Programa de mano, 59 Muestra, 2016 by Cultura UG, Universidad de Guanajuato

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¡ADQUIERE TU BONO Y DISFRUTA DE LAS PELÍCULAS DE LA 59 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE! PREVENTA DEL 18 AL 22 DE ENERO DE 2016 EN EL MÓDULO DE INFORMACIÓN DE LA DIRECCIÓN DE EXTENSIÓN CULTURAL, UBICADO EN ALONSO NO. 12, PLANTA BAJA, CENTRO, EN HORARIO DE 9:30 A 16:30 HORAS. A PARTIR DEL LUNES 25 DE ENERO

CINE EN LABONO TAQUILLA DEL AUDITORIO

CINE BONO

EN HORARIO UNIVERSIDADPRINCIPAL, DE GUANAJUATO DIRECCIÓN DE EXTENSIÓN CULTURAL DE FUNCIONES.

UNIVERSIDAD DE GUANAJUATO DIRECCIÓN DE EXTENSIÓN CULTURAL

UNIVERSIDAD DE GUANAJUATO DIRECCIÓN DE EXTENSIÓN CULTU

DEL 25 DE ENERO AL 6 DE FEBRERO DE 2016

DEL 25 DE ENERO AL 6 DE FEBRERO D

Bono personal, válido por 7 funciones ACCESO GENERAL: FavorBONO de presentarse 15 minutos

Bono personal, válido por 7 funciones Favor de presentarse 15 minutos

COMUNIDAD UNIVERSITARIA EUQUERIO GUERRERO O DEL TEATRO

COMUNIDAD UNIVERSITARIA

COMUNIDAD UNIVERSITA

Bono personal, válido por 7 func

NE BONO GENERAL

CINE BONO GENERAL

Favor de presentarse 15 minutos CINE BONO GENERAL

IVERSIDAD DE GUANAJUATO Costo: $90.00 RECCIÓN DE EXTENSIÓN CULTURAL

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DEL 25 DE ENERO AL 6 DE FEBRERO DE 2016

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BONO 25 DE ENERO AL 6 DE FEBRERO DE 2016COMUNIDAD

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no personal, válido por 7 funciones UNIVERSITARIA: Bono personal, válido por 7 funciones vor de presentarse 15 minutos $90.00 Favor de presentarse 15 minutos es del inicio de la función antes del inicio de la función

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Bono personal, válido por 7 funciones Bono personal, válido por 7 func Favor de presentarse 15 minutos Favor de presentarse 15 minutos CINE CLUB DE LA UNIVERSIDAD DE GUANAJUATO BONO GENERAL CINE BONO GENERAL antes del inicio de la función antes del inicio de la función

UNIVERSIDAD DE GUANAJUATO UNIVERSIDAD Costo: DE GUANAJUATO Costo: $90.00 ALEJANDRI OYANGUREN $90.00 MONTSERRAT / COORDINADORA CINE CLUB DIRECCIÓN DE EXTENSIÓN CULTURAL DIRECCIÓN DE EXTENSIÓN CULTURAL DEL 25 DE ENERO AL 6 DE FEBRERO DE 2016 FELIPE DE JESÚS LÓPEZ

DEL 25 DE ENERO 6 DE FEBRERO DE 2016 MÁRQUEZ / ASISTENTE DE AL PROGRAMACIÓN Y Bono personal, válido por 7 funciones Bono personal, válido porDE7 funciones SUPERVISIÓN FOROS Favor de presentarse 15 minutos Favor de presentarse 15 minutos JOSÉ LARA MEDRANOantes / ASISTENTE antes del inicio de la función del inicio deADMINISTRATIVO la función JOSÉ DELGADO ALVARADO / OPERADOR DE CINE Costo: $140.00 Costo: $140.00 JOSÉ GUILLERMO DELGADO RAMÍREZ / OPERADOR DE CINE

59 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE

CONTENIDO

MUSTANG: BELLEZA SALVAJE

SAINT LAURENT

CARNEROS

NUESTRA PEQUEÑA HERMANA

MUERIERON POR ENCIMA DE SUS POSIBILIDADES

MI MADRE

EL CLUB

EISENSTEIN EN GUANAJUATO

LAS MONTAÑAS DEBEN PARTIR

UNA PALOMA REFLEXIONA SOBRE LA EXISTENCIA DESDE LA RAMA DE UN ÁRBOL

45 AÑOS

3 CORAZONES

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CINETECA NACIONAL

MUSTANG: BELLEZA SALVAJE MUSTANG | DENIZ GAMZE ERGÜVEN | TURQUÍAFRANCIA-ALEMANIA-QATAR | 2015 | 97 MIN.

G: DENIZ GAMZE ERGÜVEN Y ALICE WINOCOUR. E: MATHILDE VAN DE MOORTEL. F EN C: DAVID CHIZALLET Y ERSIN GOK. M: WARREN ELLIS. CON: GÜNE

ENSOY (LALE), DO A

ZEYNEP DO U LU (NUR), TU BA SUNGURO LU (SELMA), ELIT CAN (ECE), LAYDA AKDO AN (SONAY), NIHAL G. KOLDA (LA ABUELA). CP: CG CINÉMA, VISTAMAR FILMPRODUKTION, UHLANDFILM, BAM FILM. PROD: CHARLES GILLIBERT, EMRE OSKAY. DIST: CANÍBAL.

PREMIOS Y FESTIVALES 2015 PREMIO LABEL EUROPA CINEMAS. FESTIVAL DE CANNES. FRANCIA. | GRAN PREMIO Y PREMIO AL MEJOR DIRECTOR. FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE ODESSA. UCRANIA. | PREMIO CORAZÓN DE SARAJEVO AL MEJOR DIRECTOR Y MEJORES ACTRICES. FESTIVAL DE CINE DE SARAJEVO. BOSNIA-HERZEGOVINA. | SELECCIÓN OFICIAL DE LA SECCIÓN FREIHAFEN. FESTIVAL DE CINE DE HAMBURGO. ALEMANIA.

El comienzo del verano. En un pueblo en el norte de Turquía, Lale y sus cuatro hermanas están caminando a casa desde la escuela, jugando inocentemente con algunos chicos. La supuesta inmoralidad de su juego pone en marcha un escándalo que tiene consecuencias inesperadas. Obligadas a prepararse para el matrimonio, la casa de la familia se transforma progresivamente en una prisión para ellas. Las cinco hermanas, que comparten una pasión común por la libertad, encontrarán la manera de librarse de las restricciones que la sociedad les impone. LUNES 25 DE ENERO / 17:00, 19:00 Y 21:00 HRS. / AUDITORIO EUQUERIO GUERRERO

