a varios premios internacionales. Por ello ha sido la seleccionada este año para representar a Japón en los Oscar en la categoría de Mejor Película Internacional (antes conocida como Peílcula de habla no inglesa). Lo cierto es que, consiga o no esos premios, de lo que sí podemos estar seguros es que Shinkai nos ofrecerá una lluvia de sensaciones una vez más con sus historias.
En 2016 el director ya asombró a todo el mundo con su cinta más famosa, Kimi ni na wa (Your Name). Como podemos ver las esteticas no han variado (nos alegramos por ello) y hay grandes parecidos con las imagenes de Weatering With You. En esa ocasión el director nipón nos contaba la historia de dos jovenes que sin tener nada en comuún se intercambiaban los cuerpo, naciendo así una relación que supera toda ley física.
Realizó su última película hace 23 años y falleció hace 21 pero en el cine de nuestros días.
El gran K
Por Aroa Rocher, Irene Alv
o la obra de Akira Kurosawa sigue influyendo de forma notable
Kurosawa
vรกrez, Juanjo Arenas y Miguel A. Rite
Kurosawa el hombre que revolucinó el mundo del cine Entre Oriente y Occidente Kurosawa descendía de una casta legendaria de samuráis. Su padre se esforzó en que no creciera aislado de Occidente. Por eso, desde niño, tuvo acceso a incontables películas de Hollywood, con las que forjó sus peculiares gustos. Su primer trabajo fue como ayudante de un mítico del cine japonés, Kajiro Yamamoto. Tras la Segunda Guerra Mundial, leyó una novela, 'Sashiro Sugata', acerca de la filosofía oculta tras el arte marcial del judo, que le entusiasmó. Compró los derechos
y la adaptó, convirtiéndola en su debut tras la cámara en 1943, 'La leyenda del gran judo'. No sería hasta 1950 cuando descubre su afán por mezclar modos de drama social con noir influído por Hollywood. Lo que le lleva a su primer éxito internacional, 'Rashomon, el bosque ensangrentado'. Desde ahí encadenaría una serie de películas que, en la década de los cincuenta, su época más fértil y clásica, le convertirían en un nombre esencial del cine oriental: clásicos absolutos como
'Los siete samuráis', dramas como 'Vivir', films menores como 'La fortaleza escondida' o películas inspiradas de forma oficial ('El idiota', en Dostoevsky) o no ('Trono de sangre', inconfesa adaptación de Shakespeare) en la literatura occidental. Tras fundar su propia productora y rubricar un clásico absoluto como 'Yojimbo' en 1961, llega una etapa oscura para Kurosawa. La crisis económica de Japón le obliga a buscar trabajo en Hollywood, pero ningún proyecto cuaja del todo, e incluso llega a intentar suicidarse sin conseguirlo. Es tras la producción rusa de 'Dersu Uzala', en 1975, que se comienza a reivin-
dicar su figura en occidente, ya de forma definitiva. Esta revilatización tuvo como fruto películas como 'Los sueños de Akira Kurosawa' o 'Rapsodia de agosto' a principios de los noventa, películas de definitiva madurez aunque sin la épica que había dejado atrás ya desde 'Ran', su última gran brutalidad en la que se inspiró en Shakespeare, en 1985. Un accidente en un rodaje que le postró en una silla de ruedas acabó de minar su salud hasta su fallecimiento en 1998.
Maestro de maestros Si por algo ha pasado Akira Kurosawa a la historia es por su prodigioso sentido de la estética, uno que catapultó el género chanbara (el cine de samuráis) a la estratosfera: la forma que tenía de rodar y editar las secuencias más violentas pasó a la historia. Usaba planos muy cercanos para zambullir al espectador en el corazón mismo de los combates y cuidaba la estética hasta darles una atmósfera irreal y dantesca. Y al mismo tiempo, empleaba técnicas de montaje sutiles pero atrevidas para romper las nociones clásicas del espacio y el ritmo. Cortes que acercan y alejan a los personajes, experimentación con la relación entre mon-
taje y movimiento, y planos larguísimos (el silencio y las miradas eran, según Kurosawa, esenciales para el el espectador reflexionara sobre lo que estaba viendo), todo machacado sin piedad en la sala de montaje. Hay análisis de la obra de Kurosawa que se centran en un solo plano o una sola maniobra de montaje de una película aparentemente menor. La complejidad de su cine no está solo en las justamente célebres secuencias de masacre dinástica de ‘Los siete samuráis’: ya en esos melodramas previos a ‘Rashomon’, Kurosawa podía subvertir un diálogo a base de manipular el plano-contraplano.
