Compendium: Pop Art by Eva Pinedo

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Primera edición: julio 2017 Deposito legal: P 5524-2017 ISBN: 978-612.46624-9-2 Diseño de Portada: Eva Pinedo Maquetación: - Tania Escobedo - Camila Eyzaguirre - Elena Montoya - Eva Pinedo Imprime: Edita: Camila Eyzaguirre Reserados todos los derechos. no se permite reproducir, almacenar en sistemas de recuperación de la información ni transmitir alguna parte de esta publicación, cualquiera que sea el medio empleado -electrónico,mecánico , fotocopia, grabación, etc., sin el permiso previo se los titulares de los derechos de propiedad intelectual. Impreso en Perú / Printed in Perú

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“Pop Art looks out into the world. It doesn’t look like a painting of something, it looks like the thing itself.” - Roy Linchtenstain

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motivaciones. En Estados Unidos marcó el regreso del dibujo del tipo Hard edge (traducido como «dibujo de contornos nítidos») y del arte representacional como una respuesta de los artistas al utilizar la realidad mundana e impersonal, la ironía y la parodia para contrarrestar el simbolismo personal del expresionismo abstracto. En contraste, el origen en la Bretaña de la post-guerra, aunque también utilizaba la ironía y la parodia, era más académico y se enfocaba en la imaginería dinámica y paradójica de la cultura popular estadounidense, la cual estaba formada por un conjunto de mecanismos fuertes y manipuladores que estaban afectando los patrones de la vida, mientras mejoraban la prosperidad de la sociedad. El arte pop temprano de Inglaterra se puede considerar entonces como

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El arte pop es comúnmente interpretado como una reacción a los entonces dominantes ideales del Expresionismo abstracto. De cualquier forma, el arte pop también es la continuación de ciertos aspectos del expresionismo abstracto, tal como la creencia en las posibilidades de hacer arte, sobre todo en obras de grandes proporciones. Del mismo modo, el arte pop era tanto una extensión como un repudio del Dadaísmo. Mientras que el arte pop y el dadaísmo exploraban los mismos sujetos, el arte pop remplazaba los impulsos destructivos, satíricos y anárquicos del movimiento Dada. Entre los artistas considerados como precursores del movimiento pop están Marcel Duchamp, Kurt Schwitters y Man Ray. El movimiento como tal surgió a mediados de los años 1950 en el Reino Unido y a finales de los años 1950 en los Estados Unidos, con diferentes

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introducción

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una serie de ideas alimentadas por la cultura popular estadounidense vista desde lejos, mientras que los artistas estadounidenses estaban inspirados en la experiencia de vivir dentro de dicha cultura. La mayoría de las obras de este estilo son consideradas incongruentes debido a que las prácticas conceptuales que generalmente son utilizadas hacen que sean de una difícil comprensión. El concepto del Arte Pop no hace tanto énfasis al arte en sí, sino a las actitudes que lo conducen. Es un movimiento artístico visual, que nació tanto en Inglaterra como en Estados Unidos en la década de 1950. Surgió de algunos artistas como una reacción en contra del expresionismo abstracto, que consideraban que no era entendible para la persona común. El Pop Art se caracterizó por utilizar temas y técnicas basados en la cultura popular de producción masiva como publicidad, comics, y otros objetos culturales. El término “Pop Art” es acreditado al crítico británico Lawrence Alloway, que en 1958, se refirió así al arte popular en su ensayo The Arts and the Mass Media (Las Artes y los Medios Masivos). Sin embargo, el movimiento nació en Londres, Inglaterra, con una obra de Richard Hamilton llamada “¿Qué es lo que hace de los hogares de hoy en día tan diferentes, tan divertidos?”, un collage considerado la primera obra del Pop Art. El Pop Art toma como elementos lo cotidiano de la vida en un país,

