Programa de mano, OSUG, 11 - 2da Temp, 2022

20:00 horas | TEATRO PRINCIPAL | Guanajuato

PROGRAMA 11

Enrique RADILLO | director invitado Héctor FERNÁNDEZ | oboe / corno inglés

Armando LUNA (1964-2015)

Elegía* (1991)

Hebert VÁZQUEZ (n.1963)

Cántico, para oboe / corno inglés y orquesta**(2022)

Sergei PROKOFIEV (1891-1953)

Sinfonía no. 7 en do # menor, op. 131 (1951-1952)

I. Moderato II. Allegretto – Allegro III. Andante espressivo IV. Vivace *Estreno en Guanajuato ** Estreno mundial

TRANSMISIÓN EN VIVO Y DIFERIDA EL 13 DE NOVIEMBRE LAS 10:00 HORAS POR RADIO UNIVERSIDAD DE GUANAJUATO Consulta programación www. radiouniversidad.ugto.mx

ORQUESTA SINFÓNICA

Tradición y Vanguardia

La Orquesta Sinfónica de la Universidad de Guanajuato (OSUG) ocupa un lu gar privilegiado en el panorama musi cal de México como uno de los ensambles orquestales de mayor prestigio en el país y con una sólida proyección internacional. Desde su fundación, importantes solistas y directores han participado en los progra mas de la orquesta, entre ellos Francesca Dego, Yuja Wang, Brodsky Quartet, Shlo mo Mintz, Dmitri Hvorostovsky, Neeme Järvi, Cyprien Katsaris Christian Lindberg, Eduardo Mata, Jorge Federico Osorio, Leif Segerstam, y el Trío Altenberg.

En razón de su alta calidad interpre tativa, la OSUG es la orquesta residente del Festival Internacional Cervantino, el festi val dedicado a las artes escénicas más im portante de América Latina, mismo en el que ha participado con programas de gran trascendencia como el estreno en México de la Sinfonía no. 4 de Lutoslawski, las Sin fonías no. 4 y 7 de Shostakovich, Das Lied von der Erde de Mahler y decenas de es trenos y ejecuciones de obras de compo sitores tales como Mario Lavista, Joaquín Gutiérrez Heras, Phillip Manoury, Igor Stra vinsky, Anton Bruckner, Silvestre Revueltas. Gracias a su enorme repertorio, dinamismo y personalidad, la OSUG ha sido invitada a diversos festivales nacionales y ha realizado múltiples giras internacionales.

Esta orquesta es testimonio vivo de la larga tradición cultural del estado de Gua najuato y es la primera orquesta profesio nal permanente de una universidad mexi cana. Su concierto inaugural ocurrió el 25 de abril de 1952 bajo la batuta del maestro José Rodríguez Frausto, quien estuvo al frente de ella por 34 años. En 1986 asumió la dirección el maestro Mario Rodríguez Ta boada y para 1992 la OSUG se fusionó con

la Filarmónica del Bajío para crear un solo organismo, del cual asumió la titularidad Héctor Quintanar. Durante este periodo, la orquesta desarrolló un valioso proyecto de difusión de la música nacional con la gra bación de seis discos compactos de la co lección Compositores Mexicanos, integra da por 32 obras inéditas de 23 autores.

En 1997 José Luis Castillo asumió el cargo de director titular y expandió nota blemente el repertorio de la orquesta, reco rriendo todas las etapas del vasto espectro musical con un acento particular en lo con temporáneo. De 2005 a 2011 Enrique Bátiz asumió el cargo de director invitado y ase sor musical, con quien la OSUG realizó giras por China y Egipto.

En 2012, año en que la OSUG cum plió sesenta años de existencia, se designó como director titular al maestro Juan Tri gos, quien continuó la idea de difusión de la música nacional impulsada en la OSUG por Héctor Quintanar. Entre 2012 y 2014 se efectuaron giras por México, Estados Uni dos e Italia.