Todos los seres humanos comparten los mismos problemas. Una película solo puede ser entendida si los refleja con propiedad Kurosawa Afirmaba Kurosawa que “todos los seres humanos comparten los mismos problemas. Una película solo puede ser entendida si los refleja con propiedad”. En sus películas están presentes todas las pasiones humanas, de las más bajas a las más elevadas. Y de eso es de lo que hablan todas, las épicas y las cotidianas.El cine de Akira Kurosawa (como hacía su admirado Shakespeare) habla de absolutamente todo lo que compete a los humanos.
Kurosawa, uno de los mayores referentes internacionales en el mundo del cine.
Sus principales obras destacadas Es impensable hablar de Kurosawa, maestro del cine, sin mencionar sus mayores hitos. A pesar de ya haber hecho alguna película anteriormente, como por ejemplo ‘El Ángel Ebrio’, fue sobre todo en 1949 cuando el director japonés creó dos de sus mayores obras. En primer lugar ‘Duelo Silencioso’, drama romántico que genera una constante y en ocasiones inquietante sensación de tensión, demostrando la gran capacidad del cineasta para inducir los sentimientos y percepción del espectador. Una cinta delibe-
radamente agobiante desde el punto de vista del protagonista, el cual es un cirujano que sufre de una enfermedad venérea. El mismo año estrenó ‘El Perro Rabioso’, de género policial, en donde Kurosawa vuelve a sumir al espectador en un proceso de tensión al tratar la historia de un detective el cual le es robada su arma reglamentaria y deberá infiltrarse en los barrios bajos para tratar de recuperarla al haber sido utilizada esta para un crimen. En 1950 llegó la que muchos denominan como su mayor obra maestra, ‘Rashomon’,
y la que colocó al cine japonés en el panorama internacional. Una de esas películas que hacen avanzar al cine, fue la primera vez que se narra una misma historia desde puntos de vista diferentes, contando con un guión y una dirección inteligentes y notorios. Ya posicionado como destacado director en todo el mundo, dos años más tarde el genio parecía no tener un límite a la hora de crear. Llega en 1952 ‘Vivir’, drama con todas las letras de la palabra. En él se trata la cuestión de la existencia propia y su relación con la viva y la muerte.
Y para finalizar con su lista de cintas más destacadas no podía faltar su obra más conocida; ‘Los Siete Samuráis’ (1954). Historia épica, reinterpretada mil veces en remakes y plagios, donde un pueblo constantemente atacado decide encontrar a siete samuráis verdaderos y contratarlos para defenderles de los bandidos. A pesar de ser estas sus cintas más conocidas el cineasta oriental ha creado otras muchas obras de arte como ‘Trono de Sangre’ (1957), ‘Yojimbo’ (1961) o ‘Los Sueños’ (1990).
Un pintor de cine Sobre sus trabajos, Kurosawa declaró: “No puedo más que fascinarme por el hecho de que cuando intenté pintar bien sólo pude producir pinturas mediocres, pero cuando me concentré en delinear las ideas para mis películas, inconscientemente produje trabajos que la gente encontró interesantes[...] Para mí, hacer películas lo combina todo. Esa es la razón por la cual dediqué mi vida y mi obra al cine. En las películas, la pintura, la literatura, el teatro y la música se unen. Pero una película aún es una película”. Muerte de Yamagata Masakage, la bandera del fuego, lo dibujó para ‘Kagemusha, la sombra del guerrero’ (1980). Una delicada obra a lápiz, acuarela y pastel.
Dibujo pertenenciente a ‘Ran’, basada en ‘El rey Lear’ de Shakespeare. La escena la llamó Torreón del primer castillo: Lady Kaede salta sobre Jiro. Con sus storyboards, Kurosawa concebía “la imagen de cada escena” antes de rodarla.
