PINTURA ¿Que es la pintura?
¿QUE ES LA PINTURA?
¿PARA QUE SIRVE LA PINTURA?
MARIA FERNANDA VAZQUEZ NAIDELIN VANESSA ROMAN FATIMA ANDREA RANGEL
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Índice 1. Que son las pinturas 2. Para que sirven las pinturas 3. Las pinturas más popular 4. Las mejores pinturas 5. Técnicas de pinturas 6. LOS MEJORES PINTORES
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¿Qué son las pinturas? una pintura rupestre es un dibujo o boceto que existe en algunas rocas o cavernas, especialmente los prehistóricos. El término «rupestre» deriva del latín rupestris, y éste de rupes (roca). De modo que, en un sentido estricto, rupestre haría referencia a actividad humana sobre las paredes de cavernas, covachas, abrigos rocosos e, incluso farallones u otro instrumento (barrancos, entre otros). Desde este aspecto, es prácticamente imposible aislar las manifestaciones pictóricas de otras representaciones del arte prehistórico como los grabados, las esculturas y los petroglifos, grabados sobre piedra mediante percusión o abrasión. Al estar protegidas de la erosión por la naturaleza o ubicación del soporte, las pinturas rupestres han resistido el pasar de los siglos. Se trata de una de las manifestaciones artísticas más antiguas de las que se tiene constancia, ya que, al menos, existen testimonios datados hasta los 40.000 años de antigüedad, es decir, durante la última glaciación. No obstante, a mediados de septiembre de 2018, investigadores de la Universidad de Witwatersrand en Sudáfrica encontraron una piedra en la que se encuentran dibujos paleolíticos que superan los conocidos hasta la fecha. Se estima que fueron grabados hace unos 73.000 años. Estas pinturas y las otras manifestaciones asociadas revelan que el ser humano, desde tiempos prehistóricos, organizó un sistema de representación artística. Se cree, en general, que está relacionado con prácticas de carácter mágico-religiosas para propiciar la caza. Dado el alcance cronológico y geográfico de este fenómeno, es difícil, por no decir, imposible, proponer generalizaciones. Por ejemplo, en ciertos casos las obras rupestres se dan en zonas recónditas de la cueva o en lugares difícilmente accesibles; hay otros, en cambio, en los que estas están a la vista y en zonas expeditas y despejadas. Cuando la decoración está apartada de los sitios ocupados por el asentamiento se plantea el concepto de santuario cuyo carácter latente subraya su significado religioso o fuera de lo cotidiano. En los casos en los que la pintura aparece en contextos domésticos es necesario replantear esta noción y considerar la completa integración del arte, la religión y la vida cotidiana del ser humano primitivo.
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¿Para qué sirven las pinturas? El arte rupestre es el primer lenguaje, la primera forma de transmitir conceptos, con vocación de perdurar. La gran pregunta es qué conceptos eran”, explica el arqueólogo Marcos García Diez, de la Universidad Complutense de Madrid. Los prehistoriadores llevan lanzando hipótesis desde 1879, cuando la niña María Sanz de Sautuola, de ocho años, descubrió los asombrosos animales pintados en la cueva cántabra de Altamira. “Parecía que las rocas bramaban. Allí, en rojo y negro, amontonados, lustrosos por las filtraciones de agua, estaban los bisontes, enfurecidos o en reposo. Un temblor milenario estremecía la sala”, escribió medio siglo más tarde el poeta Rafael Alberti.
Tras la polémica inicial sobre su autenticidad, Altamira —pintada desde hace 35.000 hasta hace 15.000 años— pasó a ser conocida como la Capilla Sixtina paleolítica. En 1903, el arqueólogo francés Salomon Reinach lanzó una de las primeras teorías: los habitantes de las cavernas pintaban animales para propiciar la caza, en una especie de ritual de vudú. La idea duró décadas, pero hoy chirría, según advierte García Diez con un ejemplo: la espectacular cueva guipuzcoana de Ekain parece un templo dedicado a los caballos, con decenas pintados hace unos 15.000 años en sus paredes de roca. Pero en su suelo no se encontraron huesos de equinos cazados, sino de ciervos y cabras.
