Feliciano ojeda

ARQUITECTURA II

FELIPE VIGARNY

HISTORIA

RAFAEL SANZIO ALBERTO DURERO JUAN DE JUANES

GIOTTO DI BONDONE BENVENUTO CELLINI MICHELOZZO DI BARTOLOMEO

EL RENACIMIENTO EL RENACIMIENTO ITALIANO EL RENACIMIENTO IESPAﾃ前L EL MANERIERISMO EL ARTE BARROCO EL NEOCLASISISMO EL ARTE GOTICO EL ARTE EXOTICO

CONTENIDO

EL RENACIMIENTO ---------------------------- 3 CARACTERISTICAS ------------------------------ 6 ELEMENTOS -------------------------------------- 6 EL RENACIMIENTO ITALIANO --------------- 9 EL RENACIMIENTO IESPAﾃ前L -------------- 11 EL MANERIERISMO -------------------------- 12 EL ARTE BARROCO --------------------------- 16 EL NEOCLASISISMO -------------------------- 33 EL ARTE GOTICO ----------------------------- 38 EL ARTE EXOTICO ---------------------------- 42

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EL RENACIMIENTO No es más que la creciente conciencia cultural de sus habitantes, la cual asiste a una recuperación del legado de la antigüedad y una nueva visión de la naturaleza, que se consideran los únicos caminos para devolver el arte el nivel que poseía antes de la Edad Media, dicho proceso de renovación artística surge en Europa, intensificado y acelerado a lo largo del siglo XV, constituye el periodo que se denomina Renacimiento, considerado como el punto de partida del mundo moderno como una cima inalcanzable, opinión que ha permanecido a lo largo del tiempo, hasta el punto de seguirse valorando como uno de los momentos culminantes de la civilización occidental.

Periodo del Quattrocento (siglo XV).

Los dos mayores exponentes de la Arquitectura del Quattrocento serán Filippo Brunelleschi y León Batista Alberti.

Ambos arquitectos manifiestan una genialidad desconocida hasta el momento. Entre sus obras más destacadas no podemos olvidar la Cúpula de la Catedral de Santa María de las Flores de Florencia (Brunelleschi) y la fachada de Santa María Novella (Alberti).

La primera etapa del Renacimiento se llama Quattrocento y se da en Italia en el siglo XV. Comenzó en la ciudad de Florencia con la familia Médicis. La arquitectura se inspiró en la arquitectura clásica y podemos distinguir dos características: Búsqueda del orden y la proporción. Uso de elementos clásicos: arcos de medio punto, columnas, frontones, cornisas y cúpulas.

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EL RENACIMIENTO ESCULTURA: El Quattrocento (siglo XV).

La escultura, inspirada también los modelos clásicos, se centró en la representación del cuerpo humano.

CARACTERÍSTICAS •Mientras que en la escultura medieval primaba el arte narrativo (se trataba de contar secuencias, episodios evangélicos, etc. Función didáctica) ahora nos encontramos con un arte menos narrativo y mucho más sensorial: se pretende representar figuras o escenas bellas.

Periodo Del Cinquecento (Siglo Xvi).

•La segunda etapa del Renacimiento se llama Cinquecento y se da en Italia y en el resto de Europa durante el siglo XVI. Ahora la ciudad más importante será Roma, en la que el Arte será patrocinado por los papas.

•El centro de la vida política y del arte se encuentra ahora en Roma. Florencia ha perdido ya su primacía.

•Las dos figuras fundamentales de la arquitectura italiana del XVI serán Bramante y Miguel Ángel. La obra central, en la que participarán ambos arquitectos, será de la Basílica de San Pedro del Vaticano.

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•Aunque siguen predominando los temas religiosos, aparecen nuevos temas: paganos, mitológicos y alegóricos, a imitación de la época clásica. La figura humana es el centro de la escultura y aparece de nuevo el desnudo.

•Aparece una nueva estética: el realismo idealizado, que es lo que se conoce como dolcestil nuevo, el dulce nuevo estilo.

EL RENACIMIENTO Escultura Miguel Ángel (1475‐1564) Es la figura que centraliza la primera mitad del cinquecento. No obstante ser al mismo tiempo notable arquitecto y pintor, se comporta sobre todo como escultor.

Como escultor representa la figura humana en sus más diversos sentimientos y estados, pero el más fuerte y dominante de estos fue el dramatismo (terribilitá). Sus figuras destacan tanto por su fuerza física como espiritual. El Moisés.

Leonardo Da Vinci (Italia, 1452‐1519) Es el verdadero maestro de la perspectiva aérea, con la técnica del espumado: las líneas del dibujo desaparecen y los límites de las figuras y volúmenes se difuminan. Con Leonardo el aire aparece en el lienzo, es el aire, en definitiva el que, difuminando los volúmenes, crea la ilusión de cercanía o lejanía, de perspectiva.

Las manos sobre el vientre han hecho pensar a varios investigadores que la modelo se encontraba embarazada en el momento de posar.

La Pintura. El Cinquecento (Siglo Xvi).

La Gioconda. La modelo carece de cejas y pestañas, posiblemente por una restauración demasiado agresiva en siglos pasados, en la cual, se habrían barrido las veladuras o leves trazos con que se pintaron. Según otros expertos, Leonardo nunca le pintó cejas ni pestañas para dejar su expresión más ambigua o porque, realmente, nunca llegó a terminar la obra. El personaje dirige la mirada ligeramente a la izquierda.

La Sonrisa En el siglo XVI Leonardo da Vincipintóla Mona Lisadando el efecto de que la sonrisa desaparezca al mirarla directamente y sólo reaparezca cuando la vista se fija en otras partes del cuadro.

•Resueltos los problemas técnicos, la pintura del Cinquecentono tendrá otra preocupación que la del contenido.

•Se rinde culto a la belleza: desaparece la dureza de los modelados y la pintura deja de emular a la escultura. Si en el quattrocentoprimóla figura masculina, el cinquecentoes el momento del desnudo femenino.

•La luz se torna aire respirable: es el momento de la perspectiva aérea, que sustituye a la perspectiva lineal.

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CARACTERISTICAS Y ELEMENTOS DEL RENACIMIENTO CARACTERISTICAS RENACENTISTA

DEL

ARTE

Imitación de la arquitectura y la escultura de Grecia y Roma.

Realización de una belleza ideal, ajustada a cánones dictados por la razón.

Búsqueda de la serenidad y el equilibrio que proceden de la armonía del todo.

Creación de obras, cuya claridad y perfección, atributos exigidos por la razón universal, les dan una validez permanente.

Es narrativa: expone historias y sucesos, reales o ficticios, sacados de la religión, de la mitología o de la historia.

Es realista: las figuras humanas o de animales, y los objetos inanimados están reproducidos con el mayor cuidado.

El cuadro se presenta con la perspectiva geométrica y da la ilusión de profundidad.

Se da interés preferente al cuerpo humano, en particular al desnudo, cuya anatomía se estudia y copia cuidadosamente.

ELEMENTOS ARQUITECTONICOS RENACIMIENTO

DEL

Corrientemente, los arcos no descansan directamente sobre las columnas, sino que entre ellos se interpone un trozo de entablamento a manera de capitel. La cúpula es el elemento más representativo del renacimiento. La primera fue levantada por Brunelleschi en la catedral de Florencia.