Él mismo pintaba los storyboards o guiones visuales imaginando las locaciones, la psicología de los personajes, sus movimientos y cómo capturarlos. Y cada cuadro es en sí mismo una obra de arte. Kurosawa originalmente se formó como pintor antes de interesarse en el cine a finales de la década de los años 30. Su formación empezó a temprana edad cuando en la escuela primaria comenzó a aprender dibujo con el Sr. Tachikawa, a quien le llamó la atención su habilidad e interés. Este profesor se convirtió en una de las primeras grandes influencias de su vida, ya que animaba a Kurosawa a dibujar
con total libertad y creatividad. El director, que también era conocido por el apodo de Tenno o “emperador” por ser tan profundamente perfeccionista, dedicaba muchas horas a lograr el efecto que deseaba en cada toma y demandaba mucho de quienes colaboraban con él. Un ejemplo de ello era su obsesión con el vestuario. Kurosawa les pedía a los actores que crearan un lazo emocional con las ropas que debían usar para sus películas, de tal manera, que éstos debían utilizarlas desde semanas antes de la filmación para satisfacer sus demandas.
Este onírico dibujo es ‘Vuelo. Caigo al vacío’, empleado para Los sueños de Akira Kurosawa.
En ocasiones, Kurosawa llegó a modificar la locación en la que estaba filmando porque sentía que no se ajustaba a sus exigencias estéticas; por ejemplo, una vez mandó derribar el techo de una casa porque desde su punto de vista arruinaba su secuencia. En cuanto a sus
Este dibujo, previo a ‘Kagemusha, la sombra del guerrero’, representa la Noche en el cuartel del ejército de Takeda.
Lady Kaede, para la película ‘Ran’.
técnicas pictóricas, podemos ver cómo destaca su preferencia por el uso de acuarelas, lápices de colores y pasteles. De esta forma, los dibujos adquieren una apariencia de boceto , concediéndole su toque artístico personal y sin dejar de mantener su espíritu de storyboard.
‘Cuervos. Paisaje en Auvers’, que utilizó para ‘Los sueños de Akira Kurosawa’, de 1990.
Eventos celebrados en España por su centenario A este cineasta japonés con motivo del centenario de su nacimiento, se le hicieron numerosos homenajes en más de 10 ciudades españolas. en primer lugar, pudimos ver como la fundación Japón-Madrid desarrolló en las dos ciudades más importantes del país como son Madrid y Barcelona, un ciclo de conferencias sobre uno de sus teatros más importantes el “Noh”, ya que este fue el que le hizo percibir el cine de una manera más diferente. También se pudieron ver numerosas representaciones de teatro de uno de los grupos más importantes de Japón “Kongo”. Sin embargo, lo más relevante de este centenario fue sin duda alguna las refe-
Estilo
rencias al cine que se pudieron ver en todo momento, ya que se pudieron ver numerosas películas en las que se le rendía homenaje al cineasta. A partir de su debut en la década de los 50 con su técnica cinematográfica y su fuerte carácter, esto fue lo que le valió para ganarse el sobrenombre de “El emperador”.
Sus películas estan producidas principalmente por un montaje muy ágil. montadas todas siempre por él a través de la filmación multicámara. También fue el primero en usar teleobjetivos para poder poner las cámaras más allá de la escena que se estuviera rodando en ese preciso momento. Una de las cosas que más cuidaba Kurosawa en sus películas era la meteorología de la escena, y esto lo hemos podido comprobar en películas como “Rashoman” o “Los siete samurais”. Otro de los aspectos que podemos destacar de su estilo, es que casi siempre trabajaba con los mismos actores ya que su relación con ellos era bastante estrecha. En cuanto a las historias que se cuentan en las películas, casi siempre estaban caracterizadas por una relación de maestro-alumno y un continuo enfrentamiento entre las dos clases sociales más importantes; los más desfavorecidos frente a los ricos.
Por último, para destacar dentro de su estilo personal están las bandas sonoras tan características y que solían empezar con una música muy vacía que a medida que iba avanzando el cortometraje se iba sumando más acompañamiento musical, de esta manera la manera iba construyéndose según avanzaba la película.
