Catálogo Festival de Cine de Santa Fe de Antioquia 2015 "La Animación" by Festicine Antioquia

Índice 4

Equipo de trabajo

Sergio Fajardo Valderrama, gobernador de Antioquia

Frey León Rodríguez Vargas, alcalde de Santa Fe de Antioquia

Martha Ligia Parra, directora artística del Festival

11 MUESTRA CENTRAL Sabogal

Mariposa nocturna

13 14 15 16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27 28 29 30 31 32

Arrugas Aya de Yopougon Brave Story Cheatin’ Chico y Rita Desterrada El apóstol El cuadro / Le tableau El ilusionista / L’illusionniste El jardín de las palabras El lince perdido Gordo, calvo y bajito La casa mágica La Gorgona, historias fugadas Las aventuras de Tadeo Jones Mia y el Migou / Mia et le Migou Minúsculos: el valle de las hormigas perdidas Pequeñas voces Sabogal Un gato en París / Une vie de chat

33 FUNCIONES ESPECIALES 2

Fabricia

35 36 37 38

A través de la pantalla La tierra y la sombra Violencia Refugio

39 MUESTRA CENTRAL CORTOMETRAJES 41 43 44 45 46 47 48 49

Plymptoons Animalario Ardid Castillo y el armado Muerte blanca Religatio Rojo red Cortometrajes de Cecilia Traslaviña

51 MUESTRA AUDIOVISUAL CAJA DE PANDORA Ausencia

53 56 61 65 66

Curadores Selección: ficción Selección: documental Selección: videoclip Selección: experimental

71 INVITADOS ACADÉMICOS 73 74 75 76 77 78

Bill Plympton Óscar Andrade – Santiago Ardila Reyes Cecilia Traslaviña González – Carlos Smith Diego Guerra – Harold Jiménez Marcela Rincón – Yack Reyes Ricardo Arce – Jorge Forero

Footprints

79 ARTÍCULOS 81 84 88 92 96 100 El viento se levanta

104 108 110

La animación: crear en libertad – Martha Ligia Parra ¿Qué es la rotoscopia? – Carlos Smith Jan Svankmajer: demiurgo y explorador de misterios interiores – Fernando Arenas Largometrajes y series en la animación nacional 2010 – 2015 – Óscar Andrade 3D: ¿Simulación de la realidad o es la realidad una simulación? – Santiago Ardila Reyes La animación contemporánea: diálogo y tensiones entre lo digital y lo análogo – Cecilia Traslaviña Stop motion, la dimensión de la tridimensionalidad – Yack Reyes Óscar a mejor largometraje animado Cristal al mejor largometraje en Premios Annecy

EQUIPO DE TRABAJO

CORPORACIÓN FESTIVAL DE CINE DE SANTA FE DE ANTIOQUIA Junta Directiva: Robinson Garcés - Presidente Marta Medina - Vicepresidente Catalina Hincapié Juan David Osorno Juan Raúl Navarro Leida Tule Tejada Wilder Gómez

Yarith Carolina Arenas Présiga Protocolo e invitados: Margarita Medina Fernández - Coordinadora Daniela María Álvarez Leidy Tatiana Gómez Présiga Paola Mildrey Usuga Varela Stella García Valle Verónica Julieth Moreno Zapata

Gerencia General: Alejandra Bedoya Londoño

Presentadores de películas: Cristian Jaramillo Diego Cárdenas Juan Sebastián López Roa Mauricio Monsalve Builes Yenifer Cardona Carvajal

Dirección Artística: Martha Ligia Parra Valencia Coordinación General: Andrea Ramírez Pérez - Coordinadora General Santiago Henao Vélez - Asistente Programación: Giovanna Hernández Vélez - Coordinadora Samuel Castro Posada - Asesor Coordinación Académica: Héctor Gaona Morales - Coordinador Fredisman Herrera Zuleta - Asistente María Olivia Alzate Zuluaga - Asistente Sara González Medina - Traductora Comunicaciones y Mercadeo: Óscar Darío Montoya Gómez - Coordinador Manuela Navarro Marín - Asistente Tahís Hincapié Echeverry - Diseño gráfico Katherin Gómez Vélez - Fotógrafa Thalía Hernández Bossio - Fotógrafa Santiago González Gutiérrez - Fotógrafo Carlos Mario Henao Herrera - Webmaster Plinio Brandt - Diseño del logo de la Corporación Elizabeth Rozo Granada - Diseñadora del afiche Área Administrativa: Yuliana Gómez Zapata - Revisora fiscal Juliana Zapata García - Contadora Yaneth Bustamante Zapata - Secretaria auxiliar contable Área Técnica: Montajes Prosonido

Producción y logística: Fernando Ávalos Carmona - Coordinador Albeiro Zabala Hoyos Carlos Andrés Vargas Carvajal Cristian David Yepes David Pineda Deiby Felipe Meneses Velásquez Jorge Iván Cartagena Urrego Juan José Herrera Espinosa Luis Alberto Cartagena María Angélica Gómez María Elena Serna Milton Esneyder Guevara Durango Nelson Enrique Yepes Cartagena Santiago López Suárez

Apoyan: Ministerio de Cultura Gobernación de Antioquia Instituto de Cultura y Patrimonio de Antioquia Alcaldía de Santa Fe de Antioquia Instituto para el Desarrollo de Antioquia, IDEA EPM Corantioquia Cinemas Procinal Agencia Colombiana para la Reintegración, ACR Organización Internacional para las Migraciones, OIM Instituciones educativas aliadas: Academia Cultural Yurupary Institución Educativa Arturo Velásquez Ortiz Institución Educativa San Luis Gonzaga Universidad de Antioquia Medios de comunicación aliados: ADN Así lo ve Óscar Cámara FM Canal U Canal UNE Canal Zoom El Colombiano El Santafereño El Tiempo Medellín Emisora Universidad de Antioquia Hora 13 Kinetoscopio Ondas del Tonusco Radiónica Teleantioquia Telemedellín Telesantafé UN Radio Espacios de actividades en Santa Fe de Antioquia: Parque Principal Parque de La Chinca Parque de Santa Bárbara Parque de Jesús Nazareno Parque del Cementerio Barrio La Esmeralda Barrio Llano de Bolívar Cámara de Comercio de Medellín para Antioquia,

sede Occidente Comfenalco Antioquia Establecimiento carcelario de Santa Fe de Antioquia Hotel Mariscal Robledo Institución Educativa Arturo Velásquez Ortiz Institución Educativa San Luis Gonzaga Teatro Bertha Universidad de Antioquia sede Occidente Aliados estratégicos: Centro Colombo Americano Cinefilia El Gallo Pinto In Focus Media Systems Agradecimientos: A todos los espacios de Santa Fe de Antioquia 3da2 Animation Studios Arte Vivo Burning Blue Canal Capital Cine Colombia Cineplex Corantioquia Territorial Hevéxicos Consejo Nacional de las Artes y la Cultura en Cinematografía - CNACC Cuerpo de Bomberos de Santa Fe de Antioquia Embajada de Francia en Colombia Embajada de España en Colombia Embajada de Japón en Colombia Emisora Ondas del Tonusco Festival Itinerante de Artes Audiovisuales Colombianas - Fidaac Finca Hotel San Ángel Fundación Patrimonio Fílmico Colombiano Hospital San Juan de Dios de Santa Fe de Antioquia Hostería de la Plaza Menor Hotel Casa Amarella Hotel Los Geranios Hotel Mariscal Robledo Hotel Tonusco Campestre Institución Educativa Martínez Pardo Laboratorios Black Velvet Latina Estéreo Occidente Limpio Parroquia de Santa Bárbara Policía Nacional de Santa Fe de Antioquia Universidad de Medellín Adelfa Martínez Adiela María Calle Ceballos Alejandro Aguilar Alejandro Naranjo Alexander Giraldo Álvaro Bayona Alonso Monsalve Andrea Gómez Andrew Tucker Bill Plympton Camilo Botero Carlos César Arbeláez Carlos Osuna

Carlos Smith Carlos Andrés Acevedo Montoya Cecilia Traslaviña César Agudelo Claudia Triana de Vargas Diego Guerra Elba McAllister Emma Lucía Londoño Fernández Fernando Arenas Flor Edilma Caro Caro Frey León Rodríguez Vargas Harold Azmed Jiménez Jairo Carrillo Jerry Carlson Jorge Luis Pineda Jorge Forero Jorge Velásquez José Luis Yepes Joshua Mitrotti Juan Camilo Gómez Juan Camilo Ramírez Juan José Pérez Kelly Toro Marcela Rincón María José Flórez Parra Mario Jaime Castro Natasha Mayungo Óscar Andrade Paula Andrea Jaramillo Presbítero Omar de Jesús Salazar Gil Pedro Harres Pía Barragán Ricardo Arce Roberto Collío Sandra de Bedout Santiago Ardila Yack Reyes El contenido de los artículos es responsabilidad exclusiva de los autores y no representa necesariamente el pensamiento de la Corporación Festival de Cine Santa Fe de Antioquia. Corporación Festival de Cine de Santa Fe de Antioquia Carrera 51 N° 52-03, Of. 411 Palacio de la Cultura Rafael Uribe Uribe Teléfono: (57 4) 513 3653 Medellín, Colombia comunicaciones@festicineantioquia.com www.festicineantioquia.com Impresión por Virtual Publicidad Edición 16. Diciembre de 2015. Facebook: Festicine Antioquia Twitter: @FestiCineAnt Instagram: festicineantioquia YouTube: Festicineantioquia Flickr: festicineantioquia

Sergio Fajardo Valderrama Gobernador de Antioquia En 2012 teníamos un sueño, que toda Antioquia brillara por su talento, por sus capacidades, por su cultura. Hoy es una realidad, en donde el cine ha sido protagonista. Hemos invertido en el talento de nuestra gente y hacerlo es volver la mirada al Festival de Cine de Santa Fe de Antioquia, al Festival de Cine de Oriente, pero también nos llena de orgullo saber que estamos llegando a nuevos festivales como el de Puerto Berrío, Suroeste, Pueblorrico y Necoclí, un apoyo que va más allá de la entrega de recursos, le apostamos a crear los Estímulos al Talento Creativo, a la Circulación artística y cultural, a la Concertación Departamental, a los Laboratorios artísticos, a dotar nuestros parques educativos con herramientas audiovisuales, creamos el Plan Departamental de Cinematografía gracias a los consejeros departamentales activos y hoy vemos los frutos de estos apoyos. El rumbo de las sociedades se define por las decisiones que tomamos juntos. Somos capaces de llegar tan lejos como queramos por nuestras capacidades, ese es el valor de la educación y esa fue nuestra apuesta durante estos cuatro años en los que demostramos que cuando no se pierde un peso, se puede. Hoy llegamos a una nueva versión del Festival para contribuir a que los espacios de construcción se sigan dando, le damos gracias a toda Antioquia porque los resultados los construimos juntos, eso es una verdadera ciudadanía cultural y política. Siento un poco de nostalgia al escribir estas palabras como gobernador por última vez, pero con la satisfacción de poder mirarnos a los ojos y saber que hemos cumplido con lo que nos propusimos. Hoy en Antioquia contamos con ciudadanos, educados y libres para transformar nuestra sociedad. 7

Frey León Rodríguez Vargas Alcalde de Santa Fe de Antioquia Un fraterno y afectuoso saludo desde la Administración Municipal al Festival de Cine de Santa Fe de Antioquia en su versión XVI, a sus organizadores, visitantes, consumidores, esos cientos de personas que disfrutan de la magia del cine y la cinematografía, gentes locales y visitantes que en las calles y plazas de nuestra “Ciudad Madre” disfrutan del cine “bajo las estrellas”, que como su lema del programa de exhibición semanal, que durante todo el año y de forma constante forman públicos y brindan a la cultura local la posibilidad de espacios como el cine de la mejor calidad, a distintos grupos poblacionales, y que tiene cada fin de año un encuentro que ya hace parte de las agendas culturales del Departamento y la nación. Es el Festival de Cine de Santa Fe de Antioquia un escenario de confluencias que enriquecen el acervo cultural de nuestro municipio, que pone en las agendas de los amantes del cine a nuestra población, siempre con temas que hacen reflexionar y dan a nuestras gentes la posibilidad de otras miradas, como el tema de este año, que nos habla de la animación en el cine, técnicas que no sólo están delimitadas a públicos infantiles, ya que sus temáticas y reflexiones son cada vez más amplias y profundas en sus miradas y análisis. O como su muestra Caja de Pandora que se convierte en el escenario soñado por los nuevos realizadores, en el que esperamos ver más jóvenes y personas de nuestro municipio. El 2015, año en que terminamos la administración de las oportunidades para Santa Fe de Antioquia, coincide con el primer año de la nueva administración del Festival de Cine, al que le deseamos el mejor de los futuros y felicitamos por su contribución a la cultura de nuestra población. Bienvenidos siempre, propios y visitantes al disfrute de un espacio cultural sin igual, disfrutar con moderación y responsabilidad en el mejor marco que puede ofrecer el departamento de Antioquia como lo es nuestro municipio la “Ciudad Madre”. 8

Martha Ligia Parra Valencia Directora artística del Festival Les doy la más cordial bienvenida a la edición número XVI del Festival de Cine de Santa Fe de Antioquia, el certamen de mayor trayectoria en el Departamento y uno de los más relevantes a nivel nacional. Ya son 16 años de “cine bajo las estrellas” en una de las poblaciones patrimonio cultural más hermosas de Colombia. El cineasta español Fernando Trueba quien recibió este año el Premio Nacional de Cinematografía de España se refirió emocionado a nuestro Festival diciendo que para él lo remite a la infancia y al hecho de que el cine sea una fiesta. Esa emoción, de la que habla Trueba, es la que renovamos cada año en este evento para la exhibición, formación y disfrute del cine. El mismo que convoca anualmente a cerca de 13 mil espectadores en sus plazas, parques y barrios. Es por ello que el público —tanto del municipio de Santa Fe de Antioquia, como de los demás municipios vecinos del Occidente antioqueño— es el eje fundamental de nuestra labor pues con su generosa y entusiasta respuesta le da sentido al esfuerzo que realizamos. Cabe recordar que durante todo el año el Cineclub Bajo el Cielo Antioqueño, permanece activo y sirve no solo de antesala al Festival, sino que también trabaja realidades sociales y refuerza el concepto de identidad en la región. Del 4 al 8 de diciembre la edición XVI girará en torno al tema de la Animación: Otra dimensión como un género cinematográfico con gran valor histórico, estético, social, tecnológico y cultural. Que tiene un impacto cada vez mayor a nivel mundial y que en nuestro país renace con propuestas muy interesantes. La muestra central ofrece más de una docena de largos de animación, provenientes de diferentes países del mundo y cinco largos nacionales de los últimos cinco años, así como también cine infantil, una muestra de cortos del cine mundial y la proyección especial de la película Violencia, ópera prima de Jorge Forero, A través de la pantalla de Juan Camilo Ramírez, La tierra y la sombra de César Acevedo y el cortometraje Refugio de Juliana Zuluaga y Santiago Henao. Uno de nuestros compromisos fundamentales es la formación de públicos y este año hemos diseñado una completa y atractiva oferta académica compuesta de once conferencias, con invitados nacionales sobre técnicas, plataformas, desarrollo de películas animadas, el 3D, autores como Miyazaki, la animación infantil, formas de producción de acuerdo con nuestra realidad y el diálogo entre lo digital y lo análogo. Estas conferencias

serán realizadas en la Institución Educativa San Luis Gonzaga. También hacen parte del área académica dos talleres, uno sobre El actor de cine, a cargo de Alejandro Aguilar y el Taller de Talentos Cinematográficos sobre producción creativa en películas independientes de bajo presupuesto, dirigido a los 30 ganadores de Caja de Pandora y a cargo del realizador Jorge Forero (Violencia). Como invitado internacional contaremos con la presencia por primera vez en Colombia de uno de los referentes más importantes del mundo de la animación independiente Bill Plympton, dos veces nominado al Oscar por sus cortos Your Face en 1987 y Guard Dog en 2005, quien dictará una master class. Contaremos además con su último largometraje Cheatin’ y seis de sus cortometrajes. Durante 16 años consecutivos, uno de las secciones más exitosas y queridas del Festival es Caja de Pandora, concurso de cortos audiovisuales para los nuevos realizadores del país, que se ha convertido en una de las vitrinas más importantes de la reciente producción nacional y en espacio de proyección y de formación para los asistentes y realizadores. Este año, recibimos un 35% más de trabajos que en la convocatoria anterior, provenientes de 40 municipios de todo el país. De 187 “pandoros” fueron seleccionados los 30 con mayor puntuación, en cuatro categorías: ficción, documental, videoclip y experimental. Anunciamos también con orgullo que este año comenzamos la internacionalización de Caja de Pandora con la realización de la primera muestra de cine colombiano en Argentina, “Haciendo foco en el nuevo cine colombiano”, que se llevó a cabo del 11 de octubre al 9 de noviembre y que fue organizada por la Corporación Festicine Antioquia, en asocio con la Embajada de Colombia en Argentina, en diferentes centros culturales del Gobierno de la ciudad de Buenos Aires. En esta edición recibimos también con beneplácito la reunión del Consejo Nacional de las Artes y la Cultura en Cinematografía –CNACC- ente encargado de la dirección y decisiones del Fondo para el Desarrollo Cinematográfico. Y de la cual hacen parte la directora de Cinematografía del Ministerio de Cultura Adelfa Martínez y la directora de Proimágenes Claudia Triana de Vargas. A todos los miembros del Consejo un caluroso saludo de bienvenida y nuestro agradecimiento por su apoyo.