En junio de 2015 Roberto Beltrán-Zavala fue nombrado director titular de la OSUG. Con una sólida carrera internacional y una nutrida agenda de conciertos su enfoque en el sonido Orquestal y en el repertorio post-romántico ha dado a la OSUG una profunda personalidad como ente artístico.

En mayo y junio de 2017, con moti vo de sus 65 años de fundación, la OSUG realiza exitosamente una gira por Europa, donde compartió escenario con, el Cuar teto Brodsky, Francesca Dego y Shlomo Mintz, en importantes salas de conciertos y teatros de España, Francia, e Italia donde se culminó con un exitoso concierto en la prestigiada sala Verdi en Milán.

DE LA UNIVERSIDAD DE GUANAJUATO

ARMANDO LUNA PONCE (1964-2015)

Elegía

Don Eugenio Luna Gamboa realizó a lo lar go de su vida un trayecto que ha marcado también a numerosos hombres de todos los tiempos. Comenzó trabajando para otros y con el tiempo, a base de esfuerzo personal, tuvo su negocio propio y se convirtió en su propio jefe. Don Eugenio no era un melóma no muy apasionado ni muy conocedor; acaso, gustaba de las polkas norteñas, pero observaba con interés la afición temprana de su hijo Armando por la música, particu larmente cuando éste realizaba sus prime ras audiciones de las obras de Debussy y Revueltas. Es precisamente a Don Eugenio Luna Gamboa que está dedicada la Elegía escrita por su hijo Armando Luna Ponce, compositor notable de su generación, conocido amigablemente entre sus allega dos como “El Chihuahua” por su tierra de origen, y quien fuera miembro del Sistema Nacional de Creadores desde el año 2000.

En términos sencillos, una elegía es una canción de lamento, o una pieza instrumen tal de carácter luctuoso o fúnebre. Como antecedente lejano de la elegía, están las piezas tituladas genéricamente déplora tion, que los compositores renacentistas y barrocos (particularmente los franceses) solían componer a la muerte de un maestro o colega ilustre y querido. A este género de composiciones, que han sido producidas por compositores incluso de nuestro tiem po, se les conoce también como tombeau

Desde entonces, las elegías han tomado muy diversas formas, desde sencillas canciones hasta complejas partituras orquestales, pas ando por obras concertantes y piezas para variadas dotaciones camerísticas.

Entre 1989 y 1991, Armando Luna estudió la maestría en composición en la Universidad Carnegie-Mellon de Pittsburgh, gracias a una beca conjunta que le fue otorgada por la propia universidad y por el Fondo Nacio nal para la Cultura y las Artes, a través del programa Jóvenes Creadores. En esos años en Pittsburgh, Armando Luna tuvo como maestros principales a los compositores Leonardo Balada (1933) en composición y Reza Vali (1952) en música electrónica. La idea de escribir una pieza en memoria de su padre (fallecido en 1986) llevaba varios años de fermento, y no fue sino hasta (1991) que Armando Luna puso manos a la obra. Originalmente, su plan era el de escribir una sinfonía en cuatro movimientos, pero la idea fue pospuesta una y otra vez debi do a la gran cantidad de obras de cámara que el compositor abordó en ese tiempo. Fi nalmente, la Elegía quedó como una obra independiente, con su propia identidad y su propio valor. La obra se inicia con una cam panología que funciona simultáneamente como una convocatoria y como un preám bulo al ritual luctuoso. Esta sonoridad es un elemento recurrente importante y, de hecho, es utilizada por el compositor para la conclusión de la obra.