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En medio de sus periplos en burro por España, en 1915, el artista Juan Cabré también elucubraba sobre el posible significado de aquellas pinturas que iba calcando de roca en roca. “¿Qué harían allí tales gentes y por multiplicados días? Pues vivían de la caza: pensar en ella, en los medios de conseguirla y en prepararlos”, escribió. Aquella idea de la decoración por aburrimiento también ha muerto. “El arte por el arte fue otra de las primeras teorías y hoy se rechaza”, explica García Diez, que está a punto de publicar el libro El arte. Las primeras imágenes (Diario de Atapuerca), sobre la aparición de la iconografía.
Las Pinturas más populares Cada año, miles de millones de dólares en arte pasan por las casas de subastas internacionales, mientras que los principales museos tienen decenas de miles, incluso cientos de miles, de obras de arte en sus colecciones. Pero muy pocos logran la fama requerida para ser realmente considerados nombres conocidos.Cómo “famoso” es un término subjetivo, CNN Estilo recurrió a Google para ver qué cuadros encabezaron los resultados de búsqueda en todo el mundo durante los últimos cinco años.Comparamos docenas de obras maestras populares, desde clásicos como “Mona Lisa”, “The Great Wave off Kanagawa” y “Salvator Mundi”, hasta obras más modernas como “Nighthawks” e incluso la serie “Dogs Playing Poker”
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Las mejores pinturas 1.- La Gioconda También conocido como la Mona Lisa, el retrato pintado por Leonardo Da Vinci es, sin duda alguna, el cuadro más famoso de la historia. Una mujer, con una enigmática sonrisa, mira al emocionado espectador, mientras este intenta resolver los misterios detrás de ese rostro serio pero al mismo tiempo sarcástico. La obra de arte se encuentra exhibida detrás de un cristal a prueba de balas en el Museo del Louvre, en París. Fue el último cuadro pintado por Da Vinci antes de morir. La mujer que aparece plasmada ha sido el centro de estudio de muchas investigaciones para saber su verdadera identidad. La obra, anclada en la cultura pop, ha sido reproducida varias veces por otros artistas, pero los resultados nunca se han acercado a la perfección creada por el pintor italiano. El cuadro, inclusive, fue robado en el año de 1911 por el italiano Vincenzo Peruggia. Después de una desesperada investigación, la pintura fue recuperada en la ciudad de Florencia, donde Perggugia lo intentaba vender al director de un museo. La pintura, adquirida por el rey Francisco I de Francia en el Siglo XVI, significó la posesión del cuadro por parte de Francia. Napoleón, gran aficionado al bosquejo, lo tuvo colgado en su habitación del Palacio de las Tullerais por algunos años.
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2.- La noche estrellada Vincent Van Gogh es un pintor de gran popularidad. Su estilo post impresionista es claramente distinguible y su biografía; polémica, deprimente y cruda, lo ha catapultado a ser uno de los grandes personajes de la cultura occidental. De entre toda su obra, hay un cuadro que destaca por su belleza, sus trazos y su estructura. Se trata de la Noche Estrellada que se puede encontrar en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. La obra fue pintada un año antes de la muerte del artista holandés. El contexto de la producción del cuadro fue durante la etapa del decaimiento emocional, psicológico y físico de Van Gogh. El jardín del sanatorio donde fue internado por sus alucinaciones y ataques epilépticos o el cuarto de su casa donde estuvo en reposo después de perder la oreja, fueron sus lugares de creación. Al final, su trabajo, desarrollada por una mente trastornada, incomprendida y brillante, concibió una de las estampas nocturnas más románticas de la humanidad.