Por último, quiero agradecer a nuestros patrocinadores: el Ministerio de Cultura, el Instituto de Cultura y Patrimonio de Antioquia, ICPA, EPM, el Idea y Procinal. A las entidades educativas, San Luis Gonzaga y Arturo Velásquez Ortiz, a nuestros invitados, a los medios, los jóvenes cinéfilos, voluntarios, a la comunidad de Santa Fe y a todo el público. Sin su apoyo el Festival no sería posible. Un agradecimiento inmenso a todos por soñar con nosotros bajo el cielo antioqueño.

Muestra CENTRAL

ARRUGAS

España | 2011 | 89 min. Dirección: Ignacio Ferreras Producción: Manuel Cristóbal, Oriol Ivern, Enrique Aguirrezabala Guion: Ángel de la Cruz, Paco Roca, Ignacio Ferreras, Rosanna Cecchini Dirección de fotografía: David Cubero Sonido: Cinemar Films, Carlos García, Diego S. Staub Música: Nani García Montaje: Gemma Gassó Reparto: Álvaro Guevara y Tacho González Productora: Perro Verde Films, Cromosoma

PARTICIPACIÓN Y PREMIOS EN FESTIVALES

Arrugas es un largometraje de animación 2D para un público adulto basado en el aclamado cómic del mismo título de Paco Roca (Premio Nacional de Cómic 2008). Arrugas narra la amistad entre Emilio y Miguel, dos ancianos recluidos en un geriátrico. Emilio, que acaba de llegar a la residencia en un estado inicial de Alzheimer será ayudado por Miguel y otros compañeros para no acabar en la planta superior de la residencia, el temido piso de los asistidos que es como llaman allí a los desahuciados. Su alocado plan tiñe de comedia y ternura el tedioso día a día de la residencia porque, aunque para muchos sus vidas habían acabado, ellos acababan de empezar una nueva.

IGNACIO FERRERAS Animador y director de gran experiencia internacional, entre la que destaca su trabajo como animador en el largometraje de Sylvain Chomet The Illusionist, producido por Django Films (Reino Unido, 2010), el segmento 1000c SMS Finals, que dirige y anima para Tokyo Onlypic 2008 (Japón, 2008) y su trabajo de storyboard en el largometraje Asterix and the Vikings producido por A Film (Dinamarca, 2004). Desde el 2005 compagina su labor profesional con la docencia, dando clases y conferencias en el prestigioso Animation Workshop (Dinamarca), la National Film School of Denmark y en el Volda University College (Noruega). En 2002 completa su premiado corto How to Cope with Death, como creador, animador y director, encargado por Channel 4 y ganador del premio Jean-Luc Xiberras al mejor primer cortometraje en Annecy 2003, además de otros 22 premios internacionales.

Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy, Francia 2012: distinción especial al director Premios Goya, España 2012: mejor guion adaptado y mejor película de animación Anima, Bélgica 2012: Audience Choice Festival Cinespagno Nantes, Francia 2012: mejor ópera prima Festival de Cine de Animación de Stuttgart, Alemania 2012: mejor película de animación Premios Mestre Mateo, España 2012: mejor dirección artística, mejor largometraje de animación, mejor música original, mejor sonido, mejor guion

ARRUGAS AYA DE YOPOUGON España | 2011 Francia 2013 | 89 84 min. min Dirección: Marguerite Abouet, Clement Oubrerie Producción: Antoine Delesvaux, Clément Oubrerie y Joann Sfar Guion: Marguerite Abouet Música: Paul Lavergne Dirección de arte: Clément Oubrerie y Julia Weber Montaje: Clément Oubrerie Reparto: Aïssa Maïga, Eriq Ebouaney, Emil Abossolo-Mbo y Claudia Tagbo Productora: Autochenille Production y TF1 Droits Audiovisuels

Aya, Adjoua y Bintou son tres amigas del distrito de Yopougon, en Costa de Marfil. Son bonitas, jóvenes y les gusta hacer cosas: una prefiere danzar, otra salir con chicos y otra estudiar para hacer algo más que ser un ama de la casa. Ellas solo quieren vivir sus vidas.

MARGUERITE ABOUET Marguerite Abouet nació en Abiyán, capital administrativa de Costa de Marfil, en 1971. A los 12 años de edad sus padres la enviaron junto con su hermano mayor a estudiar a París, Francia. Ambos vivieron en la casa de su tío abuelo. Aya de Yopougon es la primera historia que ha dedicado al cómic. Con una voz y un humor inéditos, describe un África muy viva, lejana a los clichés de guerra, hambruna y miseria, con los que se suele describir habitualmente al continente africano. En 2006 recibió junto a Clément Oubrerie el premio al Primer Álbum en el Festival Internacional de Cómic de Angoulême.

OUBRERIE CLEMENTE Francia. Después de la secundaria, comenzó a estudiar arte en la escuela Penninghe, hizo una pausa para ir a Estados Unidos y allí realizó todo tipo de trabajos artísticos. De regreso en Francia, comenzó a ilustrar libros para la juventud - cuarenta hasta la fecha - y se convierte en el cofundador de La Station, un estudio de animación con la que está preparando un largometraje. Él también dedica tiempo para viajar y tocar la batería con una banda de funk, especialmente en Costa de Marfil. Su singular talento da vida con el espíritu y la autenticidad de la historia de Marguerite Abouet.

PARTICIPACIÓN Y PREMIOS EN FESTIVALES Festival Internacional del Cómic de Angoulème, Francia 2013 Festival de Annecy, Francia 2013 Festival de Gijón, España 2013

ARRUGAS BRAVE STORY España| |2006 Japón 2011| |112 89 min. Dirección: Kôichi Chigira Producción: Koji Kajita, Hiroyoshi Koiwai, Daisuke Sekiguchi Guion: Ichiro Okouchi y Miyuki Miyabe Dirección de fotografía: Yoshio Hirooka Música: Ben Watkins Montaje: Takeshi Seyama Reparto: Takako Matsu y Eiji Wentz Productora: Fuji TV y Gonzo Animation

Wataru es un niño de once años que llega a mundo fantástico llamado Visión, donde emprende una búsqueda de la Diosa del Destino para que ella le conceda un deseo: reunir a su familia. Wataru deberá evocar toda su valentía para luchar contra demonios, sus propios amigos e incluso contra sí mismo.

KÔICHI CHIGIRA Es un director que ha realizado varias series de anime, por lo general ha trabajado con Gonzo Estudio y en Madhouse. Chigira es conocido por dirigir Full Metal Panic y Last Exile. También dirigió La Torre de Druaga: la égida de Uruk. Su primer trabajo importante fue como director técnico en Venus Wars en 1989. Chigira más tarde se trasladó al departamento de producción, donde trabajó como artista de storyboard en Miracle Giants Domo-kun. A mediados de 1990, trabajó en varios estudios, incluyendo Sunrise, donde participó en varias entregas de la saga Gundam. En 1999, ingresó al estudio Gonzo y trabajó en el Blue Submarine No. 6. Más tarde dirigió Gate Keepers, Full Metal Panic, Last Exile y Brave Story.

PARTICIPACIÓN Y PREMIOS EN FESTIVALES Festival de Annecy, Francia 2007

CHEATIN’

Estados Unidos | 2013 | 76 min. Dirección: Bill Plympton Producción: Desirée Stavracos Guion: Bill Plympton Sonido: Weston Fonger Música: Nicole Renaud Dirección de arte: Lindsay Woods Montaje: Kevin Palmer Productora: Bill Plympton Studios

Una esposa recién casada pone a prueba su amor al convertirse, gracias a la “máquina del alma” de un mago caído en desgracia, en las amantes de su marido infiel.

BILL PLYMPTON Estados Unidos. Plympton es considerado uno de los genios de la animación independiente, autor de culto y uno de sus referentes más importantes. Es un verdadero autor al dibujar, escribir, dirigir, animar, componer, hacer la voz de los personajes, producir sus propias películas y hasta encargarse del marketing. Ha sido nominado a los premios Óscar en dos oportunidades por sus cortos Your Face, en 1988 y Guard Dog en 2005. En 1991 Push Comes to Shove ganó Palma de Oro en Cannes a mejor cortometraje. Ha ganado tres veces el premio de mejor largometraje en Annecy, el festival más importante del mundo de la animación y obtenido varios reconocimientos por el logro de toda una vida en Sitges 2005, en Fantasporto 2006, en California (ActionOn Film) 2011, entre otros.

PARTICIPACIÓN Y PREMIOS EN FESTIVALES Premios Annie 2014: tres nominaciones (mejor película, director, música) Festival de Annecy 2014: premio especial del jurado Festival de Gijón 2013: mejor película de animación (ex-aequo) Festival de Sitges 2013: nominada a mejor película de animación

CHICO Y RITA

España / Reino Unido | 2010 | 94 min. Dirección: Fernando Trueba, Javier Mariscal y Tono Errando Producción: Cristina Huete, Martin Pope, Michael Rose y Santi Errando Guion: Fernando Trueba, Ignacio Martínez de Pisón Sonido: Alex F. Capilla, Iñaki Sánchez, Nacho Royo, Patrick Ghislain, Pelayo Gutiérrez y Ricardo Viñas. Música: Bebo Valdés Montaje: Arnau Quiles Reparto: Limara Meneses, Eman Xor Oña y Mario Guerra Productora: Fernando Trueba P.C, Estudio Mariscal, Magic Light Pictures

Chico (con la voz original de Eman Xor Oña) es un joven pianista de la Cuba de 1948. Es humilde, pero tiene grandes sueños y está dispuesto a cumplirlos, a aprovechar cualquier oportunidad de alcanzar la gloria en el mundo del jazz. Por su parte, Rita (Limara Meneses) es una hermosa y sensual cantante que saca partido de su extraordinaria voz, con la que todas las noches encandila al público de La Habana, que la escucha embelesado. Los dos artistas se conocen e inician una relación que estará marcada por los altibajos, por la pasión, por corazones desbocados y tormentas en el alma.

FERNANDO TRUEBA España. Comenzó como crítico en la Guía del Ocio, para pasar luego al diario El País y fundar la revista Casablanca. Desde 1974 ha dirigido cortos como En legítima defensa, Homenaje a trois y Carlos 82. Ganó el Oso de Plata del Festival de Berlín con El año de las luces y el Óscar a la mejor película de habla no inglesa y nueve premios Goya (entre ellos, mejor película y director) por Belle époque. En 2012 presenta El artista y la modelo, un filme en blanco y negro con el que ganó como mejor director en el Festival de Cine de San Sebastián.

JAVIER MARISCAL

España. Ha asumido grandes retos de diseño, desde la mascota de los Juegos Olímpicos de Barcelona hasta un hotel de lujo. En 2010 publicó la novela gráfica Chico y Rita y la película de animación del mismo nombre.

TONO ERRANDO PARTICIPACIÓN Y PREMIOS EN FESTIVALES

España. Hermano del director y diseñador Javier Mariscal, ha trabajado en las producciones La gran mentira del rock’n’roll y Chico y Rita.

Premios del Cine Europeo, Alemania 2011: mejor largometraje de animación Festival de Annecy, Francia 2011: premio FNAC al mejor largometraje Premios Gaudí, España 2011: mejor película de animación y música original Premio José María Forqué, España 2011: mejor largometraje documental o de animación Premios Goya, España 2011: mejor película de animación

DESTERRADA

Colombia | 2015 | 80 min. Dirección, producción y guion: Diego Guerra Dirección de fotografía: Luis Antonio Guerra Sonido: Alejandro Jaramillo Música: Amadeo González Montaje: Andrés Porras Reparto: Mónica Chávez, Ricardo Mejía, Natalia Reyes, Santiago Olaya, Jim Muñoz, Alejandra Miranda y Hernán Méndez. Productora: 68 Revoluciones

Desterrada es un largometraje de animación, con escenarios y personajes con estilo de videojuego, que constituye una novedosa y peculiar visión, desde la perspectiva de un sector de la juventud bogotana, sobre un conflicto armado en el que ha nacido, aunque no lo entiende y no le ha tocado vivir en primera persona, pero que, de una u otra manera, ha marcado su vida y su visión del país.

DIEGO GUERRA Bogotá. Fue el editor de la revista ACME durante los años noventa, una publicación que ganó dos premios de Colcultura y el Premio a la Mejor Revista de Cómics en el Encuentro Latinoamericano de Historieta de La Habana de 1996. En esta revista, Guerra publicó por entregas una historia sobre tres amigos de la universidad en un cómic extenso titulado Educación sentimental, muy influenciado por el cómic francés de corte realista. Otras historias sobre los mismos personajes se publicaron en varias revistas colombianas de cómics de esa época, como Agente Naranja o TNT. Al desaparecer ACME, Guerra se dedicó durante un buen tiempo a la ilustración freelance en diversos medios y trabajó como jefe de Arte en Camaleón Editores. Entre 2000 y 2002 Guerra colaboró con la productora Teleset donde realizó storyboards y fue animador de la serie animada de 26 episodios llamada Simplemente Rita, para Telemundo de Miami. Posteriormente, como realizador independiente, se dedicó a hacer ilustraciones y spots publicitarios para Francia y España y creó el blog 68revoluciones.com

PARTICIPACIÓN Y PREMIOS EN FESTIVALES Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias, 2014 Festival de Annecy, Francia 2015 Colombian Film Festival en Berlín, Alemania 2015 Festival de Monterrey, México 2015 Festival Cinaanima, Portugal 2015

EL APÓSTOL

España | 2012 | 84 min. Dirección y guion: Fernando Cortizo Producción: Jacqueline Scott, Solomon J.LeFlore y Susan Gee Dirección de fotografía: David Nardi Música: Philip Glass, Xavier Font y Arturo Vaquero Dirección de arte: María Hernanz Montaje: Fernando Alfonsín Reparto: Carlos Blanco, Jorge Sanz, Paul Naschy, Geraldine Chaplin, Xosé Manuel Olveira, Luis Tosar, Celso Bugallo, Manuel Manquiña, Víctor Mosqueira, Pedro Alonso, Isabel Blanco, Atilano Franco y Jacobo Rey. Productora: Artefacto producciones

Narra una oscura historia de misterio ambientada en el Camino de Santiago en la que se mezcla el suspense, el humor y la fantasía a partes iguales. El protagonista, un preso recién fugado de la cárcel, se verá envuelto en extraños e inquietantes sucesos al intentar recuperar un botín que había sido escondido años atrás en una apartada aldea de esta ruta. Siniestros ancianos, extrañas desapariciones, un peculiar sacerdote y hasta el mismísimo arcipreste de Santiago confluyen en una trama aderezada de misterio e intriga que llevará al protagonista a enfrentarse a una condena mayor de la que había conseguido escapar.