Al edificio, de construcción gótica, le faltaba el cimborrio que debía cubrir la enorme anchura de sus tres naves. Brunelleschi se inspiro en el Panteón de Roma, pero

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EL RENACIMIENTO mientras que la cúpula de este es una media esfera, la altura de la cúpula de la catedral de Florencia es mayor que el radio. Gran realización del segundo renacimiento es la cúpula de la basílica de San Pedro, en Roma, obra de Miguel Ángel y que se eleva hasta alcanzar los 131 Metros. La decoración tipo fantástico en la que el artista combina caprichosamente los diversos reinos de la naturaleza creando seres monstruosos, en parte animales, en parte humanos y en parte vegetales, recibe ahora el nombre ce grutesco, por haberse difundido su uso a raíz de los descubrimientos de las pinturas de este tipo del palacio imperial, cuyos salones, por estar soterrados, parecen grutas. Las iglesias renacentistas son de planta central o cruz latina, con tres naves divididas por columnas en vez de los pilares románicos o góticos. También sobre las pilastras puede levantarse un arco de medio punto o rebajado que hace de cornisa en un lucernario ciego adornado con una concha o una efigie de la Virgen. Por lo general, tanto las pilastras como el dintel están decoradas. Sobre la portada central suele hallarse el rosetón, más pequeño y más sencillo que en el gótico. En el Cinquecento, Vignola, discípulo de Miguel Ángel, crea con la de Jesús de Roma un tipo original de iglesia, con caracteres que preludian el estilo siguiente, el barroco. En el segundo renacimiento el palacio pierde totalmente el aspecto de fortaleza. Como en el Quatrocento encontramos cornisas que dividen horizontalmente la fachada y una cornisa final, de mayores dimensiones, muchas veces coronada por un ático o una balaustrada ornamentada con estatuas que oculta la cubierta.

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EL RENACIMIENTO ITALIANO RENACIMIENTO ITALIANO El renacimiento italiano se origina en las ciudades de florecieron en el centro y norte de Italia, como Florencia, Milány Venecia, su riqueza financió los logros culturales renacentistas. El renacimiento se origina en los siglos XIV y XV y su apogeo es en el siglo XVI. De Italia se extiende lentamente por Europa, excepto Rusia. Representa el renovado interés del período en la cultura de la antigüedad clásica, luego de lo que allí mismo se etiquetó como la "edad oscura".

Estos cambios, aunque significativos, estuvieron concentrados en las clases altas, y para la gran mayoría de la población la vida cambió poco en relación a la Edad Media. El renacimiento italiano es bien conocido por sus logros culturales. Esto incluye creaciones literarias con escritores como Petrarca, Castiglione, y Maquiavelo, obras de arte de Miguel Ángel y Leonardo da Vinci, y grandes obras de arquitectura, como la Iglesia de Santa María del Fiore en Florencia y la Basílica de San Pedro en Roma.

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RELACIONES INTERNACIONALES El norte de Italia se dividió en un número de ciudades estado guerreras, de las cuales las más poderosas eran Milán, Florencia, Pisa, Siena, Génova, Ferrara y Venecia. Por otro lado, durante el alto Medioevo se dieron largas luchas de supremacía entre las fuerzas del papado y del Sacro Imperio Romano Germánico, en que cada ciudad se alineaba con una u otra facción, y aún mostraba luchas internas entre los partidarios de ambos bandos.

EL RENACIMIENTO ITALIANO EL RENACIMIENTO Y SUS CLASES SOCIALES Como movimiento cultural, el renacimiento italiano afectó sólo a una pequeña porción de la población. El norte de Italia era la región más urbanizada de Europa, pero tres cuartos de los habitantes eran campesinos. Para este sector de la población la vida se había mantenido sin cambios en relación a la Edad Media.

El feudalismo clásico nunca había sido importante allí, con los campesinos mayormente trabajando en granjas privadas o como minifundistas. Algunos estudiosos ven una tendencia a la refeudalización en el renacimiento tardío cuando las élites urbanas se convierten en aristócratas de la tierra. En las ciudades la situación era bastante distinta. Estaban dominadas por una élite comercial, que era tan excluyente como la aristocracia de cualquier reino medieval. Fue este grupo el que lideró la atención en la cultura renacentista. Bajo ellos había una gran clase de artesanos y miembros de gremios que vivían vidas confortables y tenían un poder significativo en los gobiernos republicanos. Esto estaba en agudo contraste con el resto de Europa donde los artesanos no superaban las clases bajas.

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EL RENACIMIENTO ITALIANO FIN DEL RENACIMIENTO ITALIANO El fin del renacimiento resulta tan impreciso como su inicio. Para muchos, la llegada al poder en Florencia del austero monje Girolamo Savonarola en 1497 marca el fin del florecimiento de la ciudad. Para otros, el retorno triunfante de los Médicis representa el comienzo de la etapa artística tardía denominada manierismo. Savonarola alcanza el poder durante un retroceso generalizado contra el secularismo y la indulgencia del renacimiento su corto gobierno promovió que muchas obras de arte fueran destruidas en la "Hoguera de las vanidades" en el centro de Florencia. Con los Medicis de nuevo en el poder, ahora como grandes duques de Toscana, la contrarreforma en las iglesias continuó.

En 1542 se fundó la Inquisición y pocos años después se creó el Index Librorum Prohibitorum, excluyendo un gran conjunto de obras literarias renacentistas.

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También resultó importante el fin de la estabilidad, mediante una serie de invasiones extranjeras, conocidas como las Guerras italianas, que continuaron por varias décadas. Comenzaron en 1494 con la invasión francesa que devastó el norte de Italia y puso fin a la independencia de muchas ciudades-estado. Más dañino fue el saqueo de Roma, el 6 de mayo de 1527, a cargo de tropas alemanas y españolas, que interrumpió por dos décadas el rol del papado como el principal mecenas de arte y arquitectura del renacimiento.

Mientras el renacimiento italiano se diluía, el renacimiento nórdico adoptaba muchos de sus ideales y transformaba sus estilos.

Muchos grandes artistas italianos eligieron emigrar. El ejemplo más notable fue Leonardo da Vinci, quien se trasladó a Francia en 1516, pero equipos de artistas menores invitados a transformar el castillo de Fontainebleau, crearon la escuela del mismo nombre, que difundió el estilo del renacimiento italiano en Francia. Desde Fontainebleau los nuevos estilos, transformados por el manierismo, llevaron el renacimiento a Amberes, y de allí a todo el norte de Europa.

EL RENACIMIENTO ESPAÑOL EL RENACIMIENTO ESPAÑOL

El Renacimiento Español del nuevo arte tuvo que enfrentarse al fuerte arraigo del gótico y del mudéjar. El auge extraordinario del gótico final se debe a que por su riqueza decorativa sirve bien a la monarquía poderosa; mientras que el arte mudéjar consigue edificios cómodos, ricos y baratos con los materiales y las técnicas tradicionales del ladrillo, el yeso y la madera. El reflejo español de la arquitectura del Quattrocento es el plateresco. Más tarde llegará la influencia de Bramante que tendrá su reflejo en el estilo herreriano.

La arquitectura civil (casas o palacios señoriales, hospitales, colegios, ayuntamientos, universidades, etc.) tuvo tanta importancia como la religiosa (catedrales, capillas, claustros conventuales, etc.). Durante el plateresco se logra un tipo de arquitectura doméstica bien definida: el palacio del rey y del noble. Consta de fachada monumental, con portada simétrica, torres en los extremos, galería en el piso alto de la fachada, amplio patio porticado con escalera monumental, también se caracteriza por su expresividad, llega a cubrir amplios espacios, enmascarando las estructuras del edificio.

Durante el primer periodo, la decoración es más plana, más menuda, menos movida y los temas animales y humanos menos frecuentes.

Con posterioridad, esa decoración aumenta en escala y en relieve y se nos muestra con un mayor dramatismo.

El último tercio del siglo XVI, que coincide aproximadamente con el reinado de Felipe II, ve desarrollarse en España un nuevo estilo

arquitectónico, el herreriano, con notables diferencias respecto al plateresco y coincidente con el manierismo europeo representado por Vignola y los discípulos de Miguel Ángel.

La simplicidad y desnudez del estilo herreriano triunfa por varias razones. Por una parte, su sobria grandeza servía muy bien a los deseos de dignidad, pureza y austeridad del mundo cristiano después de la Contrarreforma. El tamaño colosal del edificio aparece como un símbolo del poder de la monarquía y del Imperio. El estilo herreriano, además de la austeridad decorativa, se caracteriza por el rigor geométrico, gusto por las relaciones matemáticas entre los elementos, por el exquisito sentido de las proporciones y de las formas, por volúmenes netos, aristas vivas y muros limpios.

