RevistaDifusión by Eugenia Garro Ruiz

CRÉDITOS Difusión es una revista cuatrimestral de criterio independiente con un propósito académico desde el prisma del diseño, el arte y las industrias culturales. Las opiniones de los elaboradores no necesariamente expresan los puntos de vista del Concejo Editorial o de la Universidad Veritas. Queda prohibida la reproducción total o parcial de los contenidos sin la debida autorización.

PRESIDENTE EJECUTIVO Ronald Sasso

ARTE FINAL Mónica Bastos

Porque aparte del reto de resolver el diseño de un artículo, el estudiante se enfrenta con el proyecto de la revista a trabajar cada uno de los contenidos con el objetivo de que sea el suyo el que sea elegido para estar dentro de la edición; sobre esto está la sana competencia y la humildad de reconocer que siempre hay quien da un paso más allá y es el que logra la diferencia. Pero al final queda el aprendizaje que es lo que nos permite crecer y retarnos para hacer de nuestro trabajo algo que cada vez sea mejor. En esta edición encontrarán más que artículos, experiencias vividas alrededor de la quinta edición del Festival Internacional del Diseño FID, y de la visita a la exposición de uno de los artistas más importantes del Renacimiento, el alemán Alberto Durero, realizada en el Museo del Banco Central. Encontrarán entrevistas a estudiantes y egresados de las carreras con experiencias como la participación que ellos tuvieron en el Nueva York Fashion Week y el éxito de un Blog alrededor del proyecto Peppermint de la egresada de nuestra Escuela Lisa Barquero, entre otros artículos de gran interés que espero puedan disfrutar.

PORTADA Eugenia Garro

Mariano Ramírez Director de la Escuela de Comunicación Visual

VICEPRESIDENTE Luis Diego Bolaños CONCEJO EDITORIAL Eric Rodríguez Ana Lucía Ferrero DIRECCIÓN DE ARTE Vicky Ramos DIAGRAMACIÓN Y DISEÑO Diseño Publicitario IV

Sinópsis: El diseño es innovador, trasciende más allá de nuestra imaginación, no vemos la dimensión en 2D si no en 3D.

¡Buscá unos anteojos 3D y formá parte del diseño!

“Aprender a recibir la crítica constructiva y sobre ella trabajar por la mejora de los diseños, fue de las experiencias más significativas alrededor de este curso y de la realización de la revista; además, el lograr entender que la propuesta de uno no es mejor que la de los otros, en tanto la otra propuesta realmente logró un mejor diseño que la de uno, eso también hace crecer”, expresó Mariam Briceño, al presentar la propuesta de esta edición el último día de clases.

REDACCIÓN Ana Lucía Ferrero

ÍN DIC E

tendencias: la historia sin fin

fotografía macro

guía para diseñar un portafolio impresionante

the new call

diseño universal

alianzas de marca

diseño universal

pinturas y pinceles, alma y corazón

tendencias en blogs: comida y foodstyling

publicidad divergente

una herramienta poderosa para la estimulación: el diseño

eco diseño

señalética en tiquicia

cuento

#día sin carro cr

don quijote

Tendencias en el Diseño

Por: Silvia Solano, Sofía Carballo, Valeria Sánchez

El diseño ha evolucionado gigantescamente y rápidamente siguiendo criterios, teorías y tendencias muy diferentes, entre ellas la manera en que consideramos la forma y la función, tres caminos por tomar a la hora de diseñar para justificar nuestra elección, unas veces la forma, y otras, a la función, o las dos por igual.

LA RELEVANCIA DE LA FORMA SOBRE LA FUNCIÓN

PRIMERO LA FUNCIÓN DESPUÉS LA FORMA: EL FUNCIONALISMO

Un objeto puede ser bello porque satisface una necesidad y también porque presenta una forma que comunica su función, sin embargo ¿qué pasa si no es visualmente atractiva para complacer al consumidor? se busca la belleza a través de las formas, colores y texturas. Entre dos productos de iguales prestaciones técnicas y precios, cualquier usuario elegirá seguramente al que encuentre más atractivo. En varias ocasiones la belleza puede primar sobre las consideraciones funcionales.

En 1896 el arquitecto estadounidense Louis Sullivan en un libro titulado “The Tall Office Building Artistically Considered” escribió: “Que la vida es reconocible en su expresión, que la forma siempre sigue a la función. Esa es la ley”.

Un ejemplo de ello es el Styling, tendencia que se encarga de priorizar la forma, busca la modificación externa de un objeto sin tener en cuenta la funcionalidad. Así se da a los objetos nuevos valores simbólicos de modernidad, con la finalidad de sorprender y fomentar el consumo.

En esta tendencia, un diseño es bello cuando los aspectos formales están sujetados a la función; A principios del siglo XX se consolidó el movimiento funcionalista, que somete la forma del objeto a su función. La idea de belleza deja de ser el motor del diseño y se convierte en una consecuencia: la belleza viene por añadidura, como lo anunció P. Soriau en 1904: “No puede haber contradicción entre lo bello y lo útil; el objeto posee belleza desde el momento en que su forma es expresión manifiesta de su función”.

LA CONSIDERACIÓN DE LA FORMA Y LA FUNCIÓN CON LA MISMA IMPORTANCIA Actualmente los profesionales del diseño tienden a considerar que la forma y la función tienen la misma importancia de acuerdo a cual sea su objetivo y, por lo tanto, se tienen que plantear y estudiar conjuntamente.

Independientemente de lo que se quiera lograr con los puntos anteriormente mencionados para un diseñador la referencia es una vieja y conocida amiga, indispensable parte del proceso creativo y fuente de inspiración. Partiendo de esto, está implícito que ya ninguna pieza es 100% original, más bien sería el resultado de la reinterpretación del autor de piezas creadas previamente, las cuales a su vez son el resultado del mismo proceso. Esto es una regla básica a la hora de entender el comportamiento de las tendencias. Se puede decir que una tendencia a nacido cuando en un determinado lugar y tiempo se da un patrón de comportamiento específico entre los elementos que en este existen. A través de las décadas, los sucesos sociales y su contexto, han sido el motor de la creatividad en distintos campos del arte y el diseño.

Un buen ejemplo son las faldas de la década de los 60. Cada año que transcurría significaba un diseño aún más corto. Cuando ya no se pudieron acortar más, la única forma de presentar una nueva tendencia, Los expertos en marketing han era volver a las enaguas largas, y establecido que las tendencias tienen entonces llegaron los setentas, y sus un ciclo de vida que se divide en enaguas kilométricas. cuatro etapas: Cada tendencia en el mercado es el INTRODUCCIÓN: Solo son utilizadas completo opuesto de la tendencia que le sucede. Razón por la cual los por las personas vanguardistas. CRECIMIENTO: La gente imita a los minimalistas 90 sucedieron a los abarrotados 80. dictadores de tendencias. MADUREZ: Cuando el mercado esta La década actual no es indiferente a saturado. DECLIVE (o la recurrente frase “pasado este fenómeno. Cabe mencionar que aunque las tendencias son cíclicas, de moda”). cada vez que vuelven a surgir, por Durante este ciclo, una moda o lo general se han reinventado de tendencia se lleva al máximo, hasta alguna forma. A continuación les que la única forma de innovar sea presento algunas tendencias, que volviendo al punto de partida, del están formando parte de la escena cual inicialmente era el propósito social actual. alejarse. En los últimos 100 años el reciclaje de tendencias, ha sido una constante, eso es un hecho. Sin embargo ¿Alguna vez se ha preguntado porque sucede esto?

Un objeto es bello porque satisface una necesidad y, también, porque presenta una forma que comunica su función y es visualmente atractiva para complacer al consumidor.

Vintage Lo vintage es todo aquello que aunque tiene cierta edad, no es lo suficientemente viejo para catalogarse como antiguo. Las cámaras polaroid, que tomaban fotos instantáneas, tienen ahora un pariente homólogo, la cámara instax mini de fujifilm. Es una cámara que aunque no en apariencia, es igual a la polaroid en función. En la parte gráfica, el uso de elementos tropicales, frutas y estampados ha sido retomado, mientras que el estilo bohemio reina en el diseño de espacios. Después de una década en la que se glorificó la producción en masa, regresa el gusto por las cosas hechas a mano, de producción local o artesanal, en pocas cantidades, lo cual resulta en valor agregado.

El Grunge y

el minimalismo Primordialmente hablando de moda. Franelas de cuadros, gargantillas, labial oscuro, joyería simple, líneas anchas, blanco, negro, denim, botas, plataformas, cabello largo y sin peinar en tonos fantasía. El minimalismo y la osadía de los 90 se hacen presentes. Incluso en diseño gráfico, también se siente una corriente minimalista. El uso de módulos y texto modular está cada vez más presente. Se busca dejar más espacios libres, y entre menos texto, mejor. El diseño modular es una técnica en la cual el diseño parte de una matriz (herramienta utilizada para ubicar al cliente en la dirección que este desea ir). En su mayoría viene en cuadrícula, pero no debe ser así necesariamente. Esto se realiza con el objetivo de que la lectura sea más llevadera para el ojo.

El flat design también salta a la escena, como representante dentro de esta corriente de simplificación. Entre las ventajas funcionales de este tipo de diseño, se destaca que precisamente al ser más simple, las piezas de flat desing son menos pesadas, por lo cual las páginas que funcionen con este tipo de diseños serán más veloces, en comparación con las que utilicen diseños más complejos, y ya que estamos en una era de culto a la velocidad, el flat design es un buen aliado de las paginas web y blogs de pequeñas, y medianas empresas. Sin embargo el flat design se reinventa agregando algo de tridimensionalidad, para volverse más usable.

Psicodelia, patrones y geometrías La psicodelia apareció por primera vez en los años 60. Estos años estuvieron cargados de un fuerte contexto político, donde la guerra de Vietnam, y la lucha de los derechos civiles y de la mujer, eran los temas rimbombantes. Entonces apareció el cartel psicodélico, como la suma del rock, las drogas y los mensajes de las nuevas generaciones, clamando por un cambio en el estilo de vida, un replanteamiento de la sociedad de la época. Movimientos estéticos de inicio de siglo como el Art Noveau con sus líneas sinuosas, y el Arte óptico que utilizaba los bloques de color y la repetición, agregando tipografías adaptadas para formar parte de la gráfica, dieron a luz un nuevo tipo de arte. Actualmente la psicodelia en el diseño a tomado un nuevo aire. Ya no se utiliza la forma de cartel psicodélico como tal. Pero el uso de colores y contrastes

es muy similar, y la suma de patrones y geometrías a esta corriente, nos trae una psicodelia apropiada por los diseñadores y la juventud del nuevo siglo. Es fresca, es bizarra y se derrite. Cabe mencionar que esta tendencia es alimentada por una ya establecida neo cultura hippie, que ha surgido en los últimos años. El vegetarianismo, veganismo, la comida orgánica, la conciencia colectiva con respecto a temas ecológicos, formas alternativas de espiritualidad, entre otras cosas son parte de la corriente que fluye con la nueva psicodelia. La geometría sagrada por ejemplo, es un tema bastante complejo, pero en términos generales, se refiere a un conjunto de formas geométricas, extraídas del diseño de ciertos lugares considerados sagrados alrededor del mundo. La flor de la vida fue y sigue siendo uno de los patrones más utilizados, desde tiempos antiguos

alrededor del mundo. Junto con el mándala son elementos que han sido adoptadas en el diseño gráfico actual. Los patrones son otro elemento, que resucita de la década de los 50 y 60, en ese entonces se utilizaron para decorar, casas , restaurantes y muebles. Actualmente resurgen en nuevos tonos y formatos, algo más sutiles, y se aplican en formas distintas. Muros, pisos (las cerámicas o azulejos de patrones están dominando), estampados en cobijas, almohadones, alfombras, muebles y accesorios se dejan ver cubiertos de diseños lineales, ordenados, simétricos y rítmicos. Es rústico, creativo y limpio, llenan de alegría y dinamismo un espacio común.

Mármol, oro en blanco y negro Este tipo de tendencias son las que más me despiertan curiosidad, ya que no se tratan de corrientes estéticas específicamente, sino es más bien del uso de un elemento cómo tal, para saturar el mercado en todas sus formas posibles. El mármol es una roca metamórfica, o sea que está compuesto por varias rocas distintas. Trabajado a elevadas temperaturas adquiere un brillo natural sin ceras ni componentes químicos. Se utiliza sobretodo para construcción, decoración y escultura. Siempre ha estado presente en la arquitectura, considerado como un material fino, de lujo y larga duración, y desde aún más atrás en el arte, con las primeras esculturas en mármol que datan de la Edad Antigua, alrededor de los 600 a.c. Sin embargo para esta década, el mármol surge entre la cultura popular, como los videos de gatos en redes sociales.

En cuanto a diseño del producto, los estuches de celulares, computadoras, despertadores, portavasos, macetas, vajillas, escritorios, y toda clase de productos y accesorios se encuentran revestidos en mármol ¡Incluso hay una nueva tendencia en manicure, con un acabado de mármol! También el área gastronómica nos presenta su aporte, con queques y helados, que adoptan esta textura. El diseño gráfico tampoco se queda atrás en cuanto al uso de esta roca para crear piezas con acabado costoso, que evoca clase y lujo. Esas fueron las tendencias que han resucitado del pasado con más fuerza, para unirse al mundo del diseño este 2016. Por eso la próxima vez que la abuela diga que tiene una bolsa con cosas que ya no utiliza para regalar, o alguien le recomiende ir al museo por algo de inspiración, talvez usted quiera echar un vistazo.

Referencias

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¿Qué debe contener un portafolio?

Guía para diseñar un

Po r t a f o l i o Im p r e sio n a n te

Un resumen de su carrera, tanto profesional como universitaria (Una hoja dónde está toda su información personal, conocimientos y habilidades, es a la que se le conoce como CV, preferiblemente debe ser en una página) -Seguidamente los mejores trabajos elaborados. Para el resumen de su carrera, es importante colocar los datos que se van a mencionar a continuación, siempre tomando en cuenta que como diseñador, hasta eso debe de ser bien pensado, incluso puede hacerlo como un infográfico sobre lo más importante que se debe saber sobre sus habilidades, herramientas y experiencia:

Por: Natalia Mairena Mora

Llega ese momento en la vida en el que se desea mostrar los conocimientos como diseñadores, presentar los mejores proyectos y conseguir ese trabajo o cliente que tanto se desea. Pero ¿Cómo hacerlo? ¿Por dónde se debe comenzar?, aquí se presentarán algunos tips necesarios para que éste sea el mejor portafolio. La buena noticia es que los conocimientos y herramientas ya están, lo complicado está en la organización de ideas y proyectos, por lo que esta guía puede ser muy útil para estos momentos. En esta era, predomina la tecnología, en la que si se promociona en la web es más probable que le vean y más accesible es su trabajo, sin embargo, aún es necesario en algunas ocasiones tener un portafolio en físico, por lo que aquí, se le van a dar las dos alternativas.

