Fashiontrend 28 by Fashiontrend

si ringrazia il museo Ugo Guidi

www.simas.it

FROZEN Collection, by UfficioTecnico

www.dondup.com - foto agnes spaak

EDITORIAL fashiontrend28

By Paolo Gelmi

by Elena Banfi

CBY\

acquisti un piumino, salvi una vita buy a down, save a life

Con la collezione CBY per l’Autunno-Inverno 2010, Cinellistudio sostiene Medici Senza Frontiere, la più grande organizzazione medico-umanitaria del mondo, sensibilizzando la propria clientela sull’emergenza della malnutrizione infantile. Acquistando un capo CBY ognuno potrà contribuire a finanziare la campagna Crisi Dimenticate, aiutando MSF nel duplice obiettivo di aiutare le popolazioni in pericolo e di testimoniare la loro grave situazione. With the CBY 2010 Autumn-Winter collection, Cinellistudio supports Doctors Without Borders, the most large medical-humanitarian organization in the world, making its clients aware of the emergency of child malnutrition. By buying a CBY product, everyone can contribute to financing the ‘Forgotten Crisis’ campaign, helping MSF in their double objective to help the populations in danger and to testify their serious situation. c-by.it

Sergio Rossi\

primo temporary shop a milano

Wanda Romano\

un gioiello di plastica A plastic jewel

Niente, a prima vista, li distingue da gioielli in vetro, corallo e madreperla. Poi, quando si indossano, la leggerezza svela il mistero: Wanda Romano rigenera la plastica di bottiglie e contenitori, così ciò che ha un impatto devastante sull’ambiente, nelle sue mani diventa fiore, medusa, cristallo di neve. Scalda la plastica con fiamma diretta e la modella per farne anelli, collane, orecchini. Vende da Max Mara Basement a Milano, al museo Plart di Napoli e da Corachan y Delgado a Madrid. At first sight nothing distinguishes them from glass, coral or mother-of-pearl jewelry. Then, when you wear them, the lightness reveals the mystery. Wanda Romano regenerates plastic bottles and containers, i.e. the materials that have a devastating impact on environment. In her hands they become flowers, jellyfish, or snow crystals. She heats plastic with a direct flame and models it to create rings, necklaces, and earrings. She sells her creations at Max Mara Basement in Milan, at the Plart museum of Naples and at Corachan y Delgado in Madrid. wandaromano.com

first temporary shop in Milan

Ha aperto a Milano il primo negozio temporaneo Sergio Rossi situato nel noto quartiere di Brera; lo spazio propone tutta la collezione maschile disegnata dal Direttore Creativo del marchio, Francesco Russo. Lo spazio è stato progettato da Antonino Cardillo che ha tratto ispirazione dalle linee architettoniche di Giò Ponti e dalla torre Velasca di BB Pierre per creare un’installazione temporanea racchiusa in un edificio permanente The first Sergio Rossi temporary shop has opened in Milan and is situated in the famous Brera zone. The area offers the entire men’s collection designed by Francesco Russo, the Creative Director of the brand. The space was designed by Antonino Cardillo who was inspired by the architectural lines of Giò Ponti and the Velasca tower by BB Pierre to create a temporary installation enclosed in a permanent building. sergiorossi.com

Prada\

nasce la fragranza uomo Infusion de Vétiver the new men’s fragrance Infusion de Vétiver is born

La collezione di profumi Ephemeral Infusions di Prada, nata nel 2009, realizzati con alta artiginalità, si arricchisce per la prima volta di una fragranza maschile in edizione limitata: Infusion de Vétiver. Una fragranza altera e trasparente, leggera come un’acqua di Colonia tipica della tradizione profumiera italiana, un concentrato di note fresche inaspettate. Il packaging è decorato con un mosaico geometrico ripreso da una stampa dell’archivio tessile maschile Prada The Prada Ephemeral Infusions perfume collection was launched in 2009. Highly artisan, it is now enriched for the first time with a limited-edition fragrance for men: Infusion De Vétiver. A proud and transparent fragrance, light as an eau-de-cologne typical of the Italian perfume tradition, a combination of fresh unexpected notes. The packaging is decorated with a geometric mosaic taken from an old print of the Prada men’s textile collection. prada.com

1d3a5\

ecco a cosa serve la pubblicità

PEPE JEANS LONDON\

that’s what advertising is for

RITORNO ALLE ORIGINI back to the roots

STINSON è il nuovo modello di jeans proposto in tre diversi lavaggi. Un classico a cinque tasche con vestibilità antifit; tutti i finissaggi sono stati realizzati prendendo come riferimento capi e modelli vintage autentici degli anni sessanta. Una caratteristica particolare sta nella retro-etichetta realizzata in pelle di capra STINSON is the new model of denim available in three different washings. Classic five-pocket anti-fit denim; all the finishings were realized by taking inspiration from the authentic vintage clothes and models of the sixties. A special feature is the back-label which is made from goat leather.. pepejeans.com

Dall’incontro tra ideologia eco-sostenibile e passione per il design nascono le borse 1d3a5. Made in Italy, sono ottenute da teloni pubblicitari lavati e bottalati, tagliati, cuciti e rifiniti con una lavorazione artigianale che richiede oltre due ore di lavoro. Sono shopping e tracolle che hanno mille storie di varia umanità da raccontare, dopo aver passato la vita a spiare le città da sopra i muri. Per questo sono uniche: non ne esistono due uguali in tutto il mondo 1d3a5 bags have been created from the combination of eco-sustainable ideology and passion for design. Made in Italy, the bags are made from advertising tarpaulins washed, cut, sewn and finished with a special artisan process which takes more than two hours work. They are shopping and shoulder bags which have thousands of stories to tell, after having spent their lives spying on the town from their hanging positions on the walls. This is why they are unique: there are no two the same all over the world . 1d3a5.com

15 Oz. Italian Outlet\

shopping di jeans in Russia denim shopping in Russia

È stato appena inaugurato a Smolensk, in Russia, il primo 15 Oz. Italian Outlet, innovativo multibrand stock store dove trovare jeanswear e streetwear italiano a ottimi prezzi, proveniente da surplus di produzione. L’idea è venuta a Euromondo, azienda leader nella distribuzione del jeanswear Made in Italy nella federazione Russa. Chi si trova nei paraggi può fare scorta di modelli Gas, Fornarina, Diesel, Met (le label distribuite da Euromondo), a cui si aggiungono ogni mese nuovi brand. The first 15 Oz. Italian Outlet was just inaugurated at Smolensk, Russia. The innovative multibrand stock store where you can find Italian denim-wear and streetwear at excellent prices, takes advantage of production surplus. The idea came from Euromondo, a leader in the distribution of Made in Italy denim-wear in the Russian federation. It is a really good opportunity to stock up on brands like Gas, Fornarina, Diesel, Met (all labels distributed by Euromondo), together with new brands which add up every month. euromondosrl.com

by Elena Banfi

USEDESIGN\

la nuova vita dei rifiuti the new life of waste

Floor to Heaven\ IL TAPPETO DEI SOGNI

Ragazzo curioso, Luca Scarpellini: nato nel 1982 a Forlì, si è esibito per anni come giocoliere ed equilibrista di strada. Poi si è laureato con lode in scenografia e dal 2008 realizza a mano pezzi unici di design da materiali di scarto recuperati da ferri vecchi, mercatini, cassonetti. Oggetti abbandonati che, nelle sue mani, tornano in vita nei panni di qualcos’altro, come l’aspirapolvere (nella foto) che si trasforma in una lampada funny a tutto colore.

the dream rug

Michaela Schleypen, designer di Colonia e vincitrice del premio International Carpet Design, dà un’anima ai tappeti. Le sue creazioni handmade piene di fantasia hanno reso celebre il marchio Floor to Heaven di cui è proprietaria e mente creativa. Il modello nella foto riproduce il cuore di un grande albero, rievoca foreste incantate ed è realizzato con lana neozelandese. Si possono scegliere soggetti e dimensioni: il tappeto su misura è pronto in otto settimane.

A curious guy, Luca Scarpellini: he was born in Forlì in 1982. For years he was a street artist juggler and equilibrist. Later he graduated with honors in scene design and since 2008 he has been making one-off design pieces by hand, from discarded materials recovered from small markets and garbage dumps. Abandoned objects, which in his hands are reborn and transformed into something else, like the Hoover (see picture above) which is turned into a multi-colored funny light.

The German designer and winner of the International Carpet Design Awards, Michaela Schleypen has given a soul to rugs. Her handmade creations are full of fantasy and have brought fame to the brand Floor to Heaven, her own company where she works as the creative mind. The model in the picture reproduces the heart of a big tree, evoking enchanted forests made of New Zealand wool. You can choose subjects and sizes: made to measure rugs will be ready in eight weeks .

usedesign.it

floortoheaven.com

FLO\

lavorare in un’ortoserra

working inside a greenhouse

C’è una bottega speciale a Bologna, dove racchiusa da antiche vetrate sorge una serra che, grazie all’idea di Annalisa Lo Porto e Roberto Dapoto, è anche lo studio dove i due passano dalla progettazione di terrazzi, orti e giardini, alla decorazione di interni, all’allestimento floreale per eventi. Per offrire ai clienti un posto accogliente, riavvicinarsi alla natura e a una dimensione più umana del lavoro. In vendita, oltre alle piante, anche creazioni in gres realizzate dalla designer (tel. 051/585096). There is a special shop in Bologna where a greenhouse rises enclosed by ancient stained-glass windows. Thanks to the idea of Annalisa Lo Porto and Roberto Dapoto, it is also the studio where they work on their projects: from the outdoor design for terraces, vegetable plots and gardens, to interior design and flower arrangements for events. To offer to their customers a comfortable place, drawing closer to nature and a more human dimension to work. Besides plants, there are also the designer’s stoneware creations on sale (tel. +39/51/585096).

Zuiver\

divano trasformista transformer sofa

La label olandese Zuiver riunisce il lavoro di giovani designers selezionati per essere seguiti e lanciati sul mercato internazionale, altrimenti difficilmente raggiungibile. Tra questi, Michaël Kruijne, ideatore di Bobo, il divano multifunzione più comodo del mondo. Basta ruotare i moduli di cui è composto per cambiare vita alla seduta e trasformarla in una sorta di chaise longue a tutto relax: tu ti sdrai mentre chi è di fianco a te può restare tranquillamente seduto. The Dutch label Zuiver reunites the work of young designers selected to be followed and launched on the international market, otherwise difficult to achieve. These include Michaël Kruijne, creator of Bobo, the most comfortable multi-functional sofa in the world. You just have to rotate its forms at pleasure to change your sofa’s life and to transform it in a sort of chaise longue for relaxing. You can lie down while the person beside you can stay seated. zuiver.nl

Ciclotte\

pedalare è questione di stile pedaling is a question of style

Ecomat Research\

il mattone rivoluzionario THE revolutionary brick

Sembrano pezzi di Lego, invece sono mattoni rivoluzionari che derivano da materie plastiche riciclate recuperate in discarica, brevetto mondiale depositato da Ecomat Research Ltd. Il modulo Mat Tek è leggero, resistente, indeformabile. Si sovrappone a incastro e consente di costruire con facilità muri con proprietà anti-sismiche superiori, peso ridotto, alta resistenza al fuoco e basso coefficiente di trasmissione al suono. La sede produttiva italiana è a Mornico al Serio, Bergamo. They look like LEGO bricks, but they are revolutionary bricks made from recycled plastic materials recovered from garbage dumps, patented world-wide by Ecomat Research Ltd. The Mat Tek is light-weight, resistant, unbendable. These interlocking bricks are light and can be used to easily build earthquake resistant walls and they are highly resistant to fire and provide good thermal and acoustic insulation. The Italian production premises are at Mornico al Serio, Bergamo. ecomatresearch.com

Carbonio, acciaio e fibre di vetro: Ciclotte è l’innovativa exercise bike made in Italy disegnata da Luca Schieppati (classe 1979) e prodotta da Lamiflex Group. Mette in cantina la vecchia cyclette grazie alla sua linea ergonomica ed essenziale. La ruota è il fulcro del progetto: un maxi cerchio che ricorda i motocicli di fine ‘800, trasformato in un pezzo di raffinata ingegneria. E ancora: manubrio in carbonio, display ispirato alla domotica e performance di altissimo livello. Carbon, steel and fiberglass: Ciclotte is the innovative exercise bike made in Italy designed by Luca Schieppati (born in 1979) and produced by Lamiflex Group. This bike puts the old exercise bike in the basement thanks to its ergonomics and essential line. The wheel is the central point of the design: a maxi rim which recalls the motorcycles of the late 19th century, transformed into a piece of refined engineering. And more: handlebars in carbon, interactive display and high-level performances. ciclotte.com

by Elena Banfi

Shanghai\

Swatch e l’hotel degli artisti Swatch and the artist hotel

La joint venture tra Swatch Group e Jin Jiang International Hotels ha premesso il restauro del South Building dello storico Peace Hotel di Shanghai. In concomitanza con Expo 2010, l’1 agosto l’albergo riapre come Swatch Art Peace Hotel, progetto unico nel suo genere: una selezionata rosa di artisti-ospiti avrà a disposizione l’uso gratuito delle strutture dell’albergo, lavorerà in un contesto senza eguali e potrà farsi conoscere grazie a mostre ad hoc. In cambio i talenti dovranno lasciare una “traccia” del proprio passaggio. The joint venture between Swatch Group and Jin Jiang International Hotels made the restoration of the South Building of the historical Peace Hotel of Shanghai possible. In conjunction with Expo 2010, the hotel will reopen on August 1 as the Swatch Art Peace Hotel, unique in this kind of project. A selected group of artistguests will have at their disposal the entire hotel structure for free. They will work in an exceptional unique context and can get themselves known thanks to the exhibitions that will be created for the occasion. In exchange the talents should leave a “trace” of their presence. peace hotel semi-private dining

swatch-art-peace-hotel.com

Cancun\

un museo sotto il mare a museum under the sea

Si chiama “Silent Evolution” il museo acquatico del Parco Nazionale Marino di Punta Cancun, Messico. L’artista inglese Jason de Baires Taylor sta scolpendo 400 statue in cemento ad alta resistenza alla corrosione. Le prime saranno installate a otto metri di profondità entro giugno: riproducono persone reali e ricreano un emozionante reef artificiale. Mister Taylor sta cercando persone da immortalare: basta mandare una foto ed essere disponibili a una trasferta a Cancun. “Silent Evolution” is the name of the water museum of the Marine National Park of Cancun, Mexico. The British artist Jason De Baires Taylor is sculpting 400 statues in cement that are resistant to corrosion. The first ones will be installed at eight meters below sea level by June. They represent real people and recreate a soul-stirring artificial reef. Taylor is looking for people to be immortalized: you just have to send a picture and be available to go to Cancun.

TUTTI AL MAXXI

Roma\

MAXXI, rome Photography by Roland Halbe.

everybody to Maxxi

underwatersculpture.com

Il 30 maggio ha aperto Maxxi, il primo museo nazionale dedicato all’arte e all’architettura del XXI secolo e pensato come un grande campus. La Fondazione, costituita dal Ministero per i Beni e le Attività Culturali, ha sede nell’opera architettonica di Zaha Hadid nel quartiere Flaminio di Roma. Tre le mostre inaugurali: “Gino De Dominicis. L’immortale”, “Luigi Moretti architetto. Dal Razionalismo all’Informale”, “Kutlug Ataman. Mesopotamian Dramaturgies”. Tra i partner del museo, la Maison Fendi. May 30 saw the opening of Maxxi, the first national museum dedicated to 21st century art and architecture and designed as a big campus. The Foundation, set up by the Ministry of Cultural Activity, is based in the architectural work by Zaha Hadid in the Flaminio district of Rome. The three inaugural exhibitions are: “Gino De Dominicis. L’immortale”, “Luigi Moretti architetto. Dal Razionalismo all’Informale”, and “Kutlug Ataman. Mesopotamian Dramaturgies”. The museum’s partners include Maison Fendi. maxxi.beniculturali.it

Venezia\

spazio all’architettura room for architecture

Kazuyo Sejima photography by giorgio zucchiatti

Dal 29 agosto Venezia sarà crocevia di architetti provenienti da tutto il mondo per People Meet in Architecture, la 12ma Mostra Internazionale di Architettura che vanta una nuova direttrice, la giapponese Kazuyo Sejima, prima donna a capo della Biennale Architettura e vincitrice del Pritzker Architecture Prize 2010. La Mostra presenterà le più interessanti partecipazioni nazionali nei Padiglioni ai Giardini dell’Arsenale e nel centro storico e selezionati eventi internazionali da non perdere From August 29, Venice will be a crossroads of architects from all over the world for the event ‘People Meet in Architecture’, the 12th International Architecture Exhibition which has a new director, the Japanese architect Kazuyo Sejima, the first woman director of the Architecture Biennial and winner of the 2010 Pritzker Architecture Prize. The exhibition will present the most interesting national participations at Padiglioni ai Giardini of the Arsenale and in the city’s historic sites, with many events not to be missed. labiennale.org

Susanna MAJURI ISKALDUR MODUR (Dear Sailor) Courtesy Galerie ADLER Frankfurt / New York

By PAOLO GELMI

Benvenuti nella terra dei Vichinghi e dell’incontrastato Odino, terra del profondo Nord che da sempre attira la curiosita’ di grandi e piccini, la penisola Scandinava e’ un concentrato di culture spesso molto diverse tra loro che con il tempo hanno imparato a convivere dando il meglio sotto ogni punto di vista. Quello che Fashiontrend vi vuole raccontare e‘ quanto di piu’ creativo ed artistico si possa trovare in questo territorio ai confini del mondo, affinche’ non sia soltanto la natura dai suoi molteplici panorami, profumi e colori a fare da protagonista. Attraverseremo insieme a voi la Danimarca, la Svezia la Norvegia e la Finlandia cercando di catturare in queste poche pagine gli aspetti piu’ interessanti e creativi che abbiamo incontrato, invitandovi attraverso i nostri approfondimenti a visitare una terra fredda solo in apparenza, perche’ il calore che irradia attraverso le sue tradizioni, cultura e creativita’ scalderebbero anche il cuore del viaggiatore piu’ freddoloso e scettico. Welcome to the land of the Vikings and the wild god Odin, territory of the deep north which has always intrigued both young and old. The Scandinavian Peninsula is a concentrate of cultures, often very different from each other but which over time have learned to live together by giving their all from every point of view. What Fashiontrend wants to show you is how much creative and artistic individuals you can find in this land poised at the edge of the world; not only nature, with its many panoramas, scents and colors, plays a leading role. Together we will journey through Denmark, Sweden, Norway and Finland, looking to capture in these few pages the more interesting and creative aspects we have come across, inviting you via our investigations to visit a land that is cold only in appearances, as the heat that radiates through its traditions, culture and creativity would warm the heart of even the most cold and skeptical travelers.

NORDIC ODDITY By Ali Filippini

È passato del tempo da quando il design soprattutto svedese e danese catturava, nei cinquanta e sessanta, l’attenzione del mondo. Anni gloriosi per le icone nordiche: le sedie “nate classiche” di Hans Wegner, i “democratici” vestiti di cotone di Marimekko indossati persino da Jackie Kennedy, i pezzi pop di Verner Panton. Some time has passed since design – especially Swedish and Danish design – captured the attention of the world in the fifties and sixties. Glorious years for Nordic icons: Hans Wegner’s chairs that were “born classics”, Marimekko’s “democratic” cotton clothing worn even by Jackie Kennedy, and Verner Panton’s pop pieces.

Baau Pendel design Vibeke Fonnesberg Schmidt, Normann Copenhagen.

Seguì una sorta di operoso silenzio. Poi, a fine anni novanta, a dar la scossa al panorama del design scandinavo ci pensarono dei nomi nuovi. Tra questi designer indipendenti, gruppi diversi con nomi da rock band che aprirono a una nuova stagione: Snowcrash (l’ ”effetto neve” da disturbo del segnale televisivo ma anche il titolo di un noto romanzo cyberpunk americano), gli ex Norway Says, No Picnic... Era l’idea che ci si potesse affrancare da un passato tanto glorioso, quanto ingombrante, dialogando a distanza con altre esperienze fuori dai confini dell’estremo Nord. Iniziò lentamente un processo di internazionalizzazione che portò designer scandinavi a collaborare con aziende europee (con Cappellini in Italia, ad esempio) e si completa oggi con nomi internazionali “in casa loro” (italiani come Fioravanti e Nichetto; gli italo-svedesi GamFratesi; giapponesi come Hiromichi Konno, in Danimarca, dopo aver collaborato a Londra con Ross Lovegrove o Arihiro Miyake, a Helsinki, dove si è formato con Ilkka Suppanen, uno dei fondatori di Snowcrash). Tra gli emergenti di ieri troviamo il finlandese Harri Koskinen, oggi quarantenne, tra i grandi ambasciatori del nuovo design scandinavo, la cui Block Lamp - una nuda lampadina sotto vetro che sembra congelata nel ghiaccio - divenne l’icona del new scandinavian design. Koskinen è un designer che dialoga tanto con il nuovo quanto con la tradizione dei marchi storici locali, come Ittala e Artek. Mentre il gruppo Front, svedese, emerso qualche anno fa, sta facendo ora da apripista ad altri gruppi, indicando una strada nella sperimentazione. Le tre ragazze di Front raccolgono in questo momento la sperimentazione degli anni passati, guadagnando terreno dai circuiti off alla notorietà internazionale, collaborando con brand come Mooi o Established & Sons. L’iniziale volontà dei nuovi giovani designer di volersi allontanare da un’immagine diventata oramai oleografica del cosiddetto design nordico – le forme organiche e naturali, il tradizionale e iconico uso del legno compensato, del vetro, del feltro – trova, al contrario, con l’ingresso dei nuovi emergenti, la sua chiave espressiva nella realizzazione di un design che, senza cambiare gli ingredienti di partenza, si concede piccole stravaganze risultando ugualmente interessante: nel modo in cui interpreta i materiali, indaga le tipologie, sovverte con misura le funzioni.

A kind of busy silence followed. Then, at the end of the nineties, the Scandinavian design scene was shaken up by new names. These included independent designers, various groups with rock-band names who opened a new cycle: Snowcrash (related to TV snow effect but also the title of a famous American cyberpunk novel), Norway Says, No Picnic... The idea was to cut loose from such a glorious, yet burdensome, past by dialoguing from afar with other experiences beyond the borders of the extreme North. An internationalization process slowly began which led to Scandinavian designers collaborating with European companies (e.g. Cappellini in Italy), capped off with international names working “in their territory” (Italians such as Fioravanti and Nichetto; the Italo-Swedish group GamFratesi; Japanese designers such as Hiromichi Konno, in Denmark, after having collaborated with Ross Lovegrove in London or Arihiro Miyake, in Helsinki, where he joined up with Ilkka Suppanen, one of the founders of Snowcrash). Among the past emerging talents, the Finnish designer Harri Koskinen, now forty years old, was one of the great ambassadors of new Scandinavian design. His Block Lamp – a naked light bulb in glass which seems frozen in ice – became the icon of the movement. Koskinen is a designer who dialogues as much with the new as with the tradition of historical local brands, such as Ittala and Artek. While the Swedish Front group, which emerged a few years ago, is now setting the pace for other groups, indicating a route through experimentation. At the moment the three Front girls are gathering the fruits of past experimentation, gaining ground from off-circuits to international renown, collaborating with brands such as Mooi and Established & Sons.

Fruit Box, design Hannu Kähönen, Creadesign Co.

Grandcentral design Sanna LindstrÖm e Sigrid StrÖmgren Ph. Martin Eek.

Prendiamo il legno, per esempio, che è ripensato completamente nei suoi modi di impiego e tecniche costruttive. Nel tavolo Spring del gruppo Tb&Ajkay, il compensato di betulla, amato dai maestri del passato come Alvar Aalto, è usato quasi semilavorato in strati sciolti pressati tra loro, ma liberi a un’estremità a formare una svolazzante protesi decorativa. Mentre un “maestro” come Hannu Kähönen interpreta la materia in chiave green design con Fruit Box, una sedia ricavata assemblando con della semplice corda delle comuni cassette in legno per la frutta. Qualcosa accade anche nella funzionalità degli oggetti, che cercano la partecipazione del loro utilizzatore: in chiave divertente, come nel tavolino con lo spettacolare piano ripiegabile ispirato a una mappa a comparsa di New York, firmato dalle giovani Sanna LindstrÖm e Sigrid StrÖmgren. E ancora, nelle nuove luci, che riscoprono l’uso del legno: come la lampada della collezione di Normann Copenhagen, disegnata da Vibeke Fonnesberg Schmidt, composta da sagome di legno tagliate e assemblate sottoforma di puzzle tridimensionale, da comporre e ricomporre a piacere.