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EL MANERIERISMO El término deriva de la palabra italiana maniera (que significa «estilo» o «buen estilo»), y se popularizó sobre todo gracias a los escritos de Vasari, quien lo utilizaba en sentido positivo en referencia a las cualidades de gracia, equilibrio, facilidad y sofisticación, características bastante evidentes en gran parte del arte admirado en su tiempo. Desde el siglo xvii, sin embargo, prevaleció la opinión de que la mayor parte del arte italiano de la época de Vasari marcaba un declive desde la cumbre de perfección y armonía alcanzada durante el Alto Renacimiento por Leonardo, Miguel Ángel y Rafael, y el término «Manierismo» comenzó a sugerir un arte caracterizado por la artificialidad, la superficialidad y la exageración, una especie de plagio y distorsión de la obra de los grandes maestros.

El periodo del Manierismo, que a grosso modo se extiende entre 1520 y 1580 en Italia, aunque perduró hasta fechas posteriores en muchos países, fue considerado peyorativamente durante los si-glos XVII-XIX como un nudo de decadencia situado entre el Renacimiento y el Barroco, pero ha sido revalorizado desde los años 1910-1920 por la histo-riografía alemana como un estilo pujante y muy creativo. La historiografía se ha dividido en dos grandes ten-dencias sobre su interpretación. La primera en el tiempo defiende una clara ruptura entre Renacimiento y Manierismo; la segunda, más actual pero minoritaria (Arasse y Tönnesmann), predica una gran continuidad entre ambos.

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EL MANERIERISMO El Manierismo se relaciona ideológica-mente con el fin del Renacimiento y el principio de la Reforma protestante y de la paralela Contrarreforma católica. Es una época de desequilibrios y cambios, de continuas guerras, lo que se refleja en un arte que representa el caos, la violencia y la des-trucción. Es un arte intelectual, vincu-lado a las élites culturales, tal vez de escasa influencia directa sobre el pueblo, pero sí sobre los círculos del poder político, sobre las cortes reales de España y Francia especialmente.

Los artistas son contratados para realizar los edificios y los programas iconográficos que legitimen el poder absoluto de la Iglesia Católica y del Estado encarnado en el príncipe. San Pedro de Roma y Fon-tai-nebleau representan este ensalzamiento del poder, que perdurará en el Barroco del sur europeo.

Sus maes-tros son el último Miguel Ángel, Pontormo, Parmigianino, Rosso Flo-rentino que abanderan un cambio estilís-tico y estético, una reac-ción con-tra el clasi-cis-mo del Alto Re-na-ci-miento (1500-1525) y su doctrina de imita-ción del mundo real, e impo-nen en cambio la ‘maniera’, el es-tilo individual sostenido en la libertad del artista para buscar su propio camino de creación personal. Se olvida pues el estricto sentido de la proporcionalidad, calma y serenidad que inspiraban lo clásico.

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EL MANERIERISMO ARQUITECTURA MANIERISTA

Entre

sus

características

destacan: La arbitraria alteración de la correspondencia entre las partes y el conjunto del edificio, con lo que rompe la lógica de las relaciones espaciales y se provoca la desintegración de la estructura renacentista.

La preferencia por los espacios longitudinales y salas estrechas que favorecen la perspectiva.

La pérdida o debilitación de las coordenadas axiales, las que ordenan el edificio según un eje de simetría.

Destaca el Palacio del Té, en Mantua, obra de Giulio Romano.

MANIERISMO ESCULTÓRICO Hay preferencia por la figura “serpentinata”, contorsionada con artificio de formas que dibujan la ascensión helicoidal.

Destaca Juan De Bolonia con la Fuente de Neptuno en Bolonia y el Rapto de las Sabinas.

La tendencia al desgarramiento propio de este estilo aparecen en la exagerada musculatura de “Perseo con la cabeza de Medusa” de Benvenutto Cellini. Fue fundida en bronce de una sola pieza, lo que supone una enorme dificultas técnica.

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EL MANERIERISMO PINTURA MANIERISTA. Se caracteriza por la arbitrariedad en el uso del color y las proporciones.

Las proporciones anatómicas se alteran a su voluntad. El alargamiento de las figuras es constante. Ej.: Madonna del cuello largo de PARMIGIANINO. Se prefiere el trazado serpentiforme, los abundantes y tensos escorzos, la distorsión como forma de expresar una dramática escisión en la conciencia y en el mundo.

Las figuras está constreñidas en marcos estrechos, lo que acentúa las expresiones angustiadas.

La utilización de fondos negros, en los que se representan las figuras como auténticos objetos-luz, nos anuncian en Barroco.

Otro autor es Corregido, con este "Ío y Zeus”

ARQUITECTOS Y SUS OBRAS Algunos de los elementos que aparecen en el manierismo son por ejemplo el desarrollo de la perspectiva lineal y de la proporción.

Otro elemento muy importante por su influencia posterior y por su avance en la pintura fue el " esfumado " que empezó a ser utilizado por Leonardo Da Vinci. Esta técnica sería utilizada por muchos pintores posteriores. Las figuras aparecen con grandes escorzos, rompiendo las proporciones simétricas y proporcionadas del arte clásico.

4 representantes del manierismo podrían ser por ejemplo: el propio Miguel Ángel, un genio total que hizo obras con elementos auténticamente manieristas, como la realización de la "escalinata laurenciana" que daba acceso a la biblioteca de la iglesia de San Lorenzo. Otros artistas manieristas podrían ser Tiziano, Tintoretto, Bramante, El Greco, entre otros. Obras destacadas de este periodo pueden ser aparte de la ya mencionada pues, "El entierro del Conde Orgaz", "Isocefalia", o "Laoconte y sus hijos".

Espero que te sirva de ayuda, no lo he buscado en internet, sino que me lo sé porque lo he estudiado. Saludos!!

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EL ARTE BARROCO Fue un período de la historia en la cultura occidental originado por una nueva forma de concebir las artes visuales (el estilo barroco) y que, partiendo desde diferentes contextos histórico y culturales, produjo obras en numerosos campos artísticos: literatura, arquitectura, escultura, pintura, música, ópera, danza, teatro, entre otros.

Se manifestó principalmente en la Europa occidental, aunque debido al colonialismo también se dio en numerosas colonias de las potencias europeas, principalmente en Latinoamérica.

Cronológicamente, abarcó todo el siglo XVII y principios del XVIII, con mayor o menor prolongación en el tiempo dependiendo de cada país. Se suele situar entre el Manierismo y el Rococó, en una época caracterizada por fuertes disputas religiosas entre países católicos y protestantes, así como marcadas diferencias políticas entre los Estados absolutistas y los parlamentarios, donde una incipiente burguesía empezaba a poner los cimientos del capitalismo.

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EL ARTE BARROCO BARROCO UN CONCEPTO POLISEMICO El término barroco proviene de un vocablo de origen portugués (barroco), cuyo femenino denominaba a las perlas que tenían alguna deformidad como en castellano el vocablo barruecos. Fue en origen una palabra despectiva que designaba un tipo de arte caprichoso, grandilocuente, excesivamente recargado.

Otra teoría lo deriva del sustantivo baroco, un silogismo de origen aristotélico proveniente de la filosofía escolástica medieval, que señala una ambigüedad que, basada en un débil contenido lógico, hace confundir lo verdadero con lo falso. Así, esta figura señala un tipo de razonamiento pedante y artificioso, generalmente en tono sarcástico y no exento de polémica. El término barroco fue usado a partir del siglo XVIII con un sentido despectivo, para subrayar el exceso de énfasis y abundancia de ornamentación, a diferencia de la racionalidad más clara y sobria de la Ilustración. El arte barroco se expresó estilísticamente en dos vías: por un lado, hay un énfasis en la realidad, el aspecto mundano de la vida, la cotidianeidad y el carácter efímero de la vida, que se materializó en una cierta vulgarización del fenómeno religioso en los países católicos, así como en un mayor gusto por las cualidades sensibles del mundo circundante en los protestantes, Cabe destacar que el Barroco es un concepto heterogéneo que no presentó una unidad estilística ni geográfica ni cronológicamente, sino que en su seno se encuentran diversas tendencias estilísticas, principalmente en el terreno de la pintura.