retratando por ejemplo las figuras artísticas o públicas más conocidas y representativas de una nación. A partir de estos elementos, elabora abstracciones que le permitan al espectador inferir un determinado mensaje dirigido a la misma. Con los elementos presentes en la cotidianidad, la idea consiste en que el espectador pueda identificar fácilmente los elementos, creando a primera vista un lazo entre la obra y la persona que la analiza. Así mismo, el movimiento Pop Art, en teoría, debería englobar los elementos más emblemáticos del país en el que se encuentre, sin embargo, la cultura estadounidense es por defecto la más trabajada dentro de este movimiento artístico, dado que como se mencionó anteriormente, su punto clímax se pudo apreciar en los años 60 en los Estados Unidos. Dentro de su marco estructural, el Pop Art recoge elementos significativos del capitalismo, lo industrial y la cultura de las masas, resultando en movimiento “híbrido” dentro de sus principales características. Su propuesta en términos prácticos va ligada a elementos visuales de gran carga, así como también le lenguaje figurativo. Por lo general, entre sus elementos tienden a resaltar las figuras públicas o políticas, las carteleras de cine, las portadas de periódicos, imágenes de una ciudad, una marca muy reconocida u otro elemento que puede ser fácil de identificar a primera vista.

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“El concepto del Arte Pop no hace tanto énfasis al arte en sí, sino a las actitudes que lo conducen.”

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Así pues, dentro de sus técnicas podemos contemplar desde distintas clases de pinturas, hasta la aplicación de métodos provenientes del dadaísmo, el collage de fotos y la yuxtaposición. La idea de todo esto va motivada a la posibilidad de que el usuario pueda generar una identidad a través del uso de sus materias les y técnicas, permitiéndole personalizar sus obras en gran medida. Una de las figuras más emblemáticas de este movimiento es Andy Warhol, exponente que goza de vigencia en sus obras hasta el día de hoy. Sus obras destacan por la reproducción y carga visual del color de sus imágenes. La mayoría de sus trabajos involucran a figuras como Marilyn Monroe, Elvis Presley y otros artistas de la época. Sus trabajos solo se concentraban a reproducir una imagen desde diferentes tonalidades de colores, sobrecargando cada vez más la imagen y así pues, aumentando la carga de la misma. El Pop Art es un movimiento artístico que reúne lo cotidiano elevado a la potencia, haciéndolo más proporcional y permitiéndole introducirse en mayor medida a quien decide dedicarle unos cuantos segundos de su atención a dichas obras resultantes de este movimiento.

DISEÑO GRÁFICO

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FOTOGRAFÍA

DISEÑO DE INTERIORES - comic - tipografía

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sin darse cuenta, pues se convierte en parte de su vida cotidiana y debido a esto, el arte pasa desapercibido. Un ejemplo de esto puede ser el joven que a diario escucha música y no se da cuenta de la importancia que ésta puede tener en su vida debido a lo normal y frecuente que éste se encuentra presente en su vida. El Pop Art toma como elementos lo cotidiano de la vida en un país, retratando por ejemplo las figuras artísticas o públicas más conocidas y representativas de una nación. Con los elementos presentes en la cotidianidad, la idea consiste en que el espectador pueda identificar fácilmente los elementos, creando a primera vista un lazo entre la obra y la persona que la analiza.

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ste movimiento fue una especie de rebelión contra el Expresionismo Abstracto, que era considerado por los artistas del Arte Pop como pretencioso y sobre-intenso. El arte y los artistas son sin duda alguna uno de los gremios más importantes en la sociedad ad. Bien sea música, pintura, actuación, artes plásticas o baile, cada una de estas actividades pueden ser tan simples como complejas según los ojos que los vean. Se trata entonces de un importante elemento en la sociedad, que sin duda alguna ha pasado por cada una de nosotros de una u otra manera. Los seres humanos tienden a desarrollar gran amor por el arte, a veces

