el
mercado
de
lo
Ed/ 02 / Enero 2015
inusual
BIENVENIDOS
BIENVENIDOS
INDICE 10 Kimiko Yoshida 18 Hideki Seo 26 Aldo Lanzini 6
34 Nathalia Calderon 44 Bernhard Willhelm 52 Andrea Crews 60 Piers Atkinson
http://www.kimiko.fr/ http://www.hidekiseo.net/ http://www.aldolanzini.eu/ https://facebook.com/natocalderondesign http://www.bernhard-willhelm.com/ http://www.andreacrews.com/ http://www.piersatkinson.com/
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Editorial Créditos Edición Texto / Dirección / Diseño Gráfico y maquetación Obrero Digital Faena es una publicación anual. Este proyecto es autofinanciado. Enero 2015
Faena Nº2 El mercado de lo inusual En esta segunda recopilación, continuamos observando el ser humano como una estructura inmaterial y completamente deformable de su estructura original. Cada fragmento corporal puede contar una historia diferente sin límite alguno, desarrollando a la vez un nuevo cuerpo u objeto carente de significado concreto. Esto es solo un espacio en el tiempo donde la imaginación y la creatividad juegan su papel más importante y es el de existir.
Kimiko Es una artista Japonesa que actualmente reside en París, Francia, desde el año 1995. Esta fotógrafa utiliza su cuerpo para retratar composiciones y estructuras que complementan el cuerpo y proyectan su forma como deidad mística o espiritual, dejando de lado la fotografía tradicional e incluyendo la experimentación de luces y formatos.
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Yoshida Kimiko Yoshida
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Las imรกgenes que ella realiza estรกn impresas sobre un soporte de aluminio en formato cuadrangular de 120 x 120 cm, la composiciรณn fotogrรกfica es frontal y centrada sobre fondos monocromos y luces oscuras, consiguiendo un resultado con mucho aire y contrastes de color.
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El elemento espiritual se ve plasmado frecuentemente en sus obras, el conjunto de diosas o vĂrgenes generan un recorrido por los diferentes rituales de las culturas de todo el mundo, desde la tradiciĂłn ĂŠtnica Africana hasta la occidental, mezclada con su innegable influencia oriental.
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Kimiko crea sus obras utilizando “naturalezas muertas”, definiendo su obra para que el “Uno” armonice con su ser eternamente mutable. Ella consigue conectar a través de su trabajo fotográfico, el espacio-temporal entre civilizaciones y culturas, resaltando el aspecto más espiritual de su obra y el más comercial, logrando acercarse de esta forma al mundo de la moda y la vida moderna, como también al plano divino y religioso de la actualidad. La lectura que se genera en sus obras está ligada a la experimentación con la ilusiòn, que produce a través de distintas intervenciones cromáticas, plasmadas sobre el rostro y las siluetas del cuerpo, adornadas cuidadosamente e iluminadas, produciendo brillos y colores llenos de intriga, como también de belleza.
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Hideki S Artista y diseñador japonés graduado de “Antwerp Royal Academy”, hizo la apertura del desfile de moda “Monster Ball”, llamado asì por Atopos, quién recopilò distintos artistas y diseñadores en la famosa exposiciòn “ARRRGH! Monsters in Fashion. 18
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Su principal motivo para crear vestuario es el de generar piezas interactivas y vanguardistas, que dejan en duda las percepciones convencionales de belleza, convirtiendo la estructura del cuerpo en extraños personajes monstruosos y de carácter grotesco. La creciente influencia de producir personajes y figuras deformes en el àmbito de la moda y el diseño de vestuario teatral, es particularmente fuerte en los trabajos de este artista. La materialidad de sus esculturas no tiene límite alguno, el plástico y el metal tambièn forman parte de las variadas composiciones, que junto a una excelente técnica en el montaje de las piezas, logra resultados de ingeniería textil que a simple vista son únicos. 23
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Aldo Lanzini
Artista del crochet nacido en Italia, ha logrado convertir el arte del tejido en una extravagante experiencia para el cuerpo. Sus piezas tienen como base la cabeza convirtiéndolas inmediatamente en máscaras que se acomodan al rostro y se proyectan de forma orgánica e incluso geométrica.
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Hilo, lana, cañamo y otros variados materiales son sus canales para proyectar y generar los nuevos rostros del cuerpo, que contienen estimulantes mezclas de colores desviando la atención a sus múltiples terminaciones en el tejido, de esta manera, logra confundir al espectador de los métodos que utiliza para producir cada una de las piezas de la máscara. Para lograr un montaje en el que sus piezas sean el principal llamado de atención, Aldo utiliza fondos blancos, que junto a una polera del mismo color no hacen mayor ruido visual, esto da como resultado que la atracción principal de sus imágenes sean las máscaras y en algunos casos los corpóreos que cubren por completo su cuerpo.