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EL ARTE BARROCO ARQUITECTURA La arquitectura barroca asumió unas formas más dinámicas, con una exuberante decoración y un sentido escenográfico de las formas y los volúmenes. Cobró relevancia la modulación del espacio, con preferencia por las curvas cóncavas y convexas, poniendo especial atención en los juegos ópticos (trompe-l'œil) y el punto de vista del espectador. También cobró una gran importancia el urbanismo, debido a los monumentales programas desarrollados por reyes y papas, con un concepto integrador de la arquitectura y el paisaje que buscaba la recreación de un continuum espacial, de la expansión de las formas hacia el infinito, como expresión de unos elevados ideales, sean políticos o religiosos.

CARACTERISTICAS DEL ARTE BARROCO Sentido del movimiento, la energía y la tensión.

Fuertes contrates de luces y sombras realzan los efectos escenográficos de muchos cuadros, esculturas y obras arquitectónicas.

Intensa espiritualidad aparece con frecuencia en las escenas de éxtasis, martirios y apariciones milagrosas, Insinuación de enormes espacios en la pintura y escultura barrocas, tanto en el renacimiento como en el barroco.

Los pintores representan correctamente el espacio y la perspectiva.

Las pinturas no se representan como estereotipos sino de manera individualizada, con su personalidad propia.

Los artistas buscaban representar los sentimientos interiores, las pasiones y los temperamentos, magníficamente reflejados en los rostros de sus personajes.

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EL ARTE BARROCO CARACTERÍSTICAS DE LA ARQUITECTURA BARROCO El uso de la línea curva, tanto en las estructuras de los edificios como en la decoración.

Destaca el uso de las columnas salomónicas, que son las que tienen el fuste en espiral, y da una sensación de movilidad.

La utilización de efectos luminosos en los edificios a través de una gran profusión de entrantes y salientes, es decir, de fachadas con distinta profundidad; y de fronteros rotos, es decir, de fronteros en los que alguno de sus lados no está cerrado.

La abundancia de decoración y de adornos en las fachadas e interiores.

La utilización de materiales ricos, especialmente en las Iglesias, para producir una sensación de ostentación.

Para diferenciar la arquitectura barroca de la arquitectura renacentista, vamos a analizar algunos monumentos de la época, y a resaltar las características que los diferencien.

Es el Badalquino de la basílica de San Pedro, que fue construida por Bernini. Pienso que en esta obra se ven claramente todas las características nombradas anteriormente.

Hay uso de las columnas salomónicas, gran utilización de líneas curvas, etc. Juega con los efectos luminosos porque, al recargarlo tanto en adornos, obtiene muchos entrantes y salientes. Bajo mi punto de vista el frontón está excesivamente cargado, e incluso da una sensación de sobrepeso.

Monasterio de San Lorenzo del Escorial, de Juan de Herrera. Destaca en este monumento el no dinamismo de la obra. Se puede apreciar una gran sencillez y abundancia de líneas rectas. No hay cúpulas, puesto que he observado que son mucho más abundantes en el barroco. Las ventanas están ordenadas muy simétricamente.

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EL ARTE BARROCO PINTURA El pintor barroco plasma la realidad tal y como la ve, con sus límites imprecisos, sus formas que salen y entran, los objetos de primer plano intrascendentes, los escorzos y las posturas violentas, y las composiciones diagonales que dan a la obra gran dinamismo.

Se acude a los temas religiosos, escenas de santos, mitológicos, el retrato, tanto el individual como el de grupo, y surge como tema nuevo el bodegón.

No se entiende la pintura barroca sin hacer referencia a dos estéticas diferentes: el tenebrismo y el eclecticismo.

El tenebrismo consiste en el choque violento de la luz contra la sombra. El fondo queda en penumbra, o desaparece, mientras que la escena queda en primer plano.

El eclecticismo trata de salvar el gusto clásico dentro de la nueva norma. Se trata de una estética decorativa efectista y teatral.

CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA La pintura barroca tuvo unas técnicas comunes, pero las obras tienen unas características comunes: Se impuso el realismo, representar las cosas tal y como eran, incluso sus rasgos desagradables.

Se usaron composiciones menos simétricas y personajes y actitudes poco serenas, para dar una mayor movilidad y fuerza a las representaciones.

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EL ARTE BARROCO Se utilizaba una técnica llamada claroscuro.

Se basaba en generalizaron los fuertes efectos luminosos, es decir, que se mezclaban zonas de sombra con otras de intensa luz.

Las representaciones tenían gran emotividad y los personajes mostraban los sentimientos muy intensamente.

La pintura barroca se caracterizaba por los siguientes temas: escenas religiosas, retratos, mitología, escenas cortesanas e imágenes de la vida cotidiana, aunque empiezan a desarrollarse también los paisajes y los bodegones, que también recibe el nombre de “naturaleza muerta”.

Para diferenciar la pintura barroca de la pintura renacentista, vamos a analizar algunos cuadros de la época, y a resaltar las características que los diferencien.

Esta imagen es de Bartolomé Esteban Murillo. Un pintor que nació en Sevilla en el 1617. Su pintura es de tonos suaves y expresión amable, que se ve claramente en sus Inmaculadas Una de las más importantes de Murillo es la Inmaculada Concepción. Este cuadro no tiene simetría, e incluye la técnica que se denomina claroscuro, que se basa en realizar grandes efectos luminosos, es decir, que mezclaban zonas de sombras con otras de intensa luz.

Utiliza una pincelada muy suelta y ligera y un uso más vaporoso de los colores. El tema se percibe claramente que es la religiosidad, puesto que, la Contrarreforma exaltaba a la Virgen como respuesta de la Reforma. Ésta obra la pintó Rigaud. El arte del Barroco Francés estuvo al servicio de la monarquía, y las características de este retrato son prácticamente las características del sistema de gobierno de Luis XIV. El rey aparece de

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EL ARTE BARROCO cuerpo entero, dominando una perspectiva de paisaje sobre una ciudad que están atacando sus tropas. Como jefe militar, aparece con armadura pulida y con peluca negra. Lleva la banda blanca de general y la banda de seda azul, colocadas en las caderas arremolinadas. La Gioconda, es una obra de Leonardo da Vinci. Este señor no nos dejo una extensa obra, pero si una que nos puede impresionar bastante. La Gioconda, también llamada la Madonna Lisa, tiene una mirada enigmática, y este gran pintor le ha dado el efecto óptico necesario para obtener que el retrato de Lisa parezca muy real, e incluso que se va a salir del cuadro. Tiene un hermoso paisaje del fondo, de un matizado tono azul que lo hace desaparecer en un degradado invisible.

En este cuadro se ha utilizado la técnica del esfumado. Ésta es una técnica que difumina suavemente los rasgos hasta hacer indefinibles los contornos, mediante el uso de tonos vagos y juegos de sombras. Su objetivo es potenciar la sensación de profundidad y potenciar la inmersión de las figuras de su entorno.

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EL ARTE BARROCO ESCULTURA Los temas tienden a ser más profanos, mitológicos, en donde el desnudo adquiere particular importancia. Además, la escultura se vuelve urbana, aparecen en las calles, plazas y fuentes, integradas con la arquitectura.

La escultura barroca se caracteriza por su fuerza y su monumentalidad, su movimiento compositivo, su dinamismo, proyectado hacia fuera, sus composiciones diagonales, su expresividad y su tratamiento de la ropa.