The new young designers’ initial desire was to distance themselves from the stereotyped image of so-called Nordic design (organic, natural forms and their traditional, iconic use of plywood, glass, felt). However, with the entry of new emerging talents they found their expressive key in creating design which, without altering the raw materials, indulges in little extravagancies that result just as interesting in its interpretation of the materials, investigating typologies, overturning the functions in a measured manner. Take wood, for instance, whose use and construction techniques was completely revised. In Tb&Ajkay group’s Spring table, birch plywood, beloved of past masters such as Alvar Aalto, is used in almost semi-finished form as loose layers pressed together, but open on one side to form a fluttering decorative prosthesis. The “master” Hannu Kähönen, on the other hand, interprets the material in a green design key with Fruit Box, a chair made from common wooden fruit boxes assembled using a simple cord. Something is also happening to the functionality of the objects, which now seek the participation of their users: in a fun manner, like the table with the spectacular expandable top inspired by a popup map of New York by the young designers Sanna LindstrÖm and Sigrid StrÖmgren. And again, in the new lights which rediscover the use of wood: like the lamp from the Normann Copenhagen collection, designed by Vibeke Fonnesberg Schmidt, composed of a wooden silhouette cut and assembled in the form of a three-dimensional puzzle, to put together again and again.

opposite page Elmgreen & Dragset Electrical meter

Lights Interludes By matteo spinola

Se si potesse sviluppare l’architettura passo per passo, cominciando dall’aspetto economico e tecnico e continuando poi con le funzioni umane più complesse, allora l’atteggiamento del funzionalismo tecnico sarebbe accettabile. Ma questo è impossibile. L’Architettura non solo copre tutti i campi dell’attività umana, ma deve essere anche sviluppata contemporaneamente in tutti questi campi. Altrimenti avremo solo risultati unilaterali e superficiali. If you could develop architecture step by step, starting from the economic and technical aspect and then continuing with the more complex human functions, then the technical functionalism approach would be acceptable. But this is impossible. Architecture not only covers all fields of human activity, but it must also be developed simultaneously in all of these fields. Otherwise we would only have unilateral, superficial results.

La Scandinavia accende le luci delle architetture progettate. Gli spazi, i colori, le venature degli edifici appartengono alla natura e dalla natura prendono forma. Si osserva l’interminabile vegetazione che disegna i luoghi mentre un’abitazione ci appare in tutta la sua nudità nascosta ma continuamente svelata dallo spazio che la circonda. L’architettura organica europea di matrice scandinava, di cui l’architetto Alvar Aalto è il massimo rappresentante, è la cifra di questa complessità. E’ l’espressione del desiderio di trovare forme preesistenti alla natura, il ritorno a elementi “primitivi” in netto contrasto con le formule dogmatiche dei processi architettonici europei. “Se si potesse sviluppare l’architettura passo per passo, cominciando dall’aspetto economico e tecnico e continuando poi con le funzioni umane più complesse, allora l’atteggiamento del funzionalismo tecnico sarebbe accettabile. Ma questo è impossibile. L’architettura non solo copre tutti i campi dell’attività umana, ma deve essere anche sviluppata contemporaneamente in tutti questi campi. Altrimenti avremo solo risultati unilaterali e superficiali”. Qui e non oltre, la Scandinavia sintetizza il luogo e lo stile, le sfumature della natura che si riflettono sulle bianche facciate delle architetture; il progetto “organico” che trova dall’altro lato dell’oceano Frank Lloyd Wright intento a ritrovare lo spazio naturale per costruire. E’ a questa completa realtà strutturale e spaziale dell’edificio che il Movimento Organico (nato in Svezia negli anni ‘30) presta attenzione: alla proiezione dell’architettura nel complesso delle attività umane che vi si svolgono. Organico in quanto negli spazi interni dell’architettura ricerca la felicità materiale e spirituale dell’Uomo; organico perché estende questa esigenza dall’ambiente isolato alla casa, dalla casa alla città e dalla città

Scandinavia turns on the lights over planned architecture. The spaces, colors, and veins of the buildings belong to nature and take their form from it. You see the endless vegetation that outlines places while a house appears in all its nudity hidden but constantly revealed by the surrounding space. The Scandinavian vein of European organic architecture, with the architect Alvar Aalto as its major exponent, is the code to this complexity. It is the expression of a desire to find pre-existing forms in nature, the return to “primitive” elements in stark contrast to the dogmatic formulas of European architectural processes. “If you could develop architecture step by step, starting from the economic and technical aspect and then continuing with the more complex human functions, then the technical functionalism approach would be acceptable. But this is impossible. Architecture not only covers all fields of human activity, but it must also be developed simultaneously in all of these fields. Otherwise we would only have unilateral, superficial results.” This and no more, Scandinavian summarizes the place and style, the tones of nature which are reflected on the white surfaces of architecture; “organic” design which on the other side of the ocean sees Frank Lloyd Wright intent on finding natural space for buildings. It is this full structural and spatial reality of buildings which the Organic Movement (founded in Sweden in the thirties) focuses on: the projection of architecture into the complex of human activities that are carried out within. Organic because the architecture’s interior spaces are aimed at the material and spiritual happiness of Men; organic because it extends this need from the isolated environment of the house, from the house to the city and from the city to the environment. The space – the sum of the relations between man and the world around him – is the sole useful end product of the building; its manipulation is the greatest challenge

Elmgreen & Dragset Prada Store

"Se la Scandinavia si rivela nella luce, al contempo trova nelle lunghe ombre di Bergman, Ibsen, Munch la dimensione latente di una terra che approfitta dei mesi notturni al fine di nascondersi."

all’ambiente. Lo spazio – la somma delle relazioni tra l’uomo e il mondo che lo circonda – è il solo prodotto finale utile dell’edificio; la sua manipolazione costituisce la più grande sfida della composizione architettonica. I paesi scandinavi, nel corso dei decenni, hanno introiettato la funzione primaria che l’uomo riveste nello spazio, attuando una rivoluzione che aveva come meta l’uomo come elemento proveniente dalla natura e con essa in simbiosi. Geometrizzazioni e razionalizzazione dell’individuo portavano a una disumanizzazione dello stesso creando scatole vuote per una realtà privata della propria qualità naturale. Così, arte e architettura trasformano profondamente il “ sentire” della borghesia. In questa direzione il gruppo Cobra, costituitosi a Parigi nel 1948 da danesi, olandesi e belgi formulò una rottura profonda nel panorama del gesto artistico dell’Europa del nord.

of architectural composition. Over the decades, the Scandinavian countries have introjected the primary function man holds in the space, bringing about a revolution with the goal of achieving man as a source element of nature and thus in symbiosis. Geometrization and rationalization of individuals led to their dehumanization, creating empty boxes for a private reality of their own natural quality. In this way, art and architecture deeply transform the “feeling” of the bourgeois. In this direction, the Cobra group, set up in Paris in 1948 by Danes, Dutch and Belgians, created a deep rift in the northern European artistic scene. Though from different backgrounds and training, they were spurred by the same aspiration to “natural”, spontaneous art, which led them to reject all theoretical intellectualism and dogmatism in favor of free experimentation of direct and intuitive expressive manners. One of the movement’s most important projects was for the development of a new urban environment (Unitary Urbanism), which soon proved itself in opposition to the rationalist architecture of Le Corbusier. With regard to work methods, Cobra work on various artistic levels, such as painting, poetry, and architecture, basically propounding theories on a new popular freedom which enables people to satisfy their creative desires, in order to give art a revolutionary role in society, eliminating the privileged position of professional artists. Beyond. While Scandinavia unfolds itself in the light, at the same time it finds the dormant dimension of a land that takes advantage of months of darkness to hide itself in the shadowy places of Bergman, Ibsen, and Munch. Two realities. Two truths. Cinema, story-telling, and painting transform into sharp weapons for an in-depth criticism of a conservative, immobile society. The Danish artist, Michael Elmgreen and the Norwegian Ingar Dragset, play with the ambiguity of space in relation to objects and individuals. A corpse floating in a swimming

above Lundgaard & Tranberg. tietgen student housing, copenhaghen, 2008 left Susanna MAJURI Metsä - Forest, 2008 Courtesy Galerie ADLER Frankfurt / New York

"While Scandinavia unfolds itself in the light, at the same time it finds the dormant dimension of a land that takes advantage of months of darkness to hide itself in the shadowy places of Bergman, Ibsen, and Munch."

Benché di formazione diversa, essi erano mossi da una medesima aspirazione a un’arte “naturale”, spontanea, che li portò al rifiuto di ogni intellettualismo e dogmatismo teorico a favore della libera sperimentazione di modi espressivi diretti e intuitivi. Uno dei progetti più importanti del movimento fu per lo sviluppo di un nuovo ambiente urbano (Urbanismo Unitario), che presto si sarebbe rivelato in opposizione all’architettura razionalista di Le Corbusier. Per quanto riguarda le metodologie di lavoro Cobra agisce su più livelli artistici quali pittura, poesia, architettura, essenzialmente proponendo teorie su una nuova libertà popolare, che permetta alle persone di soddisfare i loro desideri creativi, in modo da far assumere all’arte un ruolo rivoluzionario nella società eliminando la posizione di privilegio dell’artista professionista. Oltre. Se la Scandinavia si rivela nella luce, al contempo trova nelle lunghe ombre di Bergman, Ibsen, Munch la dimensione latente di una terra che approfitta dei mesi notturni al fine di nascondersi. Due realtà. Due verità. Il cinema, la narrativa e la pittura si trasformano in armi affilate per una profonda critica a una società conservatrice e immobile. L’artista danese, Michael Elmgreen e il norvegese Ingar Dragset, giocano con l’ambiguità dello spazio in relazione a oggetti e individui. Un morto galleggia in una piscina, uno store di Prada in the middle of nowhere, continui cortocircuiti che obbligano a una

pool, a Prada store in the middle of nowhere, continual short-circuits which force you to reflect on the issue of distance in space, the happenings of the bizarre harshness in the banal everyday world. Susanna Majuri takes a similar route but of a different nature. The Finnish, Majuri submerges herself and a hazy world in the waters. Bodies rest on a pebbly river bank, puddles of water to sink into in order to mutate and find the surface again. The conflicts of artists emerge in the “loss” of their identity: stateless people in an ongoing search for solid structures. Bergman immersed the black and white in lifeless faces, darkened by unsaid words. Ibsen staged the great monochrome circus of humanity, showing the strings to the spectators he mocks.

Munch painted the visionary reality of the bourgeois, consisting of ghosts and shadows. Art presents itself in a desperate act of unveiling. You have to feel uncomfortable to understand the subsurface of appearances. It is in this dichotomy of mists and lights that Scandinavia represents its act. The “double” act in which we too participate.

riflessione sul tema della distanza nello spazio, degli avvenimenti d’insolita crudezza nella banale quotidianità. Susanna Majuri compie un percorso simile ma di natura diversa. Finlandese, Majuri s’immerge e immerge un mondo appannato nelle acque. Corpi gravitano sul greto di un fiume, pozze d’acqua in cui calarsi al fine di mutare e ritrovare la propria superficie. I conflitti degli artisti si palesano nella “perdita” della propria identità: apolidi in una continua ricerca di solide strutture. Bergman affonda il bianco e nero in volti privi di vita, oscurati dalle parole non dette. Ibsen mostra il grande circo a tinta unica dell’umanità, mostrando i fili allo spettatore da lui schernito. Munch dipinge la realtà allucinata della borghesia, costituita da spettri e ombre vicine. L’arte si presenta in un gesto disperato di disvelamento. Ci si deve sentire scomodi per comprendere il sottosuolo delle apparenze. E’ in questa costante dicotomia tra nebbie e luci che la Scandinavia rappresenta il suo spettacolo. Lo spettacolo del “doppio” di cui, anche noi, siamo partecipi.

DREAMING NOIR By Fabiana Gilardi

Il new fashion scandinavo abbandona il minimalismo asettico per dedicarsi al fluire di un inconscio artistico che si intreccia con musica, pittura e cinematografia.“Sembra che la moda da queste parti sia finalmente percepita come forma d’arte, e non come qualcosa che semplicemente consumiamo e indossiamo”, spiega la designer svedese Minna Palmqvist. La sartorialità delle forme confonde surrealismo e sentimentalismo dark, ma non abbandona il consueto funzionalismo che contraddistingue il modo d’essere di un popolo. Emergono, da un universo onirico, figure vestimentarie che lasciano spazio al proseguo di un sogno dai tratti noir, in cui le mani diventano occhi e i criceti prendono il volo. La creatività si avviluppa a un nonsense di espressioni che evitano di vincolarsi a un diktat predefinito, preferendo l’iconico all’icona e facendo largo a una visione metafisica che rimanda agli oggetti disciolti di Salvador Dalì, ai lampi emozionali di David Lynch e alle visioni gotiche di Tim Burton. New Scandinavian fashion has abandoned sterile minimalism to dedicate itself to an artistic stream of consciousness interwoven with music, painting and film. “It feels like fashion is finally becoming more accepted as an art-form here, and not only as something you consume and wear,” explains the Swedish designer Minna Palmqvist. The tailor-made quality of forms mixes up surrealism and dark sentimentalism, but does not abandon the customary functionalism which distinguishes the populace’s way of being. Sartorial figures emerge from an oneiric universe, giving way to the continuation of a dark dream where hands become eyes and hamsters fly. Creativity is tangled up in a non-sense of expressions which avoid tying themselves to a pre-fixed diktat, preferring iconic to the icon and leaving space for metaphysical visions referencing Salvador Dalì’s melted objects, David Lynch’s emotional flashes and Tim Burton’s gothic visions.

“Il surrealismo ha aperto di nuovo le frontiere verso l’immaginazione, verso il sogno, verso tutte le manifestazioni dello spirito umano trascendente.” (Serge Brignoni, 1903-2002, pittore e scultore)

“Surrealism opened new frontiers towards imaginations, dreams and all the manifestations of the transcendent human spirit.” (Serge Brignoni, 1903-2002, painter and sculptor)

Nata in Bosnia e trasferitasi a Stoccolma all’età di cinque anni, Lamija Suljevi non ha dimenticato il suo paese natale: la sua infanzia è anzi raccontata e reinterpretata in un womenswear dai risvolti gitani. Lo studio dell’abito si concentra sulla sihlouette che Lamija enfatizza e distorce arrotondando i fianchi, tagliando le spalle, e alzando il busto in maniera esagerata: trucchi utilizzati per esplorare i confini tra bellezza e brutalità, in una dialettica tra populismo e design di lusso. Con lo stesso principio la designer si cimenta in esercizi di stile di matrice surrealista che ricordano le disformità ritratte da Dalì. Le sue opere sono state esposte a marzo nella mostra Markt (evento curato da Diane Pernet) nel contesto dello SCOPENewYorkArtShow.

Born in Bosnia and moved to Stockholm when she was five, Lamija Suljevi has not forgotten her native country. Her childhood is portrayed and reinterpreted in her gypsy-style womenswear. Her study of clothing concentrates on the silhouette which Lamija emphasizes and distorts, rounding the flanks, cutting the shoulders, and raising the bust in an exaggerated manner: tricks used to explore the borders between beauty and ugliness, in a dialogue between populism and luxury design. With the same principle, the designer takes a stab at an exercise in style in a surrealist key, bringing to mind the deformations portrayed by Dalì. Her works were on show in the exhibition Markt (curated by Diane Pernet) in March during the SCOPENewYorkArtShow.

F/W 2010-11 collection inspired by Bosnia's tradition and Parisian couture ph: Emma Jönsson Dysell (New Blood Agency)

“Nella misura in cui i sogni e l’immaginario sono il supporto della fantasia, che porta all’inventiva progettuale creativa, la musica si connette con la creatività, perché genera inaspettatamente sogni e capacità di rappresentazioni che forse prima non avevamo.” ( Prof. Paolo Rossi Dott. Enrico Caruso, “Anthropos & Iatria” anno 2 - n. 6 - 1998)

“To the extent that dreams and fantasy support the imagination, which leads to creative design inventiveness as it unexpectedly generates dreams and representation capabilities which perhaps we didn’t have before.” (Paolo Rossi - Enrico Caruso, “Anthropos & Iatria” year 2 - no. 6 - 1998)

“Per me la moda è una forma d’arte. Proprio come la musica, è un modo di esprimere un sentimento o una storia. Uso sempre la musica come principale fonte d’ispirazione: ascoltando una canzone creo il mio universo personale di forme e colori che poi traduco in disegno e quindi in abiti”. E’ la musica a muovere la creatività di Siri Sveen Haaland, giovane designer norvegese diplomatasi presso la Moteskolen AS ESMOD di Oslo, specializzata in menswear. Non a caso la sua ultima collezione si chiama Electric Voodoo, interpretazione rock di uniformi coloniali francesi tradizionali, che trae origine dalla produzione musicale di Jimi Hendrix.

“For me fashion is a form of art. Just like music, it is a way of expressing a feeling or a story. I always use music as my main source of inspiration. Listening to a song, I create my personal universe of forms and colors which I then translate into design and thus clothes”. It is music that spurs on the creativity of Siri Sveen Haaland, a young Norwegian designer graduated from Moteskolen AS ESMOD in Oslo, specialized in menswear. By no coincidence her latest collection is called Electric Voodoo, a rock interpretation of traditional French colonial uniforms which traces its roots back to Jimi Hendrix’s music. Figurine tryout of the Eletric Voodoo collection, winner of Designer's Nest, competition which took place during Copenhagen Fashion Week, August 2009

Ogni forma è esposta a corruzione e modifiche secondo il gioco di una mente costantemente persuasa dal corpo sociale. Ma solo nel sogno le distorsioni apportate al reale da regole imposte appaiono chiare nella loro esagerazione.

Diplomata al Konstfack College of Arts Craft e Design di Stoccolma, Minna Palmqvist indaga sulla tensione e sulle differenze tra il corpo socialmente accettato (dettato dal sistema della moda) e la psicologia di ogni donna. Ne nasce una collezione d’abbigliamento femminile composta da capi costruiti a partire dalle forme indesiderate del corpo, arricchita da dettagli presi in prestito all’underwear. L’abito è solo la prima tappa di una vera e propria espressione artistica che si allarga all’art show culminato con una mostra e un cortometraggio in continua evoluzione intitolato Intimately Social. Every form is exposed to corruption and changes following a mind constantly swayed by the social masses. But only in dreams do the distortions forced on reality appear, clear in their exaggeration.

Graduated from Konstfack College of Arts Craft and Design in Stockholm, Minna Palmqvist investigates the tension and differences between the socially-accepted body (dictated by the fashion system) and the psychology of every woman. A women’s clothing collection is born, composed of items manufactured by starting from the undesired forms of the body, enriched by details borrowed from underwear. The clothing is only the first stage of a bonafide artistic expression which expands into an art show, culminating in an exhibition and short film in constant evolution called Intimately Social. "Sculpture top" of the F/W 2010-11 collection Intimately Social ph: Anna Rönnqvist

“All’inizio del sogno io sono qui dentro. Ma non è né giorno, né notte. È tarda serata, diciamo. È tutto uguale a qui dentro. A parte le luci.” (da Mulholland Drive, film scritto e diretto da David Lynch).

“The dreams start out that I’m in here, but it’s not day or night. It’s kind of half-night, you know? But it looks just like this, except for the light.” (from Mulholland Drive, film written and directed by David Lynch).

Lampi di luce per guardare dentro noi stessi. Minimalista e lussuosa, la moda descritta dal designer svedese Felipe Rojas-Llanos (nel curriculum un master alla Central Saint Martins e collaborazioni con le maison Lanvin e Alexander McQueen) è un mix di emozione e funzionalità. Lo dimostra la sua ultima collezione, Suspended Animation, che evoca l’idea di un momento congelato nel tempo e nello spazio. La sua carriera però ha avuto inizio con la collezione 2008 “The Little Price goes to the Opera”, teorizzazione fashion del Piccolo Principe di Antoine de Saint-Exupéry, composta da stretti completi scanzonati e capispalla drammaticamente voluminosi che si ispirano a un Balenciaga Anni 50.

Sparks of light to look within ourselves. Minimalist and luxurious, the fashion of the Swedish designer Felipe Rojas-Llanos (his curriculum contains a Master at Central Saint Martins and collaborations with Lanvin and Alexander McQueen) is a mix of emotion and functionality. This is seen in his latest collection, Suspended Animation, which evokes the idea of a moment frozen in space and time. His career, however, started off with the 2008 collection “The Little Price goes to the Opera”, a fashion-oriented theorization of Antoine de Saint-Exupéry’s Little Prince, composed of mischievous tight suits and dramatically voluminous coats inspired by fifties Balenciaga style.

Illustration of the F/W 2010-11 collection Suspended Animation presented during the last London Fashion Week (February 2010)

A play of Nonsense Mikel Nilsson' s illustration made for the F/W 2009-10 collection

La Regina, il Re, le carte, il Leprotto Bisestile e il Cappellaio Matto ormai hanno quasi raggiunto Alice. E, come se non bastasse, ci sono anche il Tricheco e il Carpentiere! Saranno guai, se riusciranno a prenderla. Ma non possono... perché il viaggio nel Paese delle Meraviglie è stato solo un sogno.

The Queen, the King, the cards, the March Hare and the Mad Hatter have almost caught up to Alice. And as if that weren’t enough, the Walrus and the Carpenter are there too! There will be trouble if they manage to catch her. But they can’t… because the journey to Wonderland was only a dream.

Anche Uniforms for the Dedicated, brand svedese creato da Mike Lindh e Sandra Söderin, è finito a Wonderland. Vincitori, nel 2008, del Rookies Award, prestigioso premio scandinavo dedicato agli Upcoming brand, Mike e Sandra traducono e semplificano espressioni creative di campi artistici (musicali e visivi) in “uniformi d’artista” fatte di pochi, ma studiati pezzi pensati per lui. Quello di Uniforms for the Dedicated è un design colto e funzionale che si ripropone ad ogni collezione “allegato” a video musicali e installazioni d’arte, sintomo delle molte collaborazione instaurate dai due designer. Fra le altre citiamo quella col musicista Adiam Dymott e col duo della techno-music Wester & Wedrén e, ancora, la liason con gli illustratori Johan Idesjö, Mikel Nilsson, Emma Hanquist e Anders Hellman coautori della collezione P/E 2009 A Play of Nonsense, divenuta prima collezione e poi cortometraggio. Per l’A/I 2010-11, il brand si cala in un mondo popolato da pedoni, giocatori di carte e lanciatori di dadi che si muovono su una grande scacchiera: intitolata March of No Coincidence, la collezione è interpretata come un gioco da tavolo in serie in cui i partecipanti sono invitati a trovare il proprio percorso di vita.

Uniforms for the Dedicated, the Swedish brand founded by Mike Lindh and Sandra Söderin, has also ended up in Wonderland. Winners of the 2008 Rookies Award, the prestigious Scandinavian aware dedicated to upcoming brands, Mike and Sandra translate and simplify creative expression of artistic fields (musical and visual) into “artist uniforms” made of few, but well-studied, pieces for men. Uniforms for the Dedicated’s design is cultured and functional, with every collection “attached” to music videos and art installations, a symptom of the many collaborations of the two designers. These include one with the musician Adiam Dymott and the techno-music duo Wester & Wedrén and, also the liaisons with the illustrators Johan Idesjö, Mikel Nilsson, Emma Hanquist and Anders Hellman, co-creators of the S/S 2009 collection A Play of Nonsense, which first became a collection then a short film. For A/W 2010-11, the brand has unveiled a world populated by pedestrians, card-players and dice-throwers who move around a huge chessboard. Entitled March of No Coincidence, the collection is interpreted as a board game where the players are invited to find their life path.