59 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE

DENIZ GAMZE ERGÜVEN ANKARA | TURQUÍA | 1978

FRAGMENTOS DE UN TEXTO DE FABIEN LEMERCIER CINEUROPA (CINEUROPA.ORG) BRUSELAS, MAYO DE 2015

Ellas son cinco hermanas huérfanas de edades comprendidas entre los 12 y los 16 años y su vida es un jardín paradisíaco de risas y juegos sobre las olas del Mar Negro con los chicos de la escuela de su pequeño pueblo, situado al norte de Turquía. Sin embargo, la condición de la mujer en el país no tardará en cernirse sobre este gineceo («todo el pueblo habla de vuestra obscenidad») y su familia (la abuela y el tío) decide hacerse cargo del asunto, esto es, prepararlas y precipitarlas hacia su destino de futuras esposas. La directora esquiva perfectamente la trampa de la queja y la dramatización a ultranza trazando un cuadro preciso sobre la reclusión progresiva de estas jóvenes a cargo de una sociedad de férula masculina a la que bendicen las tradiciones. La cineasta elige contar esta historia a través de la mirada (y la voz en off) de la más joven de las hermanas, la rebelde e irreverente Lale (Günes ensoy), e inyecta en su película un humor salvador, un dinamismo reivindicativo y un optimismo solar que sirven de contrapeso frente a los aspectos más sombríos del relato. Todo ello aparece empaquetado por un desarrollo de guión (escrito por la propia cineasta y la francesa Alice Winocour) lleno de ritmo y discretamente inspirado en la estructura clásica de los cuentos (la heroína debe pasar una serie de pruebas para conseguir liberarse). Tras la denuncia del vecindario por su comportamiento inocente pero percibido como escandaloso, las cinco hermanas ven cómo su día a día se transforma radicalmente: transcurre entre cursos de cocina y tareas del hogar, pasando por pequeñas salidas al pueblo organizadas por la abuela para llamar la atención de hombres que puedan casarse con ellas. Impulsada por un ritmo sostenido, Mustang llama la atención sobre una directora dotada de un incontestable talento para la puesta en escena, logrando dejar que el encierro al que somete a sus protagonistas respire gracias a los recursos naturales que lo circundan (el mar, los bosques, la luz del verano…). El carisma de las actrices hace del resto una película muy prometedora a la que pone música el australiano Warren Ellis y que destaca por su poderoso mensaje feminista.

CINETECA NACIONAL

SAINT LAURENT BERTRAND BONELLO | FRANCIA-BÉLGICA | 2014 | 150 MIN.

G: THOMAS BIDEGAIN Y BERTRAND BONELLO. F EN C: JOSÉE DESHAIES. M: BERTRAND BONELLO. E: FABRICE ROUAUD. CON: GASPARD ULLIEL (YVES SAINT LAURENT), JÉRÉMIE RENIER (PIERRE BERGE), LOUIS GARREL (JACQUES DE BASCHER), LÉA SEYDOUX (LOULOU DE LA FALASIE), AMIRA CASAR (ANNE-MARIE MUNOZ), VALERIA BRUNI TEDESCHI (MADAME DUZER), AYMELINE VALADE (BETTY CATROUX). CP: MANDARIN CINÉMA, EUROPACORP, ORANCE STUDIO, ARTE FRANCE CINÉMA, SCOPE PICTURES. PROD: CHRISTOPHE LAMBERT, ERIC ALTMAYER Y NICOLAS ALTMAYER. DIST: NUEVA ERA FILMS.

PREMIOS Y FESTIVALES 2014 PREMIO ICS DE LA SOCIEDAD CINÉFILA INTERNACIONAL. FESTIVAL DE CANNES. FRANCIA. | SELECCIÓN OFICIAL DEL PREMIO LOUIS DELLUC. FRANCIA 2015 CÉSAR AL MEJOR VESTUARIO. ACADEMIA DE LAS ARTES Y TÉCNICAS DEL CINE DE FRANCIA.

Centrada en el periodo que va de 1965 a 1976, Saint Laurent retrata los años que marcaron el apogeo creativo del diseñador argelino Yves Saint Laurent, que culminaron con su célebre Colección Rusa, considerada por muchos como una de las más importantes de su carrera. Pese al éxito, su genio y su creatividad se vieron coartados debido a que su vida personal se demoronaba entre el peso de su trabajo, los negocios y sus relaciones amorosas. Fiel a su biografía, la cinta traduce la visión innovadora de este diseñador, bajo su célebre premisa: «yo amo los cuerpos sin alma, porque el alma está en otra parte». MARTES 26 / 17:00 Y 20:00 HRS. / AUDITORIO EUQUERIO GUERRERO

59 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE

BERTRAND BONELLO NIZA | FRANCIA | 1968

FRAGMENTOS DE UN TEXTO DE VICTOR BLANES PICÓ EL ANTEPENÚLTIMO MOHICANO (ELANTEPENULTIMOMOHICANO.COM) BARCELONA, 25 DE ABRIL DE 2015

Dos son los filmes que el año pasado explotaron a un genio: Yves Saint Laurent. Mientras que Jalil Laspert (en Yves Saint Laurent, 2014) se decanta por una concepción más ortodoxa, organizada como un relato de los hitos que marcan la vida del diseñador, Bertrand Bonello prefiere empezar desde dentro, desde el gesto mínimo y el detalle para construir la vida de Yves Saint Laurent y pasar así del personaje a la persona. En este sentido, la película de Bonello consigue plasmar los dos leitmotiv del diseñador de origen argelino: el tejido y la carne. Ante todo, cabe destacar el respeto con el que el director se acerca a la figura de Yves Saint Laurent. La escena inicial nos muestra una figura de espaldas en la recepción de un hotel parisino. Después, el diseñador habla con un periodista para aceptar una entrevista. Bonello evita mostrarnos el rostro atormentado del personaje ya que, al recuperar esta escena, siendo consciente de sus viscisitudes, nos lo mostrará frontalente, sin ambigüedad. Sin embargo, este respeto no significa que Bonello lo trate de forma condescendiente: la puesta en escena se vuelca a mostrar su genialidad y su visión de la moda, pero también sus relaciones, obsesiones y pesadillas. La cámara se muestra curiosa, atenta al lápiz con que el diseñador hace sus trazos y sus bocetos; pero también mira el gesto pausado del cigarro entre sus dedos y la mirada perdida del creador. Estos detalles de elementos mínimos permiten a Bonello no sólo retratar a Saint Laurent, sino también la burbuja que constituye su mundo creativo, como en la forma de la escena que retrata la presentación de su colección de 1968 y 1969. La realidad de las imágenes de archivo contrasta con un mundo frivolo que da la espalda a la calle. La película piensa y observa como Yves Saint Laurent. Un momento aburrido para el diseñador también se hace insípido para el espectador. Y es que Saint Laurent no es solamente el personaje, es el alma que mueve todo lo que ocurre en las imágenes. Lo que Bonello consigue con esta película es trascender la representación del genio y encaminarla hacia la identificación con la persona a quien se acerca, cumpliendo así el verdadero objetivo de una biopic.

CINETECA NACIONAL

CARNEROS HRÚTAR | GRÍMUR HÁKONARSON | ISLANDIA-DINAMARCA | 2015 | 93 MIN.

