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POR QUÉ HAY ARTE EN VEZ DE NADA / FACULTAD DE ARTES UNIVERSIDAD DE CUENCA / #05 / abril / 2014

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DR. CARLOS ROJAS DECANO DE LA FACULTAD DE ARTES

EDICIÓN: MST. REYNEL ALVARADO A. DISEÑO: DCA –DEPARTAMENTO DE COMUNICACIÓN DE ARTES– DIAGRAMACIÓN: DIS. JUAN P. DÁVILA

Analógicos vs. Digitales El lenguaje, quizá uno de los fenómenos más complejos de nuestra condición humana, es capaz de reducirse a los códigos más simples jamás representados. Un ejemplo de esto son los códigos digitales, aquellos símbolos abstractos y convencionales como las letras del alfabeto, y que al relacionarlas unas con otras bajo ciertas reglas y condiciones, nos permiten formar infinitas palabras con las cuales nos comunicamos a diario.

escultura, una pintura, una instalación, un video, una animación, una composición musical, una fotografía, el cuerpo humano en acción, etc. Son todos estos lenguajes no convencionales los que reclaman mayor protagonismo en la sociedad, son estos lenguajes los que nos ayudan a comunicarnos más allá de las palabras, los que llegan directamente a la conciencia misma de los seres humanos.

Pero hay otros lenguajes que hacen uso de códigos analógicos, es decir, aquellos cuyas unidades no tienen diferencias claras y su lectura no se da por una relación sintagmática, ordenada ni lineal. Los códigos analógicos no dependen en gran medida de las convenciones culturales, y lejos de ser abstractos, son más bien figurativos, y su forma de representación se asemeja mucho a la realidad.

Por esta razón hemos creído pertinente dedicar este número de ¿porqué hay arte en vez de nada? al concepto de lo analógico, al reconocimiento de estos códigos particulares que nos permiten a los artistas comunicarnos de manera diferente. Así que, la próxima vez que escuche decir que los artistas hablan con sus obras, no sólo se trata de una bonita frase metafórica, sino se trata de una frase con un estricto sentido literal.

Los ejemplos más claros de códigos analógicos los encontramos en el arte: una

Artefactos analógicos, la fotografía punk

La Xilografía DE ERIN STEAD

MGST. REYNEL ALVARADO

ANDREA CARMONA Estudiante de la Carrera de Diseño Gráfico

El libro infantil “A sick day for Amos McGee”, escrito por Philip C. Stead, no se ve extraordinario a simple vista ya que, a pesar que tiene dibujos muy expresivos, los pocos colores de su ilustración son planos y opacos, y además, en algunas partes el registro no coincide. Pero, sus 32 páginas bien ilustradas a lápiz, narran una historia lenta que envuelve, y simultáneamente insinúa, a través de sus manchas de color, la técnica empleada para pintar sus personajes: la xilografía.

Apropiación musical, un fenómeno constante e inevitable MGST. WALTER NOVILLO

Una simple definición de apropiación musical es el de tomar una expresión sonora foránea y hacerla propia a través de inclusión de elementos endémicos y que permiten proponer una versión personalizada.

Este proceso constante e inevitable se vive cada día y permite que los géneros se enriquezcan, trasmitiendo expresiones culturales a través de la música. Es común que en el Ecuador se utilice la expresión “música nacional” para hacer referencia a géneros como el pasillo, albazo, san juanito, etc., sin embargo, no son las únicas expresiones que se han dado, dan y darán dentro de nuestro territorio.

Análogamente a lo anterior, se puede escuchar que música cuya estética es el rock, jazz, pop u otras, no son música nacional, sino expresiones copiadas o extranjeras. Esta perspectiva posee dos talones de Aquiles que no permiten que sea considerada como válida. Inicialmente y como primera debilidad, considero que es una mirada errónea, pues, hasta el mismísimo pasillo vivió un proceso de apropiación (Revisar artículo web: “La nacionalización del pasillo ecuatoriano a principios del siglo XX” de Ketty Wong) y que, gracias a eso, hoy podemos disfrutar de un repertorio pasillero fascinante, múltiple y representativo. La segunda debilidad es que los seres humanos empujamos nuestras eras dependiendo de nuestras necesidades, gustos, avances y esto provoca un cambio inevitable y necesario de la cultura, por lo tanto y análogamente a lo que pasó con el pasillo, hoy en día, muchos ecuatorianos se han entregado a la producción profesional de otros géneros, realizando apropiaciones extremadamente interesantes y dignas del apoyo nacional…¿o acaso cuando un ecuatoriano fabrica guitarras, tornillos, amplificadores o cualquier otro artículo de origen extranjero, consideramos ese producto de otro país?... ¡Nunca!, es más, nos sentimos orgullosos de que un compatriota pueda explotar sus habilidades en terrenos donde la competitividad es mundial, si es así, ¿Por qué no considerar música nacional a toda esa armonía que pertenece a nuestros días, con fusiones y apropiaciones que inclusive podrían resultar en una industria cultural que permitiría aportes económicos a miras de inversión interna?.