Sunombrecompleto,edadypreferiblemente su logo como diseñador.

Foto personal, trate de elegir una que este bien producida, incluso se debe tomar en cuenta que como diseñador, debe pensar bien el primer contacto que tienen con usted, se puede variar la fotografía en tonos blanco y negro, o resaltar algunos colore, ilustrada, o simplemente muy sobria, nada más debe mantenerse profesional y en creatividad, el cielo es el límite.

Es importante que contenga la información de contacto, como número de teléfono, correo electrónico, Facebook, behance, o alguna plataforma de este tipo.

Un poco de quien es usted es importante, es por esto que se debe escribir una breve descripción sobre lo que hace, lo que le apasiona y porque es que se le debe contratar, si ésta parte le cuesta un poco, pida opiniones a otros colegas, o a sus familiares, máximo un párrafo de tres líneas.

Coloque un poco sobre su vida, no hace falta una cronología de todo, por lo menos desde el colegio, en todos los aspectos debe poner desde el año en que inicio hasta el que culminó y así lo que ha hecho hasta el día de hoy. Experiencia: este apartado es uno de los más difíciles si se es estudiante, no se preocupe, puede incluir trabajos que ha hecho de freelance y el año en que los hizo.

Herramientas: Aquí se agregan las herramientas que se conocen de trabajo, como por ejemplo ilustrador, photoshop, etc. Incluso puede poner las herramientas físicas que tiene, como la computadora o una tableta Wacom.

Habilidades: Escriba en las que más se destaca, como por ejemplo fotografía, diseño gráfico, foodstyling, branding, etc… Es colocar en lo que se considere mejor o en lo que sabe hacer.

Idiomas: Debe decir los idiomas en los que habla.

Link o código qr de su portafolio online.

4. Incluir ejemplos apropiados: 7. esto quiere decir que si usted está solicitando un trabajo de diseño gráfico, busque sus mejores trabajos de diseño gráfico y se debe enfocar en ese rumbo, si busca de diseño Publicitario, ponga sus mejores piezas de publicidad. Esto no quiere decir que no pueda poner una pieza que solo sea gráfica, pero si debe tomar en cuenta que sea una que le sirva para mostrar habilidades que le van a favorecer en ese puesto.

TIP S •

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No coloque porcentajes, debido a que lo que para usted pueda ser un 100% de ilustrador, para la persona que lo contrate puede ser un 50%, es mejor solo decir que conoce del programa, en la entrevista puede aclarar más lo que sabe de cada uno. Esto también aplica en el idioma. Si quisiera poner su nivel, mejor colocar básico, medio , alto. Se recomienda pedir a otra persona que lo revise, si necesita hasta una cuarta opinión es mejor que se pida. Revise y lee una y otra vez, ya que esta es la primera impresión.

P o r ta f o l io Físic o Hoy día ya no se es tan necesario tenerlo físico, este sirve como respaldo para llevar a una entrevista, o en caso de que se sea ilustrador, es mejor mostrar las piezas.

1. Su portafolio, su proyecto: su carta de presentación, se debe tomar como un proyecto especial, incluso a el que le debe dedicar más tiempo, ya que nadie lo conoce mejor que usted mismo, piensa en usted como un cliente, cree un brief y ponga un plazo. 2. Público objetivo: plantee las siguientes preguntas para definirlo: ¿Quién quiero que vea mi portafolio? ¿Qué quiere conseguir con él? ¿Busca trabajo fijo o se promociona como freelance? ¿Cuál es el perfil de cliente que busca?, defina su cliente ideal y hable para él.

3. Selección, vale más calidad que cantidad:tanto en el portafolio físico cómo en línea, se debe incluir o hacer una curaduría de sus trabajos, en los que se incluyan de 5 a 8 de sus mejores proyectos, idealmente cinco, dónde se eligen los mejores, los que lo hagan sentir orgulloso y describan bien lo que ha hecho. ¿Porqué así? Debido a que las personas que lo van a contratar tienen muchas aplicaciones para el mismo puesto y probablemente no tienen mucho tiempo para ver sus trabajos y si va a colocar unos que sean los mejores y los que más impacto van dejar. Es muy útil seleccionar en carpetas separadas los mismos para mantener el orden.

5. Contexto: A cada una de sus piezas, se debe proporcionar contexto, porque así es más fácil para el espectador juzgar su obra. Escríbale anotaciones sobre cuando lo hizo, sobre el cliente y sus peticiones, el proyecto o producto que realizó, también sobre como se resolvió y porque utilizó técnicas específicas, si se tiene una anécdota que es valiosa o relevante también puede incluirla, las herramientas utilizadas, no lo haga muy extenso, debe ser breve. 6. El trabajo extracurricular es válido: Si se tiene un proyecto, como una ilustración o un afiche que se hizo por hobby, para algún familiar y considera que quedó como para exponerlo en su portafolio, no se debe dudar en incluirlo.

No más de tres años: Los proyectos elegidos, preferiblemente no deben tener más de tres años, debido a que las tendencias están en constante cambio y con la tecnología va aun más rápido, si coloca un trabajo un poco antiguo rápidamente queda obsoleto, claro existen excepciones, si un trabajo de hace tres años aún cumple con lo que se hace y lo define como diseñador ,es válido incluirlo, pero solo bajo ésta condición, es normal que se le tome cariño a algún trabajo en específico, pero se debe tener criterio para saber si le favorece o no en determinados momentos.

8. ¿Cómo presentar los proyectos?: Todo entra por la vista, se debe buscar las mejores fotos, o los mejores PDFs con una calidad muy alta, porque no se sabe si se va a requerir de impresión y siempre es mejor tenerlos en alta resolución, si se tiene un proyecto como una página web, podría utilizar los mock up como recurso para mostrarlo mejor, si por ejemplo se tiene una ilustración, el proyecto

puede mostrarse con el proceso de cómo se inició y hasta mostrar el resultado final. Recuerde siempre no extenderse tanto. Es recomendable de 4 a 6 páginas como máximo. 9. Índice: Una vez que se tienen todos estos pasos, se procede a la organización del trabajo, la primera y última imagen son las que más impresionan o las que más quedan en la memoria, es por esto que si tienes una selección de cinco de los mejores trabajos organizados de mayor a menor, donde 5 sea el mejor y 1 sea el que menos guste, deberán organizarse así 4,1,3,2,5, para que se vea uno de los mejores, se baje a uno no tan bueno, luego se sube a tres para mantener el interés, baje un poco y luego queda el último que es el mejor. Se organiza la información: con el resumen en la primera página y luego los proyectos, enumerándolos en el índice

10. Diagramación: Se deben utilizar todos los recursos posibles, trate de ser lo más creativo posible, ya que debe tomar en cuenta, quien posiblemente este contratando sea una persona que busca algo diferente, utilice In design como herramienta y explote todas sus habilidades para crear un portafolio agradable a la vista, fácil y entretenido de leer. 11. Mantenga su portafolio fresco: es decir, debe siempre estar actualizando por si requiere un nuevo trabajo, no siempre va a incluir los mismos trabajos, ya esto se explicó en el punto 4, sobre los ejemplos apropiados. 12. Busque una segunda opinión, de personas que se desarrollen en el ámbito de diseño y también personas que no sepan nada de diseño, todos le van a dar puntos de vista a considerar que le ayudarán a ver su portafolio desde otra perspectiva. ¡No tenga miedo a la crítica! 13. Lea, relea, agregue y borre: Sea crítico con usted mismo, véalo muchas veces, y hágase las siguientes preguntas: ¿Es profesional? ¿Es muy infantil? ¿ Yo me contrataría para un puesto de Diseñador Gráfico (Publicista, Ilustrador, Mercadeo, Arte finalista, Fotógrafo)? ¿Porqué no me contratarían? Y todas las preguntas que usted desee hacerse. Tome en cuenta su opinión y la de los demás y ahora si borre o agregue y vuelva a repetir si es necesario.

P o r ta f o l io O nline Este es el más utilizado, aplican los mismos principios que en el anterior, solo que con una pequeñas modificaciones. El resumen personal se debe tener en un PDF por si es necesario enviar su información.

Bibliografía Stewart, C. (2014, 01 de Abril). Create the perfect design portfolio: 30 pro tips | Creative Bloq Recuperado de http://www.creativebloq.com/create-perfect-design-portfolio-111153 How to create a portfolio (s. f.). Recuperado de https://www. kent.ac.uk/careers/cv/portfolios.htm Portfoliobox - Su portafolio en linea (s. f.). Recuperado de http://www.portfoliobox.net/es Ravenel, M. (s. f.). 6 Steps To Creating A Knockout Online Portfolio - 99U 99u, 1. Recuperado de http://99u.com/ articles/7127/6-steps-to-creating-a-knockout-online-portfolio D.Villamiel, J. (s. f.). Consejos y herramientas para crear un portfolio perfecto Recuperado de https://www.40defiebre.com/consejos-y-herramientas-para-crear-un-portfolio-perfecto/

1. Lo más importante de su portafolio Online es elegir la plataforma en la que se quiere mostrar sus proyectos. Alguna de las más utilizadas son Behance (Es una plataforma donde se encuentran muchos diseñadores), PortfolioBox, Tumblr, Dribbble, Wordpress, ProSite, Flickr, Issuu. Elegir la plataforma está en como se sienta el usuario más cómodo trabajando para lograr su objetivo que es mostrar su proyecto. El más recomendable es Behance, por ser una plataforma conocida en el medio de Diseñadores y por el roce que ahí se puede tener con personas del mismo medio. Puede tener varias, pero es preferible tener una en especifico que sea la que sirva como portafolio par aplicar por un puesto de trabajo. 2. Se repiten los pasos anteriores: su portafolio, su proyecto, público objetivo, selección y curaduría (muy importante, incluso depende de la plataforma podría incluir más proyectos), Incluir ejemplos apropiados, Contexto (descripción breve de su proyecto), considerar trabajo extracurricular, No más de tres años (Eliminar trabajos obsoletos), Alta Calidad en las imágenes a presentar, índice y

Diagramación (aquí cambia un poco, es la forma en que organizas su trabajo y la cara que le pone a cada carpeta, pero el orden de los proyectos debe ser el mismo), Fácil de actualizar (la plataforma debe ser amigable para el usuario, para que éste la actualice cada vez que sea necesario) , mantenga su portafolio fresco, se vive en un constante cambio y si este portafolio va a estar expuesto en una página al lado de muchos diseñadores que viven en constante cambio, con mucha más razón se debe de hacer), siempre se deben buscar otras opiniones y la más importante es ser crítico con uno mismo. 3. Usted debe utilizar la plataforma y hacer pruebas para ver si esta es fácil de navegar y a su vez ver si su cliente puede ver sus proyectos. 4. En web siempre manténgase activo. Esta guía es una pequeña ayuda, para orientarse sobre como hacer un Portafolio, existen más tips, porque siempre hay muchas formas de hacer lo mismo, se espera que sea útil para cualquiera que desee empezar hoy su portafolio.

Defelice, K. (2016, 21 de Abril). Create An Awesome Design Portfolio With These 20 Pro Tips ? Design School Recuperado de https://designschool.canva.com/ blog/portfolio/ Log in | Tumblr (s. f.). Recuperado de https://www.tumblr. com/dashboard Dribbble - Show and tell for designers (s. f.). Recuperado de https://dribbble.com

Build a WordPress Website (s. f.). Recuperado de http://1hourwp.org/?utm_source=google&utm_medium=genericsearch&gclid=Cj0KEQjw1K2_BRC0s6jtgJzB-aMBEiQA-WzDMREw3kVwt-rvRN8mCeg2IR6LaPbi2rheSu5YN3QvUeYaAkSO8P8HAQ

DISEÑO UNIVERSAL

Para todos y cada uno Por: Elís Baltodano y Stephy Oviedo

El diseño Universal (también conocido ¨Diseño para todos¨) es el sueño que muchos usuarios y empresas esperan acerca de un producto y que este pueda ser idealmente utilizado por todos, independientemente su capacidad, edad o cultura. Si se tratara de una utopía, no encontraríamos productos que se dirijan y satisfagan a una gran parte de su público. Por ejemplo, una sombrilla, un lapicero o incluso una cinta adhesiva son productos que satisfacen una gran parte de sus usuarios. Son productos que por lo usual no traen etiquetas que indiquen clasificación por edad, clase social o grupo cultural y se convierte en productos de consumo cotidiano ubicados comúnmente en los supermercados y lugares de fácil acceso.

El diseño universal fue formulado originalmente por Center for Universal Design de la Universidad de Carolina en el Norte en Estados Unidos. Este centro fue establecido en 1989, por Ronald L. Mace, con el apoyo del Instituto Nacional de Discapacidad y Rehabilitación (NIDDR). Y este se define como una forma de diseño tanto como de productos como entornos, con el fin de que sean accesibles al mayor número posible de personas sin importar los diferentes tipos de condiciones físicas que tengan. ¿Cuál es la correcta orientación que debemos tomar hacia un diseño universal? Mediante la observación de diferentes grupos en la sociedad (niños pequeños, adultos, jóvenes etc) nos damos cuenta que existe una gran gama de productos universales que se perpetúa a pesar del tiempo y para esto existen 7 principios de diseño que deben tomarse en cuenta :

1º Igualdad de uso:

Principios de diseño a tomar en cuenta:

5º tolerancia al error:

Se trata de un diseño fácil de utilizar para todas la personas sin importar sus capacidad y habilidades. Evitando las diferencias entre usuarios y creando las formas de uso lo más idéntico posible.

Minimizar consecuencias adversas de acciones involuntarias o accidentales. Advirtiendo sobre riesgos y peligro para minimizar acciones inconscientes.