G: GRÍMUR HÁKONARSON. F EN C: STURLA BRANDTH GRØVLEN. M: ATLI ÖRVARSSON. E: KRISTJÁN LOÐMFJÖRÐ. CON: SIGURÐUR SIGURJÓNSSON (GUMMI), THEODÓR JÚLÍUSSON (KIDDI), CHARLOTTE BØVING (KATRIN), JON BENÓNÝSSON (RUNÓLFUR), GUÐRÚN SIGURBJÖRNSDÓTTIR (HILDUR), SVEINN ÓLAFUR GUNNARSSON (BJARNI), GUNNAR JÓNSSON (GRÍMUR), JÖRUNDUR RAGNARSSON (VILLI), ÞORLEIFUR EINARSSON (SINDRI). CP: NETOP FILMS. PROD: GRÍMAR JÓNSSON. DIST: INTERIOR XIII.

PREMIOS Y FESTIVALES 2015 PREMIO UNA CIERTA MIRADA. FESTIVAL DE CINE DE CANNES. FRANCIA. | PREMIO ESPECIAL DEL JURADO Y PREMIO DEL PÚBLICO. FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE TRANSILVANIA. CLUJ-NAPOCA Y SIBIU. RUMANIA. | GOLDEN TOWER. FESTIVAL DE CINE EUROPEO DE PALI. SUBOTICA, SERBIA. | OJO DE ORO. FESTIVAL DE CINE DE ZÚRICH, SUIZA.

Sin dirigirse la palabra en 40 años, Gummi y su hermano mayor Kiddi viven en granjas vecinas en un valle agrícola de Islandia. Ambos crían carneros del mismo linaje ancestral y cada año son rivales en una competición que premia al mejor cordero. Cuando una enfermedad letal infecta al ganado, las autoridades deciden sacrificar a todos los animales para contener el brote. Esta es una sentencia de muerte para ellos, cuyas ovejas son su principal fuente de ingresos. Pero los hermanos no se rinden tan fácilmente y cada uno tratará de evitar el desastre a su manera. Entre el drama y el humor negro, esta película captura la esencia de la zona rural islandesa y su estrecha conexión con los carneros. MIÉRCOLES 27 / 17:00, 19:00 Y 21:00 HRS. / TEATRO PRINCIPAL

59 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE

GRÍMUR HÁKONARSON ISLANDIA | 1977

FRAGMENTOS DE UN TEXTO DE ALISSA SIMON VARIETY (VARIETY.COM) LOS ÁNGELES, 15 DE MAYO DE 2015 TRAD. ISRAEL RUIZ ARREOLA

Carneros es un conmovedor drama humanista situado en un remoto valle agrícola donde dos hermanos distanciados deben unirse para salvar lo que es más querido para ellos: sus carneros. Grímur Hákonarson, un documentalista experimentado, saca provecho de su amplio conocimiento de los granjeros islandeses y los paisajes únicos de su tierra natal; complementando los eventos con algunos encantadores momentos de humor seco. Al igual que su compatriota, Benedikt Erlingsson en Historias de caballos y hombres (Hross í oss, 2013), Hákonarson captura amorosamente una cultura rural profundamente arraigada que está estrechamente conectada con el espíritu nacional de Islandia. Con un buen ojo para los detalles, el director presenta de forma naturalista los rigores del trabajo agrícola, la sencillez de sus solitarios protagonistas y su profundo afecto por sus carneros. El diseño de producción de Bjarni Massi Sigurbjörnsson presenta los interiores como si no hubieran cambiado desde la década de 1940, pero que también proporcionan información sobre los personajes. Los suéteres gastados y franelas rasgadas también dicen mucho acerca de estos hombres que viven sin mujeres. A medida que la película de Hákonarson se desarrolla, imágenes recurrentes contrastan y resuenan conmovedoramente con significado. Aunque parte de la acción es desgarradora, Hákonarson mantiene un tono respetuoso de admirable moderación a través de toda la película. Por su puesto que la razón principal de que la película resulte efectiva es el casting de dos de los mejores actores de Islandia. Como el mayor y más enojado de los hermanos, Júlíusson muestra un rango que lo hace ver como El rey Lear. Pero las simpatías del público las lleva Sigurjónsson, a través de cuyos ojos se desarrolla la historia.

CINETECA NACIONAL

NUESTRA PEQUEÑA HERMANA UMIMACHI DIARY | HIROKAZU KORE-EDA | JAPÓN | 2015 | 126 MIN.

G: HIROKAZU KORE-EDA, BASADO EN LA NOVELA GRÁFICA HOMÓNIMA DE AKIMI YOSHIDA. F EN C: TAKIMOTO MIKIYA. M: Y KO KANNO. E: HIROKAZU KORE-EDA. CON: HARUKA AYASE (SACHI), MASAMI NAGASAWA (YOSHINO), KAHO (CHIKA), SUKU HIROSE (SUZU), RYÔ KASE (SAKASHITA), TAKAFUMI IKEDA (HAMADA). CP: TOHO COMPANY, GAGA FILMS, LE PACTE, SHOGAKULKAN, TV MAN UNION. PROD: KAORU MATSUZAKI Y HIJIRI TAGUCHI. DIST: ND MANTARRAYA.

PREMIOS Y FESTIVALES 2015: PREMIO DE LA AUDIENCIA. FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE SAN SEBASTIÁN. ESPAÑA. | SELECCIÓN OFICIAL. FESTIVAL DE CANNES. FRANCIA | SELECCIÓN OFICIAL. FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE TORONTO. CANADÁ. | SELECCIÓN OFICIAL. FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE CALGARY. CANADÁ. | SELECCIÓN OFICIAL. FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE GHENT. BÉLGICA.

Sachi, Yoshino y Chika son tres hermanas que viven juntas en la ciudad de Kamamura, Japón. Un día, son notificadas de la muerte de su padre –que las abandonó quince años atrás–, viéndose obligadas a asistir a su funeral y rendirle honores. Ahí conocen a su pequeña hermanastra Suku, a quien invitarán a vivir con ellas. Esta película, el cuarto largometraje con el que Hirokazu Kore-eda compitió por la Palma de Oro en el Festival de Cannes, presenta un examen de las relaciones familiares y el matrimonio, con una mirada cálida que también retrata las tradiciones de la sociedad japonesa. JUEVES 28 / 17:00, 19:15 Y 21:30 HRS. / TEATRO PRINCIPAL

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59 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE

HIROKAZU KORE-EDA TOKIO | JAPÓN | 1964

FRAGMENTOS DE UN TEXTO DE IGNACIO NAVARRO EL ANTEPENÚLTIMO MOHICANO (ELANTEPENULTIMOMOHICANO.COM) MADRID, 17 DE OCTUBRE DE 2015