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Relato por
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Nathalia Calderón Durante 3 años estudié Derecho, una carrera que disfruté pero que implicaba desarrollarme en un ambiente tremendamente normado. Esto hizo que en mí surgiera una necesidad latente por reencontrarme con mi lado más lúdico y creativo. Esta escapatoria, la encontré en el Diseño. Mis estudios comenzaron cuando tenía 23 años y ningún conocimiento anterior sobre las técnicas que se necesitaba manejar. Al no saber tampoco de qué se trataba realmente la carrera, mi desafío fue grande, pero así también los logros. He aprendido de a poco a subsanar ciertas debilidades, sin dejar de lado lo que me apasiona
y que pude encontrar en el Diseño de Vestuario: la libertad creativa y de expresión. El juego y el color son para mí elementos fundamentales a la hora de diseñar y también lo son en mi vida cotidiana, es por eso que intento evidenciarlo en las variadas colecciones desarrolladas para los distintos talleres y cursos de la Universidad. Me gusta jugar con la literalidad, porque creo que muchas veces está infravalorada y es una muy buena herramienta, en colaboración con el humor, para poder hacer exposición de problemáticas e intereses sociales.
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En este paso por la carrera me he permitido la instancia del juego que siempre quise, experimentando con distintos materiales y siluetas, muchas veces arriesgándome a que mis diseños se cataloguen de “disfraz”, pero al mismo tiempo se me ha enseñado la gran diferencia entre el diseño experimental y el comercial, por lo que he intentado desenvolverme en ambas aristas.
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La primera colección que desarrollé el año 2012 para Taller Experimental y que se materializó en el año 2013 fue “Meidin Chile”, donde debía enfocarme en la identidad chilena, la cual luego de una investigación-juego pude reconocerla en el lenguaje. Es así como cada outfit representó un chilenismo específico, de manera de demostrar en la literalidad la poética de este modo de hablar nacional. Los materiales seleccionados fueron el vellón y la lana, para representar la acogida del chileno hacia lo extranjero. Uno de estos outfit fue la imagen representativa del AF SHOW UDLA, ésa fue la primera publicación de mi trabajo, lo que repercutió además que fuera el vestido de cierre del desfile realizado por la Nueva Escuela de Diseño UDLA en Ropero Paula ese mismo año.
Primera Colección “MEIDIN CHILE” Modelos: Agustín y Oriana. Publicación AF SHOW UDLA, Ropero Paula. Fotografía: Alexis Mandujano
La segunda colección, se desarrolló en base a como nos identificábamos nosotros mismos como diseñadores, aquí expresé todos mis gustos en relación al color, rescatando la paleta a utilizar desde fotografías que yo misma había tomado del cielo en distintas épocas y cómo el sol y las nubes repercutían en mí. Esta colección se llamó “Descenso” donde la idea primaria, que nace a partir de un juego, se materializó en gasas, gabardinas y lino, generando una mezcla de volatilidad y estructura. Lo volátil son mis ideas al azar y la estructura es la aplicación de las técnicas aprendidas y aprehendidas a lo largo de estos años de estudio. 37
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Finalmente mi tercera colección “Patior”, nace desde la investigación del pintor mexicano Kijano, del cual rescaté la poesía de los títulos de sus obras y las apliqué de manera literal en las prendas de esta colección masculina, donde además se nos hizo el encargo de utilizar colores y materiales específicos. En mi caso, se me encomendó trabajar el cuero y el color naranja, además agregué elementos tejidos, todo esto resultó en una colección masculina con líneas curvas y prendas feminizadas, haciendo evocación a la pasión que existe entre hombre y mujer y a la que se refiere Kijano en sus obras.
Mis diseños buscan decir algo y esos discursos se han formado, tanto desde ideas preconcebidas por un tema que me plantearon en los distintos Talleres de la Universidad, como también a partir de una necesidad personal de transmitir algo. Es asombroso ver como se materializa el proceso creativo; desde la idea inicial que nace en el imaginario a esta pieza física que viene a traducir no sólo ese pensamiento inicial, sino todo el camino andado: los cambios en la morfología de la pieza, en los colores que aparecen, en lo que se agrega y lo que se edita. Ciertamente, es reconfortante saber que estoy avanzando y que en este camino queda mucho más por aprender.