FERNANDO CORTIZO Santiago de Compostela, Galicia. Después de ejercer un tiempo como un veterinario, se interesó en el cine de imagen real e hizo dos cortometrajes. Luego, pasó a la animación stop motion con el cortometraje Gato Negro con Spanta8. Después de esta primera experiencia, en 2007 creó Artefacto Producciones, que produjo La niebla, Las Muñecas Thief, Leo, Sombras en la noche y La promesa. En 2009 comenzó la producción de su primer largometraje, El apóstol, la primera película europea en stop motion estereoscópica. Para el proyecto logró involucrar a los técnicos de grandes producciones del mundo, así como el músico estadounidense Philip Glass.

PARTICIPACIÓN Y PREMIOS EN FESTIVALES Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy, Francia 2013: mejor película Premios del Círculo de Escritores Cinematográficos, España 2013: mejor largometraje de animación Fantasporto, Portugal 2013: premio especial del jurado Premios Goya, España 2013: mejor película de animación Animpact- Korea-Japón-China, 2013: mejor película

EL CUADRO / LE TABLEAU Francia / Bélgica | 2011 | 76 min. Dirección: Jean-François Laguionie Producción: Armelle Glorennec, Eric Jacquot Guion: Jean-François Laguionie y Anik Leray Sonido: Bruno Seznec Música: Pascal Le Pennec Dirección de arte: Jean Palenstjin Montaje: Emmanuel de Miranda Reparto: N/A Productora: BE-FILMS, Blue Spirit Animation, uFilm

Un palacio, unos jardines con flores, un bosque hostil, esa es la obra inacabada que, por misteriosas razones, nos lega un pintor. Tres tipos de personajes cohabitan en el cuadro: los Toupins, pintados enteramente; los Pafinis, a los que faltan algunos colores; y los Reufs, en forma de bocetos. Considerándose superiores, los Toupins se hacen con el poder, expulsan a los Pafinis del castillo y someten a los Reufs como siervos. Convencidos de que sólo si el pintor termina el cuadro podrá restablecerse la armonía, Ramo, Lola y Plume deciden ir en su busca.

JEAN-FRANÇOIS LAGUIONIE Francia. Se movía entre el grafismo y el teatro, pero su encuentro con Paul Grimault le orientó hacia la animación. Nacido en Besançon en 1939, realizó su primer corto de animación en 1965: La demoiselle et le violoncelliste y ganó la Palma de Oro en Cannes por La traversée de l’Atlantique à la rame… (1978). Jean-François Laguionie ama su trabajo, lo que se nota en cada film, así que monta su propio estudio, La Fabrique, y se adentra en la aventura del largo de animación con Gwen ou le livre de sable (1985). Laguionie, entusiasmado por su trabajo, realiza dos películas más (1999 y 2003) hasta llegar a esta obra maestra de Le Tableau en la que nos hace recorrer las obras de los grandes autores pictóricos: Bonnard, Modigliani, Picasso, Derain, Matisse o Gaudí, con un éxtasis de color deslumbrante.

PARTICIPACIÓN Y PREMIOS EN FESTIVALES Premios César, Francia 2011 Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy, Francia 2012 Festival de Gijón, España 2012

EL ILUSIONISTA / L’ILLUSIONNISTE Francia / Reino Unido | 2010 | 80 min. Dirección y música: Sylvain Chomet Producción: Bob Last y Sally Chomet Guion: Sylvain Chomet, Jacques Tati Sonido: Carl Goetgheluck Música: Sylvain Chomet Dirección de arte: Bjarne Hansen Montaje: Rob Farris Reparto: Jean-Claude Donda y Eilidh Rankin Productora: Django Films

PARTICIPACIÓN Y PREMIOS EN FESTIVALES

Narra las aventuras de un viejo mago que, al comienzo de la década de los 60, viaja acompañado de su inseparable conejo haciendo espectáculos de magia por toda Europa, en un mundo seducido por el rock y la TV en el que la inocencia, la ilusión y la imaginación ya no tienen cabida. Tras partir desde París y pasar por Londres, el ilusionista llega a un pueblecito de Escocia, donde conoce a Alice, una joven que aún posee la ingenuidad y asombro característicos de la infancia. Ella todavía ignora que le quiere como a un padre; él siente que la ama como a su hija. Durante su convivencia nacerán momentos tiernos y mágicos que les marcarán para siempre.

SYLVAIN CHOMET Francia. Empezó a dibujar desde muy pequeño y así quería convertirse en autor de cómics humorísticos. No le gustaban mucho los dibujos animados por creer que era demasiado técnico para ello. Pero trabajando sobre proyectos de animación, poco a poco entendió la magia de este arte. Empezó con la realización de La vieille dame et les pigeons, una película muda con la cual ya se puede ver los gustos artísticos, las influencias, “el sello” Chomet: personajes cuyas principales características son sus apariencias geométricas fuertes, el París de “l’entre 2 guerres”, los clichés sobre Francia tras los ojos de turistas americanos gordos, el humor cínico, el uso de la música, dibujos artesanales, etc. Desde Montreal trabajó durante 5 años sobre la realización de Les Triplettes de Belleville, película presentada en el Festival de Cannes 2003 y nominada como mejor película de animación en los Óscar 2003.

Premios César, Francia 2010: mejor película de animación Premios del Cine Europeo, Estonia 2010 - Mejor película de animación National Board of Review of Motion Pictures, NBR: mención especial a Sylvain Chomet y Jacques Tati Premios Óscar, Estados Unidos 2011 Globos de Oro, Estados Unidos 2010 Satellite Awards, Estados Unidos 2010 Premios Annie, Estados Unidos 2010 Asociación de Críticos de Los Ángeles, Estados Unidos 2010: finalista a mejor largometraje de animación Festival de Mar del Plata, Argentina 2010: selección oficial largometrajes a concurso

EL JARDÍN DE LAS PALABRAS Japón | 2013 | 46 min. Dirección, guion, fotografía y montaje: Makoto Shinkai Producción: Noritaka Kawaguchi Música: Daisuke Kashiwa Reparto: Miyu Irini, Kana Hanazawa, Fumi Irano, Yuka Terasaki y Suguru Inoue. Director de arte: Hiroshi Takiguchi Productora: CoMix Wave Films

Takao Akizuki es un estudiante de 15 años que desea convertirse en diseñador de zapatos. Le gustan los días lluviosos, por lo que cuando llueve prefiere caminar que tomar el tren a la escuela. En una de sus caminatas bajo la lluvia, encuentra a una misteriosa mujer bajo el gazebo de un parque, la cual pasa el tiempo bebiendo cerveza y comiendo chocolates. Así Takao comenzará a tener una relación más estrecha con la mujer, encontrándose los dos en el mismo lugar en días lluviosos para hablar, mientras Takao dibuja zapatos y la misteriosa mujer bebe cerveza y come chocolates. Pero todo cambia cuando la temporada de lluvias termina y Takao no encuentre tal pretexto de faltar a la escuela y la mujer comience a asistir a su trabajo, lo cual hará que Takao descubra la verdadera identidad de su misteriosa interlocutora.

MAKOTO SHINKAI Es un director, animador y actor de voz principal de anime. Originario de la prefectura de Nagano en Japón. Estudió Literatura Japonesa en la universidad. Su pasión por la creación se debe al manga, anime y novelas que leyó mientras estaba en la secundaria. Shinkai ha sido llamado “el nuevo Miyazaki” en diversos artículos, incluyendo Anime Advocates y Active Anime, aunque él no está de acuerdo con esta comparación, aduciendo que “es una sobreestimación”.

PARTICIPACIÓN Y PREMIOS EN FESTIVALES Gold Coast Film Festival, Australia 2013 Kobe Theatrical Film Award, Japón 2013: ganadora

EL LINCE PERDIDO España | 2008 | 97 min. Dirección: Raúl García Sanz y Manuel Sicilia Producción: Marcelino Almansa y Antonio Banderas Guion: Manuel Sicilia, Raúl García y José Enrique Machuca Sonido: Álvaro Salgado, Jorge Lerner Música: Sergio de la Puente Dirección de arte: Oscar J. Vargas Dirección de fotografía: David Cabrera, Joaquín Catalá y Javier Fernández Montaje: Claudio Hernández y Nacho Ruiz Capillas Reparto: Julio Núñez, David Robles, Stephen Hughes, Abraham Aguilar, Cecilia Santiago, Conchi López Rojo y Carlos del Pino. Productora: Perro Verde Films, Kandor Graphics, Green Moon

El lince perdido narra las aventuras de Félix, un lince con muy mala suerte que se cura de sus heridas en un centro de recuperación. Pero un excéntrico y caprichoso millonario llamado Noé quiere crear su propio refugio secreto para animales en peligro de extinción, sin que le importe utilizar cualquier medio a su alcance, incluso alquilar los servicios de Newmann, un despiadado cazador, para que le ayude a cumplir su plan. Félix, con la ayuda de Gus, un camaleón de camuflaje defectuoso, Beea, una cabra amante del riesgo, Astarté, un halcón con ansias de venganza, y Rupert, un topo cegatón y padre de familia numerosa, luchará contra los planes de Noé y contra su propia mala suerte.

MANUEL SICILIA Fundador y director creativo de Kandor Graphics. Fundó también Melkor y es socio de Kandor Moon, una empresa conjunta con la compañía de Antonio Banderas, Green Moon. El lince perdido, su primer trabajo como director y guionista, fue vendido en 70 países y ganó varios premios. Sus trabajos anteriores incluyen proyectos para la Nasa, el FBI, John Malkovich, FOX, Filmax, Inditex, Cacique, etc. Es miembro de la junta directiva de Aepa y Diboos (Asociación Española de Productores de Animación) y ha sido jurado en algunos de los festivales más importantes relacionados con la animación.

RAÚL GARCÍA SANZ

PARTICIPACIÓN Y PREMIOS EN FESTIVALES

Es conocido por su trabajo para Disney en producciones como La bella y la bestia, El rey león, Aladdin y Señora Doubtfire. Fue el animador de la escena final de ¿Quién engañó a Roger Rabbit? Realizó el corto animado Corazón delator, basado en la novela homónima de Edgar Allan Poe.

Premios Goya, España 2009: mejor película de animación Festival Internacional Animadrid, España 2008: mejor película Festival Internacional de Animación, Colombia 2008: mención especial San Diego Latino Film Festival, Estados Unidos 2009: premio del jurado Festival de Cine de Giffoni Italia, 2009: premio especial

GORDO, CALVO Y BAJITO Colombia / Francia | 2011 | 93 min. Dirección y montaje: Carlos Osuna Guion: Carlos Osuna, Juan Mauricio Ruiz y Carlos Andrés Reyes Producción: Juan Mauricio Ruiz Dirección de fotografía: Yomayra Puentes y Guillermo Santos Sonido: Diego Castillo, Andrés Martinez, Jean Guy Veran Música: Alejandro Quintero y Leonardo Bohórquez Dirección de arte: Marcela Rodríguez Reparto: Álvaro Bayona, Fernando Arévalo, Julio Medina, Elkin Díaz, Jairo Camargo, Ernesto Benjumea, Nicolás Montero, Sandra Reyes, Marcela Mar, Juan Manuel Combariza y Elkín Díaz. Productora: Malta Cine, Cine Sud Promotion. Contacto: maltacine@gmail. com

Antonio Farfán de 46 años es un funcionario de una notaría que siempre ha creído que el fracaso en su vida personal y profesional se debe a su apariencia: es calvo, bajito y gordo. Aunque su mente nunca calla, su vida transcurre sin mayores contratiempos hasta que llega el nuevo notario: un hombre más gordo, calvo y bajito que Antonio, pero exitoso y querido por los demás. Confundido y aturdido, Antonio se ve arrojado al mundo real donde se enfrenta con sus propios miedos y termina viviendo situaciones bastante inesperadas.

CARLOS OSUNA Colombia. Maestro en Artes Visuales en la Universidad Javeriana, ha enfocado su carrera hacia la realización de cine y video arte, campo en el cual ha logrado varios reconocimientos en América Latina, Europa y Estados Unidos. Se graduó con honores en el año 2003 gracias a su película Antesala. Como videoartista ha recibido los premios al mejor video experimental y el premio especial del jurado al mejor video en competencia del Festival de Cine Equinoccio (2000). Su filmografía la complementan los trabajos Dentro de poco voy a morir (2000), Epacta (2000), Mira la tele (2001), Punto de espera (2002), Sa-10 No Ac Adaptor Vol 1 (2005) y Es popular (2009). Es el presidente de la productora Malta Cine SAS.

PARTICIPACIÓN Y PREMIOS EN FESTIVALES Estímulo para finalización de largometrajes, Fonds Sud Cinema, Francia, 2011. Premio Fix Comunicación, Guadalajara Construye 5, Festival Internacional de Cine en Guadalajara, Mexico, 2011. Premio Art Digital, Guadalajara Construye 5, Festival Internacional de Cine en Guadalajara, Mexico, 2011. Selección Avant Premiere (Fuera de competencia) Festival de Cine de Biarritz, Francia, 2011 Free Spirit Competition (En competencia) Festival de Cine de Varsovia, Polonia 2011 World Cinema Program (Fuera de competencia) Festival de Cine de Chicago, 2011 Sección de Animación (Fuera de competencia) Festival de Cine de la India, 2011 Selección Oficial en competencia, Festival de Cine de Amiens, Francia 2011

LA CASA MÁGICA Bélgica | 2013 | 85 min. Dirección: Ben Stassen y Jeremy Degruson Producción: Nadia Khamlichi, Adrian Politowski, Ben Stassen, Caroline Van Iseghem y Gilles Waterkeyn Guion: James Flynn, Dominic Paris, Ben Stassen Música: Ramin Djawadi Dirección de arte: Jeremy Degruson Reparto: Joey Camen, Elisa Gabrielli, Shanelle Workman, Grant George, Jeff Bennett, Susanne Blakeslee, Joe Ochman, Grey DeLisle, Mona Marshall Productora: nWave Pictures, Studio Canal Intrnational, Anton Capital Entertainment (ACE)

Mientras busca refugio en medio de una tormenta, un pequeño gato que fue abandonado por su familia está a punto de descubrir un mundo mágico y se encontrará con la aventura más grande de su corta vida.

BEN STASSEN Bélgica. Director, productor y guionista. Dentro de su filmografía se encuentran las producciones: África safari 3D, La casa mágica, Sammy en el pasaje secreto y su secuela Sammy 2: El gran escape y Vamos a la Luna.

