Revista Ikone

HUNDERTWASSER // REEBOK // MANUEL H. // BENETTON // PIELROJA // THE PANTON CHAIR // BANG & OLUFSEN ETNIES // LOLLAPALOOZA // SPIROS STATHOULOPOULOS // ZARA // SAMSONITE

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Winter 2008-2009

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THE STRANGER:

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ARTILUGIO:

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CHRÔMA:

Hundertwasser El Médico de la Arquitectura Protection Padlock Bicyclette Rouge

32 GADGET OR LETHAL WEAPON? By Corky 34

FOCUS Rebook Freestyle – Siempre Clásico

42 LOGICAL SOUND 48 BOOKSTORE 54 ¡WHO! Manuel Hernandez – Fotógrafo a Usanza 58 TM Bennetton – Dos Ciclos Toscani 64 KITSH 70 THE COLLECTOR 74 GADGET CIGARETTE LIGHTER - LIGTHER winter

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Dahon MU P8 la plegable azul $ 1.430.900

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MADE IN

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DESIGN. Panton: Icono con

PIELROJA Tradición Hecha Imagen Nombre Propio

102 – 103 GADGET LANTERN

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TECH- “Serenata” de Bang

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BEFORE – NOW

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TRAILER Un Filme Hecho

& Olufsen

THE FEST – Lollapalooza.

Consecuencia de un Divorcio

de PVC

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IKONE Headquarters

138 GARAGE SALE 140 A-Z

Todo el contenido fotográfico es autoría de Federico Bayona excepto imágenes suministradas por los autores o representantes.

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Timberland us$ 135

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Publishers: CATALINA ARANGO HOYOS FEDERICO BAYONA ARIEL C ZALDÚA Directora General: CATALINA ARANGO HOYOS Catalina.arangoh@gmail.com

us$: 80.000

Editor General: RICARDO A. VÁSQUEZ MORENO Ikonemag.ricardovasquez@gmail.com

EDITORIAL

Es osada la afirmación de que no hay nada oculto bajo el sol y el equipo de IKONE Magazine se propuso demostrar lo contrario. Los medios escritos aun no han dado la última palabra y si publicar ganando adeptos con senos, escándalo o la papaya del jeep set es arriesgado, pretendemos que más aun lo sea ofreciendo cultura, arte, moda, producción juiciosa y una propuesta grafica a la altura de los mejores catálogos y revistas del primer mundo.

Si su entusiasmo es la mastasia, la blasfemia o el paparazzo seguramente no sentirá afinidad con nuestra concepción que además de no regodearse con lo banal, de lejos contempla la posibilidad de un contenido rosa y se aleja más aun del amarillismo como formula editorial.

Existen otras posibilidades. Las viejas publicaciones se reinventan y las que nacen, como nosotros, concebimos la escasa o nula presencia de creatividad e independencia a manera de herramienta para nuestro trabajo. Queremos darnos y ofrecer a nuestros lectores la oportunidad de otra opción.

Ricardo A. Vásquez Moreno Editor General.

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Director de Fotografía: FEDERICO BAYONA fedefotostudio@ gmail.com Directora Comercial: NATALIA CORREDOR. nataliacorredor@gmail.com Corrector de Estilo: MARIO MÉNDEZ. Traducción de Textos: ISABEL ESTRADA BAENA Colaboradores: Frederique Auge, Natalia Espítia Perilla, Katharina Boehm, Andrea Fürst, Pierre Restany, Luis Carlos Zambrano, Miguel Angel Jiménez, Jhon Prado, Luis Alejandro Cuellar, Manuel H. Rodríguez, Andrés Chiribí, Constanza Jurado, Cristina Cuturi, Felipe Agudelo, Beatriz Barney, Guillermo Bayona, Manuel Botía, Liz Huertas, Luis Herrera, Brent Koops, John Marín, Carlos Ordoñez, Mauricio Calderon, Gustavo Oviedo, Heinz Dienez, Robin Curtis, Juan Pablo Rincón, Eric Solomon, Pía Barragán, Martha Ligia Parra, Diego Andrés Jiménez, Carlos Acevedo, Ricardo Martínez, Adriana Acevedo.

La opinión expuesta por los columnistas y colaboradores no comprometen la posición de IKONE Magazine.

Los precios de los productos están sometidos a cambios por parte de sus distribuidores al igual que la disponibilidad de los mismos.

Todos los derechos reservados. Prohibida la reproducción total o parcial sin previa autorización de IKONE GROUP

A partir de hoy, IKONE está en sus manos.

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Diseño Grafico original Dirección de Arte: ARIEL C ZALDÚA arc2grafico@gmail.com

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MANUEL H Fotografiado por Federico Bayona para 1konemag c 2008

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RESPONSABLE DE:

SE BUSCA! 017

018 HARDTOPS

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020 THE STRANGER

Hundertwasser: El artista, el médico-arquitecto y el ecologista austriaco más influyente de la era post-Klimt

Cientos de Aguas

Hundertwasser Entre pieles, cielo, mar y sub-suelo.

Friedrich Stowasser nace en Viena el 15 de diciembre de 1928 y el hecho de ser medio ario, por la condición de su padre, que extendió a su esposa judía, hizo que ambos se salvaran del exterminio propio del “Anschluss” –la adhesión de Austria al III Reich– en 1938, sin que ocurra lo mismo con el resto de su familia materna, que fue exterminada en su totalidad.

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Dando visos de independencia y, a manera de sello personal, decide jugar con las palabras de su natal idioma alemán y se autodenomina Hundertwasser, que significa “Cien aguas”, seguido de Friedensreich y Regentag, es decir, Hundertwasser entre el reino de la paz y el día de lluvia, o “Reino de Paz, Cientos de Aguas”. Dos de los estados de gracia con que se sentía satisfecho a plenitud.

Llegar solo a París, la ciudad residencia de la élite artística mundial, no fue fácil si se tiene en cuenta que, como muchos que apenas empiezan, Hundertwasser únicamente

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Hundertwasser 021

llevaría material de trabajo y el sueño de darse a conocer.

En René Brô –a quien conoció en Italia– encuentra a su cómplice artístico-intelectual, compartiendo además su estadía en la capital francesa en 1949, bajo la tutela de la familia Dumage en Saint-Mandé.

Los 50 en París eran años de exotismo en el vestir, y para Hundertwasser la oportunidad de volver a épocas de antaño en las cuales los pintores eran pobres mezclados con presumidos dandies y que hacían de sus atuendos un tiquete de aceptación social y su relación con el status.

A partir de discursos y manifiestos –a los que con frecuencia se presentaba desnudo–, Hundertwasser quiere crear conciencia de la relación entre arte, artista, espectador y medio ambiente, en lo concerniente a nuestra responsabilidad y reconciliación con el planeta, traspasando incluso los límites atmosféricos.

Esta reflexión se traduce en la confección por propia mano de piezas creativas, originales, dándole ese sello personal de ser creador y portador de una segunda piel orgullosamente única.

Primera de cinco pieles: La Epidermis

La describe como la zona membranosa más cercana al yo interior, la que encarna la desnudez del hombre y el pintor. Más arraigado a este precepto y con una conciencia autónoma, va más allá y describe su mirada ‘transautomática’ como aquella que lanza al mundo y comienza en su propio ombligo, recorre la naturaleza contigua y termina en el mismo lugar donde empezó.

Para él, la epidermis no es sólo el recubrimiento de los músculos sino también su infancia, puesto que se recordaba como un niño distraído y de lenta reacción. “Como hijo único, me sentía responsable hacia los demás, quería demostrarles que sabía pensar, actuar, ser… mejor”.

Esta autoaceptación lo encaminó a la felicidad como parte de la belleza, y ésta a la vez integrada arquitectónicamente en forma elemental y orgánica.

Segunda Piel: La Ropa.

Por influencia de Brô - de quién admira su forma de vestir por su libertad creativa, que es, según su propio dictamen, el verdadero compromiso de autonomía existencial - deja de lado sus trajes, sus camisas y sus corbatas, para diseñar sus propios atuendos y readecuar los que a su juicio merecían una segunda oportunidad.

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Su concepción en esta área era tan sorprendente que aplicó la reversibilidad a muchas de sus prendas.

Una camisa, un pantalón o una chaqueta se constituían de la misma confección, idéntico material. No existía un mal corte, una puntada burda o dobladillos tipo serrucho.

Su desamor por la línea recta se hace visible en el contraste de prendas elaboradas con telas a rayas pero sin planchar, para mitigar la rectitud óptica de los trazos. “La línea recta es atea”.

Años después, en un texto escrito por él entre 1982 y 1983, denuncia los tres grandes males que aquejan a la segunda piel: Uniformidad, confección simétrica y despotismo de la moda.

022 THE STRANGER

Tercera piel: La Vivienda

“El arte por el arte es una aberración; la arquitectura por la arquitectura es un crimen”.

La arquitectura estándar no debe considerarse como arte, y que, para ser tenida en cuenta como tal, el mínimo precepto sería la personalidad de sus habitantes, ésta a la vez aplicada a la estética y su apropiación con la naturaleza.

Su utopía ecologista no rindió los frutos en masa que el pretendía, pero sus edificios y sus proyectos particulares y estatales no carecieron de ese sello particular que él pretendía: devolverle a la ciudad la posibilidad de respirar mejor aire y ser un pulmón que sobrepasara las fronteras austriacas.

En la realización concreta de sus esculturas habitables, la premisa del color contrasta con la exuberancia del rojo, el amarillo, el verde, el azul, y hasta metales dorados o plata con colores arenosos y grisáceos.

Su compromiso ecológico con el planeta iba de la mano del deseo de inundar la ciudad de humus en las paredes, césped en los techos y el derecho a respirar aire puro, derecho que sólo se tenía plantando un árbol por cada habitante.

Cuarta piel: El Entorno Social y la Identidad

Huérfano de padre, hijo único y sin familia materna a causa del exterminio nazi, Hundertwasser no tuvo más remedio que incorporar a su madre como eje vital de su minúsculo entorno social. “Permanece en el anonimato si quieres vivir en paz“, decía Elsa Stowasser, quien para la época se desempeñaba como empleada de banca y encarnaba un sector de la pequeña burguesía emergente de Europa.

Su entorno era Viena, y en su diagnostico como médico del arte enfiló baterías contra los edificios viejos y carentes de vitalidad.