Uno de los muchos dilemas que plantea el cine de ficción es hasta qué punto lo que retrata es inventado y hasta qué punto es real. El cineasta que crea una historia inevitablemente toma experiencias de su propia vida, y puede ser más o menos consciente en cuanto a sus intenciones autobiográficas. En pocas filmografías como la del director japonés Hirokazu Kore-eda puede rastrearse con mayor claridad una narrativa que corre paralela a sus propias vivencias. Por ejemplo, él mismo confesaba que su reciente paternidad había sido determinante en la concepción de su anterior filme, De tal padre, tal hijo (Soshite chichi ni Naru, 2013), la historia de dos familias cuyos hijos fueron intercambiados al nacer. Una paternidad que ya venía anticipada en Kiseki (2011), el relato de dos hermanos separados por el divorcio de sus padres. Vemos ya cómo a este cineasta le interesan tanto los fuertes y duraderos lazos familiares como las rupturas que pueden provocar sus vicisitudes. Esta otra vertiente trágica e inevitable de la familia también está pues presente en la visión de Kore-eda, y así lo recoge en su última obra, Nuestra pequeña hermana. Estamos ante un trabajo que vuelve a insistir en las intrincadas relaciones que pueden derivar del matrimonio bajo la historia de cuatro hermanas que asisten al entierro de su padre y acogen a su pequeña hermana que se ha quedado huérfana. Con este trabajo, Kore-eda ha ido perfeccionando un estilo que sabe mezclar con sabiduría la profundidad del mensaje con la ligereza del drama. Cuando en la cinta parece que no está pasando nada, en el fondo sí está presente el conflicto. Esta combinación temática, unida a su estilo a la vez naturalista y poético, le ha valido frecuentes comparaciones con el maestro japonés Yasujir Ozu o la influencia de Ken Loach o Mikio Naruse. En Nuestra pequeña hermana, se sigue divisando su capacidad para dibujar una historia con envidiable espontaneidad, uniendo una diversidad de elementos para componer un fresco representativo de una cultura y un pueblo característico, al que gracias a él conocemos mucho mejor y sentimos como parte de nuestra humanidad.

CINETECA NACIONAL

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MURIERON POR ENCIMA DE SUS POSIBILIDADES ISAKI LACUESTA | ESPAÑA | 2014 | 96 MIN.

G: ISAKI LACUESTA. F EN C: DIEGO DUSSUEL, MARC GÓMEZ DEL MORAL. E: DOMI PARRA. M: JUDIT FARRÉS Y ALBERT PLA. CON: RAÚL ARÉVALO (MIGUEL), IMANOL ARIAS (GERARDO), BRUNO BERGONZINI (PITI), ÀLEX BRENDEMÜHL (NEGOCIADOR), JOSÉ CORONADO (JOSÉ JAVIER), EDUARD FERNÁNDEZ (PRESENTADOR DEL NOTICIERO), ARIADNA GIL (DIRECTORA DEL COLEGIO). CP: ALICORN FILMS, LA TERMITA FILMS, SENTIDO FILMS. PROD: ISA CAMPO, MARC CASES, VÍCTOR CAVALLER. PC: CINETECA NACIONAL.

VIERNES 29 / 17:00, 19:00 Y 21:00 HRS. / AUDITORIO EUQUERIO GUERRERO

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En un país parecido a la España de nuestros días, cinco ciudadanos comunes y corrientes ven destrozadas sus vidas por una severa crisis económica. Sin nada ya que perder, elaboran un enloquecido plan para salvar la economía nacional y mundial: secuestrar al presidente del Banco Central y exigirle que todo vuelva a ser como antes. Con un reparto estelar que igual incluye a reconocidos actores españoles como Eduard Fernández, José María Pou, Luis Tosar, Raúl Arévalo o Imanol Arias que al cantautor catalán Albert Pla, esta «comedia punk» –como la define su director– constituye una oscura sátira de la recesión económica que ha azotado a varios países en los últimos años.

59 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE

ISAKI LACUESTA GERONA | ESPAÑA | 1975

FRAGMENTOS DE UN TEXTO DE JORDI COSTA EL PAÍS (CULTURA.ELPAIS.COM) ESPAÑA, 24 DE ABRIL DE 2015

Desde su mismo título, el último largometraje de Isaki Lacuesta juega con la inversión de esa frase, tristemente célebre, con la que, en su día, el poder vigente jugó a culpabilizar de la crisis económica a esa ciudadanía que iba a ser víctima insalvable de sus efectos más devastadores. Casi al principio del metraje, el personaje interpretado por José Sacristán también habla de culpa, pero en otros términos: «La culpa es nuestra… por ser españoles», afirmación que precede a una concisa reflexión sobre la siguiente ronda de cañas [cervezas] como reiterado limbo nacional desde el aplazar, eternamente, la revolución. Murieron por encima des sus posibilidades es, en sí misma, un fascinante problema de lenguaje: un inesperado (aunque sólo aparente) borrón o exabrupto en forma de comedia bruta y desarrapada en medio de la carrera de un autor respaldado por la crítica exigente, empeñado en cambiar siempre de piel pero con cierta base estable de operaciones en las encrucijadas entre realidad y ficción. Aquí, Lacuesta parece haber planeado, a lo [Takeshi] Kitano, la disidencia de sí mismo o la voladura de la idea que se habían formado de él, aunque el humor ya había estado presente en trabajos anteriores como Los pasos dobles (2011), Tres tristes triples (2013) e incluso Las variaciones Marker (2008). El director parece haber usado como combustible esa indignación colectiva —la potencialidad de una revolución que no tuvo lugar— para construir, de forma abrupta y fragmentaria, una suerte de respuesta trash a El mundo está loco, loco, loco [Stanley Kramer,1963], con reparto panorámico de película de catástrofes, tono de historieta contracultural y ecos de Con el culo al aire (1980), la comedia fallera y frenopática de Carles Mira. No todo funciona, pero hay momentos de provocadora fuerza –el monólogo de Albert Pla– y un muy saludable reciclaje de la cultura popular para la justicia poética.

CINETECA NACIONAL

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MI MADRE MIA MADRE | NANNI MORETTI | ITALIA-FRANCIA | 2015 | 107 MIN.

G: NANNI MORETTI, FRANCESCO PICCOLO Y VALIA SANTELLA. F EN C: ARNALDO CATINARI. M: PIEZAS DE ARVO PÄRT, LEONARD COHEN, PHILIP GLASS, ARNOR DAN ARNORSON, MARIO CANTINI Y NINO ROTA. E: CLELIO BENEVENTO. CON: MARGHERITA BUY (MARGHERITA), JOHN TURTURRO (BARRY HUGGINS), GIULIA LAZZARINI (ADA), NANNI MORETTI (GIOVANNI), BEATRICE MANCINI (LIVIA), ENRICO IANNIELLO (VITTORIO). CP: SACHER FILM-FANDANGO, RAI CINEMA, LE PACTE-ARTE FRANCE CINÉMA. PROD: NANNI MORETTI Y DOMENICO PROCACCI. DIST: ND MANTARRAYA.

PREMIOS Y FESTIVALES 2015 PREMIO DEL JURADO ECUMÉNICO. FESTIVAL DE CANNES. FRANCIA. | DAVID A LA MEJOR ACTRIZ (MARGHERITA BUY) Y A LA MEJOR ACTRIZ DE REPARTO (GIULIA LAZZARINI). PREMIOS DAVID DI DONATELLO. ITALIA. | SELECCIÓN OFICIAL DE LA SECCIÓN PERLAS. FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE DONOSTIA-SAN SEBASTIÁN, ESPAÑA. | SELECCIÓN OFICIAL. FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE CHICAGO. ESTADOS UNIDOS.