JEREMY DEGRUSON Bélgica. Reconocido animador al que se le destacan la coproducción La casa mágica, Sammy en el pasaje secreto, Vamos a la Luna y El castillo encantado.

PARTICIPACIÓN Y PREMIOS EN FESTIVALES Seattle International Film Festival, Estados Unidos 2014 Festival de San Sebastián, España 2015

LA GORGONA, HISTORIAS FUGADAS Colombia | 2013 | 73 min | Documental. Dirección, producción, fotografía y montaje: Camilo Botero Jaramillo Guion: Carol Ann Figueroa Sonido: Luis Jaime Ángel Música: Mauricio López

El escape de un policía y la vigilancia a cargo de un penado. Un preso que cosechaba naranjas, otro que vendía cocos sin permiso. Un cumpleaños en el calabozo y un cuerpo sin vida que llegó a la playa. Un interno que se dedicaba a brillar zapatos mientras que otro fabricaba licor artesanal a escondidas. Varios intentos y sólo una fuga, decenas de tiburones y una sola mordida. Veinticinco años de prisión en una isla llamada Gorgona.

CAMILO BOTERO JARAMILLO Antes de estudiar cine realizó el cortometraje documental Vía Láctea Km.13. Viajó a Cuba y estudió en la EICTV donde se graduó como montajista. Su opera prima 16memorias ha participado en 37 festivales y ganado 12 premios. Su segundo largometraje La Gorgona, historias fugadas ha participado en 20 festivales y ha recibido 5 premios.

PARTICIPACIÓN Y PREMIOS EN FESTIVALES Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias, Colombia 2010. Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana, Cuba 2012. Festival Internacional de Cine Unasur, Argentina 2013: mejor fotografía documental Festival de Cine Verde de Barichara, Colombia 2013. Festival Filmar en America Latina, Suiza

LAS AVENTURAS DE TADEO JONES España | 2012 | 90 min. Dirección: Enrique Gato Producción: Jordi Gasull, Nicolas Matji y Edmon Roch Guion: Neil Landau Sonido: Carlos Faruolo, Edgar Vidal, Erik Vidal, Jaime Fernández, José Vinader, Kiku Vidal e Yvonne Miralles. Música: Zacarías M. de la Riva Montaje: Alexander Adams Reparto: Óscar Barberán, Michelle Jenner y José Mota. Productora: El Toro Pictures, Lightbox Entertainment, Ikiru Films, Telecinco Cinema.

Debido a una fortuita confusión, Tadeo, un albañil soñador, será tomado por un famoso arqueólogo y enviado a una expedición a Perú. Con la ayuda de su fiel perro Jeff, una intrépida profesora, un loro mudo y un buscavidas, intentarán salvar la mítica Ciudad Perdida de los Incas de una terrible corporación de cazatesoros.

ENRIQUE GATO España. Director y animador de producciones de animación 3D y 2D, galardonado con dos premios Goya y conocido principalmente por ser el creador del personaje Tadeo Jones. En 1995 comienza sus estudios de Ingeniería Técnica Informática en la Universidad Politécnica de Madrid, interesándose especialmente en las áreas de diseño gráfico y geometría computacional. Durante estos años y coincidiendo con la irrupción de Pixar en la industria del cine, comienza a desarrollar sus primeros cortometrajes animados Toy Jístory, 1994; Starship Trappers, 1997. Gracias a estos proyectos, Enrique Gato entra a trabajar en el sector de la animación para empresas como Pyro Studios, donde comienza a labrarse una carrera diseñando las cinemáticas de videojuegos como Praetorians 2003 o Commandos 3 2003. El éxito le llega en 2004, año en el que empieza a trabajar en su personaje Tadeo Jones. Su primer cortometraje obtiene el Goya al mejor cortometraje de animación en el 2006 y la su preselección para los Óscar en 2005. En 2007 repite éxito con Tadeo Jones y el sótano maldito, otro corto que consigue nuevamente el Goya. Finalmente, en el año 2012 aparece Las Aventuras de Tadeo Jones, su primer largometraje y la película más taquillera en la historia de la animación española.

PARTICIPACIÓN Y PREMIOS EN FESTIVALES Premios Goya, España 2013: mejor película animada, mejor guion adaptado y mejor dirección novel. Festival de Annecy, Francia 2012 Premio Cinematográfico José María Forqué, España 2012 Premios CEC, España 2012: mejor director revelación, mejor guion adaptado, mejor largometraje de animación.

MIA Y EL MIGOU / MIA ET LE MIGOU Francia/ Italia | 2008 | 91 min. Dirección y producción: Jacques-Rémy Girerd Guion: Jacques-Rémy Girerd, Benoît Chieux, Antoine Lanciaux y Louri Tcherenkov Dirección de fotografía y arte: Benoît Razy Sonido: Loïc Burkhardt Música: Serge Besset Montaje: Hervé Guichard Reparto: Dany Boon y Garance Lagraa Productora: Folimage

Mia es una niña de apenas diez años. Alertada por un presentimiento, decide dejar su pueblo de alguna parte de América Latina para irse a buscar a su padre. Este trabaja en una obra de construcción gigante destinada a transformar la selva tropical en una residencia hotelera de lujo. El camino para encontrar a su padre es muy largo. Mia tiene que cruzar una montaña lejana, rodeada por un bosque enigmático y poblado por seres misteriosos. En el corazón de este mundo de leyenda, la niña descubre un árbol fuera de lo común y se enfrenta a las verdaderas fuerzas de la naturaleza. Una experiencia extraordinaria…

JACQUES-RÉMY GIRERD Egresado de la Escuela de Bellas Artes de Lyon, ingresó al mundo de la animación realizando pequeñas obras en plastilina. En 1981 fundó Folimage, estudio especializado en la producción de películas realizadas fotograma a fotograma, y en 1988 ganó el César al mejor corto de animación con la película Le Petit Cirque de toutes les couleurs. Ese mismo año terminó un cortometraje de 28 minutos: L’Enfant au grelot, que ganó varios premios en el mundo. En 2010 fue productor de Une Vie de chat (Una vida de gato) de JeanLoup Felicioli y Alain Gagnol, que fue nominada al Óscar a mejor largometraje de animación. En 2013, trabajó en la serie animada de carácter educativo C’est bon y estrenó su tercer largometraje como director: Tante Hilda! (¡Tía Hilda!). Con una estética personal y depurada, desde el color hasta la creación de sus personajes, sus películas tienen un carácter y lenguaje universal, divertimentos con sutiles contenidos políticos y sociales dibujados con profundo cuidado. Catorce largometrajes, trece cortometrajes, seis series para televisión, dos telefilmes y cinco libros dan cuenta de su trabajo.

PARTICIPACIÓN Y PREMIOS EN FESTIVALES China International Cartoon and Digital Art Festival, China 2009: mejor película Premios del Cine Europeo, Alemania 2009: mejor película animada

MINÚSCULOS: EL VALLE DE LAS HORMIGAS PERDIDAS Francia / Bélgica | 2013 | 89 min. Dirección, guion, fotografía y edición: Hélène Giraud, Thomas Szabo Producción: Philippe Delarue Música: Hervé Lavandier Dirección de arte: Hélène Giraud Reparto: Jean-Paul Guyon, Sarah Cohen-Hadria Productora: Futurikon, Entre Chien et Loup, Futurikon Production II

Era un día como cualquier otro y todo estaba tranquilo en el claro de un pacífico bosque, pero los restos abandonados de un picnic hacen que estalle la guerra entre dos grupos de hormigas. El motivo es claro: ambas tribus luchan por conseguir una valiosa caja de azúcar, y ninguna piensa renunciar a ella sin pelear antes. Sin embargo, están tan centradas en la lucha, que las hormigas no se dan cuenta de que una valiente y pequeña mariquita se ha quedado atrapada en la contienda.

HÉLÈNE GIRAUD Francia. Es una directora de arte, productora y guionista. Es hija de Jean Giraud alias Moebius. Participó en el diseño gráfico de la película El quinto elemento de Luc Besson y ha desarrollado la característica visual de la película Renaissance de Christian Volckman. El 2004 fundó con Thomas Szabo la serie Minuscule producida por el estudio Futurikon. En 2010 codirigió la temporada 2 de esta serie. El 2014 codirigió junto a Thomas Szabo la película de animación Minúsculos: el valle de las hormigas perdidas.

THOMAS SZABO Es un director y escritor francés. El 2004 fundó con Hélène Giraud la serie Minuscule producida por el estudio Futurikon. El 2014 codirigió junto a Hélène Giraud la película de animación Minúsculos: el valle de las hormigas perdidas.

PARTICIPACIÓN Y PREMIOS EN FESTIVALES Premios César, España 2014: mejor film de animación Premios del Cine Europeo, Letonia 2014 Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy, Francia 2014 Festival Internacional de Cine de San Sebastián, España 2013

PEQUEÑAS VOCES Colombia | 2011 | 75 min. Dirección y guion: Óscar Andrade, Jairo Eduardo Carrillo Producción: Jairo Eduardo Carrillo, Oscar Andrade, Harold Trompetero, Carolina Angarita, Julián Giraldo Sonido: Richard Córdoba Música: Songo Estudio Dirección de arte: Adela Manotas Montaje: Juan Felipe Orozco, Carlos Esteban Orozco, Daniel Camilo Gómez Productora: Cinecolor Films

Cuatro chicos narran sus experiencias, involucrando al espectador en la forma en que perciben su realidad. Las historias se recrean a partir de los dibujos originales realizados por estos niños, que comparten su viaje personal, sus sueños y esperanzas.

ÓSCAR ANDRADE Realizador de Cine y TV de la Universidad Nacional de Colombia. Fundó en 2003 Jaguar Taller Digital que produce piezas interactivas y obras animadas, entre las que se destacan la serie animada 2D Chigüiro, la serie animada 3D Dr.W y el largometraje Pequeñas Voces. Ha sido jurado en el Festival Internacional de Cine de la Habana (2012) en la categoría de animación, así como en las convocatorias del Fondo de Desarrollo Cinematográfico (FDC). Es fundador y vicepresidente de Somos, gremio de empresas de contenidos digitales. Codirector de la investigación Historia de la Animación Colombiana premiada por el Ministerio de Cultura en el 2008. Actualmente es director de LOOP, Festival Latinoamericano de Animación y Videojuegos.

JAIRO EDUARDO CARRILLO

PARTICIPACIÓN Y PREMIOS EN FESTIVALES

Cúcuta, Norte de Santander. Egresado de Comunicación Social de la Pontificia Universidad Javeriana de Bogotá, con Maestría en Animación Digital en London Guildhall University. En 1994 comenzó su carrera en la televisión colombiana como asistente de dirección en la telenovela María Bonita. En 1995 con el video La Familia Motta gana su primer premio en el IV Festival Franco Latinoamericano de Videoarte, en la categoría de mejor video colombiano. En 1996 retornó a la televisión como asistente de dirección de la serie Cartas a Harrison.

Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias, Colombia 2011: mejor película documental Fondo para el Desarrollo Cinematográfico, FDC Festival Internacional de Cine Documental de Ámsterdam, Holanda. Festival Internacional de Cine de Göteborg, Suecia. XIII Festival de Cine de Derechos Humanos de Buenos Aires, Argentina: mención de honor

SABOGAL

Colombia | 2015 | 106 min. Dirección: Juan José Lozano y Sergio Mejía Producción: Liliana Rincón Ladino Guion: Juan José Lozano Dirección de fotografía: Sergio Mejía Forero Sonido: Juan Manuel Mesa Música: Enrique Bernal Dirección de arte: Sergio Mejía Forero Montaje: Ana Inés Acosta y Juan David Cortés Reparto: Ricardo Vesga, Marcelo Castro, María Adelaida Palacios, Martha Leal, Claudia Balbín, Buster Rojas y Misael Suárez Productora: 3da2 Animation Studios, Canal Capital ANTV

Thriller judicial de ficción que presenta el retrato complejo de la lucha de un ser humano valiente contra la impunidad. Es agosto de 1999 y Fernando Sabogal, abogado defensor de Derechos Humanos, asume la investigación del asesinato del humorista político y periodista Jaime Garzón. Desde ese momento se embarca en un proceso judicial tortuoso, en donde abrirá numerosas puertas que le mostrarán sórdidas conexiones entre narcotraficantes y funcionarios públicos corruptos. Esto es el inicio de una larga cadena de investigaciones que lo llevan a descubrir horrorizado que su combate personal por la justicia, tal vez no tenga fin.

SERGIO MEJÍA FORERO Con su cortometraje Entre el corazón y la Tierra (2008) fue ganador en el Festival Internacional de Cine y Televisión Infantil y Juvenil Cinecita 2010. Obtuvo el segundo lugar en Loop - Festival Iberoamericano de Animación (2008) y participó en la selección oficial del Festival de Animación Anima 09 en Córdoba, Argentina y en el Festival Internacional de Cine de Animación de Valparaíso, Chile 2008. Su más reciente producción Animalario (2012) fue seleccionado en más de 20 festivales internacionales y varias veces ganador en la categoría de mejor corto de animación.

JUAN JOSÉ LOZANO

PARTICIPACIÓN Y PREMIOS EN FESTIVALES

Documentalista de formación se destacan sus trabajos: Crime Hunters (2014), documental sobre la búsqueda de criminales de guerra en Europa, y sus largometrajes documentales Testigo Indeseable (2009) e Impunity (2011), este último codirigido con el periodista Hollman Morris, seleccionado en más de 20 festivales de cine en el mundo y galardonado en Toulouse (2011), La Haya (2011) y Santiago de Chile (2011).

Festival Annecy, Francia 2015 Animator, Polonia 2015 Be There Animation Fest, Grecia 2015 Expotoons, Argentina 2015 Cinanima, Portugal 2015

UN GATO EN PARÍS / UNE VIE DE CHAT Francia | 2010 | 61 min. Dirección: Jean-Loup Felicioli y Alain Gagnol Producción: Jacques-Rémy Girerd Guion: Alain Gagnol y Jacques-Rémy Girerd Sonido: Flavien Van Haezevelde, Loïc Burckhardt, Luc Thomas y Rainier Buidin Música: Serge Besset Montaje: Hervé Guichard Reparto: Dominique Blanc, Bruno Salomone, Jean Benguigui, Bernadette Lafont, Oriane Zani, Bernard Bouillon, Patrick Ridremont, Jacques Ramade, Jean-Pierre Yvars y Patrick Descamps Productora: Folimage, Digit Anima y France 3 Cinéma

Dino es un gato que divide su vida entre dos hogares. De día vive con Zoé, la única hija de Jeanne, una comisaría de policía. De noche, se pasea por los tejados de París con Nico, un avezado ladrón. Jeanne no puede más. No sólo tiene que moderar los ímpetus del intrépido compañero de Dino, autor de varios robos de joyas, sino que también tiene que vigilar el Coloso de Nairobi, una gigantesca estatua codiciada por Víctor Costa, el enemigo público número uno y culpable de la muerte de un policía, marido de Jeanne y padre de Zoé, encerrada desde entonces en un mutismo total. Los sucesos se precipitan la noche en que Zoé sorprende a Costa y su pandilla. Se inicia entonces una persecución hasta los tejados de la catedral de Notre-Dame que acaba de madrugada: los personajes se entrecruzan; unas veces se ayudan, otras se enfrentan.

ALAIN GAGNOL Estudió en la escuela Émile-Cohl en Lyon. Creó el estudio de animación Folimage y desde entonces ha codirigido con Jean-Loup Felicioli varios cortometrajes y un largometraje: Un gato en París, estrenado en Francia el 15 diciembre de 2010 y nominado para los premios César en 2011 y a la ceremonia de los Óscar 2011.