2º

6º

Flexibilidad de uso:

Cada persona es un mundo

Exigencia de esfuerzo:

Principio: que exija poco esfuerzo físico

3º

7º

Simple e intuitivo:

4º

Información comprensible:

Diseño que comunique la información necesaria al usuario y distinga claramente la información básica.

Todo tiene sus límites, incluído el diseño universal. Al ser productos cuyo objetivo es funcionar para todos, o para la mayoría en el mejor de los casos, pueden existir personas con necesidades específicas que contradicen lo que otras personas pueden necesitar. Este diseño Universal se opone a la lógica de un objeto diseñado específicamente para una parte específica de la población. Dicho esto, no significa que esté prohibido hacer cosas estéticamente bellas sea cual sea nuestro público objetivo.

Los usuarios y su diversidad/

Ampliar el rango de preferencias y habilidades individuales ofreciendo posibilidades en la forma de uso, facilitando exactitud, precisión y ritmo del usuario.

Fácil uso , eliminando la complejidad innecesaria. Ofreciendo respuestas válidas sin importar la alfabetización o preparación del usuario.

Los Límites

Diseño eficaz y confortable que no implique fatiga.

Tamaño y espacio para uso:

Tamaño y espacios apropiados para un mejor alcance y manipulación y uso. Considerando también las variaciones de tamaño de la mano o del agarre.

Ya que el diseño para todos significa para el usuario tener garantía de que un producto o servicio fue diseñado tomando en cuenta sus características personales el diseñador debe considerar todas las variables de uso que puede tener un diseño. Puede una persona puede llegar a utilizarlo si tiene un brazo ocupado o que falte de él, puede una persona zurda, alta, baja, que no tenga suficiente fuerza, etc. Todo esto se debe tomar en consideración, más no solo en la funcionalidad sino también en el disfrute que tendrá el usuario al utilizar el producto, de sentir que puede disfrutar de su entorno sin ningún tipo de discriminación por causa de sus características individuales. Sin embargo, para lograr esto los usuarios deben de tomar una actitud inconformista cuando se ofrecen productos que no se ajustan correctamente a sus necesidades o que pueden llegar a mejorar todavía más.

Al hablar de diseño universal estamos contemplando todas diferentes necesidades y su forma de adecuarlas al entorno, por esto comentaremos un poco sobre cada una de estas diferentes capacidades:

El envejecimiento:

La audición:

El olfato:

El envejecimiento se conoce como el estado en donde los órganos del cuerpo ya están completamente desarrollados y empiezan a deteriorarse con el paso de los años. En nuestra sociedad cada vez se toma menos en cuenta esta parte de la población y no se valora la experiencia y habilidades para la resolución de problemas que tiene este colectivo.

Gracias al oído podemos interpretar las ondas sonoras y ayudar a interpretar nuestro entorno. Además el oído interno nos ayuda con el equilibrio del cuerpo. Estas son algunas de sus alteraciones: sordera, incapacidad para oír sonidos a un volumen o frecuencia habitual, zumbidos, dificultad en la discriminación y comprensión del habla o inclusive vértigo.

El olfato es uno de los sentidos más conectados con nuestros mecanismos emocionales, es por esto que últimamente se ha ido explotando a nivel de marketing.

La visión:

El tacto:

El gusto:

El ojo humano es el encargado de captar la luz y permitirnos interpretar el entorno en donde nos encontramos, a través de los años o tal vez desde el nacimiento se van desarrollando algunas alteraciones, algunas irreversibles, que hacen que el ojo no funcione como debería tales como: ceguera, visión túnel, pérdida de la visión periférica o central, dificultad para ver objetos cercanos o distantes, daltonismo, visión en blanco y negro, astigmatismo, entre otros. Algunas de estas alteran la percepción de la persona con respecto al espacio dificultando su relación con el entorno.

Nuestra piel al tener una enorme cantidad de terminaciones nerviosas es capaz de percibir estímulos como presión, rozamiento o temperatura. Esto, junto con el órgano del equilibrio, nos ayudan a saber sobre nuestra posición relativa en el espacio.

Por medio de las papilas gustativas ubicadas en la lengua y el paladar las personas, mediante la detección y combinación de 4 sabores básicos, somos capaces de disfrutar de una amplia gama de sabores distintos.

Incapacidad para percibir estímulos táctiles: esta incapacidad se produce por un daño en el sistema nervioso, lo que genera una insensibilización en las zonas que han quedado desconectadas del cerebro.

Capacidad reducida para percibir olores: Se produce la incapacidad de detectar los olores, la disminución de la sensibilidad, o la percepción errónea de otros. Estos trastornos pueden producir trastornos en el gusto.

Capacidad reducida para percibir sabores: debido a accidentes o enfermedades la persona se puede volver incapaz de detectar los sabores de las cosas o provocarles un cambio en su percepción.

La manipulación:

La motricidad y coordinación corporal:

La cognición:

La actividad manual forma parte de la actividad del aparato locomotor, sin embargo, muchas enfermedades, accidentes o el envejecimiento hacen que esto se convierta en un problema, ya que afecta la coordinación y conexión de la mano con el cerebro. Como por ejemplo:

La mayoría son consecuencia de accidentes o enfermedades que generan dificultades o incapacidades para controlar el cuerpo libremente, puede ser por alguna reducción de la fuerza, resistencia o flexibilidad de algunas partes o la incapacidad de coordinar o conectar con el cerebro, al igual que vimos anteriormente. Algunos ejemplos de esto son parálisis cerebrales, lesiones medulares, epilepsia o la extracción de algún miembro del cuerpo que en muchos casos hacen necesario el uso de bastones, sillas de ruedas o algún otro sistema de apoyo.

Lacognicióneselprocesode representación mental por el cual el ser humano percibe e interpreta el entorno en el que se encuentra. Los problemas cognitivos se encuentran más en personas de la tercera edad, personas con deficiencia psíquica o con algún trastorno cerebrovascular. Algunas alteraciones que provocan son: pérdida de memoria, dificultad de orientación, incapacidad o dificultad para hablar, dificultad para comprender o recordar procesos complejos, entre otros.

Dificultad para el agarre en pinza: es la dificultad de oponer el dedo pulgar al índice, dificultando la precisión de la persona. Dificultad para el agarre: la dificultad de tomar objetos, debido a varias razones como por ejemplo enfermedad, vejez o parálisis. Dificultad en el control de pequeños movimientos: pueden ser generados por temblores rítmicos de poca magnitud que afectan los extremos del cuerpo y dificultan movimientos precisos y pequeños.

Bibliografía Aragall, F. (s.f) Diseño para todos: un conjunto de instrumentos. Recuperado Setiembre 26, 2016 de http://www.fundaciononce.es/sites default/files/docs/DISEOPARATODOSUnconjuntodeinstrumentos_2.pdf Fadiño J. (2011). Diseño Universal en 7 principios. Recuperado Setiembre 26, 2016, de http://fabrica-di.blogspot.com/2011/12/diseno universal-en-7-principios.html GUIA PARA EL DISEÑO UNIVERSAL DEL ARPENDIZAJE (DUA). (s.f). Recuperado Setiembre 26, 2016, de http://web.uam.es/personal_pdi stmaria/sarrio/DOCENCIA/ASIGNATURA BASES/LECTURAS ACCESIBLES Y GUIONES DE TRABAJO/Diseno Universal de Aprendizaje.pdf Hernández-Galán, J.; de la Fuente Robles, Y.; Campo Blanco, M.(2014).“La accesibilidad universal y el diseño para todas las personas factor clave para la inclusión social desde el design thinking curricular”. Educació Social. Revista d’ntervenció Socioeducativa, 58, p. 119-134 Pastor, C. A. (s.f.) Diseño Universal para el Aprendizaje (DUA). Recuperado Setiembre 26, 2016, de http://www.educadua.es/doc/dua/dua pautas_intro_cv.pdf

T ENDENCIAS EN BLO GS :

CO M I DA Y FOO D STYLI N G Por: Fiorella Bermúdez

El acelerado acceso a Internet en todas partes del mundo, es una herramienta que busca reinventarse todos los días debido a su propia característica de generar respuestas de manera instantánea. Esto ha abierto una gran cantidad de posibilidades para sus usuarios. Dentro de lo anterior se habilitan diferentes espacios como los blogs. El primer blog se creó en 1999, a partir de ahí se ha expandido de una manera exponencial. Esta revolución le abrió las puertas a cualquier persona para ser un potencial periodista, ya sea este el jefe de una gran empresa así como un desempleado en su casa. Inicialmente se utilizaron en el ámbito de la política, de los cuales los candidatos obtuvieron grandes beneficios. Hoy en día existen gran cantidad usuarios de de blogs, existen los que encuentran respuestas a sus preguntas así como los que profundizan sobre temas en específico, ya sea de alimentación, moda, fotografía, estilos de vida, viajes, dietas, ejercicio, entre otros.

Cuando una persona decide arriesgarse a escribir un blog, siempre es necesario tener en cuenta que el blogger creará su propio personaje y a partir de este punto se definirá su modo de tratar la información. Erik Ringman en A Blogger´s Manifesto, nos cuenta la historia detrás de su primer post en el que utilizó un tratamiento divertido de la información y hasta infantil. De esta forma, el definió su estilo, pero por otro lado, muchos otros bloggers utilizan lo divertido e infantil, razón por la cual es necesario recalcar el hecho de la creación de personajes. Un blogger debe de resaltar y buscar ser diferente de lo demás que se ofrece, lo que les permite crear su propio mundo. Sin embargo, este personaje algunas veces estará ligado a la realidad, otras se verá influenciado por la ficción y otras veces será totalmente fantasioso. Al final, es una forma de expresión del usuario, que busca llamar la atención de sus seguidores. También están los usuarios que utilizan esta herramienta solo para expresarse sin tener como objetivo generar seguidores, sin embargo la gran mayoría se utiliza de manera comercial.

Entonces se define que uno de los criterios más importantes para un blogger es generar interés en sus usuarios. Lo anterior propone también que entonces el blogger deberá mantenerse actualizado en temas de tendencia para su público objetivo. Mantener un blog requiere de gran constancia y actualización, ya que en internet todo se mueve velozmente. Una de las tendencias más recientes ha sido la preocupación de las personas por su comida. Los consumidores tienen más preocupación por el cuidado de su salud y buscan consumir de manera más orgánica, natural y local. Según un estudio realizado por Technomic, las razones por las cuales se busca consumir comida más saludable son:

• • • •

Sentirse mejor físicamente Mejorar la calidad de vida Tener una dieta balanceada Tener una dieta nutritiva

Otro estudio de Global Food Forums, nos menciona las tendencias en estas comidas saludables que van desde un mayor consumo de sopas, de probióticos, menos consumo de productos con azúcar, hasta buscar una forma de manejar las sobras de comidas. Para lograr lo anterior, es necesario tener criterios no solo de recetas que cumplan con estos parámetros sino que se busca también una guía para consumir saludablemente fuera de casa. Muchos son los bloggers que han optado por estos temas ya que cada vez hay más seguidores de esta tendencia, sin embargo, presentar este tipo de información, no es nada fácil. Como se ha mencionado en varias ocasiones, una de los grandes demandas en un blog es que este sea atractivo. Para lograr lo anterior en temas de interés por el consumo de alimentos, se utiliza muchas veces el llamado: Food Styling. Este es un arte que consiste en preparar no solo el plato para que sea digno de una

buena fotografía, sino que también se controla todo el escenario. Una persona encargada del food styling debe de encargarse de arreglar todos los detalles esenciales, ya sea maquillar la comida, buscar los ángulos en los que estos se vean más atractivos, crear un ambiente, mantener la composición de la misma debido a que pueden requerirse varias tomas, entre otras cosas. Es importante igualmente recalcar que el food styling no solo se da en un estudio con un gran personal y equipo, una persona que no cuenta con esos apoyos para su blog, también puede lograrlo por medio hasta de su cámara celular.

En Costa Rica, existen varios blogs que exploran este tipo de tendencias aplicando el food styling. En cuanto a temas de recetas saludables, podemos encontrar el Blog: Healthy Happiness, el cual recientemente debido a su crecimiento, pasó de ser un blog a una revista digital. Natalia Salazar es la encargada como directora editorial del sitio, que cuenta de igual manera con un grupo de profesionales que aportan a la revista. En esta nueva versión de la revista se pueden encontrar temas de estilo de vida así como de recetas que se enfocan en comida saludable. Mucho de sus enfoques se encuentra en: bienestar, nutrición, novedades, deporte, así como también se implementó la sección de lugares, que nos muestran consejos de cómo comer saludablemente en diferentes restaurantes urbanos. Esta es una muestra de las posibilidades y gran alcance que tienen los blogs de comida en nuestra cultura que ha logrado que un pequeño proyecto, se haya desarrollado de gran manera en muy poco tiempo.

Bibliografía Custer, D., (2010), “Food Styling: The Art of Preparing Food for the Camera”, Editorial: John Wiley & Sons. Ringmar, E., (2007), “A Blogger’s Manifesto: Free Speech and Censorship in a Digital World”, Editorial: Anthem Press. Hewitt, H., (2006), “Blog: Understanding the Information Reformation That’s Changing You World”, Editorial: Tho as Nelson Inc. The Healthy Eating Consumer Trend Report | Technomic Inc. (s. f.). Recuperado de https://www technomic.com/ eports_and_Newsletters Consumer_Trend_Reports/dyn_PubLoad.php?pID=75 2016 emerging food trends | Global Food Forums ® (2016). Recuperado de http://www globalfoodforums.com food-news-bites/2016-fo

Por último, otro blog que se ha desarrollado de gran manera por su metodología en redes sociales es el de: Comiéndonos Chepe. Este se creó por medio de dos amigas que exploraron el arte y el gusto por la buena comida. Según se define no son más que unas aficionadas que brindan respuestas a sus seguidores. Su dinámica consiste en mostrar imágenes de los platos que prueban en diferentes restaurantes y califican su experiencia del 1 al 5 en temas de servicio, lugar, calidad de la comida y precio. Esta dinámica es de gran interés ya que a las personas les interesa conocer referencias cada vez más específicas de las experiencias de cotidianas.