Tercera Colección “PATIOR” Fotografía: Aníbal Toro Modelo: Orlando para Men Manegement Agency MUA: Ximena Aravena para Dior
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Bernhard Willhelm 44
Es un diseñador nacido en Alemania, que actualmente es reconocido como todo un icono del diseño. Al apreciar sus impresionantes montajes de moda y arte podemos sacar por conclusión que es un soñador, que no le tiene miedo a los límites de la industria. Este artista que busca provocar y confundir al mercado, nos hace introducirnos en el misterioso mundo de lo grotesco y lo divertido.
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Colaboró con varios diseñadores, entre ellos esta el difunto Alexander Mcqueen y Vivianne Westwood, dos importantes marcas de moda que mantienen sus imperios hasta el día de hoy. Rodeado por iconos que no tienen miedo de crear nuevas ideologías de moda, él sigue esta corriente, utilizando la industria textil para demostrar que en gustos no hay nada escrito. El estilo reconocible de Willhelm, tuvo éxito rápidamente en el mundo de la moda, apareció en todas las revistas, y ahora se vende en todo el mundo a las tiendas más extravagantes de vestuario de alta costura.
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En la actualidad, su enfoque es la silueta femenina como también la masculina, en la cual aplica telas modernas con estampados geométricos, patrones de repetición, simbología y una serie de exóticas formas abstractas, que junto a su creatividad logra una armonía que solo Willhelm es capaz de retratar en sus únicas piezas. El trabajo realizado en las produccioness fotográficas, proyectan y complementan el vestuario sin que pierda protagonismo en las imágenes.
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Andrea Crews 53
Colectivo de diseño Francés que se sitúa en París, al mando de Maroussia Rebecq, una mujer que tiene como base la sustentabilidad en el mercado de la moda, reciclando prendas y generando osados modelos de vestimenta para la industria actual. En este espacio no solo encontramos vestuario, sino que también arte y fotografía que interactúan entre sí, para complementarse en esta importante agrupación europea.
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El desequilibrio plasmado en sus colecciones de vestuario, convierten las prendas en lúdicas piezas visuales, que fusionan la estructura del cuerpo con los juegos de formas y las estimulantes gamas cromáticas que tienen las telas. Es esta diferenciación y sentido de identidad que ella le da a cada una de sus piezas para que el usuario vaya más allá de su utilidad como prenda.
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El arte y la moda son dos conceptos en los cuales está inmerso el colectivo de Andrea Crews, pero ante esto la sociedad y el desarrollo sustentable de prendas de vestuario es mas importante. Mezclando todos estos códigos de estetica y desarrollo social, la ropa empieza a tener un valor emocional ante el mercado, volviéndose un aporte para el productor, como también para el consumidor, junto al medio ambiente en el cual toda la sociedad se ve involucrada en sus decisiones al momento de adquirir una prenda.
“Aunque nos gusta más trabajar con seda orgánica, también lo hacemos con material sintético “Made in China”, es decir, tomamos lo que encontramos, siempre inspirados en la historia de la marca cuando se trata de crear nuestras colecciones cápsula.”
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Muelles Atkinson Piers es el sombrerero loco contemporáneo más aclamado de los últimos tiempos. El creció en Norfolk, Inglaterra junto a tres generaciones de mujeres, que estimulaban su ganas de crear. Artista, ilustrador, diseñador de vestuario, editor y DJ, son algunos de sus pasatiempos más habituales. La creatividad es parte de su vida, junto a la insaciable curiosidad de aprender todo. Estudiante de diseño gráfico y fotografía en la universidad de Bristol, que luego de terminar esta etapa se trasladó al centro de Inglaterra para empezar a escalar en su trayectoria como diseñador de sombreros.
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Las creaciones aparecen regularmente en las páginas de Vogue, Vogue Italia, V Magazine, Tatler y los periódicos de gran formato de Londres. Sus sombreros están disponibles en todo el mundo, desde Japón hasta Fenwick en Londres, a través de Joyce en Hong Kong y una tienda famosa de Alan Journo en Milán.
Atkinson lanzó su primera colección de sombreros en febrero de 2008 y ha creado colecciones para cada temporada desde entonces. Ha colaborado con diseñadores como Ashish, Ashley Isham y Noki para las presentaciones en pasarelas. También ha vestido a celebridades como Anna Dello Russo, Kate Moss, Lady Gaga, Rihanna, Kelis, Cate Blanchett y Paloma Faith.
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Esta revista digital, ilustrada y gratuita solo busca acompa単ar a las mentes inquietas y ser un aporte a promover el arte en todas sus expresiones.
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