Entre estos dos extremos, la Elegía de Armando Luna transita por el esque ma formal propio de un rondó, al inte rior del cual se plantean varios solos de instrumentos individuales de la orques ta.El elemento propiamente luctuoso de la obra está planteado por el com positor en la coda, cuyo ostinato hace las veces de una marcha fúnebre. Al interior de este ostinato, se repite la campanología del inicio de la obra, cerrando el ciclo tanto en lo formal como en lo expresivo. Si bien la obra tiene la sólida e individual identidad de toda la música de Armando Luna, el propio compositor mencionó que a lo largo de su desarrollo es posible percibir algunas connotaciones impresionistas cercanas a Claude Debussy (1862-1918), así como al gunas sonoridades ásperas, primigenias, que tienen que ver con el mundo acústico de Silvestre Revueltas (1899-1940). Es decir, precisamente los dos compositores a través de los cuales Don Eugenio Luna Gamboa asistió al despertar musical de su hijo.

Armando Luna compuso la Elegía para una orquesta de maderas a dos, metales a uno, arpa, piano, timbales, dos percusionis tas y cuerdas. La partitura fue terminada en (1991) y recibió su estreno absoluto en mayo de ese mismo año, con la orquesta estudiantil de la escuela de música de la Universidad Carnegie-Mellon en Pitts burgh, bajo la dirección de Eduardo Alonso Crespo.

El estreno en México de la Elegía de Ar mando Luna ocurrió en el año (2003), con la Orquesta Sinfónica Nacional dirigida por Jesús Medina.

SERGEI PROKOFIEV

(1891-1953)

Sinfonía no. 7 en do sostenido menor, op. 131 Moderato

Allegretto-Allegro Andante espressivo

Vivace

Hallar los puntos de contacto entre Sergei Prokofiev y Dmitri Shostakovich (1906-1975) es sin duda una tarea musi cológica apasionante y muy satisfactoria. Para efectos de este texto, sin embargo, basta decir que ambos fueron grandes com positores soviéticos y que los dos fueron hostigados y perseguidos por la brutali dad del régimen stalinista, especialmente a través del esbirro cultural de Stalin, el nefasto Andrei Zhdanov. Como era lógico que ocurriera, y a pesar de posibles discrep ancias estéticas o ideológicas, Prokofiev y Shostakovich se tenían un gran respeto mu tuo. Una de las muchas pruebas de ello es este texto de Shostakovich, escrito para la publicación Música Soviética:

El canto del cisne de Prokofiev, su Sép tima sinfonía, es una de las mejores obras de nuestra época. Refleja las emociones y los ideales de la van guardia de la humanidad y expresa la vitalidad optimista de la juventud. Gloria al compositor que ha logrado en sus últimos días crear una obra tan luminosa que cautiva al oyente con su belleza musical, su sinceridad de expresión, su serena simplicidad. Esta es la verdadera música realis ta de nuestra era, esta música que presagia un magnífico futuro.

Salvo por el discutible “magnífico futuro”, que nunca llegó, el texto de Shostakovich es una buena aproximación a la última de las sinfonías de Prokofiev, y tiene un valor especial por haber sido escrito por quien quizá haya sido el más grande sinfonista ruso de todos los tiempos.

La Séptima sinfonía de Prokofiev fue el resultado de un encargo que le hizo al compositor la división infantil de Radio Moscú; de ahí que el lenguaje de la obra sea mucho más simple y directo que el de sus anteriores sinfonías, especialmente la Quinta y la Sexta. De hecho, algunos au tores se han referido a esta obra como la Sinfonía juventud, aunque la partitura no lleva este título ni ningún otro. La aparente sencillez de la sinfonía fue criticada en su momento como una especie de concesión o regresión por parte de Prokofiev, y esto fue quizá lo que ocasionó que la obra no tuviera inicialmente mucho éxito fuera de las fronteras de lo que fue la Unión Soviética.