La Fiesta del Cine alcanza 2,2 millones de espectadores: la segunda mejor edición en diez años Entre las películas más vistas en esta edición se encuentran: en pimer lugar el ‘Joker’, seguida de ‘Maléfica 2: Maestra del mal’ y a la cola ‘La familia Addams’. Según informa Europa Press, la XVII edición de la Fiesta del Cine ha registrado un total de 2.291.606 espectadores, según datos provisionales de la consultora Comscore. Con estos números superan por cuarta vez la barrera de los dos millones de espectadores y finaliza como la segunda mejor edición en diez años que se lleva celebrando el evento. El récord lo sigue teniendo el
mes de octubre de 2016, en el que se registraron 2,6 millones de entradas, y 2019 deja por detrás a la edición de octubre del 2014, en la que pasaron por las salas españolas 2.251.605 espectzadores durante la Fiesta del Cine. La cantidad de asistentes del año pasado fue muchísimo menor, con solo 1,3 millones de espectadores, 950.076 espectadores menos que este año.
Ningún sofá podrá sustituir jamás a una buena sala de cine
que merece la pena asomarse a una sala de cine y disfrutar de una experiencia tan especial. No hay otro lugar como el cine para viajar. En los últimos años se ha faci- Si piensas que no te puedes perlitado al público el ver sus obras mitir un billete de avión ni una favoritas en casa pero hay una reserva de hotel en algún exótigran cantidad de razones por las co lugar, con tu entrada de cine
puedes viajar donde tú quieras. Te sentirás inmerso en países en los que nunca has estado, viajarás a otros universos y vivirás una experiencia única rodeado de oscuridad, únicamente con la enorme pantalla de cine como tu luz. Pocas experiencias existen que consigan aunar tantas emociones en un solo sitio.
Mejores salas de cine de Madrid Con un número de hasta 493 salas, Madrid es unas de las comunidades autónomas españolas con más cines, según los datos de la Asociación para la Investigación de Medios de Comunicación (AIMC). A continuación, voy a nombraros las 5 salas más relevantes que encontramos en la capital.
1. KINEPOLIS Recibe el nombre de “Ciudad del cine”. La madre de todos los cines, incluso con parada de metro propia al más puro estilo del gigantismo americano, cuenta con multitud de salas, pantallas gigantes, un sonido de una calidad increíble y hasta con un centro comercial en su interior (zonas de ocio, con bares y restaurantes). Merece mucho la pena desplazarse hasta Pozuelo para envolverse de la mejor experiencia de cine.
2. RENOIR PRINCESA Con una atmósfera un tanto mágica y situados a unos pasos de Plaza de España, en la (extraoficialmente) Plaza de los Cubos, dispone de gran variedad de estrenos y se atreve con el independiente.
3. CINES GOLEM Estos céntricos cines en VOSE por los que atraviesa el Paseo de la Fama (o de las estrellas) de Madrid, cuenta con cómodas butacas en unas modernas instalaciones que ofrecen las condiciones perfectas para disfrutar tanto de películas de gran envergadura como de otras más intimistas. Quizá sea el mejor cine en VOSE de la ciudad.
4. CINESA PRODUCCIONES Resisten en una calle llena de nostalgia, pues varios de los cines que flanqueaban al Proyecciones cerraron sus puertas. Una de las mejores opciones tanto por ubicación (el céntrico barrio Bilbao) como por sonido, butacas y pantallas.
5. CINE DORÉ Una sala para los amantes del cine. En ella pasan básicamente reposiciones y ciclos (no el tiempo). La belleza de su fachada e instalaciones en general te cautivarán, y sus reducidos precios te convencerán definitivamente.
