Faena Ed.1 by Faenamag

← el mercado de lo inusual →

Ed/ 01 / Enero 2014

BIENVENIDOS

INDICE 10 Pyuupiru 18 Nick Cave 26 Shojono Tomo 32 Valentina Rosende 6

42 Josefin Arnell 50 Charles Freger 58 Hand in Hand 66 Manon Kundig

http://www.pyuupiru.com/ http://nickcaveart.com/ http://www.shojonotomo.com/ http://tragamundos.tumblr.com/

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http://josefinarnell.se/ http://www.charlesfreger.com/ https://www.facebook.com/handinhandmarket http://www.antwerp-fashion.be/SHOW2012/4/ manon_kundig/

Editorial Créditos Edición Texto / Dirección / Diseño Gráfico y maquetación Obrero Digital Faena es una publicación anual. Este proyecto es autofinanciado. Enero 2014

Faena Nº1 El mercado de lo inusual Es la primera publicación enfocada en la estética que cubre el cuerpo humano, la búsqueda de identidad y la deformación de los parámetros establecidos de belleza. Esta revista no tiene fines de lucro, solo busca acompañar a las mentes inquietas y ser un aporte a promover el arte en todas expresiones. Dentro de este espacio experimental incursionaremos en temas que probablemente no sean relevantes para las masas, pero podrían interesarte a ti. ¿Sabes lo que te interesa? eso es lo que importa ahora. La idea de esto es que no mal utilices tu tiempo leyendo una revista que al fin y al cabo no tendra ningun tipo de aporte a tu esencia. ¿Por qué leemos una publicación? ¿Que buscamos en ella? El término que cobija esta revista es lo “experimental” que puede llegar a ser su contenido o su contexto visual. Es difícil definir un concepto que estructure su contenido, ya que eso la limitaría completamente a poder entregar múltiples mensajes que serán recibidos a través de tus ojos. Lo esencial se ve proyectado en una imagen tangible que puede ser recreada de distintas maneras y al mismo tiempo, interpretada de manera individual. Para entender un mensaje debemos escuchar y observar a la persona que lo emite, si sólo escuchamos y no observamos no podremos comprender la totalidad de ese mensaje y si no escuchamos y solo observamos, podremos entenderlo parcialmente. Lo importante es percibir y entender la intención de este proyecto en su totalidad, esta es la única manera de que estas palabras e imágenes se conviertan en estímulos para todas aquellas mentes y manos creadoras.

Artista japonésa cuyas obras son muy aclamadas en los últimos años. Ella frecuentaba exóticos clubes vistiendo excéntricos trajes hechos a mano, plasmando en cada uno de sus trajes su personalidad única. Ha logrado llevar la técnica del tejido a un nivel extraordinario creando piezas únicas de contenido abstracto y fuera de lo común.

Planetaria / Mercury - Photo: Masayuki Yoshinaga 11

Planetaria / Venus - Photo: Masayuki Yoshinaga

“Planetaria” es una serie de personajes vestidos completamente de lana que representan distintos objetos de la galaxia. Cada uno esta conformado por un color y blanco para generar distintos contrastes. Las grandes protuberancias en cada uno de los trajes llaman a imaginar nuevas formas de intervención en el cuerpo humano, proyectándose en miles de formas. El maquillaje no se queda fuera, la exageración al momento de pintar el rostro es esencial para complementar la intervención corporal con las vestimentas de lana, generando así conceptos relacionados con lo abundante, la exageración y la mutación completa del cuerpo. Esta es la única forma de expresar en su totalidad el mensaje que se quiere comunicar y que pueda ser interpretado por cada uno de los individuos que lo observan. Estamos en un mundo que cada día esta siendo intervenido de manera mas rápida, no tenemos tiempo de analizar lo que esta sucediendo a nuestro alrededor. Pyuupiru genera la instancia de reflexionar lo que somos y lo que nos rodea.