Margherita, una cineasta comprometida con el rodaje de una película, debe lidiar con la disolución de su matrimonio, su problemática hija adolescente y con un pretencioso actor estadounidense quien protaginazará su cinta. No obstante, sus problemas crecen aún más cuando junto a Giovanni, su hermano, tenga que cuidar a su madre, quien está gravemente enferma en el hospital. El más reciente largometraje de Nanni Moretti es un retrato íntimo y semibiográfico inspirado en la muerte de su madre, y deposita en su protagonista –una especie de alter ego del director– la sensación de miedo, rabia e incertidumbre que significa la pérdida de un ser querido. SÁBADO 30 / 17:00, 19:00 Y 21:00 HRS. / TEATRO PRINCIPAL

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59 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE

NANNI MORETTI BRUNICO | ITALIA | 1953

FRAGMENTOS DE UN TEXTO DE VITTORIA SCARPA CINEUROPA (CINEUROPA.ORG) ITALIA, ABRIL DE 2015 TRAD: EDGAR ALDAPE MORALES

Casi se experimenta pudor al ver algunas escenas de la más reciente obra de Nanni Moretti, Mia madre. Se siente una violación a la intimidad más profunda de su autor, frente a los pequeños gestos, las incertidumbres, la rabia y la sensación de vértigo de un hijo que está a punto de perder a su progenitora, porque sabemos que ella se inspira en la verdadera madre del director, fallecida durante el montaje de Habemus Papam (2011), y que detrás de este alter ego en la pantalla se encuentra Moretti, con el corazón desnudo. Sobrio y sincero, realiza un diario de esta pérdida sin alcanzar la conmoción: de las lágrimas se pasa a las risas, sobretodo en las extraordinarias secuencias protagonizadas por John Turturro. Un hospital y un plató de filmación; lo público y lo privado. Sobre estas dos dimensiones se balancea la historia de Margherita, una directora de cine comprometida en el rodaje de una película sobre unos obreros que pueden perder su trabajo. Hija, madre, compañera y hermana, Margherita se encuentra cuidando a su madre de una grave enfermedad, coincidiendo con la llegada de un actor estadounidense que se muestra pretencioso. El director sigue al personaje en su furia, donde intuimos su dolor contenido. «Todos piensan que yo soy capaz de entender lo que ocurre, de interpretar la realidad… pero yo ya no entiendo nada», sentencia el alter ego de Moretti. Este sentimiento de lejanía, explícito en su filmografía, se hace aún más presente en esta cinta, tanto en la esfera pública (la crisis creativa de Margherita) como en la privada (la impotencia para con la enfermedad de su madre). Los sueños, recuerdos y fantasías de la protagonista parecen una intrínseca reflexión del mismo Moretti, y se puede percibir el modo de hablar y actuar del director en la interpretación de Margherita Buy, quien sostiene el peso de la película de forma excepcional. Para el espectador, el pudor trasciende al evidenciar nuestros temores, al revisar nuestro rol como hijos, bajo la música del compositor Arvo Pärt, que llena al espectador de pensamientos que no le abandonarán en mucho tiempo.

CINETECA NACIONAL

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EL CLUB PABLO LARRAÍN | CHILE | 2015 | 98 MIN.

G: GUILLERMO CALDERÓN, DANIEL VILLALOBOS Y PABLO LARRAÍN. F EN C: SERGIO ARMSTRONG. M: CARLOS CABEZAS. E: SEBASTIÁN SEPÚLVEDA. CON: MARCELO ALONSO (PADRE GARCÍA), ANTONIA ZEGERS (HERMANA MÓNICA), ALFREDO CASTRO (PADRE VIDAL), JAIME VADELL (PADRE SILVA), ALEJANDRO GOIC (PADRE ORTEGA), ALEJANDRO SIEVEKING (PADRE RAMÍREZ), ROBERTO FARÍAS (SANDOKÁN). CP: FÁBULA. PROD: JUAN DE DIOS LARRAÍN. PC: CINETECA NACIONAL.

PREMIOS Y FESTIVALES 2015 GRAN PREMIO DEL JURADO. FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE BERLÍN. ALEMANIA. | PREMIO A MEJOR PELÍCULA. AUSTIN FANTASTIC FEST. ESTADOS UNIDOS. | SELECCIÓN OFICIAL. FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE CHICAGO. ESTADOS UNIDOS.

Un grupo de sacerdotes católicos viven aislados en una pequeña casa de un pueblo costero. Cada uno de ellos cometió un pecado que lo ha convertido en fugitivo; ahora deben vivir de acuerdo a un estricto régimen, bajo la atenta mirada de una mujer que los cuida. La frágil estabilidad de su rutina se verá interrumpida por la llegada de un nuevo compañero de desgracias, quien traerá consigo el pasado del cual todos creen haber escapado. Poco a poco saldrán a la luz los oscuros secretos de estos siervos de Dios, revelando sin piedad las contradicciones de la Iglesia Católica. DOMINGO 31 / 17:00, 19:00 Y 21:00 HRS. 7 TEATRO PRINCIPAL

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59 MUESTRA INTERNACIONAL DE CINE

PABLO LARRAÍN SANTIAGO DE CHILE | CHILE | 1976

FRAGMENTOS DE UN TEXTO DE DIEGO LERER OTROS CINES (OTROSCINES.COM) BERLÍN, 9 DE FEBRERO DE 2015

Si bien nunca se le llama así, “el club” parece ser un lugar secreto, uno que la sociedad civil parece desconocer y que se maneja con sus propias reglas. ¿Qué misterio encierra ese lugar? Uno podría decir, simplificando, que allí se ocultan, se tapan, se esconden los pecados de la Iglesia, o de los “curitas” que estuvieron involucrados en distintas y problemáticas cuestiones a lo largo de las últimas décadas. Una suerte de prisión domiciliaria bastante flexible en la que la institución “esconde” a los que cometieron delitos aunque, en realidad, más bien parece protegerlos de ser enjuiciados de una manera más propia de una sociedad democrática. Nada es exactamente lo que parece ser en El club y en eso reside, en gran parte, su atractivo y su fuerza. Como lo ha hecho en casi todos sus filmes, Pablo Larraín apuesta a confundir expectativas todo el tiempo. Lo hace desde el look mismo de la película –una suerte de digital pasado por unos viejos lentes anamórficos rusos que le dan a la película una permanente imagen brumosa, entre el smog y el simbolismo– y desde la personalidad y psicología de los personajes. La película avanza hasta llegar a una zona de conflicto que obliga a Larraín a poner en juego hasta dónde realmente la Iglesia intenta renovarse y cuánto de “cosmético” hay en ésta, si se quiere, más nueva y limpia etapa de la institución. Pero lo interesante de El club –algo que sucedía también en No (2011)– es que los intereses de unos y otros no son realmente claros y, en el fondo, la idea que planteaba esa película (la de los cambios políticos que modifican menos cosas de las que parecen) vuelve aún con más fuerza en ésta, en la que la figura de Sandokán parece representar la ambigüedad con la que la propia sociedad chilena se maneja con estas situaciones, a mitad de camino entre la denuncia y la culpa, entre la necesidad de justicia y la autoflagelación.

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EISENSTEIN EN GUANAJUATO PETER GREENAWAY | MÉXICO-PAÍSES BAJOS | 2015 | 105 MIN.