Prokofiev escribió la Séptima sinfonía entre 1951 y 1952, y tuvo la partitura de piano lis ta en marzo de 1952. Para entonces, su sa lud ya estaba muy deteriorada, de modo que para orquestar la sinfonía tuvo que solicitar la ayuda de su amigo el pianista Anatoly Vedernikov. El estreno de la Sép tima sinfonía de Prokofiev se llevó a cabo en Moscú el 11 de octubre de 1952, bajo la dirección de Samuel Samosud, y resultó un éxito a nivel local. El primero movimiento se inicia en un ambiente severo, casi oscuro, y pronto se anima en tempo, aunque no en espíritu. El episodio protagonizado aquí por el glockenspiel es estructuralmente

importante, porque Prokofiev retomará este material más adelante. El segundo movi miento se mueve como una especie de valsfantasía, y está basado en un tema que Prokofiev había concebido en 1950. Hay aquí un claro ambiente de música de salón, con los característicos toques de humor y sarcasmo de Prokofiev. La orquestación y el estilo, por su ligereza y transparencia, recuerdan el mundo sonoro de la prime ra de las sinfonías del compositor ruso, la conocida como Sinfonía clásica (1917). El tercero es el movimiento más breve de los cuatro y está planteado como una forma ternaria a base de dos temas, aunque por momentos también pueden detectarse aquí algunos procedimientos de variación. El movimiento es contemplativo en gene ral, pero hay en él una cierta aspereza en cuanto a armonía y líneas melódicas. El primero de los temas utilizados aquí por Prokofiev proviene de la música escénica que el compositor había escrito en 1936 para el Eugenio Oneguin de Pushkin. El movimiento final parece referirse, de nue vo, al ambiente sonoro de la Sinfonía clási ca, y no es difícil encontrar aquí el espíritu de Joseph Haydn (1732-1809) filtrado por el estilo de Prokofiev. Este movimiento tiene una inesperada sección marcial después de la cual el tempo se hace más vivo, para dar paso a un episodio dramático de mayor peso expresivo. Hacia el final de la obra, vuelve el sonido del glockenspiel, con una breve reiteración de los materiales del primer movimiento, y en las últimas páginas de la sinfonía Proko fiev propone una serie de sonoridades fantásticas que parecen prefigurar el final de la Sinfonía no. 15 (1971) de Shostakovich.

Este no era un final típicamente brillante para una sinfonía, de modo que más tar de, Prokofiev compuso un final alterna tivo, optimista y fogoso, para su Séptima sinfonía. El violonchelista Mstislav Ros tropovich afirmó que este nuevo final, más ortodoxo, había sido propuesto por Proko fiev con el único fin de asegurarse un pre mio oficial, y que el compositor ordenó que el final alternativo fuera destruido después de su muerte. Sea como fuere, el caso es que el estreno de su Séptima sinfonía fue el último concierto al que el compositor pudo asistir, ya que murió pocos meses después, en marzo de 1953. Cuatro años después, a título póstumo, la Séptima sinfonía de Prokofiev obtuvo el Premio Lenin, siendo esta la primera vez que el premio se otor gaba a una obra musical.

HEBERT VÁZQUEZ (1963)

Cántico, para oboe/corno inglés y orquesta

Si bien es cierto que la palabra “cántico” re mite de inmediato al concepto de la músi ca cantada, no está de más, a modo de introducción, hurgar en el añejo Dicciona rio Técnico de la Música de Felipe Pedrell para profundizar un poco: Cánticos. En el canto gregoriano, además de los Salmos, hay los cán ticos Magnificat, Benedictus, que tienen una forma melódica especial para entonar el primer fragmento del versículo, la cual recibe el nombre de Initium

De esta definición se infiere que algunas obras posteriores a la Edad Media que

llevan en su título la palabra “cántico” tienen cierta asociación, a veces indirecta, con un concepto religioso. Tal es el caso, por ejemplo, del Canticum Sacrum (1955), de Igor Stravinski (1882-1971), y del Cánti co para orquesta: En alabanza de Shahn (1969) de William Schuman (1910-1992).