El maquillaje no se queda fuera, la exageración al momento de pintar el rostro es esencial al momento de intervenir el cuerpo con las vestimentas de lana, lo abundante, la exageración y la intervención completa del cuerpo es la única forma de expresar en su totalidad el mensaje que se quiere comunicar. Estamos en un mundo que cada día esta siendo intervenido de manera mas veloz, no tenemos tiempo de analizar lo que esta sucediendo a nuestro alrededor. Pyuupiru genera la instancia de reflexionar lo que somos y lo que queremos para nosotros mismos, ser honestos y decir si somos parte o no de este sistema manipulado por el consumo y las necesidades adquiridas por la ansiedad.

Planetaria / Mars - Photo: Masayuki Yoshinaga

Nick Cave

Es un artista americano nacido en Missouri y graduado en el programa de moda de la “School of the Art institute of Chicago”. Como escultor de telas, bailarín y artista de performance genera trajes como esculturas llamados Soundsuits (Trajes de sonido) que son brillantes, saturados y de otro mundo. El simbolismo de estos trajes se entienden como sonidos que el ojo puede oír.

Sus esculturas de tela están hechas con plumas teñidas, lentejuelas, flores, granos, botones, ramas, materiales reciclados y limpiadores de pipa. Detrás de sus trajes es difícil saber si son hombres o mujeres o de qué raza o clase. Su arte es deslumbrante para cualquier persona que esté interesada en este tipo de trabajos y sus trabajos son una propuesta estimulante para todo tipo de espectador, donde cada invitado es parte del espectáculo. La gente lo ha seguido en el transcurso de sus performance y exhibiciones ya que la música utilizada y los “Soundsuits” se complementan de manera armoniosa consiguiendo la atención de todos sin duda alguna.

Shojono Tomo

Es una diseñadora y artista japonesa que no tiene límites al momento de crear, la increíble manera en que se expresa y la forma en que logra proyectar y realizar sus piezas de arte son únicas. Ella no solo diseña ropa, también genera objetos únicos que se ven incomprendidos por sus seguidores, ya que logra abstraer ideas de formas muy particulares. Shojono Tomo es una persona que cree en lo que hace y siente, se deja llevar por lo que ella es y nada más. La cantidad de objetos y colores que incluye en sus piezas de vestuario cumplen la función de “estética explosiva” y en algunos casos llega a ser perturbador. La cultura popular japonesa la representa a ella como personaje, es fácil saber cuando un trabajo es realizado por sus manos, la gama cromática de los rosados es única e irrepetible. También trabaja mucho con las estructuras de “my little pony” y las descontextualiza para convertirlas en piezas de arte llenas de mensajes en todas sus perspectivas.

Su nombre empezó a hacerse conocido por algunas de las prendas de vestir que a usado Nicki Minaj al principio de su carrera fueron diseñadas por Shojono Tomo, y causaban gran impacto a los fanáticos y medios de comunicación, ya que no esta ligada a la típica alta costura de las alfombras rojas estadounidenses.

link: www.tokyofashion.com

Relato por

Valentina Rosende Cuando me decidí a estudiar diseño de vestuario fue porque tenía una vaga idea de lo que era, pensaba: “es una carrera fácil en la que podré expresar mi arte de una forma funcional”, entonces entré a la carrera con esa mentalidad y con una ansiedad increíble de hacer arte.

En mis primeras entregas del ramo más importante de diseño: “Taller”, fui libre para crear. No sabía coser así que sentía un miedo terrorí fico de no tener dedos para el piano, nunca en mi vida había utilizado una máquina de coser, así que diseñé lo que me salió del corazón y me enfrenté a la evaluación. Someterme a ellas siempre es desagradable, porque de ellas siempre depende tu autoestima.

Cuando presenté mi proyecto, a las profesoras les encantó y me felicitaron, yo no lo podía creer, pensaba que era una broma. Después fomentaron más mis ganas de hacer arte cuando me invitaron a participar de “Raíz Diseño” y mi traje salió en la revista Paula. Creé mi marca de vestuario-artístico “Tragamundos”. No sabía lo que vendría después.