Una herramienta poderosa para la estimulación:

El Diseño

Por: Alexa Cruz y Diego Lee

La RAE define diseño como, Cabe mencionar e incluso se puede “Concepción original de un objeto u decir que, estos términos se han obra destinados a la producción en convertido en una moda actual, lo serie.”, sin embargo, el diseño abarca cual permite que el diseñador se mucho más que una producción, convierta en un agente de cambio colores, líneas o dibujos, como “inmediato”. muchos creen. El diseño es una herramienta que se puede utilizar, La estimulación temprana infantil como alternativa a diferentes es un conjunto de acciones, que soluciones de problemas, ya sean posteriormente, favorecen al niño en sociales o incluso personales. Uno de sus primeras etapas de crecimiento los términos más escuchados en los (0-6 años). Y ¿dónde entra el papel últimos años, que más adelante se del diseño en esto?, el diseño como van a desarrollar, es la “estimulación antes se mencionó es un área que temprana” y a raíz de eso se han trabaja, en conjunto con otras , es venido dando diferentes productos y decir que es interdisciplinaria. En este proyectos, tanto para niños, jóvenes o caso se pueden encontrar, distintas adultos mayores; algunos de ellos son, áreas del diseño, por no decir todas. diseños multisensoriales, arte terapia, talleres alternativos, entre otras que pronto se explicarán.

DISEÑO DE MODAS: Anita Hechtlinger es una diseñadora de indumentaria, emprendedora, artista y docente. Entre los muchos proyectos de Hechtlinger, desarrolló “Pequeñas Manos”. Este es un taller donde los niños (de 6 a 12 años) podrán estimular su creatividad y sus propios realizar sus propios proyectos de moda dentro de un ambiente sano y supervisado por ella misma. Una de las frases que destacó en una entrevista dice así; “Me hace muy bien vincularse con las nenas, lo que hago con ellas no es diferente de lo que haría con una hija y acá se multiplica por mil.” No solo trabajó en talleres sino también fue al Hospital Gutiérrez, sin embargo, las tijeras y agujas eran prohibidas. Hechtlinger decidió hacer un taller de origami con los niños. Otro proyecto importante fue “Amigo Pata.” En este proyecto se hacían dos muñecos, uno para los participantes y otro para los niños del hospital. Estos proyectos empezaron con una base en el diseño de modas y se transformó en un lugar de estimulación para niños, donde no solo se desarrolla la creatividad, sino, también los valores de los niños. Como diseñadores, cada uno tiene el poder para hacer la diferencia y poder marcar de una u otra forma acciones positivas que favorezcan a los demás.

DISEÑO DE PRODUCTO: Principalmente se desarrollan diferentes tipos de juegos, que estimulan la psicomotricidad de los niños, en estos diseños siempre están presentes elementos como, el color, formas, texturas, entre otros. DISEÑO ARQUITECTÓNICO O DISEÑO ESPACIO INTERNO: Un ejemplo de la importancia de esta área es el diseño multisensorial que se desarrolla a partir de la arquitectura y el diseño deespacio interno; de esta forma se crean espacios de estimulación multisensorial con el objetivo de mejorar las condiciones de vida de las personas con discapacidad, trabajar las sensaciones, la percepción y lo sensorial. En el caso de los niños, ellos pueden tener un espacio donde tiene libertad de desarrollarse creando varias experiencias con todos sus sentidos.

Significado del color en los niños Los colores son estímulos visuales que pueden inferir según el estado de ánimo, en casos donde el niño está deprimido, se recomienda que su habitación esté rodeada de artículos o paredes de color rojo, ya que ayuda a la estimulación de la alegría, mientras que el color amarillo en tonos pasteles ayuda a estimular la concentración y el desarrollo intelectual.

Arteterapia

COMO HERRAMIENTA DE DESARROLLO Según la Asociación Profesional Española de Arteterapeutas, la arteterapia se puede definir “como una herramienta para facilitar la expresión y resolución de emociones y conflictos emocionales”. Por otro lado, Noemí Martínez (Doctora en Bellas Artes y Directora del Máster en Arteterapia de la Universidad Complutense de Madrid) prefiere definir este término según sus mismo pacientes lo describen. Ella dice recordar perfectamente como un niño lo definió: “tomar cosas buenas como sopa”. La arteterapia está ligada a los principios básicos del diseño con los cuales los niños pueden comunicarse de una forma más libre. La arteterapia no está sólo ligada a pintar o dibujar sino también otras ramas del diseño como collage, fotografía, escultura, entre otras.

La arteterapia es un proceso importante en la formación de los niños, ya que como Naomi Martinez menciona, es fundamental tener un abordaje interdisciplinar para tratar con trastornos de conducta, hiperactividad, déficit de atención, violencia entre otros síntomas que acechan a los niños. Mediante esta, los niños pueden materializar su mundo interno por medio de recursos de diseño como lo son los símbolos, el color y las jerarquías. El objetivo es favorecer el autoconocimiento para que cada niño pueda descubrir cómo son y cuales son sus valores. Lo más importante de todo es profundizar en sentimientos y emociones, ya sean positivos o negativos para poder facilitar la comunicación a través de un desarrollo creativo.

Por estas razones, Noemí Martínez refuerza que la arteterapia debe ser parte del proceso educativo en niños, ya que, mediante la creatividad y un ambiente agradable se puede volver, el aprendizaje, un labor de disfrute donde se emplean más los sentidos y la expresión sea más fluida, en vez de una educación donde se sienta que es una obligación.

No se puede negar la importancia de la psicología del color, la cual se basa en la percepción según el estado de ánimo que tiene el ser humano ante ello. Se debería de tomar en cuenta en la publicidad y en diseños arquitectónicos tanto como en los centros escolares y en la decoración del cuarto de los niños. Algunos ejemplos de la simbología del color

ROJO: El color rojo transmite energía, también atrae mucho la atención visual, se recomienda que se utilice en elementos como, ambientes, juguetes o indumentaria. NARANJA: transmite alegría, las tonalidades suaves expresan calidez, estimulan el apetito y la comunicación, es recomendado implementarlo en salas de juegos o relajación. AZUL: es un tono que estimula la relajación. AMARILLO: estimula actividades mentales, se puede utilizar en libros, cuartos de estudio o cualquier elemento que tenga como finalidad, aprender o estimular esa área. VIOLETA: simboliza meditación, inspiración, estimula la creatividad, habilidades artísticas y sistema nervioso. VERDE: transmite armonía y la calma.

Bibliografía Amazon.com. N.p., 2016. Web. 26 Sept. 2016. “¿Qué Es Arteterapia? | Ate”. Arteterapia.org.es. N.p., 2013. Web. 29 Sept. 2016. Bandera, María Paula. “Diseño De Indumentaria Para Niñas - Revista Ohlalá!”. Revistaohlala.com. N.p., 2016. Web. 26 Sept. 2016. Cabello Cordero, Andrea. “El Diseño De Mobiliario Educativo Como Herramienta Para La Estimulación Infantil”. Universidad de Chile (2009): n. pag. Web. 26 Sept. 2016. “El Arteterapia En La Infancia | Centro De Servicios Infantiles Y De Familia”. Cisf.es. N.p., 2016. Web. 26 Sept. 2016. “Estimulación Multisensorial”. Es.wikipedia.org. N.p., 2016. Web. 26 Sept. 2016. “HMES. Herramienta Multimedia De Estimulación Sensorial.”. Diversidad.murciaeduca.es. N.p., 2016. Web. 26 Sept. 2016. Molina Velásquez, Tatiana and Lina Fernanda Banguero Millán. “DISEÑO DE UN ESPACIO SENSORIAL PARA LA ESTIMULACIÓN TEMPRANA DE NIÑOS CON MULTIDÉFICIT”.Revista Ingeniería Biomédica 2.3 (2008): 40-47. Web. 26 Sept. 2016. “Mundo Didáctico”. Mundodidacticoet.com. N.p., 2016. Web. 26 Sept. 2016. Quezada Gutierrez, Marcelo. Tesis.uchile.cl. N.p., 2016. Web. 26 Sept. 2016. Robisco, Vicente. “Arteterapia Y Creatividad - Noemí Martínez”. Neuronilla.com. N.p., 2016. Web. 26 Sept. 2016. “Un Proyecto Para La Estimulación Sensoriomotriz De Niños”. Studylib.es. N.p., 2016. Web. 26 Sept. 2016.

El diseño, como se pudo ver a la largo de los puntos anteriores, es una herramienta poderosa que aporta al desarrollo de terapias o en la estimulación en niños, jóvenes, adultos e incluso animales. Cada diseñador tiene la capacidad de utilizar sus habilidades, no solo para aportar a la estimulación y crecimiento de los niños, sino, que también puede fomentar valores y ser un ejemplo a seguir. Cada rama del diseño tiene un potencial infinito para ayudar a diversas personas, ya sea desde sus principios y fundamentos en áreas más grandes como el diseño de modas y la arquitectura.

Diseño: Eugenia Garro Ruiz

SEÑALÉTICA

en Tiquicia Por: Sabrina Stern

El diseño publicitario artesanal además de ser tan ingenioso y creativo, convirtiéndolo en obras de arte culturales, son elementos que están en peligro debido al capitalismo y la “modernización”.

Costa Rica es un país libre, conocido mundialmente por ser rico en cultura, turismo y bellezas naturales en todos sus rincones; desde los bailes, las comidas, las carretas, las bombas, y un sin número de elementos representan la autenticidad de nuestra tiquicia. Sin embargo, la gráfica popular es uno de los más destacados entre todos, debido a que al haber tantos métodos tecnológicos para crear rótulos o publicidad, aún así los que son artesanales logran destacarse entre todos y ser recordados. La gráfica popular tica presenta mucha ingeniosidad en sus diseños, desde paisajes detallados hasta caricaturas sencillas, por esto mismo logran captar la atención del público con mucha facilidad. Este tipo de arte se suele observar mucho en murales y en la comercialización de bienes o servicios, estos usualmente presentan dibujos coloridos y tipografías hechas a mano. Se pueden encontrar principalmente en: • • • • • •

SODAS O RESTAURANTES CARNICERÍAS O PESCADERÍAS VERDULERÍAS TIENDAS DE ZAPATOS Y ROPA TALLERES MECÁNICOS NEGOCIOS DE TURISMO

La gran mayoría de estos abastecimientos se ubican en pueblos rurales, donde incluso algunos son casas que brindan los mismos servicios. El humor es un recurso muy utilizado en la señalética costarricense, al usar el habla popular por medio de dichos, sentencias, proverbios y otros resultados de la creatividad en nuestras frases cotidianas; los cuales son un método exitoso de crear un diálogo con el público y así mismo generar una experiencia que recordarán. Aunque parezcan rotulaciones sencillas, llevan consigo su nivel de dificultad en la realización y la manera de comunicar lo que se desea con éxito. El diseño publicitario artesanal además de ser tan ingenioso y creativo, convirtiéndolo en obras de arte culturales, son elementos que están en peligro debido al capitalismo y la “modernización”. Poco a poco se han ido perdiendo, principalmente en las zonas urbanas ya no se logran observar este tipo de rotulaciones, los negocios optar por señaléticas impresas o tecnológicas. Incluso en lugares de patrimonio cultural no se observan rótulos manuales, por lo que es una lástima debido a que se va perdiendo la verdadera esencia de Costa Rica.

La gráfica popular se suele percibir como un recurso que únicamente es utilitario, por ello al quitarlo muy pocas personas se dan cuenta, Norberto Chávez lo cita claramente: “La gráfica, para el común de la gente, forma parte del mundo de los objetos consumibles: son signos utilitarios que perecen con sus usos sin pena ni gloria. Y, dentro de ese universo, la gráfica urbana no constituye una excepción: el rótulo de una vieja carnicería va a parar al contenedor con los escombros de la demolición y pocos tendrán, con ello, alguna sensación de pérdida.” (Chávez, Norberto, 2001.p.1). Debido a la misma invisibilidad que tienen muchas personas hacia estas piezas, es importante verlas con otros ojos, apreciarlas como patrimonio y así mismo aprender sobre nuestro historia. La población está acostumbrada a ver como patrimonio la música, piezas literarias, arte plásticas y la arquitectura, pero no la gráfica, ya que en el pasado no era un oficio muy relevante en el país. Sin embargo, la profesión del diseño gráfico y la publicidad ha ido subiendo de “puesto” los últimos años, con ello se ha logrado apreciar más las piezas de la rotulación tica, y así valorarlas como nuestra historia visual enfocadas en la necesidad de comunicar y comercializar.

Los artistas de estas piezas se apropian de elementos de nuestro país y los transforman en un mensaje artístico desde su propia visión original, ya que no hay ninguno igual que otro. Las principales características de la señalética en nuestra tiquicia son: • Suelen ser trabajados por comisión, con la utilización de recursos como la improvisación, el humor, la espontaneidad, el color, la frescura y el ingenio de cada uno de sus creadores. • Usualmente rompen con las reglas del diseño, se interesan más que nada en reproducir las cosas como son sin preocuparse por la proporción, perspectiva o la anatomía de los cuerpos, ya que les importa más el mensaje que quieren enviar. • Utilizan con libertad íconos y marcas comerciales, casi siempre con una estética muy básica.

• Los materiales que utilizan son muy básicos, entre ellos están; las pinturas de aceite o esmaltes (ya que son las que persisten más a los cambios del clima), brochas de todos tamaños dependiendo del nivel de detalle que lleve la obra, madera (normalmente utilizan tablas encontradas en el pueblo o sino las cortan) y la pared (la mayoría de dibujos están pintados en paredes de las calles o los negocios). •

Son obras con mucha simplicidad, ya que desean representar el mundo de la manera más directa.

• El texto acostumbra acompañar a la imagen, sin embargo, en la mayoría de los casos está únicamente la imagen o el texto aparte. En las zonas urbanas es donde hay más piezas con dibujos, y en las rurales se acostumbra ver pequeños rótulos con texto señalando lo que se brinda o el lugar del pueblo.

• Tienen paletas de color muy reducidas, ya que los artistas rotuladores compran pinturas de los colores primarios, y si necesitan más colores, ellos mismos los mezclan. Cada pequeño detalle crea la esencia de nuestro país, incluyendo la señalética que se piensa que “no es arte”, la cual es incorrecto ya que nos representa de manera abierta lo auténtico que es ser tico y de donde venimos. Las obras también enseñan la evolución que ha tenido la publicidad a través de los años, y lo fuerte que ha sido este tipo de rotulación ya que a pesar de la explotación comercial siempre se ha mantenido presente demostrando nuestra cultura. Es importante ver con detalle las piezas y apreciar la técnica, los materiales y el tiempo que tardaban en hacerlas en relación a la publicidad que se hace actualmente.