“Lontano da quel mondo che ho, c’è un sogno che spiegarmi non so.” (da The Nightmare Before Christmas, film scritto da Tim Burton e diretto da Henry Selick)

Come raccontare una storia senza una trama… Una storia in cui il realismo terreno di colori spenti e aridi è messa in contrasto con l’esplosione colorata e massimalista di fiori e patterns dai toni vibranti; una storia in cui coesistono soldati e geishe, viaggiatori e bambole, straniati da una luce aliena, surreale; una storia che parla di cambiamento, nella consapevolezza che è dalla natura che proviene la nostra esistenza. Ecco il racconto della collezione P/E 2010 di Fifth Avenue Shoe Repair, brand svedese disegnato da Astrid Olsson e Lee Cotter. Fondato nel 2004, Fifth Avenue Shoe Repair fa propria la tradizione sartoriale, ne rompe le regole e si dona al modellismo confezionando look uomo e donna dai tratti gotici. Come fosse una statua, la silhouette viene esasperata da un sistema di drappeggi e strozzature che operano su tessuti in jersey e maglia dai toni ora sbiaditi e polverosi, ora acidi e vivaci, in un contrasto stridente. Come in un sogno di Tim Burton. Gothic/floral vision of one of the F/W 2010-11 collection's dresses

“There’s something out there far from my home, A longing that I’ve never known.” (from The Nightmare Before Christmas, film written by Tim Burton and directed by Henry Selick)

Like telling a story without a plot… A story where earthly realism of dull, dry colors is contrasted with the colorful, maximalist explosion of flowers and patterns in vibrant tones; a story where soldiers and geishas, travelers and dolls all live side-by-side, estranged by an alien, surreal light; a story that tells of change, in the knowledge that our existence comes from nature. Here is the story of the S/S 2010 collection of Fifth Avenue Shoe Repair, a Swedish brand designed by Astrid Olsson and Lee Cotter. Founded in 2004, Fifth Avenue Shoe Repair makes sartorial tradition its own, breaks the rules and dedicates itself to pattern-making, creating men and women’s looks with gothic characteristics. As if it were a statue, the silhouette is exaggerated by a system of drapery and constrictions which work on fabrics in jersey and wool in tones at times faded and powdered, at other times acid and vivid, resulting in a jarring conflict. Like a Tim Burton dream.

E venne il tempo in cui gli animali danzavano, le streghe volavano su un manico di scopa e i bambini diventavano adulti e gli adulti bambini… E venne il tempo in cui le donne vestivano di piume e le mani avevano occhi per guardare… E venne Iside e venne Osiride come amazzoni al galoppo…

La ventisettenne norvegese Anne Holm Alexandersen firma una collezione di accessori handmade ispirati agli antichi monili egizi. Petali di nappa, piccoli e leggeri come piume. Texture che sembrano squame di pesce e profili rubati dal fondo del mare si assemblano a formare corolle, fermagli e bijoux destinati a una giovane valchiria contemporanea che guarda all’antico con mistica devozione. And the time came when animals danced, witches flew on broomsticks, children became adults and adults became children… And the time came when women dressed in feathers and hands had eyes to see… And Isis and Osiris arrived like galloping amazons…

Collar / Neckpiece, permanent collection Ph: Sebastian Ludvigsen

The 27-year-old Norwegian designer, Anne Holm Alexandersen, has created a handmade accessories collection inspired by ancient Egyptian pendants. Leather petals, small and light as a feather. Textures like fish-scales and profiles stolen from the depths of the sea line up to form corollas, clasps and bijoux targeted at young contemporary Valkyries who look to the ancient world with mystical devotion.

BY Tommaso Toma

un panorama di artisti/band che si è imposto grazie a uno spettro creativo e musicale davvero amplissimo a panorama of artists/bands who made their mark thanks to an extremely wide-ranging creative and musical spectrum

Il felice e creativo universo della musica pop scandinava pare nato sotto una fortunata congiunzione astrale dove brillano Lavoro (un ottimo sistema welfare, preparazione scolastica adeguata alle nuove tecnologie) e Salute (sensibilità all’ecologia). Impressione che diventa certezza quando sfogliamo i quotidiani e ci fermiamo a leggere le semplici classifiche sulla qualità della vita e dei servizi nelle città europee - nelle prime posizioni spiccano sempre Copenhaghen, Stoccolma, Oslo. Svezia e Danimarca avevano già catturato negli Anni 80 il giusto zeitgeist e proponevano una scena indie new wave/garage rock di qualità, ma la vera esplosione della musica scandinava nel mercato mondiale arriva un decennio fa. Con un panorama di artisti/band che si è imposto grazie a uno spettro creativo e musicale davvero amplissimo; dal folk all’elettronica d’avanguardia. Il nuovo anno sorride ancora alla Scandinavia: impossibile restare indifferenti ascoltando la voce di Ane Brun, perfetta reincarnazione del folk californiano Anni 70 con un tocco spettrale degno delle opere teatrali di Henrik Ibsen. Impeccabile il nuovo disco, Changing Of The Seasons. Chi si spinge oltre i canoni del folk sono i danesi Efterklang: da anni mescolano gioia al limite del fanciullesco, creatività delle strutture armoniche e un’ottima veste grafica. Dopo il bellissimo Parades del 2007, quest’anno gli Efterklang flirtano con il mondo del pop con l’epico Magic Chairs. L’indie pop è il territorio degli svedesi The Radio Dept., gruppo poco prolifico (2 album in quasi 13 anni) ma dotato di straordinaria grazia e classe. Finalmente è arrivato il loro Clinging To A Scheme, grandi canzoni per un perfetto dream pop. Vera sorpresa dell’anno è, però, il nuovo lavoro dei Club 8, coppia svedese (Karolina Komstedt e Johan Angergård) che, dopo 6 discrete uscite, cambia rotta e si innamora del Tropicalismo e della musica Afro. The People’s Record è l’effervescente risultato, con due assolute gemme: Back To A, una dance song stile Heart Of Glass di Blondie e la languida e bollente My Pessimistic Heart. Sono davvero tanti i colori della musica del nord d’Europa, come dimostrano i nastri arcobaleno che svettano nella veste grafica dell’ultimo disco degli Efterklang.

It seems the happy, creative world of Scandinavian pop was born under a lucky star where Work (an excellent welfare system, schooling suited to new technology) and Health (sensibility to ecology) shine. This impression becomes certainty when we leaf through the newspapers and stop to read the European cities’ quality of life and services rankings – the top positions are always occupied by Copenhagen, Stockholm and Oslo. In the eighties Sweden and Denmark had already grasped the right zeitgeist and offered a high-quality new wave/garage rock indie scene, but the true explosion of Scandinavian music onto the worldwide market came a decade ago. With a panorama of artists/bands who made their mark thanks to an extremely wide-ranging creative and musical spectrum, from folk to avant-garde electronic music. The new year has smiled once more on Scandinavia. It is impossible not to be effected by the voice of Ane Brun, the perfect reincarnation of seventies Californian folk with a phantom-like touch worthy of Henrik Ibsen’s plays. Her new album, Changing Of The Seasons, is impeccable. The Danish group Efterklang, on the other hand, push beyond the canons of folk music. For years they have mixed joy bordering on childlike delight, creativity with harmonic structures and excellent graphical guise. After the wonderful 2007 album Parades, this year Efterklang flirt with the world of pop with the epic CD Magic Chairs. Indie pop is the terrain of the Swedish band The Radio Dept., not very prolific (two albums in almost 13 years) but gifted with extraordinary grace and class. Their album Clinging To A Scheme has finally arrived; great songs for a perfect pop dream. The true surprise of the year, however, is the new CD from Club 8, a Swedish duo (Karolina Komstedt and Johan Angergård) who, after six moderate releases, have changed direction and fallen in love with Tropicalism and Afro music. The People’s Record is the bubbly result, with two true gems: Back To A, a dance song in the style of Blondie’s Heart Of Glass, and the languid, fiery My Pessimistic Heart. The music of Northern Europe really is full of many colors, as shown in the rainbow-colored ribbons floating on the cover of Efterklang’s latest album.

opposite page: efterklang’s magic chair album COVER.

ALEnthusiasts by Soledad Navone

La cultura mediterranea della vite, esportata oltralpe dalle legioni romane, ha incontrato un degno rivale nei territori nordici, dove da sempre domina incontrastata la più piacevole delle bevande: la birra.

Secondo la leggenda, Odino si trasformò un giorno in aquila per rubare al cielo il segreto della birra e grazie a questo Aegir, il Dio del mare, poté iniziare a produrla per tutte le divinità, diventando famoso per la sua ospitalità e per i boccali che una volta vuoti si riempiono da soli, spumeggianti come la schiuma del mare. Persino nel Valhalla, il mitico paradiso dei guerrieri morti gloriosamente in battaglia, si beve birra servita dalle belle Valchirie, in un banchetto che proseguirà fino al giorno del Ragnarok. Non stupisce quindi che la Danimarca sia divenuta uno dei principali produttori di birra nel mondo. Nessun’altra nazione può vantare una simile offerta in rapporto alla superficie e alla popolazione: Carlsberg, Ceres e Tuborg sono i nomi più famosi, seguiti da Julebryg, la birra di Babbo Natale, e molti altri. Per i danesi, la produzione di questa bevanda è fondamentale e la sua lavorazione si perpetua ancora in maniera tradizionale negli oltre 40 mini-birrifici del paese, dislocati fra campagne e fiordi, in borghi di rara bellezza, offrendo l’opportunità, a chi arriva fin lì, di portarsi a casa qualche bottiglia del biondo nettare. Proseguendo a nord, in Norvegia, troviamo Tromsø, ribattezzata “la Parigi del nord” per l’alto numero di locali e la vivace vita culturale. Città ideale da cui osservare l’aurora boreale, ma anche sede della fabbrica di birra più a nord del mondo, la “Macks Ølbryggeri”. L’azienda è in funzione dal 1877, e all’interno vi si trova l’antico pub “Ølhallen”, un tempo ritrovo di marinai reduci da avventure nei mari artici. Merita certamente una visita. Stoccolma è la nostra meta definitiva: una città decisamente affascinante, nota anche come la Venezia del nord per via della sua singolare conformazione, che conta diverse isole sulle quali è stata eretta la città. Austera ed elegantissima, rende estremamente piacevole e rilassante la sua scoperta. Da qualche anno la città è al centro degli interessi birrari degli appassiona-

The Mediterranean culture of the vines, exported beyond the Alps by the Roman legions, came up against a worthy rival in the northern lands, where the most agreeable drink has always enjoyed unchallenged dominance: beer.

According to legend, one day Odin turned himself into an eagle to steal the secret of beer from the heavens and thanks to this, Aegir, the god of the sea, could make it for all the gods, becoming famous for his hospitality and the casks which filled themselves as they emptied, frothy as the foam of the sea. Even in Valhalla, the legendary heaven for warriors gloriously killed in battle, souls drink beer served by the beautiful Valkyrie, in a banquet which goes on until the day of Ragnarok. So it is no surprise that Denmark has become one of the world’s main beer producers. No other nation can boast a similar offer in relation to surface and population: Carlsberg, Ceres and Tuborg are the most famous names, followed by Julebryg, the beer of Santa Claus, and many more. For the Danes, the production of this drink is fundamental and it is still processed in the traditional manner in the over 40 breweries in the country, scattered among the countryside and fjords, in villages of rare beauty, offering those who manage to reach them the chance to bring home some bottles of the blonde nectar. Heading northwards to Norway we find Tromsø, baptized the “Paris of the North” due to the high number of bars and clubs and lively cultural scene. A perfect city to see the aurora borealis, but also the home of the most northernmost brewery in the world, “Macks Ølbryggeri”. It has been operating since 1877, and within the brewery we find the old pub “Ølhallen”, once a haven for sailors returning from adventures in the Arctic seas. It is certainly worth a visit. Stockholm is our final destination: a fascinating city, also known as the “Venice of the North” due to its original conformation, a city built on various islands. Austere and extremely elegant, discovering Stockholm is truly enjoyable and relaxing. For some years now, the city is the centre of attention of devout beer-drinkers, thanks to the founding of some of the best beer-bars in the world and a fervent homemade brewing scene.

ti, grazie alla nascita di alcuni fra i migliori beer-bar del mondo e a una fervente scena artigianale. I pub di riferimento e di maggior fama sono sicuramente l’Oliver Twist e il più recente Akkurat, salito ben presto ai vertici dei migliori pub del mondo, che offre un panorama di 400 birre millesimate, 200 birre fresche e ben 30 tipi di birra alla spina. Il tutto in attesa dello “Stockholm Beer & Whisky Festival”, che si svolgerà nelle vie del centro di Nacka, cittadina vicina a Stoccolma, il prossimo autunno (dal 30-9 al 2-10 e dal 7 al 9-10). Il Festival unirà in sé musica, mercatini e tanto divertimento per la più grande festa della birra d’Europa e la più grande fiera del whisky al mondo. Dopotutto, perché fare come tutti e andare all’Oktoberfest?

WWW

The points of reference and most famous pubs are certainly Oliver Twist and the more recent Akkurat, which quickly climbed to the heights of the world’s best pub list, offering a panorama of 400 dated beers, 200 fresh beers and no less than 30 types of draught beer. This is all awaiting the “Stockholm Beer & Whisky Festival”, which will take place in the center of Nacka, a town near Stockholm, next autumn (from September 30 to October 2 and from October 7 to 9). The Festival unites music, stalls and lots of fun for Europe’s largest beer festival and the biggest whisky fair in the world. So after all this, why be a sheep and go to Oktoberfest?

bryggeriforeningen.dk Unione dei birrifici e associazione di settore - Danimarca Union of Breweries and Industry Association - Denmark

svenskaolframjandet.se/ Associazione consumatori birra - Svezia Beer Consumers Association - Sweden

danskebryghuse.dk Organizzazione di settore birrifici minori - Danimarca Organization of micro-breweries - Denmark

akkurat.se Pub Akkurat - Stoccolma - Svezia Akkurat Pub – Stockholm - Sweden

ale.dk Danske Ølentusiaster (Amanti della Birra Danesi) - Danimarca Danske ¯lentusiaster (Danish Beer Enthusiasts) - Denmark

olivertwist.se Pub Oliver Twist - Stoccolma - Svezia Oliver Twist Pub - Stockholm - Sweden

mack.no/ Birrificio Mack - Tromso - Norvegia Mack Brewrey - Tromso - Norway

stockholmbeer.se Stockholm beer festival - Svezia Stockholm Beer Festival - Sweden

By Paolo Gelmi

Due ragazzi con le idee ben chiare e un’innata predisposizione alla creatività. Ecco i Frankie Morello, all’anagrafe Maurizio Modica e Pierfrancesco Gigliotti. In queste pagine i due vulcanici designer svelano il percorso che nel 2010 ha portato al lancio della nuova linea Frankie Morello Athletic, una collezione nata per chi vuole essere glamour anche facendo sport.

Frankie Morello Athletic, un nuovo approccio della maison al mondo delle palestre. Com’è nata l’idea? Sentivamo l’urgenza di ampliare il nostro mercato di riferimento creando una collezione che non fosse identificata come una seconda linea ma che avesse dei propri tratti distintivi. Pensata per un cliente che ama il mondo delle palestre e dello sport, Frankie Morello Athletic é un tributo al connubio comodofashion, perché coniuga accorgimenti tecnici per l’attività fisica e un’estetica glamour per la vita di tutti i giorni. Che rapporto avete con lo sport? Siamo entrambi grandi amanti dell’attività sportiva, a cui dedichiamo buona parte del nostro tempo non appena ci è possibile. É una delle migliori risposte allo stress e alla frenesia della vita quotidiana. Due anime per un’unica maison. Quali sono gli aspetti creativi che vi uniscono e quelli che vi dividono? Spesso si dice “due è meglio di uno” e questo è proprio il nostro caso. Le idee nascono, si scontrano, si miscelano e infine confluiscono a creare il risultato. Ogni nostro capo è frutto di un metaprogetto, vale a dire l’unione di più aspetti e ispirazioni senza che uno prevalga sull’altro in modo totalitario.

Two guys with clear ideas and an innate flair for creativity. Here are Frankie Morello, or rather, Maurizio Modica and Pierfrancesco Gigliotti. On these pages the two explosive designers reveal the path which led to the launch of the new line Frankie Morello Athletic, a collection created for those who want to be glamorous even when playing sports.

Frankie Morello Athletic, the brand’s new approach to the world of fitness. How did the idea come about? We felt the urge to expand our reference market by creating a collection which was not identified as a second line but instead has its own distinctive traits. Designed for clients who love the world of working out and sports, Frankie Morello Athletic is a tribute to the comfort-fashion alliance, as it unites technical devices for physical activity with a glamorous aesthetic for everyday life. What is your relationship with sport? We are both great sports enthusiasts. We dedicate a good part of our time to it whenever we can. It is one of the best ways to deal with stress and the frenzy of daily life. Two souls in one brand. What creative aspects unite you and which ones divide you? People say that “two heads are better than one” and this is exactly our case. The ideas are born; they collide, mix and finally merge to create the result. Every item in our collections is the result of a metaproject, which is the union of various aspects and inspirations without one prevailing over the other in a dictatorial way.

ogni nostro capo è frutto di un metaprogetto

Quali sono le leve che fanno del vostro brand una bandiera per i vostri consumer-fan? Il nostro cliente non è passivo alle proposte della maison. Per questo motivo cerchiamo di mantenere un rapporto costante e diretto con il consumer. Il nostro profilo su facebook, my space e il nuovissimo Frankly blog ci permettono di comunicare la nostra visione della vita, di instaurare con i nostri ”fan” un rapporto diretto e complice. Non vogliamo sembrare entità irraggiungibili e distaccate! Cosa vi aspettate dal lancio di questa nuova linea? L’obbiettivo di Frankie Morello Athletic è quello di attirare nuovi consumer. Con questa linea ci rivolgiamo, infatti, a un mercato non solo composto dai così detti fashion addicted, ma più in generale a tutte quelle persone che amano vestire comodo senza comunque risultare goffe o sgraziate. Cosa non deve mancare assolutamente nel vostro armadio? Maurizio: irrinunciabile è una maglia sottilissima color blu navy con un profondo scollo a ”v”. Non può mancare perché amo la semplicità nel vestire. Piero: non posso rinunciare è un denim con cavallo basso e stretto sul fondo. Il jeans ti salva in qualsiasi situazione. Da oltre 10 anni siete protagonisti sulle passerelle milanesi. Avete ancora un sogno da realizzare? Sarà forse banale e scontato, ma il nostro sogno è quello di poter vivere nel massimo della tranquillità in una casa in riva al mare. Pensate di aprire altri monomarca oltre a quello di Milano? Sicuramente prevediamo nell’arco di pochi anni di aumentare la presenza dei nostri monomarca nel mondo, a partire dalle capitali più rinomate come Parigi, Londra, New York e Dubai. Il personaggio del passato che avreste voluto vestire? Cleopatra, un mix perfetto tra femminilità e potere. Marlon Brando, una delle icone in fatto di vestibilità e fascino.

Every item in our collections is the result of a meta-project

What are the strategies that make your brand a standard for your fans and customers? Our clients are not passive to the brand’s proposals. This is why we try to maintain a constant, direct relationship with consumers. Our profile on Facebook, My Space and the brand-new Frankly blog enable us to communicate our vision of life, and to build a direct, partner relationship with our “fans“. We don’t want to seem unapproachable and detached! What do you expect from the launch of this new line? The aim of Frankie Morello Athletic is to attract new customers. With this new line we turn to a market not only made up of the so-called ‘fashion addicted’, but more in general those people who love dressing in comfortable clothes without appearing ungainly or awkward. Tell us the must-have item in your wardrobe. Maurizio: a vital item for me is an extremely thin navy blue v-neck t-shirt. I can’t do without it because I love dressing simply. Piero: I have to have low-crotch tightbottomed jeans. Jeans save you in any situation. For more than 10 years now you have been protagonists on the Milan catwalks. Do you still have any dreams to realize? It may be banal and obvious, but our dream is to live in absolute tranquility in a house on the shore. Do you plan to open any more flagship store in addition to the Milan shop? We certainly plan to increase the presence of our flagships in the world within the next few years, starting from the most renowned capitals such as Paris, London, New York and Dubai. What person from the past would you have liked to dress? Cleopatra, a perfect mix of femininity and power. Marlon Brando, one of the top icons of fashion and appeal.

IMAGES COURTESY OF: RICK OWENS, PITTI IMMAGINE UOMO

is e tin u Ro

Looking at architecture always satisfies me. When I’m at a loss, I look at the work of Le Corbusier, Niemeyer or Moretti; they always suggest a direction to take. Their confident, constant vision is pure nutrition.

iss l ab

e is no The concept is:ctepher l. need to be con tua

His interior desig its inspiration frn takes Eileen Grey, Bran om and also Califor cusi, skating parks. H nian unusual materia e uses untreated plywols: resin, fiberglass od, cashmere and bo , ne. Now marble too.

sed, which o l c , g n o Generational Aabsstorlute thoubgihtta,t s ha that t i s mirror l e d o m verything tory and e unds it. A fac surro to measure. made

Artis tic v Essential ersat ility I am too practical to accept that beauty lacks function; this is a strength, but also a curse. An imperfect world. He is pragmatic.

Being

IMAGES COURTESY OF: RICK OWENS, PITTI IMMAGINE UOMO

Br u t a la r c h it e c t ure

Futurism and modernity

“The most beautiful silk or most amazing cashmere cannot feel beautiful as a disciplined body or generous heart can.”make you

ver r e n , s e houettbodies appea uro l i s e v i Subverrse, on hybriidty of chiaroksec obscued in a dens ate grey, li drap of that inn ery tones, made letely powd a “counter”ents comp explode in grey repres sition whichion. “For me iguity, tran ” fash nation, amb sk or dawn? stag uspense: du and s

His fashion inv principles of c ents new a rigorous arc lothing, of jackets an hitecture cuts on clothed slanting around the bo s wrapped who coined thedy. It was he "glunge" (a mixneologism between glamo ture ur and grunge).

“I consider excess to be a simple expression of joy.”

An aesthetic philosophy which works on contrasts. “I have always been attracted by the extremes of the human condition, life and death.”

“I love artifice, but in order to act artifice needs to be marked by even the minimum imperfection. I want to create inclusive nonexclusive glamour, mixing primitive with futuristic. Loving grandeur, but accepting its flaws. Or accepting flaws, but loving their grandeur.”

Unconventional constructions

“I would like to be considered modernist, but unfortunately I will always be labeled gothic”

My world is based on scratched, chipped idealism. It includes mistakes and imperfections; it doesn’t judge or condemn, and acceptsRomanticism and seduction decadence. Androgynous figures ss e n se r a co d n a n o i at c i t his p o S

CRAFT TALES

By Roberta Molin Corvo

Cristian Dorigatti e quel mestiere chiamato arte. Cristian Dorigatti and that craft called art.

Da sempre la natura lo sovrasta, fino a diventare il suo DNA, rendendolo un amante incondizionato del natio Trentino, da cui attinge energia ed estetica. Punto di partenza del suo lavoro è il corpo, vestirlo e studiare un’anatomia che dia vita ad ornamenti e oggetti. Nella scelta dei materiali si concentra principalmente sulla gomma naturale, bobine di gomma ad uso industriale di colore neutro, fotosensibili, di cui il tempo decide colori e nuance. L’iter creativo di ogni progetto nasce dal dialogo con questa materia, attraverso l’odore, la fisicità e il tatto - un approccio sensoriale che determina la scelta della bobina. L’oggetto non è mai pensato o disegnato in anticipo, bensì nasce nell’attimo stesso in cui è concepito. Istintivamente guidato da percezioni, inizia così il taglio poi l’assemblaggio; un solo punto, un nodo, il tutto confezionato rigorosamente a mano. Nell’unicità dei suoi gioielli, Cristian Dorigatti si sente soddisfatto e appagato. Le sue collezioni sono senza tempo, unisex, non sottostanno ad una tendenza, e tanto meno prevedono una stagionalità - sono gioielli contemporanei. Cristian Dorigatti ama la moda e la sua poesia, risultando un artista ad ampio spettro perché, come tale, appartiene a quel gruppo di persone che non possono fare a meno di esprimersi attraverso le arti.

Nature has always commanded Cristian Dorigatti, to the point of becoming his DNA, making him an absolute lover of his native Trentino, from which he draws his energy and aesthetics. The starting point of his work is the body, dressing it and studying an anatomy with gives life to jewelry and objects. In choosing materials, Cristian mainly focuses on natural rubber, light-sensitive neutral-colored industrial rubber coils, where time decides the colors and nuances. The creative procedure of every design starts with dialogue with this material, through the smell, physicality and touch – a sensorial approach which determines the choice of the coil. The object is never designed beforehand, but rather is born in the same moment that it is conceived. Instinctively driven by perceptions, the cutting begins, followed by the assembly; just one stitch, a knot, all strictly made by hand. Cristian Dorigatti feels satisfied and fulfilled in the uniqueness of his jewelry. His collections are timeless, unisex; they are not subject to trends, nor do they depend on seasons – it is contemporary jewelry. Cristian Dorigatti loves fashion and its poetry; he is a wide-ranging artist as he belongs to that group of people who are compelled to express themselves through the arts.

B.O.M.

Maria’s Legacy

Alle origini di B.O.M [Balls of Maria]

una collezione di Cristian Dorigatti

Voglio narrarvi una storia molto speciale.. .