JEAN-LOUP FELICIOLI

PARTICIPACIÓN Y PREMIOS EN FESTIVALES

Ha estudiado en escuelas de finas artes en Annecy, Strasbourg, Perpignan and Valencia. Ha producido junto a Alain Gagnol películas como Phantom Boy (2015), Mal tiempo (2006) y La nariz en la ventana (2000), entre otros, que componen una quincena de largometrajes y cortometrajes.

Premios Óscar, Estados Unidos 2011 Premios del Cine Europeo, Alemania 2011 Premios Annie, Estados Unidos 2011 Festival de Annecy, Francia 2011

A travĂŠs de la pantalla La tierra y la sombra Violencia Refugio

FUNCIONES

ESPECIALES

A TRAVÉS DE LA PANTALLA Colombia | 2015 | 80 min. Dirección y guion: Juan Camilo Ramírez Producción: Sonia Barrera, Mónica Martínez y Juan Camilo Ramírez Dirección de fotografía: Viviana Gómez Diseño de sonido: Mauricio Rodríguez Música: Alejandro Ramírez Rojas Montaje: Carlos Cordero y Juan Camilo Ramírez Productora: Instituto Distrital de Patrimonio Cultural y Canal Capital

A través de la pantalla es una película de carácter experimental donde la imagen proviene de material de archivo fílmico adaptado a una estructura narrativa que cuenta el ciclo vital de un ser humano en Bogotá. Está estructura lineal que explora la vida desde el nacimiento hasta la muerte pone en diálogo diversidad de imágenes, de distintos, géneros, tiempos y formatos para construir con todas ellas una pareja de personajes que habita una ciudad fílmica trágica y violenta pero al mismo tiempo, vital y reflexiva. En esta película el espectador se convierte en director y guionista porque es él, el que llena los “espacios inciertos” que la película deja de presente.

JUAN CAMILO RAMÍREZ Realizador de cine de la Universidad Nacional de Colombia, se ha desempeñado principalmente como documentalista siendo Neonato su trabajo de mayor reconocimiento en festivales de cine internacionales. Así mismo, se ha desempeñado como director y realizador de televisión, su más reciente trabajo Callejeando fue una serie cultural emitida en Señal Colombia y Canal Capital que logró importantes comentarios. Ha trabajado como profesor universitario y ha participado de diferentes maneras en producciones cinematográficas de reconocidos directores: Erwin Goggel, Jorge Echeverri, Gustavo Fernández y Víctor Gaviria.

LA TIERRA Y LA SOMBRA

Colombia / Chile / Holanda / Francia | 2015 | 94 Min. Dirección y guion: César Acevedo García Producción: Diana Bustamante Escobar, Paola Andrea Pérez Nieto, Jorge Forero Dirección de fotografía: Mateo Guzmán Sonido: Felipe Rayo Dirección de arte: Marcelo Gómez Montaje: Miguel Schverdfinger Reparto: Haimer Leal, Hilda Ruiz, Marleyda Soto, Edison Raigosa, José Felipe Cárdenas. Productora: Burning Blue

Una mujer que se niega a renunciar a la tierra por la que luchó toda su vida; un hijo que no puede abandonar a su madre hasta el punto de poner en riesgo su propia existencia; un padre que debe afrontar sus errores del pasado con el fin de recuperar a los seres que abandonó; una valiente esposa que lucha por salvar a los suyos; un niño que crece en medio de la devastación. Partiendo del microcosmos constituido por esta familia, una pequeña casa y un árbol rodeados por un absorbente cultivo de caña de azúcar, la película nos muestra los últimos días de estos personajes que intentan reparar los frágiles lazos que los unen ante su inminente desaparición provocada por el poder avasallador del progreso. De allí se desprende una historia cruel pero densamente poblada de metáforas y alegorías sobre la cultura, la fatalidad del progreso y el olvido, la fragilidad de la memoria y la inevitabilidad de la ruptura familiar y la soledad que esta provoca.

CÉSAR ACEVEDO GARCÍA Cali, Colombia. Director y guionista. Se graduó con laureles de la Escuela de Comunicación Social de la Universidad del Valle, con el guion de La tierra y la sombra, película estrenada mundialmente en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes (2015) y galardonada con la Cámara de Oro en este mismo festival.

PARTICIPACIÓN Y PREMIOS EN FESTIVALES Cámara de Oro, Premio SACD (Sociedad de Autores), France 4 Visionary Award (Premio Revelación) y Le Grand Rail D’Or (Premio del Público) en el Festival de Cannes 2015

VIOLENCIA

Colombia | 2015 | 79 min. Dirección y guion: Jorge Forero Producción: Diana Bustamante y Paola Pérez Nieto Dirección de fotografía: David Gallego Sonido: Carolina del Mar Fernández y Carlos García Dirección de arte: Angélica Perea Montaje: Sebastián Hernández Reparto: Rodrigo Vélez, Nelson Camayo y David Aldana Productora: Burning Blue, Congo Films, PostBros, Blond Indian Films e Interior XIII

Un hombre encadenado, un joven que sueña con ser parte de algo, y el militante de un grupo armado que debe ejercer una crueldad en la que tal vez no cree. Todos ellos en el centro de una violencia que no comprenden. La película, a través de tres historias sucesivas, le da rostros únicos, no intercambiables, a la realidad trágica de la guerra. Los personajes, cada uno parte voluntaria o involuntaria de un mecanismo que los supera, revelan su grandeza o su miseria en las “mínimas” tareas de las que se ocupan para sobrevivir. A partir de esa poesía -a veces macabra- de lo cotidiano y de la verdad irrefutable de los detalles, vemos un país cuyo cuerpo social está herido y enfermo. Pero donde, sin embargo, se intenta ser feliz y se vive soñando y amando.

JORGE FORERO Realizador de cine. Ha estudiado en Colombia, Cuba y en Sao Paulo. Ha dirigido los cortometrajes Unos de esos días y Sometamos o matemos; así como los documentales En el fondo del pozo y Armero - deconstrucción. Socio fundador de Burning Blue, con la que ha coproducido los largometrajes Climas de Enrica Pérez (Varsovia 2014) y Refugiado de Diego Lerman (Cannes 2014). Es productor asociado de Los Hongos de Oscar Ruiz Navia (Locarno 2014) y productor de La Tierra y la sombra de César Acevedo (Cámara de Oro - Cannes 2015). Violencia es su opera prima, estrenada en la Berlinale-Forum.

PARTICIPACIÓN Y PREMIOS EN FESTIVALES Festival de Cine de Berlín, Alemania, 2015. Festival Internacional de Cine de Curitiba (Olhar de Cinema), Brasil, 2015. Festival de Cine de Estambul, Turquía, 2015. Festival Riviera Maya, México, 2015. Selección Festival de Nouveau Cinema de Montreal, Canadá 2015 Selección Festival de Cine de Estocolmo, Suecia 2015 Selección Festival de Cine Latino de Seattle, Estados Unidos 2015

REFUGIO

Colombia | 2015 | 14 min. Dirección y guion: Santiago Henao Vélez y Juliana Zuluaga Montoya Producción: Claudia Aristizábal Dirección de fotografía: Andrés Mesa Sonido: Edward Esteban Ortiz Música: Diego Serna (Musgo) Dirección de arte: Laura Mazo Montaje: Andrés Mesa, Juliana Zuluaga y Santiago Henao Reparto: Catalina Murillo, Felipe Cardozo Jiménez, Nubia Jeannette Parada Moreno y Juan Manuel Eraso Productora: Crisálida Films, OVD, Sonovisual

Refugio, una mujer apegada a sus costumbres y recuerdos, se enfrenta con una constructora que quiere demoler su casa.

SANTIAGO HENAO VÉLEZ Estudiante de Comunicación Audiovisual del Politécnico Jaime Isaza Cadavid. Estudió Introducción al Diseño de Producción en la Escuela de Cine de San Antonio de los Baños, Cuba. Cinéfilo y cofundador de la productora cinematográfica Crisálida Films. Actualmente trabaja como auxiliar de investigación y como realizador audiovisual.

JULIANA ZULUAGA MONTOYA Estudiante de Comunicación Audiovisual del Politécnico Jaime Isaza Cadavid. Estudió Introducción al Diseño de Producción en la Escuela de Cine de San Antonio de los Baños, Cuba. Productora y directora de varios proyectos audiovisuales. Cofundadora de la productora cinematográfica Crisálida Films. Actualmente trabaja en la Corporación Dunav Kuzmanich y como realizadora audiovisual.

PARTICIPACIÓN Y PREMIOS EN FESTIVALES Estreno en el XVI Festival de Cine de Santa Fe de Antioquia

Plymptoons Animalario Ardid Castillo y el armado Muerte blanca Religatio Rojo red Cortometrajes de Cecilia TraslaviĂąa

muestra CENTRAL CORTOMETRAJES

PLYMPTOONS: cortometrajes dirigidos por Bill Plympton 25 WAYS TO QUIT SMOKING 1989 | 5 min

Este loco corto fue inspirado por un libro que intentó escribir Bill titulado 101 maneras de dejar de fumar, a pesar de que el libro no se vendió, el corto se ha convertido en su mayor suerte. Alguna de las curas demostradas como “llevar un sombrero de misiles que buscan calor”, “usar un lanzallamas de encendedor” o “contratar un luchador de sumo que salte sobre tu cabeza” han ofrecido resultados. Plympton afirma que su madre, fumadora por 40 años, renunció después de ver la película. Excelente para grupos de cáncer de pulmón.

FOOTPRINTS 2014. 4 min

Un hombre sigue unas huellas en la búsqueda del misterioso visitante que ha entrado en su casa. Este corto estuvo entre los diez que participaron en la carrera por las nominaciones al Óscar 2014.

GUARD DOG 2004. 5 min

¿Por qué los perros ladran a inocentes criaturas como palomas y ardillas? ¿A qué le temen? Este corto resuelve la eterna pregunta. Corto nominado al Óscar a la mejor animación en 2005. 41

PLYMPTOONS: cortometrajes dirigidos por Bill Plympton HOT DOG 2008 | 6 min

Este corto hace parte de la serie Dog. Esta vez, nuestro valiente héroe se une a la compañía de bomberos para salvar el mundo de incendios y ganar así la atención que él ampliamente se merece. Como siempre, los resultados no son los que se esperaban.

SUMMER BUMMER 2012 | 2 min

Un hombre a punto de nadar imagina los horrores que podría encontrar al acecho en el fondo de la piscina de su patio trasero.

YOUR FACE 1987 | 3 min 10s

Este es el corto que marcó el estilo e inició la carrera de Bill Plympton. Un cantante de segunda clase canta acerca de las bellezas de la cara de su amante. Su propio rostro se transforma en las formas más surrealistas y contorsionadas posibles. Corto nominado al Óscar a la mejor animación en 1988. 42

ANIMALARIO

Colombia | 2012 | 17 min. Dirección, guion y fotografía: Sergio Mejía Forero Producción: Liliana Rincón Dirección de fotografía: Sonido: Juan Manuel Mesa Música: Enrique Bernal Dirección de arte: Didier Quintero Montaje: Andrés Romero Reparto: Voces: Antonio Posada, Lance Mortensen, Jeff Jung, Juan Carlos Hernández, Steve Cagan, Wendy Rojas, Danielle Bujan Productora: 3da2 Animation Studios

Los abominables experimentos genéticos del Dr. Ego han roto con la tranquilidad de Animalario, una ciudad ahora al borde del caos. Gatto, un experimentado detective no ha cesado en su búsqueda por detener a Ego y restablecer el orden, pero esta vez, una mortífera Hiena hará todo lo que esté a su alcance para interponerse en su camino.

SERGIO MEJÍA FORERO Realizador de Cine y TV en la Universidad Nacional de Colombia, Especialista en Animación Digital y Animación de Personajes del Imagen Campus en Buenos Aires y el Animation Gym. Ha sido director de documentales, director de fotografía y fotógrafo. Socio fundador y director de 3da2 (Tres Dados) Animation Studios. Ha dirigido 10 cortometrajes en animación, la serie de TV Sabogal (20 episodios) y el largometraje homónimo derivado de la serie.

PARTICIPACIÓN Y PREMIOS EN FESTIVALES Festival de cine independiente de Roma, Italia 2013: mejor animación Los Angeles Movie Awards, Estados Unidos 2012: mejor animación Festival Internacional NYLA, Estados Unidos 2012: mejor animación Los Angeles Cinema Festival of Hollywood, Estados Unidos 2012: mejor animación Festival Internacional de Cortos de California, Estados Unidos 2012: mejor animación Bogoshorts, Colombia 2013: premio del público a mejor cortometraje

ARDID

Colombia | 2015 | 1 min. Dirección: Paola Soto Guion: Nataly Valdivieso Montaje: Samuel Zapata

Es la representación de los estereotipos de ciudad donde las montañas se convierten en cementerios y las mujeres víctimas de la guerra se camuflan en mujeres de la vida alegre, entre otras. Ardid cuenta en un minuto diferentes transformaciones de la ciudad.

PARTICIPACIÓN Y PREMIOS EN FESTIVALES Medellín en un minuto Fidaac, Canadá 2015: ganador en categoría Filminuto Mujeres en el audiovisual, Colombia 2015

CASTILLO Y EL ARMADO Brasil | 2014 | 13 min. Dirección, guion y montaje: Pedro Harres Producción: Marta Machado, Otto Guerra, Pedro Harres Dirección de fotografía: Marco Arruda Sonido: Tiago Bello Música: Felipe Puperi Dirección de arte: Rubén Castillo Productora: Otto Desenhos Animados

En una noche de viento, Castillo encuentra su propia brutalidad en la línea del anzuelo.

PEDRO HARRES Brasil. Se graduó en Cine en Unisinos y Filosofía de la UFRGS. Trabajó en puestos clave en varios proyectos incluyendo trabajos en estudios de animación y ha hecho parte de talleres de guion y cortometrajes internacionales como BrLab y Generación Campus Moscú. Um Animal Menor, su primer cortometraje, ha ganado muchos premios a nivel nacional. EgoMachine, su videoinstalación interactiva ha estado en los museos y lugares públicos de Brasil. Castillo y el Armado es su primer trabajo como escritor/director de animación, con el estreno mundial en el 71o Festival de Cine de Venecia - Competición Orizzonti.

PARTICIPACIÓN Y PREMIOS EN FESTIVALES FICG30 Guadalajara, México 2015: mejor cortometraje BUSHO Award, Hungría 2015: mejor animación AnimaCursed, Brazil 2015: mejor película Corti di Mare, Italia 2015: mejor película Cebu International Film Festival CEBUIFF, Filipinas 2015 Festival del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana, Cuba 2014: mejor Animación Festival Internacional de Cine de Lebu, Chile 2014: premio especial del jurado

MUERTE BLANCA Chile | 2014 | 17 min. Dirección, guion y montaje: Roberto Collío Producción: Isabel Orellana Dirección de fotografía: Matías Illanes Sonido y música: Roberto Collío Productora: Araucaria Cine

Muerte blanca es el retrato impresionista de un paisaje marcado por la tragedia. Un deambular fantasmal entre los vestigios de una historia donde 44 jóvenes soldados y un sargento fueron empujados a sus muertes en las laderas del volcán Antuco.