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l Pop Art se caracteriza por utilizar técnicas y temas tomados de la cultura popular como comics, publicidad y objetos cotidianos comunes. Este movimiento es generalmente interpretado como una reacción a las ideas del expresionismo abstracto. El Pop Art intenta utilizar imágenes populares en contraste con la cultura elitista del arte, poniendo énfasis en los elementos banales de la cultura, haciendo uso muchas veces de la ironía. Los colores usados por los artistas pop, predominantemente el amarillo el rojo y el azul, son vividos y, en comparación con otros movimientos, no representan la sensación del mundo interior del artista. En realidad hacen referencia a la cultura popular, cultura que inspiro al artista Andy Warhol a experimentar con técnicas como la serigrafía, técnica muy popular que se usa para la producción masiva. El famoso artista pop, Roy Linchtenstein desarrollo un estilo basado en la visión vernácula de la comunicación: las tiras cómicas. Las características de este estilo son: contornos negros, colores vivos y tonos tomados de los puntos Benday (que era un método

de impresión de tonos en los libros de historietas de los años 50 y los 60). Las características del Arte Pop son: líneas claras, pintura nítida y representación clara de símbolos, personas y objetos encontrados en la cultura popular. En realidad, el Arte Pop sustituye a los elementos satíricos, destructivos y anárquicos del movimiento Dada (movimiento cultural que apareció en Zúrich durante la primera guerra mundial y que se concentra en una política anti-bélica a través del rechazo de las normas vigentes del arte por medio de un anti-arte en sus obras) y por tener un respeto por la cultura de masas y el consumismo. Los artistas pop gustaban de satirizar los objetos, ampliándolos en ocasiones en grandes proporciones. La comida en el Arte Pop fue un tema común, pero también lo eran los objetos del hogar como sillas y tapas de baño de plástico blando que eran utilizados como lienzo, en lugar de los materiales usados habitualmente. Un ejemplo de esto es la obra Soft Toilet de Claes Oldenburg. Warhol trato de mantener esa fascinación por la fama, mostrándola claramente en sus obras y dejando

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“Creo que no hay mejor artista que el pintor de paredes. Lo que más me gusta es cuando hacen el revoque.”

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su interpretación y significado en manos del espectador. El movimiento pop y el papel de los medios de comunicación fue resumido por Andy Warhol en su famosa cita: En el futuro todos serán famosos por quince minutos. Las revistas, la televisión, la prensa y Hollywood producen nuevas imágenes todos los días, lo que significa que constantemente están enriqueciendo la cultura popular. Todo lo que nos rodea es solo una imagen lista para ser consumida. El más famoso artista pop americano, Andy Warhol tenía un especial interés por las estrellas de cine, esa pasión fue representada en su arte en 1962 cuando empezó a crear retratos de Marilin Monroe.

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“BANANA ALBUM” Andy Warhol 1967 Portada de disco 638 x 479 cm Warhol ilustró banana más famosa del rock. Fue para la portada del álbum El Velvet Underground y Nico se convirtieron en un grupo del neoyorquino, de hecho se conoce por el sobrenombre El álbum de plátano. Con más de cuatro décadas a las espaldas, la banana de Warhol se ha convertido además en un codiciado objeto de deseo.

“MY MARILYN” Richard Hamilton 1965 Collage 1536 x 1263 cm Londres

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Marilyn Monroe exigió que los resultados de las sesiones fotográficas se le presenten para su verificación antes de su publicación. Ella hizo indicaciones, brutal y bellamente en conflicto con la imagen, en pruebas y transparencias para dar aprobación o rechazar; O sugerencias para retoques que puedan hacerlos aceptables.

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“WOMAN IN BATH” Roy Linchtenstein 1963 Magna en lienzo 698 x 706 cm En este tema, tan frecuente en la historia del arte en forma de “Baño de Venus”, Lichtenstein, uno de los artistas que en la década de los años sesenta reaccionaron contra el lenguaje del expresionismo abstracto e iniciaron el movimiento pop, logra transformar las apariencias al sustituir la reproducción mecánica del cómic por el trabajo manual del pintor.

“FASHION PLATE” Richard Hamilton 1969 Impresiones y múltiplos, Litografía offset, collage, serigrafía y pochoir 800x610mm Londres

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Este británico comenzó su carrera en dibujo técnico y mientras daba clases e el instituto de arte contemporaneo de Londres hizo un collage y mientras daba clases en el instituto de arte contemporaneo de Londres hizo un collage que se convertiría en el manifiesto del arte pop.