The origins of B.O.M [Balls of Maria] a collection by Cristian Dorigatti

...Era ancora molto presto, ma nell’aria già si sentiva il profumo di una bellissima giornata di sole. Con il passare delle ore apparvero i raggi caldi che accompagnarono il viaggio di Maria e del suo sposo. Entrambi stavano abbandonando, insieme alla loro giovinezza, la loro famiglia, il maso e i monti della Val di Fassa. Si stavano dirigendo lì dove avrebbero vissuto per il resto della loro vita, a Sopramonte, ai piedi del Monte Bondone, in Trentino. Al loro arrivo, il maso che avevano acquistato con tanti sacrifici li accolse con un senso di speranza e felicità. Maria era una donna grande, forte, aveva un temperamento sereno e tranquillo. Sempre sorridente, con quei suoi occhi azzurri, non aveva paura di lavorare e si dedicava alla casa, alla campagna e ai suoi quattro figli, tutti maschi. Ottima cuoca e devota cristiana il sabato, curava con attenzione il suo aspetto, pettinando con cura i capelli ricci, andava a messa. In quel maso, che lei aveva ornato di bellissimi fiori, non c’erano né acqua né elettricità, ma Maria non si lamentava mai. Nonostante le faccende da sbrigare, trovava sempre un ritaglio di tempo per dedicarsi alla sua passione: la maglia. Le sue giornate, giorno dopo giorno, stagione dopo stagione, scorrevano placide e serene. La prima attività mattutina era preparare il caffé e, nell’attesa di sentirne il profumo pervadere la cucina, sferruzzava. Questo suo lavoro di ferri si ripeteva in ogni momento, ricavato dal suo quotidiano, due giri di ferri, qui e là. Recuperava ogni filo di lana, disfava vecchi maglioni e faceva i suoi gomitoli, quando si creava un buco finiva il gomitolo e ne iniziava un altro. Altre volte, invece, faceva un nodo e continuava. La sua specialità erano i calzini ed erano molto bizzarri. Tutti composti di molti colori, alle volte casuali, altre volte era il gomitolo che decideva. Il suo spirito creativo sapeva accostare colori, righe, quadretti. Ogni paio di calzini aveva una storia, ne faceva per tutti, e quando si rompevano li rammendava con cura e attenzione. Poi, un giorno Maria morì, i suo 80 anni vissuti al maso lasciarono tanti bei ricordi, tanti calzini e anche tanti, tanti gomitoli. Un giorno un ragazzo, Marco, trovò questi scatoloni pieni di gomitoli e pensò che non potevano essere gettati. Essi ‘erano’ la Signora Maria. Decise così di trasmettere questa eredità colorata e gioiosa ad un suo amico designer, tale Cristian Dorigatti. Oggi la Signora Maria rivive nella continuità della sua arte grazie alla collezione B.O.M. [Balls of Maria], e grazie a Cristian Dorigatti molte persone ne portano memoria.

I want to tell you a very special story..

...It was still very early but the scent of a beautiful sunny day could already be felt in the air. As the hours passed the hot rays appeared to accompany Maria and her husband on their journey. They were both abandoning their families, the farms and mountains of Val di Fassa, along with their youth. They were headed to where they would live for the rest of their lives, Sopramonte, at the foot of Mount Bondone, in Trentino. At their arrival, the farm they had bought through many sacrifices welcomed them with a sense of hope and happiness. Maria was a large, strong woman with a calm, serene character. Always smiling, with those blue eyes of hers, she wasn’t afraid of hard work and dedicated herself to the house, the countryside and her four children, all boys. An excellent cook and devote Christian, on Saturday she would make herself presentable, carefully combing her curly hair, and go to mass. In that farmhouse which she had decorated with beautiful flowers, there was no water or electricity, but Maria never complained. Despite the housework, she always found time to dedicate to her passion: knitting. Her life, day after day, season after season, passed peacefully and serene. The first thing she did in the morning was make the coffee and, as she waited for the smell to waft through the kitchen, she would knit. She repeated this knit-work in every moment she could steal from her daily tasks, two stitches here and there. She would recycle every thread of wool, taking apart old jumpers and making balls of wool. When there was a hole she finished one ball and started another. Other times she would make a knot and continue. Her specialty was socks and they were very bizarre. All multi-colored, at times random, at times it was the ball of wool who decided. Her creative spirit knew how to mix colors, stripes, checks. Every pair of socks had a story, she would make them for everyone, and when they got torn she would mend them with care and attention. Then one day Maria died, her 80 years of life on the farm left lots of lovely memories, lots of socks and lots and lots of balls of wool. One day a boy, Marco, found these boxes full of balls of wool and decided they couldn’t be thrown out. They “belonged” to Maria. So he gave this colorful and joyful inheritance to his designer friend Cristian Dorigatti.

opposite page THREE PIECES OF THE COLLECTION 10Q NATURE this page necklaces, B.O.M. collection all by Cristian Dorigatti

Maria now lives again through the continuity of her art thanks to the B.O.M. [Balls Of Maria] collection, and thanks to Cristian Dorigatti many people will wear her memory.

LIKSEOME GAL IT POR S NO

Ci sono ragazze che da piccole sognano di diventare modelle. E ci sono altre ragazze che da piccole sognano di diventare porno-attrici. Chiamatelo esibizionismo, voglia di emergere. O semplicemente, chiamatelo sogno. Le ragazze del porno di oggi non sono delle sprovvedute. Sono giovani donne che hanno imparato a sfruttare un business, che si sono inventate imprenditrici in un mondo tradizionalmente gestito da uomini. Le nuove dive del cinema porno, da Belladonna a Sasha Grey, sono poco più che ventenni che non hanno paura di osare, di andare contro regole e morale comune con idee chiare e una visione altrettanto limpida del loro futuro. Sottomesse nella pellicola, padrone di sé nella vita vera. I moralismi, specie nel porno, tendono a confondere ciò che le persone fanno e ciò che invece sono. Il porno è un business, il corpo un prodotto. Loro questo l’hanno capito bene e si sono create un’immagine, una personalità riconoscibile, hanno ridato anima al corpo mercificato rendendolo un brand. La pornografia è diventata una cosa da ragazze e si vede. I corpi sono veri, acerbi, niente silicone. Nascono nuovi magazine porno come Jungsheft/Giddyheft, edito da due ventenni di Colonia, in cui l’approccio al sesso è naturale, divertente, esplorativo, in altre parole femminile. Non ci si limita più a guardare e interrogarsi su posizioni e pratiche al limite dell’assurdo, come si sono accontentati di fare gli uomini per molto tempo. La curiosità è femmina. Si scrivono articoli sulle tecniche più estreme, si spiega come si fa. La donna non è più solo uno strumento finalizzato al piacere dell’uomo. Forse è il risveglio di una nuova sessualità, di un nuovo femminismo. O forse non c’è nessuna filosofia di fondo a guidare questa nuova corrente, se non la voglia di esplorare, divertirsi e fare soldi. Di qualunque cosa si tratti, il risultato sembra piacevole. Godetevela.

Some girls dream of becoming models when they are young. Others dream of becoming porn-stars. Call it exhibitionism if you will; or the desire to stand out. Or simply call it dreaming. Girls who work in porn nowadays are not unprepared. They are young women who have learned to exploit a business, and who have become entrepreneurs in a world traditionally run by men. The new divas of porn cinema, from Belladonna to Sasha Grey, are twenty-year-olds who arenâ&#x20AC;&#x2122;t afraid to dare, to break all the rules and break away from common morals with clear ideas and a crystal clear view of their future. Dominated on the screen, but their own bosses in real life. Moralism, especially in porn, tends to confuse what people do and what they are. Porn is a business, the body is a product. These girls understand this perfectly and have created an image, a recognizable character; they gave soul back to the commercialized body, making it a brand. Pornography has become a girl thing and you can tell. The bodies are real, unfledged, no silicone. New porn magazines have sprung up, such as Jungsheft/ Giddyheft, edited by two twenty-year-olds in Cologne, with a natural, fun, exploratory - in other words feminine - approach to sex. They are no longer limited to looking and wondering about positions and practices bordering on the absurd, as men settled for all this time. Curiosity is feminine. They write articles on the most extreme techniques, explaining how itâ&#x20AC;&#x2122;s done. Women are no longer just a tool used for menâ&#x20AC;&#x2122;s pleasure. Perhaps it is the awakening of new sexuality, a new feminism. Or perhaps there is no base philosophy driving this new trend, but rather the desire to explore, have fun and make money. Whatever it is, the result seems fun. Enjoy it.

Possiamo ancora permetterci di fare gli hippy ai tempi del senza-internet-non-vivo? Ci sono mille modi diversi per comunicare e poi capita di impiegare un mese per contattare un amico, troppo stressato dalle mille comunicazioni che riceve per mettersi a rispondere. Il rapporto con le persone, nonostante gli innumerevoli strumenti a disposizione, sta diventando sempre più distante. Siamo tutti unici, tutti speciali e... tutti soli. Dobbiamo rassegnarci a diventare piccoli robot? Per fortuna sembra farsi strada una con-

tro-tendenza, il ritorno a una filosofia di vita ispirata alla crescita della persona come essere umano e non come fenomeno sociale. In posti come Berlino, luogo di incontro di mille culture diverse, giovane fucina di creatività e da alcuni paragonata alla New York degli anni ’80, si assiste già da qualche tempo a un ritorno di valori quali riflessione, comunicazione verbale e connessione reale & fisica tra esseri umani. Una corrente di nuovi hippy ispirati alla filosofia buddista che preferiscono lo yoga al nervosismo tra colleghi, la meditazione all’assimilazione acritica di

dogmi imposti dall’alto. Un nuovo modo di guardare al mondo più rilassato, critico ma non distruttivo, che si riflette nel lavoro, nelle amicizie, nei passatempi, nello stile. Nuovi network creativi come goerlzclub.com, ispirato alla condivisione come principio motore della creatività, sfruttando la tecnologia della rete mettono in connessione le persone - quelle vere, niente avatar - dando vita a progetti originali e interessanti. Un nuovo modo di intendere la vita e il lavoro, un pò meno competitivo, un pò più peace&love.

HIPPY WAYS SURVIVE T ODAY

Can we still be hippies in these ‘withoutinternet-I-will-die’ times? There are thousands of ways to communicate but you might take a month to contact a friend, too stressed by the thousands of communications you receive to get around to replying. Despite the numerous tools available, relationships with people are becoming more and more distant. We are all unique, all special and... all alone. Should we resign to becoming little robots? Luckily it seems a counter-trend is gaining ground; the return of a philosophy of life inspired by the growth of a person as a human being rather than a social phenomenon. In places like Berlin, a melting pot of thousands of different cultures and young ferment of creativity and compared by some to New York in the

eighties, has witnessed for some time now a return to values such as reflection, verbal communication and real and physical connection between human beings. A movement of new hippies inspired by Buddhist philosophy prefer yoga to tension between colleagues, meditation to unquestioning assimilation of dogmas imposed from on high. A new way of seeing the world, more relaxed, critical but not destructive, which reflects on work, friendship, hobbies, and style. There are new creative networks such as goerlzclub.com, inspired by sharing as the main driving force behind creativity, exploiting internet technology by putting people into contact with each other – real people, that is, not avatars – giving life to original and interesting projects. A new way of looking at life and work; a bit less competitive, a bit more peace&love.

K' ICKGOMNYNAASS, I MROCK YOU.

Musica ribelle, vecchia cara London fine anni ‘70, musica che ti entra nelle vene e ti fa saltare, i Sex Pistols, i concerti, vivere estremo, vivere veloce, jeans stretti e anfibi consunti, gli dei dei nostri padri sono morti e noi portiamo stampati nelle t-shirt i nostri idoli, qualcosa in cui credere, God save the Queen, abbiamo bisogno di qualcosa a cui aggrapparci, valori crollati, famiglia stato religione, ribellione sarcastica ai dogmi rimossi, restiamo ossessionati dalla voglia di vivere, dalla musica, energia, la fretta ci perseguita come se non avessimo un domani, tutto è caso tutto è follia e corriamo a perdifiato verso un futuro ignoto, ci droghiamo per non sentire più, ci facciamo per sentire ancora quello che non proviamo più, rabbia, giovani e belli, niente ci può fermare, viviamo al massimo finché dura, finché la fine non ci entra dentro, viviamo nella musica punk rock, viviamo nelle

strade, viviamo una vita sporca cruda e cattiva, distruggiamo tutto, fottiamocene, inventiamo il nostro credo, dio è morto e Nietzsche pure, forse stiamo diventando tutti pazzi o forse ci stiamo risvegliando dal torpore, affrontiamo per la prima volta la realtà, curiosi, vogliamo vedere cosa c’è dopo, cosa può esserci dopo il nulla, inventare di nuovo tutto, niente più paura di osare di sbagliare di gridare contro il potere, sarcastici caustici ironici, prendiamoci gioco di tutto quello che era sacro, vivere, rischiare, parlare, farsi arrestare, il potere vuole soffocarci ma noi sopravviveremo, soffrire amare sentire, tutto vero senza filtri basta convenzioni basta pregiudizi, vogliamo fare soldi, vogliamo fare sesso, vogliamo sempre tutto, sempre qualcosa di nuovo, corriamo per ottenere, per raggiungere una meta che si sposta, o anche senza una ragione, così solo per vivere, corriamo.

Rebel music, dear old London of the late seventies, music which enters your bloodstream and makes you jump, The Sex Pistols, the concerns, living to the extremes, living fast, tight jeans and worn-out rubber boots, the gods of our fathers are dead and we wear our idols printed on our t-shirts,

something to believe in, God save the Queen, we need something to grab onto, collapsed values, family state religion, sarcastic rebellion against repressed dogmas, we are obsessed by the desire to live, by the music, energy, persecuted by rushing as if there were no tomorrow, everything is chance everything is madness and we run at breakneck speed towards an unknown future, we take drugs to stop feeling, we get wasted to regain what we no longer feel, rage, young and beautiful, nothing can stop us, we live to the max as long as it lasts, until the end comes, we live in punk rock music, we live on the streets, we live a bad, dirty life, we destroy everything, screw it, we invent our creed, god is dead and so is Nietzsche, maybe we are all going crazy or maybe we are waking from our lethargy, we are dealing with reality for the first

time, curious, we want to see what comes next, what can there be after the void, inventing everything from scratch, no fear of making mistakes to shout against the power, sarcastic vitriolic ironic, we make fun of everything that was sacred, living, risking, talking, getting arrested, the powers want to suffocate us but we will survive, suffering loving feeling, everything is real without filters, no more conventions no more prejudices, we want to make money, we want to have sex, we always want everything, always something new, we run to get things, to reach a goal which moves, or even for no reason, just to live, we run.

dolls ph: Romina Galotta ihavewingsatelier.com streetlooks ph: Michiko SAKAGUCHI

tokyo Mori girls By Fabiana Gilardi

“Una ragazza di città che vuole assaporare lentamente le piccole cose della vita, una ragazza che gode nel fare foto, bere il tè ed esplorare il mondo che la circonda”, questa la definizione che dà di sé una giovane blogger giapponese appartenente al gruppo delle Mori Girls, le ragazze della foresta, ultimo “ritrovato” fashionable dell’isola asiatica. Discrete ed eco-friendly, le Mori Girls nascono alcuni anni fa nelle periferie modaiole del Giappone (Koenji, Shimokitazawa e Daikanyama), ma l’aurea eterea di bimbe/bambole si è lentamente diffusa nel Paese incantando a poco a poco adolescenti e giovani donne fino ad esplodere in fenomeno sociale nell’ultimo anno. Oggi l’editoria le consacra in un magazine nato ad hoc (The Forest Magazine), in intere edizioni monotematiche (Spoon gli ha dedicato l’intero numero di febbraio) e li cita nei libri del fashion system, da Choco’s Mori Girl Fashion & Style Book a Mori Girl eMook. Non solo. Sempre più diffuso, il movimento ha anche la sua star, la giovane attrice Yu Aoi (classe 1985), ed è già sbarcato oltreconfine codificato in una limeted edition di Blythe Doll creata dall’artista brasiliana Romina Galotta sotto la label I Have Wings (www.ihavewingsatelier.com). Intanto a Osaka ha sede il primo negozio interamente dedicato: nato in via sperimentale a fine 2007, in una sorta di banco di prova sull’applicazione di regole gestionali svolto in ambito universitario, il gg spoon è oggi punto di riferimento per lo shopping Mori. Fra i brand presenti Nesessaire, Muchacha, Bortsprung, Rehersall, Glib(ayame), m.soeur. In pratica, un crogiuolo di zucchero e miele in forma di abiti e accessori. Il corredo è presto detto: capi ricamati all’uncinetto, pizzi e merletti vari, drappi di tulle e tricot, abiti, gonne e sottovesti, scialli, mantelle e calde calze di lana. Un pò da “baule della nonna” rivisitato con l’appeal asiatico che gode di tutto ciò che può essere definito Kawaii (carino) e ne fa sfoggio con disinvoltura apparente. Strato dopo strato, avvolte in tessuti naturali, di lino, lana, seta e bianchi cotoni tinteggiati da patine gialle e colori pastello, più che ragazze di città le Mori Girls sembrano così uscite da boschi incantati quasi fossero ingenue pastorelle e deliziose fatine alla scoperta del mondo. Eppure sanno bene ciò che indossano, selezionandolo anche tra brand nazionali ed internazionali non necessariamente dedicati come l’etichetta ecoetica Minä Perhonen, Cocue, Cuccia e Marble Sud, amata per le sue stampe giocose e i disegni a inchiostro; e, ancora, i più noti Marimekko e l’amatissima Tsumori Chisato. Dolce e delicata come un marshmallow, la ragazza della foresta si addobba infine con ninnoli e cappellini arricchiti di fiori artificiali o in stoffa, guantini in crochet, borse in tessuto e delicati ombrelli da passeggio simili a quelli utilizzati dalle signorine inglesi nei primi del Novecento. Gli stessi (o quasi) proposti oggi dall’etichetta britannica Cath Kidson che crea oggetti vintage rallegrati da stampe vivaci e polka-dots (i pois asimmetrici). Ma troppo zucchero fa male, e la tendenza ha già la sua controtendenza: le costruite ragazze farfalla (o coda di rondine) The Ageha, immolatesi all’artificio estetico attraverso elaborati make-up e protesi applicate a tutto il corpo.

“She walks through the woods and talks to the deer. She picks a flower and steps on dry leaves…” Sembra l’incipit di un sonetto shakespeariano. E invece è il racconto scenico di una Mori Girl, ultimo trend lanciato dalle giovani donne d’oriente. “She walks through the woods and talks to the deer. She picks a flower and steps on dry leaves…” It seems like the opening lines of a Shakespearian sonnet. But instead it’s the scene of a Mori Girl, the latest trend launched by young Japanese women.

“A city girl who wants to slowly taste the small things in life; a girl who loves taking photographs, drinking tea and exploring the world around her,” this the definition of a young blogger belonging the Mori Girls (forest girls) group, the latest fashionable “discovery” of the Asian island. Discreet and eco-friendly, the Mori Girls began appearing some years ago in the trendy Japanese suburbs (Koenji, Shimokitazawa and Daikanyama). Then the ethereal aura of the young girls/dolls slowly spread through the country, gradually enchanting teenagers and young women to the point of exploding into a social phenomenon in the past year. The press now consecrates them in an ad-hoc magazine (The Forest Magazine), in entire monothematic editions (Spoon dedicated its entire February issue to them) and cites them in books on the fashion system, from Choco’s Mori Girl Fashion & Style Book to Mori Girl eMook. And that’s not all. More and more widespread, the movement also has its own star, the young actress Yu Aoi (born 1985), and has already spread abroad in a limited edition Blythe Doll created by the Brazilian artist Romina Galotta under the label I Have Wings (www.ihavewingsatelier.com). In the meantime, Osaka boasts the first fully-dedicated store. Set up as an experiment in late 2007, a kind of test-bed on the application of managerial rules performed in university, gg spoon is now a reference point for Mori shopping. The brands found there include Nesessaire, Muchacha, Bortsprung, Rehersall, Glib(ayame), and m.soeur. Basically, a melting pot of sugar and honey in the form of clothes and accessories. The typical outfit was quickly dictated: embroidered clothes, various laces and crochet, tulle and tricot, dresses, skirts and slips, shawls, cloaks and warm woolen socks. A bit like “grandmother style” reassessed with Asiatic appeal which uses everything that could be defined Kawaii (pretty), parading it with seeming casualness. Layer after layer, wrapped in natural fabrics, linen, wool, silk and white cotton dyed yellow and pastel shades, rather than city girls the Mori Girls seem as if they have just come out of an enchanted wood almost like innocent shepherdesses and candid fairies out to discover the world. Yet they are well aware of what they wear, also choosing among national and international brands that are not necessarily dedicated to the trend, like the eco-ethical labels Minä Perhonen, Cocue, Cuccia and Marble Sud, loved for its playful prints and ink designs. And also the more well-known Marimekko and extremely popular Tsumori Chisato. Sweet and delicate as a marshmallow, the forest girls even adorn themselves with baubles and hats embellished with artificial or fabric flowers, crocheted gloves, fabric bags and delicate umbrellas similar to those used by English ladies in the early 20th century. The same (or almost the same) are being made by the British label Cath Kidson who creates vintage objects enlivened by lively prints and polka-dots. But too much sugar is bad for you, and the trend already has its countertrend: the butterfly (or swallowtail) girls, the Ageha, who sacrifice themselves to aesthetic artifice through elaborate make-up and prostheses applied all over their bodies.

Non solo stilista che ha creato desideri [Prima Capsule Collection: 2011] Non solo designer che ha definito un prodotto [Progetto Open Art by Natuzzi] Non solo autore che ha impaginato il corpo in un libro [Secretly, 21 giugno, Spazio Natuzzi, Milano] Non solo artista che ha inchiostrato metalli e scolpito intuizioni [Prima Personale, febbraio 2011, Milano] In Sicilia nessuno chiede mai “cosa fai”. In Sicilia si parla di sogni. Not just a stylist who created desires [First Capsule Collection: 2011] Not just a designer who defined a product [Open Art Project by Natuzzi] Not just an author who laid out the body in the pages of a book [Secretly, 21stJune, Spazio Natuzzi, Milan] Not just an artist who inked metals and carved intuitions [First Personal Exhibition, February 2011, Milan] In Sicily no one ever asks “what do you do?” In Sicily people talk of dreams.

GENIUS LOCI By Francesca Sofia Chiapponi

Chi è oggi NdV? Quattro donne, quattro profili, quattro chiavi del suo divenire aprono la porta di vani dall’aria rarefatta... Who is NDV now? Four women, four profiles, four keys open the door to areas with rare atmospheres...

Nicola Del Verme ha trovato rifugio nella terra di mezzo, l’isola di Ortigia, ricavando uno spazio di memoria e silenzio, dove lasciare nuove impronte. Alla ricerca di nuovi riflessi, tra specchi e vetri, in una terra desolata e assolata, colpito da mal di Sicilitudine. Alla scoperta della polifonia tra arti e mestieri, studi e officine, per superare il limite della moda ed entrare, in punta di piedi, in uno spazio sperimentale, intimo e sensoriale.

L’ACCOGLIENZA | ACCEPTANCE

LA FIEREZZA | PRIDE

LA RIVELAZIONE | REVELATION

LA CONTRADDIZIONE | CONTRADICTION

nicoladelverme.com

Nicola Del Verme found his refuge in the middle-earth, the island of Ortigia, carving out a space of memory and silence, where new footprints could be left. In the search for new reflections, between mirrors and glass, in a desolate, sun-drenched land, hit by Sicilytude. On the discovery of the polyphony between arts and trades, studios and workshops, to go beyond the limits of fashion and tip toe into an experimental, intimate and sensorial space.

ph: FMR@FISHEYEAGENCY.com

clockwise: 1) His work is so exciting, intimate, violent, and "classically" emotional. 2) "nicuzzo", which in Sicilian means "someone close to my heart" - which I "lost" to later find a True Love. 3) Paolina, Paolina (Paola Pisanelli), you "took" me by treachery that night in December at TinkitĂ¨...4) This is part of the blond foliage of a corner in Ortigia.

ph: FMR@FISHEYEAGENCY.com

clockwise: 1) At sunset this ceiling is magical like the rainbow shadows of the chandelier reflected on the vast white walls. And over the balcony you can see 6 sky-high palm trees which stand out over the ruins of Apollo's temple. 2) "light" by Veronica Zambelli created during those evenings spent together in Noto's house, later exhibited in Turin and now at home with me. 3) This console was made by Enzo Baciso, the "forger" of dreams. 4) Another great memory with a thousand tangles. These "mannequins" were realized by Giannina Zedda from my design for Hilton; they remind me of "my dear Francesca" (Franca Soncini), a dream-reader, as well as a great interpreter and author of Life, real life.

ph: FMR@FISHEYEAGENCY.com

clockwise: 1) I made this oil painting 12 years ago to the tune of "The Miracle" by Queen. 2) It was really excited when my "brother" Bruno Frisoni gave me these candelabras as a present, designed for me by Herv Van der Straeten. 3) From this balcony you can see the sea; that sea and sky which enchanted me and which made me "recognize" this land as mine.

ph: FMR@FISHEYEAGENCY.com

clockwise: 1) Another painting of mine which I decided to keep on my bedside table close to where I sleep. It reminds me of a deposition, although it originally represented the moment after victory, when a strong and tired worrier gives himself up to his frailties. 2) The bed which I designed in silk/wool to give softness to the "voices". 3) My "dream" books: "The Voice I Owe You' by Salinas; Kipling and Kavafis poetry books; "The Enchafed Flood' by Wystan Hugh Auden; 'Damage' by Josephine Hart and "Memoirs of Hadrian' by Marguerite Yourcenar.