G: PETER GREENAWAY. F EN C: REINIER VAN BRUMMELEN. M: ALEJANDRO L. MADRID, RUY GARCÍA. E: ELMER LEUPEN. CON: ELMER BÄCK (SERGUÉI EISENSTEIN), LUIS ALBERTI (PALOMINO CAÑEDO), MAYA ZAPATA (CONCEPCIÓN CAÑEDO), LISA OWEN (MARY SINCLAIR), STELIO SAVANTE (HUNTER S. KIMBROUGH), RASMUS SLÄTIS (GRISHA ALEXANDROV), JAKOB ÖHRMAN (EDUARD TISSE). CP: SUBMARINE, PALOMA NEGRA FILMS, FU WORKS. PROD: BRUNO FELIX, FEMKE WOLTING, SAN FU MALTHA, CRISTINA VELASCO. DIST: PIANO.

PREMIOS Y FESTIVALES 2015 SELECCIÓN OFICIAL. FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE BERLÍN. ALEMANIA. | SELECCIÓN OFICIAL. FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE HONG KONG. CHINA. | SELECCIÓN OFICIAL. FESTIVAL DE CINE DE ESTAMBUL.

En 1931 el icónico director soviético Serguéi Eisenstein viaja a Guanajuato para dirigir la película ¡Qué viva México!, uno de los proyectos más ambiciosos de su carrera. Ahí descubre una nueva cultura y la muy particular relación del pueblo mexicano con la muerte. Pero además de las revelaciones que se le presentarán a lo largo de los diez días que pasará en la ciudad, Eisenstein también se enfrenta con otra revolución: la de su propio cuerpo. La más reciente película de Peter Greenaway representa una lectura controvertida y experimental de uno de los episodios más significativos en la vida del director de El acorazado Potemkin. MARTES 2 DE FEBRERO / 17:00, 19:00 Y 21:00 HRS. / TEATRO PRINCIPAL

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PETER GREENAWAY NEW PORT | REINO UNIDO | 1942

FRAGMENTOS DE UN TEXTO DE GONZALO HERNÁNDEZ EL ANTEPENÚLTIMO MOHICANO (ELANTEPENULTIMOMOHICANO.COM) BERLÍN, 12 DE FEBRERO DE 2015

Era de esperar que Greenaway estrenara en Berlín con su habitual libertad estilística. Desencajando las expectativas de muchos, y despertando ovaciones a su término con un ejercicio de brutales licencias creativas, con secuela confirmada en torno a la figura de Serguéi Eisenstein y su estancia en México para el frustrado rodaje de una película que finalmente nunca se materializó oficialmente a pesar de los montajes que, posteriormente, se han realizado con el material sobrante. La idea es abordar, desde la peculiar perspectiva del cineasta, la homosexualidad y locura de un personaje escrito a la manera de un Amadeus del nuevo siglo, verborreico y excéntrico, y su historia de amor con un nativo de la zona en un affaire que duró un total de diez días, aludiendo al subtítulo de su filme Octubre: “Diez días que sacudieron al mundo”. Todo es tan caótico que es difícil ver una lógica en las elecciones formales, en pantallas triplicadas en vertical que muestran la misma imagen, o en la manera tan diferente de afrontar cada escena, destacando una secuencia central con Eisenstein y su pareja en la cama, rodada en continuo travelling circular, con gran angular y casi como si fuera el montaje de un escenario con los actores deambulando acorde al recorrido de la cámara. El filme parece no responder a un patrón claro más allá de la experimentación y el vuelo libre, jugando con un personaje carismático tratado sin la solemnidad que se suele atribuir a estas figuras en los biopics más convencionales, género en el que no me atrevería a incluirla a pesar de reunir todos los ingredientes. En Eisenstein en Guanajuato la buena composición visual sigue presente y da lugar a imágenes muy poderosas, algo en lo que Greenaway pocas veces ha defraudado a pesar de la extravagancia de sus trabajos.

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LAS MONTAÑAS DEBEN PARTIR SHAN HE GU REN | JIA ZHANG-KE | CHINA-FRANCIA-JAPÓN | 2015 | 131 MIN.

G: JIA ZHANG-KE. E: MATTHIEU LACLAU. F EN C: YU LIK-WAI. M: YOSHIHIRO HANNO. CON: ZHAO TAO (TAO), ZHANG YI (ZHANG JINSHENG), JING DONG LIANG (LIANGZI), ZIJIAN DONG (DOLLAR), SYLVIA CHANG (MIA). CP: XSTREAM PICTURES, OFFICE KITANO, BEIJING RUNJIN INVESTMENT. PROD: SHÔZÔ ICHIYAMA, PATRICK ANDRE, OLIVIER PÈRE. DIST: ZATMENI DISTRIBUCIÓN.

PREMIOS Y FESTIVALES 2015 PREMIO DE LA AUDIENCIA. FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE DONOSTIA-SAN SEBASTIÁN. ESPAÑA. | SELECCIÓN OFICIAL. FESTIVAL DE CANNES. FRANCIA. | SELECCIÓN OFICIAL. FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE SHANGHÁI. CHINA. | SELECCIÓN OFICIAL. FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE KARLOVY VARY. REPÚBLICA CHECA.

China, 1999. Dos amigos desde la infancia, Zhang y Liangzi, cortejan a Tao, una joven de la ciudad de Fenyang. Zang es dueño de una gasolinera y tiene un futuro prometedor, Liangzi trabaja en una mina de carbón. Tao tiene el corazón dividido entre ambos, pero deberá tomar una decisión que marcará su vida y la de Dollar, su futuro hijo. De una China contemporánea en plena transformación a una Australia como promesa de una vida mejor, la película sigue las esperanzas y amores de estos personajes a lo largo de varios años. MIÉRCOLES 3 / 17:00, 19:15 Y 21:30 HRS. / TEATRO PRINCIPAL

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JIA ZHANG-KE FENYANG | CHINA | 1970