“Nuestras casas están enfermas desde que existen planificadores urbanos dogmáticos y arquitectos de ideas fijas.

Todas estas casas, que tenemos que soportar por miles, son insensibles, carecen de emoción, son dictatoriales, crueles, agresivas, lisas, estériles, austeras, frías y prosaicas, anónimas y vacías hasta el aburrimiento”.

El color de la tierra era esencial en las construcciones de Hundertwasser, y les daba importancia vital al verde de la vegetación y al negro o marrón, sinónimos de oscuridad.

correlación con los individuos externos se manifiesta en tanto sea notoria la presencia ‘viva’ de alguien en el interior de la casa. “Cualquier clase de diseño personal es mejor que la estéril muerte”.

Piel de Piel: Derecho a la ventana “Algunas personas dicen que las casas consisten en paredes. Yo digo que las casas consisten en ventanas”.

La equidad en la relación viviendahabitante tenía como eje la apropiación artística de los marcos de las ventanas, dando especial énfasis al exterior de la misma. La interacción debe ser reciproca entre el inquilino, y los transeúntes o vecinos.

La distancia cubierta por el brazo debe abarcar con pintura el marco fachada de su ventana para embellecerla. La

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A sus 20 años, el futuro gran artista de Austria empieza con Brô a conocer un mundo social bastante paralelo al que tenía con su madre recelosa.

Un universo que, si bien estaba enmarcado por el desarrollo de nuevas relaciones, también estaba limitado por el hecho de encontrar amigos ‘aportantes’ en el sentido artístico e intelectual.

A partir de 1972, año en que muere su madre, el círculo socio-afectivo se extendió y no paró hasta sus últimos días. Tras Brô, llegó Joram Harel –a la postre, su agente–, con quién Hundertwasser desarrolla un juego dinámico-creativo como pintor. A éste le seguiría Peter Pelikan, ejecutor de la mayoría de sus proyectos arquitectónicos más importantes, como de Spitttelau a Graz O Blumau. Para sus maquetas, confió en Alfred Schmid, y para los sellos postales –campo que desarrolló con mucho éxito– encontró

Hundertwasser 023

a Wolfgang Seidel. Claudio Barbato y Wörner aportarían su conocimiento en serigrafía, e impresión de postales y carteles, respectivamente.

Esta piel no se detiene en lo familiar ni los amigos; se extiende a la comunidad citadina y pretende convertirse en movimiento pacifista a través de su proyecto estético-naturista. “La belleza engendra la paz. La paz en la belleza es la expresión soberana del orden natural, la armonía universal”.

habitantes– con el sitio, los edificios, los mobiliarios y la periferia, para que se conviertan en parte de una estructura unificada, correlacionada y armoniosa.

En lo sucesivo, se dedica a la elaboración de banderas, sellos postales, portadas de libros y hasta placas de vehículos, conservando

En su conciencia, nada más importante que la casa de todos, el planeta. Desde su infancia desarrolló una hipersensibilidad con la naturaleza, con su presencia, su belleza y su utilidad.

Friedensreich Hundertwasser se convierte en uno de los principales exponentes de la arquitectura orgánica, cuya filosofía suscita armonía entre el hábitat humano y el mundo natural.

Mediante el diseño, el artista busca comprender e integrarse –y a los

Mientras tuvo fuerza y conciencia, Hundertwasser daba entre una y dos vueltas al mundo al año, a bordo de un viejo velero de madera que compró en Sicilia y al que, tras restaurar, bautizó como “Regentag” –“Día de Lluvia”–, manteniéndose así al tanto del ‘movimiento’ del planeta. Sus cruzadas se encaminaron en favor de la ecología, contra el racismo y en favor de la paz.

En los 80, impulsó campañas contra la energía atómica, en favor del transporte público masivo, y en pro de la adopción y la plantación de árboles. Tal vez uno de sus mayores éxitos morales se dio cuando, en 1980, Austria entró en el concurso nuclear con el diseño de un proyecto para la central térmica, proyecto al que renunciaron las autoridades gubernamentales debido a la oposición de la opinión pública, y otro sector intelectual y artístico encabezado por Hundertwasser.

Quinta Piel: El entorno Mundial, ecología y Humanidad

Su conciencia ‘natural’, sumada a un prestigio bien ganado, lo lleva a elaborar campañas en pro de la protección del planeta y en contra del daño industrial. Son muy famosas sus proclamas de 1953 en las cuales rechaza la línea recta, y en 1958, con el manifiesto de Seckau, en contra del racionalismo en la construcción.

universo... al infinito.

y promulgando el respeto por la identidad de los individuos como seres independientes pero miembros de una comunidad planetaria. Las estampillas conmemorativas de los 35 años de la Declaración Universal de los Derechos Humanos, Homenaje al Principado de Liechtenstein, y algunos sellos para Senegal, Cuba y Luxemburgo se encuentran entre sus trabajos más destacados en esta área.

La quinta piel se extiende hasta el winter

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Muere de un ataque al corazón el 19 de febrero del año 2000 en el Océano Pacífico, a bordo del Queen Elizabeth II. Es enterrado desnudo en Nueva Zelanda, sin un féretro que lo separara de la tierra y bajo un árbol plantado según su voluntad.

“La mierda se convierte en tierra que se posa sobre el tejado, se convierte en hierba, bosque y jardín; la mierda se convierte en oro. El círculo se cierra y deja de haber desechos”. De esta misma manera, el entorno mundial tiende también a ser la espiral: “El arte es el punto de partida y la meta por conseguir”. Hundertwasser.

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Protection Padlock.

La tranquilidad de espíritu nunca había aparecido con tanto estilo. Alexander McQueen lleva ese sentido de diseño único a los artículos más funcionales en este candado con función TSA (Transportation Security Administration). Este candado puede abrirse por su propietario o por los agentes de la TSA en el aeropuerto.

Sbl mcqueen cable padlock $ 310.000

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026 CHR MA - Bicyclette Rouge

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sta pieza de exquisito diseño fue meticulosamente buscada por muchos años y varios países, incluido Colombia.

En Cartagena fueron vehículo de entrega para correos y sus propietarios no las venden por menos de varios ceros a la derecha.

Siete años de eso hasta verla: Bella, esbelta e irresistible.

San Victorino como paisaje, la complicidad de mi musa y la remotísima pero real casualidad de conocer a su dueño, hicieron realidad lo que algún día no pasaba de ser simple posibilidad platónica material.

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028 SUNGLASSES

Lacoste $ 320.000

Vans $ 80.000

Spy $ 375.000

Reebok $ 120.000

Spy $ 380.000

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SUNGLASSES 029

Dragon $ 350.000

Dragon $ 390.000

fox $ 295.000

Zara $ 70.000

Arnet $ 400.000

Dragon $ 245.000

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032 GADGET

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CORKY:

Diseñado originalmente como sacacorchos, este aditamento de sencillas formas y fácil manipulación puede convertirse en arma blanca debido a su rígida aguja o en inyector de aire intravenoso al cumplir las veces de bomba neumática.

€20

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034 FOCUS

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Rebook Freestyle 035

La cultura física aeróbica que en 1968 inicio como un programa de entrenamiento para los miembros de las Fuerzas Armadas de Estados Unidos con el libro “Aerobics” de Kenneth H. Cooper, retoma nuevos aires gracias a la producción televisiva de Ron Harris, quien en 1982, lanzo los programas de cultura física “Aerobicise” y “20 minute workout”. orrían los 80’s, década sacudida en sus inicios por el fenómeno disco, seguida por la avalancha pop y determinada por una mescolanza de “new wave”, hombreras anchas y estilos de peinados desde el trapero hasta el copete alf.

Las modas foráneas llegaban a nosotros vía 3 canales - de televisión - , una que otra revista europea con versión para latinoamérica, La suerte era definitivamente para los parabólicos, aquellos que nos mostraban en el techo, antejardín o patio de su casa la eventualidad de la presencia OVNI en nuestro país. Mazinger Z, Centella, Astroboy o Los Superamigos eran posibilidades en tiempo real y en idioma original que ellos podían tener.

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El “fitness” se popularizó incluso entre los hombres, quienes veían por primera vez en franjas familiares, esculturales cuerpos con expresiones faciales provocadoras, tomas de cámara circulares a la altura del los traseros de las practicantes, picados y contrapicados, siendo lo mas cercano a un video erótico, pero de música, danza, deporte y salud en horas de almuerzo.

Ese mismo año la compañía de ropa y calzado deportivo Reebok que para 1979 había logrado con intermediación de Paul Fireman la distribución y comercialización de la marca en Estados Unidos, dio literalmente un gran salto en diseño, comodidad e innovación con su modelo “Freestyle”. Una versión basada en su zapato “Classic Princess” pero con terminación en bota, dándole además de comodidad, mayor ajuste y protección al talón.

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036 FOCUS

A partir de ese momento, la industria del calzado se vio desde otra perspectiva.

Culturizó el cada día más creciente movimiento aeróbico como deporte serio y popular debido a su difusión y bajos costos. Dio participación activa a las mujeres en el mercado deportivo, pensado y dirigido en su mayoría hasta entonces por y para el sector masculino, abriendo la puerta a la posibilidad de un zapato de cuero con suela de goma dentro de la gama de calzado deportivo para uso informal.

La bota que en sus comienzos era blanca, paso a ser negra incluyendo incluso el público masculino que tuvo otra versión con un pequeño cambio de diseño en la punta, abarcando así, las ventajas que luego descubrirían en este zapato deportistas de bicicross y skateboarding que necesitaban mayor agarre de suela y la protección que ofrecía el máximo recubrimiento de sus pies.

solo incentivaron la práctica aeróbica en el mercado femenino sino que por ser los reyes del mercado aumentaron las ventas al doble hasta 1984.

La situación preocupo a otras compañías líderes en el mercado y pusieron a sus ejecutivos y creativos a replantear estrategias y diseñar zapatos tipo botín para contrarrestar la arremetida de Reebok, imparable hasta ese momento.

El contragolpe lo da Nike con la reedición en 1985 de las Terminator exhibidas por Michael Biehn interpretando a Kyle Reese en la película homónima de 1984. La intención no fue suficiente y la reedición de las primeras deriva en las DUNK con la frase “Be Your Self” - “Se Tu Mismo” -.

Para este segundo intento, Nike contrata al recién adquirido por los Chicago Bulls, Michael Jordan y crea las “Air Jordan” o Air Flight”, acompañas del slogan - aun vigente -, “Just Do It”.