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gran cantidad de modificaciones en el género de los superhéroes. Durante la misma se introdujo una fuerte cantidad de recursos de ciencia ficción en los orígenes, poderes o aventuras de los personajes, en el pop art se usaron artefactos culturales populares, como la publicidad y el empaquetado, como material de fuente para el arte fino, o galería-expuesto, Roy Lichtenstein, uno de los pintores más conocidos del pop art, escogió específicamente paneles individuales de cómics y repintó las imágenes, modificándolas hasta cierto punto en el proceso, pero incluyendo en la palabra pintura y los globos de pensamiento y los subtítulos, así como agrandados - los puntos de color de la escala que imitan el proceso que colorea entonces utilizado en los libros cómicos del papel prensa. Una exposición de arte de la tira cómica fue llevada a cabo en el museo de artes decorativos del Palais de Louvre en 1967, y los libros pronto fueron publicados que contenían discusiones serias del arte de los tebeos y de la naturaleza del medio.

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odo comienza con un lápiz y papel. Haces algunas garabatos, tal vez dibujas tu propio superhéroe, inventas una historia entera con villanos, tira algunos subtítulos, burbujas de discurso, onomatopeya ... y antes de que te des cuenta, hiciste tu propio arte de cómic. Esta forma artística winsome encontró una manera de combinar palabras y cuadros en un equilibrio perfecto que en un cierto punto del vigésimo siglo ha tomado el mundo por asalto. No fue antes de la invención de las técnicas de impresión moderna que los cómics llevaron esta forma de arte a una amplia audiencia y se convirtió en un medio de masas, pero mientras que las historietas del siglo 19 eran principalmente satíricas publicaciones, la manía de superhéroes que sigue siendo popular hoy como El tema principal de los cómics comenzó un poco más tarde, en los años 1920 y 1930. Son multitud las obras de arte pop basadas en historietas. Este movimiento surgió junto a la edad de plata de los comics, esta implicó una

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“WHAAM!" Roy Lichtenstein 1963 Pintura acrílica, Pintura al aceite, Magna. 1.7 m x 4 m Tate Modern Considerada por los críticos del arte como una de las obras más importantes del artista, esta pintura fue creada a partir de imágenes de cómics de guerra. Whaam! es en ocasiones encasillado en el mismo género de anti-guerra que el Guernica de Picasso. Las creaciones con expresiones textuales como título pronto se convertirían en una marca del trabajo de Roy Lichtenstein, como se puede comprobar en Bratatat! y Varoom!

“LOOK MICKEY”

Roy Lichtenstein 1961 Óleo sobre lienzo 121,9 cm x 175,3 cm Galería Nacional de Arte compendium

Look Mickey representa la primera vez que Roy Lichtenstein transpuso directamente una escena y un estilo de una fuente de cultura popular, el libro infantil de 1960 Donald Duck: Lost and Found

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“DROWNING GIRL" Roy Lichtenstein 1963 Pintura al aceite en lienzo 171.6 cm × 169.5 cm Museum of Modern Art, New York Examinando a Drowning Girl en términos de este eje vertical, podemos ver que Lichtenstein está aceptando la cultura popular y negando las expectativas artísticas preexistentes que tienen sus fundamentos en la pintura clásica. Está fuertemente influenciado por un panel cómico de 1962 de DC Comics, sin embargo, la referencia artística más interesante que creo que Lichtenstein hace en su pintura es una referencia a la impresión japonesa del siglo XIX

“M-MAYBE” Roy Lichtenstein 1965 Pintura acrílica, Pintura al aceite, Magna. 152.4 cm × 152.4 cm Museo Ludwig

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Representa a una muchacha atractiva rubia, que es típica de las adaptaciones románticas del cómic de Lichtenstein. Como es un tema común entre estas obras, ella espera a un hombre en un ambiente vago pero urbano. La burbuja de pensamiento dice "M-Tal vez se enfermó y no pudo salir del estudio". El texto y su expresión conjuntamente captan su preocupación continua y anticipación.

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Revue Drop Shadow, son tipografías típicamente utilizadas durante el Pop Art. Durante la década de los años 60, los artistas vinculados al movimiento artístico del Pop Art basaron sus obras en los diferentes momentos de la vida cotidiana. Los diferentes diseñadores gráficos y artistas del movimiento captaron el espíritu de la época y lo transformaron al lenguaje tipográfico. Así, la influencia del Pop Art en la tipografía dio como resultado la creación de una serie de fuentes que se caracterizaban por su estética. La tipografía fue uno de los elementos, dentro de esta corriente estética, que provocó gran impacto en la sociedad, debido de al notable cambio formal. En este periodo, se deformaron las tipografías con una notoria fantasía, generando un estilo que connotaba las diferentes percepciones que el ser humano experimenta bajo el efecto de las drogas.