A medida que iban pasando los años, hacía propuestas cada vez más artísticas, que al mismo tiempo gustaban cada vez menos a mis profesores, así cuando llegué a tercero, sólo me llegaban comentarios como: “¿pero eso es un disfraz o no?”, “eso es como campanitas”, “¿no será muy artístico?”, los profes decían la Valentina se cayo!, y cuando estaba terminando el tercer año, ya sentía que me había metido en la pata de los caballos. Me puse a pensar y me di cuenta que el vestuario, no es un medio artístico, de hecho lo que tu menos puedes hacer con el vestuario es expresarte libremente y es porque el vestuario está orientado a satisfacer necesidades de otros, mientras que el arte está orientado en satisfacer las necesidades de expresión propia y me di cuenta que había sido egoísta , porque hasta el momento solo había hecho arte, nunca había logrado hacer algo intermedio, algo que le diera satisfacción al resto y también a mi.

Nunca antes había mirado referentes de moda, de hecho no sabía qué era moda y tampoco sabia qué era tendencia y llegué a mi propia conclusión. Tendencia es una ideología no necesariamente visible y moda es como el diseñador hace el proceso de tomar esa ideología y llevarla a un producto que satisfaga de una forma u otra al usuario. Entonces comencé a buscar referentes que tomaran esta tendencia de hacer arte y la transformaran en productos de moda. En mi búsqueda encontré 2 referentes que hacían lo que yo tenía en mente:

Guo Pei

Es una diseñadora de vestuario China que decidió hacer 2 tipos diferentes de vestuario, uno artístico que únicamente es para ser lucido en pasarelas y uno más usable pensado en las necesidades de la gente.

Manish Aror 38

Es un diseñador que tenía tan arraigado el arte de su nacionalidad India que decidió aplicarla al vestuario, en una propuesta artística que solo es para ser vista en pasarela y una propuesta pensada en el uso. Entonces descubrí que así hay muchos otros diseñadores que tuvieron la misma inquietud que yo, pero que a diferencia de mi, ellos sí le encontraron solución y me fui dando cuenta de la importancia de tenerlos como guía, no para copiar sus soluciones, sino para evolucionar mi propia cabeza de diseñadora y crear algo realmente nuevo. Me puse a pensar cual podría ser mi real aporte en el vestuario, mi solución novedosa para poder hacer arte en el vestuario. Empecé a mirar mi propio entorno, mi país, cómo el mercado ha penetrado en nuestras cabezas sin permitirnos ser capaces de ver más allá y cómo el mercado abusa del otro extremo de la moda, tomar estas propuestas y soluciones que propone el diseñador y las masifica al punto en que dejan de ser auténticas

Manish Arora - S/S 2013/2014

Manish Arora - A/W 2010/2011. ParĂs

Guo Pei Couture

PAUSA

Josefin Arnell

Es una diseñadora nacida en Suecia. Estudio en “Beckmans College of Design” y se graduó el 2011, desde entonces ha trabajado con prestigiosos diseñadores y artistas del mundo, generando nuevas propuestas de vestuario y experimentación visual.

SUPERBODY - Rest in peace / Photo: Inka & Niclas

Mirror Mirror on the Wall / 2009

Josefin genera piezas abstractas que se encuentran ligadas a otras dimensiones o simplemente a seres imaginarios, llenos de colores y formas diferentes. Utiliza variados materiales para comenzar sus experimentaciones, llenas de magia y estímulos para el espectador. Ella está interesada en trasladar energías y sentimientos ligados a la comprensión de los materiales y mejorar la manera de comunicar las energías de la naturaleza, que para algunos se consideran “invisibles”. Lo importante es transportar al espectador a otras dimensiones de su mente y crear estas instancias de conciencia hacia lo que nos hace ser parte de la naturaleza. Josefin busca generar personajes que relaten y hagan cuestionarse al espectador en cuanto a la estructura social que generamos y la percepción del tiempo en nuestras vidas. Los colores que utiliza están principalmente ligados a los colores pasteles y cálidos, de esta manera el contexto se asocia a sueños y mundos fantásticos donde la felicidad y el humor se hacen parte de la pasarela.