Tras la arremetida publicitaria, siete equipos de baloncesto estadounidense se sumaron a la iniciativa y combinaron sus uniformes con los colores de las Dunk, exigiendo a los fabricantes mayor creatividad, combinación y explosión cromática para lo que empezó como complemento de sudaderas y pantalonetas en el maderamen, y terminó en las calles como atuendo complementario para jeans y pantalones industriales.

Al año siguiente, Reebok contraataca y con la campaña “Life is not a Spectator Sport”, “La vida no es un deporte para espectadores”, busca una participación más activa de las mujeres en el deporte animándolas a participar en el mundo deportivo dejando de lado el ser simplemente testigo visual.

La paleta de colores aumenta y el verde, rojo, amarillo, azul y hasta púrpura dan gusto a consumidoras que querían

La proyección de Reebok fue tan alta desde el punto de vista comercial que no

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opciones diferentes al blanco y negro para combinar con cuanto color acido formaba parte de los roperos de la década del pop. Sin dejar de lado al público masculino, Reebok presenta las botas BB5600 con marca en el talón y las BB4600”, sin logo, confirmándose como los lideres en terrenos donde el que primero pisa, pisa más fuerte.

Para 1987 Puma tenía las Suede Mid Mu pero sus materiales eran demasiado rígidos y pesados cuando atrapaban agua. Mejorando estas salvedades, no quiso quedarse atrás poniendo en el comercio las “First Round”, adoptadas especialmente por “skaters”, debido a la credibilidad que ejerció entre los fanáticos tras su aparición como portada de la revista Trasher.

Rebook Freestyle 037

Tanto la “First Round”, como la “Star”- también de Puma - entraron de lleno en la baraja que ya ocupaban sus competidores más acérrimos dando no solo comodidad y seguridad, sino también la responsabilidad de procurar mejores “sneakers” para la práctica de los para entonces emergentes, deportes extremos.

“Boom”erang.

Tras 25 años de hegemonía y reconocidas figuras orbitales como Cindy Crawford, Paula Abdul, Cindy Lauper o Madonna calzando las pioneras Freestyle, Reebok relanza en 2007 su icono emblemático en Tokio bajo el mismo nombre y cuya campaña estuvo inspirada en las ciudades más glamorosas del mundo, con mujeres caracterizadas por su connotación de divertidas, ambiciosas y reales.

Una ciudad, una mujer, según el itinerario del tour: La escogida para Tokio es Ai Yasuda; la cantante y actriz francesa Yelle representa a París, la actriz india de “Bollywood”, Sagarika Ghatge fue la seleccionada en nombre de Nueva Delhi, la modelo y cantante española Bimba Bose representa a Madrid, la DJ europea Nikki Beatnik por Londres y la actriz estadounidense Sheetal Sheth elegida para Nueva York.

y materiales, buscando una identidad basada en un aspecto más moderno, pero con el diseño clásico que las convirtió en reinas indestronables desde hace 27 años.

Hoy las Freestyle y sus derivadas de otras marcas siguen usándose y reencauchándose por todas las clases sociales entre adolescentes, adultos mujeres y hombres con multitud de combinaciones, colores

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040 ICE CREAM

MIMO´S POPSY BENNY´S CREAM HELADO HAAGEN DAZS NUCITA VON GLACET BASKIN R.

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16.770 17.860 14.530 13.940 14.650 13.600 24.700 16.500

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042 LOGICAL SOUND

CD con dos ediciones, una comercial de 16 pistas y otra versión

Tarantino son: Misirlou” de Dick Dale & His Del-Tones. “Flowers

especial para coleccionistas de 20, editada para Estados Unidos

On The Wall” interpretada por The Statler Brothers. “Bustin’

y Europa.

Surfboards” de The Tornadoes y “Surf Rider” de The Lively Ones.

Para algunos críticos, es la cinta comercial más importante

Tanto el filme como el disco capturan la esencia de los 90. El

de los 90, teniendo en cuenta además de su Palma de Oro en

eclecticismo entre estilos como “You Never Can Tell” de Chuck

Cannes, el Globo de Oro y el Oscar al mejor guión, el culto que

Berry, -escena del baile entre Travolta y Thurman-, “Comanche”

ha generado dentro de los seguidores del el cine negro y su

de The Revels y “Bullwinkle Part II” de The Centurians,

director Quentin Tarantino.

caracterizadas por carecer de interpretación vocal, o el clásico

La calma y la melancolía van por cuenta de Maria McKee con

funk Jungle Boogie” de Kool & The Gang, logran una compilación

“If Love Is A Red Dress (Hang Me In Rags)”, Al Green con su

que no se limita a dos o tres temas como la mayoría de bandas

“Let’s Stay Together”, y Urge Overkill y “Girl, You’ll Be A Woman

sonoras.

Soon”. Otros temas incluidos y escogidos por el mismísimo

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044 LOGICAL SOUND

Erasure Pop Santana Bob Dylan Billy Idol ABBa Gold Cat Stevens Culture Club Tina Turner Tears for Fears Eurythmics U2 Sade Phill Collins Boney M. Bowie

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The Best Of 045

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048 BOOKSTORE

1001 DISCOS QUE HAY QUE MoMA HIGHLIGHTS: ESCUCHAR ANTES DE MORIR 350 Works from the Museum of Modern Art New York

Robert Dimery

Sarah Lucas, Cassandra Helicczer, Glenn D. Lowry

Críticos expertos de música moderna, dirigidos por Robert

En esta actualización, producida a manera de manual, el Museo

Dimery, presentan una clasificación de lo mejor de los últimos

de Arte Moderno de New York presenta su propia selección de las

60 años, pasando del rock al pop y del punk al funk.

350 más importantes obras de arte de su colección. Su Selección

Ilustrados por 800 imágenes de cubiertas de discos míticos,

no solo explora la pintura y escultura, también se adentra en el

grupos y artistas.

dibujo, estampas, libros ilustrados, modelos arquitectónicos,

Desde el sugerente What’s going on?, de Marvin Gaye, hasta el

gráfica, diseño industrial, fotografía, cine, video e instalaciones

extraordinario álbum conceptual de David Bowie, The rise and

multimedia.

fall of Ziggy Stardust, pasando por The Beatles y The Ramones.

$ 19,95 Versión en Español.

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$ 141.000

050 BOOKSTORE

CLASSIC ROCK COVERS

- Michael Ochs’s, Patrick Javault, Ulrike Wasel, Klaus Timmermann

Una selección de las mejores carátulas de “Long Play” (LP) hecha por Michael Ochs’s, propietario de una de las más grandes colecciones del mundo en este género.

Un viaje de color, diseño e imaginación entre los años 50 y los 90. $39.000

LATIN LOUNGE PARIS AMERICAN ARCHITECTURE & DESIGN GRAPHIC DESIGN Este libro presenta nuevos Este libro muestra e innovadores proyectos DESIGN más de 40 proyectos – Daab

- Julius Wiedemann, Felipe Taborda

El libro comienza con un extenso ensayo histórico sobre la contribución y el desarrollo de la región para el diseño y la ilustración, desde 1900 hasta ahora. Diseñadores, países, publicaciones, institutos de educación y eventos famosos en torno a esta disciplina forman parte de esta edición.

$129.000

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de los arquitectos en los que, por una parte, dan testimonio de la voluntad de combinar con el ambientalismo las necesidades urbanas y, por otro, la diversidad de influencias y los cambios necesarios en el panorama arquitectónico parisiense. $119.000

- Joachim Fischer, Martin Nicholas Kunz

internacionales, dividido en categorías como salas de hoteles y restaurantes, aeropuertos y estación de tren, salones de estadio y de oficina. Los proyectos dentro de cada categoría están clasificados por orden alfabético anglosajón. Por ejemplo: British Airline Lounge, Virgin Airline Lounge.

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$ 119.000

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1000 CHAIRS

-

Charlotte Fiell, Peter Fiell

Más que cualquier otra pieza de mobiliario, la silla ha sido sometida a los sueños de los diseñadores. Es tal vez el objeto más diseñado de la historia, al punto de que algunas de estas piezas - para muchos simple mobiliario - se han convertido en verdaderas esculturas convertidas en iconos. $ 89.000

CINE DE LOS 20 -JÜRGEN MÜLLER

Desde las primeras imágenes en movimiento (hermanos Lumière, 1895 L’Arrivé d’un tren), los primeros western, fantásticas imágenes de todo el camino a través de la edad de oro del cine mudo en la década de 1920. Este libro abarca las tres primeras décadas de la imagen en movimiento en todo el mundo.

Incluye sinopsis, trivias y biografías de actores y directores. $ 144.000

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CONTEM- YOUNG PORARY FASHION Designers Americas – COLOR DESIGN Durante los últimos Patrice Farameh

– Daab

El color es un elemento esencial a la hora de diseñar. Se presentan proyectos de interiores y se describen los efectos que causan en cada diseño, al igual que la significación y el uso adecuado de las gamas, según el espacio y los objetos circundantes. $ 190.000

años, el estilo único del continente americano comenzó a ser adoptado en todo el mundo y tuvo un gran impacto en la moda de hoy. En América del Norte, los diseñadores de moda crean ropa que lleva la impronta de las diversas subculturas de sus sociedades, las de la calle, las del día a día.

$ 119.000

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052 BOOKSTORE

1001 LIBROS QUE HAY QUE

HUNDERTWASSER EL PINTOR REY CON LAS CINCO PIELES - Pierre Restany

LEER ANTES DE MORIR - Peter Boxall, José Carlos Mainer

En esta retrospectiva, Pierre Restany cubre todas las bases del

960 páginas de una selección crítica de lo mejor que se ha

desarrollo ecléctico de Hundertwasser como artista, el inquilino

escrito en la narrativa universal. Con ilustrativos ensayos de

de la revuelta y desnudo de conferencias en los primeros años

especialistas que nos permiten conocer el valor de cada obra

70. Aquí es latente el desamor del artista por la línea recta, por

en el contexto de la literatura en el trayecto de su autor, y nos

la tristeza arquitectónica y la urbanización desmesurada, desde

estimulan a engrosar nuestro bagaje literario con nuevas

sus proyectos de vivienda en Viena hasta sus diseños para una

lecturas.

sociedad alternativa.

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$ 45.000

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$ 141.000

054 WHO?

Avisos

(Sin Comentarios)

Cámara Rolleiflex:

Argolla de matrimonio:

“Me casé en 1945 con Julia Rodríguez, hace 63 años.