Hay ocasiones en que el impulso de com poner una obra surge, de manera indirec ta, de otra obra. Tal es el caso del Cántico de Hebert Vázquez. Con motivo del estre no de su obra Tándava (2020) para flau ta y orquesta, el compositor fue aborda do por Héctor Eduardo Fernández Purata, ejecutante del oboe y el corno inglés en la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Guanajuato, quien le manifestó su apre cio por la obra y su deseo de poder tocar, en el futuro, una obra de Vázquez para sus instrumentos. Tal obra no existía pero, poco tiempo después, la muerte del gran compositor y maestro Mario Lavista (19432021) condujo a Hebert Vázquez a abordar la creación de su obra Cántico, por las ra zones que él mismo describe a continu ación:

En la tradición de concierto occiden tal se suele atribuir a los instrumentos de doble caña una capacidad para la expresión de lo trágico, lo solemne, o de emociones como la aflicción y el desconsuelo. Pensemos, por ejemplo, en el papel protagónico que Beetho ven le otorga al oboe en la marcha fúnebre de su Tercera sinfonía (1803), o en el célebre solo de fagot con el que da inicio la sinfonía Patética (1893) de Chaikovski. En tiempos más recientes, podríamos citar el Ritual in

memoriam Bruno Maderna (1974-75), de Pierre Boulez, que hace un profuso empleo del oboe, o las obras de Mario Lavista, Marsias (1982), para oboe y copas de cristal —que toma su nom bre del sátiro que desafió a Apolo a un duelo musical y que al ser derrotado fue desollado vivo—, y Responsorio in memoriam Rodolfo Halffter (1988), para fagot y percusiones. Siguiendo esta tradición, mi obra Cántico (2022), para oboe, corno inglés solistas (in terpretados por un solo instrumentis ta) y orquesta, está escrita a la me moria de mi maestro, Mario Lavista, quien falleciera el 4 de noviembre de 2021. Con él estudié composición en el Conservatorio Nacional de Música a fines de la década de 1980, y desde entonces fue un amigo querido y ad mirado. En Cántico decidí conceder un rol destacado a las percusiones para enfatizar el carácter solemne y austero de la narrativa sonora. A pesar de que se trata de una obra recorrida por un sentimiento de due lo, también es posible encontrar en ella, espero, elementos más espe ranzadores que buscan evocar los rasgos profundamente humanos de la persona a cuya memoria está es crita. Cántico está dedicada a Héctor Eduardo Fernández Purata.

Es necesario señalar, en el contexto del Cántico de Hebert Vázquez que la presen cia de dos instrumentos solistas y un solo ejecutante no es inusual, en el caso espe cífico del oboe y el corno inglés. Todo buen melómano sabe que la gran

mayoría de los oboístas (si no es que to dos) también tocan el corno inglés, que no es ni corno ni inglés, pariente cercanísimo del oboe. Tal es el caso del intérprete a qui en Hebert Vázquez ha dedicado su Cánti co, y cuyo trabajo como solista en ambos instrumentos puede ser escuchado, por ejemplo, en un disco compacto titulado 5:1, Música nueva para oboe y corno in glés, producido por el Instituto Cultural de León, que contiene obras de Adalberto To var, Paúl León, Josué Zamora, Emmanuel Ontiveros y Francisco Javier González Compeán.

En su texto arriba citado, Hebert Vázquez se refiere a Mario Lavista como su maestro; cabe anotar que además de Lavista, el compositor del Cántico estudió en la Universidad Carnegie Mellon de Pittsburgh bajo la guía de Leonardo Bala da, Lukas Foss y Reza Vali, un camino que fue recorrido también por otros composi tores mexicanos.

El Cántico de Hebert Vázquez es escuchado por primera vez en la ciudad de Guanajua to, con Héctor Eduardo Fernández Purata como solista en el oboe y el corno inglés, y la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Guanajuato, dirigida por Enrique Radillo.