CARACTERÍSTICAS DE LA ESCULTURA Se impuso el realismo en las representaciones, a las que se dotó de rasgos físicos y movimientos naturales.

Todos los detalles del cuerpo humano se representaron minuciosamente.

Las representaciones mostraban un gran patetismo. Se exaltaron los sentimientos y se dio mucha teatralidad a los gestos. Hubo un gran interés por plasmar la psicología de los personajes.

Las figuras adquirieron gran movilidad, energía y vitalidad. Se hizo muy habitual que éstas se engarzasen unas con otras formando composiciones muy complejas.

Se impuso el gusto por lo teatral y las composiciones se pensaban como auténticas escenografías, es decir, como decorado para una representación teatral.

Se potenciaron los efectos luminosos. Los pliegues de la ropa y los gestos de las figuras provocaban combinaciones de luces y sombras..

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EL ARTE BARROCO La temática de las esculturas barrocas fue muy variada. En los países católicos eran frecuentes las representaciones religiosas. En todos los casos se desarrollaban los retratos y las escenas mitológicas.

Para diferenciar la escultura barroca de la escultura renacentista, vamos a analizar algunas obras de la época, y a resaltar las características que los diferencien. Éstas 2 obras se denominan “La Piedad”, pero una es de Miguel Ángel y otra es de Gregorio Fernández, una es del renacimiento y otra del barroco. Bueno, ahora las analizaré más a fondo.

La de la derecha es de Gregorio Fernández. En esta escultura yo veo una gran viveza y expresividad, queriendo exaltar los sentimientos.

Esto último se puede observar en el rostro, en el que con la Virgen nos quiere transmitir el sufrimiento. Es asimétrica. El dinamismo de la escultura nos hace apreciar aún más la vida de la escultura, la cual en el barroco huye de idealizaciones. Pienso que las manos abiertas contribuyen aún más en lo último nombrado, es decir, en la viveza.

La escultura renacentista de la izquierda es de Miguel Ángel. Ésta, tiene las ropas con grandes hundimientos, lo que nos expresa movilidad en la obra, sin embargo, lo que más se diferencia al barroco es que ésta obra no tiene vida ni expresividad, de hecho la Virgen no tiene cara de sufrimiento, sino un rostro agradable. Dicha escultura es más simétrica que la anterior y sin energía ninguna.

Un detalle que puede hacerte ver si es una escultura barroca o renacentista son, el rostro el cual ya hemos mencionado, y las manos, que ahora las analizaré. Bueno, me he fijado que, en la mayoría de las obras renacentistas los personajes tienen las manos entreabiertas o cerradas, sin embargo en el barroco las tienen muy abiertas. Mi opinión es que las manos abiertas contribuyen a los que se busca en el barroco: la expresividad; sin embargo las manos entreabiertas o cerradas dan una sensación de serenidad y armonía en la obra, por lo que pienso que las manos es un objeto importante para determinar si una escultura es barroca o renacentista.

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EL ARTE BARROCO CIUDAD BARROCA

En la valoración de la ciudad barroca, la ruptura de las murallas, la convierte en ciudad abierta. Suprimió las fortificaciones, sustituyéndolas por un anillo casi completo de boulevard. Estas ciudades heredan el planteamiento del renacimiento y de las ciudades ideales, que se configuraban en base a la armonía geométrica. Es en definitiva, un urbanismo abierto en contacto con la naturaleza y que busca la integración de las partes en un todo organizado. Crear ciudades como obra de arte de mayor impacto visual, que busca el uniformismo de sus plazas y grandes avenidas. En vez de empezar con un sistema.

ESTRUCTURA DE LA CIUDAD BARROCA

Plazas: Es unos de los elementos más importante del urbanismo barroco, embellecen la ciudad y son punto de referencia para el trazado de calles que las unen.

Palacios: Fortaleza, cerrado y con patio, los edificios se relacionan con los diversos patios y dependencias, a la vez que se buscan perspectivas diferentes.

Templos: La relación con Dios se hace dialogo por medio de la obra artística. Las ceremonias necesitan una buena acústica y visibilidad para escuchar la predicación y seguir el lenguaje gestual del orador. El espacio unitario de las iglesias Jesuíticas con circulación independiente en las capillas laterales y la preferencia por la planta de cruz latina ¨tradicional¨, con una gran cúpula en el crucero es el modelo preferido para las grandes iglesias.

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EL ARTE BARROCO PLANTAMIENTO URBANO DEL BARROCO El crecimiento abrupto de las ciudades capitales de la época barroca es, como hoy en día, es una de las razones por las que se plantean de nuevas formas de pensar la disposición urbana. Ya que en caso de acelerado aumento poblacional, los servicios y dimensiones públicas, no alcanzar a dar una provisión de la ciudad.

Estos cambios provocan directamente un nuevo mecanismo social, que es construido para enfrentar la nueva vida en la ciudad.

CHURRIGUERESCO El churrigueresco es una etapa, así como un estilo arquitectónico, de España, que se dio en la época del barroco, y llegó hasta el Nuevo Mundo, como en los edificios construidos en los virreinatos de Perú y Nueva España (donde se le conoció como barroco estípite), alcanzando un gran desarrollo.

El término churrigueresco proviene del apellido Churriguera. Los Churriguera fueron una familia de arquitectos barrocos cuya obra se caracterizó porque presentó una recargada decoración. Por extensión, el término se ha utilizado para denominar el barroco español del primer tercio del siglo XVIII. Se entendían por churriguerescas todas aquellas arquitecturas que poseían un marcado movimiento y una abigarrada ornamentación, sobre todo en la retablística.

Este estilo es una variante del estilo barroco que presenta más ornamentación. Fueron construcciones de retablos efímeros y también en lo arquitectónico.

El primero de los Churriguera fue José de Churriguera (1665-1725), quien se formó como ensamblador de retablos, elaborando algunos muy importantes para diversos templos de Salamanca, Madrid, Valladolid y otras ciudades de España. Algunos han desaparecido y actualmente sólo se conservan algunas trazas.

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EL ARTE BARROCO CARACTERÍSTICAS Se caracterizó por las columnas retorcidas ondulantes, llamadas salomónicas; por el recargo de adornos apiñados unos a otros con expresiones de flores, frutos, bustos, caras de ángeles, adornos heráldicos etc; y la aplicación impresionante de lujo y riqueza, con las aplicaciones de pan de oro.

Como muestra de este estilo tenemos la iglesia de San Agustín, de la Merced y San Marcelo en Lima, de Magdalena Vieja en Pueblo Libre; templos como los de Paucarcolla, los de Pomata, Juli, Lampa y Zepita en Puno y gran parte de los templos del Cusco de una belleza incomparable, retablos dorados (pan de oro) de altares de muchas iglesias de Ayacucho y Arequipa.

PRINCIPALES AUTORES DEL CHURRIGUERESCO JERONIMO DE BALBAS Fue arquitecto y escultor español, introductor de uno de los elementos más característicos del barroco mexicano: el estípite. Se cree que nació en Zamora (Castilla y León) Obras: En Madrid realizó el suntuoso retablo del Sagrario de la Catedral hispalense, llamado Furibunda Fantasía, destruido por el fuego en 1824 En México, comenzó a trabajar en su obra cumbre, el Retablo de los Reyes de la Catedral Metropolitana de la Ciudad de México.

También es autor del retablo de la capilla de la Orden Tercera y de los retablos del altar mayor o Ciprés y del Perdón de la Catedral de la capital de la Nueva España.

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EL ARTE BARROCO FAMILIA CHURRIGUERA El término churrigueresco proviene del apellido Churriguera. Los Churriguera, eran una familia de arquitectos barrocos cuya obra se caracteriza porque presenta una recargada decoración.