BIBLIOGRAFÍA

Sussy Vargas y Carolina Goodfellow. (2014). Grafitica. San José, Costa Rica: Roger Union Printing. Norberto Chaves. (2001). La imagen corporativa. Barcelona: Gustavo Gili.

#DiaSinCarroCR

El día en el que el peatón VIVE la ciudad 22 de setiembre

Como parte de una iniciativa para cuidar el planeta e incentivar a todos los conductores de automóvil a ser parte del cambio, se celebró el pasado 22 DE SEPTIEMBRE el día mundial sin carro en nuestro país.

Por: Francine Gómez

En costa rica la cantidad de vehículos se duplicó en los últimos 15 años, siendo este medio de transporte la principal fuente de contaminación en el país, lo que conlleva a un aumento de emisiones de GEI(Gases de efecto Invernadero) y a un aumento en la producción de NOx y CO2; sin embargo, más allá de ser una causa enfocada en pro del medio ambiente, es una causa ligada a la reducción de congestionamientos viales en nuestras carreteras, hacerle ver a la gente los efectos nocivos sobre la salud de las personas, y promover en nuestros conductores el uso del transporte público o un transporte alternativo y dinámico como pueden ser las bicicletas, el scooter, patinetas, patines o hasta ir caminando a los diferentes lugares a donde se deseen movilizar.

El evento contó con fuerte publicidad en redes sociales en las que hashtags como “#DíaSinCarroCR” invitaron a las personas a compartir sus vivencias durante el día, además los noticieros, emisoras de radio en las que se daban a conocer diferentes detalles del evento, de los diferentes medios de transporte que iban a estar disponibles y de las facilidades que iban a tener las personas al usar un medio alternativo como las bicicletas. En algunos de los centros educativos y universitarios, por ejemplo, en la UCR que ha sido pionera en este tipo de actividades en el país, se instalaron una serie de toldos con unos parqueos para las “bicis” instando a profesores y alumnos a asistir a clases en este medio de transporte.

Posterior a la realización del evento, se rescatan con diferentes análisis estadísticos por medio de la aplicación para celulares “WAZE”, que el congestionamiento vial se redujo en un 13%(1503 notificaciones) comparado a los otros jueves que normalmente se reciben un total de 1735 alertas, por lo que definitivamente fueron muchos los que se sumaron a ser parte del cambio.

Además, se encuentran registros que indican que en un carril por hora se pueden transportar hasta 16 mil personas en autobús, cuando en automóvil solamente 2400, por lo tanto, esto quiere decir que el bus en cuanto a medio de transporte, es un 6.7% más eficiente que el automóvil. De igual manera, la apreciación de la ciudad desde un transporte público, en donde las personas no van conduciendo es muchísimo más enriquecedora e incentiva a los ciudadanos a ver el entorno desde otra perspectiva más integradora y no tanto de carácter excluyente en la ciudad; se viven las realidades de lo que pasa en nuestras carreteras de manera más directa y la gente pasa a ser “parte de”, en vez de ser “ajena a”. Se crea una conexión directa que se podría llamar: “CIUDAD-PEATÓN” La organización invitó a figuras públicas para que se sumaran a la causa y entre las que aceptaron estuvieron Carlos Villalta, ministro de Obras Públicas y Transportes; Roberto Thompson, alcalde de Alajuela; y Jean-Baptiste, embajador de Francia.

“Podríamos decir que las presas se disminuyeron en un 10% y estamos muy contentos con los resultados, porque el impacto que queríamos generar no era numérico, sino algo intangible que se vio en los medios de comunicación y el seguimiento que se le dio al tema por parte de todo el mundo”

-Teo Mezger, promotor de la iniciativa en el país-

Por otra parte, la experiencia que gen- Es una experiencia en la que el pasar era ser parte de una actividad como al costado de un parque a 40km por esta es diferente a muchas otras, se hora sobre 4 llantas en un día norcontribuye a la mejora de varias sit- mal, no es lo mismo que atravesarlo uaciones negativas que provoca el caminando o en bicicleta y tener una transportarse en auto y se genera un vivencia diferente y más enriquececambio en la mentalidad de las perso- dora. Apreciar el entorno, los murales, nas. Lo que normalmente se aprecia las personas, la misma arquitectura en la ciudad desde un vehículo, no es que está en cada uno de los rincones lo mismo que se puede apreciar sien- de nuestro país, el arte, ver la ciudad do parte directamente de la misma, como un todo en la que nos inteya sea caminando o en un medio de gramos nosotros mismos, en la que transporte como lo puede ser la bici- pasamos a ser parte de ella de una cleta o la patineta, es vivir algo que manera más directa y no como un diariamente no sucede ya que está “flash”, no como algo pasajero. limitado por el estrés que se pasa al ser parte de los congestionamientos que se viven todos los días en nuestras carreteras.

Una experiencia que invita a dejar por un día de lado las limitaciones que hay en un automóvil y que ojalá pase de ser un día a ser varios al año, en el que no solamente una restricción de placa haga que dejemos nuestro carro en la casa, sino que por iniciativa propia queramos desligarnos más días del auto y así ser parte del cambio, que los porcentajes estadísticos suban, que no sea una disminución de un 10% en las presas, sino del 50%. Que las alertas en las aplicaciones no se reduzcan en un 13%, sino que vaya en aumento.

#DíaSinCarroCR

Que se vengan más . Por una Costa Rica más verde y por vías menos congestionadas. TODOS PODEMOS SER PARTE DEL CAMBIO.

Bibliografía http://www.nacion.com/nacional/transportes/Dia-mundial-humo-colaborar-iniciativa_0_1586441447.html http://www.nacion.com/nacional/transportes/Costa-Rica-Dia-Mundial-Carro_0_1586241392.html http://www.crhoy.com/nacionales/reportes-de-presas-bajaron-un13-en-dia-mundial-sin-carro/# https://www.ucr.ac.cr/noticias/2016/09/22/dia-mundial-sin-carro-refleja-reto-social.html Vigésimo primer Informe Estado de la Nación en Desarrollo Humano Sostenible 2014

Diseño: Eugenia Garro Ruiz 39

FOTOGRAFÍA MACRO ‘’Macro’’ significa grande. La Macrofotografía por tanto es una rama de la fotografía en la que el sujeto u objeto fotografiado resulta ‘‘grande’’ en la foto. Esta enfocada en capturar sujetos cuyo tamaño de captación es igual o inferior al del sensor (como insectos y detalles de plantas que pasan desapercibidos a simple vista). La fotografía macro puede ser capturada en interiores o exteriores, sólo es necesario un pequeño prado para pasar horas esperando la luz de la puesta. Su principal función es capturar la belleza de las cosas ‘‘pequeñas’’ ante el ojo humano. Además es muy útil en la investigación biológica ya que documenta muchos estudios relacionados con la flora y fauna. Y por otro lado gracias a la Macrofotografía es posible disfrutar de algunos objetos valiosos cuyo tamaño es reducido y no se puede apreciar en tamaño real.

EQUIPO Si se habla de que se quiere fotografiar una mariposa, se puede observar que al llegar a la distancia mínima de enfoque el tamaño de la mariposa es bastante pequeño en la fotografía ocupando una mínima porción del encuadre e impidiendo observar sus detalles. En caso de utilizar una cámara compacta, se configura a modo macro, que es representado por una flor, éste ayudará a tener un mejor acercamiento a distancias cortas. El problema de utilizar el modo macro es que a esa distancia es casi imposible que llegue la luz natural al sujeto y debido a que es un poco huidizo es posible espantar la mariposa antes de accionar el disparados.

LENTES DE APROXIMACIÓN: El lente de aproximación consigue converger los rayos de luz y así facilita el acercamiento. Esta capacidad de acercamiento se mide en dioptrías y existen lentes de entre 1 y 10 dioptrías. Estos lentes a pesar de ser baratos reducen la calidad de la toma y pueden producir aberraciones. Para evitar se puede adquirir un lente acromática formado por dos lentes que se corrigen entre ellas. ANILLO DE INVERSIÓN: El anillo de inversión tiene como objetivo que algo gigante como un paisaje se comprima al tamaño del sensor, o algo mucho más pequeño se agrande. Este aparato es muy útil para lograr una fotografía macro sin embargo el gran problema es que el cuerpo deja de estar en contacto con la CPU del lente que la llevan incorporada, lo que puede generar la pérdida de algunas funciones en la cámara, incluyendo el propio disparo.

ANILLOS O TUBOS DE EXTENSIÓN: Proporcionan más acercamiento al sujeto debido a que el lente del cuerpo de la cámara por medio de unos anillos interpuestos. Limitan la luz que llega al sensor pero las imágenes tomadas con ellos tienen mayor definición que las que se consiguen con lentes de aproximación. FUELLES DE EXTENSIÓN: Tiene un mecanismo similar a los anillos de extensión ya que separa el lente del cuerpo de la cámara, pero de forma progresiva. Es caro, delicado y pesado por ello es recomendable únicamente a personas con experiencia en macro que quieran llegar a ampliaciones de 5 a 10 aumentos. OBJETIVO MACRO: Es la mejor opción para fotografiar a distancias muy reducidas. Con este se puede fotografiar sin accesorios a una escala de 1:1 hasta 5:1. Existen objetivos de 50-60 mm ideales para flores, por otro lado para animales poco colaboradores es recomendable por lo menos 105 mm. Lo recomendable siempre es algo más largo entre 150-200 mm ya que captan menor proporción del fondo. Es importante señalar que existen objetivos de hasta 500 mm.

TÉCNICA ENFOQUE: El secreto para un correcto enfoque y nitidez está en variar la distancia entre el sujeto y la cámara. Se hace más sencillo moviendo la cámara hacia adelante y hacia atrás, sin el autofocus. Los carriles de enfoque también ayudan a mover la cámara. ILUMINACIÓN: La luz natural no siempre es la más indicada para las fotografías macro. Son pocas las ocasiones en donde haya un cielo parcialmente nublado que produzca iluminación suave. Así que cuando esto no sea posible y la luz natural sea insuficiente o su dirección y calidad no son las más adecuadas es necesario el uso de fuentes artificiales de luz como el flash eléctrico, que es la más idónea para el trabajo en el campo. Para modificar la luz se pueden recurrir a diferentes reflectores, existen reflectores plegables, de poco peso y volumen, y en colores como blanco, plata y oro. Estos nos permiten aclarar las sombras que aparecen en el lado contrario del foco de luz y disminuir el contraste y sombras. Por otro lado también están los difusores, estos hacen que los rayos paralelos rompan su dirección y de esta manera al modelo le llegue una luz suave y tamizada de todas partes.

Dos flashes mejor que uno Cuando se trabaja con animales o naturaleza es recomendable que los flashes que sean usados sean controlados por la cámara (TTL) para una mejor concentración en la toma ya que ellos se mantienen en constante movimiento. En cambio si se trabaja en un entorno controlado se recomiendo el uso manual de los flashes, ya que así se puede controlar la exposición y cambian la composición sin cambiar la luz. Flash de anillo Existen flashes denominados anillos o anulares que se colocan en la parte frontal del lente y producen una iluminación homogénea y sin sombras. Se utiliza para flores, mariposas pero en superficies muy brillantes como caparazones de insectos o agua. Los anulares funcionan bien como lentes de poca distancia focal, ya que si tiene mucha distancia focal la luz se vuelve más dura. La nitidez y profundidad El punto de enfoque será más nítido entre más cerrado sea el diafragma seleccionado (números f más grandes) y viceversa. Es importante tener presente que el tamaño de la imagen también influye ya que a mayor número de pixeles más influirá en la difracción. Si la zona nítida es insuficiente lo que se puede hacer es situar al sujeto o modelo lo más paralelo al plano de la película o reducir la escala de la imagen y ampliar selectivamente la zona que se quiere más nítida.

CONSEJOS La estética de la composición: En una fotografía macro no sólo importa la parte nítida si no también el fondo es necesario tenerlo en cuenta. Es importante generar un buen contraste entre sujeto y fondo, y esto puede ser tan sencillo como cambiar el punto de vista. El uso de una cartulina también puede ser de gran ayuda. Elegir el motivo: Es necesario buscar un motivo si es que éste no nos asalta y cuando se encuentran es bueno siempre mejorarlos un poco interviniéndolos preferiblemente sin tocarlos en caso de que sean animales. Si se dispone de varios objetos como una mata de flores, no hay que quedarse con la primera opción que se encuentre es bueno ir buscando siempre la más apta con la luz más adecuada y/o la que más convenga. Cuando ya se tiene el motivo elegido es indispensable buscar el mejor encuadre, en caso de creer en que varios son los indicados es mejor fotografiarlo las veces que sean necesarias. No olvidar controlar la calidad de la luz e intensificarla si fuera necesario ya sea con flash o reflector. Por último aprieta el disparador.

Bibliografía: Cómo convertirte en un maestro de la fotografía macro: equipo, técnica y consejos (s. f.). Recuperado de http://www.xataka.com/ fotografia-y-video/como-convertirte-en-un-maestro-de-la-fotografia-macro-equipo-tecnica-y-consejos 5 Cosas a Tener en Cuenta a la hora de hacer Fotografía Macro (s. f.). Recuperado de http://www.dzoom.org.es/5-cosas-a-tener-encuenta-a-la-hora-de-hacer-fotografia-macro/ 14 Indispensables Accesorios Para Una Fotografía Macro Con Resultados Impresionantes (s. f.). Recuperado de http://www. blogdelfotografo.com/accesorios-para-fotografia-macro/

Consejos para hacer macrofotografía (s. f.). Recuperado de http:// clubdefotografia.net/3-consejos-para-hacer-macrofotografia/

THE NEW CALL Por: Núria Farrerons

En el convulso contexto de entreguerras en el que los grupos ideológicos y artísticos europeos cerraban filas alrededor de nuevos postulados y ópticas renovadas, Hendrik Nicolaas Werkman -18821945- fue siempre un personaje solitario. Si bien compartía ideológicamente el espíritu de dichos movimientos, se dedicó fundamentalmente a experimentar con los materiales de su pequeña imprenta para, finalmente, desarrollar un lenguaje expresivo propio e único. Hoy en día, su obra nos llega de la mano de “The New Call”, el último proyecto de BunkerType.