Duramos 60 y los tres que lleva de muerta también suman. En vida me ayudaba con mis cosas, era quien me recordaba mis citas antes que mi hija Margarita que me ayuda con la contabilidad. “Con el anillo, hasta que me entierren”.

“Fue mi primera cámara profesional y con la que hice mis primeros trabajos importantes.

Tiene doble lente, uno para enfocar el objetivo y otro para obturar. También “Palm Paper”: posee un espejo cónico “A manera de ficha retráctil en la parte de bibliográfica, llevo arriba, para visualizar la mayoría de mis el tamaño final de la anotaciones, como por foto. Con esta cámara ejemplo, mis citas y mis tomé la famosa foto asuntos importantes. del torero Manolete Las otras cosas del en la que, con mirada estudio me las recuerda de preocupación, Manolo, mi nieto”. observa el toro desde el burladero”.

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Manual de Fotografía:

“Además de aprender las técnicas de la época, este libro específicamente me servía para calcular con exactitud los materiales y las cantidades que tenía que usar en mis químicos de revelado”.

Manuel H. Rodríguez 055

Exposímetro:

“Este es manual y lleva una escala para ajustar la sensibilidad de la película y una aguja que hay que alinear con una marca.

Al hacer la lectura, queda determinado el valor de exposición o las combinaciones equivalentes entre velocidad y diafragma”.

Gramera:

“Para las cantidades y peso exacto de los componentes.

Un miligramo más o menos, y la emulsión no era la misma.

Eso se notaba en los resultados, y algunas veces tenía que repetir todo el proceso”.

Corbatín:

“Sólo para ocasiones especiales, cocteles, eventos o fotografías importantes. No es que tenga una colección; es que en la mayoría de las fotos en las que aparezco tengo este puesto y da la impresión de que tengo varios”.

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Jaime Rodríguez:

“Mi hermano. Con él trabajé por lo menos durante 30 años y fue el primero de mi familia que se involucró con mi trabajo. Me ayudaba con la preparación de los químicos y el desarrollo del revelado.

Murió el mismo año en que murió mi esposa, en 2005”.

Maquina tipográfica:

“Fue mi primer trabajo con sueldo, siendo muy niño. Comencé a los 13. Mi padre era empleado del tranvía y fue creciendo la familia. Éramos cuatro hermanos, y el sueldo de mi papá no alcanzaba para cubrir los gastos.

Mi padrino –Carlos García– era dueño de una imprenta. Empecé barriendo y llevando los paquetes. Luego fueron soltándome la máquina y me convertí en tipógrafo”.

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Contrato:

Oficialización de uno de sus negocios para la dotación del estudio en el que está hace más de 50 años.

056 The Collector

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Cortesia:

Liz Huertas Cortes // Collage ARC2, estractos de una colecci贸n mayor atribuida a un miembro del circo EGRED, famoso a mediados del siglo XX en Suramerica.

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Benetton.

Dos de los ciclos Toscani “Creo que la buena publicidad es arte. Los pintores del Renacimiento hacían publicidad de las iglesias. El arte es comunicación, el problema es que la publicidad ha sido llevada a un bajo nivel de arte”.

Oliviero Toscani - Fotógrafo

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n.

Benetton 059

enetton comienza con la colaboración de Toscani a partir de la imagen de la campaña de 1986. En el largo camino de la comunicación, Benetton versó su destino en la subversión de los estereotipos.

Grupos multirraciales de niños felices fueron sustituidos por parejas, representando una totalmente nueva interpretación de la diferencia, término que en este ciclo adquirió un significado polémico y

positivo. La marca se enteró de que ocuparse de la cuestión de la diferencia en el proceso de la publicidad no es tarea fácil. A menudo, un intento de aproximar a individuos diferentes y juntarlos puede dar lugar a conflictos, en vez de felicidad y euforia.

Numerosas imágenes de este período mostraban este proceso. Una representa un conflicto político-religioso (El palestino y el israelí).

Otra describe un conflicto religioso y sexual (Un cura besando una monja) y otro mientras tanto muestra un conflicto moral

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(el estereotipo del bien y del mal, simbolizado por un ángel y un diablo).

Todos estos conflictos están basados en tabúes, en la imposibilidad de coexistencia, sobre una diferencia que separa en vez de unir. Por reconocer estas diferencias y prohibiciones, la marca aparece más envuelta. Tomó posición.

En lugar de presentar una simple representación ‘objetiva’ del mundo, hizo un compromiso para fomentar la convivencia de los opuestos a derribar las barreras y garantizar el diálogo.

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Benetton tenía un plan.

Integrar a los opuestos, uniendo las diferencias bajo una sola bandera, la bandera de su propio logo. En esta fase, “el producto” desaparecería progresivamente de los anuncios publicitarios. La publicidad tradicional hace del producto el foco de atención del anuncio para su impacto comercial.

Benetton tomó otro camino: apostó que una vez que la identidad de la marca se estableciera, el producto se convertiría en uno de sus atributos.

La marca ahora estaba

060 TM

en todos los continentes.

Paradójicamente, la popularización y la difusión de sus productos se reflejan en la desaparición del mismo de su comunicación.

CICLO DE LA REALIDAD Después de la igualdad y la exaltación de las diferencias,

Benetton se dirigió a la realidad de lo que es común a todos y compartido por la humanidad. El diálogo que Benetton había comenzado con sus “consumidores” (los que siempre ha considerado, por encima de todo, como hombres y mujeres) adquiría fondo.

En 1991, durante la Guerra del Golfo, se creó esta imagen, la foto de un cementerio de guerra.

Publicado en tan solo un periódico en Italia, Il Sole 24 Ore –porque todos los demás se negaron a imprimirlo–, esta foto marcó una ruptura con las anteriores campañas.

El estilo se convirtió en ‘realista’, la introducción de la profundidad de campo y un poco de “vida real” irrumpió el endulzado

imagen de un bebé recién nacido, unido todavía al cordón umbilical.

artificialmente universo de la publicidad.

por pretensión, el estallido de la vida real causaba escándalo.

Sólo esta foto vendió cientos de artículos en todo el mundo.

A la oposición en contra de la irrupción de la “muerte” como un tema de publicidad, Benetton respondió con la creación de la famosa

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La foto de la niña recién nacida, Giusy, era como un himno a la vida pero fue uno de los más censurados visuales en la historia de los anuncios de Benetton. En el ámbito de la publicidad, tradicionalmente ocupados

En este punto, el lenguaje de la comunicación Benetton cambio radicalmente. Con la campaña de febrero de 1992 llegó el escándalo planetario. Esta campaña consta de un grupo de fotografías de agencia

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que muestra imágenes dramáticas, reales: la agonía de un paciente de sida, un soldado que muestra un fémur humano, un hombre asesinado por la mafia, un coche en llamas, un buque asaltado por emigrantes.

Las fotos de enfermos de sida, el soldado y los inmigrantes albaneses no se llevan a cabo

específicamente para la campaña de publicidad.

Son imágenes de agencias, un típico estilo periodístico utilizado para reportajes de noticias. Hay fotos del mundo ‘real’. Entran en los convenios e introducen una nueva e interesante pregunta sobre el destino de la publicidad: ¿Se puede utilizar el anuncio,

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el enorme poder del presupuesto utilizado en la publicidad, para establecer con los consumidores un diálogo diferente a partir de la información sobre los productos?

razas, y una de las más contestadas fue esta de la madre negra amamantando al niño blanco. Ante imágenes como esta, la intolerancia social es mucho mayor de lo que se piensa”.

¿Dónde está escrito que la publicidad sólo podía interpretar la ausencia de conflicto y dolor?

BESO CURA/MONJA, 1991. “Fue quizá la

TOSCANI DICE:

campaña más contestada en Italia; hasta el Papa se pronunció en contra. El beso del cura y la monja se lo tomaron como un ataque contra el celibato y las tradiciones católicas. A mí me gustó la foto por su composición y su aparente inocencia; en el fondo, no son más que dos seres humanos besándose”.

MAMÁ NEGRA AMAMANTANDO A NIÑO BLANCO, 1990.

“La unidad racial impregnó las campañas de Benetton desde el principio, bajo el lema de “Colores Unidos de Benetton”. Buscamos todas las combinaciones posibles entre gentes de todas las

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“LA GUERRA DEL GOLFO, 1991..

“Es una foto llena de simbolismo: el verde y el blanco, que representan la paz. Y la hilera interminable de cruces de un cementerio militar norteamericano, para recordarle a la gente que estábamos en guerra,

aunque se trataba de una guerra ‘invisible’, muy distinta de aquellas a las que estábamos habituados”.

NIÑO RECIÉN NACIDO, 1991. “Una

de las fotos más sencillas y también la campaña más polémica: la retiraron en muchos países porque hería la sensibilidad de la gente.

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Ese rechazo dice mucho de nuestra sociedad. Da escalofrío pensar que la gente se niega a ver cómo nacemos”.

SIDA, 1992. “La imagen la captó una fotógrafa norteamericana, Therese Frorc, y había aparecido

ya en la revista Life, pero su impacto, claro, fue muchísimo mayor al exponerla en vallas.

Teníamos la autorización de la familia, y el propio Kirby era partidario de darle la máxima publicidad posible al sida. Yo la interpreté como una ‘Pietá’ moderna”.

062 NOODLES

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NOODLES 063

AJINOMEN $ 1.100 LA MUÑECA $ 1.170 SMACK $ 1.470 RAMEN $ 1.630

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KITSH 065

LUPE

“Gracias virgencita por colmarnos con el don divino del mal gusto y otorgarnos la tentación de la imitación exagerada. Aunque nuestras ofrendas para muchos no son de plena aceptación, bendícelos por su estética consumista.

Por último, y más importante: no permitas que nuestros bolsillos carezcan del precioso metal que nos permita colmarte de dádivas, que aunque pachucas, son para rendirte culto por siempre, amén”.