ROBERTO COLLÍO Roberto Collío estudió Cine en Argentina y retornó a Chile en 2009 para integrarse al mundo del cine en labores de sonidista. Luego, en 2013 dirigió gracias al apoyo del Fondo Audiovisual Nacional (CNCA) el cortometraje documental animado Muerte Blanca y actualmente está dirigiendo su primer largometraje documental Petit-Frere, hermano menor.

PARTICIPACIÓN Y PREMIOS EN FESTIVALES Festival del Film Locarno, Suiza: mención especial del jurado Festival Internacional de Cine de Iquique, Chile: mejor cortometraje Festival Internacional de Cortometrajes de Talca, Chile: premio especial del jurado Festival Internacional de Cine de Rengo, Chile: Competencia Nacional de Documentales, mención honrosa

RELIGATIO

Colombia / Canadá | 2014 | 3 min 32 s. Dirección y guion: Jaime Giraldo Dirección de fotografía: Sonido: Mathew Thomas y Jaime Giraldo Montaje: Rob Wood y Jaime Giraldo Productora: Vancouver Film School

Seres que viven en un mundo colgados de cuerdas se ven obligados a una lucha permanente para evitar caer al vacío.

JAIME GIRALDO Jaime Giraldo nació en Bogotá en 1987. Después de abandonar sus estudios de Medicina en la Universidad Javeriana, decide aceptar una beca para estudiar animación en Vancouver - Canadá, lugar en el que reside actualmente.

PARTICIPACIÓN Y PREMIOS EN FESTIVALES Kisakes Short Film Festival, Estambul, Turquía y Alemania 2015 10th Athens Animfest, Grecia 2015 inHOUSE Film Festiva, Reino Unido 2015 Chilemonos, Chile 2015 The Golden Reel International Underground Film Festival, Mongolia 2015 Anima Mundi, Brasil 2015 British Animation Film Festival, Reino Unido 2015

ROJO RED

Colombia | 2008 | 13 min. Dirección: Juan Manuel Betancourt Producción y dirección de fotografía: Natalia Pérez Pabón Guion: Juan Díaz B., Juan Manuel Betacourt, Natalia Pérez Pabón Sonido: Andrés Sánchez, Rafael Ospino Música: Fabián Torres Dirección de arte: Federico Medina Carrillo Montaje: Juan Manuel Betancourt, Valeria Lombo, Natalia Pérez Pabón Reparto: Apsod Camargo, Valentina Umaña, Talego, Marisol Correa y Raúl González. Productora: Gatoencerrado Films

Federico Guillermo está jugando en el tapete de la sala de su casa con sus juguetes y su gato, cuando Lía, su hermana, lo sorprende y lo acusa con su mamá. Esta lo regaña por el desorden que armó y por no tener puestos los zapatos ortopédicos que tantas veces le ha dicho debe usar. Lía corre por los zapatos y se los trae a su madre, quien a la fuerza y bastante alterada, encaja los zapatos en los pies de Federico. El intenta oponerse sin lograrlo. Decide huir de la casa. Tras despedirse de su querido gato con un beso, se lo entrega a Lía mientras ella le advierte: “Amárrese los zapatos o se va a caer”. Federico corre por la calle cuando “pum”, se cae. Ha caído enredado en un hueco que deja ver que el pavimento es tejido. Al tratar de soltar su pie de las hebras del hueco, descubre que al tirar de un hilo hay un objeto correspondiente en el mundo que es destejido. Federico divertido, empieza a buscar el hilo que destruya sus zapatos.

JUAN MANUEL BETANCOURT Egresado de la Escuela de Cine y Televisión de la Universidad Nacional de Colombia en 2008. Director del cortometraje Rojo Red (2008) ganador de más de una veintena de premios. Productor de Se venden conejos (2014) mejor cortometraje del Ficci 55. Actualmente se encuentra en posproduccion de Storylines (2016), nuevo cortometraje de gatoencerrado Films, su empresa productora con la cual adelante el desarrollo de su primer largometraje Medias Naranjas ganador de dos estímulos del FDC 2012 y 2014.

PARTICIPACIÓN Y PREMIOS EN FESTIVALES Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias, Ficci, 2008: mejor cortometraje iberoamericano Festival Internacional de Cine de Oporto, Fantasporto, Portugal 2008: mejor cortometraje de ficción L.A. Shorts Estados Unidos, 2008: premio al mejor cortometraje experimental

Cortos dirigidos por

CECILIA TRASLAVIÑA ÁLBUM 2009. 2 min

Stop motion con imágenes fotográficas de archivo.

ALMAS SANTAS ALMAS PACIENTES 2007 | 13 min 30 seg

Como todos los años, Dormida conmemora la muerte de su padre llevándole un ramo de flores a la tumba. En esta ocasión una serie de sucesos inesperados afectan este ritual y la hacen enfrentarse a sus emociones más profundas, realiza entonces su verdadero duelo.

EL SILENCIO HABITA EN TU VENTANA 2011 | 7 min 45 s

Un recorrido a través del profundo silencio de mi madre.

Cortos dirigidos por

CECILIA TRASLAVIÑA FABRICIA 2013 | 8 min

Fabricia nació de mis recuerdos infantiles cuando mi madre me llevaba a la oficina donde trabajaba. Los recuerdos de los interminables pasillos con sus crujientes pisos de madera que conducían a enormes cubículos donde se agolpaban filas de mujeres que escribían en sus máquinas sin mirar a nadie, llegaban con frecuencia a mi memoria. Esta imagen de las mujeres me entristecía, porque sentía que estaban pegadas a los escritorios y no podían hacer nada diferente a escribir. Luego de muchos años surgió de las sombras de la memoria una pequeña niña de papel llamada Fabricia para liberar aquellas mujeres de su destino inexorable de convertirse en máquinas.

LA CASA DEL TIEMPO 2009 | 2 min 20 s

Animación experimental con mujeres protagonistas.

PERPETUUM MOBILE 2013 | 35 min.

Este documental es el resultado de la investigación: la animación como herramienta creativa de las artes, realizada por los profesores Cecilia Traslaviña y Mauricio Durán en el Departamento de Artes Visuales de la Facultad de Artes de la Universidad Javeriana. A partir de entrevistas creamos un diálogo entre animadores, músicos y otros artistas audiovisuales sobre el significado de los conceptos de tiempo y espacio en el momento de la creación.

Curadores Selecciรณn: ficciรณn Selecciรณn: documental Selecciรณn: videoclip Selecciรณn: experimental

MUESTRA AUDIOVISUAL

CAJA DE PANDORA

JURADO

CAJA DE PANDORA

Carlos César Arbeláez Álvarez Medellín, Colombia. Guionista y director. Graduado en Comunicación Social y Periodismo de la Universidad de Antioquia en 1992. Ha dirigido más de una docena de documentales para televisión, algunos de los cuales han ganado premios en festivales de cine y video nacionales e internacionales. En 1996 ganó la beca Nacional de Colcultura, con el proyecto de investigación: “El Cine en Casa. Patrimonio Fílmico de Medellín”. Ganó importantes premios con sus cortometrajes argumentales “La Edad del Hielo” (1999) y La Serenata (2005). Su ópera prima, el largometraje de ficción “Los Colores de la Montaña”, ganó el premio a Mejor Nuevo Director del Festival de San Sebastián en el 2010. Este filme ha sido galardonado con casi 30 premios en festivales nacionales e internacionales y participado en más de 100 festivales de cine en todo el mundo. Fue seleccionada por la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas de Colombia, como candidata a la nominación del Premio Oscar 2012, categoría mejor pelìcula en lengua extranjera. Su segundo largometraje “Eso que llaman amor”, está próximo a estrenarse.

Alexander Giraldo Cali, Colombia. Comunicador social, director y guionista. Director de cortometrajes y documentales. Su primera película, 180 Segundos, fue estrenada en 2012. En Tiempo Perdido, su segunda película, Giraldo explora un drama coral construido a través de una serie de historias que se entrecruzan, buscando la experiencia estética del tiempo que se busca.

JURADO

CAJA DE PANDORA

Alejandro Naranjo Bogotá, Colombia. Realizador audiovisual y periodista, director de fotografía del Sindicato de la Industria Cinematográfica Argentina CFP SICA. Su trabajo se ha centrado en la producción de documentales y de publicidad. En 2008 fundó junto a otros jóvenes realizadores de la región el colectivo DirtyMacDocs para la producción de documentales de corte etnográfico. Director del documental La selva inflada (2015).

Andrew Tucker Inglaterra. Director y productor de documentales. Desde el año 2009 vive y trabaja en Colombia. A partir de 2003 empezó a trabajar entre Europa y Latinoamérica. Su última realización, junto con Rey Sagbini, El viaje del acordeón, ha sido seleccionada en más de 30 festivales de cine en todo el mundo y se ha estrenado en salas de cine en Alemania y Colombia. Actualmente trabaja en nuevos proyectos cinematográficos y como docente de documental en la Universidad Central y la Escuela Nacional de Cine Colombia en Bogotá.

Juan José Pérez

Barranquilla, Colombia. Comunicador social, con experiencia en realización audiovisual para televisión (Telecaribe y Comisión Nacional de Televisión), video para ALER/La Mirona en Ecuador y Canal 23 de la Universidad Autónoma del Caribe, además de algunos documentales de corte experimental y videoclips musicales. Desde hace 10 años se dedica al arte electrónico empezando como vj, haciendo parte de la primera generación de videoartistas en live acts para festivales como Propaganda, Recolectrón, Espectro y Electronic Art Festival, entre otros. Se ha dedicado a la fotografía digital, diseño visual, programación, mapping e instalaciones interactivas. En esta última rama se ha concentrado en los últimos cuatro años, desarrollando prácticas interesantes de un arte electrónico con una mirada hacia la reflexión cultural del Caribe. Paralelo a lo anterior, trabaja como profesor de artes visuales en la Universidad de la Costa CUC, Universidad Libre, Academia de Arte y Cultura del Caribe, Politécnico Costa Atlántica y LCI (La SalleCollege International sede Barranquilla), entre otras universidades.

JURADO

CAJA DE PANDORA

Juan Camilo Gómez Director de proyectos y gerente en Inmotion Producciones. Creció bajo la influencia de la música, el rock de los 70, los 80 y sus videoclips. Esto lo llevó a estudiar música en Bellas Artes y al mismo tiempo comenzó su exploración en la fotografía. Su inquietud por la calidad de los videoclips locales lo llevó a estudiar producción audiovisual y a la vez lanzarse de lleno al mundo del videoclip, creando en el 2005 su primera producción: Buenos días, de Rey Gordiflón. Desde entonces, son más de 35 videoclips los que ha dirigido y en los que ha desempeñado otras funciones como director de fotografía, guionista y editor.

Diego Guerra Bogotá, 1971. Editor de la revista Acme, ganadora de dos premios de Colcultura y del premio a la mejor revista de cómics en el Encuentro Latinoamericano de Historieta de La Habana de 1996. Al desaparecer Acme, Guerra se dedica durante un buen tiempo a la ilustración free lance en diversos medios y finalmente ejerce como jefe de Arte en Camaleón Editores. Entre 2000 y 2002 trabajó en la productora Teleset donde hizo storyboards y fue animador para la serie animada de 26 episodios Simplemente Rita, para Telemundo de Miami. Ha realizado ilustraciones y spots publicitarios para Francia y España y creó el blog 68revoluciones.com, que después de 8 años tiene más de dos millones de visitas y 450 artículos y reseñas sobre cómic, animación y cine. De 2007 a 2014 trabajó como productor y director del largometraje de dibujos animados Desterrada, ganador de dos premios del FDC y participante en la sección Open Doors del Festival de Locarno Suiza.

César Agudelo Medellín, Colombia. Publicista, animador y director de proyectos audiovisuales desde 1995. Director de Animación desde 1998 en Grupo Videobase. Docente de Producción Audiovisual para Publicidad en la Colegiatura Colombiana (Medellín) de 2005 a 2010. Diseñador gráfico y creador de imagen corporativa y proyectos musicales. Caricaturista de El colombianito en 1998. Director e integrante del grupo La Caimanera desde 2006 y músico ocasional de otros proyectos desde 1993.

FICCIÓN

AÑEJO

Bogotá | 2014 | 9 min 20 s. Dirección: María Cristina Pérez González Producción: Katherine Cabrera Garzón Sonido: Pez Dorado Producciones - Juan Carlos Bustos Música: Orlando Betancourt Escobar Montaje: Mauricio Cuervo Rincón Contacto: viejoycorto.metraje@gmail.com La llegada a un bar en el que nada funciona. La dueña dormida, el perro a su lado atiende el lugar. Un viejo roba los últimos sorbos de trago de las mesas. Al final todo se pierde, hasta la razón… Un último trago los volverá humanos.

BARCO DE PAPEL

La Estrella, Antioquia | 2015. 2 min 6s. Dirección, producción y guion: Andrea Higuita Dirección de fotografía y montaje: Andrés Roldán Sonido: Cristian Gutiérrez Música: Andrés Balbín Dirección de arte: Sebastián Vicordis Contacto: andrehiguitac21@gmail.com Mónica está obsesionada con hacer barcos de papel. Un día mientras su rutina en torno a los barcos transcurre normalmente, los acordes de una guitarra irrumpen para darle un giro a su monotonía, alterando su estado emocional. Inspirado en un poema que su directora escribió a los 14 años, busca que quien lo mire se dé a la tarea de pensarlo más de una vez, una forma de criticar el cine hollywoodense, donde el arte, los silencios, el baile, la música y su única línea de diálogo son la entrada a un mundo de barcos de papel, un mundo de cine arte.

FICCIÓN

CAMINO A VICTORIA Medellín | 2014 | 23 min.

Dirección: Paloma Valencia Producción: Laura Carolina Tavera Guion: Paloma Valencia y Natalia Perdomo. Dirección de fotografía: Camilo Monsalve Sonido y música: Juan Simón Calle Dirección de arte: María Elvira Mesa Montaje: Camilo Monsalve y Paloma Valencia Contacto: lauriscaro1511@gmail.com Gabriel, un hombre de 35 años, tras la trágica muerte de su esposa, se ve embarcado en un viaje por carretera. Solo en su Volkswagen tendrá que enfrentar asuntos sin resolver; a medida que avanza su viaje, los recuerdos de un evento que lo atormenta lo atacan. Gabriel se encuentra con Ana, una mujer que al verse sin dinero busca un aventón. Ella inmediatamente le recuerda a su esposa y por esto decide ayudarla. Pero será Ana quien al vivir la vida de forma más libre ayudará a Gabriel a resolver sus asuntos, sacándolo de su lugar de confort y mostrándole una vida que desconocía.

EL MURMULLO DE LA TIERRA Bogotá | 2014 | 26 min.

Dirección, producción, guion y montaje: Alejandro Daza Dirección de fotografía: Juan Camilo Arias Sonido: Anna Magdalena Silva Música: Salvador García Contacto: elyeyo185@gmail.com Adela y Juan se enfrentan a la muerte de Arturo. El día de su entierro Adela decide huir y refugiarse en su casa, dejando atrás todo recuerdo doloroso para vivir en un limbo en donde no pasa el tiempo, en donde la ausencia del hombre al que amó no se siente. Juan, en cambio, se alimenta del recuerdo de su padre, lo añora y lo recuerda. Solo Juan logrará sacarla de ese limbo y obligarla a ver el mundo, a ver cómo la vida retoma su curso. 57

FICCIÓN

EL SILENCIO DE DIOS Medellín | 2015 | 13 min 14s.

Dirección, producción, guion y montaje: Federico Alfonso Jaramillo Sonido y música: Quinn Cooper Contacto: al.wdirector@gmail.com Un niño de 10 años amante de la lectura vive en un pueblo pobre de la costa atlántica colombiana. Frecuentemente visita la modesta feria del libro de la plaza para robar los textos y así llenarse de conocimiento. Un día roba un libro con un contenido que lo hará cuestionarse sus creencias religiosas y su misma existencia.