FRAGMENTOS DE UN TEXTO DE CARLES MATAMOROS BALASCH TRANSIT (CINENTRANSIT.COM) CANNES, MAYO DE 2015

Se ha especulado mucho con los significados ocultos que esconde la letra de “Go West” pero seguramente el que mejor se ajusta a Las montañas deben partir sea el que alude al deseo de abandonar los regímenes comunistas y viajar hacia Occidente para empezar de cero. La nueva película de Jia Zhang-Ke arranca con esa canción, que escuchamos en una coreografía desatada de la profesora Tao (interpretada por la inconmensurable Zhao Tao) junto a sus estudiantes. Son tiempos felices, de juventud, en Fenyang, la localidad natal del cineasta, y la llegada inminente de 1999 parece de lo más prometedora para Tao y sus dos amigos: Zhang (Zhang Yi), un capitalista emergente, y Liangzi (Jing Dong Liang), un trabajador en la minería. En esa etapa inicial ya intuiremos en Zhang la voluntad de partir hacia el extranjero para hacer fortuna, de «volar muy alto, decir adiós a todos los amigos y empezar una nueva vida», como cantaban los Pet Shop Boys. Pero para ello tendrá que encontrar antes una compañera vital. Las disputas entre Zhang y Liangzi por el corazón de Tao estarán servidas y el cineasta chino, que se decanta en este bloque de 1999 por un formato cuadrado, convierte sus encuadres en un sofisticado juego de entradas y salidas laterales de los dos hombres, que lucharán por formar parte del plano y compartirlo con Tao. Si las melodías viajan, también lo hacen los personajes y la película de Jia se toma la libertad de seguirlos, abandonarlos o recuperarlos según convenga. Es más, Las montañas deben partir funciona como una narración por relevos, en la que el protagonismo es cambiante en cada capítulo y en la que no se busca atar todos los cabos, pues el cineasta privilegia una estructura expansiva sobre una concentrada. No cabe duda de que estamos ante una película apasionante; una exhibición de las capacidades narrativas de Zhang-ke que, siguiendo la vía de su anterior Un toque de pecado [Thian zu ding, 2013] parece haberse convertido ya en un cineasta más frontal, más directo, que ha dejado atrás la etapa contemplativa que le hizo célebre con obras maestras como Shijie [2004] o Naturaleza muerta [Sanxia haoren, 2006].

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UNA PALOMA REFLEXIONA SOBRE LA EXISTENCIA DESDE LA RAMA DE UN ÁRBOL EN DUVA SATT PÅ EN GREN OCH FUNDERADE PÅ TILLVARON | ROY ANDERSSON | SUECIAALEMANIA-NORUEGA-FRANCIA | 2014 | 100 MIN.

G: ROY ANDERSSON. F EN C: ISTVÁN BORBÁS Y GERGELY PÁLOS. M: HANI JAZZAR Y GORM SUNDBERG. E: ALEXANDRA STRAUSS. CON: HOLGER ANDERSSON (JONATHAN), NILS WESTBLOM (SAM), CHARLOTTA LARSSON (LOTTA, LA COJA), VIKTOR GYLLENBERG (REY CARLOS XII), LOTTI TÖRNROS (MAESTRA DE FLAMENCO), JONAS GERHOLM (EL CORONEL SOLITARIO), OLA STENSSON (EL CAPITÁN / BARBERO), OSCAR SALOMONSSON (BAILARÍN), ROGER OLSEN LIKVERN (PORTERO). CP: ROY ANDERSSON FILMPRODUKTION. PROD: PERNILLA SANDSTRÖM. DIST: CIRCO 2.12

PREMIOS Y FESTIVALES 2014 LEÓN DE ORO. MUESTRA INTERNACIONAL DE ARTE CINEMATOGRÁFICO DE VENECIA. ITALIA 2015 PREMIO GULDBAGGE A MEJOR ESCENOGRAFÍA. INSTITUTO SUECO DEL CINE. SUECIA. | SELECCIÓN OFICIAL. FESTIVAL DE CINE DE SÍDNEY. AUSTRALIA JUEVES 4 / 17:00, 19:15 Y 21:30 HRS. / TEATRO PRINCIPAL

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Sam y Jonathan, un par de desventurados vendedores de artículos de diversión, nos llevan en un viaje caleidoscópico a través de una serie de episodios donde salen a relucir los absurdos de la condición humana. Con un estilo que recuerda los tableaux vivants, cada viñeta que compone la película está poblada por extraños personajes en situaciones singulares que revelan la belleza, el humor y la tragedia de la vida. Antecedida por Canciones del segundo piso (2000) y Tú que estás vivo (2007), esta película culmina “La trilogía viva” del director Roy Andersson, dedicada a mirar la tragicomedia en que consiste la existencia de los seres humanos.

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ROY ANDERSSON GOTEMBURGO | SUECIA | 1943

FRAGMENTOS DE UN TEXTO DE DOMENICO LA PORTA CINEUROPA (CINEUROPA.ORG) BRUSELAS, 2 DE SEPTIEMBRE DE 2014

Una paloma reflexiona sobre la existencia desde la rama de un árbol obedece al principio de la narración en tableaux vivants, con 39 miniescenas y otros tantos planos fijos minuciosamente compuestos de manera que recuerdan a las pinturas de Otto Dix y Georg Scholz, dos artistas alemanes cuyo trabajo fue inspirado por la [Primera] Guerra Mundial. Aparte de la evidente persecución de una reflexión existencial sobre la condición del ser humano en el espacio, también subrayada por el título (literalmente, y figurativamente en la pantalla), la película es, también muy claramente, una obra cómica de principio a fin. Las escenas operan como sketches que podrían funcionar absolutamente de manera individual, pero que componen vagamente una historia interpretada por personajes que trazan la unión entre las secuencias. El humor cínico, típicamente escandinavo, funciona muy bien, sobre todo en la primera parte, en donde el espectador cuenta con el elemento de la sorpresa. La seriedad de los protagonistas hace explotar el triste absurdo de las situaciones que alcanzan a veces un surrealismo a lo Monty Python, como en la secuencia en la cual un ejército del siglo XVIII irrumpe a caballo en un bar contemporáneo para satisfacer los impulsos homosexuales de su rey. El director maneja hábilmente el running gag (variaciones de una secuencia al teléfono) y distingue su última obra de sus precedentes, trabajando su ritmo para que parezca un poco menos que un simple encadenamiento de imágenes inclinadas a la abstracción. En el ejercicio de composición de los planos secuencia (o los tableaux), se aplica un cuidado especial a la paleta de colores (beiges, grises, ocres y matices de blancos crema), a la música lírica y a las coreografías de sus movimientos, aun en lo rígidos que puedan ser. La mayoría de los personajes están pintados de blanco, casi reducidos al estado de cadáveres ambulantes. ¿Quién sino los casi muertos para reflexionar sobre su vida pasada y lo que queda de ella, para considerar razones para celebrar ambas cosas, estando, a pesar de todo, «felices de escuchar que todo va bien»?

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45 AÑOS 45 YEARS | ANDREW HAIGH | REINO UNIDO | 2015 | 95 MIN.

G: ANDREW HAIGH. F EN C: LOL CRAWLEY. E: JONATHAN ALBERTS. CON: CHARLOTTE RAMPLING (KATE MERCER), TOM COURTENAY (GEOFF MERCER), GERALDINE JAMES (LENA), DOLLY WELLS (CHARLOTTE), DAVID SIBLEY (GEORGE), SAM ALEXANDER (CHRIS, EL CARTERO), RICHARD CUNNINGHAM (SEÑOR WATKINS), CP: THE BUREAU. PROD: TRISTAN GOLIGHER. DIST: ND MANTARRAYA

PREMIOS Y FESTIVALES 2015 PREMIOS AL MEJOR ACTOR Y LA MEJOR ACTRIZ (TOM COURTENAY Y CHARLOTTE RAMPLING). FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE BERLÍN. ALEMANIA. | PREMIO A LA MEJOR ACTRIZ (CHARLOTTE RAMPLING). FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE EDIMBURGO. ESCOCIA.