A medio camino entre el trabajo académico, el proyecto personal y el viaje iniciático, Jesús Morentin propone un análisis de una de las obras más paradigmáticas de Werkman, “The Next Call”, una de las publicaciones más audaces de la vanguardia artística europea del período de entreguerras y de las que editó un total de nueve números entre los años 1923 y 1926. J. Morentin recoge el testigo de su anterior acercamiento a H. N. Werkman para proponer una nueva reinterpretación, más madura y personal, de una de las obras más paradigmáticas del admirado autor holandés.

Se trata de una colección que ¿Pero qué es BunkerType? BunkerType mantiene el mismo espíritu que no es una mirada al pasado. Tampoco el trabajo original -presentado en es una imprenta ni su fundador se 2012- en el que cada composición se considera impresor. No pretende basaba en uno de los nueve números recuperar ningún oficio ni hace trabajos de la citada revista, pero en el que se de impresión comercial. De lo que se ha trasladado el foco. Si en el primer trata es del interés por el concepto, el acercamiento lo fundamental era proceso y el montaje con tipos móviles. el proceso y el aprendizaje, en Asumir las limitaciones del sistema “The New Call” Morentin ha usado tipográfico tradicional e emocionarse al toda esa experiencia para poder poder burlar esas mismas limitaciones. centrarse en el resultado final, en la obra, ampliando notablemente la “Hay que advertir la materialidad de las paleta de recursos cuando ha sido letras, sostenerlas y apreciarlas como necesario, tanto en los aspectos objetos. No soy impresor, simplemente técnicos como en los formales. Otra disfruto imprimiendo.” diferencia con respecto al anterior Jesús Morentin. Bunkerman. trabajo es que en esta ocasión se han impreso pequeñas series de A continuación una pequeña muestra unos 40 ejemplares -los mismos que de “The New Call”, un trabajo fruto de imprimía H. N. Werkman de su revista- una admiración incondicional por H. N. disponibles a través de la tienda virtual Werkman, la observación y el ensayo. BunkerType. Todas las composiciones están impresas manualmente con tipos móviles en una Korrex Hannover de 1964, y es que estamos hablando de una obra realmente única y personal.

BunkerType le da su toque personal a la gran obra “The Next Call” con su nuevo trabajo “The New Call”. Obra formada por un total de 9 composiciones en pequeño formato, más otras cuatro complementarias, que reinterpretan libremente y por distintos procesos de síntesis cada uno de los nueve números que de la revista The Next Call imprimió.

La obra que abre la colección The New Call no puede calificarse estrictamente como reinterpretación, ya que no parte de ningún referente, ni formal ni conceptual, de la obra de Werkman. Se trata de un juego de palabras en el que el título genérico de la obra de Werkman “The next Call” muta a “The New Call” es el elemento principal. El elemento más importante de la

composición, es el citado elemento central, buen ejemplo de la osadía del autor holandés, ya que que se trataba, ni más ni menos que de la cerradura de una puerta, que Werkman entintó y dispuso en su prensa como si de cualquier otro elemento tipográfico se tratara.

La obra enfatiza como elemento central el “Travailleu&Cie” con el que el autor firmaba los primeros números de su publicación.

Esta obra contiene de nuevo en su portada parte de una cerradura entintada, en esta ocasión en color amarillo. En ella HN Werkman colocó un grabado de Jan Wiegers con un fragmento del poema en alemán “Song of the open road”, de Walt Whitman: “¡Camina! ¡A través de luchas y guerras! La meta que ha sido pronunciada no puede anularse”. La contundencia de la mancha negra

central contrasta con la ligereza de los elementos en rojo, unos números aparentemente aleatorios que encierran, en realidad, la fecha del obituario del político comunista ruso fallecido en Gorki (Moscú) el 21 de enero de 1924.

Se propone una síntesis de los elementos principales en la que la densidad tipográfica del texto encuentra su contrapunto en las pinceladas cromáticas de la estructura del fondo, que reproduce nuevamente la idea de “escultura tipográfica” usando bloques y algunas letras como la E y Z.

Diseño Innovador

Por: Ilanid García

Slothy Summer Wear Dana Umaña es la creadora de esta gran marca, por lo tanto quisimos preguntarle todo acerca del proceso. “SLOTHY viene de la palabra sloth, de nuestro animalito el perezoso, pero la palabra SLOTHY no tiene significado, si se busca en el diccionario urbano sale algo como: una chica guapa y cool.”

¿ C O M O INI C I A S L O T H Y, F U E U N A ID E A ENTRE HERMANAS? Quería hacer de SLOTHY algo distinto y darle mi sello personal, que fuera más un estilo de vida que solo una marca de trajes de baño. Fue algo muy mío, pero siempre quise meterla a ella. Mi hermana es “rajada” con el arte y vi algo muy distinto personalizar cada bolsa y así ella también tenía una ganancia conmigo.

El diseño está en todas partes, vivimos de él, y a través de él, pero ahora el mundo está tan lleno de movimiento que las cosas se pueden volver repetitivas, ahora el “coolhunting”, según IED Barcelona, “coolhunting”: es aquella persona capaz de detectar las corrientes de cambio a un nivel emergente, seleccionando y filtrando. Desde un punto de vista objetivo, es capaz de entender el sentido de los movimientos y las nuevas tendencias. Estamos en un momento en dónde se debe ser innovador y emprendedor, y este es el caso de los diseñadores ticos más reconocidos. Por lo que me di a la tarea de brindarles estas dos sugerencias de diseño innovador, no solo diferentes, si no también comprometidas con el ambiente.

¿Qué despertó ser emprendedora? Soñaba y sigo soñando con tener mi marca de ropa de playa, estudié publicidad y en toda mi carrera a uno le enseñan bien cómo crear una empresa, lo que pasa es que nadie lo hacía, nadie se arriesgaba. Yo siempre fui muy liberal, mi vida está en el mar y eso me inspiró a empezar con bikinis, ya que hace dos años no habían tantas marcas nacionales, por ejemplo en mi caso; yo soy la directora creativa en cada sesión de fotos, entonces desde pensar las próximas fotos, ser community manager, fotógrafa, diseñadora gráfica y de modas, además de eso, en las finanzas.

¿Cómo es el día a día de Dana? Creo que todo el día es pensar cómo se puede mejorar y que otro estilo nuevo sacar. Todos los días voy a revisar cada uno de los vestidos de baño, contestar correos, hacer envíos, ir a tiendas en las playas, en donde tenemos 8 puntos de venta.

¿En dónde comenzó todo? Empecé con una costurera (risas), no sabía absolutamente nada de diseño de trajes, de telas, de nada, fui aprendiendo a prueba y error hasta llegar al día de hoy, en donde los trajes son hechos en una fábrica y la calidad es excelente.

¿ C ó m o f u n c i o n a S l o t h y, e n e l c a s o d e l c o m p r o m i s o c o n e l m e d i o a m b ie n t e ? Nosotros ahorita estamos donando a la reserva de osos perezosos en Limón, les damos el 1% de las ventas, más lo que la gente colabore en cada tienda. En las tiendas se deja una alcancía en forma de perezoso hecha

con materiales reciclados. Además vendemos stickers con las bolsas pintadas a mano que se venden a 300 colones en ferias o actividades en las que participemos, las bolsas tienen como objetivo que las vuelvan a usar para decorar algo y darle doble vida. ¿De dónde nace la inspiración? La inspiración nace con la necesidad, yo surfeo y todo comenzó por eso, quería bikinis cómodos, distintos, sexys y quiero que todos sean así, me encanta ver a una mujer tranquila con su bikini, caminando, corriendo, haciendo deporte, me encanta lograr eso con cada diseño, comodidad y sexy al mismo tiempo, por eso tengo dos líneas, sporty, y resort, además nuestro slogan es “SMILE, you got one”. SLOTHY SUMMER WEAR vende de forma online y en ocho puntos de venta adicionales, si quiere adquirir un traje de baño, puede buscarlas en Facebook como: Slothy Summer Wear.

Siémbrame

Papel con semillas

Amira es una experta en botánica, una mujer innovadora que crea invitaciones y tarjetas con semillas de cualquier tipo, de todos colores, formas y tamaños, y por supuesto, para toda ocasión.

¿Cómo inicia el proyecto?

¿Cómo es el día a día de Amira?

¿Cual es el proceso de las tarjetas?

Inicia hace dos o tres años, a partir de la búsqueda de tarjetas diferentes para darle a mi familia en navidad. Siempre me gusta dar algo original, y fue ahí cuando sentí la inspiración, quería algo que pudiera durar para siempre, y se me ocurre hacer este papel con semilla, después de experimentar y planificar, en mi primer intento salieron semillas del papel.

Siempre trabajo con plantas en el vivero, pienso en nuevas ideas con el papel, en cómo hacer que las personas solo piensen en utilizar este papel, cómo darlo a conocer para que no se dé tanto desperdicio.

Es bastante tedioso, de mucha experiencia: Primero se utiliza papel reciclado, las fotocopiadoras donan el papel, este se corta en pedacitos, y se dejan en agua 24h para que salga la tinta y el ácido. Luego esos papeles remojados se meten a la licuadora, se saca la masa y se moldea el papel con la forma (puede ser cuadrados, estrellas, etc.) y se meten las semillas dentro del papel por un procedimiento secreto. Después de todo esto, son secadas 100% al sol, porque la semilla se puede quemar, se ponen las tarjetas a las 5 de la mañana al sol, y duran 3 horas para secarse.

¿Qué despertó ser emprendedora? Quise emprender por necesidad económica, para sacar un dinero extra en algo que pudiera hacer los fines de semana.

¿Qué tipos de semillas utiliza? Al trabajar en viveros puedo desarrollar mis propias semillas, combinarlas, incluso utilizar rosas para darle la textura a mi papel. Trabajo sola, porque el proceso es muy delicado, la semilla se puede romper, además es un trabajo bastante laborioso y casi nadie lo quiere hacer (risas).

La innovación, según la Real Academia Española es mudar o alterar algo, introduciendo novedades; se puede encontrar en cualquier lugar, pero principalmente en una necesidad propia, como lo dijeron Dana y Amira, el verdadero secreto para emprender está en cada uno de nosotros y surge de manera espontánea, por lo que no importa si se tiene mucho conocimiento en el tema, el diseño y la innovación, siempre estará presente, convirtiéndose en algo natural y liberal para cualquiera.

¿Donde comenzó el proyecto? ¿De dónde nace la inspiración? Comencé en un cuartito en donde tengo todo para elaborar las tarjetas, es un desorden (risas), este cuarto se convirtió en mi pequeña fábrica hasta la fecha.

Siempre hay inspiración, en cualquier parte, cuando tengo una idea, la pongo en marcha inmediatamente. Mi inspiración nace del deseo de trabajar con empresas grandes.

Amira trabaja únicamente por pedido y se recogen en el Vivero la Bonita, en Tibás. Para contactarse con ella pueden buscarla en Facebook como: Papel con Semillas CR.

Bibliografía 1. ¿Ser un coolhunter? (s. f.). Recuperado de http:// iedbarcelona.es/noticias-info/ser-un-coolhunteryo-quiero/ 2. Real Academia Española (s. f.). Recuperado de http://dle.rae.es/?id=LgzBfa6

¿Que la unión hace la fuerza? Por: Eugenia Garro

La unión hace la fuerza es un viejo lema que hace una perfecta descripción sobre los resultados de las alianzas entre marcas. Dos hacen un mejor trabajo que una.

Hoy en día existe todo tipo de marcas, empresas, productos y servicios, los cuales muchas veces se ven afectados por la competencia en el ámbito del consumo, publicidad, ventas, entre otros. Todo esto ya que la misma ahora se ha duplicado o inclusive triplicado. Cuando las diferentes marcas se encuentran en este tipo de situación o crisis, normalmente recurren a distintas estrategias para posicionar nuevos productos o reposicionarse en el mercado, recurriendo a diversas estrategias de marketing.

Ahora, tomando en cuenta que el mundo empresarial está evolucionando a gran velocidad, Ignacio del Corro García-Lomas (Director General y Director de Alianzas Estratégicas en DEC) considera que ante la necesidad para reforzar los valores de marca de forma racional, creíble y eficaz; la opción de complementarse con otra marca es una manera muy eficiente para lograrlo, ya que pueden llegar a producir beneficios de corto a mediano plazo para ambas marcas.

Un tipo de estrategia muy efectiva son las alianzas de marcas o el cobranding, que significa la unión entre dos marcas que tienen objetivos muy similares, por lo que esta práctica les permite potenciar su valor, destacar valores complementarios y a su vez obtener rentabilidad. La idea u objetivo general es que las dos marcas se beneficien por igual, que en términos de marketing se le llamaría win-to-win.

Al estar unidas dos marcas es muy importante que las dos se complementen de buena forma, ya que de lo contrario podrían chocar entre sí y llegar a provocar resultados no deseados, como lo sería la perdida de lealtad de los clientes. Pero de escogerse un buen aliado los resultados y las oportunidades son inigualables.

Un ejemplo de esto es que al darse la unión, ambas logren introducirse en mercados en los que por sí solas no podrían acceder, capten un nuevo tipo de clientes, ofrezcan productos o servicios más competitivos, o incluso llegar al punto de producir nuevos productos entre las dos marcas. Además, otra ventaja es que le permitiría al cliente conocer más a fondo sobre ellas, se podrían generar nuevos canales de venta, así como los atributos de cada una se resalten entre sí y sean más atractivas para el público meta, como muchos beneficios más. Pero debe tomarse en cuenta que esto es un proceso de cuidado. Antes de querer aliarse con otras marcas se recomienda que se haga un estudio más a fondo y exhaustivo sobre el público meta y las marcas o servicios que utiliza frecuentemente, y con cuáles exactamente tiene relación. Esto para poder tener una visión más clara y asertiva a la hora de complementarse.

Este tipo de estrategia es nueva para muchas marcas, para algunas es un elemento de “riesgo” y que muchas veces no se atreven a tomar, pero es una nueva forma de generar comunicación con los usuarios y de encontrar rutas alternativas para enfrentar la competencia.

Otro elemento a tomar en cuenta es que existen una serie de formas de relación que pueden construirse entre varias marcas:

Co-Branding de conocimiento:

Co - Branding de ingredien t es:

Las uniones que se dan a este nivel son para expandirse en nuevos territorios por medio de datos demográficos y tendencias de consumo. Como por ejemplo, las alianzas entre tarjetas de crédito y aerolíneas con ofertas hacia nuevos destinos por medio de este tipo de pago.