ISLAS

Ciudad | 2015 | 12 min 34 s. Dirección y guion: Catalina Vásquez Salazar Producción: Isabel T. Calderón Dirección de arte y fotografía: Sebastián Quintero Mesa Sonido y música: Felipe Aristizábal Montaje: David Castaño Luján Contacto: isatcalderon@gmail.com Islas es la historia de un hombre y una mujer que se conocen accidentalmente y atraviesan un viaje hasta convertirse en Islas.

LA CASA

Bogotá | 2014 | 27 min.

Dirección y producción: Camila Arriaga Torres Guion: Alejandra Guevara y Felipe Figueroa Dirección de fotografía: Alejandra Guevara y Federico Dueñas Montaje: Alejandra Guevara y Felipe Figueroa Dirección de arte: Vanessa Cárdenas Sonido: Nicolás Barvena Música: Daniel de Mendoza Contacto: camila.arriagato@gmail.com Antonio regresa a su casa después de 20 años de ausencia debido a que su madre está muriendo. Al regresar, recordará fragmentos de su infancia y de la relación traumática con su madre.

FICCIÓN

LA TORTUGA

Valledupar | 2015 | 14 min 18 s. Dirección, producción y guion: David David Dirección de fotografía: Iván Molina Sonido: Alejandro Gómez, Oswaldo Colón Música: Jordi Longan Montaje: Ómar Bermúdez Contacto: daviddavidceledon@gmail.com Leida está a cargo de su familia, formada por su madre y su hija. Un día parece perder el control cuando su madre olvida recoger a la niña en el colegio. Ella debería estar a cargo de las labores del hogar, pero está olvidadiza últimamente. Gracias a este suceso, Leida descubrirá que a las dos personas más importantes de su vida les sobreviene un cambio: su madre se acerca a la vejez y se vuelve dependiente, mientras su hija se está convirtiendo en mujer y necesita independencia.

LUNESTA

Medellín | 2015 | 18 min. Dirección, guion y producción: Nicolás Ortega B. y Edwin Campano Dirección de fotografía: Cristian Peña Sonido: Edward Ortiz Música: Rodrigo Soko Dirección de arte: Juan Mejía Montaje: Nicolás Ortega B. y Cristian Peña Contacto: nicolasortegab@gmail.com Helena, una mujer melancólica y envuelta en la soledad, sufre de insomnio. En su búsqueda por conciliar el sueño se enfrenta a un Estado ineficiente, corrupto, que no ayuda al individuo y no atiende la necesidad del pueblo. Los recuerdos, los sueños, la paranoia y la soledad es lo que se refleja en la historia de esta mujer y su lucha por superar un amargo recuerdo que la consume lentamente. 59

FICCIÓN

UN TRATO CONVENIENTE Caldas | Antioquia | 2012. 3 min.

Dirección, guion y montaje: Hernán Arango Producción: Hernán Arango y Manuel Chaves Dirección de fotografía: Jorge García y Paula Domínguez Sonido: Gabriel Wiesner Dirección de arte: Luis Vanegas, Giselle Guevara, Alejandra Castro y Violeta Rodríguez Contacto: herarango@gmail.com Un hombre en harapos, un poco sucio y descuidado, cena los más ricos manjares en un suntuoso comedor. Su anfitrión, quien lo acompaña entre sombras, también se dispone a cenar en la misma mesa, pero otro será su alimento.

YU, MÚSICA PARA PECES Medellín | 2015 | 14 min 5 s.

Dirección y guion: María Paulina Barrera Producción: Laura Catalina Gómez Puerta Dirección de fotografía: Daniel Bustamante Sonido: Manuel Sánchez Música: Andrés Silva y Andrés Mosquera Dirección de arte: Mateo Prieto Montaje: Daniel Bustamante y María Paulina Barrera Contacto: lauracgomezpuerta@gmail.com María es una mujer con Alzheimer, que se propone regresar al lago un pez que su nieta ha llevado a casa. Mientras espera el regreso de su esposo, se embarca en una aventura con la niña que fue hace un tiempo y que representa el estado mental en el que ella vive ahora. Juntas buscan la manera de liberar el pez sin que se acabe el oxígeno en el camino.

DOCUMENTAL

ELOGIO A LA MUERTE Medellín | 2015 | 18 min 10 s.

Dirección: Sergio Martínez Producción y montaje: Santiago Franco Dirección de fotografía: John Bedoya Sonido: Diego Duque y Sergio Martínez Contacto: sergioalbertomartinez@gmail.com ¡Habitar para siempre en la propia obra, sobrevivir la muerte! Rodrigo Arenas Betancourt se eternizó en su obra monumental de bronce y concreto. Sin embargo, conoció la muerte, jugó con ella, la sedujo y enamoró después de su secuestro de 81 días a una edad provecta cercana al silencio. Son el Cerro Bravo, su compañera María Elena Quintero, su hija Elena María Arenas y sus obras, los testigos privilegiados de esta presencia que persiste más allá de la caducidad del tiempo.

LAS MIGAJAS DEL ÁCIMO Turbaco | 2015 | 14 min 40 s.

Dirección y guion: Mario Ruiz Producción y dirección de fotografía: Jailson M. Ruiz Sonido: Eduardo Guzmán Música: Carlos Castro Montaje: Mario Ruiz, Eduardo Guzmán y Jailson Ruiz Contacto: iojazzr@gmail.com 3:00 de la madrugada, Olga ya se ha puesto en pie, no ha dormido una noche completa, cada día de su vida lo ha dedicado a transformar un producto de la tierra en alimento que servirá de sustento a su familia. Su esfuerzo está guiado bajo la firme convicción de sentir que su vocación es un instrumento divino de ejercicio de bondad. Su pasado y su presente se unen con la apacibilidad con la que junta las migajas de sus círculos horneados, un pan ofrecido.

DOCUMENTAL

PARALELA

Medellín | 2015 | 11 min. Dirección: Heider Vargas Producción: Manuel Zuluaga Dirección de fotografía: Julián Chavaría Sonido: Gabriel Gómez Padilla Música: José Gallardo Arbeláez Montaje: Jason Castrillón Contacto: on-manuel@hotmail.es Ante la amenaza de muerte a mi hermano menor, yo Heider Vargas, reconozco y reflexiono sobre la inminencia de enfrentarse a la muerte y a la vida misma en un barrio afectado por las problemáticas sociales de la ciudad de Medellín.

PHAZÁN

Cali | 2015 | 7 min 43 s. Dirección, guion y dirección de arte: Melissa Jurado Montero Producción: Juliana Orozco Dirección de fotografía: Anderson Aranzalez Sonido: Danna Orozco y José Lucero Rojas Música: Francisco Gamba, Manuel Silva y Samuel Guevara Montaje: Johann Aranzalez Contacto: m.jumont@gmail.com En San Antonio, barrio tradicional de Cali, rodeado de las casas antiguas, árboles y lomas se encuentra El Palomar. Mauro Phazán, artista plástico ecuatoriano, maestro de la cerámica, todos los días a las 10 de la mañana, abre las puertas de ese, su templo, museo y hogar. El documental es un recorrido por su práctica artesanal, la contemplación de su espacio y la historia de su vida artística en la capital vallecaucana.

DOCUMENTAL

QUE LA TIERRA TE SEA LEVE Buga | Valle | 2015. Duración.

Dirección, producción, guion, sonido y montaje: Alejandro Ayala Contacto: gatulu@gmail.com Dos mujeres depositan juguetes, flores y papelitos con peticiones en la tumba de la niña milagrosa; una pareja de esposos teje una guirnalda con cintas navideñas sobre la lápida de su hijo fallecido hace algunos años; una familia entera trenzada en un abrazo se despide en la puerta del cementerio. Canciones, cartas, poemas y fotos en las lápidas se presentan en el documental como manifestaciones estéticas que evidencian una visión de la vida y del mundo arraigada en lo mágico, pero también como elementos que recrean la memoria. Que la tierra te sea leve hace una exploración poética sobre los usos y las apropiaciones que han establecido los vivos en el espacio propio de los muertos y los lazos afectivos que los unen.

TRASTORNO Cali | 2015 | 20 min.

Dirección, producción, guion y dirección de arte: Lena Isabella Barrera Mosquera Dirección de fotografía, sonido y montaje: Daniel E. Ponce Contacto: lenabarreram@outlook.com Ana, Camilo, Denisse, Jaime y yo expondremos al mundo nuestra percepción sobre lo que es vivir un trastorno mental, expresando uno a uno nuestra opinión sobre los estereotipos puestos por la psiquiatría y una sociedad que está influenciada por la ignorancia. Sobreviviendo en un mundo donde sufrir de trastornos mentales es tan común, pero a la vez un tema tabú.

DOCUMENTAL

VILLAS DEL PROGRESO Bogotá | 2015 | 19 min.

Dirección: Daniela Reyes Gutiérrez y Alejandra Vanegas Producción y montaje: Daniela Reyes Gutiérrez Dirección de fotografía: Camilo Villamizar Plazas Sonido: Alejandra Vanegas Contacto: danreyesgut@unal.edu.co Luz Marina abandona el Chocó a los quince años en búsqueda de un mejor futuro en Bogotá. Pasado un tiempo y ya con siete hijos, se ve en la necesidad de conseguir una casa propia y en una vivienda de interés social encuentra lo que a primera vista puede parecer un acceso a cumplir ese sueño. Un dudoso contrato de compraventa de inmueble le hará querer perseguir su sueño en otro lugar.

VÍTREO

Medellín | 2015 | 15 min 33 seg Dirección: Juan Pablo Areiza Producción: Lina Sierra Dirección de fotografía: Simón Restrepo Sonido: Alejandro Jiménez Música: Caros Arango -Twolance Montaje: Alejandro Jiménez y Simón Restrepo Contacto: linasp410@gmail.com Vítreo es una sinfonía audiovisual que explora la ciudad de Medellín, vista y escuchada a través de diferentes atmósferas que presenta el vidrio, como elemento presente en la cotidianidad, que surgen a partir de la observación de la creación de este material y planteado por medio de una analogía visual con situaciones de ciudad.

VIDEOCLIP

AUSENCIA

Bogotá | 2015 | 2 min 47 s. Dirección, producción, guion y montaje: Andrés Jiménez Soto Sonido y música: Xavier Martinex Dirección de arte: Juliana Hoyos. Contacto: andresjimenezsoto@gmail.com Videoclip animado en 3D de la canción “Ausencia” de Xavier Martinex.

ESTOS CELOS

Medellín | 2015 | 4 min. Dirección y guion: Jhon Mario Angulo Producción: Saulón Guerrero Contacto: jhonmarioangulo@gmail.com Dos hombres bajo el encanto de una mujer, sin embargo al final todo tiende a revelarse...

HÉROE DE PAPEL Medellín | 2013 | 5 min 8 s.

Dirección: Diego Restrepo y Andrés Granada Producción: Aluna Producciones Guion y montaje: Andrés Acosta Dirección de fotografía: Juan David Ramírez y Javier Álvarez Música: Alejandro Morales Dirección de arte: Carlos Carmona y Alejandro Gutiérrez Contacto: diegoaudiovisualvfx@gmail.com Un niño se encuentra atrapado en las peleas de sus padres. Solo el poder de sus dibujos podrá cambiar su existencia.

VIDEOCLIP

WHERE THE HEART IS Medellín | 2015 | 3 min 39 s.

Dirección, producción y guion: Juan David Jaramillo Música: The Sampson Brothers (música) - Alea (letra). Suráfrica Colombia Montaje: Catalina Pino Contacto: juandjara@gmail.com Where the heart is habla de fluir en el presente sin apegos. Y ella, Alea, canta frente al mar sus dichas y desdichas. Las entrega con su canto al aire, al agua, a la tierra. En el filo de su existencia, donde se encuentran desierto y océano. Es un poema a nuestra naturaleza interior, aquella que contrasta en belleza con lugares áridos y fértiles al tiempo que invita a rendirse ante el todo y la nada.

EXPERIMENTAL AMOR

Medellín | 2014 | 4 min 23 s. Dirección, guion y música: Daissy Pérez Ospina y Elizabeth Pérez Ospina Producción y dirección de arte: Lina Betancur Dirección de fotografía: Juan Fernando Aguirre Sonido: LAV Producciones. Montaje: Daissy Pérez Ospina Contacto: almitascc@gmail.com 66

Videodanza. Amorita camina por la ciudad cargada de paquetes y objetos que le pesan, comienza a bailar y a soltar cada uno de los objetos hasta que se da cuenta que tiene las manos libres, para sentir el amor. Amorita lleva sus manos al rostro, expande sus brazos, siente el amor en sus manos y en su pies, vuelve a mirar su manos libres y se transporta a un bosque nativo, allí el tiempo se devuelve. En este nuevo plano Amorita emprende un viaje donde se encontrará con seres que la retarán a sentir el verdadero amor.

EXPERIMENTAL

DETROSPECTIVA

Medellín | 2015 | 3 min 37 s. Dirección y guion: Juliana Zuluaga Montoya Producción: Daniela Betancur Ángel Dirección de fotografía: Alex Villa Arias Música: Diego Serna “Musgo” Dirección de arte: Santiago Henao Vélez Montaje: Juliana Zuluaga, Alex Villa y Sebastián González Contacto: julizm07@hotmail.com “Están frente a frente, ella y ella mirándose. Ella experimentando, ella destruyéndola”. Detrospectiva es un video arte lleno de vacío, angustia y fragmentación. La danza, la música, la puesta en escena y los objetos giran en torno a la destrucción que trae consigo la soledad.

EL CIELO ES DE LAS MADRES Bello, Antioquia | 2015. 9 min.

Dirección: Juan Felipe Grisales Producción y montaje: Juan Andrés Gómez Guion: Andrés Acevedo Zuleta Dirección de fotografía: Juan Camilo Mejía Mejía Sonido: José Roberto Jaramillo Música: Héctor Marín Bedoya Dirección de arte: Juan Restrepo Molina Contacto: juanandresgomezg@gmail.com Félix es un apasionado por el cine y se empeña en terminar de escribir un guion que pretende realizar por todo lo alto. María, la madre de Félix, de avanzada edad y bastante enferma se muestra inconforme con la iniciativa de su hijo de ser guionista. Contra los pronósticos negativos de María, el guion escrito por Félix le resulta atractivo a Pedro, un reconocido pero indecente productor que ha ido a la quiebra y ha sido fuertemente criticado por sus recientes trabajos. 67

EXPERIMENTAL

EL SOPLO DE SAL Bogotá | 2015 | 7 min 28 s.

Dirección, producción, guion y montaje: Juan Camilo Moreno Sonido: Juancho Gutiérrez y Jhonan Cardona Contacto: morenocinescape@gmail.com Habitualmente el ser humano puede alterar el estado de la naturaleza, transformarla, reversarla, violentarla e inquietarla. En lo profundo del mar y en la más sencilla onda sonora se encuentra el júbilo, el caos y la más grande emoción sensorial que un soplo de sal le pueda pegar a un hombre.

EXTRAÑOS SUSURROS Bogotá | 2015 | 12 min.

Dirección, producción, guion, sonido y montaje: Alejandro Daza Contacto: elyeyo185@gmail.com Extraños susurros es la carta de un viajante para un ser querido que aunque ausente vive en sus recuerdos. Es un tránsito por los lugares que compartieron juntos y que con el paso del tiempo están condenados al olvido.