Juan Arturo Brennan

DIRECTOR INVITADO

ENRIQUE Radillo

Enrique Radillo es uno de los directores de orquesta más versátiles de su gener ación, con un repertorio que abarca del Barroco a la música de nuestros días.

Inició sus estudios musicales como pianista en la Escuela de Música de la Universidad de Guadalajara bajo la guía de Francisco Orozco y Marco Antonio Verdín y participó en cursos de perfeccionamiento pianístico dictados por personalidades como Walter Blankenheim.

Posteriormente realizó la Licenciatura en músi ca con especialidad en Dirección de orquesta en la Universidad de Colima, institución en la que asistió previamente a un diplomado en fundamentación, análisis e interpretación mu sical con especialidad en dirección de orquesta. De manera profesional, Radillo participó en el Encuentro Nacional de Directores de Orquesta, así como en cursos magistrales de dirección con orquestas como la Sinfónica del Estado de México, Sinfónica de Xalapa y Sinfónica de la Universidad Autónoma de Nuevo León. Obtu

vo el Cuarto lugar en el Segundo Concurso Na cional para Directores de Orquesta organizado por la Asociación Mexicana de Orquestas Sin fónicas (AMOS).

Entre 2012 y 2015 tomó parte en diversos cursos de dirección, como los realizados por el director Kenneth Klieser con la Sinfónica Carlos Chávez en la Ciudad de México, Fernando Ávila con la Orquesta de Cámara de Xalapa y Lanfranco Marcelletti y la Sinfónica de Xalapa.

Algunos de sus principales mentores han sido los maestros Francisco Savín, José Guadalupe Flores, Enrique Bátiz, Héctor Guzmán, Marco Parisotto y Lanfranco Marcelletti.

Durante varios años se desempeñó como Director huésped principal de la Orquesta Filarmónica de Querétaro, con la que dirigió conciertos de temporada, además de desarrol lar una gran labor con presentaciones en mu nicipios y delegaciones, conciertos didácticos, presentaciones con ballet y como maestro re pasador en óperas y zarzuelas.

En 2008 fue director asistente en el estreno mundial de la ópera Santa Anna con música de José María Vitier y libreto de Carlos Fuen tes. Así mismo, participó en la XIII edición del Festival Cultural de Mayo de Guadalajara di rigiendo al destacado bandoneonista Néstor Marconi con el Concierto para bandoneón de Piazzolla.

En 2014 Enrique Radillo fue maestro interno y director asistente en la temporada operísti ca de la Orquesta Filarmónica de Jalisco. Con dicha agrupación también dirigió las galas del XXIII Encuentro Nacional del Mariachi y la Charrería y en 2016 dirigió el concierto in augural del Festival Internacional Cervan tino en Guanajuato, así como un concierto didáctico en el mismo Festival. Invitado por Escenia Ensamble, Enrique Ra dillo presentó el estreno latinoamericano de la ópera Un tranvía llamado deseo de André Previn en la Ciudad de México en 2017, con una estupenda recepción de público y crítica. Dos años después dirigió como huésped la Desert Symphony Orchestra en California, Estados Unidos con una gala con mariachi.

Ha dirigido constantemente la reciente mente formada orquesta Solistas de América, con la que fue director concertador de la ópera Madama Butterfly de Puccini en el Conjunto Santander de Artes Escénicas de Guadalaja ra, así como el Concierto de año nuevo 2021 en conmemoración del 250 aniversario natalicio de Beethoven.

Ha dirigido a destacados solistas como Jorge Federico Osorio, Abdiel Vázquez, Conrad Tao, Daniela Liebman, Antonio Dubatovka, Mauri cio Díaz, Fernando de la Mora, Grace

Echauri, Lourdes Ambriz, Irasema Terrazas, Enrique Ángeles, Lorena Flores, César Delga do, Carlos López, Vanesa Jara, Adriana Valdés, Rogelio Martín, Guadalupe Pineda, Alejandro Fernández, Mario Iván Martínez, entre otros.