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ebido a la influencia del Pop Art, las tipografías dejaron de ser una compañía a las ilustraciones y se convirtieron en una forma visual, y asi conseguir brindar a las obras modernidad, agilidad y velocidad. El Pop Art es un estilo caracterizado por la gran experimentación tipográfica, llegando en numerosas ocasiones a los límites de la legibilidad. Se dio inicio a la experimentación con formas y tamaños de las letras, a tal punto que en algunos casos se llegaba a perder la legibilidad de estas. La influencia del Pop Art en la tipografía dio como resultado la creación de una serie de fuentes que se caracterizaban por su estética. El primer autor que destaca por realizar una tipografía del estilo es Piero Manzoni en 1958. De este modo, tipografías como la Revue, Futura Black Extended, Marquee Flash, Capone Light, Rockwell Extra Bold, Dreamland, VAG Rounded Bold o la

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“POP ART CÓMIC ” Richard Kegler & Desmond Poirier 1999 El conjunto de fuentes Pop Art fue desarrollado para la Galería de Arte Albright-Knox y está inspirado en su colección de Pop Art. Artistas como Warhol, Lichtenstein y Rauchenberg trataron de desdibujar las líneas entre arte alto y bajo, así como las fronteras entre arte y vida cotidiana. Los alfabetos y Extras de este conjunto reflejan ese espíritu.

“BABYTEETH” Milton Glaser 1968 compendium pop art

Es uno de los tipos de letra más temprano y más exitoso de Glaser - utilizado en su cartel más famoso - junto a muchas otras promociones de música notables, como este cartel para Mahalia Jackson en el Lincoln Center.

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“REVUE” Colin Brignall 1969 Revue es un diseño sans serif que se caracteriza por pesadas letras en forma de arco, trazos que se recortan en los extremos de algunos capiteles, por ejemplo el F y el H, y una línea de base irregular.

“BABY FAT ” Milton Glaser 1964

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Contorno, Negro, Sólido - todo con minúsculas - además de sus versiones condensadas. Glaser lo utilizó para su póster de Simon & Garfunkel desde enero de 1967

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arte, haciendo de éste algo accesible a toda la sociedad. Aunque cada país alberga unas características propias que diferencia su corriente de Arte Pop de la de otros, lo cierto es que, de una forma o de otra, todas están ligadas a la cultura estadounidense, ya se vista desde dentro o desde fuera se desarrolla dentro de la cultura de masas y del marco del capitalismo y la reproducción industrial. Lo que significa que las obras surgidas dentro del mismo, estarían influenciadas, en cierto modo, por ambas corrientes. Así, podría decirse que estamos frente a un arte “reproducible”, haciendo que todo el mundo pueda acceder a él y conocerlo. Como característica principal de las pinturas esta experimentar con piezas libremente interpretadas y mezcladas con imágenes sacadas de cuadros del Viejo Oeste , o la cultura popular utilizando óleos , acrílicos como material básico para este arte. Entre nuestros máximos representantes de la pintura en el pop se encuentran artistas de muchos estados tales como : Richard Hamilton , David Hockney y James Rosenquist .

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l Pop Art o Arte Pop, es un movimiento artístico nacido en el siglo XX. Su aparición surge como una respuesta contra la corriente artística del momento, el Expresionismo Artístico, identificado con la parte elitista de la sociedad. Son las ciudades de Londres y de Nueva York las primeras en tener constancia de esta nueva forma de arte popular. En la primera de ellas, aparece hacia mediados de los años 50 y es a finales de esta época cuando comienza a aflorar en Estados Unidos, lugar desde el que se exporta, años más tarde, a Canadá y Europa Esta corriente artística de la etapa modernista realza el valor de la cotidianeidad. De este modo, a través de imágenes y representaciones de objetos populares intenta retratar la realidad del momento. Un presente que caminaba ya hacia un cambio cultural que se desarrollaría en los años posteriores, principalmente en la década de los 60. Se centra, sobre todo, en imágenes fáciles de identificar y de reconocer, elevándolas hasta la valoración de

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“DEVICE” Jasper Johns 1961 -1962 Óleo lienzo 182,88 x 121,92 x 11,43 cm Dallas Museum of Art Dos significados se han atribuido a mis pinturas de la bandera de tal manera que no se piensa en ella como bandera sino sólo como pintura.