Charles Freger 50

Es un fotógrafo francés que genera composiciones frontales, centradas o simplemente bustos. Trabaja con la iluminación de transparencias, expresiones neutras e imágenes estáticas, sin perder la calidad de la piel y la textura de la ropa haciendo referencia a los retratos pintados por los artistas del pasado. Su propuesta como fotógrafo está ligada a diferentes viajes que él ha hecho alrededor de 19 países distintos de europa, tratando de capturar el espíritu de algo que él llama “tribal Europe” en la serie fotográfica “Wilder Mann”, donde el encontró un gran arraigo a rituales paganos que están ligados al solsticio y el inicio de la primavera enfocándose en el mito del hombre salvaje (Wild Man).

Es una tradición de los hombres vestirse como animales y monstruos salvajes, que se remonta a los tiempos neolíticos y del chamanismo y que todavía es una tradición en las culturas europeas. La figura mitológica que muestra el “hombre salvaje” representa la complicada relación que tienen los humanos con la naturaleza y los ciclos de la vida y la muerte. Su serie fotográfica explora, de manera precisa, las diferentes interpretaciones de tales creencias, mientras que algunas culturas lo expresan con vestuarios de flores o paja y otras también buscan la manera de representar las características de los animales como osos, cabras o bestias de cuernos grandes y peludas.

手_手

Mercado Mano en Mano “Hand in hand market” es una comunidad que agrupa a distintos diseñadores y artistas de Taiwán, y se reúnen en distintos lugares para crear un ambiente espectacular y mágico donde venden productos manufacturados por ellos mismos, cosas que visualmente están fuera de este mundo.

Su Fan page en Facebook es un espacio en el cual comparten gran cantidad de fotografias, desde personas que asisten a estas ferias hasta las distintas cosas que podemos encontrar en ella. Es magnifico todo lo que han creado como agrupación, generando gran cantidad de seguidores de este espacio incoherente (que para ellos es normal). Es una excelente iniciativa donde la creatividad y las ideas mas extrañas se pueden hacer realidad sin perturbar a nadie. Este grupo fue fundado el 2011 y por las imágenes encontradas nos podemos dar cuenta que comenzó como una simple venta de garaje, que poco a poco se fue convirtiendo en un espacio mas grande para distintos tipos de artistas. Para mi todos ellos son artistas, por que es evidente la manera en que juegan con los materiales y se las ingenian para crear objetos únicos en su especie.

Manon Kündig 66

Diseñadora de vestuario graduada en “Antwerp’s Royal Academy of Arts”, de Suiza. Su trabajo como creadora de prendas de vestuario trasciende el mundo de la moda al momento de generar una línea de ropa masculina llamada “Bowerbird”, compuesta completamente por telas impresas con patrones digitales y colores saturados llegando a lo ácido.

Photoshop es una de las herramientas más importantes en el desarrollo de esta colección y la recopilación de imágenes para generar composiciones, es el compuesto esencial para los resultados que ella ha conseguido. Los detalles de las impresiones están resueltas a la perfección, logrando una coherencia entre las imágenes compuestas en sus prendas y las composiciones generadas en las fotografías. La saturación es el concepto más importante en esta colección, cada look logra comunicar y estimular al espectador fusionando la locura y consiguiendo la perfección en cada una de sus propuestas. La saturación le da al usuario una sobredosis agradable de material, color, textura, y simbolismo, en definitiva, sus prendas reflejan los collage que ella crea como híbridos de la era tecnológica y que en el futuro serán parte de la mitología de nuestra época. El individuo tiende a ser eliminado por la muerte y, en su lugar, una especie de criatura divina que ha sido velada tanto como una reliquia se vuelve monstruoso.

Es una pieza creada artesanalmente que contiene ilustraciones, imágenes y composiciones de distintas instancias creativas. Quedan en libertad de enviar sus trabajos para compartirlos en esta publicación, que se empezará a generar a partir del 2014. Su primera edición será gratuita, para motivar a nuevos diseñadores, ilustradores y artistas a formar parte de él. Las circulares siguientes serán a un bajo valor, lo que nos permitirá costear las futuras publicaciones.

¡Hazla circular!

Ed/ 01 / Enero 2014