La familia del arte de los Churriguera, iniciada por Joseph Churriguera y José Simón Churriguera, abuelo y padre del trascendente José Benito Churriguera, además de sus hermanos Joaquín y Alberto, después por sus descendientes Jerónimo y Nicolás, generación artística reconocida y famosa por desarrollar en Madrid y específicamente en el arte religioso de toda España, poseen en sus más exquisitas obras: • Floraciones de ángeles con actitudes de vuelo.

• Nichos con doseles y cortinajes.

• Querubines con las alas cruzadas.

• Roleos y conchas abultadas.

• Ménsulas resaltadas.

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EL ARTE BARROCO JOSE BENITO DE CHURRIGUERA Nació en Madrid, el 21 de marzo de 1665 y moriría el 2 de marzo de 1725 fue un arquitecto barroco español, Su influencia, junto con el trabajo de sus hermanos Alberto y Joaquín, definió el llamado estilo churrigueresco, caracterizado por la abundancia y protagonismo de la decoración.

Se forma en el taller de su padre, y a la muerte de éste en 1679, José asume la jefatura de la familia. Una de las primeras obras que lo hacen famoso es el retablo de la capilla del Sagrario en la Catedral de Segovia, construido en 1689, que le vale, en 1690, la designación como arquitecto de la catedral.

El retablo del convento de San Esteban, en Salamanca, diseñado en 1692, obra de gran impacto que originó el adjetivo churrigueresco.

Una de las obras artísticas que también le valieron la atención pública fue el catafalco para la primera esposa de Carlos II, María Luisa de Orleans, erigido temporalmente en la Iglesia de la Encarnación de Madrid.

El obituario de Churriguera lo reconoce como "el Miguel Ángel" español.

Obras: 1. En Salamanca realizó el Retablo de la iglesia de San Esteban 2. Fachada del palacio de la calle Alcalá de Madrid, 3. Se dedico a edificar Nuevo Baztán (centro urbanístico) 4. Retablo para la parroquia de San Sebastián 5. Coro de la Catedral de Salamanca.

6. Plaza Mayor de Salamanca, etc.

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EL ARTE BARROCO JOAQUÍN DE CHURRIGUERA A José le seguía en edad su hermano Joaquín, que también había nacido en Madrid y se trasladó a Salamanca seguramente requerido por su hermano.

Allí se centrará principalmente su actividad artística, dejando tres de sus mejores obras: la Hospedería del colegio Anaya, el colegio de Calatrava y la cúpula de la catedral nueva.

ALBERTO CHURRIGUERA Nació en 1676 en Madrid y al igual que su hermano Joaquín fue a Salamanca a trabajar con su hermano José.

Su obra más importante es la construcción de la Plaza Mayor de Salamanca. Es de planta cuadrada y el alzado de los edificios se estructura en cuatro pisos. En 1731 comienza la construcción de la Iglesia de San Sebastián de Salamanca, unida al Colegio de Anaya. Es una iglesia de una sola nave cubierta con bóveda de cañón con lunetos y con cúpula octogonal sobre el crucero.

Su última obra es la Iglesia parroquial de Orgaz, en Toledo.

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EL ARTE BARROCO ARQUITECTOS Pedro de Rivera, autor de la portada del antiguo hospicio de Madrid.

Andrés García de Quiñones, a quien se debe el patio de la Clerecía de Salamanca.

Hipólito Rovira, de quien merece mención la fachada del palacio del marqués de Dos Aguas, en Valencia.

Narciso Tomé: Transparente de la catedral de Toledo.

Leonardo de Figueroa: Francisco Antonio Guerrero y Torres, incorporaron en sus edificaciones algunos de los componentes más significativos.

Lorenzo Rodríguez

PRINCIPALES OBRAS RETABLO DE LOS REYES Es de tres cuerpos verticales o calles formados por altas pilastras estípites, entre las cuales quedan comprendidas esculturas policromadas de reyes y reinas canonizadas en medio de una profusión de detalles como querubines, guirnaldas, ramilletes y follajes.

Los reyes y reinas santos colocados en este retablo son: Santa Margarita, Santa Elena, Santa Isabel de Hungría, Santa Isabel de Portugal, Santa Cunegunda y Santa Edita; y San Hermenegildo, San Eduardo, San Casimiro, San Luis y San Fernando.

RETABLO DE SAN ESTEBAN DE SALAMANCA Fue considerado como prototipo en la “arquitectura” churrigueresca.

Obra que combina el uso de estípites y columnas salomónicas, cuya asta se gira en espiral José de churriguera

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EL ARTE BARROCO HOSPICIO DE MADRID El arquitecto Pedro de Ribera sorprende con sus diferentes planteamientos tipológicos en una clara aportación innovadora. Aunque se trata de una obra preexistente, en su interior procura adaptarla a su función específica y, en el exterior, busca un elemento de atención explícita con un adosado plástico que pone en valor los clarísimos diafragmas de las superficies murales. Establece la unidad del plano conteniéndola entre dos cortinajes laterales, a los que otorga un efecto escenográfico.

EL SAGRARIO Realizada por Lorenzo Rodríguez a partir de 1751, se ordena como un retablo comprimido entre dos pilastras laterales. La portada está compuesta por dos cuerpos, en los que las calles del superior se fragmentan en una sucesión ininterrumpida de estípite LA CASA DE LOS MASCARONES Residencia del siglo XVIII que perteneció a los condes del Valle de Orizaba.

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EL NEOCLASISISMO EL NEOCLASISMO

ORIGENES

Es el movimiento estético que venía a reflejar en las artes los principios intelectuales de la Ilustración, que desde mediados del siglo XVIII se venían produciendo en la filosofía, y que consecuentemente se habían transmitido a todos los ámbitos de la cultura. Sin embargo, coincidiendo con la decadencia de Napoleón Bonaparte, el Neoclasicismo fue perdiendo adeptos en favor del Romanticismo.

Con el deseo de recuperar las huellas del pasado se pusieron en marcha expediciones para conocer las obras antiguas en sus lugares de origen. La que en 1749 emprendió desde Francia el arquitecto Jacques-Germain Soufflot, dio lugar a la publicación en 1754 de las Observations sur les antiquités de la ville d'Herculaneum, una referencia imprescindible para la formación de los artistas neoclásicos franceses. En Inglaterra la Society of Dilettanti (Sociedad de Amateurs) subvencionó campañas arqueológicas para conocer las ruinas griegas y romanas.

También hay que valorar el papel que desempeñó Roma como lugar de cita para viajeros y artistas de toda Europa e incluso de América. Allí surgió en 1690 la llamada Academia de la Arcadia o Arcades de Roma, que con sus numerosas sucursales ocoloniae por toda Italia y su apuesta por el equilibrio de los modelos clásicos y la claridad y la sencillez impulsó la estética neoclásica.

La villa romana se convirtió en un centro de peregrinaje donde viajeros, críticos, artistas y eruditos acudían con la intención de ilustrarse en su arquitectura clásica. Entre ellos estaba el prusiano Joachim Winckelmann (1717-1768), un entusiasta admirador de la cultura griega y un detractor del rococó francés; su obra Historia del Arte en la Antigüedad (1764) es una sistematización de los conocimientos artísticos desde la antigüedad a los romanos.

CARACTERÍSTICAS GENERALES

Inspiración en las obras de la época clásica, que se tienen por perfectas y definitivas.

Aspiración a una belleza ideal, nacida de la exacta relación de las partes, según medidas dadas por la razón. En las artes plásticas: dibujo impecable, contornos cerrados, volúmenes modelados de modo que da la ilusión de redondez de los cuerpos; colorido suave y composición simétrica y estática.

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EL NEOCLASISISMO ARQUITECTURA Se caracterizó por la simetría, la elegancia y la sobriedad, el empleo de un solo orden (dórico, jónico o corintio, en lugar de la superposición barroca); además del énfasis sobre los valores lumínicos, la división tripartita de la fachada con tímpano central, la eliminación del color, el gusto por los arcos de triunfo y las columnas conmemorativas.