“DÍPTICO DE MARILYN” Andy Warhol 1964 Óleo 101.6 x 101.6 cm Tate Modern

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Desde la trágica muerte de Marilyn Monroe por sobredosis de barbitúricos en 1962, Andy Warhol comienza a trabajar en multitud de obras que tienen a la actriz como protagonista. Y es que el maestro del arte pop estaba tan interesado en mostrar en sus obras productos del consumo de masas, que no pudo desperdiciar la oportunidad de mostrar a la actriz como un producto más perteneciente a la cultura popular.

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“THREE FLAGS” Jasper Johns 1958 Tres banderas en cáustico sobre lienzo 78,4 x 115,6 x 12,7 cm Whitney Museum of American Art A mediados de la década de 1950, Jasper Johns comenzó a explorar los límites entre la abstracción y la representación mediante el uso de símbolos familiares. Describió a sus sujetos como “cosas que la mente ya conoce”. En este trabajo, cambia el énfasis visual del significado emblemático de la bandera americana a la geometría de su patrón y la superficie abigarrada del cuadro.

“SMOKER , 1 (MOUTH 12 )” Tom Wessemann 1967 276,6 x 216 cm.

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En su enfoque en una parte del cuerpo, esto realza el elemento de fetichismo presente en la obra anterior de Wesselmann. Las funciones de la boca incorporadas como una especie de símbolo de fertilidad para la edad moderna, y también como un autorretrato amable. El simbolismo es una clase de tarjeta de visita visual para el artista.

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“PRESIDENT - ELECT” James Rosenquist 1960 Óleo sobre masonita 228 x 365.8 cm Museo Nacional De Arte Moderno de París Como muchos artistas pop, Rosenquist estaba fascinado por la popularización de figuras políticas y culturales en los medios de comunicación. En su pintura al estilo de la cartelera, el presidente electo, el artista fusiona la publicidad de calibre Madison Avenue con ambición política al representar el rostro sonriente de John F. Kennedy junto a artículos de consumo - a saber, un Chevrolet amarillo y una rebanada de pastel de un anuncio.

“RED PAINTING” Robert Rauschenberg 1953 Óleo, tela y periódico sobre lienzo con madera. 73,7 x 84,7 cm The Solomon Guggenheim Museum compendium pop art

Pertenece a una serie de pinturas fue creada sobre todo en pintura roja en terrenos del periódico y telas modeladas que se han atado al lienzo. Pintados con mucho cuidado, los pigmentos se aplican en una variedad de formas, incluyendo pinceladas, goteos, impasto, y se exprimen directamente del tubo.

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“A BIGGER SPLASH” David Hockney 1967 242,6 x 243,8 cm Acrílico con rodillo y pincel. Tate Museum Un chapoteo más grande muestra un día típico de California - caliente y soleado, con un cielo azul despejado. En el fondo, dos palmeras se ciernen sobre una gran casa de una sola planta, con techo plano y grandes puertas correderas de vidrio, frente a las cuales se encuentra una silla vacía de director con finas piernas cruzadas sobre un amplio patio rosa. Una sombra bajo la silla sugiere que el sol está alto en el cielo, alrededor del mediodía.

“MAN TAKING SHOWER IN BEVERLY HILLS” David Hockney 1964 Pintura acrílica sobre lienzo 167,3 x 167 cm Tate Gallery compendium pop art

Esta pintura incluye algunos de los temas favoritos del artista: agua en movimiento, la cortina, escenas domésticas e imágenes homoeróticas. El motivo de la cortina había interesado a Hockney durante varios años. La fuente de la figura es una fotografía tomada por el Athletic Model Guild, que se especializó en desnudos masculinos, la figura también tiene similitudes con varios Imágenes en Physique Pictorial.