ESSENCE FATALE By Alessio Nesi

In periodi di congiunture non facili sono in molti a cercare riparo nella spiritualità, in surrogati di benessere, portafortuna che sostengano. Le etichette indipendenti che da sempre creano fragranze haute de gamme si sono ispirate agli anni in cui il profumo era considerato in grado di agire come talismano, tramite con il divino. Cercate nella sezione Masterpieces interna al Cosmoprof di Bologna, a Fragranze di Pitti Immagine a Firenze, Esxence e White Beauty a Milano. Leggere e provocatorie quanto basta, forniscono acuti spunti di riflessione che portano ai confini del reale. Un unicum. Realizzate con materie prime naturali, molto costose, dense e difficili da reperire, le essenze sono come pozioni magiche, calde e gelide, generose e perfide, perfette e incomplete, per dandy eccentrici e inquiete femme fatale: discepoli sedotti dall’immagine della società contemporanea, rinati dalla lorocaduta. Glielegantiflaconi-sculturasonotalismanicontemporanei che racchiudono in sé l’alchimia degli aromi particolari, traggono ispirazione dalle dottrine segrete dell’esoterismo, sono capaci di svelare gli arcani dell’Universo e dell’Assoluto, permettono di entrare in comunicazione con il mondo divino, alla ricerca di un nuovo cammino per ritrovare l’antica strada che conduce là dove l’uomo coincide col Dio, preservando tutta la propria integrità estetica e morale in una lotta costante tra anima e corpo. During these times of recession many people seek refuge in spirituality, in substitutes of well-being, using mascots as support. The independent labels which have always created ‘haute de gamme’ fragrances took their inspiration from the years when perfume was considered as a talisman, a connection with the divine. Have a look in the Masterpieces section of the Cosmoprof in Bologna, Fragrances of Pitti Immagine in Florence, Esxence and White Beauty in Milan. Light and provocative, they provide discerning points of reflection which lead to the boundaries of reality. Unique. Made with natural raw materials that are very expensive, dense and hard to find, the essences are like magic potions, warm and cold, generous and perfidious, perfect and incomplete, for eccentric dandies and restless femme fatales: disciples seduced by the image of contemporary society, reborn from their fall. The elegant sculptural bottles are contemporary talismans which contain the alchemy of special aromas. They draw inspiration from the secret doctrines of esotericism; they are capable of revealing the mysteries of the Universe and the Absolute. They allow you to communicate with the divine world, in the search for a new route to find the ancient road that leads there where man coincides with God, protecting all his aesthetic and moral integrity in an ongoing struggle between soul and body.

from left: Alambar, LABORATORIO OLFATTIVO. A Quiet Morning, MILLER et BERTAUX. Tuscia, SIGILLI. Baudelaire, BYREDO PARFUMS. L’Ombre dans L’Eau, DIPTYQUE. Eau de Toilette, JACQUES ZOLTY. Tarocchi di MARSIGLIA. ph: Alberto Pellegrinet

Eau de Toilette, FerrĂŠ. ILL.: Alessio nesi

Sea Lion Woman

(Feist )

Photographer: Nadia Moro Fashion Editors: Paola Tamburelli & Giacomo Simoni

Fur Msgm Leggings Byblos

Dress M覺la Sch繹n

Dress Ermanno Scervino

Dress Yves Saint Laurent Rive Gauche for Franco Jacassi Vintage Delirium Under Dress Sergio Zambon

Fur Chicca Lualdi Beequeen Pants Gaetano Navarra Hat Federica Moretti Handmade

Dress Dilek Hanis Bracelet Schield

Dress & Cape Albino Hat Federica Moretti

Fashion editors' assistants: Giorgia Goggi & Evita Onofri, make up: Bonnie Caria at Greenapple using MAC, hair: Alemka Drupic for Face to Face, photo assistant: Simone Monopoli, model: Anu at Women Management M覺lano.

sur real sign

Può il design affidarsi alla performance, come accade da tempo nell’arte? La risposta in un paio di progetti “nuovi” che richiamano attenzione per la loro forza e spregiudicatezza. Il designer Yoav Reches, di origini israeliane ma londinese di adozione, progettista da tenere d’occhio, concepisce una seduta che - ad effetto sorpresa – ci regge ( o prontamente “collassa” se sciolta) grazie alla tensione creata da una corda elastica che si insinua nei solchi ricavati nel legno, seguendo una linea continua che risolve anche la decorazione delle superfici. Un progetto sperimentale, non banale, che ragiona sulla possibilità di creare delle strutture portanti in modo alternativo ai metodi tradizionali. Mentre, come potrebbe accadere nella scenografia di un film di Peter Greenaway, la designer Ioli Sifakaki (una laurea in chimica e diploma d’arte prima del master in design) inscena una cena ispirata al mito di Tantalo per raccontare il suo progetto di ceramiche ispirate alle forme, “scomposte”, di un corpo femminile. Come in una pièce surrealista del secolo scorso ogni parte di questo servizio è il calco di una parte del corpo della designer. Persino il trattamento della ceramica rimanda alla pelle umana,

essendo i recipienti caratterizzati da una texture “a pelle d’oca” che la designer è riuscita a trasferire usando del ghiaccio durante la modellazione – una finitura da esperire rigorosamente con le mani, quando ci si serve per mangiare, senza usare posate, allo scopo di esaltare il touch. Entrambi i progetti appartengono alla “collezione” di proposte dei giovani designer del Royal College of Art di Londra, nella mostra Hotel RCA, all’ultimo Salone del Mobile di Milano.

Can design trust in performance, as art has been doing for some time now? The answer lies in a couple of “new” projects which have attracted attention due to their force and open-mindedness. Israeli by birth but Londoner by adoption, Yoav Reches is a designer to keep an eye on. He has designed a bench which surprisingly supports us (or duly “collapses” if unwound) thanks to the tension created by an elastic rope which winds around the ridges carved into the wood, following a continuous line which also acts as decoration of the surface. An original, experimental design which reasons on the possibilities of creating support structures in an alternative manner to traditional methods. Meanwhile, as you might expect to find in the set design of a Peter Greenaway film, the designer Ioli Sifakaki (with a degree in chemistry and diploma in art before her masters in design) stages a dinner inspired by the legend of Tantalus to demonstrate her ceramic designs inspired by “dismantled” forms of the female body. Reminiscent of a 20th century surrealist work, each item of the set is made from the cast of a part of the designer’s body. Even the treatment of the ceramics refers to human skin, as the recipients are characterized by “goosebumps” texture – which the designer obtained by using ice during the modeling – a finishing to be experienced directly with your hands when the food is being served, without using cutlery, in order to exalt the touch. Both designs belong to the “collection” of works by young designers from the Royal College of Art in London shown at the Hotel RCA exhibition at the recent Milan Furniture Fair.

Tantalus dinner, designed by Ioli Sifakaki. ph: Matthew Booth opposite page: rope bench, designed by yoav reches ph: yiting cheng, yoav reches

Ice Cube, Aquarium designed by Maurane Jullien, Céline Bhend, Noémie Vauthey photography Sandra Pointet© Head – Genéve

Thelife aquatic withdesign By Ali Filippini

Affascinante e vitale, il tema dell’acqua ha permeato diverse installazioni all’ultima Milano Design Week, dando enfasi a un design per i sensi, da esplorare in diverse soglie di interazione. Captivating and vital, the theme of water was common to many installations at the recent Milan Design Week, placing emphasis on design for the senses to be explored under various levels of interaction. Tra le varie installazioni la più curiosa, quasi virtuale, quella presentata dai giovani delle Haute Ecole d’Art et de Design di Ginevra (Head) in una mostra “peep-show” dove, sul filo del voyeurismo e tra giochi di trasparenze-opacità-riflessioni, venivano presentati una serie di acquari: concepiti ognuno come ambiente a sé, o oggetto fantastico abitato dalla fauna marina, come accade ai relitti sepolti sotto i mari e colonizzati dalle creature degli abissi. L’oggetto in questione ha un preciso riferimento all’arredo borghese di fine ottocento, e sta alla base della riflessione condotta dai designer sul tema del dècor, nella sua relazione giocosa con l’oggetto design. In definitiva, sono micro-

One of the most peculiar installations was the almost virtual project presented by the young students of Haute Ecole d’Art et de Design (Head) of Geneva in a “peep-show” exhibition where a series of aquariums were presented, bordering on voyeurism and with a play of transparency/opacity/reflections. Each aquarium was conceived as its own environment, or a curious object inhabited by marine life, as found in wrecks under the sea colonized by creatures of the abyss. The object in question is a precise reference to late 19th century bourgeois furnishing, and forms the basis of the designers’ reflections on the theme of décor, in its playful relation to objects of design. To sum up, they are micro-architectures of

architetture di forme e materiali diversi, esaltati dall’acqua, dei mondi/ambienti virtuali al posto di scenografie kitsch per pesci tropicali, degli scenari esplorativi che rimandano a forme e linguaggi usati dal design contemporaneo. Lo stupore continua con il prototipo di “Belly Love” di Florence Jaffrain (che appartiene al progetto “Preliminaries”, una mostra organizzata dalla galleria Slot di Parigi, che ha invitato quattro designer francesi a mettere in mostra le loro fantasie nascoste) e la forma di questo “sofà sensoriale” e un pò magico, che respira con noi (grazie a un meccanismo nascosto), direttamente ispirata all’elegante Sarcophyton, un soffice corallo che vive nell’Oceano Indiano. La designer lo “riproduce” in un ventre molle e confortevole realizzato in morbida schiuma che ricoperto di tessuto foto luminescente (con tanto di microcapsule incorporate che diffondono profumo, creato con la collaborazione della scuola - centro ricerca sul tessile Ensaid) simula la magica luminosità del fondo dell’oceano.

different forms and materials, exalted by water, virtual worlds/ environments in place of kitsch sceneries for tropical fish, exploratory scenes which refer to forms and languages used by contemporary design. The surprising design continued with the prototype of “Belly Love” by Florence Jaffrain (part of the “Preliminaries” project, an exhibition organized by the Slot gallery in Paris, which invited four French designers to exhibit their hidden fantasies) and the form of this magical “sensorial sofa” which breathes with you (thanks to a hidden mechanism), directly inspired by the elegant Sarcophyton, a soft coral which lives in the Indian Ocean. The designer “reproduces” it in a soft, comfortable belly made of soft foam covered in luminescent material (with incorporated microcapsules which emanate perfume, created with the collaboration of the fabric school and research center, Ensaid) which simulates the magical light of the ocean’s depths.

previous opposite page Ice Cube, Aquarium designed by Maurane Jullien, Céline Bhend, Noémie Vauthey below Habitarium, Aquarium designed by Laura Ventura, Giancarlo Mino ph: Sandra Pointet© Head – Genéve

LAND

By Silvia Criara

Olive, pomodori, sfoglia e gelatine. Altro che plastica, ceramica e legno. Per qualcuno il cibo è un prodotto di massa, si progetta tanto quanto il design. C’è chi ha iniziato durante gli studi, chi dopo un’analisi degli scaffali del supermarket, chi ha aperto un ristorante e chi non ha mai visto un fornello.

Dal cibo che si cuoce direttamente in tavola con un set di lampade, alle gelatine di frutta che diventano monumenti, dal pasto che riempie la pancia ma è solo vapore, agli eating events e alle mealing performance nei musei d’arte contemporanea. Chi sono e cosa fanno i food designer di punta? Perché il food design va sempre più? Cosa sono gli eating events? Ecco i protagonisti e i progetti più innovativi del nuovo culto, che nasce e cresce tra gusto, estetica e psicologia sociale.

Olives, tomatoes, pastry and jelly. Forget plastic, ceramics and wood. For some people food is a mass product; it is designed as much as design itself. Some started during their studies, some after analyzing supermarket shelves, others opened a restaurant and there are some who have never turned on an oven.

From food cooked directly on the table by a set of lamps to fruit-flavored jelly which becomes monuments, from meals which fill your stomach but are made of steam to “eating events” and “mealing performances” in contemporary art museums. Who are the top food designers and what do they do? Why is food design getting more and more popular? What are eating events? Here are the leading players and most innovative designs of the new cult which was born and is growing among taste, aesthetics and social psychology.

left illustration from Food Book di Martí Guixé Edizioni Corraini, 2009 opposite page Communicator Arrow Martí Guixé for Alessi, 2010

Si definisce food designer, tecno-gastrosofo, tapaista. Lavora tra Barcellona (dove è nato nel 1964) e Berlino. I suoi progetti sono “brillanti e semplici idee di una curiosa serietà”, applicazioni progettuali in campo alimentare, soluzioni per adeguare la cucina alla realtà dei nostri giorni e proporre nuovi modi di relazionarsi al cibo. “Negli anni Novanta ero molto interessato ai sistemi di produzione e di consumo di massa”, racconta Guixè. “Il cibo è sempre visto per ciò che è, non come un oggetto a uso e consumo di un vastissimo pubblico. Iniziai a lavorare su questa idea del cibo come oggetto e ad applicare le mie conoscenze di product designer”. Guixé costruisce strutture molecolari a base di olive e stuzzicadenti, divide le torte in fette colorate che rivelano la percentuale dei loro ingredienti, come nei grafici dei marketing mix. Li ha appena pubblicati nel divertente volume Food Designing per Corraini Edizioni (vd. Feeding Pages, pag. 104). Le sue mostre e le sue performance nelle gallerie e nelle istituzioni museali più prestigiose sono concept e idee che invitano a riflettere sulle proprietà intrinseche, nutritive e perché no? estetiche del cibo. “Non ho mai fatto catering, non ho un ristorante, non so cucinare” dice “sono consulente insieme a un gruppo di nutrizionisti, chef, food designer, chimici, ingegneri ed esperti di comunicazione. I progetti sono i più disparati, dal complemento da tavola al bar e al ristorante”.

Martí Guixé Martí Guixé defines himself a food designer, techno-gastrosof and tapaist. He works between Barcelona (where he was born in 1964) and Berlin. His designs are “brilliant and simple ideas of a curious seriousness”, design applications in a food environment, solutions to adapt cooking to present-day reality and propose new ways of relating to food. “In the nineties I was really interested in production systems and mass consumerism,” Martí explains. “Food is always seen for what it is, not as a consumable for the larger public. I started to work on this idea of food as an object and apply my product designer know-how”. Guixé builds molecular structures based on olives and toothpicks and divides cakes into colored slices which reveal the percentages of their ingredients, like marketing graphs. He has just recently published them in the fascinating book Food Designing for Corraini Edizioni (see Feeding Pages, page 104). Guixé’s exhibitions and performances held in the most prestigious galleries and museums are concepts and ideas which invite the public to reflect on the intrinsic, nutritional and, why not, aesthetic properties of food. “I have never done catering, I don’t own a restaurant, I don’t know how to cook,” he says, “I am a consultant together with a group of nutritionists, chefs, food designers, chemists, engineering and marketing experts. The projects are completely varied, from table ornaments to bars and restaurants”.

Marije Vogelzang Progetta il cibo fin dagli studi alla Design Academy di Eindhoven, l’incubatrice dei migliori creativi. Non chiamatela food designer. Lei si definisce Eating designer perché “il cibo è perfetto in natura, è il consumo l’obiettivo del food designer”. Per questo oltre a progettare, si sporca le mani in cucina. Ha aperto uno studio/ristorante a Rotterdam e il bistrò Proef ad Amsterdam. “Iniziai a sperimentare all’accademia, legno, metallo, ceramica. Ma appena entravo in casa iniziavo con il cibo. Per me la cucina è un workshop e gli ingredienti sono i materiali”, dice. “Il design nasce come strumento di massa ma negli ultimi 15 anni è diventato sempre più concettuale”, prosegue la Vogelzang. “Ecco il terreno fertile per la crescita del food, soprattutto qui in Olanda, dove c’è una cultura del cibo scarsa”. Il suo primo progetto total food è del 1999. I suoi docenti le chiedono un lavoro astratto sul concetto del bianco e le s’inventa la Funeral Dinner, performance poi ripetuta in tutto il mondo. Cibi completamente bianchi, scelti in base al contrasto forte/delicato. Camerieri abbigliati in bianco, ambiente di consumo bianco. “Il risultato fu un’immagine trascendentale, esoterica. Una vita oltre la vita”. Un successo fin dall’esordio ad Eindhoven. Marije Vogelzang è consulente di musei, gallerie, aziende, ristoranti in tutto il mondo. La sua filosofia è tutta nel libro Eat Love per Bis Publishers, pensato per divertire, come tutti i suoi eating experience.

Marije Vogelzang has designed food since her studies at the Eindhoven Design Academy, an incubator for the best creative talents. Don’t call her a food designer. She defines herself an Eating designer because “food is perfect by nature, consuming is the aim of food designers”. Therefore, in addition to designing, she also gets her hands dirty in the kitchen. Marije has opened a studio/restaurant in Rotterdam and the Proef bistro in Amsterdam. “I started experimenting at the academy with wood, metal and ceramics. As soon as I got home I would start with food. For me the kitchen is a workshop and the ingredients are materials”, she explains. “Design was born as a mass tool but in the last fifteen years it has become more and more conceptual,” Marije continues. “This is the fertile terrain for growing food, especially here in Holland, where there is a very poor food culture.” Her first total food project dates back to 1999. Her teachers asked her to create an abstract work on the concept of white and she invented Funeral Dinner, a performance then repeated all over the world. Completely white food, chosen on the basis of the strong/delicate contrast. Waiters dressed in white, in a white eating environment. “The result was a transcendental, esoteric image. Life beyond life”. A success since her debut in Eindhoven, Marije Vogelzang is a consultant for museums, galleries, companies, and restaurants all over the world. Her philosophy is set out in the book Eat Love published by Bis Publishers, produced to amuse, like all her eating experiences.

above tasting at “Proef” of Amsterdam, creative laboratory of the designer Marije Vogelzang opposite page With cream one makes butter, installation by Arabeschi di Latte at Case Bianche in Bologna

Arabeschi di Latte Tutto il lavoro parte dal presupposto che “la felicità è una condizione possibile”. Arabeschi di Latte l’ha cercata nel cibo, prima per gioco e passione comune, poi come unico obiettivo. Il collettivo, tutto al femminile, è nato nel 2001 dall’idea di cinque architetti con la passione della convivialità, Francesca Sarti, Alessandra Foschi, Silvia Allori, Francesca Pazzagli, Francesca Sorga. “Il cibo è il nostro medium elettivo perché, oltre a unire una passione di tutte, è immediato e diretto, si rivolge, parla e riesce a comunicare in modo semplice a tutti”, dice Francesca Sarti. “È un attivatore di spazi, di ritualità condivise, di relazioni, di saperi comuni. Per un architetto, vitali”. Il gruppo promuove esperienze che sfruttano il fascino e il potere comunicativo del cibo. Attraverso strategie creative e modelli funzionali alternativi come gli eating events dà vita a nuove forme di socialità. Diversi i contesti e le esperienze proposte, che spaziano dall’arte alla moda, al design. “All’inizio il pubblico ci vedeva come naif, poi si è iniziata a percepire l’importanza del consumo del cibo come esperienza conviviale totalizzante”, precisa la Sarti. Ecco allora i pic-nic urbani, le cene futuriste, i pranzi storici e le food station mordi e fuggi.

All this group’s work starts from the assumption that “happiness is a possible condition”. Arabeschi di Latte have looked for happiness in food, initially for fun and due to their common passion, then as their sole aim. The all-female collective was set up in 2001 from the idea of five architects with a passion for merry-making, Francesca Sarti, Alessandra Foschi, Silvia Allori, Francesca Pazzagli, and Francesca Sorga. “Food is our medium of choice because, in addition to uniting a passion we all share, it is immediate and direct. Food addresses, speaks and manages to communicate with everyone in a simple manner,” Francesca Sarti explains. “It is an activator of spaces, of shared rituals, relationships, common knowledge. Vital for an architect”. The group promotes experiences which take advantage of the appeal and communicative power of food. Through creative strategies and alternative functional models such as eating events, they give life to new forms of social interaction. The group proposes various different contexts and experiences which range from art and fashion to design. “At the beginning the public thought us naïve, and then they started to understand the importance of food consumption as all-engaging convivial experience,” Sarti clarifies. So here are urban picnics, futuristic dinners, historical lunches and eat-and-run food stations.

Il progetto si divora con occhi e bocca per il duo di architetti inglesi Bompas & Parr (Sam Bompas e Harry Parr). Hanno studiato Product a Eton e a Londra e presto sono diventati i primi architetti di gelatine di frutta colorate. Si fanno chiamare Jelly Mongers, i mercanti di gelatine. Ci insegnano che la percezione del gusto cambia a seconda di luogo, forma e presentazione e colore del cibo. “Oggi le persone sperimentano molto di più, per questo usiamo il cibo per assalire i sensi e regalare un’esperienza unica”, dice Sam Bompas. E prosegue: “Le porte della percezione sono state spalancate. Il buon progetto può benissimo essere la fine della tua forchetta”. Al London Festival Architecture del 2008 hanno rifatto la cattedrale di St. Paul in jelly gusto arancia e hanno lanciato il concorso di progettazione “Architectural Jelly Design Competition”. Gelatina a parte, s’inventano di tutto. Dalla piscina piena di cognac (per 25mila persone) con spicchi d’arancia a mo’ di barchette, al buffet “politico” al sapore dei diversi partiti in corsa per le elezioni, all’Alcoholic Architecture, un locale in cui i drink non si bevono, sono nebulizzati nell’aria. “Vogliamo saturare tutti i cinque sensi delle persone, in modo che non possano nemmeno raccontare agli amici ciò che hanno appena sperimentato. Nessuno ti crede se dici che hai galleggiato su quattro tonnellate di cognac Courvoisier invecchiato vent’anni”.

Bompas & Parr Design is eaten by both eyes and mouths for the English architect duo Bompas & Parr (Sam Bompas and Harry Parr). They studied product design at Eton and they soon became the top architects of colored fruit jelly in London. They call themselves Jelly Mongers. The duo teaches that the perception of taste changes depending on the location, form, presentation and color of the food. “People are experimenting a lot more nowadays, this is why we use food to bombard the senses and offer a unique experience,” says Sam Bompas. He continues: “The doors of perception have been thrown wide open. Good design can easily be your fork’s target”. At the 2008 London Festival of Architecture they made a model of St. Paul’s Cathedral in orange-flavored jelly and launched the design competition “Architectural Jelly Design Competition”. Apart from gelatin, they invent everything and anything. From a swimming pool filled with cognac (for 25 thousand people) with slices of orange as little boats, to the “political” party in the flavors of the different parties running in the election, to Alcoholic Architecture, a bar where drinks are not drunk, but instead are vaporized in the air. “We want to saturate all five senses, so that people cannot even tell their friends about what they had just experimented. No one would believe you if you tell them you floated on four tones of 20-yearold Courvoisier cognac”.

left Parliamentary Waffle House, by Bompas & Parr PH: Andrew Stellitano opposite St Paul's Jelly, by Bompas & Parr PH: Jellorama

Nollywood By Matteo Spinola

Hollywood, Bollywood, Nollywood. Stati Uniti, India e Africa si contendono il mercato globale della cinematografia sfornando migliaia di pellicole l’anno destinate ad aumentare di qualche centesimo il Pil nazionale. Se Hollywood ha contribuito a costruire una parte del sentire collettivo, creando visi, ambientazioni, sceneggiature e sogni da vendere, Bollywood e Nollywood sono realtà recenti, in rapida ascesa, pronte a ipnotizzare un miliardo di Indiani e centinaia di milioni di Africani. Mentre i film “gonzo” hanno radicalmente rivoluzionato il cinema porno grazie a budget limitati e attori improvvisati, così le major cinematografiche del “nuovo mondo” sfidano il colosso hollywoodiano, fondato da una intraprendente signora nel 1905 sulle colline di Los Angeles. Digerita questa breve premessa, è il caso di addentrarci nelle foreste nollywoodiane della Nigeria al seguito del fotografo sudafricano Pieter Hugo, il cui ultimo lavoro fotografico “Nollywood” introduce lo spettatore nelle terre desolate dell’Africa centrale, abitate da fantasmi in costume. Una realtà circense nella qua-

Escort Kama. Enugu, Nigeria, 2008 pieter hugo courtesy: e x t r a s p a z i o, Roma

Hollywood, Bollywood, Nollywood. The US, India and Africa vie for the global cinema market, churning out thousands of films per year destined to increase their national GDPs by a couple of cent. While Hollywood contributed to building up part of the collective imagination, creating faces, settings, sets and dreams to sell, Bollywood and Nollywood are recent scenes in rapid growth, ready to hypnotize billions of Indians and hundreds of millions of Africans. While “gonzo” films radically revolutionized porn cinema thanks to limited budgets and improvising actors, in the same way the major films of the “new world” challenge the Hollywood colossus founded by an entrepreneurial lady in 1905 on the Los Angeles hills. With this brief introduction over with, we can now penetrate the Nollywood forests in Nigeria following the South African photographer Pieter Hugo, whose latest photographic work “Nollywood” introduces the spectator to the desolate lands of central Africa, inhabited by ghosts in costume. A circus-like reality where you won’t find human cannonballs or strongmen but phantom images, in continual disintegration; people, animals, homes from film sets, but the lack of cameras makes you think that what you are seeing is reality in movement, light years from the lack of time felt in classical cinema. Reminiscence.