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3.- El caminante sobre el mar de nubes Puede que este cuadro, pintado por el alemán Caspar Friedrich, sea la obra pictórica que represente con mayor belleza el romanticismo. Un hombre, en una montaña, vestido con elegancia y con un aura de misterio, mira al paisaje que tiene a sus pies, escondido casi en su totalidad bajo un fino manto de nubes. Este cuadro ha sido objeto de estudio de muchos análisis filosóficos y es que su simbolismo parecer ser infinito. Aventura, fe, anonimato, humanidad, naturaleza, universo o política han sido algunos tópicos de los cuales se han discutido con respecto a la esencia de esa obra de arte. La obra se encuentra en el museo de arte de Kunsthalle en la ciudad de Hamburgo. La interpretación subjetiva se perfila como uno de los elementos de mayor peso a la hora de apreciar esta obra.
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4.- La creación de Adán Dios, suspendido en el aire y representado de manera sobria pero imponente, extiende su mano a un joven de aspecto musculoso y cuerpo impecable llamado Adán. Esa pintura, que no es precisamente un cuadro, es parte del fresco que decora la bóveda de la Capilla Sixtina, en el Vaticano. Esta obra, inmensamente bella, representa el Génesis, dentro del Antiguo Testamento. Es la creación del mundo y de las criaturas que lo habitan. La obra de arte fue realizada por el artista renacentista Miguel Ángel. La seriedad de su trabajo hace referencia a un momento religioso repleto de simbolismo. Dios, con gran amor, decide compartir su perfecta creación con un ser al que dotará de inteligencia y voluntad. Un ser creado a la imagen y semejanza de Dios. Es el instante donde las manos del Creador sellan su alianza con el reciente ser humano.
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5.- La joven de la perla Johannes Vermer es sin lugar a dudas, después de Van Gogh, el pintor más famoso e interesante de Holanda. Artista barroco, su técnica pictórica es realista, suave y muy representativa de su época. Su pintura más famosa muestra a una joven misteriosa. Sus ojos, grandes y expresivos miran al espectador de manera inquisidora. El fondo, totalmente negro, aumenta el aura de misterio que rodea a la mujer. Su identidad, sus aspiraciones, su pensamiento o hasta sus amores, son preguntas que uno no puede evitar preguntarse al mirar a esta joven holandesa del año 1667. No se sabe hasta el día de hoy la historia de esa mujer de mirada enigmática. Lo único que podemos es conjeturar y hacer volar la imaginación. Lo que es un hecho, es que la belleza natural del sexo femenino es uno de los temas predilectos del mundo del arte.
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6.- El Grito Esta sin duda es la pintura más famosa que Edvard Munch realizó. Usando óleo y pastel sobre cartón, el artista de origen noguego plasmó una figura fantasmal, una obra de arte del más puro estilo expresionista
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7.- la persistencia de la memoria Toda una belleza realizada por el señor padre y amo del surrealismo: Salvador Dalí en el año de 1931. Estre cuadro representa una costa lúgubre cubierta de relojes derretidos y está inspirado en la teoría de la relatividad de Albert Einstein.
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8.- La Última Cena Leonardo Da Vinci pintó esta obra sobre una pared del convento de Santa María de las Gracias, en Milán (Italia) entre 1495 y 1497, Este mural representa la última
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9.- Los Tres Músicos Pablo Picasso realizó esta obra al óleo en 1921, de la cual pintó otras dos muy similares que en la actualidad están exhibidas en el MoMa de Nueva York y el museo de arte de Filadelfia.
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10.- El Angelus esta es quizá la obra más conocida del pintor realista francés JeanFrancois Millet. Esta pintura esta realizada en óleo sobre lienzo y actualmente puede ser admirada en el Museo de Orsay de París, Francia.