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068 WALLETS

Lakay $80.000

Volcom $ 80.000

Oakley $ 90.000

Samsonite Billfold 7cc hold $190.000

Samsonite Sbl print wallet black $220.000 winter

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Samsonite Sprint trifold black $190.000 1KONEMAG.COM

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Benetton Charoll $ 99.900

Samsonite $ 250.000

Benetton $ 89.900

Benetton $ 105.900

Benetton $95.900

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070 THE COLLECTOR Producto del ejercicio de marchar entre la Calle 26 y la 72 en inmediaciones de la Avenida Carácas, surge esta selección de entre más de 1.000 tarjetas ocasionales. De esas que a veces entregan dos y hasta tres para agotarlas más rápido. De conciencia ecológica, Ariel Zaldúa, nuestro caminante mundano prefiere guardar en sus bolsillos cuanto papel podría terminar en el cesto de la basura.

Al cabo de aproximados 10 años de pseudo-reciclaje y como quién rompe el marranito, Ariel sacó de su anaquel esta selecta colección que hoy comparte con nosotros.

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Girls, Girls, Girls 071

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072 JEANS

1.BENETTON 2.GUESS 3.DKNY 4.TOMMY 5.TOMMY 6.BENETTON 7.LEVI´S 8.BENETTON 9.BENETTON

$ $ $ $ $ $ $ $ $

229.000 219.900 276.000 389.900 289.900 99.900 185.000 159.900 149.900

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074 GADGET

Oprima hacía abajo para encender la llama (Preferiblemente con el dedo pulgar). $ 2.000

Graduación de potencia para Llama – o +. “Al extremo importante”. De su ubicación depende chamuscar - o no - pestañas, cejas o cabello.

Orificio para evacuación del fuego.

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Canal abastecedor

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- Tres pilas tipo botón para reloj

Abajo: Luz ON – Arriba: Luz OFF

Conducto para recarga de combustible

Recámara contenedora de gas.

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“Peche”, “Tira Flechas” o “Red Skin”.

Orgullo de tierra nuestra.

Es un símbolo de la cultura popular, de la industria tabacalera colombiana, de los gustos y tradiciones e, incluso, del diseño gráfico colombiano.

Our land´s pride.

It is a symbol of popular culture, from the tobacco industry in Colombia, the tastes and traditions, and even Colombian graphic design.

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I

E

s claro que en Colombia, la marca Pielroja es más que una marca de cigarrillos.

Es un símbolo de la cultura popular, de la industria tabacalera colombiana, de los gustos y tradiciones e, incluso, del diseño gráfico colombiano. Gracias a todo lo que significa, Pielroja se ha mantenido vigente durante 84 años.

La historia de Pielroja se remonta al inicio del siglo XX. Coltabaco estuvo buscando por cinco años un producto que conquistara el gusto de los fumadores adultos del país. En ese momento, la tendencia en el mercado colombiano eran los cigarrillos turcos o egipcios, que eran ovalados, sin filtro y con tabacos aromáticos.

Finalmente Pielroja nació en marzo de 1924, con un tabaco negro y sin filtro y un papel especial que matizaba el sabor amargo del tabaco.

Coltabaco contrató a Ricardo Rendón, uno de los mejores dibujantes del momento, para ponerle nombre al producto y diseñar el logotipo que identificaría la marquilla de Pielroja.

El logotipo aprobado y registrado fue el perfil de un indio con rasgos fuertes mirando a la izquierda, adornado con un tocado de 11 plumas.

Anteriormente, Coltabaco había abierto un concurso para crear la imagen de la marca y coincidencialmente el nombre de Pielroja también fue el elegido. Pero en esta propuesta el nombre estaba acompañado por la imagen de un indio montado sobre un caballo. Esta fue archivada por varios años

hasta que fue redescubierta para ser utilizada en la cajetilla junto a la imagen clásica del indio.

Desde entonces Pielroja se destacó por crear una publicidad diferente, adelantada para su época.

Por ejemplo, muchas de las frases que acompañaban los anuncios eran frases ganadoras de concursos abiertos al público.

La identificación con la marca fue inmediata. La gente en las tiendas y en los cafés pedía una cajetilla de Pielroja cuando quería pedir una cajetilla de cigarrillos.

La recordación de la marca es tan alta que ha sido reconocida como una marca notoria Por eso, en las décadas de los treintas y los cuarentas, el éxito de Pielroja fue absoluto. El 95% de los cigarrillos que se fumaban en el país eran de la marca Pielroja.

t is clear that in Colombia, the brand Pielroja is more than one brand of cigarettes. It is a symbol of popular culture, from the tobacco industry in Colombia, the tastes and traditions, and even Colombian graphic design.

Thanks to all that means, Pielroja has remained in effect for 84 years.

Pielroja’s history goes back to the beginning of the twentieth century. Coltabaco was looking for five years a product that captures the taste of adult smokers in the country. At that time, the trend in the Colombian market cigarettes were Turks or Egyptians, who were oval, unfiltered and aromatic tobaccos.

Finally Pielroja was born in March 1924, with a black snuff and without filter and a special role to cut the bitter taste of snuff.

Coltabaco hired Ricardo Rendon, one of the best designers of the moment, to put the product name and design the logo that would identify races of Pielroja.

The logo was approved and registered the profile of an Indian with strong features looking to the left, decorated with a 11 feather headdress,

078 MADE IN

Previously, Coltabaco had opened a competition to build the brand image and the name of Coincidentally Pielroja also was chosen.

But this proposal in the name was accompanied by the image of an Indian mounted on a horse. This was closed for several years until it was rediscovered for use in the pack next to the image of Indian classical.

Durante la primera parte del siglo XX, Pielroja fue clave para impulsar el crecimiento de la industria tabacalera del país y del sector agrícola en Colombia ya que la producción de todos los insumos necesarios para su elaboración era colombiana.

Por eso la idea de crear una nueva presentación de Pielroja para el siglo XXI se venía pensando tan cuidadosamente desde hacia varios años. La iniciativa nació incluso antes de que Coltabaco fuera adquirida por Philip Morris International. El objetivo de la compañía era acercar y modernizar la marca.

Pensando en las necesidades de Coltabaco y en lo que el consumidor adulto de Pielroja quería

encontrar en una nueva presentación, se desarrolló el mejor cigarrillo que la compañía podía crear con materiales e industria totalmente colombiana.

Luego de varias muestras y prototipos, se llegó a una mezcla conformada por grados de tabacos Virginia y Burley rubios colombianos de la más alta calidad, los cuales ofrecen una fumada satisfactoria y con gran sabor.

Pero crear el producto sólo era el comienzo. Luego siguió un largo proceso para elegir la cajetilla dura que iba a ser la nueva cara de Pielroja, ante una comunidad que apreciaba su imagen tanto como su sabor.

Después de seleccionar varios finalistas, la ganadora

fue la propuesta que más diferencias tenía con el Pielroja sin filtro, ya que ver al indio en medio de un diseño tan moderno fue objeto de alegría y orgullo por parte de sus seguidores.

Otras innovaciones del nuevo Pielroja con filtro son la imagen a color del Indio en el papel boquilla y el logo repujado en el aluminio, que realzan la calidad del cigarrillo con filtro.

Por medio de una campaña publicitaria el legendario indio obtuvo una voz. A través del lema “De tierra nuestra” la marca se llena de orgullo y tradición, dos valores que Pielroja atesora.

La identidad visual de la campaña la dan muchos elementos autóctonos como

Since then Pielroja was highlighted by creating a different advertising, advanced for its time.

For example, many of the phrases that accompanied the ads were phrases winners of competitions open to the public.

The identification with the brand was immediate.

People in shops and cafes called for a pack of Pielroja when I wanted to ask for a pack of cigarettes. The remembrance of the mark is so high that it has been recognized as a well-known mark.

So in the decades of thirty and forty, the success of Pielroja was absolutely. 95% of the cigarettes that are smoked in the country were on the mark Pielroja.

During the first part of the twentieth century, was key to boost Pielroja the growth of the country’s tobacco industry and the agricultural

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sector in Colombia since the production of all inputs needed for their manufacture was Colombian.

So the idea of creating a new presentation of Pielroja for the twenty-first century had been thinking so carefully for several years. The initiative was born even Coltabaco before they were acquired by Philip Morris International.

The goal was to bring the company and modernize the brand.

Thinking of the needs of Coltabaco and what the consumer adult Pielroja wanted to find a new presentation, was the best cigarette that the company

could create with materials and industry completely Colombia.

After several samples and prototypes, there was a mix up of grades of Virginia and Burley tobaccos blond Colombians of the highest quality, which provide a satisfactory and smoked with great taste.

080 MADE IN

las artesanías, que aportan texturas y colores únicos que remiten de inmediato a la cultura colombiana.

Así como la campaña innovó en su ejecución, también lo hizo en medios. Por ejemplo, la campaña no se limitó a pautar en medios gráficos masivos: el indio se llevó a las calles, donde la campaña en vallas se complementó con avisos de neón en paraderos y aeropuertos, así como en avisos estilo graffiti en Bogotá.

Las elaboradas pinturas con elementos referentes a la orfebrería, el fique y las artesanías, se ubicaron en murales visibles de zonas de influencia de la ciudad.

Inicialmente, las pinturas fueron de expectativa, pero después del lanzamiento se les agregaron imágenes y frases del indio Pielroja.

En las discotecas y los bares, puntos de gran importancia para presentar

el producto a los fumadores adultos, se idearon avisos de neón y dispensadores. Las caravanas de degustación se realizaron los fines de semana en las zonas nocturnas más conocidas de la ciudad. En ellas, los modelos lucían un atuendo que representaba al indio contemporáneo con una mezcla de prendas urbanas y símbolos de Pielroja.

campaign, the legendary Indian got a voice. Through the slogan “Of land our” the brand is full of pride and tradition, two values that Pielroja treasures.

The visual identity of the campaign

Por todo esto, Pielroja es más que una marca. Pielroja es un orgullo de tierra nuestra.

But the creation of the product was only the beginning. Then followed a lengthy process to choose the hard pack that was going to be the new face of Pielroja, to a community that appreciated their image as much as its flavor. After selecting several finalists, the winner was the proposal that had more differences with the Pielroja unfiltered, as they see the Indian in the midst of a very modern design was the subject of joy and pride from his followers.

Other innovations of the new Pielroja filter is a color image of the Indian role in the nozzle and logo embossed in the aluminum, which enhances the quality of the cigarette filter.

Through an advertising

are many indigenous elements such as handicrafts, which provide unique textures and colors that sent immediately to the Colombian culture.

Just as the campaign innovated in its execution, as did media. For example, the campaign was not confined to graphic patterns in mass

081

media: the Indian took to the streets, where the billboard campaign was complemented by neon advertisements in stops and airports as well as graffiti-style ads in Bogota.