La arquitectura puede ser analizada como una rama de las artes social y moral. La Enciclopedia le atribuyó la capacidad de influir en el pensamiento y en las costumbres de los hombres. Proliferan así las construcciones que pueden contribuir a mejorar la vida humana como hospitales, bibliotecas, museos, teatros, parques, etc., pensadas con carácter monumental. Esta nueva orientación hizo que se rechazara la última arquitectura barroca y se volvieran los ojos hacia el pasado a la búsqueda de un modelo arquitectónico de validez universal.

Nacen movimientos de crítica que propugnan la necesidad de la funcionalidad y la supresión del ornato en los edificios.

Francesco Milizia (1725-1798) en Principi di Architettura Civile (1781) extendió desde Italia las concepciones rigoristas a toda Europa. Mientras, en Francia, el abate MarcAntoine Laugier (1713-1769) propugna en sus obras Essai sur l'Architecture (1752) y Observations sur l'Architecture (1765) la necesidad de crear un edificio en el cual todas sus partes tuvieran una función esencial y práctica y en el que los órdenes arquitectónicos fueran elementos constructivos y no sólo decorativos, todo ello para hacer una arquitectura verdadera: la construida con lógica.

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Todos los arquitectos parten de unos supuestos comunes como son la racionalidad en las construcciones y la vuelta al pasado.

Los modelos greco-romanos dieron lugar a una arquitectura monumental que reproduce frecuentemente el templo clásico para darle un nuevo sentido en la sociedad civil.

EL NEOCLASISISMO También el inglés James Stuart (1713-1788), un arquitecto arqueólogo al que se ha llamado el Ateniense, en su monumento a Lisícrates en Staffordshire, reprodujo el monumento corágico de Lisícrates, en Atenas.

Italia prefirió recrear sus modelos antiguos ya bien avanzado el siglo XVIII y en los comienzos del siglo XIX. El modelo del Panteón de Agripa en Roma se repite en un gran número de templos, como el de la Gran Madre de Dio en Turín y San Francisco de Paula en Nápoles, ambos terminados en 1831, que reproducen el pórtico octástilo y el volumen cilíndrico del Panteón.

Otros arquitectos, los llamados utópicos, revolucionarios o visionarios, plantearon edificios basados en las formas geométricas. No despreciaron la herencia del pasado clásico y, aunque respetaron las normas de simetría y la monumentalidad, sus edificios son a veces el resultado de la combinación caprichosa de las formas geométricas.

Cenotafio para Isaac Newton concebido por Boullée como una esfera, representación del modelo ideal, levantada sobre una base circular que había de cobijar el sarcófago del científico. Ledoux ha dejado edificios construidos, entre ellos una parte de la utópica ciudad industrial de las Salinas de Arc-et-Senans, de planta circular en el Franco Condado o el conjunto de la Villette en París.

Entre uno y otros grupos aparece una tercera categoría, la arquitectura pintoresca, a partir de la creación de jardines ingleses en el siglo XVIII, ordenados de forma natural lejos del geometrismo del jardín francés. En esta arquitectura se valora la combinación de la naturaleza con lo arquitectónico, la inclusión en el paisaje natural de edificios que remedan las construcciones chinas, indias o medievales.

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EL NEOCLASISISMO ESCULTURA Los escultores centran su interés en los ideales estéticos y los procedimientos técnicos de la estatuaria antigua. El italiano Canova fue el más destacado, seguido del danes Thorvaldsen, educado en Roma; otros representantes de la época son: Bartolini, Rude, Pradler, Flaxman, entre otros.

También en la escultura neoclásica pesó el recuerdo del pasado, muy presente si consideramos el gran número de piezas que las excavaciones iban sacando a la luz, además de las colecciones que se habían ido formando a lo largo de los siglos.

Las esculturas neoclásicas se realizaban en la mayoría de los casos en mármol blanco, sin policromar, puesto que así se pensaba que eran las esculturas antiguas, predominando en ellas la noble sencillez y la serena belleza que Winckelmann había encontrado en la estatuaria griega.

Así, los escultores de fines del siglo XVIII y comienzos del XIX, crearán obras en las que prevalecerá una sencillez y una pureza de líneas que los apartará del gusto curvilíneo del Barroco. En todos ellos el desnudo tiene una notable presencia, como deseo de rodear las obras de una cierta intemporalidad.

El retrato también ocupó un importante lugar en la escultura neoclásica; Antonio Canova (1757-1822) representó a Napoleón como Marte (1810, Milán) y a su hermana Paulina como Venus Victrix (1807, Roma) tomando así los

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modelos de los dioses clásicos. No obstante otros prefirieron un retrato idealizado pero al tiempo realista que captara el sentimiento del retratado, como JeanAntoine Houdon (1741-1828) con su Voltaire anciano (Museo del Hermitage) o el bello busto de la Emperatriz Josefina (1806, Castillo de Malmaison) de Joseph Chinard (1756-1813).

EL NEOCLASISISMO PINTURA Tomó como modelo la estatuaria antigua y el siglo XVI italiano (Rafael). El artista que contribuyó de modo definitivo a afirmar el nuevo estilo fue David, quien influyó en artistas franceses de la talla de Ingres, Gerard y Prud´hon. En E.E.U.U. la influencia italiana e inglesa se fundieron.

Los pintores, entre los que destacó JacquesLouis David, reprodujeron los principales hechos de la revolución y exaltaron los mitos romanos, a los que se identificó con los valores de la revolución.

La claridad estructural y el predominio del dibujo sobre el color son algunas de las principales características formales de la pintura neoclásica.

Obras como el Juramento de los Horacios, por ejemplo, plantean un espacio preciso en el que los personajes se sitúan en un primer plano.

Jean Auguste Dominique Ingres (1839-1867) aunque no fue un pintor neoclásico, tiene obras como La Fuente que representan este movimiento artístico.

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EL ARTE GOTICO GOTICO es una denominación del estilo artístico que se desarrolló en Europa occidental durante los últimos siglos de la Edad Media, desde mediados del siglo XII hasta la implantación del Renacimiento (siglo XV para Italia), y bien entrado el siglo XVI en los lugares donde el Gótico pervivió más tiempo. Se trata de un amplio período artístico, que surge en el norte de Francia y se expande por todo Occidente. Según los países y las regiones se desarrolla en momentos cronológicos diversos, ofreciendo en su amplio desarrollo diferenciaciones profundas: más puro en Francia (siendo bien distinto el de París y el de Provenza), más horizontal y cercano a la tradición clásica en Italia (aunque al norte se acoge uno de los ejemplos más paradigmáticos, como la catedral de Milán), con peculiaridades locales en Flandes, Alemania, Inglaterra y España.

CONTEXTO HISTORICO El gótico coincide con el máximo desarrollo de la cultura urbana donde aparece la burguesía, las universidades y el florecimiento de las ordenes religiosa monásticas como el cister y mendicantes como franciscanos y dominicos, así como la acentuación de los conflictos y la disidencia (revueltas populares, herejías, desarrollo y crisis de la escolástica, Cisma de Occidente) y finalmente los pavorosos espectáculos de la Peste Negra y la Guerra de los Cien Años en un mundo tan cambiante que sólo puede entenderse en términos de una mutación fundamental (para la historiografía materialista, la transición del feudalismo al capitalismo).

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EL ARTE GOTICO CARACTERIZACION Eleva prodigiosas catedrales llenas de luz, desarrolla una importante arquitectura civil e independiza a las otras artes plásticas (pintura y escultura) de su subordinación al soporte arquitectónico.

Naturalismo, humanización de la divinidad y exposición ordenada y clara en las composiciones. * Los materiales preferidos: mármol en Italia, la piedra, la madera (para sillería de coro, retablos e imágenes), y el marfil. * Los temas son fundamentalmente religiosos (vida de Jesús, de la Virgen, y de los Santos). * Los elementos decorativos se inspiran en la naturaleza local: animales y plantas propios de cada lugar.