Desde los inicios de su carrera, Enrique Radillo fue invitado a dirigir conciertos de temporada y especiales con la Orquesta Filarmónica de Jalisco, misma que lo nombró su Director asis tente en 2022.

Enrique Radillo ha recibido comentarios como estos:

“Buen director, con gesto muy claro y gran musicalidad, preparó un programa muy difícil en poco tiempo”.

Gabriel Chmura. Director de la Ópera de Poznań, Polonia. “Enrique Radillo es un gran artista de gran sol idez musical”.

Juan Pablo Contreras. Compositor nominado al Grammy Latino 2019.

HECTOR

Fernández

oboe | corno inglés

Nacido en Ciudad Valles, . este San Luis Potosi oboísta formó parte de la Orquesta Sinfónica de Aguascalientes

como corno inglés y oboe co-principal de 1999 hasta el 2003. En el 2003 fue invitado por el Ensamble Ehecalli para participar en el Ciclo de Música Contemporánea del Festival Inter nacional Cervantino XXXI, XXXII y XXXVIII. Du rante el 2004 participó en el VII Festival Inter nacional de Órgano “Guillermo Pinto Reyes” y en el XI Festival Internacional “El Callejón del Ruido”. En el año 2006 participó con el cuarteto “Acaná” en el XXVIII Festival Internacional de Música de Cámara de San Miguel de Allende, así como en la gira “Vive la Magia”. Ha combi nado su quehacer sinfónico con la música de cámara dando recitales en Zacatecas, Guana juato, Puebla, Michoacán, Aguascalientes, Ci udad de México y San Luis Potosí. En 2006 ter mina sus estudios de licenciatura en la Escuela de Música de la Universidad de Guanajuato con el maestro Gijsbertus de Graaf y recibe la mención Suma Cum Laude.

Ha recibido clases de oboístas de fama inter nacional como Ingo Goritzki, Yeon-Hee Kwak, Hansjörg Schellenberger, Thomas Indermüh le, Nick Deutsch, Christoph Lindemann y Alex Klein.

Durante los periodos 2007 y 2011 fue elegido para recibir el apoyo que otorga el Fondo Na cional para la Cultura y las Artes a intérpretes. En 2009 participa en el XXXVII Festival Cervan tino con el Ensamble Luum y con el Proyecto “Planetario Musical: Levantemos los Ojos al Cielo”. Ha sido invitado a tocar en orquestas como Sinfónica Nacional, Sinfónica de Min ería, Filarmónica de la UNAM, Filarmónica de Jalisco, Sinfónica de Michoacán, entre otras. Ha sido solista con la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Guanajuato, Orquesta Sinfóni ca de Xalapa, Orquesta de Cámara de la Casa Municipal de Cultura de Mazatlán, Camerata de San Luis Potosí, Orquesta Sinfónica de Mi choacán y con la Orquesta de Cámara de la Universidad Michoacana.

Miembro fundador del Ensamble “Zephyrus” con el cual ha dado recitales dentro y fuera del estado de Guanajuato además de partici par en el Festival Internacional Cervantino 2011, 2012, 2013 y 2014, en el Festival “Alfonso Ortíz Tirado” 2014 en Álamos, Sonora, participante del Festival de Música de Cámara de Metepec 2017; además de participar en el Festival de Música Clásica por los Caminos del Vino 2013 en Mendoza, Argentina. En 2014 fue invitado a participar con el Trío “San” en el Festival de Zacatecas. En 2015 y 2017 participó en el Festi val Ex-Nihilo en la ciudad de Guanajuato, Gto. presentando obra nueva para oboe de com positores mexicanos, principalmente guana juatenses. En 2017, con un apoyo del Instituto Cultural de León, Gto. grabó su primer disco 5:1 Música Nueva para oboe y corno inglés

En el año 2019, junto con el mtro. Gijsbertus de Graaf, inaugura y coordina el Guanajuato Bach Festival, así como el Bach Consort Guanajuato.