The elaborate paintings with elements relating to the goldsmith, the fique and crafts, murals were located in visible areas of influence in the city.

Initially, the paintings were of expectation, but after the launch were added images and phrases from the Indian Pielroja.

In the discos and bars, points of great importance to introducing the product to adult smokers, were

designed neon and providers Notices. Tasting the caravans were conducted on weekends in the evening’s best-known areas of the city. In them, the models wore an outfit representing the Indian with a mixture of contemporary urban clothing and symbols Pielroja.

For all this, Pielroja is more than one brand. Pielroja is a our lands pride.

Coltabaco hired Ricardo Rendon, one of the best designers of the moment, to put the product name and design the logo that would identify races of Pielroja.

Coltabaco contrató a Ricardo Rendón, uno de los mejores dibujantes del momento, para ponerle nombre al producto y diseñar el logotipo que identificaría la marquilla de Pielroja. El logotipo aprobado y registrado fue el perfil de un indio con rasgos fuertes mirando a la izquierda, adornado con un tocado de 11 plumas.

082 PIZZAS

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Pepperoni 083

PIZZA HUT DOMINO´S KAREN´S NOSTRA RED BOX OLIVETO 1969 ARCHIE´S

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29.300 25.000 23.500 22.500 26.900 25.800 21.500 19.300

STYLELOPEDIA GUIDE

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NIKE $ 322.000

NIKE $ 375.000

NIKE $ 296.000

NIKE $ 235.000

NIKE $ 296.000

NIKE $ 252.000

OSIRIS $ 350.000

OSIRIS $ 350.000

OSIRIS $ 350.000

OSIRIS $ 350.000

OSIRIS $ 380.000

SANUC $ 120.000

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SANUC $ 120.000

SANUC $ 120.000

TOMMY $ 289.900

TOMMY $ 289.900

ETNIES $ 230.000

ETNIES $ 210.000

ETNIES $ 210.000

ETNIES $ 250.000

ETNIES $ 230.000

ETNIES $ 230.000

SAMSONITE $ 249.000

SANSONITE $ 249.000

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088 FOOTWEAR

SANSONITE $ 249.000

SANSONITE $

BENETTON $ 169.900

RBK $ 217.900

RBK $ 189.900

RBK $ 264.900

RBK $ 178.500

RBK $ 209.000

RBK $ 229.000

RBK $ 209.900

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SANSONITE $

249.000

RBK $ 244.900

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Guess

Guess

US$ 47.00

US$ 52.00 $ 90.000

Dragon $ 75.000

Paul Frank

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38.00

Vans $ 90.000

Tommy US$

Tommy US$

36.00

34.00

090 T-SHIRTS

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Guess

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Zara

US$ 34.00

Osiris US$ 38.00

US$ 38.00

Vans $ 90.000

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$ 78.000

092 T-SHIRTS

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US$ 36.00

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Emerica

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Camiseta MATIX Orgรกnica $ 110.000

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094 T-SHIRTS

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098 DESIGN

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200

“No soporto entrar en una habitación y ver el sofá, la mesa y dos sillas, sabiendo en seguida que voy a tener que aguantar ahí toda la tarde”. Ver ner Panton

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100 DESIGN

de los años 40. Y el segundo, con Arne Jacobsen, en cuyo estudio trabajó entre 1950 y 1952. Juntos diseñaron la legendaria “Ant Chair”, Silla Hormiga.

A él debe Panton su objetivo de explorar y manipular nuevos materiales, la investigación de una apropiada producción tecnológica y la cooperación con el fabricante industrial.

Diseñador danés, nacido en Copenhage en 1926, hijo de un matrimonio de hosteleros, de Gamfofte, en la isla de Funen (Dinamarca). De niño no tenía ni idea de diseño pero quería convertirse en un artista, en pintor. Sus padres, basados en algunos dibujos –para ellos, mediocres– se interpusieron a sus deseos y prácticamente obligaron al joven a estudiar arquitectura.

Verner Panton se trasladó a Odense, capital de la isla de Funen, donde estudió de 1944 a 1947 en el Technical College, para luego inscribirse en la facultad de arquitectura de la Royal Academy of Art de Copenhague, entre 1947 y 1951.

En 1955 diseñó una silla voladiza o cantilever –siendo este un asiento carente de patas traseras, resistiendo el peso gracias al material del que están hechas–, en forma de “S”, de madera contrachapada, que desarrolló con la colaboración de Thonet.

Resultaba casi una tradición para la época que, para ser diseñador, se requería ser arquitecto, ya que las escuelas de diseño especializadas no existían, y para Panton fueron decisivos dos encuentros en el desarrollo de su carrera. El primero, con Poul Hennigsen, reconocido mundialmente por sus proyectos de iluminación como figura preponderante en el diseño danés del siglo XX, convirtiéndose en su maestro, mentor y jefe en Copenhague a finales

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Panton Chair 101

Se le atribuye oficialmente el primer boceto de este tipo a Mark Stuart, arquitecto, urbanista y diseñador de muebles holandés, relacionado con el movimiento Bauhaus hacia 1926.

En 1927, Mies van der Rohe patentó también un modelo de esta silla. Otro diseñador de este modelo de silla fue el húngaro Marcel Breuer, quien experimentó con nuevos diseños elaborados con tubos de acero.

Durante varios años, Verner Panton se dedicó a madurar la idea de elaborar sillas a base de material sintético y en un molde de una sola pieza. Es a partir de 1967 cuando, en colaboración con la empresa alemana de muebles Vitra, se crean los primeros modelos, y es justo en ese verano que Panton decide mostrar en sociedad la única silla que tiene su nombre propio, la Panton Chair.

Una escultura pop que parecía brotar del suelo bailando en zig zag y cuyos factores determinantes –además de su ‘uniformidad’– fueron su color y la ausencia de patas traseras. Su técnica de base de oscilación libre, sumada a su ergonomía y su material flexible, le otorgaron

a esta silla un alto grado de comodidad y seguridad.

Algunos críticos sugieren similitudes entre la creación de Panton y la Gunnar Chair, diseñada por el también danés Gunnar Aagaard Andersen y cuyo prototipo realizado entre 1952 y 1953 –siete años antes que la Panton Chair–, con una

innegable similitud pero elaborada en alambre y papel de periódico, siendo demasiado pesada para producirse en masa, ya fuese en aluminio estampado o en fibra de vidrio.

Desde su salida al mercado se han utilizado varios materiales para fabricar la silla Panton.

El primero fue una mezcla de plástico reforzado con fibra de vidrio. Ahora, Vitra la elabora con una espuma dura, lacado

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brillante en su versión clásica, teniendo otra adaptación estándar en plástico de superficie mate, lo que la hace más durable en exteriores, sin perder su color con el tiempo.

Para 1999 se diseñó la última versión de la silla autorizada por Verner Panton con su colaboración. Con este modelo, lograba por primera

vez uno de sus principales objetivos: fabricar una silla de plástico como producto industrial en serie, a un precio económico.

Galardonada muchas veces por su diseño y expuesta como escultura en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, la Panton es quizá la silla más trascendental desde su fabricación, ya que no es únicamente una pieza de mobiliario interior; también se

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le ve en terrazas, antejardines y piscinas. Y va más allá: es tal vez una de las pocas –si no la única– silla que trascendio la mirada adulta y ocupa un lugar destacado en el público infantil.

A los niños les ha gustado siempre la Panton Chair por sus colores intensos y alegres, por sus agradables y suaves contornos. Como mueble y como juguete. El propio Verner Panton forjó desde el principio la idea de desarrollar, en colaboración con Vitra, una versión infantil de la silla.

El proyecto fracasó hace más de 35 años por motivos económicos pero por fin se pudo concretar.

La Junior se basa en los planos originales de los años 60. Sin afectar el material ni sus proporciones, resulta aproximadamente una cuarta parte más pequeña que el modelo convencional, lo cual convierte a la Panton Chair Junior –con sus siete llamativos colores y su material resistente pero liviano– en un asiento-juguete ideal para niños en edad de guardería y escuela primaria.

“He creado muebles para poder disfrutar de una visión diferente del entorno y de una nueva perspectiva sobre la vida”. Verner Panton.

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Dos iconos de la excelencia se reúnen en Serenata, reproductor de música y teléfono móvil en uno. winter

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Bang & Olufsen 107

e trata de alta calidad a un nivel superior que combina la acústica avanzada, interfaz e inventiva de diseño de Bang & Olufsen, con la ingeniería inteligente de Samsung en materia de telefonía móvil.

Disfrute de un placer sin precedentes y de un diseño sublime en la palma de la mano. Puede conectarse con el mundo por medio de la transferencia de datos 3G a alta velocidad, sincronizar la agenda de su Outlook o mantenerse en contacto.

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Con unos auriculares Bluetooth EarSet 2. O puede activar el modo de música y ‘desconectarse’ para recargar su batería mental. La amplia memoria interna de Serenata permite disfrutar de una colección de música comprimida –o no–, en varios formatos.

Es muy fácil conectarlo a altavoces activos mayores o utilizarlo en viajes con el EarSet 3 incluido. Piérdase en la música con el modo PureMusic; los mensajes de texto y llamadas a su teléfono móvil seguirán llegando pero sin interrumpirle.

Perfecto en la mano o con el “manos libres”. La rueda de aluminio de gran tamaño de Serenata hace que la navegación por los menúes resulte fácil y cómoda.

Serenata dispone de una pantalla táctil sensible que puede mostrar letras para texto, números para marcar o gráficos de álbumes al reproducir música.

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108 TECH

Cuando reúna a familiares o amigos para una llamada amplifique por el altavoz del teléfono, apreciará la claridad del sonido y la excelencia del micrófono.

Lo mismo cabe aplicar a las llamadas con el “manos libres” en su escritorio, con el pie integrado, proporcionando una base segura y un ángulo perfecto. Al presionar ligeramente la parte posterior, ésta se desliza con suavidad como un instrumento de precisión para dejar al descubierto los altavoces de música.

Tecnología de audio asombrosa. Si bien la mitad de Serenata está consagrada a la música y la otra mitad a la telefonía móvil, el altavoz integrado produce un sonido sobresaliente para ambas.

La ingeniería de audio avanzada y los altavoces de primera sólo explican en parte su impresionante rendimiento. La otra explicación es la acústica ingeniosa de Bang & Olufsen, que incluye dos transductores de alta calidad, controlados mediante procesamiento de la señal digital para ofrecer mayor precisión de sonido en conversaciones o al reproducir música.