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Nollywood is a denial. The impossibility of fiction. A circuslike reality in continual disintegration.

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“Nollywood è una negazione. L’impossibilità della finzione. Una realtà circense in continua dissoluzione”

le non appare la donna cannone o l’uomo forzuto ma immagini spettrali, in continua dissoluzione; persone, animali, abitazioni da set cinematografico ma che la mancanza di una cinepresa induce a pensare che ciò che vediamo è realtà in movimento, ben lontana dalla mancanza di tempo della cinematografia classica. Reminescenze. Ricordiamo il cineasta Terry Gilliam nella sua pellicola “Paura e delirio a Las Vegas” il quale, per bocca di Johnny Depp, afferma: “Il circo Bazooko è tutto quello che il mondo alla moda sarebbe stato il sabato sera se i nazisti avessero vinto la guerra: è il Sesto Reich”. Pieter Hugo presenta un nuovo Reich? Gli stereotipi di una popolazione appiattita sulle icone occidentali? In uno scatto si vede un Cristo dalla pelle scura, capelli lunghi, barba incolta, seduto a un tavolino con una bottiglia di Coca Cola. Non è il Cristo “Brad Pitt” del nuovo testamento. Non è il figlio di Dio. E’ un uomo come noi privo di miracoli. Vediamo vampiri in ogni luogo, osserviamo corpi bruciati dalla guerra e dalla miseria ancora vivi che ci mostrano il potere di sopravvivere alla fine. Una donna e un demone sono comodamente seduti in posa. Attendono una foto, attendono che Pieter Hugo li comprenda nella pellicola rendendoli reali. Uomini mascherati, una profusione di sangue, morti che partecipano inorriditi dalla propria condizione. Osservando attentamente troviamo una mummia, un Amleto con cilindro, un personaggio mascherato, scalzo, che brandisce un’accetta nel mezzo di una strada dove macchine sfrecciano veloci. Nollywood è una negazione. L’impossibilità della finzione. La realtà è questo circo disperato in cui le persone ritratte da Hugo giocano un ruolo predatorio e assassino. Il viso in ombra che l’Occidente evita di scrutare.

Chris Nkulo and Patience Umeh. Enugu, Nigeria, 2008 pieter hugo courtesy: e x t r a s p a z i o, Roma

We are reminded of the filmmaker Terry Gilliam in his movie “Fear and Loathing in Las Vegas” where, via Johnny Depp, he says: “Bazooko’s Circus is what the whole hep world would be doing Saturday night if the Nazis had won the War. This was the Sixth Reich”. Is Pieter Hugo presenting a new Reich? The stereotypes of a population leveled out on Western icons? In one shot we see a dark-skinned Christ with long hair and an untamed beard seated at a table with a bottle of Coca Cola. This is not the “Brad Pitt” Christ of the New Testament. It is not the son of god. It is a man like us void of miracles. We see vampires everywhere; we observe bodies burnt by war and hardship that are still alive showing the power of surviving to the end. A woman and a demon are comfortably sitting in pose. They are waiting for a photo, waiting for Pieter Hugo to embrace them in the film, making them real. Masked men, a great abundance of blood, dead people who, horrified, participate in their condition. Looking carefully we find a mummy, a Hamlet in a top hat, a masked barefoot individual brandishing a hatchet in the middle of the road while cars hurtle by. Nollywood is a denial. The impossibility of fiction. Reality is this desperate circus where the people portrayed by Hugo play a predatory, murderous role. The face in the shade who the West avoids looking at.

By Silvia Criara

Dal crack della finanza alla fobia del diverso, i progetti dell’arte più attuale indagano il sociale. Ecco cosa farà parlare, in Italia e all’estero dopo il turnover di Art Basel, appuntamento imprescindibile per collezionisti, artisti, direttori di museo, critici, galleristi e appassionati From the credit crunch to fear of others, the most topical art projects investigate social affairs. Here is what will be talked about in Italy and abroad after the turnover of Art Basel, the unmissable event for collectors, artists, museum directors, critics, gallery owners and devotees

Quando non sei ancora nessuno ti auguri di passarci, poi se vali (e ti va bene) diventi Ghada Amer, Vanessa Beecroft, William Kentridge, Ernesto Neto, Elizabeth Peyton o Ugo Rondinone. Ci sono passati tutti i migliori. La 41ma edizione della fiera più importante del mondo (dal 16 al 20 giugno) non è da meno delle precedenti in quanto a nomi e progetti. Dalle conseguenze irreversibili dell’età dei consumi alle emergenze umanitarie e sociali, l’arte torna realtà attraverso la finzione. Come ha commentato recentemente il famoso critico Achille Bonito Oliva “l’artista è un inviato speciale nella realtà”, richiamandone il ruolo nella vita di tutti i giorni. Ecco i migliori reporter, dai big internazionali, ai giovani emergenti italiani. La crisi economica, la disumanizzazione delle condizioni produttive e l’ambientalismo sono al centro dell’ultimo dirompente film dei Superflex, collettivo danese fondato nel 1997 da Bjørnstjerne Christiansen, Jakob Fenger e Rasmus Nielsen (galleria Peter Blum di New York). Flooded McDonald’s è una ricostruzione perfetta degli interni di un fast food McDonald’s. Ma nel locale inscenato e ripreso non c’è anima viva e progressivamente si allaga fino a essere sommerso. Sedie e tavoli fluttuano nell’acqua putrescente. Panini, onion ring, patatine fritte e chili di spazzatura galleggiano in superficie insieme a Ronald McDonald, il clown sorridente simbolo della catena. La resa filmica, il soundtrack e le macchine da presa utilizzate sono le stesse dei colossal sulle catastrofi naturali girati a Hollywood. Flooded McDonald’s non punta il dito contro il fast food, ma mette a fuoco le conseguenze del consumo compulsivo di oggi. Al confine tra realtà e finzione riflette la necessità di un nuovo codice etico, cercato nell’estetica. Non si conoscono le cause del di-

above Flooded McDonald's, 2009 FILM by SUPERFLEX, Courtesy Peter Blum gallery/ Nils Staerk opposite page Lovers, 2008 Hans-Peter Feldmann, Courtesy 303 Gallery, New York

While you are still nobody you hope to make it, then if you are good (and lucky) you become Ghada Amer, Vanessa Beecroft, William Kentridge, Ernesto Neto, Elizabeth Peyton or Ugo Rondinone. All the best have been there. The 41st edition of the world’s most important fair (from June 16 to 20) won’t suffer in comparison to previous editions in relation to the names and works on exhibit. From the irreversible consequences of the age of consumerism to humanitarian and social emergencies, art has returned to reality through fiction. As the famous art critic Achille Bonito Oliva recently commented: “artists are special reporters to reality”, referring to their role in everyday life. Here are the best reporters, from big international names to young emerging Italians. The economic crisis, the dehumanization of production conditions and environmentalism are at the center of the latest sensational film by Superflex, the Danish collective set up in 1997 by Bjørnstjerne Christiansen, Jakob Fenger and Rasmus Nielsen (Peter Blum gallery, New York). Flooded McDonald’s is a perfect reconstruction of the interiors of a McDonald’s restaurant. However, there is no living soul in the staged and filmed restaurant and it gradually gets flooded until it is completely submerged. Tables and chairs drift through the putrescent water. Burgers, onion rings, French fries and kilos of trash float on the surface together with Ronald McDonald, the smiling clown who is the symbol of the fast food chain. The production, soundtrack and cameras used are the same as those used by big Hollywood production houses for natural disasters films. Flooded McDonald’s is not pointing the finger at fast foods; instead, it focuses on the consequences of modern compulsive consum-

this page Insects, 2008 David Shrigley courtesy the artist and Stephen Friedman Gallery, London opposite page Apollo Space Suit (after Beuys), 2008 Matthew Day Jackson Courtesy Peter Blum Gallery, New York

sastro ma ormai non c’è via d’uscita, dicono gli artisti, tutto annega trascinato da una forza ignota e nessuno fa nulla. Dai danni irreversibili del consumismo al dramma dell’immigrazione, gli artisti invitano a pensare. Il progetto del giovanissimo Francesco Arena riflette sui concetti di identità e diversità attraverso il tema caldo (in Italia) dell’immigrazione. Nella sua scultura Il peso del mio corpo da un blocco di pietra del peso di una barca (My Body’s Weight from a Stone Block the Weight of a Boat, galleria Monitor di Roma) raffronta la propria storia con quella sconosciuta e travagliata di una barca che si trova nel deposito di Taccio Vecchio sull’isola di Lampedusa e delle persone (migranti provenienti dalla Libia) che l’hanno utilizzata, in un continuo scambio di vissuti, esperienze. Una nuova riflessione sull’idea di scultura e insieme un autoritratto di Arena, che cerca di plasmare la propria effige all’interno di un racconto corale lontano. Lucido, penetrante e aulico (come sempre) anche il nuovo lavoro del giovane talento Alberto Tadiello (galleria T293 di Roma, vincitore del premio Furla 2009). Il progetto sfrutta il rimando alle sirene utilizzate dai mezzi di emergenza, come metafora della tensione che pervade la vita negli spazi pubblici contemporanei e del sentimento di soffocamento, di isolamento e di alienazione che anticipa i grandi cambiamenti nella vita di ognuno. Fa sentire la presenza fisica, immateriale e poetica del suono, provocando una tensione vitale. Nell’installazione LK100A l’aria prodotta dal compressore retto da una struttura metallica passa attraverso dei tubi e sfiata dai due grandi corni attivati manualmente. Il suono, amplificato, si diffonde nello spazio e si indebolisce pian piano fino a quando l’aria si esaurisce.

erism. Poised between reality and fiction, it reflects on the need for a new ethical code, found in aesthetics. The causes of the disaster are unknown by there is no escape, the artists are saying, everything drowns, dragged down by an unknown force and no one does anything about it. From the irreversible damage of consumerism to the drama of immigration, artists invite us to reflect. The project by the young artist Francesco Arena investigates the concepts of identity and diversity through the topical issue in Italy of immigration. His sculpture Il peso del mio corpo da un blocco di pietra del peso di una barca (My Body’s Weight from a Stone Block the Weight of a Boat, Monitor gallery in Rome) compares his story with the unfamiliar, troubled story of a boat in the Taccio Vecchio deposit on the island of Lampedusa and the people (immigrants from Libya) who had used it, in a continual exchange of lives, experiences. It is a new reflection on the idea of sculpture and also a selfportrait by Francesco Arena, who tries to mould his own effigy within a far-off choral story. Lucid, penetrating and refined (as always) – the new work of the young talent Alberto Tadiello (T293 gallery, Rome, winner of the 2009 Furla award). The project makes use of sirens used by emergency services as a metaphor for the tension which pervades life in contemporary public spaces and the feeling of suffocation, isolation and alienation which anticipate the huge changes in everyone’s lives. It makes you feel the physical, immaterial and poetical presence of sound, provoking vital tension. In the installation LK100A the air produced by the compressor supported by a metal structure passes through the tubes and is vented through two big horns that are manually activated. The amplified sound emanates through the space and fades out gradually until the air runs out.

ART BASEL IN PILLOLE ART BASEL IN BRIEF Quest’anno le gallerie sono 300, provenienti da 36 Paesi. Presentano opere di più di 2500 artisti dal Novecento a oggi, tra pittura, disegno, scultura, installazioni, fotografia, performance e video art. In fiera, nelle strade, nelle gallerie e nei musei di tutta la città. Da non perdere il settore Art Unlimited, a cura di Simon Lamunière, che presenta più di 60 lavori innovativi formato gigante - sculture, film e installazioni - molti inediti e ideati per l’occasione.

This year there are 300 galleries participating from 36 different countries. They present the works of more than 2,500 artists from 1900 to the present, between paintings, sketches, sculptures, installations, photography, performance and video art. In the trade fair, on the streets, and in the galleries and museums of the entire city. Not to be missed is the Art Unlimited sector, curated by Simon LamuniĂ¨re, which presents more than 60 oversized innovative works â&#x20AC;&#x201C; sculptures, films and installations â&#x20AC;&#x201C; many never seen before and designed especially for the occasion. artbasel.com

DAMIEN HIRST PHOTOGRAPEHD BY David Bailey

Ocean Damien By Silvia Criara

Nel Principato di monaco i 100 anni di ricerca del Museo Oceanografico si festeggiano con una grande retrospettiva dedicata a uno degli artisti oggi più celebrati, Damien Hirst. Dalle prime tele alle ultime sculture colossali, arte e scienza si ritrovano per riflettere sulla vita. One hundred years of research at the Oceanographic Museum are being celebrated in monaco with a large retrospective dedicated to one of modern day’s most renowned artists, Damien Hirst. From his first canvases to his latest colossal sculptures, art and science come together to reflect on life.

Cosa ci fa lo scheletro di una baWhat is a whale skeleton doing lena di fianco a una tela formato alongside a huge canvas? This is gigante? Nulla di strano se siamo all normal if we’re at the Oceanoal Museo Oceanografico del Pringraphic Museum of the Principalcipato di Monaco e l’opera è di ity of Monaco and the work is by Damien Hirst (Bristol, 1965). DaDamien Hirst (Bristol, 1965). Since gli anni novanta l’artista rilegge la the nineties, the artist has been storia naturale con dipinti, sculture revising natural history with painte creature imbalsamate, esposte ings, sculptures and embalmed in vasche di formaldeide davanti creatures exhibited in tanks of foral pubblico incredulo. Squali, farmaldehyde to an incredulous pubfalle, ovini, sono solo alcuni dei lic. Sharks, butterflies and sheep capolavori oggi in mostra nella are just some of the masterpieces retrospettiva Cornucopia, presennow shown in the retrospective tata in collaborazione con il NouCornucopia presented in collaboraveau Musée National de Monaco, tion with Nouveau Musée National che sta rinnovando e ampliando i de Monaco, which is renovating propri edifici. Fino al 30 settembre and expanding its premises. Open l’esposizione presenta una sessanuntil September 30, the exhibition tina di opere chiave degli ultimi Hymn, Damien Hirst, sculpture, 2000 presents around sixty key works quindici anni di carriera secondo from the last fifteen years of the un layout curato direttamente dall’artista. Esemplari marini e artist’s career following a layout directly organized by Hirst himfauna sottomarina, ma anche farfalle, mammiferi e imponenti self. Examples of marine life and underwater fauna, but also installazioni ambientali, dialogano con i pezzi storici del museo, butterflies, mammals and imposing environmental installations, invitando il visitatore a riflettere sul mistero della scienza e sul dialogue with the museum’s historical pieces, inviting visitors to senso della vita. “Sono emozionato. E’ un incontro fantastico reflect on the mystery of science and the meaning of life. “I am tra scienza e arte, i due argomenti che più mi affascinano”, dice delighted. It’s a fantastic way to combine art and science, two Hirst. “Nel Museo Oceanografico mi sento a casa perché quando subjects which fascinate me”, says Hirst. “I feel at home in the ero bambino ne visitavo parecchi, amavo gli animali selvaggi e Oceanographic Museum because I used to visit a lot of them gli oggetti misteriosi che contenevano”, continua. “Quando ho when I was a child. I love the wild animals and mysterious objects

this page Loving in a World of Desire Damien Hirst, sculpture, 1996 opposite page Papilio Ulysses Damien Hirst, mosaic, 2008

iniziato a fare arte ho intitolato Natural History la serie di animali in formaldeide perché volevo che la mia fosse un’arte che toccava da vicino le persone. Ho sempre pensato che i musei d’arte fossero posti per artisti morti. Qui mi sento vivo”. Le sue opere inquietano e affascinano allo stesso tempo, terrorizzano lo spettatore e lo invitano alla contemplazione. Come lo squalo di quattro metri immerso nella formaldeide di The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living (tr. L’impossibilità fisica della morte nella mente di un vivo), che nel 1991 consacrò il suo nome nel mondo dell’arte. Nessuno aveva mai fatto quel tipo di rappresentazione, l’artista la usò per indagare in libertà temi a lui cari, come l’enigma della vita e il mistero della morte. Arte e scienza, vita e morte, gravità e leggerezza, barocco e minimalismo si fondono nel suo realismo aggressivo. Ne partecipa ogni elemento della composizione, dai soggetti alle teche che li contengono. Rimandano ai display usati dalle industrie farmaceutiche per esporre i medicinali e alludono all’idea di un possibile decadimento fisico, oggi visto come inconcepibile; all’ossessione per la salute, per il benessere che inquieta la società contemporanea. Hirst lo fa attraverso composizioni di estremo rigore, misurate, che invitano a riflettere, come denuncia il titolo dell’opera We Are Immortal. Il percorso espositivo, studiato dall’artista, si snoda in tutte le sale del museo e negli spazi esterni, per giungere fino al belvedere, con due opere monumentali di fortissimo impatto: Hymn, una statua in bronzo dipinto che rimanda agli dei greci, ma a dispetto dell’apparente perfezione mostra la muscolatura e gli organi interni; Sensation, una sezione di pelle umana ingigantita e trasformata in scultura. L’esposizione giunge fino al fronte del porto, dove svetta la colossale The Virgin Mother. Al suo corpo mancano lembi di pelle e nel suo pancione scorgiamo un bambino pronto a nascere. E’ una nuova “Madonna del parto” che si staglia a filo d’acqua e incarna la speranza nella nuova vita.

they contain”, he continues. “When I started making art I called my series of animals in formaldehyde Natural History because I wanted my art to touch people from up close. I always thought that art galleries were places for dead artists. I feel alive here”. His works disturb and fascinate at the same time, terrorizing the public and inviting them to contemplate. Like the four-meter shark immersed in formaldehyde of The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living, which in 1991 consecrated Hirst’s name in the world of art. No one had ever made a representation like that. The artist used it to freely investigate issues dear to him, such as the enigma of life and the mystery of death. Art and science, life and death, solemnity and frivolity, baroque and minimalism are at the foundations of Hirst’s aggressive realism. Every element of the composition participates, from the objects to the glass cases containing them. They refer to the displays used by the pharmaceutical industry to exhibit medicine and allude to the idea of a possible physical decay, nowadays seen as inconceivable; the obsession with health and well-being which troubles contemporary society. Hirst does this through extremely rigorous, measured compositions which invite reflection, as we see in the title of the work We Are Immortal. The exhibition route, designed by the artist, winds through all the rooms of the museum and its external spaces, even reaching the belvedere, with two extremely hard-hitting monumental works: Hymn, a painted bronze statue which refers to the sculptures of the Ancient Greeks, but in the face of its seeming perfection, it shows the muscles and internal organs; Sensation, a section of human skin blown up and transformed into a sculpture. The exhibit reaches an end in front of the port where the colossal The Virgin Mother towers. The body is missing strips of skin and a baby sticks out of the belly ready to be born. It is a new “Madonna del parto” which rises up at the edge of the water and embodies the hope of new life.

FEEDING PAGES By Elena Valdini

In principio fu “The Silver Spoon” – il Cucchiaio d’argento made in Italy. Phaidon acquista i diritti da Domus, reinventa la grafica e consegna alla bibbia della cucina italiana un successo internazionale formato best seller. Seguono la preziosa riduzione per bimbi (“The Silver Spoon for Children”) e la monografia “The Silver Spoon Pasta”: 366 pagine (con l’autunno anche in francese, spagnolo, giapponese) organizzate per tagli di pasta (così come l’indice) – anche gli italiani avranno di che stupirsi. Da qui in poi è un’ininterrotta dichiarazione d’amore del design del libro alla cucina. Phaidon studia, progetta e, appunto, cucina. Come ogni editore che si rispetti non sceglie alla carta, ma la carta perché “è un’ininterrotta sa che questa è prima tra gli ingredienti (di un libro) dichiarazione d’amore del design e al contempo può anche per prima interpretare le del libro alla voci (di una ricetta). Su cucina” quest’onda nasce lo spassoso “Maiale & Co.” (Pork and Sons) disponibile in italiano, inglese, spagnolo e tedesco. Un cartonato, firmato da Stéphane Reynaud, dalla soffice copertina a quadretti bianchi e rosa le cui 386 pagine non solo sono finemente illustrate da José Reis de Matos con tanti allegri (quasi danzanti) porcellini ritratti e immaginati nelle più svariate azioni e pose, ma è anche un viaggio tra storia e tradizione che pone l’accento sulla dimensione rustica proprio partendo dalla scelta della carta, uso mano d’importante grammatura. L’editore di Londra ci sorprende quando arriva in libreria con (l’ormai best seller) “Un giorno a elBulli” (A Day at elBulli) – primogenito di una serie di monografie (ancora allo studio) dedicate ai più acclamati ristoranti; esaurito nell’edizione cartonata, da questo mese torna agli scaffali in brossura – in italiano,