Kate está a mitad de los preparativos del 45 aniversario de su boda con Geoff, cuando de repente, él recibe una noticia que lo arroja al pasado. Hace 50 años su entonces novia tuvo un accidente en los Alpes suizos; finalmente su cuerpo ha sido encontrado, congelado y perfectamente preservado. La pareja está en shock, pero mientras Geoff se sumerge en un distante universo de recuerdos, Kate se empeña en reprimir su ansiedad y sus celos crecientes. A partir de la historia de dos personas enfrentadas a sentimientos extraños, 45 años explora la manera en que una tranquila coexistencia puede salirse de control. VIERNES 5 / 17:00, 19:00 Y 21:00 HRS. / AUDITORIO EUQUERIO GUERRERO

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ANDREW HAIGH HARROGATE | REINO UNIDO | 1973

FRAGMENTOS DE UN TEXTO DE STEPHEN DALTON THE HOLLYWOOD REPORTER (HOLLYWOODREPORTER.COM) 6 DE JUNIO DE 2015 TRAD. FERNANDO TORRES BELMONT

Andrew Haigh, un serio contendiente en el pasado festival de Berlín, presenta un poderoso estudio sobre un largo matrimonio sacudido desde sus cimientos por los celos de un amor lejano. 45 años es un drama británico contemporáneo que recuerda a Ingmar Bergman por la certeza con la que el director sueco trataba la fragilidad en el amor y el matrimonio. Tom Courtenay y Charlotte Rampling protagonizan un matrimonio en plena satisfacción otoñal que se ve derrumbado súbitamente por una silenciosa desesperación. Sin hijos, y en el cruce de sus años de jubilación, ambos comparten una casa rural en las pintorescas tierras llanas de Norfolk, en el este de Inglaterra. Una semana antes de su 45 aniversario de bodas, Geoff (Courtenay) recibe una extraña carta explicando que el cuerpo de Katia, su novia alemana durante la juventud, se ha encontrado perfectamente preservado en un glaciar suizo. Ella murió en un accidente de senderismo alpino y había estado desaparecida durante 50 años. Kate (Rampling) resulta profundamente aturdida cuando se entera de que su esposo fue catalogado oficialmente como un familiar; devorada lentamente por los celos y la duda, se empieza a desmoronar mientras es forzada a mantener una buena cara para las obligaciones sociales y los preparativos de la fiesta. A pesar de que Kate es quien lleva el foco dramático y emocional de la película, el director fue meticuloso de no convertir a Geoff en un marido en vías de ser un patán que pisotea los tiernos sentimientos de su esposa. Ambos son proyectados como personas con defectos, pero simpáticos. Sin duda, uno de los aciertos es la forma en que 45 años captura la convincente cotidianeidad de un matrimonio en el que coexiste una comunicación no verbal: frases inacabadas y tensiones semienterradas; texturas que aderezan sutilmente la película. Ese cuerpo congelado en el glaciar sirve como metáfora poética, así como recurso argumental literal.

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3 CORAZONES 3 COEURS | BENOÎT JACQUOT | BÉLGICA-FRANCIAALEMANIA | 2014 | 106 MIN.

G: JULIEN BOIVENT, BENOÎT JACQUOT. F EN C: JULIEN HIRSCH. M: BRUNO COULAIS. E: JULIA GREGORY. CON: BENOÎT POELVOORDE (MARC BEAULIEU), CHARLOTTE GAINSBOURG (SYLVIE BERGER), CHIARA MASTROIANNI (SOPHIE BERGER), CATHERINE DENEUVE (MADAME BERGER). CP: RECTANGLE PRODUCTIONS. PROD: ALICE GIRARD, EDOUARD WEIL. DIST: ALFHAVILLE CINEMA.

PREMIOS Y FESTIVALES 2014 SELECCIÓN OFICIAL. MUESTRA INTERNACIONAL DE ARTE CINEMATOGRÁFICA DE VENECIA. ITALIA. | PRESENTACIÓN ESPECIAL. FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE TORONTO. CANADÁ.

En una ciudad francesa de provincia, una noche Marc conoce a Sylvie después de perder su tren a París. En armonía casi coreográfica, ambos vagan por las calles hasta el amanecer, hablando de todo menos de ellos mismos. Marc toma el primer tren de regreso y agenda una cita para ver a Sylvie unos días más tarde en la capital. Ninguno sabe nada acerca del otro, y cuando una dramática situación imposibilita a Marc de asistir al encuentro, quedarán incomunicados. La búsqueda de Sylvie llevará a Marc a otra mujer, Sophie, sin saber del vínculo que ambas tienen entre sí. SÁBADO 6 / 17:00, 19:00 Y 21:00 HRS. / TEATRO PRINCIPAL

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BENOÎT JACQUOT PARÍS | FRANCIA | 1947

FRAGMENTOS DE UN TEXTO DE ARANTXA ACOSTA CINE DIVERGENTE (CINEDIVERGENTE.COM) VENECIA, 31 DE AGOSTO DE 2014

Si se define la tragedia griega como «el resultado de la confrontación entre la casualidad y el deber», es fácil comprender que su temática girase en torno al destino del hombre y su lucha por cambiar los acontecimientos que marcarán su vida. Una lucha que, irremediablemente, y debido a sucesos que escapan de su control, siempre acabará perdiendo a no ser que, precisamente, entre en escena un dios que le ayude. Marc perderá el último tren que le lleve a la ciudad tras una jornada de trabajo en las afueras. Mientras busca hotel conocerá a una misteriosa mujer con la que pasará hablando toda la noche. Sin conocer su nombre, sin saber nada de ella, quedarán en verse en unos días. En un lugar concreto, a una hora concreta. Pero el destino impedirá a Marc acudir a tiempo a la cita, sin posibilidad de reencontrarse con el que seguro es el amor de su vida. La tragedia está ya servida… pero el capricho del destino, que nos puede parecer mucho más cruel que benevolente, hará que Marc se reencuentre con la mujer de la peor forma posible: habiéndose convertido en la pareja de su hermana. Lo que podría haber sido un típico melodrama a tres bandas es recogido por un Benoît Jacquot que decide jugar con el material de partida de 3 corazones y transformar la mirada del espectador, obligándolo a presenciar, contra todo pronóstico e introduciendo el género de forma gradual, un thriller psicológico. Como en su anterior Villa Amalia (2009), los elementos presentes en la más reciente película de Benoît Jacquot componen un filme íntimo, centrado en sus personajes y que brinda al espectador una temática que le permita reflexionar sobre qué haría él en el caso propuesto. El trío de actores seleccionado, formado por Charlotte Gainsbourg, Benoît Poelvoorde y Chiara Mastroianni están a la altura del drama pasional, cerrando el casting una Catherine Deneuve que, aunque no tiene muchos minutos, es clave para el avance de la historia.

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DR. LUIS FELIPE GUERRERO AGRIPINO RECTOR GENERAL DR. HÉCTOR EFRAÍN RODRÍGUEZ DE LA ROSA SECRETARIO GENERAL DR. JOSÉ LUIS LUCIO MARTÍNEZ SECRETARIO ACADÉMICO MTRO. JORGE ALBERTO ROMERO HIDALGO SECRETARIO DE GESTIÓN Y DESARROLLO DRA. SARA JULSRUD LÓPEZ DIRECTORA DE EXTENSIÓN CULTURAL

UNIVERSIDAD DE GUANAJUATO