Eso se añade a los amplificadores “ICE Power”, los cuales permiten una potencia de sonido sorprendente para tan reducido espacio.

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EASTMAN KODAK CO: No1-A Kodak Junior

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BICYCLES 113

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Kona Blast $ 1.790.000

Trek 3900 $ 1.253.000

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Murió… y vivió para contarlo.

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Tras alcanzar el tope de la fama en 1991 con “Stop”, canción de su álbum de estudio Ritual de lo habitual, Jane’s Addiction llega a los límites de su propia tolerancia, y durante una accidentada gira por España que incluyó a sus fundadores, Perry Farrell y Dave Navarro, peleándose a puñetazos frente a una multitud de espectadores, ambos deciden poner fin a la sociedad construida años antes.

De nuevo en Estados Unidos y aprovechando las circunstancias de reconocimiento y arrastre de concurrencia, Farrell, acuñando la expresión “Lollapalooza” de un corto cinematográfico de Three stooges ( Los Tres Chiflados) –que designa algo inusual y extraordinario–, le da nombre a una serie de conciertos de despedida a lo largo de Norte América.

A diferencia de Woodstock, el US Festival o nuestro local Rock al Parque, certámenes que se realizan en un solo lugar y por lo general en la misma ciudad, Lollapalooza es en sus comienzos un festival ambulante que se presentaba en varias ciudades de Estados Unidos y Canadá.

Alterno a la participación de otras bandas de prestigio bien fundado como Siouxsie and the Banshees, Nine Inch Nails, Living Colour, Violent Femmes, Fishbone, Body Count (con Ice T), Butthole Surfers y Rollins Band, se agregó otro concepto más bien parecido a una gran feria, en la que se incluyeron otros géneros alternativos de arte y cultura, traspasando lo musical.

Malabaristas, comediantes, performers, artes plásticas, tatuadores, espacios para videojuegos y hasta defensores del medio ambiente, dieron comienzo a un espectáculo que, al tomar tamañas proporciones, era de esperarse la posibilidad de su repetición año tras año.

Eran los primeros años de una década marcada por nuevas tendencias musicales, y el grunge, el rock alternativo, el hip hop y Lollapalooza fueron el matrimonio perfecto para bandas como Red Hot Chili Peppers, Rage against the Machine, Stone Temple Pilots, Ministry, Cypress Hill, Soundgarden y Pearl Jam, que se presentaron en la segunda edición del festival en 1992, y se consolidaban luego de una

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mediana carrera o se lanzaban recientemente a la palestra de la música de masas.

Para 1993, la rutina no varió mucho. Buenos días de música, arte y la posibilidad de experimentar nuevas drogas que emergían en el mercado, en su mayoría provenientes de Europa, fueron la constante.

Ya en 1994, agrupaciones como Green Day, The Flaming Lips Nick, Cave and the Bad Seeds, The Verve y Beastie Boys tenían asegurado su boleto de entrada para una y dos tarimas en diferentes escenarios.

Cuando el guión parecía el mismo, a diferencia de sus actores, el protagónico –por desgracia– es caracterizado por Nirvana, banda considerada símbolo del para entonces creciente, movimiento grunge.

Un día antes, los demás miembros del grupo cancelan su presentación como espectáculo principal, a causa de la muerte de Kurt Cobain, líder y vocalista de la banda, cuyos móviles posteriores indicarían el suicidio como factor del deceso.

Si bien Smashing Pumpkins reemplazó a los ‘faltantes’ por fuerza mayor, alternando micrófono con la viuda, Courtney Love, es sabido que Cobain selló un hito en la historia del antes y el después del Lollapalooza. Al parecer, Cobain no sólo se llevó su música a otra parte; con él también se fue el espíritu de convivencia, alegría y oportunidad para artistas emergentes del Lollapalooza.

Segunda Mitad

Con un Farrell desganado y dedicado a la producción de ENIT –abreviatura para tierra tejida– y cuyos intereses, además del comercial, estaban centrados en presentaciones nocturnas de bandas underground, la idea original del certamen no contaba con el mismo auge y dedicación de sus antecesores. La concurrencia no era multitudinaria, y el estancamiento musical de muchas bandas y el desarraigo de las que tenían una gran marquesina dejaron sin otro remedio que el de vender como mercancía de subasta lo poco salvable del Festival.

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116 FEST

ESTE AÑO Y POR ESPACIO DE TRES DÍAS, EL CERTAMEN CONTÓ CON PRESENTACIONES ESTELARES DE RADIOHEAD, NINE INCH NAILS, WILCO, GNARLS BARKLEY, RAGE AGAINST THE MACHINE, THE RACONTEURS, LOVE AND ROCKETS, BROKEN SOCIAL SCENE, BLOC PARTY, CAT POWER Y KANYE WEST, ENTRE MÁS DE 130 ARTISTAS. Aunque los esfuerzos de la tabacalera que adquirió la franquicia fueron notables entre 1996 y 1997 –incluidas las presentaciones de la estrella country norteamericana Waylon Jennings y el representante de la nueva fuerza musical electrónica, Prodigy–, no fueron suficientes, ya que de cualquier manera la lápida con inscripción propia ya estaba encomendada, y en 1998, con esfuerzos agónicos, muere el original Lollapalooza.

Pasan cinco años de duelo y el mismísimo Perry Farrell anuncia el reencuentro de Jane’s Addiction, ocasión aprovechada para revivir el Festival y de paso ganar unos dólares de más. El impulso duró poco, puesto que los altos costos de entrada para promocionarlo ahuyentaron a los espectadores, ya de por sí escépticos, debido a la invasión de marcas que saturaron a una audiencia menos comercial y más musical. La segunda debacle vino en 2004, cuando los precios ya elevados se convirtieron

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en exagerados, y la cancelación se hizo inminente. Perdieron los patrocinadores, y ellos a la vez su razón de ser, el público.

Capital Sports & Entertainment compra en 2005 a Farrell, la marca Lollapalooza, reviviendo el Festival dos días en 2005 y comprometiéndose a mantenerlo vivo en concesión hasta el 2011. Para los años venideros, la inyección económica surtió efecto y se logró el punto de equilibrio en el que hasta ahora se ha mantenido –sin comparación con el original de estilo

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trotamundo– una producción de buena calidad, marquesinas de peso, entre ocho y nueve escenarios itinerantes y una sede garantizada: el Grant Park de Chicago, Illinois.

Este año, desde el 1º de agosto y por espacio de tres días, el certamen contó con presentaciones estelares de Radiohead, Nine Inch Nails, Wilco, Gnarls Barkley, Rage against the Machine, The Raconteurs, Love and Rockets, Broken Social Scene, Bloc Party, Cat Power y Kanye West, entre más de 130 artistas.

Ahora más abierto y con pluralidad de asistentes y eventos, la organización

Aunque la filantropía original de hace 17 años se transformó en suceso comercial, ha servido como sustento del Festival, ya que más de 200 mil asistentes y unas 130 bandas se presentaron este año en ocho escenarios diferentes, incluyendo actividades alternas como el Kidzapalooza, impulsado por la posibilidad de ingreso gratuito a menores de 10 años, y con miniconciertos instructivos para los nuevos fans en la interpretación de instrumentos como batería y guitarra.

Who arted? fue el espacio creativo para pinturas y esculturas, incluso

peso en basura tóxica era premiado con una camiseta conmemorativa de Lollapalooza.

se destaca por ser más previsiva en ofrecerles a los seguidores del festival todos los mecanismos para permanecer, incluso sin salir del lugar, por tres días. Es así como se instalaron suficientes baños móviles para abastecer la demanda, zonas para descanso y alimentación, y se habilitaron centros de atención de emergencias médicas.

La venta de cerveza sólo se daba con el porte de un brazalete oficial y bajo la restricción de la mayoría de edad.

realizadas dentro del certamen y que convertían algunos lugares en verdaderas galerías seudorrockeras.

Por otra parte, Causapalooza pretende generar conciencia y enrolar a individuos comprometidos con causas ecológicas y humanitarias, recibiendo al mismo tiempo voluntarios que prestaran su colaboración en logística, información o asistencia en primeros auxilios. De tal manera que quien recogiera determinado número de vasos desechables o un

Por ahora hay un parte de tranquilidad para los seguidores del Festival y sobre todo para los patrocinadores, quienes aseguraron en los últimos tres años un éxito comercial sin precedentes siquiera en los albores mismos del evento, tendencia que esperan mantener por lo menos en lo financiero, sin bajar la calidad del producto, según ellos, hasta la finalización del contrato en 2011.

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El acierto comercial se dio de la mano de la economía, y es así como Lollapalooza, marca registrada, dispuso un puesto para la venta de souvenirs oficiales –incluyendo mercancía para niños y bebés– a precios bajos, al tiempo que la disquera Virgin ubicó una megastore en la que se manejaban precios por debajo del mercado en discos de los artistas participantes en 2008, con sesiones de autógrafos para los más entusiastas.

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Entrevista de Martha Ligia Parra a

SPIROS STATHOULOPOULOS

“Ser independiente me ha permitido crear un largometraje ultrapersonal, con un máximo control creativo[…].

Me interesa el cine que es visionario y pionero” Spiros Stathoulopoulos

P

VC-1 es una pieza de excepción dentro de la actual producción del cine colombiano. Una película tan audaz como brillante, tan impactante como personal, tan contundente como original. Este thriller inspirado en el hecho real del collar bomba se estrena en Colombia luego de un exitoso recorrido. Su carta de presentación: 11 premios internacionales en Cannes, Tessaloniki, Sofía, Barcelona, Bangkok. Lisboa, Los Ángeles, la participación y la competición en más de 25 festivales, y la venta a tres continentes. Todo en movimiento continuo, como la propia acción que narra la cinta.

Su director, Spiros Stathoulopoulos, con un apellido tan largo como los

alcances de sus logros y sueños, hace parte de la nueva generación de directores colombianos que viene pisando fuerte. Este joven realizador, que se siente tan colombiano como griego, es probablemente el más audaz, el más radical de todos, y alguien que ha logrado abrirse camino en Hollywood, y en los festivales más importantes de Europa y Asia.