It started with “The Silver Spoon”. Phaidon acquired the rights from Domus, reinvented the graphics and gave the Italian cookery bible international success and best-seller status. This was followed by the treasured children’s version (“The Silver Spoon for Children”) and the monograph “The Silver Spoon Pasta”: 366 pages (this autumn also in French, Spanish and Japanese) organized by types of pasta (like the index) – even Italians will be surprised. This was then followed by an unending book design declaration of love for cookery. Phaidon studies, designs and, of course, cooks. Like every self-respecting publisher, it does not choose al la carte, but instead chooses the paper because it knows that it is the first ingredient (of a book) and at the same time can also be the first to interpret the items (of a recipe). On the back of this wave the hilarious “Pork and Sons” came along, available in Italian, English, Spanish and German. An illustrated book by Stéphane Reynaud, with a paperback cover in white and pink checked design whose 386 pages not only are delicately illustrated by José Reis de Matos with lots of lively (almost dancing) little pigs portrayed and imagined in the most varied actions and poses, but is also a journey through history and tradition which places emphasis on its rustic dimension, starting from the choice of paper, uncoated with elevated grams. The London-based publishers surprised us when they arrived in bookstores with the (now best seller) “A Day at elBulli” – the first in a series of monographs (still pending) dedicated to the most acclaimed restaurants; sold out in the hard-back edition, this month it is back on the shelves in paperback – in Italian, English, French, German and Spanish. It surprises us because, while it leads us on the discovery of the fabulous world of Ferran Adrià, it also teaches us how to make a book in a book, between shelf-marks, short pages on three sides, changes of paper, from the shades to grams. Once again, Phaidon plans, designs, plays; they certainly enjoy playing with assonance, indeed, here is “Coco”: a title (which does not mean anything) for a book (unfortunately only available in English for now) where the semantic area

is the colors, symbols included. Ten hues for ten chefs who, in their turn – and here the publisher applies its well-established 10X10 method – were given the task of identifying ten emerging talents in the international culinary scene. Basically, all this (we have left out lots of other books here, such as “Creinglese, francese, tedesco e spa- “An unending ole”, a true tribute to Creole cuisine) is to gnolo. Ci sorprende perché, mentre book design show that it is no coincidence that this year ci accompagna alla scoperta del declaration of the English publishers were nominated best favoloso mondo di Ferran Adrià, ci love for cookery.” cookery book publishers at the Gourmand insegna come si fa a fare un liWorld Cookbook Awards 2010 – established bro nel libro tra segnature, pagine in 1995 by Edouard Cointreau. corte sui tre lati, cambi carta, dalle Pearls include the New York publication “Vintage cocktails” – from cromie alle grammature. Ancora, Phaidon progetta, Gin Fizz to French 75, and from Missouri Mule to Bloody Mary – disegna, gioca; senz’altro si diverte a giocar con le (Assouline), while Italy (made in Corraini) “replies” with the monoassonanze, infatti, ecco Coco: un titolo (che non vuol graph “Camparisoda. L’Aperitivo dell’arte veloce futurista” (“Camdire niente di preciso) per un libro (purtroppo per ora parisoda. The Aperitif of Fast Futurist Art”: paperback in slip-case solo in inglese) la cui area semantica sono i colori, se16.5X30 with Italian text). The unfolding pages and transparencies gnacoli compresi. Dieci tinte per dieci chef che, a loro trace the history and future of the link between Camparisoda, art volta, e qui l’editore applica il suo consolidato metodo and design; an adventure of graphical, typographical, pictorial inven10X10, hanno avuto il compito di individuare nel pations, since 1932 and through the entire 20th century, thus the hisnorama culinario internazionale dieci talenti emergenti. torical collaboration with Fortunato Depero up to the latest projects Insomma, tutto questo (e al nostro appello mancano with Matteo Ragni. molti altri titoli, come Creole, un vero tributo alla cuciOnce the concept that food can also be designed has been grasped, na creola) per dire che non è un caso se la casa editrice “Food designing” summarizes the philosophy of Martì Guixé (see inglese quest’anno è stata nominata migliore editore di Eatingland, page 87) who wrote the book (large format and fit for cucina al mondo al Gourmand World Cookbook Awards all ages) “Food book” published by Corraini. A place to experiment 2010 – fondato nel 1995 da Edouard Cointreau. by designing. It is not a book to read, but to do. Basically, a kitchen Tra le chicche, da New York si fa spazio Vintage cocon paper, with low risk. ktails – dal Gin Fizz al French 75, dal Missouri Mule The window closes without measuring ingredients – therefore it’s al Bloody Mary – (Assouline), mentre l’Italia (made in best to carefully read the books mentioned and perhaps leaf through Corraini) “risponde” con la monografia “Camparisoda. the snacks of “Dona Flor” (by Jorge Amado with Paloma Jorge L’Aperitivo dell’arte veloce futurista” (“Camparisoda. Amado). Moreover, to achieve a feeling of satiety perhaps some The Aperitif of Fast Futurist Art”: brossura in cofa“Grana Padano in my own kitchen” can help. The text is in Italian netto 16,5X30 con testi in italiano). Tra pagine che si and English, with plenty of recipes in an elegant edition, and the estendono e trasparenze sono qui tracciati la storia e undisputed protagonist is Grana Padano, including its summer veril futuro del legame tra Camparisoda, l’arte e il design; sions. Because pages nourish the eyes, brain, heart… and this time un’avventura di invenzioni grafiche, tipografiche, piteven the belly. toriche che dal 1932 attraversano tutto il Novecento, quindi dalla storica collaborazione con Fortunato Depero agli ultimi progetti con Matteo Ragni. Acquisito il concetto che anche il cibo può essere progettato, “Food designing” è la sintesi del pensiero di Martì Guixé (vd. Eatingland, pag. 87) che per Corraini firma anche il volume (di grande formato e per tutte le età) “Food book”. Un luogo dove sperimentare disegnando. Non un libro da leggere, ma da fare. Insomma, una cucina su carta, a basso rischio. La finestra si chiude senza dosare ingredienti – per questo meglio leggere attentamente i libri citati e magari spulciare tra le merende di Dona Flor (“La cucina di Bahia” di Jorge Amado con Paloma Jorge Amado). Tuttavia, per incontrare il favore della sazietà “Magari un che di formaggio” (Grana Padano in my own kitchen) può servire. I testi sono sempre in italiano e inglese, le ricette molte, l’edizione fine e il protagonista indiscusso è il Grana Padano, sue interpretazioni estive comprese. Perché le pagine nutrono occhi, cervello, cuore… ed eccezionalmente questa volta pure la pancia.

illustration by José Reis de Matos from pork & sons, by Stéphane Reynaud © Phaidon Press 2008

phaidon.com corraini.com assouline.com

SCENE STEALER

photo: Jacqueline&Aline Tappia styling: Peter Cardona www.petercardona.net hair: Gianluca@Victoria's make-up: Seiko Nishigori@Greenapple model: Humberto@Dman

DIOR HOMME black jacket; trousers; ankle boots LOUIS VUITTON bow tie ZZEGNA leather gloves

Zzegna woollen sweater, trousers, backpack.

BURBERRY LONDON trench; trousers HACKETT denim shirt ZZEGNA tie; belt LOUIS VUITTON scarf HERMES ankle boots

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D&G leather jacket; tank top; trousers; gloves; ankle boots HUGO grey collar

GUCCI coat; trousers HERMES scarf GIULIANO FUJIWARA knee socks worn as sleeves

PRADA coat; shirt; collar; sweater; trousers ZZEGNA tie DIRK BIKKEMBERGS SPORT COUTURE knee socks GIULIANO FUJIWARA sneakers

HERMES scarf BERETTA jacket; trousers HACKETT shirt DIRK BIKKEMBERGS SPORT COUTURE belt

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MILANO DESIGN WEEK

2010

FUTURO MERaVIGLIOSO

by paolo gelmi

da fortunato depero a matteo ragni benvenuti al camparitivo

Futuro Meraviglioso è il concetto moderno che l’architetto Matteo Ragni (vincitore del compasso d’oro nel 2001) ha voluto dare reinterpretando in chiave moderna l’icona della bottiglietta Camparisoda progettata da Fortunato Depero e dei manifesti pubblicitari usati per le campagne degli anni 30. Nasce così il Camparitivo nella location più rappresentativa per quanto riguarda il design e l’architettura, la Triennale di Milano. Attraverso il concetto di convivialità e design il Camparitivo diventa il momento di relax più cool della città (dal 13 aprile al 31 ottobre, dalle 11.30 alle 23 ) sarà possibile dividere questo momento con colleghi ed amici assistendo a mostre ed eventi all’insegna del rosso Camparisoda. Matteo Ragni ha voluto festeggiare i 150 anni di Campari guardando al futuro, nasce così FUTURO MERAVIGLIOSO, un luogo dove l’anima di Camparisoda si esprime al meglio, attraverso oggetti rievocativi in uno spazio creato ad hoc per rapprentare lo spirito che da sempre lo caratterizza. Vi accompagniamo in questo magico luogo che rievoca momenti del passato in una visione futuristica, vi facciamo vedere quali sono gli oggetti che arredano questo spazio raccontandovi le sensazioni che abbiamo provato e quelle che potrete provare anche voi. Un esperienza unica che attraversa molteplici universi, da quello visivo in un gioco di specchi, dagli oggetti creati appositamente come il fluttuante bancone del bar, o le sedie ed i tavolini, all’universo multisensoriale che mette in contatto cose e persone come solo Camparisoda riesce a fare. Una location interna ed esterna magistralmente creata ed allestita da Matteo Ragni faranno da cornice ad un momento unico ma ripetibile.

from fortunato depero to matteo ragni welcome to camparitivo

Futuro Meraviglioso is a modern concept by the architect Matteo Ragni (winner of the Compasso d’Oro award in 2001), reinterpreting in a modern key the iconic Camparisoda bottle designed by Fortunato Depero and the posters used for the advertising campaigns in the thirties. So Camparitivo was set up in the most representative location of design and architecture, the Triennale gallery in Milan. Through the concept of socializing and design, Camparitivo has become the city’s coolest moments of relax. From April 13 to October 31, 11:30am to 11pm, it will be possible to share this moment with colleagues and friends, visiting exhibitions and events under the red sign of Camparisoda. Matteo Ragni decided to celebrate 150 years of Campari by looking to the future. And so he created FUTURO MERAVIGLIOSO, a place where the soul of Camparisoda is expressed best, through reminiscent objects in a space created ad-hoc to represent the spirit which has always characterized the product. We accompany you into this magical place which evokes moments of the past in a futuristic vision; we will show you the objects furnishing this space, telling you about the sensations we felt and that you can feel too. A unique experience which crosses multiple universes, from the visual domain with a play of mirrors, especially-created objects such as the floating bar or the seats and tables, to the multisensory universe which brings things and people together as only Camparisoda can. This indoor and outdoor location created and furnished by Matteo Ragni in a masterly fashion is the setting of a unique, oncein-a-lifetime moment.

INSIDE VIEW OF THE TELESCOPES RAGNI DESIGNED FOR DANESE

all ph. by matteo scarpellini

Tropico | lamp | Matteo ragni for foscarini Chandelier which perfectly integrates the triangles designed by Depero and Camparisoda red. Fortunata | lamp | Matteo ragni for danese A new concept of lighting via a play on triangles. Camparina | chair | Matteo ragni for plank Designed to be comfortable to sit on and handy to handle. Dot | table | Matteo ragni for danese Round with a groove in the center to place your Camparisoda; reminiscent of old Sip phones and 45 inches typical of the sixties.

Fortunato Depero

Fortunato Depero è stato il primo artista con una decisa inclinazione alla pubblicità, la sua predisposizione in questo senso raggiunge l’apice con Campari per il quale l’artista trentino sperimenta anche le sue doti di designer, è sua la bottiglietta da 10cc di Camparisoda usata ancora oggi, diventata un icona per consumatori ed azienda. Depero segna l’ingresso degli artisti nel mondo della pubblicità e di relative campagne, il periodo è a cavallo tra il 1925 e 1926, l’esperimento raggiunse notevoli risultati e consensi al punto da essere una collaborazione continuativa, tante furono le opere realizzate per Campari tra queste ve ne citiamo una in particolare, il manifesto futurista dal titolo PUPAZZO CHE BEVE CAMPARISODA. Non ci resta che dire che Matteo Ragni è per Campari l’erede naturale del grande Depero, andare al Camparitivo diventa a questo punto un momento artistico decisamente interessante.

Matteo Ragni Laureato in Architettura al Politecnico di Milano, nel 1998 da vita insieme a Giulio Iacchetti allo studio Aroundesign ed insieme vincono nel 2001 il Compasso D’oro ADI con la forchetta/cucchiao.

Graduated in Architecture from the Milan Polytechnic in 1998, ever since Matteo Ragni has been working with Giulio Iacchetti at their Aroundesign studio. Together they won the 2001 Compasso d’Oro award for their fork/spoon design.

Was the first artist to have a strong flair for advertising. This talent of his reached its climax with Campari for whom the Trento-born artist also experimented with his qualities as a designer. He designed the 10cc Camparisoda bottle still used today, which became an icon for customers and the company. Depero marked the entry of artists into the world of advertising and the related campaigns. In the period between 1925 and 1926, the experiment obtained significant results and approval, becoming a longterm collaboration. Depero created many works for Campari, including in particular the Futurist poster called PUPAZZO CHE BEVE CAMPARISODA. In the past two years Matteo Ragni has been the natural heir of the great Depero for Campari. Therefore, going to visit Camparitivo is decidedly interesting from an artistic point of view.

Untitled | Mattero ragni for danese Telescope with multiple functions, including fantasy and imaginary functions linking it to the Depero-style scenes in a post-modern vision.

PUBBLIREDAZIONALE

Mimmo Burdi: Art injewelry

Tra conchiglie e smeraldi, coralli e ametiste, putti e camei, nascono le fiabe di Mimmo Burdi, designer barese, titolare dell’omonimo studio-laboratorio. Creazioni uniche, dalla sfrenata fantasia, che sprigionano colori d’Oriente e Occidente, facendo sognare la donna, il cui piacere non s’identifica nella ricerca della pietra preziosa ad ogni costo, ma nel riconoscere nel gioiello un oggetto d’arte. La passione è coltivata sin da piccolo, quando, come ci racconta, smontava lampadari per creare i suoi primi gioielli: “Disegno e realizzo da me tutti i pezzi, oggetti molto particolari che curo nei minimi dettagli e nella qualità delle pietre”. Burdi è un professionista del settore per estro e creatività, e dopo gli studi presso l’Istituto d’Arte di Bari, consegue a Valenza il diploma di Maestro orafo. Ha preso parte a numerose esposizioni d’arte a Bari e a Roma e ha riscosso largo consenso di pubblico sia all’Expo-Arte di Bari, sia alla Biennale dell’Arte contemporanea di Firenze. Nel Febbraio 2009 ha partecipato all’Alta moda Roma, abbinando i suoi pezzi unici alla collezione di uno stilista emergente. Le creazioni di Burdi hanno la freschezza di un fanciullo curioso che scruta il mondo e va alla ricerca di tutto ciò che può colpire la sua immaginazione: oro, diamanti e pietre preziose accostate a schiume di mare, sassolini del Gargano da cui scaturisce la voglia di creare e il piacere di dar vita a qualcosa di unico. Questa è l’arte di Mimmo Burdi, un designer un po’ schivo, che non va alla ricerca del successo sfrenato “a tutti i costi”, ma che mette la sua estrema sensibilità al servizio della creatività ed è felice solo per il privilegio di poter creare.

CATERPILLAR Gold brooch pin with diamonds, sapphires and emeralds cabochon. Polished legs and limbs. One-off piece DRAGON-FLY White and yellow gold brooch pin, with rubies and emeralds cabochon, mounted on a baroque pearl. Polished wings and feelers. One-off piece

Shells and emeralds, corals and amethysts, and putti and cameos give rise to the fairytales of Mimmo Burdi, the designer from Bari who owns a studio/laboratory of the same name. Unique creations of uncurbed fantasy, which radiate Oriental and Occidental colors, making women dream; women who don’t find pleasure in looking for precious jewels at all costs, but rather in recognizing an object of art in a piece of jewelry. Mimmo’s passion was cultivated since he was a child when, as he tells us, he used to disassemble lamps to create his first items of jewelry: “I design and make all the pieces in my workshop, very unusual objects which I care for to the smallest detail and in the quality of the stones”. Burdi is a sector professional due to his talent and creativity. He followed his studies at the Bari Institute of Art with a diploma in Master Goldsmithery in Valenza. Mimmo took part in numerous art exhibitions in Bari and Rome and gained widespread public approval at both the Expo-Arte of Bari and the Biennial of Contemporary Art in Florence. In February 2009, he participated in the Alta Moda Roma, matching his one-off pieces to the collection of an emerging stylist. Burdi’s creations have the freshness of a curious young boy who scrutinizes the world and searches for everything that can stir his imagination: gold, diamonds and precious stones matched with meerschaum, and small stones from Gargano which give rise to the desire to create and the pleasure of giving life to something unique. This is the art of Mimmo Burdi, a slightly reserved designer who is not concerned with wild success “at any cost”. Instead, he puts his extreme sensibility at the service of creativity and is happy simply for the privilege to be able to create.

Patricia Urquiola nasce ad Oviedo, in Spagna. Vive e lavora a Milano da più di vent’anni. Frequenta la facoltà di architettura al Politecnico di Madrid e, successivamente, il Politecnico di Milano, dove si laurea nel 1989 con Achille Castiglioni. Nel 2001 apre, a Milano, il suo studio di progettazione dove si occupa di design, allestimenti e architettura. Alcuni dei suoi prodotti sono esposti nelle collezioni permanenti del MoMA di New York e di altri musei. Tra i suoi progetti più recenti: il Mandarin Oriental Hotel a Barcellona, il W Resort & Spa a Vieques (Porto Rico), i negozi di Gianvito Rossi, gli showroom di Flos e Moroso a Londra e l’allestimento generale del Padiglione Spadolini a Pitti Uomo 2010, a Firenze. Attualmente sta lavorando alla scenografia dell’opera «L’incoronazione di Poppea» di Monteverdi.

Patricia Urquiola was born in Oviedo, in Spain. She has lived and worked in Milan for more than twenty years. She studied at the Faculty of Architecture of the Polytechnic Institute of Madrid and then transferred to its Milan counterpart, where she graduated in 1989 with Achille Castiglioni. In 2001 Patricia opened her design studio in Milan where she works on design, staging and architecture. Some of her products are exhibited in the permanent collections of MoMA in New York and other museums. Her most recent projects include: the Mandarin Oriental Hotel in Barcelona; the W Resort & Spa in Vieques (Porto Rico); Gianvito Rossi stores; Flos and Moroso showrooms in London, and the general staging of the Spadolini Pavilion at Pitti Uomo 2010 in Florence. She is currently working on the staging of the Monteverdi opera “The Coronation of Poppea”.

Marco Piva definisce il suo linguaggio emozionante, fluido e funzionale, firmando le proprie realizzazioni legate all’architettura, al product e all’interior design. Lo sforzo nella ricerca materica e tecnologica, il valore della differenziazione, l’innovazione progettuale sfociano nella fondazione dello Studiodada Associati, la cui produzione diventa una delle più rappresentative del periodo del Radical Design. Negli anni ’80 apre lo Studio Marco Piva, la cui attività spazia dai grandi progetti architettonici alla progettazione d’interni, fino al disegno industriale. Esporta all’estero il suo know how ed è uno dei pochi progettisti italiani che negli Emirati riesce ancora a costruire, infatti, è impegnato nella realizzazione del complesso residenziale Rawdhat Residential Buildings ad Abu Dhabi. Intanto in Italia sta portando avanti il progetto architettonico di ristrutturazione ed ampliamento dell’Hotel Gallia a Milano che terminerà nel 2012.

Marco Piva defines his language as touching, fluid and functional, putting his signature to his creations in architecture, product design and interior design. His hard work in material and technological research, the value of differentiation, and design innovation culminated in the foundation of Studiodada Associati, whose production became one of the most representative of the Radical Design period. The eighties saw the inauguration of Studio Marco Piva, whose activities ranged from large-scale architectural projects to interior design, also including industrial design. Marco completed numerous architectural and interior design projects. Marco exports his know-how abroad and is one of the few Italian designers who still manage to build in the United Arab Emirates. Indeed, he is currently working on the construction of the Rawdhat Residential Buildings complex in Abu Dhabi. In the meantime back in Italy Marco is continuing his architectural project for the restructuring and extension of the Hotel Gallia in Milan, scheduled to end in 2012.

Massimo Iosa Ghini ha studiato architettura a Firenze per poi laurearsi al Politecnico di Milano. Oggi è considerato uno dei migliori architetti e designer italiani di spicco nel panorama internazionale. Disegna collezioni di oggetti e sviluppa art direction per rilevanti aziende di design italiane ed estere. La sua evoluzione professionale come architetto matura nella progettazione di spazi architettonici ed espositivi, installazioni culturali e commerciali, nonché nel design di catene di negozi realizzate in tutto il mondo. Tra i progetti principali più recenti si annoverano i Ferrari Store in Europa, Stati Uniti e Asia; vari hotel in Europa (tra cui a Budapest e Nizza) e gli spazi aeroportuali della compagnia aerea Alitalia.

Born in 1959, Massimo Iosa Ghini studied architecture in Florence and then graduated from the Milan Polytechnic Institute. He is currently considered one the best Italian architects and designers on the international scene. Massimo designs collections of objects and develops art direction for leading Italian and foreign design companies. His professional development as an architect matured in the design of architectural and exhibition spaces, cultural and commercial installations, in addition to the design of store chains all over the world. Massimo’s most recent projects include the Ferrari Stores in Europe, the United States and Asia; various hotels in Europe (including Budapest and Nice), as well as the airport spaces of the Alitalia airline.

Dove trova l’ispirazione per le sue creazioni? Nella mia testa. Incamero tutto quello che mi attrae, che vedo intorno a me, nella vita di ogni giorno, nei viaggi, lo digerisco e si trasforma in qualcos’altro. È un processo in parte istintivo e in parte razionale, analizzando la storia e le caratteristiche dell’azienda con cui lavoro, cercando di capire quali sono gli elementi che è importante mantenere e quelli che invece devono essere messi in discussione.

Where do you get inspiration for your creations? From my head. I appropriate everything that attracts me, everything that I see around me, in everyday life, on my travels; I digest it and it is transformed into something else. It is a partly instinctive, partly rational process, analyzing the history and characteristics of the company you work for, trying to understand which elements are important to maintain and which, on the other hand, must be questioned.

Ci descriva il suo ‘stile’ nel modo in cui lo farebbe un suo amico. Non ho uno stile. In ogni progetto riparto da zero. Ma amo il processo, quel percorso severo che c’è dietro ogni prodotto.

Describe your “style” to us as you would to a friend. I don’t have a style. I start from zero in every design. But I love the process, that strict course behind every product.

Qual’é il progetto a cui si sente maggiormente legata e perché? Amo tutti i progetti che ho fatto, come se fossero i miei figli, non riesco a fare classifiche. Se sono stati prodotti è perché ne ero convinta. Altrimenti non li avrei firmati. E ognuno di loro mi dà delle soddisfazioni diverse.

Which design you feel particularly attached to and why? I love all my designs as if they were my children, I couldn’t decide between them. If they were produced it was because I was convinced about them. If not I wouldn’t have put my signature to them. And each of them givs me a different kind of satisfaction.

Qual’é il suo tipo preferibile di cliente e per chi si rifiuterebbe di lavorare? Preferisco le relazioni in cui si riesce a lavorare “a quattro mani”, in cui c’è un apporto biunivoco. Non riuscirei a lavorare con chi non si sa innamorare del prodotto. Osservando come sono vestite le donne, c’è qualcosa nella moda che le piacerebbe sperimentare? Ci racconti la sua esperienza con Ferragamo. La moda è un mondo fantastico che adoro, ha delle importanti valenze sociologiche ed è uno strumento per rappresentare la

What is your favorite kind of client and who would you refuse to work for? I prefer it where you can work directly with the client, where there is a one-to-one relationship. I wouldn’t be able to work with someone who can’t fall in love with the product. Looking at how you dress women, is there something you would like to experiment with in fashion? Tell us about your experience with Ferragamo. Fashion is a wonderful world that I love. It has important sociological values and it is a tool used to represent our identity. It is sector which, like jewels and jewelry, needs long and constant research. The experience of the bag made with Ferragamo was the result of an appeal for a designer who was able to interpret the materials and who did good research. Perhaps accessories design is closest you can get to product design.

above bag, ferragamo, 2010. right comback chair, kartell, 2010. opposite page SETTING, PITTI UOMO, 2010

nostra identità. È un settore, come quello dell’oreficeria o della gioielleria, che necessita di una lunga e costante ricerca. L’esperienza della borsa fatta con Ferragamo è il risultato del fascino per un progettista che ha saputo interpretare i materiali, che ha saputo fare ricerca. Forse gli accessori sono la tipologia che più si avvicina al product design. Adesso siamo tutti concentrati su prodotti che siano naturali ed ecosostenibili. Quanto contano per lei le tecnologie, la ricerca e la sperimentazione: cosa viene prima, innovazione o funzionalità? Credo che sia importante una sostenibilità mentale. Non c’è una soluzione univoca. Un brutto prodotto fatto con materiale riciclato è comunque un brutto prodotto. Un oggetto può essere sostenibile riuscendo ad essere contemporaneo per un lungo periodo, creando desiderio o piacere in diverse delle sue possibili “vite”. Possiamo consumare anche in modo virtuale, senza possedere un prodotto o condividendolo. Ci sono mille direzioni su cui lavorare, ma la più importante è sicuramente quella comportamentale.

Nowadays we are all focused on natural and eco-sustainable products. How much do technology, research and experimentation count for you? Which comes first, innovation or functionality? I think mental sustainability is important. There is no unequivocal solution. An ugly product made with recycled material is still an ugly product. An object can be sustainable by being contemporary for a long time, creating desire or pleasure in many of its possible “lives”. We can also consume in a virtual manner, without owning a product or sharing it. There are thousands of directions to work in, but the most important is certainly behavioral.

A cosa sta lavorando in questo momento? Sto lavorando alle più diverse idee e prospettive quali una scenografia per un’opera classica, un hotel, il concept per Pitti Uomo, una casa, un cellulare, un concept retail, una cantina vinicola, dei contenitori, un tappo per champagne, un tappeto, una serie di rubinetti, dei bicchieri, delle sedute, un bar, dei negozi ed una spa.

What are you working on at the moment? I am working on many different ideas and prospects, such as the scenery design for an opera, a hotel, the concept for Pitti Uomo, a house, a cell phone, a retail concept, a winery, some containers, a champagne cork, a rug, a series of water taps, some glasses, chairs, a bar, some shops, and a spa.

Se non fosse un designer, cosa amerebbe fare? Credo sarebbe divertente occuparmi di cinematografia

If you weren’t a designer what would you like to do? I think it would be fun to do cinematography.