La ilustradora, Erin E. Stead, no es anciana, ni vive en algún sitio privado de tecnología, por el contrario, es una joven ilustradora estadounidense. Stead, en su estilo infantil, ha manejado las limitaciones intrínsecas de la xilografía, de forma conveniente: ha usado enfáticamente los contados colores, con el lápiz, ha sombreado donde hacía falta y, ha aprovechado las texturas de los moldes de madera. En conjunto, el producto final tiene una calidad impresionante, con un proceso deliciosamente perceptible.

Aún si se ignora que este libro publicado por Roaring Brook Press, ganó la medalla Caldecott 2011, su diseño per se es una invitación a reconsiderar muchas técnicas análogas que se dan por obsoletas en este siglo.

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Cada estudiante construyó su cámara siguiendo instrucciones generales que las adaptaron para acoplar diferentes materiales, procesos y técnicas a sus modelos, haciendo cada cámara diversa y única en cuanto formato, área y rango de enfoque, tiempo de exposición, etc.

Reflexionar en el momento anterior al disparo es algo que lo digital ha borrado.

Ahora el fotógrafo es un operario, muchas veces esclavo de la pre visualización de la foto que se almacena digitalmente o, lo que es peor, a no usar el visor y dejar de lado el gesto de fotógrafo de acercar la cámara al ojo por tener la pantalla digital encendida todo el tiempo en un lenguaje propio del video, que va difuminando la decisión / intención del momento particular para perennizar.

Construir una cámaras y hacer fotos con ella nos acerca de manera más física a la fotografía, la relación con un artefacto hecho a mano y el momento casi mágico cuando nace la imagen, nos plantea un juego entre operador y aparato que con las herramientas cerradas del proyecto consumista actual es imposible entrar, el planteamiento de Flusser sobre cómo el aparato modela al operario anota:

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De estos elementos entendemos cómo las prácticas análogas se mantienen vigentes en la enseñanza de fotografía, y con más urgencia hoy que la homogeneización tecnológica oculta esta relación artefacto fotógrafo. Y hoy ciertamente que el lo-fi, como discurso estético que envuelve toda expresión artística, se ha mantenido sólido en algunos campos al oponerse al fetichismo por el HD y las altísimas resoluciones, algunas veces los mismos sentidos no pueden diferenciar, pero el sistema exige esta obsolescencia programada: monitores HD y Blue-Ray versus regresar al súper 8 o VHS, o vinilos para contrarrestar el mp3. Así la tecnología de consumo ha dibujado una nota al margen con diseños nuevos y originales de cámaras análogas cuando ya parecían muertas.

MGST. DANIEL LÓPEZ

Construcción de cámaras de concreto trabajo en Clases 2013

El resurgimiento de estas prácticas análogas en la imagen ha invadido también el campo digital, con emulaciones de efectos análogos en aplicaciones de dispositivos móviles o post producción en ordenador: light leaks, doble exposiciones, simulación de grano análogo o cross process para los ajustes de color que aportan una supuesta calidez y falsa nostalgia a las fotos digitales, filtros que muchas veces se los utiliza para maquillar fotos malas o de poca factura, simulando la personalidad del film.

Lo análogo, si bien al margen, está lejos de quedar borrado sea como un hecho visual, simulado, como gesto social o técnico mientras el espíritu punk de cuestionar los procesos y los aparatos del sistema siga latente detrás de cada foto.

Cámara de material reciclado para captura directa en papel fotográfico negativo y positivo, 2011, FOTO AUTOR

“El fotógrafo tiene poder sobre el que mira sus fotografías: el programa la conducta de los observadores. El aparato tiene poder sobre el fotógrafo: programa sus ademanes. Este cambio de poder del objeto al símbolo es el indicio verdadero de la “sociedad de la información” y de un “imperialismo de la información”.

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Portada del Libro: A Sick Day for Amos McGee, 2010

En la gran variedad de métodos para hacer imágenes, capturando luz tenemos a las cámaras estenopeicas, una cámara obscura o caja de luz, que tiene una perforación muy pequeña que hace las veces de lente y diafragma; esta perforación proyecta un cono de luz al material sensible, que en este proyecto planteado con los quintos ciclos de Diseño Gráfico es film de 35mm. a color.

Proceso de Ilustración: 1 Definir boceto, 2 grabado en madera reflejando el motivo, 3 selección de color, 4 reproducción de cada color.

Fotografía díptico en rollo expirado Bahía de Caraques, 2012 Camara Olimpus Pen E-3 FOTO AUTOR

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