PVC-1 es la única película en la historia del cine nacional en competir por la Cámara de Oro en Cannes, y el segundo ‘largo’ de ficción colombiano que ha competido en la Quincena de realizadores igualmente de Cannes, donde fue ovacionada, causó conmoción entre los agentes de los estudios, recibió el Premio Ciudad de Roma a la Mejor Producción

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Iberoamericana y obtuvo un importante contrato para su siguiente producción.

En el Festival de Tessaloniki, en Grecia, fue la película más premiada a finales del año pasado, con cuatro galardones.

El director reside actualmente en Los Ángeles, donde trabaja simultáneamente en varios proyectos de cine independiente y de estudio.

El tiempo, el espacio, la religión, la vida y la muerte son los temas que obsesionan a este director, caracterizado por una gran disciplina, el optimismo y la determinación de un héroe griego. Su caso les sirve de ejemplo a quienes comienzan, al confirmar que la falta de plata no es un factor limitante y que, por el contrario, puede potenciar la recursividad y la creatividad. Cuenta que para realizar

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su película se ajustó al bajísimo presupuesto que tenía, e hizo que todos los aspectos narrativos, técnicos y de producción funcionaran de la manera más óptima posible.

En esta entrevista, Spiros habla sobre los pasos que ha dado en su prometedora carrera, sobre su ópera prima PVC-1, sus logros y premios, acerca del cine independiente y del formato digital de su película, como opción que empieza a imponerse no sólo en Colombia sino también en el mundo, y de los nuevos proyectos que adelanta en Hollywood:

¿Cómo nace su interés por el cine y cuál ha sido su recorrido antes de debutar en el largo?

Desde los 10 años visitaba a mi padre, que es oftalmólogo, en su consultorio. Sus equipos me llamaban la atención.

Después, cuando descubrí la filmadora, confirmé que mi pasión tenía un punto en común con la profesión de mi padre: la óptica. De manera autodidacta filmé mis primeros cortometrajes, entre los 11 y los 14 años, con una cámara prestada: Los juguetes de Mahatma Gandhi, Experimento magno, Infantes perdidos, Solitario, Seis cuerdas muertas, Dimensión, Huérfanos, Bestia humana. A los 14 años gané el primer premio y tomé un curso sobre teoría y práctica del lenguaje cinematográfico en el Instituto Arco de Bogotá, con Roy Marín. Continué haciendo cortometrajes hasta los 17 años, y empezaron a contratarme para hacer filmaciones.

A los 19, después de prestar el servicio militar obligatorio en Grecia, empecé a filmar mi primer largometraje experimental, llamado Line in-line out, basado en la teoría de un estudiante de Freud en la cual las personalidades del terapista y el paciente se invierten. A los 22 años hice parte de la primera promoción de la Escuela de Cine Black

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Maria en Bogotá. Luego edité el largometraje Hábitos sucios, de Carlos Palau. Apliqué a la Universidad de California, donde estudié producción de cine, y mientras tanto, entre los 22 y 25 años, realicé los cortos Autobahn, Thessaloniki, Resplandor, Scooter y Nekropolis. Este último fue mi primer cortometraje de guerra. Decidí entonces que era el momento de hacer un segundo intento en la escritura de un largometraje, y fue así como a los 26 escribí el guión de PVC-1.

¿Cómo fue la experiencia de participar en el Reality Show de Spielberg On The Lot ?

Uno de los coproductores de mi corto Nekropolis (La ciudad de los muertos) lo inscribió sin mi consentimiento, pues no me simpatizan los realities. A los pocos días, el cortometraje entró en una de las categorías de los cinco cortometrajes con mayor tráfico online. Con este cortometraje, quise criticar la intervención de Estados Unidos en Iraq, en 2003. El protagonista de la historia es un bebé de 6 meses, en los brazos de su padre y al lado de su madre.

La familia está atrapada en un bunker, en medio de un brutal enfrentamiento del ejército americano e insurgentes iraquíes.

Háblenos del premio que recibió en Cannes.

El Premio Ciudad de Roma a la Mejor Producción Iberoamericana fue ideado por Gillo Pontecorvo y es entregado por un jurado que conforman miembros de la cinematografía Italiana. Se otorga anualmente en Venecia, al igual que en Cannes, y es el mismo que ganó Diarios de motocicleta, de Walter Salles.

Mirando sus logros profesionales, uno se encuentra con un denominador común: los desafíos, los retos. Fue un reto llegar a Cannes, realizar su primera película, llegar a 1KONEMAG.COM

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Hollywood, etcétera. ¿Piensa que en el mundo del cine hay que moverse de esta manera para sobresalir?

Para mí, hacer películas no es sólo un fin sino además un medio para mejorar como ser humano. Tanto en el cine como en los demás aspectos, me propongo altos desafíos: ser un director disciplinado y muy exigente conmigo mismo, al tiempo que un hijo considerado, un familiar generoso, un buen amigo. Hay que sobresalir retándose constantemente a hacer lo más correcto con uno mismo y con los demás.

A un director que comienza le aconsejaría empezar por el Festival de Cannes. ¿Qué ha significado en su caso?

Para mí ha significado conocer tres componentes de una ecuación. Primero, entender que la decisión de empezar compitiendo en Cannes no depende de uno sino del comité seleccionador. Segundo, que, en caso de ser seleccionado, el éxito no está garantizado dentro del Festival. Tercero, que si los dos factores anteriores son favorables y se suman, el resultado es, como en el caso de PVC-1, el éxito manifestado en la apertura de múltiples puertas internacionales, tanto para la película como para los realizadores.

La edición de una película puede mejorar muchos aspectos de la misma (al escoger lo mejor del material rodado) como por ejemplo las actuaciones.

El caso de PVC-1 me recuerda

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una reflexión del escritor checo Milan Kundera según la cual en la vida no tenemos posibilidad de hacer un borrador, sino que a medida que la vivimos estamos haciendo el original.

Su película está hecha en tiempo real sin cortes. Lo que el espectador ve y oye es lo captado por la cámara al momento de la grabación. ¿Hubo alteraciones post filmación en la imagen o en el sonido?

No hubo corte alguno en la película y no hubo banda sonora. Estas dos decisiones fueron tomadas para respetar la representación fidedigna de la realidad. Por otro lado, es un error pensar que filmar un largometraje en un plano continuo tiene limitaciones. Lo que sí tiene es un alto nivel de dificultad. En el caso de la actuación, la carencia de edición también puede mejorarla por las razones que expliqué en respuestas anteriores. Y la posibilidad de escoger el mejor material rodado no es algo exclusivo de la manera convencional de posproducción, pues, en el caso de mi película, filmé cuatro veces, de principio a fin, el plano inédito de 85 minutos, y después escogí la mejor de esas cuatro tomas.

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Su película está hecha en video de alta definición. ¿Qué piensa sobre el cine digital y sus posibilidades?

El cine digital es el futuro del cine. En términos generales, me interesa el cine visionario y pionero. PVC-1 no es posible en celuloide, ya que los carretes de celuloide no filman durante 85 minutos continuos. De la misma manera, así como la transición del cine mudo al sonoro revolucionó la industria cinematográfica, la transición de la tecnología análoga a la digital revoluciona nuevamente la industria como negocio y como arte. Los sistemas digitales contribuyen a una evolución artística que crece en proyecciones no aritméticas sino geométricas. Esto hace que el límite sea la imaginación.

El cine independiente salta el obstáculo del bajo presupuesto, usando la recursividad y la creatividad.

Esto no quiere decir que en otro tipo de producciones estén ausentes estas dos características, sino que el cine independiente no existiría sin estos dos elementos. Ser independiente me ha permitido crear un largometraje ultrapersonal, con máximo control creativo en dirección, guión, producción, edición, fotografía, sonorización.

Además, esta independencia me permite ejercitarme mental y físicamente en cada una de las funciones de la realización de una película. Hacer una producción independiente me permitió también usar otro tipo de lenguaje cinematográfico y un contenido controversial que, aunque fue de bajo costo, tal vez no hubiera contado con financiación nacional o internacional.

¿Qué puede adelantarnos ¿Cómo define la propuesta de su segundo largo y de los estética y narrativa de su cine? otros proyectos que tiene en Tomando PVC-1 como ejemplo, porque me interesan las Hollywood? historias que ocurren en los parámetros reales, defino la estética y la narrativa de este trabajo como hiperrealista.

Intencionalmente, PVC-1 no tiene maquillaje, no tiene luz artificial, no tiene locaciones artificiales, no tiene banda sonora; tiene 95 por ciento de actores naturales, y para respetar el tiempo no tiene cortes..

¿Cómo se percibe dentro de la movida actual del cine colombiano y de la cual es protagonista?

Soy parte de la producción independiente, que es el otro

tipo de producción que contribuye al progreso de la industria del cine en Colombia. El cine personal e independiente complementa la calidad de las producciones de la Ley de Cine, y aumenta la cantidad y la calidad del cine colombiano.

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Hace varios meses, uno de los guiones que recibí de Endeavor me interesó más que cualquier otro. Los productores vieron PVC-1 y me contrataron para dirigirla.

Yo les propuse que si también podía reescribir el guión para adaptarlo más a mi visión. Ellos aceptaron, y desde entonces he estado en el proceso de investigación y escritura, y recientemente en la etapa de preproducción.

Puedo decir, en términos generales, que es una cinta bajo la infraestructura hollywoodense pero con control creativo por mi parte. Es una historia inspirada en conocidos hechos reales de 2006, que se convirtieron en uno de los eventos más impactantes de los últimos tiempos. Se firmó un contrato de confidencialidad y por ahora no se dará información específica de la historia.

Martha Ligia Parra* *crítica de cine y periodista

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¡Reflexione!

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FOTOGRAFÍA: NATALIA ESPÍTIA PERILLA

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DESFASE 4 ASALTO/FESTIVAL DE ARTE CALLEJERO 2008 ASALTO 3 CARRERA 15 CON 85 20 ARTISTAS PLASMARON DEL 18 AL 20 DE OCTUBRE LO QUE HOY VEMOS. OTRA FORMA DE COMUNICACION, TODO ALREDEDOR DE LA INTERVENCION DEL MURAL CON STENCIL Y GRAFITTI. LA CALLE COMO INSTRUMENTO VITAL PARA ESTOS ARTISTAS: QDifusor (Barcelona) / Rodez / Beek / Animal Power Culture / Punto Exe / Sub / HSA / Excusado Printsystem/ Mostros CREW .

Foro Urbanidad de muralla / Corporacíon Escuela de Artes y Letras

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