Esta es la más utilizada a nivel mundial, y consiste en crear alianzas para crear nuevos productos a partir de los ya existentes. Como por ejemplo una marca de helados, con una marca de chocolate, se puede crear un nuevo producto combinando estos dos elementos.

Confirmación y promoción de valores:

Co-Branding de competencias complementarias:

Las marcas se patrocinan mutuamente incentivando los valores positivos que éstas poseen, y esto hace que los consumidores se sientan más gusto, su fidelidad aumente y algunos casos tiene el efecto que los consumidores utilicen el marketing de boca en boca para promocionar las marcas.

Esta es la táctica que mayor impacto puede generar, y es la creación de un producto totalmente nuevo que lo desarrollan las dos marcas en conjunto, lo cual estaría enfocado en la generación de valor.

Actualmente en Costa Rica el diseño y este tipo de estrategias están resaltando. Las redes sociales, los bloggers, la moda, el internet, medios de transporte, nutrición y alimentación, son varios de los campos que están utilizando este tipo de comunicación con los consumidores, y aparte de obtener beneficios entre ellos, empieza a generarse una demanda mayor por parte de los clientes, ya que se ven atraídos por las diferentes experiencias productos y servicios que estas ofrecen. Recientemente, el medio de transporte Uber se ha aliado con diferentes marcas que ha incrementado la preferencia de su servicio sobre otros medios de transporte. Como por ejemplo el día que repartieron Churchilletas de Los Paleteros a los clientes que lo solicitaran, este es un tipo de alianza bastante efectiva por la tendencia y éxito que están teniendo ambas.

Otro tipo de alianzas estratégicas se da cuando las marcas entran contacto con los bloggers de Costa Rica para promocionar sus productos. Esto se da producto del incremento en la utilización de las redes sociales últimamente. Los bloggers son un medio bastante efectivo para hacer llegar información al público meta que se está buscando, ya que la mayoría de ellos buscan enseñar de una manera más natural y cotidiana el uso del servicio o producto, además de que hacen llegar el mensaje de una forma más personalizada y haciendo que el mismo sea comunicando de una manera más directa que en otros medios. Por lo tanto, hacer alianzas con otras marcas proyecta diferenciación e innovación a la hora de comunicar, logrando así reforzar relaciones con los nuevos consumidores y los ya existentes. A su vez, abre un mundo lleno de posibilidades que vale la pena estudiar y llevar a cabo para continuar e impulsar el desarrollo de las marcas, para lograr un trato mucho más personalizado al cliente y forjar su lealtad.

Bibliografía -Ignacio Del Corro García-Lomas (s.d), Alianzas estratégicas entre marcas, Recuperado de: http://pdfs.wke.es/8/7/1/5/pd0000018715. pdf , (Consulta 27 setiembre 2016). Ignacio Ochos (s.d), Co-Branding y las Alianzas de marca: modelos de co-branding y filtros para obtener mayores garantías de éxito en nuestras alianzas de marca, Recuperado de: http://www.branderstand.com/co-branding-y-las-alianzas-de-marca/ , (Consulta 27 setiembre 2016). Iván López (2012), ¿Qué es un Co-Branding?, Recuperado de: http:// www.brandemia.org/que-es-un-co-branding, (Consulta 27 setiembre 2016).

Pinturas y pinceles,

alma y corazón Por: Valeria Arce Ramírez Imaginen una canasta de madera de un metro de alto por un metro de ancho, con dos enormes ruedas del mismo material una a cada lado, jalada con un yugo por dos bueyes, si bueyes… estos animales grandes y robustos nada adorables, y ahí imaginado esto, tendrán el medio de transporte mas espléndido del país, la carreta típica. La carreta costarricense es un claro ejemplo de como un objeto puede tener un fin completamente diferente que el de embellecer y aún así ser hermoso. Una carreta tica es el choque y la fusión insuperable entre la dureza del trabajo y la delicadeza del arte. Es la representación perfecta de la idiosincracia costarricense.

La carreta, su diseño y... ¿Todavía hay quién las pinte?

Empezando desde sus raíces, la carre- Como toda artesanía, las carretas son ta nació hace más de 176 años como pintadas completamente a mano la mejor opción de transportar el café ,toda una labor especializada para un superando los viejos caminos del país artesano, el tener esta característica llenos de lodazales, huecos, piedras, hace que sea imposible encontrar charcos y cuestas. Era utilizada en dos carretas idénticas , podrán haber toda zona rural para mejorar el traba- diseños similares pero jamás iguales. jo de los campesinos y fue así como Esto hace que su valor aumente, tandio comienzo a toda una cultura. Y to monetario como emocional. Entre aunque los tiempos han cambiado y sus diseños sobresalen las figuras ya no es utilizada para transportar, su geométricas y motivos florales, con alcance cultural e importancia van en colores brillantes y alegres como el aumento. Lo especial de la carreta es naranja, el amarillo, celeste, verde, que su significado va más allá que el blanco, rosa, entre otros. Colorear con de ser solo un medio de transporte. pinturas y pinceles, alma y corazón, En Costa Rica es sinónimo de paz, parte por parte y poniendo especial esfuerzo, trabajo, paciencia, sacrifi- atención a los detalles es la ecuación cio y estabilidad, gracias a esto fue perfecta para la creación de sus esdeclarada símbolo nacional el 22 de pléndidos diseños. Representan artemarzo de 1988, mediante un decreto sanía, cultura, y arte. presidencial. Y Ahora en el presente, no solo se le atribuyen todas estas co- Por supuesto, ahora más que nunca sas, sino que la exquisitez con la que el arte de las carretas en el país está se realizan su diseños está llamando vivito y coleando, son toda una marca muchísimo la atención. con logo y demás. Todos conocemos

ese lugar en la provincia de Alajuela llamado Sarchí, esta ciudad es la cuna de la artesanía del país. Donde hay muchas empresas familiares, entre ellas las del arte de la construcción y ornamentación de las carretas típicas. Para fortalecer esta labor, la Universidad VERITAS en conjunto con el Ministerio de Economía y Comercio en Costa Rica (MEIC) y la Cámara de Industria y Turismo de Sarchí (CACITUS) han implementado un proyecto con el objetivo de reforzar y contribuir al desarrollo local de esta Comunidad. El proyecto es llamado Sarchí ColorCultura y uno de sus propósitos es preservar las diferentes tradiciones que tiene la región como lo son el boyero y la carreta, las cuales fueron nombradas Patrimonio Cultural Intangible de la Humanidad (UNESCO: 2008) Proteger y enriquecer la cultura del país, eso es exactamente lo que se busca con este nuevo proyecto.

¿Se puede implementar este arte en los diseños actuales? ¿ Y qué arte no se pueda modificar e implementar en el diseño actual? El diseño tiene reglas y características, sin embargo con una buena imaginación y criterio todo es posible. No solo se puede utilizar este arte de las carretas, si no que ahora es todo una moda. Hay desde bolsos, camisetas, manteles, aretes, pijamas y cuadernos, hasta cosas más permanentes e imborrables como tatuajes, inspirados en los diseños, formas y colores de las carretas típicas. Sus formas geométricas y sus colores brillantes son más que atractivos para un diseñador, y si se le suma a esto que su nacionalidad sea tica, se crea un vínculo sentimental aún mas fuerte con la carreta. Toda persona lleva a su patria en el corazón ,entonces porque no también en las cosas que usa, es por eso que poco a poco la ornamentación de las carretas se ha abierto campo en el mundo del diseño. No hay mejor forma de honrar a un pueblo que preservando su cultura, es por eso que como diseñadores si existe la la posibilidad de exaltar a Costa Rica siempre que se pueda, ¿Por qué no hacerlo? Diseño por: F.Bermúdez_E.Garro_F.Gómez

BIBLIOGRAFÍA

s.d . (junio 23, 2014). La Carreta Típica de Costa Rica. setiembre 26,2016, de Acceso latino-Fudación Carlos Slim Sitio web: http://accesolatino.org/carreta-tipica-costa-rica/ s.d. (marzo 5, 2015). La carreta típica, símbolo costarricense. setiembre 26,2016, de Coopro Naranjo Sitio web: http:// espiritusantocoffeetour.com/la-carreta-tipica-simbolo-costarricense/ Alvarado, M.. (2007). Símbolos Nacionales: La Carreta Típica. setiembre 26, 2016, de Guías Costa Rica Información General e Historica Sitio web: http://guiascostarica.info/simbolos/carreta/

Imagen recuperada de: Plivertees.

Por P R I S C I L L A C A R R A N Z A

TECNOLOGÍA

L A

RECURSOS DIVERGENTES

PUBLICIDAD En un mundo saturado y competitivo lleno de continuos estímulos de tecnologías y la automatización de los sistemas nos hace como consumidores seres poco pacientes y con deseos de obtener resultados inmediatos en todo. Además de que pocas cosas nos llaman la atención de manera genuina, el uso de tecnologías como herramientas para llamar la atención de los usuarios es uno de los métodos más efectivos para lograrlo. El intenso cambio en el modo de comunicar que las marcas están adoptando trae consigo un modo divergente de pensar la tecnología necesaria para llegar a nuestro público objetivo o individuo a convencer, la tecnología que la publicidad usa y los medios para transmitir el mensaje son cada vez más avanzados complejos y efectivos. En tiempos como los nuestros el acceso a tecnologías que antes pertenecían a una cierta élite de la sociedad es ahora sumamente fácil y se le está permitido usarlas los locos y poco convencionales creativos publicitarios que los consideran como herramientas útiles parte de su estrategia comunicacional.

http://www.eltiempo.com/tecnosfera/novedades-tecnologia/camaras-360-grados/16668395 http://www.xataka.com/fotografia-y-video/video-360-como-grabar-editar-y-todo-lo-que-debes-conocer-antes-de-lanzarte-a-por-el http://www.xataka.com/analisis/guerra-de-camaras-360-para-realidad-virtual-comparamos-la-samsung-gear-360-y-la-lg-cam-360

E N

La tradicional vaya, mupi, trasera de bus, flyer, brochure, inclusive publicidad de guerrilla ya no es suficientemente atractivo mientras más específica y avanzada sea la tecnología que estamos usando ahora mayores posibilidades de incrementar el posicionamiento de las empresas que estamos publicitando. Hay muchas increíbles tecnologías que han sido inventadas para otros fines en el pasado hasta que se les encuentra un objetivo de marketing y pasan a ser parte de la norma en lista de recursos que todos los días nos vienen a mostrar cual fácil e impactante es seguir sorprendiendo. Lo mismo pasó hace años con el internet los hologramas e incluso la radio, debemos de estar preparados para recibir mensajes a través de dispositivos de los cuales ni siquiera tenemos conciencia de su existencia, basta con pensar que literalmente las publicidades impresas en medios impresos tradicionales terminaron su ciclo de vida en un bote de basura o recogiendo los desechos de nuestras mascotas para ponerse a idear nuevas estrategias y potenciales apropiaciones de productos servicios y maquinarias que no pensamos usar para la publicidad cuando se crearon, todo lugar y todo elemento nos se

está sirviendo de plataforma para transmitir un mensaje el tema de es saber de antemano que ese mensaje es para la persona justa que lo está mirando por lo mismo la aparición de tecnologías masivas como el código QR que no solamente están siendo sobre utilizadas en el mundo publicitario que al ser dueño de un smartphone puede leer el código QR que lleva a la página de Facebook de una marca específica o a un video de algún anunciante y uno de los principales objetivos de la publicidad siempre ha sido no pasar desapercibido hacerse notar lograr con estrategias útiles y rompedoras entrar en la mente de nuestro Público de interés y convencer persuadir y transmitir una cierta idea o concepto por sobre las demás marcas que ofrecen productos o servicios similares. Si bien la aparición y la accesibilidad de todas estas tecnologías nos ayudan en las estrategias publicitarias Lo principal es saber con quién estamos hablando detenerse por algunos segundos y analizar con determinación los pensamientos deseos y expectativas de nuestro público meta sólo así sabremos si valió o no la pena invertir en estas tecnologías simplemente utilizar los medios alternativos qué harán que esté público responda de la misma manera.

CAMARA o 36 Medios para ser o hacer algo diferente hay muchos pero lo último en publicidad son los videos de 360 grados. Vemos la utilización de esta tecnología en entrevistas en Facebook publicaciones etc, que permite mostrar imágenes nunca vistas hasta el momento, Pero con la cámara 360 puedes ir mucho más allá haciendo trabajos diferentes e innovadores. Es la oportunidad de ofrecer una forma de presentar productos, servicios, historias, lugares, eventos y mucho más de una forma novedosa e interactiva, una forma de potenciar tu imagen de marca de una manera única y diferente utilizando sus técnicas nuevas de graduación edición que interactúa directamente con los usuarios, permite ofrecer esa imagen de empresa innovadora que muchas quieren proyectar. Permite un acercamiento personal y mayor grado de confianza del usuario hacia el producto o servicio inclusive por ser una novedad este mismo podrá mostrárselo a otros lo que hará que la empresa tenga un mayor alcance, ver un vídeo en 360 grados es ver más que una imagen, es ver 360 grados de imágenes y en consecuencia es más información para ellos con todos los ángulos visibles el usuario podrá ver todo en diferentes perspectivas y ángulos que maneja a su antojo puede conocer bien la forma y el tamaño de los productos antes de adquirir y si desea comprar puede conocer a la gente que hay detrás de un proyecto y los lugares como si estuviera presente, el cliente va a sentirse más cercano a la marca

confiará mucho más en ella porque no hay espacio para el engaño lo ha visto todo, esto hará que la empresa sea más accesible para las personas por lo que les dará la sensación de confianza suficiente para invertir en sus productos o en sus servicios. Con esas cámaras puedes capturar un audio más nítido utilizar la carcasa frame y las propias cámaras regulan automáticamente la grabación en condiciones de poca luz o luz de ambiente programar y manejar las cámaras un muy sencillo con la sincronización de cámaras asomando WiFi control remoto se pueden controlar todas las cámaras a la vez como si fuera una sola sus configuraciones o modificar las del mando así como sus funciones y el momento de inicio pausa detención de la grabación sincronizar la cámara ahorra mucho tiempo en el proceso de posproducción el ring 360° permitirá colocar las cámaras en diferentes ángulos y obtener ángulos de 170 grados por cada imagen obtenida. Aunque para generar un video 360 no es preciso realmente tener una cámara de 360 estás cámara lo Qué hacen es facilitar la labor pero con varias gopro DSLR puedes lograr solo hay que recurrir a una aplicación capaz de unir los diferentes clip de video y listo este proceso de unión o Stitch como se le conoce se puede llevar a cabo con kolor Autopano o VideoStitch pero sí hemos optado por la cámara 360 o similares lo recomendable es usar la aplicación del fabricante.