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Técnicas de pinturas La pintura, como materia está compuesta por dos elementos fundamentales: los pigmentos y el aglutinante. Los pigmentos son sustancias minerales o químicas en forma de polvo con colores diversos. Los aglutinantes son los elementos que dan cohesión y fijan los pigmentos. Las técnicas de la pintura están determinadas por el aglutinante, ya que los pigmentos son aproximadamente los mismos. Dependiendo pues del aglutinante, encontraremos mayor o menor luminosidad. Las técnicas de pintura se pueden dividir en grandes grupos dependiendo del medio en el cual, se diluyen los diferentes materiales para pintar: Acuarela.- Cuando el aglutinante es la goma arábiga y como vehículo el agua. Témperas.- Cuando el vehículo es agua y diferentes tipos de colas. Collage.- Generalmente es una técnica mixta, en donde se utilizan técnicas clásicas como el óleo, conjuntamente con el encolado de objetos diversos. Cera o incáustica (o encáustica).- Cuando el vehículo son ceras, que normalmente se usan calientes o en formas de barritas que no necesitan calentarse. Lápices de colores.- Son un conjunto de lápices con mina de diversos colores. Cómo aglutinante se emplean colas y ceras. Existen también los lápices acuarelables, es decir aquellos que una vez aplicados se puede utilizar el agua como medio de difuminar el color. Acrílicos.- Cuando el vehículo usado son los diversos materiales sintéticos. El aglutinante es el alquil Pastel.- Cuando se pinta con tizas de colores. Lo que da cohesión a las barras es la goma tragacanto. Temple.- Cuando el aglutinante es una emulsión, generalmente huevo o caseína. Óleos.- Cuando el vehículo empleado son aceites.
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Técnicas mixtas.- Cuando se emplean diversas técnicas en una misma obra. En general los pigmentos no son solubles en el aglutinante permaneciendo dispersos en él. Para escolares, son especialmente aconsejables las siguientes técnicas: Acuarela .- La técnica de la acuarela de gran luminosidad, es habitual el no emplear el blanco, siendo la dilución del color en agua y el fondo del papel blanco, lo que proporciona esa claridad. Es por ello que entraña ciertas dificultades el uso de la acuarela, ya que no se puede enmendar ni raspar. Generalmente se emplea como aglutinante la goma arábiga, aunque desde antiguo también se empleaba la miel de romero y el azúcar. Témperas.- Es una técnica muy cubriente por no estar los pigmentos en suspensión, formando una capa opaca de pigmento y aglutinante. Es un buen material para los escolares por su fácil limpieza y poder de cubrición de los colores. Cera o incáustica (o encáustica).- Es una de las técnicas más antiguas. El ingrediente fundamental en esta técnica es la cera de abejas. Se diluye con trementina o con el calor de los dedos al frotar o pasar por encima de la cera. En la actualidad, se vende en forma de barritas, que permite su uso a los escolares. Lápices de colores.- Los lápices con colores diversos, se utilizan para dar color o bien para colorear dibujos realizados con diversas técnicas. Todas las personas en su niñez han trabajado alguna vez con ellos en la escuela. Vienen en diferentes presentaciones para su venta, por lo regular son de 6,12, 24, 36 ó 48 colores distintos. Existen lápices de colores de distintas marcas y calidades. La característica que distingue a los lápices de colores profesionales de los escolares, es que los profesionales son más grasos, pudiendo así dar más graduación en el tono con ellos. Pastel.- Es una técnica de gran luminosidad por llevar en su composición muy poco aglutinante. Se utilizan pigmentos puros al que se añade algo de goma tragacanto para darle cohesión y formar barras con las que se pinta directamente. Es una técnica de gran belleza, pero de difícil conservación. Pintura mural.- Constituye un tipo de pintura realizada sobre el muro y condicionada por el espacio arquitectónico, es decir las dimensiones y las formas de la pared donde se va aplicar. Para adolescentes y jóvenes los lugares de expresión como la pintura mural, constituyen oportunidades de participación y construcción colectiva de espacios, donde el muro se constituye en un desafío y una invitación a crear de una manera diferente, y donde el objeto de la creación
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es compartido con otros, lo cual crea un interés en comunicarse con su entorno y con su comunidad. Técnica mixta .- Se entiende como tal, cuando se utilizan diversas técnicas como ceras y témperas, collage, acrílicos, o la incorporación de materiales que den cuerpo a la pintura, como los pigmentos u óxidos, cuarzos, cretas, papel triturado…complementando dichos materiales con colas o aglutinantes.
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Los mejores pintores Leonardo da Vinci
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Artemisia Gentileschi
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