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algunos aspectos del expresionismo abstracto, como la creencia en las posibilidades de hacer arte en obras de grandes proporciones, Pablo Picasso y Marcel Duchamp, que son algunos de los artistas considerados como precursores del movimiento pop ya que ellos en sus esculturas representabas sentimientos muy similares a los del pop art. Las fuentes del pop se inspiran con la realidad cotidiana del momento, de la cultura de masas que nace de industria de la reprodcción. Estos artistas intentaban buscar imágenes sencillas y reconocibles para llevarlas a la categoría del arte. A partir de 1976 se crea proyectos de gran escala aplicados ingeniería Urbana y que constituyen un verdadero alarde de ingenio e ironía. El trabajo de Oldenburg y muchos otros artistas dedicado a la escultura en el pop art reflejan una sensibilidad creativa que esta influenciada por su país de origen, por sus historias educativas, profesionales y también por sus personalidades. Entre nuestros máximos representantes tenemos a Claes Oldenburg y Coosje van Bruggen.

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l pop Art nace en Estados Unidos a finales de los años 50 , el hombre ha practicado la escultura desde la época paleolítica, bien como arte o como objeto de uso mágico – religioso, lo materiales antes era piedras huesos y marfil, pues bien para pop art el hombre intenta crear algo diferente, teniendo precisamente a Claes Oldenburg como uno de sus pioneros en la escultura. En este lugar, este arte nació como reacción frente al Expresionismo Abstracto, ya que lo consideraba vacío y eslitista, además trajo consigo el regreso de la ironía y la parodia para compensar el simbolismo personal que se encontraba en el expresionismo abstracto, y a mediados de los año 50 nace en el Reino Unido, en este caso el origen de este arte fue la imaginación paradójica de la cultura popular americana y el material que dió la expresividad de este, eran objetos como plásticos, cartón, elementos como madera pintada, metales, alambres, y telas gruesas. Sin embargo el Pop Art también es conocido como la continuación de

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“PEPSI COLA SIGN” Claes Oldenburg 1961 Muselina empapada en yeso 148 x118,1 x19,1 cm. The Museum of Contemporary Art Se dice que Oldenberg quiso llamar la atención del público, haciendo un llamado vendiendo una lata de gaseosa, pero vendiendo arte ante el mercado que había en el rubro de gaseosas.

“HATSTAND, TABLE AND CHAIR” Allen Jones 1969 Fibra de vidrio 1.85 m Tate Gallery Han sido descritos en retrospectiva como “emblemáticos del espíritu de los años sesenta” y una “sensación internacional”. En el momento en que fueron recibidos con protestas enojadas, en particular de las feministas que los veían como una objetivación de las mujeres.

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“SOFT TOILET” Claes Oldenburg 1966 Madera, vinilo kapok, alambre sobre soporte de metal y base de madera pintada. 142,6 x 79,5 x 76,5 cm Museo Whitney de Arte Americano Es un notorio homenaje a la famosa obra de Duchamp, y al igual que su infame predecesor, es una característica mundana de la casa moderna destinada al uso privado en contraposición a la contemplación estética. Si bien es una representación sin artificio, esta forma es poderosa en presencia, no meramente una imitación de lo que representa, sino una forma independiente y expresiva capaz de expresión, como el cuerpo humano.

“7- UP” Claes Oldenburg 1961 55.3 x 39 cm The Museum of Contemporary Art compendium pop art

La superficie arrugada y la pintura aplicada superficialmente se relacionan con la estética gestual dominante del expresionismo abstracto y con el desorden de la basura de la calle.

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“PAINT TORCH” Claes Oldenburg 2011 Escultura 9,4488 m Lenfest Plaza La antorcha de la pintura se coloca en el punto de su manija en un gesto que desafía a la gravedad. Cerca del piso de la plaza hay un “globo” de pintura de seis pies de altura, parte de la cual el pincel se ha elevado al cielo en una representación del acto de pintar un cuadro. El “glob” y “blip” en la punta del cepillo son iluminados desde dentro por la noche.