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Fotografía por _FrancineGómez

en interiores El mapping en interiores suele tener más control sobre la estructura y la superficie sobre la cual se ha de proyectar ya que los escenarios pueden ser modificables permitiendo tener una mayor gama de opciones en cuanto realiza la proyección el Mapping no se puede vender a un bajo costo ya que necesita tecnología de punta para poder crear un evento de calidad sin embargo el que se realiza en interiores suele ser más económico ya que se puede realizar con menos equipo, pero dependiendo de lo complejo que sea. Pueden adaptarse a cualquier marca a cualquier tipo de público ya que el contenido no depender de que sea en interiores o exteriores por lo que se convierte una opción viable y adaptable para cualquier marca o evento ya que por medio del contenido sobre una empatía con el público se logra transformar el espacio proyectado logrando sorprender al público en todo momento.

PUEDEN/ ADAPTARSE/ A/ CUALQUIER/ MARCA/ /////Y///// PÚBLICO.

La proyección en exteriores depende mucho el objetivo que se desea lograr y el presupuesto del cliente la ventaja de exteriores es que puede alcanzar una mayor audiencia además de los invitados al eventos personas que pasan por el sitio pueden ser sorprendidas y pueden ver el espectáculo lo que le da un mayor alcance y viralidad por eso el mapping en exteriores aunque suele ser más costoso porque requieren la mayor cantidad de equipo puede ofrecer una difusión masiva de manera gratuita por parte de los espectadores como por parte de los medios de comunicación generando un ahorro en la marca en la publicidad posterior al evento en cuanto a los tecnicismos pueden haber obstáculos que impiden posicionar a proyector en el lugar ideal como árboles con tres cables de luz postes etc. Poner solución técnica estos inconvenientes en ocasiones puede subir el presupuesto es importante mencionar que para realizar el mapping en exteriores con interiores se necesita casi completa obscuridad. La monkey light Pro crea impresionantes imágenes de tipo holograma dentro de la rueda de una bicicleta una vez que estás tardando la rueda se llena como si fuera una pantalla y es visible desde ambos lados es resistente al agua y es duradera y está diseñada para su uso en las calles de la ciudad está diseñado para uso profesional incluyendo marketing publicidad y aplicaciones artísticas es el único sistema disponible que satisfacen la necesidad de Los profesionales altamente exigentes. Fue financiado kickstarter y ahora está disponible para cualquier compra Descargar imágenes y animaciones para crear la apariencia de una imagen 3D Aunque es un proyecto relativamente nuevo y no se ha visto explotado creemos que es una tecnología suficientemente llamativa y de alcance para que pueda ser utilizada por empresas Cómo publicidad de manera que una persona pueda viajar por toda la ciudad anuncio llamativo que pueda ser captado por cámaras y también puedo hacer compartido en redes sociales haciéndolo una tecnología potencialmente viral

MONKEY LIGHT P R O 65

DISEÑO_F.BERMÚDEZ_E.GARRO_F.GÓMEZ

En un mundo tan saturado como la publicidad exterior toda la innovación es acogida con gran entusiasmo por el mundo de la publicidad ya se han llevado a cabo varias campañas que utilizan este medio como una nueva vía de comunicación publicitaria. Pero es precisamente en el sector de la publicidad que poner video mapping tiene un lugar asegurado Esta innovadora técnica funciona en expresiones tecnológicas y artísticas para crear un lenguaje qué va más allá del mensaje publicitario en este sentido la comunicación se transforma en verdadera experiencia qué cautiva al espectador el impacto que tiene ese tipo de acciones en el público asistente hay que sumarle el efecto multiplicador generado por la boca a boca y la difusión en redes sociales. La proyección de video mapping consiste en adaptar el video a la arquitectura del edificio sobre que se proyecta modelando en 3D elementos característicos de la construcción lo que nos permite jugar con la tridimensionalidad la profundidad y el espacio de esta forma se logra un espectáculo artístico único con un fuerte impacto sobre el público. El mapping publicitario puede realizarse tanto en interiores como exteriores por ser un medio que se puede modificar casi a cualquier superficie y dirigirse de manera adecuada a cualquier tipo de público en cualquier localidad. Es potencialmente viral por su gran impacto visual espectacularidad y carácter artístico llama la atención del público y los medios es percibida por los días ya como una experiencia disfrutable digna de ser vista grabada y compartida en sus redes sociales fomentando la viralidad y por lo tanto el alcance de la marca y su presencia en la mente del usuario.

http://videomappingmx.blogspot.com/p/el-uso-del-mapping-en-la-publicidad.html http://www.estilod.com/tips/tip119 http://www.fractaliasystems.com/el-video-mapping-como-medio-publicitario/ http://www.monkeylectric.com/wheel_light_comparison/

MAPPING

EN EXTERIORES

LA MODA DEL

Eco-Diseño Por: José Pablo Jiménez

Hoy en día, empresas y personas han empezado a entender mejor la importancia de cuidar bien al medio ambiente. Ahora todo el mundo está tratando de vivir “verde”. ¿Pero qué es vivir verde? Mucha gente ya sabe desconectar cosas electrónicas y electrodomésticos cuando no las está usando y estar consciente de la cantidad de agua que se usa diariamente. Todo eso ayuda mucho al medio ambiente, ¿pero qué más podemos hacer como seres humanos para tratar mejor a la Tierra? Una respuesta es intentar de implementar el eco-diseño en todo lo que hacemos. El concepto del eco-diseño es especialmente importante para empresas porque tienen el poder de mejorar la situación del medio ambiente al implementarlo en todos sus procesos.

La idea detrás del concepto del eco-diseño es crear o producir productos o servicios que satisfacen las necesidades y requisitos de sus clientes y que no tienen mucho impacto negativo en el medio ambiente. Normalmente, eso involucra diseñar productos, procesos y servicios que evitan o arreglan daños al medio ambiente. El objetivo del eco-diseño siempre es la sostenibilidad. Para lograr crear algo sostenible y amigable para el medio-ambiente, una empresa tiene que considerar los efectos al medioambiente de toda la “vida” de sus productos. La vida o ciclo de vida de un producto generalmente se divide en la adquisición, fabricación, uso y eliminación.

Se considera el inicio del eco- El pueblito de Cao Bang, Vietnam no diseño la década de 1920 cuando recibe muchos visitantes. Aunque el arquitecto y diseñador Richard es un pueblo muy pequeño en Buckminster Fuller elaboró planes las montañas del norte de Hanoi, de estructuras, vehículos y otros la diseñadora Vu Thao piensa en objetos que promovieron un uso Cao Bang como segundo hogar. racional de los recursos. Su creación Trabajando con mujeres indígenas más famosa, una cúpula geodésica, que viven allí para crecer y producir sigue siendo un excelente ejemplo tintes naturales y tejidos para Kilomet de construcción ligera e eficiente. 109, su línea de ropa con conciencia Hoy en día, los innovadores y ecológica. Visitantes al región pueden diseñadores tienen un concepto de pasar 5 días con Thao en Cao Bang eco-diseño completamente nuevo para aprender los secretos de cultivar y modernizado. El concepto nuevo los tintes naturales de la tierra gracias de eco-diseño incluye la creación de a un programa que se llama “Vacation la iluminación, electrodomésticos, With An Artist” en inglés. muebles y hasta la ropa que no agota los recursos de la Tierra. Un ejemplo En la cultura vietnamita, la artesanía perfecto de la incorporación del eco- es muy importante. En Vietnam, hay diseño en el mundo de la moda es la 54 grupos étnicos y cada uno tiene su diseñadora detrás de la línea de ropa propio especialización en tradiciones Kilomet 109, Vu Thao. artesanales. En Cao Bang, por ejemplo, las mujeres siempre han cultivado arroz y han criado búfalo. También, han cultivado plantas de índigo y magenta que producen pigmentos que son muy ricos y tradicionales.

Después de graduarse de la carrera de diseño, Thao se puso en contacto con mujeres indígenas por todo el país de Vietnam para aprender la técnica de teñido natural, la producción de seda, y el tejido de la tela. La primera vez que Thao colaboró con las mujeres de Cao Bong fue en 2012. Para llegar al pueblito, ella tuvo que viajar ocho horas en bus de Hanoi en un viaje muy largo. Thao visita a Cao Bong cada dos meses. Siempre participa en la siembra y cosecha de los cultivos y la experimentación con nuevos matices. Según Thao, la gente del pueblo siempre ha trabajado con colores muy tradicionales, tal como el índigo negro que se ha producido por generaciones. Desde el principio, Thao querría trabajar con la gente en experimentar con nuevos colores, pero la gente del pueblo no fueron convencidos. Thao comentó que la primera vez que hizo un nuevo tinte en un tono muy ligero de azul celeste, la gente la vio y casi se rió, porque fue muy feo.

En los años siguientes, Thao y las mujeres perfeccionaron 10 tonos únicos de índigo que actualmente Thao utiliza en los diseños de Kilomet 109. Thao le enseñó los tintes tradicionales de su propio grupo étnico a la gente de Cao Bang, y está constantemente buscando nuevos ingredientes naturales, de abastecerse localmente. Como coleccionista de trajes tradicionales vietnamitas, Thao crea diseños favorecedores y minimalistas con aspecto de ropa tradicional. Ella notó que mucha gente cree que la moda ética y sostenible es aburrida; que solo es trabajar con tonos neutrales. Thao aseguró que eso no es la verdad y que hay mucho que probar. Agregó que por ser parte de cada segmento del proceso de la creación de una prenda tiene un gran impacto en el proceso del diseño. Thao comentó que así tiene una relación mucho más íntima con las telas y puede utilizarla mejor. Esta relación es completamente diferente que la que tendría si comprara la tela de un mercado o una tienda.

A pesar de su rico patrimonio cultural, Una manera muy innovador de haca Vietnam le faltan modos modernos er eso es promover el eco-diseño. El de pasar el conocimiento creativo a eco-diseño involucra la creación de otras generaciones y a otra gente. La productos, servicios, y/o procesos diseñadora explica que por trabajar que arreglan o minimizan los efectos con las mujeres de Cao Bang, una- negativos al medio ambiente. Las ema-una, se siente más responsable de presas tienen que considerar todo el encontrar una manera de preservar ciclo de vida de un producto cuando sus técnicas. Los niños de los pueblos intentan a crear o arreglar algo que étnicos van a las grandes ciudades va a ser amigable al medio ambiente como Hanoi o Ho Chi Minh a estudiar, y sostenible. Eso incluye pensar en la y comienzan a usar la misma ropa que adquisición, fabricación, uso y elimiel resto del mundo. Thao dice que nación del producto y cómo va a afecmuchos vietnamitas ven parecerse tar al medio ambiente cada parte del étnicamente diferente como ya no ciclo de vida del producto. El concepestá de moda, no de la última. La aso- to del eco-diseño empezó en los años ciación con VAWAA (Vacacionar Con 1920 con el arquitecto y diseñador Una Artista en inglés) es un pequeño Richard Buckminster Fuller y hoy en intento de preservar la tradición oral día existe en una nueva forma. Acde transmitir las técnicas de un cre- tualmente, hay muchos proyectos en ador a otro, la adaptación de la arte- el mundo de eco-diseño que incluyen sanía dentro de un mundo constante- proyectos en la iluminación, electrodomésticos, muebles, la ropa, y mumente evolucionando. cho más. Ahora más que nunca es crucial que los seres humanos piensan en nues- Si todas las empresas podrían practro tratamiento del medio ambiente y ticar el eco-diseño como Vu Thao, cómo nuestras acciones afectan a la el medio ambiente estaría en una condición mucho mejor de lo que es Tierra. hoy en día.

Diseño por: F _ Bermúdez E _ Garro F _ Gómez Bibliografía: http://home.howstuffworks.com/green-living/what-is-ecodesign. htm http://thecreatorsproject.vice.com/blog/vietnamese-designer-updated-eco-design-with-ancient-knowledge https://www.nibusinessinfo.co.uk/content/what-ecodesign http://thecreatorsproject.vice.com/blog/vietnamese-design-

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Libertad Accidental Por: Eugenia Garro Ruiz

Le habían advertido sobre el libro. Ahora era demasiado tarde. Las imágenes que siempre habían estado en su mente se habrían convertido en realidad. Un solo abrir y cerrar de ojos, con unas horas en medio, bastaron para que todo el color que había en su alma transformara la apariencia de lo exterior. Ya no había marcha atrás. Anteriormente todo su alrededor lo veía en blanco y negro, pero ahora su alma le ha dado color. Ella no sabía que toda esta presión que sentía en su pecho eran las ganas de todos estos colores por salir. Y así, lo inesperado sucedió, a pesar de la advertencia, el libro la hizo más feliz que nunca.

El pasado 19 de octubre y hasta el 15 de noviembre del 2016, La Biblioteca Nacional de Costa Rica “Miguel Obregón Lizano” del Sistema Nacional de Bibliotecas inauguró la exposición de ilustraciones “Un Quijote para los jóvenes”. Para ésta actividad se convocó a 35 ilustradores profesionales experimentados, jóvenes y estudiantes de diversas universidades, entre ellas la universidad Véritas, para que expresaran por medio de la ilustración de pequeño formato y en diversas técnicas sus propias versiones de la obra de Miguel de Cervantes Saavedra y conmemorar los 400 años de la muerte del autor. Para algunos fue su primera oportunidad de participar en una muestra colectiva e interactuar con otros participantes nacionales, extranjeros y sumar a su currículum una nueva experiencia de aprendizaje. Dibujar a uno de los personajes más icónicos no es fácil máxime si pretendemos hacerlo de forma original, sin embargo, podemos apreciar la diversidad de tratamientos y lenguajes con los que se representó. Dejemos que éstas nos cuenten las historias y disfrutemos de un clásico de la literatura que sigue dando pie para que la imaginación nos lleve a lugares insospechados, acercarnos a las obras literarias y a ese recinto que se mira como un lugar casi desconocido, La biblioteca Nacional.