Desde el 2003 a la fecha es miembro de la Orquesta Sinfónica de la Universidad de Guanajuato

Rector General

Secretaria General

Secretario Académico

Secretario de Gestión y Desarrollo Director de Extensión Cultural

Director titular

Roberto Beltrán-Zavala

Violines Primeros

Dmitry Kiselev - Concertino

Héctor Hernández PérezAsistente de concertino

Maksim Smakkev

Jorge Luis Torres Martinez

Luis Enrique Palomino

Katherine Giovanna Ramírez

Urpi Dainzú Holguin González

Yessica Melgar

David Jesús Viña

David Alejandro Patlán***

Violines Segundos

Sergio Andrés G. * (-)

Claudia Valeria B.** (-)

Elizabeth Martínez Ramírez

Maria Camila Florez

Andrés Idelfonso Gallegos

Carlos Alberto López García

Moab Alberto González López

Fidel Berrones Goo

Oscar González

Abraham Quintanilla M.***

Violas

Alexander Applegate *

Lydia Bunn **

Augusto Antonio Mirón P.

Betsabé Jiménez Valencia

Carlos Reyes Hernández

Anayantzi Oropeza Silva

Víctor Manuel Rufino Figueroa

Oscar Pinedo Nava

Dr. Luis Felipe Guerrero Agripino

Dra. Cecilia Ramos Estrada

Dr. Sergio Antonio Silva Muñoz

Dr. Salvador Hernández Castro

Dr. José Osvaldo Chávez Rodríguez

Violonchelos

Michael Severens * Bruno Mente ** (-) Luis Gerardo Barajas B. Fernando Melchor A. Fortunato Rojas Francisco Omar Barrientos Omar Sánchez M.***

Contrabajos

Russell Brown * Óscar Argumedo G *

Jorge Preza Garduño Rodrigo Mata Álvarez Pedro Álvarez Vigil Guillermo Caminos López Andrés Peredo Plascencia

Fagotes

Katherine Snelling * Ariel Rodríguez Samaniego

Cornos

Claire Hellweg * Darío Bojórquez ** Michelle Pettit Daniel Norman Apolinar Alavez Salas Juan Raúl Gutierrez ***

Trompetas

Macedonio Pérez Matías * Juan Cruz Torres Díaz ** José Cayetano Hernández Díaz

Arpa Dulce María Escudero Pérez

Piano Iván Hugo Figueroa **

*Principal **Co-principal ***Invitado (-) Temporal

Personal Administrativo OSUG Alejandro Guzmán Rojas Gerente

Carolina de la Luz Pérez Cortés

Flautas

Cuauhtémoc Trejo * Baltazar Diaz ** Laura Gracia

Oboes

Héctor Fernández * Jorge Arturo García V. Norma Puerto de Dios*** Ali Ulises Ayala***

Clarinetes

Hugo Manzanilla * Heather Millette ** Clarinete Piccolo Alberto José Estrada J. ***

Trombones Louis Olenick * Gil Martínez Herrera Trombón bajo John Swadley

Tuba Salvador Pérez Galaviz *

Timbales Óscar Samuel Esqueda V.*

Percusiones

Mario Alonso Gómez Sosa ** Octavio Zapien González Alan Sánchez Sánchez Ulises Hernández Maria Monserrat Cruz B.*** Marco Aurelio MartínezG.*** PROGRAMACIÓN

Coordinadora de personal Lilian Bello Suazo Coordinadora de producción Juan Carlos Urdapilleta Muñoz Coordinador de Biblioteca Zugehy Alejandra Soto Vázquez Administradora Cuauhtémoc Vega Auxiliar técnico Gustavo Emilio Espinosa R. Auxiliar técnico

Diseño y Formación

Maria Fernanda Alferez Corección de estilo Fabiola Correa Jonathan Mirus