Se utiliza como complemento de la arquitectura. Aparece en los portadas y fachadas de las catedrales, claustros, capillas, retablos, sillerías de coro, sepulcros. En los capiteles la decoración es fundamentalmente vegetal. También se desarrolla la escultura exenta, sobre todo de carácter religioso.

ARQUITECTURA También desde finales del siglo XII y comienzos del XIII se divulga por los monasterios de la orden del Císter un estilo despojado de ornamentación y reducido a la pureza de los elementos estructurales, expresión de las concepciones estéticas y espirituales de Bernardo de Claraval, que se suele denominar arte cisterciense.

Este arte se ha definido durante mucho tiempo de manera bastante superficial exclusivamente por la utilización de uno de sus elementos, el arco apuntado, al que suele llamarse ojival, del que se deriva la bóveda de crucería que permite desplazar los empujes a contra fuertes externos, que se alejan aún más de los muros mediante el uso de arbotantes. Eso permitió la construcción de edificios mucho más amplios y elevados, y el predominio de los vanos sobre los muros. Los elementos sustentantes (pilares de complicado diseño) quedan mucho más estilizados.

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EL ARTE GOTICO CARACTERISTICAS •Arco ojival o apuntado, presente en la bóveda, puertas y ventanas. * La bóveda de crucería, que cierra y corona el edificio. * Pilares esbeltos con columnas adosadas, que actúan como soportes de los arcos, los cuales a su vez sostienen la bóveda. * El arbotante o segmento de arco exterior, que transmite al contrafuerte el empuje de la bóveda. * Grandes ventanales adornados con rica tracería y polícromas vidrieras, que contribuyen al encanto y luminosidad del edificio.

ESCULTURA Las tallas en piedra continúan usándose para la decoración de la arquitectura, además de cumplir la función evangelizadora (el catecismo de los analfabetos, la inmensa mayoría de la población) pero cada vez se emancipa más (paso del relieve albulto redondo). La escultura gótica evolucionó desde un estilo alargado y rígido, aún en parte románico, hacia un sentimiento espacial y naturalista a finales del siglo XII y principios del siglo XIII. La influencia de las esculturas griegas y romanas que aún se conservaban se incorporó al tratamiento de las telas, las expresiones faciales y la pose.

Las ideas francesas se divulgaron.

En España la penetración del gótico francés se hizo a través de maestros y obras que llegaron procedentes de este país, por ejemplo en Cataluña la influencia del taller de Rieux es bastante evidente en la virgen

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del Patrocinio de Cardona. En Alemania, desde 1225 en la catedral de Bamberg en adelante, el impacto se encuentra en todos los lugares. En Inglaterra la escultura estaba más limitada a monumentos funerarios y decoraciones no figurativas, en parte debido a la iconoclastia cisterciense. En Italia aún persistía la influencia clásica, destacando obras como el púlpito del baptisterio de Pisa (1269) y el de la catedral de Siena. Las técnicas de tallado de madera se hacen cada vez más sofisticadas, llegando a su máximo esplendor en la integración del color y el diseño arquitectónico de complejísimos retablos.

La recuperación de la tradición clásica de la fundición del bronce deberá esperar al renacimiento italiano.

EL ARTE GOTICO PINTURA Hasta alrededor de 1200 no apareció un estilo de pintura que pueda llamarse «gótico»; es decir casi 50 años después del comienzo de la arquitectura y la escultura góticas. La transición del románico al gótico es muy imprecisa y no hay un claro corte, pero podemos ver los comienzos de un estilo que es más sombrío, oscuro y emotivo que en el periodo previo. Esta transición ocurre primero en Inglaterra y Francia alrededor de 1200, en Alemania en torno a 1220 e Italia alrededor de 1300.

Vidrieras. En el norte de Europa, las vidrieras fueron el arte preferido hasta el siglo XV. Pintura sobre tabla. Comenzaron en Italia en el siglo XIII y se extendieron por toda Europa, de manera que para el siglo XV se había convertido en la forma predominante, suplantando incluso a las vidrieras.

Miniaturas. Los manuscritos iluminados representaron la más completa documentación de la pintura gótica, documentando la existencia de una serie de estilos en lugares donde no han sobrevivido otras obras monumentales.

En el gótico, en correspondencia con las nuevas tendencias filosóficas y religiosas (recuperación de la filosofía de Aristóteles a través del averroísmo, humanismo de San Francisco de Asís) se tendió a aproximar la representación de los personajes religiosos (los santos, los ángeles, la Virgen María, Cristo) en un plano más humano que divino, dejándoles demostrar emociones (placer, dolor, ternura, enojo), rompiendo el hieratismo y formalismo románico.

La pintura, esto es, la representación de imágenes sobre una superficie, durante el periodo gótico, se practicaba en cuatro técnicas principales: Frescos. La pintura mural o frescos siguieron usándose como el principal medio para la narración pictórica en las paredes de las iglesias en el Sur de Europa, como una continuación de las tradiciones cristiana y románica anteriores.

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EL ARTE EXOTICO EXOTICO Tras la llegada de los conquistadores/colonizadores a América Latina y su descubrimiento, rápidamente se vio al continente como la referencia exacta de lo exótico por ser lo ajeno, lo otro; lo nuevo y desconocido: lo puro. Toda la experiencia nueva y el conocimiento de la tierra y sus pobladores se fue gestando en el imaginario de los visitantes de manera que sus representaciones tuvieron una gran carga imaginativa e idealizada.

Lo representado y lo real, si al compararlo se parecía, no era más que pura coincidencia: Todo lo que el Europeo empezó a conocer, a probar, experimentar y vivir en el Nuevo Continente le resultaba nuevo, emocionante. Muchas de las obras, tales como grabados que se han rescatado de la época son muestra de cómo la imaginación estaba desbordada, y cómo los viajeros daban a conocer a Europa una imagen que no necesariamente tenía porque ser real.

En Europa, ya que el europeo comenzó a tener contacto con América gracias a estas representaciones fantásticas, que se podían observar en grabados y estampas, se fue consolidando la idea de lo exótico.

Asimismo, se fueron idealizando sus habitantes, costumbres y cultura. Con el paso del tiempo, América sigue viéndose a ojos de los europeos como un lugar cálido, exótico, lleno de vida, de personas alegres.

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EL ARTE EXOTICO De la misma manera que en se vio a América como el referente de lo exótico, algunos artistas, desde dentro y siendo americanos, han explorado las posibilidades exóticas a partir del arte; del modernismo y surrealismo. “La cosmovisión caribeña aparece identificada, en muchos casos, con la exuberancia tropical o con la magia de nuestras tradiciones religiosas, la presencia del negro o de elementos ancestrales africanos que penetran y calan profundo en esta pintura, recreados plásticamente a partir de una codificación que incorpora elementos de una cultura popular que nutre como savia esta pintura.” Yolanda Wood Wifredo Lam (1902-1982).

El pintor cubano realizó pintura mestizada y modernista. En su obra encontramos desde símbolos cubanos, hasta africanos con los que experimenta y explora el mundo americano. Inventó un lenguaje propio, único y original, para “defender la dignidad de la vida”.

Oscar A. Alejandro Schulz Solari, mejor conocido como Xul Solar (1887-1963).

Es un artista argentino que hace un arte surrealista y crea lenguajes imaginarios. En su obra podemos apreciar la representación de un mundo fantástico. Se trata de pequeñas telas en las que podemos apreciar la influencia de Paul Klee. Vemos en algunas de las obras la inclusión de números y letras.

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AGRADECIMIENTOS Ante todo a los colaboradores que con su esmero contribuyeron a la realización de esta obra, que recopila de manera general lo que han sido diversos periodos de nuestra historia y su influencia en nuestra civilización actual.

A aquellos grandes arquitectos, pintores y escultores que con su legado nos nutren día a día.

A nuestros familiares quienes con su apoyo y dedicación están allí para nosotros.

Por todo mil gracias.

Editorial Freico