Quale è la sua specialità? Io sono da sempre interessato a tutti gli aspetti legati al progetto, dalla grande scala, ovvero il disegno del territorio della città, alla scala più piccola e specifica dei piccoli oggetti d’uso, passando per l’architettura e l’interior design. Se esiste un aspetto specialistico del mio lavoro è forse quello legato ad una ricerca continua sugli aspetti tecnici, funzionali, compositivi ed espressivi che possono condurre alla realizzazione di un’opera che comunque sia in grado di esprimere un modo di essere architettura, spazio abitativo o oggetto in un insieme di qualità estetiche, funzionali ed emozionali. Come definirebbe il suo stile di design? Ho sempre cercato di esprimermi senza cercare di impormi uno “stile” che potesse essere necessariamente riconosciuto. Ma anche non volendo credo che il mio percorso conduca inevitabilmente a un desiderio di riduzione, di misura attenta, di avvicinamento a forme essenziali, armoniose ed eleganti. Un processo di esclusione del superfluo, del ridondante, un percorso che parte da ragioni profonde sulla necessità di esprimere un nuovo oggetto o un nuovo prodotto, sui suoi aspetti funzionali, prestazionali, emozionali ed etici. In quali settori vorrebbe sperimentare? Sono aperto a tutto ciò che è nuovo e stimolante e non desidero essere limitato ad ambiti dove tipicamente il design, quello maggiormente riconosciuto, si colloca. Desidero sperimentare sempre nuove forme, nuove funzionalità; sono attirato dagli oggetti più semplici ed essenziali, ma anche da prodotti con alta carica tecnologica. Forme, colore, concetto: da dove inizia di solito? Non esiste per me un approccio sistematizzato al progetto, talvolta inizio da una sensazione tattile o visiva, talvolta da una richiesta

What is your specialty? I have always been interested in all aspects linked to design, from a large scale, i.e. designing a city landscape, to smaller scale, specifically small objects to be used, and also architecture and interior design. If there is a specialist aspect to my work perhaps it is ongoing research into technical, functional, compositional and expressive features which can lead to the creation of a work that can express a way of being for architecture, living spaces or objects in a conglomeration of aesthetical, functional and emotional qualities. What got you interested in design? What always drew me to design was its need to be linked to not only formal and functional, but also semantic and social, research and experimentation. I am interested in the overall sense an object or product expresses, along with their ability to intercept aesthetic and performance expectations expressed by individuals or society in general. Which sectors would you like to experiment in? I am open to everything that is new and stimulating; I don’t want to be limited to spheres where design – the more widely-recognized design – is typically collocated. I want to always experiment with new forms, new functionalities; I am attracted to simpler and more basic objects, but also products with a high technological charge. I believe there are new spaces for experimentation in home design just as in the design of new orbital stations. The entire artificial world can and must be designed better.

above brera shelf, altreforme. opposite page marco piva sitting on Double Life, Meritalia

specifica, altre volte da uno studio non necessariamente mirato a configurare qualcosa di specifico, ma, quando il processo si mette in moto, cerco di recuperare informazioni, di studiare esperienze precedenti, di indagare aspetti storici, sociali, concettuali. Fin dove i suoi progetti riflettono la sua personalità? Sono attratto dalla bellezza, dall’eleganza della semplicità, da tutto ciò che è in armonia con la natura e l’ambiente e che crea a sua volta armonia, benessere e piacere. Cerco di perseguire questi aspetti creando architetture e luoghi che siano accoglienti, piacevoli, in parte scenografici e misuratamente stupefacenti. In questo momento qual’è il lavoro o progetto che sogna di poter fare? L’elenco risulterebbe interminabile, ma ancora mancano nel mio palmares progettuale un ponte (non necessariamente quello sullo stretto, ma possibilmente di lunghezza equivalente) e una chiesa e, relativamente ancora ad architettura e design, una stazione permanente sulla Luna e il progetto di un treno: penso che li saprei disegnare in modo assolutamente magistrale.

Form, color, concept: where do you usually start from? For me there is no systematic approach to design; at times I start from a tactile or visual feeling, at times from a specific request, other times from a study that is not necessarily targeted at something in particular. But where the process is underway, then I try to gather information, study previous experiences, and investigate historical, social, and conceptual aspects. To what degree do your designs reflect your personality? I am attracted to beauty, the elegance of simplicity, everything that is in harmony with nature and the environment and that, in its turn, creates harmony, wellbeing and pleasure. I try to pursue these aspects by creating architecture and places that are welcoming, pleasant, partly spectacular and stunning in moderation. At the moment what project or design do you dream of doing? The list would be endless, but my design portfolio still lacks a bridge (not necessarily across the straits, but possibly of the same length) and a church and, again relating to architecture and design, a permanent station on the moon and a train: I think I would be able to design them brilliantly.

Dove trova l’ispirazione per le sue creazioni e come gestisce il processo creativo? La creatività nasce da una necessità e dalla reazione a un problema. Ci sono vari modi di reagire: è vero che a me non piace drammatizzare ma questo comunque non giustifica il lasciare spazio a soluzioni poco pensate. Talvolta si hanno le idee migliori in pochi attimi, ma poi serve un sacco di tempo per demolirle per bene e ciò che esce dai ruderi di questo processo spesso ha l’apparenza metaforica della pietra preziosa. La cultura orientale l’ha in qualche modo influenzata? In Giappone negli anni 80 ho visto realizzate in 3d molte delle mie idee architettoniche, palazzi bianchi e architetture smaltate iconografiche: sintesi tecniche straordinarie. L’oriente ha una cultura basata sulla sintesi del segno, sulla simbologia. Io dall’oriente ho imparato a perseguire un progetto che sappia integrare la tecnologia ad un linguaggio generato dalla estetica umanistica e del naturale. Qual’è il prodotto di industrial design più inutile della storia e quello che invece ritiene essere il più geniale? Personalmente ritengo che molti degli oggetti di oggi potrebbero anche non esserci. Io seguo una igiene della produzione di progetti lasciandoli maturare lentamente: per dare senso a un nuovo prodotto va ispessita la ragione della sua esistenza. Quanto ritiene importante far rivivere il passato? Non lo ritengo di per sé importante: è un processo automatico che vive in noi con la memoria senza la quale il presente perde senso. Per questo è quasi automatico conservare memoria e disegni di quello che le aziende non producono più e – quando serve - poterli rieditare.

Where do you get inspiration for your creations and how do you manage the creative process? Creativity is born from a need and the reaction to a problem. There are various ways to react; it’s true that I don’t like to dramatize, but this does not justify giving way to solutions that haven’t been thought out well. At times you get the best ideas in just a few seconds, but then you need lots of time to dismantle them well. What comes out from the remains of this process often has the metaphorical appearance of precious stones. Has Oriental culture influenced you in any way? In Japan in the eighties I saw lots of my architectural ideas realized in 3D, white buildings and iconic enameled pieces of architecture: extraordinary technical syntheses. With the onset of the first sustainable buildings, I understood that a certain kind of architecture would have arrived in Europe sooner or later. The Orient has a culture based on the synthesis of signs, symbols. From the Orient I learned to pursue a design that is capable of integrating technology into a language generated by humanistic aesthetics and nature. What is the most useless industrial design product of all time and which do you think is the most genial? I personally think that we could do without many of the objects designed nowadays. I practice the sanitation of design production, leaving it slowly mature: to give meaning to a new product the reason for its existence must develop. How important do you think it is to relive the past? I don’t think it is important in itself: it is an automatic process which lives within us with our memory without which the present would have no sense. So it is almost automatic to keep memories and designs of what companies no longer produce and – when needed – to be able to re-edit them.

A cosa sta lavorando in questo momento? Mi sto occupando molto delle luci, che stanno subendo una forte evoluzione nel passaggio dalla lampadina al led.

What are you working on at the moment? I am working a lot on lighting, which is undergoing a dramatic evolution in the transition from light bulbs to led.

C’è qualcosa nella moda che le piacerebbe sperimentareo cambiare? Gli spazi della moda mi appaiono troppo uguali, fatico a distinguerli l’uno dall’altro: penso ci sarebbe molto da fare per renderli riconoscibili con un appealing più fresco, che tenga in considerazione anche il risparmio.

Is there something you would like to experiment with or change in fashion? I think fashion spaces are too similar; I have trouble telling one from another. I think there would be great work involved in making them recognizable with a fresher appeal, also keeping cost-cutting in mind.

Quali i suoi consigli per i giovani designer alle prime armi? Lavoro e umiltà, tenendo dritta la barra delle proprie idee. Se non fosse un designer, cosa amerebbe fare? Ultimamente, con mia moglie, accarezziamo sogni agricoli di produzione nostrana di birra utilizzando processi artigianali che partono dalle castagne appenniniche: ha un sapore straordinario, davvero unico, dovreste provarla. In questo momento qual’è il lavoro o progetto che sogna di poter fare? Mi sento maturo per intensificare l’attività architettonica, in cui inserire progetti d’interior e di design nella pura tradizione italica del lavoro in senso orizzontale. Nel 2000 per l’Expo di Hannover ho progettato la Main Station della metropolitana della città tedesca: mi auguro di essere tra gli interpellati per quella meravigliosa occasione che è costituita dall’Expo a Milano 2015.

above E-Wood, SNAIDERO opposite page Ferrari Factory Store, Serravalle Scrivia, 2009

What advice do you have for young designers starting out? Work and humility, always keeping their ideas straight. If you weren’t a designer what would you like to do? Recently my wife and I have been toying with agricultural ideas of homemade beer using artisan processes which start from Apennine chestnuts. It has an amazing flavor, truly unique. You should try it. At the moment what project or design do you dream of doing? I feel ready to intensify my architectural activities, including projects of interior design and design in the pure Italian working tradition. For the Hannover Expo in 2000 I designed the Main Station of the German city’s subway. Now I hope to be involved in the wonderful opportunity created by the 2015 Expo being held in Milan.

MILANO DESIGN WEEK 2010 PRODUCTION AND REACTION

By Marco Bravo Pictures by Matteo Scarpellini

Reagire alla crisi è un imperativo trasversale ad ogni settore produttivo, e per sua natura, il design è quello che dovrebbe dare per primo l’esempio. La Design Week di Milano, consolidata come principale evento mondiale del settore, acquista quindi in questi ultimi anni il duplice ruolo di playground, in cui promuovere le novità da un lato, e di momento di riflessione e dibattito sugli esiti di nuove strategie e nuovi modi di fare design, indicando gli scenari possibili per la ripresa e lo sviluppo del settore. Il reportage di Fashiontrend dedicato alla Milano Design Week 2010 rappresenta un percorso ideale che parte dalle novità presentate al Salone del Mobile dalle grandi aziende, per passare agli showroom di tendenza a quelli di ricerca, dalle idee più giovani presentate al Salone Satellite, sino ad alcune espressioni di ricerca più estreme e provocatorie. Dalla produzione alla reazione, appunto. “React to the crisis” is an across-the-board imperative for every productive sector, and by its nature, design should be the first to set an example. Well-established as the main event of this sector worldwide, in these last few years the Milan Design Week has gained the double role of playground, on the one hand to promote new design and, on the other to provide a moment of reflection and discussion on the results of new strategies and new ways to make design, indicating the possibilities for the renewal and development of the sector. The Fashiontrend report dedicated to the Milan Design Week 2010 represents an ideal journey which starts from the new designs of the famous brands presented at the Milan Furniture Fair, the creations of the trendiest showrooms and the youngest ideas presented at the Satellite Fair, up to discovering some of the most extreme and provocative expressions. Basically, from production to reaction.

AGAPE AL26.98 ARTEMIDE FRATELLI BOFFI CASAMANIA DIESEL WITH FOSCARINI DRIADE EDRA ESTABLISHED & SONS FLOS HORM KARTELL KVADRAT LAGO LUCEPLAN MAGIS MDF ITALIA MERITALIA MOOOI MOROSO NATUZZI PARRI POLIFORM PLANK PORRO SIMAS SKITSCH TOM DIXON VARASCHIN XO

ENTRATALIBERA BEVISIBLE+ 13798 GRAMS OF DESIGN DESIGNERSBLOCK WERNER AISSLINGER / DMY BERLIN DROOG ELLENBERGER DESIGN FREDERIK ROIJÉ ENOKSSON/BOLDT/HINNERUD GEKE LENSINK IN RESIDENCE LISA HILLAND MIA LERSSI KASPER SALTO LOUISE HINDSGAVL MATHIAS BENGTSSON SØREN ULRIK PETERSEN MARAMA YVONNE FEHLING & JENNIE PEIZ ON/OFF SCHOLTEN & BAIJINGS PECA ROYAL COLLEGE OF ART IN LONDON SAMARE SANDER MULDER

Benedini Associati, Ottocento

AGAPE agapedesign.it Benedini Associati, o.j.c. - com 500 Â Â

AL26.98 al2698.com

Studio Centazzo, Arge, Fagus, Ginko

ARTEMIDE artemide.com

Carlotta de Bevilacqua and Paolo Dell'Elce, Copernico Carlotta de Bevilacqua, Tian Xia Ross Lovegrove, Aqua Cil Ross Lovegrove, Mercury Ross Lovegrove, Cosmic Landscape

FRATELLI BOFFI fratelliboffi.it Nigel Coates, Animalia

pUDELSKERN, GRANNYv

CASAMANIA casamania.it

Fabio Novembre, Abarth

Sam Baron, Philippe

DIESEL WITH FOSCARINI diesel.com

Pett / Perf

Fabio Novembre, Nemo

DRIADE driade.com

Ludovica e Roberto Palomba, Grand Plié, Plié, Piaffé

Francesco BinfarĂ¨, Brenno

EDRA edra.com

Fernando and Humberto Campana, Campana

Fernando and Humberto Campana,Â Cabana

ESTABLISHED AND SONS establishedandsons.com

Industrial Facility / Sam Hecht, Chair Scholten & Baijings, Butte Tuna Estd collection, Spin Sylvainz Willenz, Torch Light Raw Edges / Shay Alkalay, Stack

FLOS flos.com Ron Gilad, Wallpiercing

HORM horm.it

Sebastian Errazuriz, Sinapsi Mario Bellini, Ki Diego Vencato, Lieve Salvatore Indriolo, Albino

KARTELL kartell.it Philippe Starck with Eugeni Quitllet, Masters Philippe Starck with Eugeni Quitllet, Magic Hole, Magic Hole Sofa

KVADRAT kvadrat.dk

Patricia Urquiola and Giulio Ridolfo, The Dwelling Lab

LAGO lago.it Daniele Lago, Air

LUCEPLAN luceplan.com Francisco Gomez Paz and Paolo Rizzatto, Hope Â

MAGIS magisdesign.com Jerszy Seymour, Flux Jaime Hayon, Piña Tom Dixon, Mesh Thomas Heatherwick, Spun Marcel Wanders, Sparkling

MDF ITALIA mdfitalia.it

Jean Marie Massaud, Achille

MERITALIA meritalia.it

Neri & Hu, Emperor Table Lamp Arihiro Miyake, Miyake Lamp Maarten Baas, Smoke Dining Armchair Nika Zupanc, 5 O'Clock Table and Chairs

MOOOI moooi.com

Gaetano Pesce, Edizioni del Pesce Lamps Gaetano Pesce, Senza Fine Armchair

MOROSO moroso.it Front, Wood Chair Patricia Urquiola, Rift Nipa Doshi and Jonathan Levien, Paper Planes Patricia Urquiola, Silver Lake

NATUZZI natuzzi.com Classic design by Natuzzi

PARRI parridesign.it

Marco Maran, 3X2, Caramella

POLIFORM poliform.it

Jean-Marie Massaud, Wallace Paolo Piva, Axia Paola Navone, Bed Bug

PLANK plank.it

Konstantin Grcic, Monza

allace

PORRO porro.com

Front, Mirror table

SIMAS simas.it

Terry Pecora, E-line Gold: Frozen, Arcade Platinum: Bohémien

SKITSCH skitsch.it

Marcel Wanders, Sofa bed Jean-Marie Massaud, Asap Marc Sadler, Madeira

Lean Table Lights Slab Tables

TOM DIXON tomdixon.net Beat Lights Step Lights Etch Lights

Mario Mazzer, Scacco_system

VARASCHIN varaschin.it

Philippe Bestenheider, Kente_family

XO xo-design.com

Marcel Wanders, Babel Philippe Starck, Mi Ming Karim Rashid, Kareames

LA FORBICE I segnali emersi con chiarezza dalla Milano Design Week 2010 vedono da un lato una maggior attenzione e consapevolezza verso il risparmio, con la voglia di conquistare una nuova fascia di clientela, dall’altro, come sempre, la meraviglia e il lusso, l’illusionismo e la sperimentazione. Mai come dopo l’anno della grande crisi, che nel 2009 non ha risparmiato l’arredamento, la forbice tra questi due mondi sembra essersi allargata così tanto. Così, se le aziende del settore hanno offerto in questa 49° edizione campionari più attenti al rapporto qualità-prezzo, nessuno tra i big del comparto sembra rinunciare però per questo a presidiare la fascia più alta del mercato. La crisi, oltre ad avere fatto calare l’anno scorso il fatturato del settore legno-arredamento dai 40 miliardi di euro del 2008 a poco più di 32 miliardi, ha anche rallentato il processo creativo. Molti, infatti, si sono rifugiati nella rivisitazione dei cataloghi esistenti, puntando sui classici del design e limitandosi a dare una rinfrescata, per così dire, al proprio campionario. Ciononostante sono stati comunque numerosissimi, più di 10 mila, i nuovi prodotti presentati dagli oltre 2.500 espositori nei padiglioni di Fieramilano. Carlo Guglielmi, Presidente di Cosmit, si dice molto soddisfatto dei risultati raggiunti (soprattutto in termini di attenzione per quanto riguarda il Salone del Mobile, che ha visto un incremento di operatori accreditati del sette per cento), benché rimanga ancora molto da fare per riparare ai danni provocati dalla crisi economica: “… spero che il cambio epocale imposto da questa crisi riaccenda l’attenzione sul mondo della produzione. In Italia servono riforme strutturali.” DIVERGENCE The clear signals which emerged from Milan Design Week 2010 show a greater caution and consciousness towards saving, with the desire to gain new customer brackets, together with the usual attention to wonder and luxury, illusionism and experimentation. Never before as after the year of the big crisis – which in 2009 did not spare the world of furnishing – has the divergence between these two worlds seems to be so vast. So, while the companies of the sector have exhibited collections more attentive to the quality-price ratio during this 49th edition, none of the most famous brands appear to renounce on being present on the higher level of the market. Apart from decreasing the turnover of the wood-furnishing sector from €40 billion in 2008 to about €32 billion last year, the crisis has also slowed down the creative process. Indeed, many companies turned to reviving their back catalog, aiming at design classics and stopping at just refreshing their collections. Nevertheless, there were tons of new products presented, more of 10 thousand, by the more than 2,500 exhibitors inside the pavilions of Fieramilano. Carlo Guglielmi, President of Cosmit, was really satisfied of the results obtained (above all in terms of the Milan Furniture Fair, which saw a 7% increase in operators), although there is still a lot to be done to repair the damage provoked by the economical crisis: “I hope that the epochal change imposed by this crisis will rekindle attention for the world of production. We need structural reforms in Italy.”

ENTRATALIBERA entratalibera.mi.it

entratalibera showroom setting by bruno rainaldi

BEVISIBLE+ AT NHOW HOTEL bevisibleplus.tv

Project by Antonello Dâ&#x20AC;&#x2122;Egidio & Walter Vallini Visual communication by Francesca Di Giorgio & Marco Anello

TREND 2010 Gli showroom di tutti i principali brand sono rimasti aperti, tra aperitivi e dimostrazioni, per coinvolgere il pubblico e spiegare novità tecnologiche e sensoriali che stanno cambiando il nostro modo di vivere la casa e lo spazio. Due esempi su tutti: la cucina e il bagno, con tutti gli annessi e connessi. Le cucine diventano iper-tecnologiche, con moduli a scomparsa, ricche di colore e rifinite in materiali pregiati: l’acciaio delle cappe a vista (che diventano vere e proprie componenti estetiche) si accosta così alla pietra grezza dei piani di lavoro. Ma possiamo trovare alternative interamente in vetro - satinato o lucido, anche colorato - protetto da particolari lavorazioni che lo rendono resistente alle alte temperature e agli urti. Il grande tema affrontato dai designer rimane il risparmio energetico, congiuntamente alla riciclabilità dei materiali. Il bagno invece si trasforma in una spa domestica, invitando l’utente a vivere la propria intimità all’insegna della massima comodità e del benessere, circondati da docce a cascata - con led incorporati per sfruttare i vantaggi della cromoterapia. L’attenzione ai dettagli suggerisce uno sviluppo intorno a forme circolari e morbide di rubinetti e getti, studiati ergonomicamente per rispondere alle esigenze dell’utente. I trend del 2010 rispondono a tre semplici principi: misura, comfort, natura, per abitare una casa progettata intorno all’uomo. La modularità torna a semplificare la vita: pochi pezzi e qualche variazione (dimensione, colore, materiale) consentono di arredare dai monolocali ai grandi loft. Si affermano sensorialità e benessere, veicolati da materiali scelti con una nuova consapevolezza. TREND 2010 All the showrooms of the main brands were open, between aperitifs and events, to involve the public and explain new technological and sensory innovations which are changing our way of living in the home and spaces. Two examples: the kitchen and the bathroom, with all that comes with them. Kitchens become hyper-technological, with folding modules, enriched in color and finished with fine materials: the visible steel of the extractor fan (which becomes a real aesthetic component) matches well with the rough stone of the counter-tops. We can also find kitchens completely made in glass – colored glasses, glazed or polished – protected by special finishing which makes it resistant to the highest temperatures and knocks. The main subject tackled by designers remains energy saving, together with recycling of materials. The bathroom is transformed into a domestic spa, inviting users to experience their intimacy by enjoying the greatest comfort and wellbeing, surrounded by waterfall showers – with inbuilt led to enjoy the advantages of chromotherapy. The meticulous care for details such as taps and fittings suggests a design of round and soft shapes, ergonomically studied to meet to users’ needs. The trends of 2010 meet three simple principles: measure, comfort, and nature, to live in a house designed around man. Modularity returns to simplify life: just a few pieces and some variations (dimensions, colors, materials) are suited to furnishing both the smallest apartments and the largest lofts. Sensibility and wellbeing are maintained, guided by materials selected with a new awareness.

13798 GRAMS OF DESIGN - at Lambretto Art Project lambrettoartproject.com

Exhibition curated by Maria Cristina Didero and Susanna Legrenzi

designersblock exhibition at revel scalo d'isola

DESIGNERSBLOCK verydesignersblock.com

WERNER AISSLINGER at DMY Berlin aisslinger.de NETwork 3D stitching furniture

DROOG droog.com

Saved by Droog exhibition at galleria spazio mazzotta

ELLENBERGER DESIGN ellenbergerdesign.de

FREDERIK ROIJĂ&#x2030; roije.com

private space

Metrobowl - Amsterdam/New York

ENOKSSON/BOLDT/HINNERUD danielenoksson.com lucaseh.com

cut project

forward to basic exhibition

GEKE LENSINK gekelensink.nl

IN RESIDENCE inresidence.it

Ten Small Atlases Exhibition

LISA HILLAND lisahilland.com

exhibition at salone satellite

MINDCRAFT10 danishcrafts.org

MIA LERSSI mialerssi.com Would You?

KASPER SALTO saltosigsgaard.com Yellow Fin

MARAMA marama.it

exhibition and performance at salone satellite

LOUISE HINDSGAVL louisehindsgavl.dk The Pet

SØREN ULRIK PETERSEN Sup.dk y?Mobile MATHIAS BENGTSSON bengtssondesign.com Paper Chair

YVONNE FEHLING & JENNIE PEIZ kraud.de

Stuhlhockerbank

prototypes at salone satellite

ON/OFF d-vision.co.il

Paper Table (porcelain)

SCHOLTEN & BAIJINGS scholtenbaijings.com

PECA peca.com.mx

llum_prototype

ROYAL COLLEGE OF ART IN LONDON rca.ac.uk

all images from the Hotel RCA Exhibition

pays d'en haut, collection 2010

SAMARE samare.ca

continue time

SANDER MULDER sandermulder.com

FASHIONTREND n°28 MAGAZINE

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Elena Banfi, MARCO BRAVO, Peter Cardona, Elisabetta Casagrande, Silvia Criara, Nicola Del Verme, Ali Filippini, Fabiana Gilardi, Roberta Molin Corvo, Soledad Navone, Giacomo Simoni, Stefano Spinetta, Matteo Spinola, Tommaso Toma, Elena Valdini

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Paola Tamburelli Manos Samartzis Managing Editor

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Autorizzazione del Tribunle di Milano n. 150 dell’11 Marzo 2003

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