Diciembre de 2019
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El cine contra Marvel
Martin Scorsese
Sección de Opinión
Describir lo que es el cine siempre ha sido una tarea complicada, ya que se mueve entre el arte y una fábrica de hacer dinero, sin saber exactamente cual de las dos predomina. En este último mes Martin Scorsese hizo unas polémicas declaraciones, en las que dijo que las películas de Marvel no son cine y las comparó con parques temáticos. Al director se le unieron más figuras del mundo cinematográfico dando argumentos desde ambos lados. De esta manera el debate ya estaba abierto y los fanáticos del cine divididos. Las declaraciones de Scorsese fueron tergiversadas por los
medios y, aunque más de una vez haya aclarado lo que quería decir, no se le ha escuchado buscando que le debate crezca. El director lo único que quiso decir es que el cine como él lo ha conocido toda la vida es una forma diferente al cine que vende Marvel. Es cierto que en sus declaraciones originales llegó a decir que no era cine, pero fue solamente un problema de no encontrar un término con él que denominar a los dos tipos de cine. El director tiene razón en sus palabras: El “cine de Scorsese” y el cine de Marvel son dos cosas diferentes, no opuestas, ya que una busca contar
historias de maneras originales y hacer que el espectador sienta lo que los creadores quieren, mientras que el otro solo busca el entretenimiento puro. Ninguna de las formas debe ser menospreciada, ya que cumplen una función social y son igualmente necesarias. El problema surge cuando los actores y directores de la compañía Disney salieron en su defensa diciendo que ambos tipos de cine son iguales, demostrando muy poco criterio. Solamente cargados con argumentos de todo el dinero que mueven sus películas, manifestando que no son conscientes del tipo
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de películas que realizan. Vuelvo a repetir, el cine de entretenimiento no tiene nada de malo, pero la gente que lo realiza y los que lo disfrutan (entre los que me incluyó) deben saber que solamente sirve para pasar rato. Se que habrá gente que argumentara que con el cine de superhéroes ha sentido emociones muy fuertes y no solo ha sido un entretenimiento y tienen razón. El cine comercial también tiene momentos emotivos, pero no son mas que un escalón para llegar al clímax de la película, la batalla final repleta de efectos especiales, mientras que, en el cine tradicional,
¡Corten!
Diciembre de 2019 las escenas que despiertan los sentimientos son los momentos climáticos y lo realmente importante. Mucha gente se preguntará, porque Scorsese a decidido sacar este debate justo ahora y tiene una razón de bastante peso. El director lleva haciendo películas más de cuarenta años y desde sus inicios se ha consagrado como uno de los grandes dentro de la industria del cine. Esto significa que cada vez que tenía un proyecto, ha conseguido financiación por la fama que ha conseguido. Sin embargo, con su último largometraje, “El Irlandés”, se encon-
tró con un problema nuevo, ninguna de las productoras quiso comprarla para proyectarla en cines. Es cierto que este proyecto era más caro que todos los anteriores, pero teniendo en cuenta la larga carrera que lleva a sus espaldas, parecía normal que se la fueran a financiar. Al final tuvo que recurrir a Netflix, una plataforma que Scorsese ha criticado en el pasado por estar cargándose el cine que él conoce. Aquí es donde el asunto pasa a ser algo grave. Las productoras se gastan cifras desproporcionadas para realizar películas de acción y superhé-
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roes, pero no pueden permitirse una película de uno de los mejores directores de la historia. Entonces, si ni siquiera Scorsese es capaz de sacar sus proyectos en la actualidad ¿Qué van a hacer los directores y directoras que están empezando sus carreras y que llevan grandes ideas bajo el brazo? Es cierto que por ahora no hay que ser alarmista, porque el problema está en sus inicios y por suerte, todavía podemos disfrutar de ambos tipos de cine. De lo que hay que darse cuenta es de que el cine de superhéroes ha crecido en los últimos años de forma exponencial,
arrasando por donde pasa y aunque sea muy fácil echar todas las culpas a las productoras, ellas solo realizan lo que vende, por lo que la sociedad también es parte del problema. Lo que todos debemos aprender de este debate es a saber disfrutar todas las formas de cine que se nos ofrece y crear un equilibrio entre ellas, para que ninguna pueda prevalecer por encima de las demás y que acaben desapareciendo.
Diciembre de 2019
¡Corten!
Pasatiempos Películas estrenadas en 2019
Aladdin
Dumbo
El Irlandés
ESO
Joker
Men In Black
Parásitos
El Rey León
Toy Story
Zombieland
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¡Corten!
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Crucigrama de actores, directores y películas
Verticales
Horizontales 2 Realizó la película “Todo sobre mi madre” 5 Personajes azules 7 Director de “La Gran Familia Española” 8 Ogro gruñón 10 Película que se grabó en la UCM 51
1 Director español más famoso 3 Película más taquillera de superhéroes 4 Director de “Lo Imposible” 6 Hundimiento 9 Actor que colabora en “El Hormiguero”