SIÁSTOLE

Bogotá | 2015 | 7 min 28 s. Dirección y guion: Nadine Holguín Producción: Nadine Holguín y Duvan Chavarría Dirección de fotografía y montaje: Héctor Álvarez Sonido: Jhony Restrepo Contacto: occipete@gmail.com

Cinco mujeres jóvenes se encuentran sentadas en el pasillo de un hospital, se miran entre ellas, hacen movimientos inconscientes; gestos, exhalaciones, balanceos con los pies… A lo lejos se escucha un electrocardiograma que se mezcla con el golpeteo, segundo a segundo, de un reloj de pared que se ven forzadas a mirar en la tensión de la espera. Los sonidos característicos de este lugar las llevan a un imaginario en donde aparece casi involuntariamente la necesidad de la música, de la danza, que hace el transcurrir del tiempo más llevadero, quizá menos angustiante.

EXPERIMENTAL

SILENCE LARME

Medellín | 2015 | 8 min 35 s. Dirección, producción, guion y montaje: Gersson Tamayo Música: Silent Music Álbum musical, de Federico Mompou. Fecha de publicación: 4 de mayo de 1998. Discográfica: FAX +49-69/450464. Artistas: Federico Mompou. Una furtiva lágrima, compuesta por Gaetano Donizetti en 1832. Interpreta: Luciano Pavarotti. Contacto: gerssontamayo@gmail.com Lágrima silencio corresponde a una de las piezas más enigmáticas y perdidas hasta ahora, del desconocido vídeo artista de culto en los Balcanes, Davor Andrei Ghislanka, precursor del “metraje encontrado” o video collage, quien nos trae un desgarrador relato sobre la guerra, la memoria, el olvido y el exilio. Muy influenciado por el documental subjetivo de Chris Marker, de quien se sabe Ghislainka trabajó con él en La sexta cara del pentágono, hasta que Marker lo despide por copiarlo y un incidente de higiene personal en un tren del que no se sabe mucho.

Bill Plympton Óscar Andrade – Santiago Ardila Reyes Cecilia Traslaviña González – Carlos Smith Diego Guerra – Harold Jiménez Marcela Rincón – Yack Reyes Ricardo Arce – Jorge Forero

INVITADOS

ACADÉMICOS

Master class

BILL PLYMPTON Por primera vez en Colombia

Bill Plympton (Portland, Estados Unidos, 1946), es considerado uno de los genios de la animación independiente, autor de culto y uno de sus referentes más importantes. Es un verdadero autor al dibujar, escribir, dirigir, animar, componer, hacer la voz de los personajes, producir sus propias películas y hasta encargarse del marketing. Cada nuevo proyecto suyo es un acontecimiento para los amantes de la animación independiente.

Dos veces nominado al Óscar y ganador en Annecy y Cannes

Plympton ha sido nominado a los premios en Óscar en dos oportunidades por sus cortos Your Face, en 1988 y Guard Dog en 2005. En 1991 Push Comes to Shove ganó Palma de Oro en Cannes a mejor cortometraje. En 2014 su corto Huellas (Footprints, 2014) estuvo en la lista de los 10 en el proceso de selección de la Academia. Ha ganado tres veces el premio de mejor largometraje en Annecy, el festival más importante del mundo de la animación y obtenido varios reconocimientos por el logro de toda una vida en Sitges 2005, en Fantasporto 2006, en California (ActionOn Film) 2011, entre otros. Su carrera, que inició en los años 80 y no ha parado desde entonces, abarca nueve largometrajes y más de cuarenta cortos, además de una destacada producción como caricaturista, ilustrador, director de comerciales y videos musicales (Madonna y Kanye West, entre otros). Su estilo es surrealista, exagerado, de humor ácido: “Humor físico, surrealista y loco”, como él mismo lo define. Cuestiona las ideas establecidas, dibuja a mano sus películas y la mayoría de ellas no tienen diálogos. “Todas mis películas fueron financiadas de mi bolsillo”. Ha permanecido fiel a su esencia y empeño de ser un artista indie, al crear películas artesanales e independientes con una visión personal y con la ayuda de un pequeño equipo de artistas. Su último largo Cheatin’ fue en parte financiado a través de Kickstarter (sitio web de micromecenazgo para proyectos creativos). Bill Plympton ha realizado nueve largometrajes desde 1992.

CONFERENCISTAS INVITADOS

Óscar

ANDRADE Realizador de Cine y Televisión de la Universidad Nacional de Colombia. Fundó en 2003 la empresa Jaguar Taller Digital que produce piezas interactivas y obras animadas, entre las que se destacan la serie animada 2D Chigüiro, la serie animada 3D Dr.W y el largometraje Pequeñas Voces codirigido con Jairo Eduardo Carrillo. Por 12 años fue profesor de la Universidad de los Andes, la Universidad Javeriana y la Universidad Nacional. Como jurado ha participado en el Festival Internacional de Cine de La Habana (2012) en la categoría de Animación, así como en las convocatorias del Fondo de Desarrollo Cinematográfico (FDC) en la categorías de Desarrollo y Producción de Largometraje Animado (2011), y en la categoría de Cortometraje Animado de la Cinemateca Distrital de Bogotá (2014). Es fundador y vicepresidente de Somos, gremio de empresas de contenidos digitales. Codirector de la investigación Historia de la Animación Colombiana premiada por el Ministerio de Cultura en el 2008. Actualmente es director de LOOP, Festival Latinoamericano de Animación y Videojuegos.

DESARROLLO Y CREACIÓN DE PELÍCULAS ANIMADAS EN COLOMBIA

La producción de largometrajes animados en Colombia ha tenido una explosión reciente en nuestro país y Latinoamérica. La popularización de software digital ha puesto al alcance la creación de este tipo de obras que, a pesar de ello, siguen siendo un proceso arduo y dedicado que requiere riesgosas inversiones económicas. ¿Cómo es el camino para crear un largometraje animado en Colombia y Latinoamérica? ¿Qué retos se enfrentan a nivel creativo y de producción? Durante la conferencia se analizará la experiencia de Jaguar Taller Digital en este campo.

SANTIAGO

ARDILA REYES Santiago se mueve en diferentes campos, desde la escritura de guiones para cine y televisión, hasta la fotografía, la ilustración, la animación tradicional y el 3D. Con más de 20 años de experiencia en el campo audiovisual, ha sido ganador del primer premio del Salón Nacional de Arte Digital de la Escuela Artes Guerrero (2004) con su tesis de grado Handel. Creó, en compañía de Santiago Calle, la empresa Liberum Donum la cual hizo el segundo largometraje en animación que se ha hecho en Colombia, Kingdoms of Grace (2006), ganadora de un premio de animación en Londres, Inglaterra. En el 2009 comienza a trabajar como escritor para el canal RCN. Fue investigador y escritor de los primeros capítulos de la serie El Estilista (2014), libretista de El Laberinto de Alicia, nominada a los premios India Catalina 2015 como mejor libreto. Ha sido ganador del premio FDC en la categoría de Desarrollo de Guion Cinematográfico con el guion de la película La Parábola de Isaías Cristo. 74

3D: ¿HASTA DÓNDE PODEMOS LLEGAR?

Cuando oímos las palabras 3D pensamos en películas animadas, efectos especiales o renders arquitectónicos. El 3D es una simulación de la realidad donde con un software hemos tenido la capacidad de meter todos los conocimientos científicos que hemos adquirido hasta ahora, desde la geometría y matemática hasta los más profundos conceptos de la física. Hoy diferenciar una imagen hiperrealista hecha en computador es muy difícil, pero la pregunta es ¿hasta dónde podemos llegar? Y la respuesta no puede ser más asombrosa.

CONFERENCISTAS INVITADOS

Cecilia

TRASLAVIÑA GONZÁLEZ Candidata a magíster en Literatura y maestra en Artes Visuales con énfasis en Expresión Audiovisual de la Pontificia Universidad Javeriana. Se ha desempeñado como directora y productora de diferentes piezas audiovisuales como: Almas santas almas pacientes, La casa del tiempo y Álbum. Jurado de diversos festivales y ganadora de varios premios, entre ellos a mejor animación en el Quinto Festival Internacional de Cine El Espejo, Bogotá 2008; mejor animación en el Primer Festival Internacional de Cine de Mompox, Bolívar 2008, y el estímulo para realización de cortometrajes del Fondo de Desarrollo Cinematográfico 2005.

LA ANIMACIÓN ACTUAL: DIÁLOGOS Y TENSIONES ENTRE LO DIGITAL Y LO ANÁLOGO

Podríamos afirmar que toda la animación que se produce hoy es digital: de la más experimental a la más industrial en algún momento de la producción la imagen pasa por una etapa de digitalización, especialmente para su distribución, aunque no deja de haber casos en que se trabaja de manera análoga. Esta charla se centrará en la naturaleza de los materiales y su capacidad de afectar los sentidos, la expresión que produce el material “real” o cuando todo es generado o simulado en el computador. La tensión se crea a partir de dos preguntas que no cesan: ¿Para qué se sigue haciendo animación con materiales reales, vivos si se pueden crear en el computador? ¿Para qué hacer algo en el computador imitando algo que está a la mano? Lo interesante de todo esto es lo que ocurre al interior de estas maneras de crear y sus posibilidades de diálogo sin que desaparezcan las tensiones.

CARLOS

SMITH ROVIRA Santa Marta (Colombia) 1971. Realizador de cine y televisión de la Universidad Nacional de Colombia, máster en Animación de la Universitat Pompeu Fabra y Diploma de estudios avanzados en Animación de la Universidad Politécnica de Valencia. Dedicado a la realización de animación desde 1993. Cofundador en 1995 del estudio de animación Smith & Smith y en 2009 de Hierro Animación. Director y productor de Smith & Smith, serie de animación de 9 episodios. Productor de Migrópolis, serie de animación documental para niños. Director y productor de Mi Abuela, cortometraje de ficción para público infantil, seleccionado en Oberhausen, Anima Mundi y el Festival de Cine Infantil de Nueva York. Productor y codirector de Cuentos de Viejos, proyecto transmedia documental ganadora de múltiples premios internacionales y seleccionada en festivales como Annecy, Prix Jenneusse e Input, entre otros.

DESARROLLO DE CONTENIDOS ANIMADOS PARA NIÑOS En los últimos años ha surgido en Colombia una importante producción de contenido en animación para distintas ventanas y plataformas. Una eclosión de cortometrajes, series de televisión e incluso, aunque en menor medida, largometrajes para cine. En este escenario pretendo dar una visión sobre el estado de la animación dirigida a niños en Colombia desde mi experiencia como director y productor de cortometrajes, series para televisión y transmedia.

CONFERENCISTAS INVITADOS

DIEGO

GUERRA Bogotá, 1971. Fue el editor de la revista Acme, que ganó dos premios de Colcultura y a la mejor revista de cómics en el Encuentro Latinoamericano de Historieta de La Habana de 1996. En esta revista Guerra publicó por entregas un cómic extenso, Educación sentimental, sobre tres amigos de la universidad, muy influenciado por el cómic francés de corte realista. Otras historias de los mismos personajes se publicaron en varias revistas colombianas de cómics de esa época, como Agente Naranja o TNT. Entre 2000 y 2002 trabajó en la productora Teleset donde hizo storyboards y fue animador para la serie animada de 26 episodios Simplemente Rita, para Telemundo de Miami. Después de esto, como realizador independiente se dedicó a hacer ilustraciones y spots publicitarios para Francia y España. A la par de eso crea el blog 68revoluciones.com, que después de 8 años tiene más de dos millones de visitas y 450 artículos y reseñas sobre cómic, animación y cine. De 2007 a 2014 trabajó como productor y director del largometraje de dibujos animados Desterrada, ganador de dos premios del FDC y participante en la sección Open Doors del Festival de Locarno Suiza. La película hizo parte de la selección oficial del Festival de Annecy 2015 y está en competencia en el Festival Internacional de Monterrey y el Festival Cinanima, Portugal.

CÓMO CONTAR HISTORIAS SOBRE LA GUERRA EN ANIMACIÓN. ESTUDIO DE CASO DE LA PELÍCULA DESTERRADA

Algunos dibujos animados a lo largo de la historia se han enfocado en el tema de los conflictos bélicos contemporáneos y el tratamiento de estos temas ha generado propuestas muy sólidas donde el dibujo se explota a plenitud para recrear metafóricamente situaciones muy amargas eludiendo panfletos y propagandas, y produciendo en cambio testimonios valiosos de estos tiempos. En esta charla se hará un recorrido por las películas animadas más emblemáticas que han tratado el tema de la guerra y se hablará de la experiencia de hacer una película animada sobre el conflicto armado colombiano: Desterrada.

Harold Azmed JIMÉNEZ

Comunicador Audiovisual de la Universidad de Medellín y estudiante de Cinematografía Internacional en Laudem Education Institute en Nueva York. Animador digital 2D y 3D de series internacionales para Disney, Hasbro, Discovery Kids y Hub. Investigador y desarrollador de cursos y contenidos de e-learning empresarial.

CONOCIENDO EL UNIVERSO NARRATIVO DE HAYAO MIYAZAKI 76

Todos tenemos una gran imaginación la cual nos permite vivir otros mundos, experiencias y momentos. Pero, ¿cómo tener la capacidad de hacer que esos mundos crucen la línea hacia la realidad y lograr que otros lo vivan? Eso es lo que ha logrado Hayao Miyazaki de la mano de sus intrincados detalles y unos mundos habitados por personajes moralmente opuestos. Pero, ¿bajo qué conceptos lo logró? ¿Cómo funciona su sello personal a la hora de hacernos vivir esos mundos? Esta exposición de Hayao Miyazaki no busca contar una biografía, sino exponer sus narrativas y técnicas de una forma dinámica con el fin de entender su obra desde el corazón. Cruzando la línea.

CONFERENCISTAS INVITADOS

MARCELA RINCÓN

Comunicadora social - periodista, egresada de la Universidad de Antioquia, con especialización en Escritura de Guion para Cine y Televisión de la Universidad del Valle. Ha sido docente de Escritura de Ficción en la Escuela de Comunicación y Lenguaje de la Universidad Javeriana en Cali, así como del Diplomado de Televisión Infantil de la Universidad Santiago de Cali. Actualmente se encuentra en la producción de su ópera prima El Libro de Lila, largometraje animado dirigido al público infantil merecedor del premio de Desarrollo y Producción del FDC, desarrollo y producción de Ibermedia, así como la beca de creación para la escritura de guion del Ministerio de Cultura de Colombia. También ha sido asesora de guion de los largometrajes El árbol y el silencio de Vladimir Pérez y de Pasos de Héroe de Henry Rincón.

LOS RETOS DE LA PRODUCCIÓN DE UN LARGOMETRAJE DE ANIMACIÓNWORK IN PROGRESS EL LIBRO DE LILA

Pensar en hacer una película es un gran anhelo para muchos, llegar a producirla una gran odisea de algunos, pero realizar un largometraje animado es una aventura que muy pocos han tenido. En este espacio socializaremos los principales retos artísticos a los que nos hemos visto enfrentados produciendo El libro de Lila, el primer largometraje animado realizado en el sur occidente colombiano.

YACK REYES

Productor, animador y socio fundador en Animaedro Estudio de Animación. Realizador de Cine y Televisión de la Universidad de Colombia, con estudios de Animación Experimental en la Pontificia Universidad Javeriana y de Producción en la Escuela Internacional de Cine de San Antonio de los Baños en Cuba. Con experiencia en producción, postproducción y composición digital, y amplia experiencia en animación stop motion. Docente catedrático de Animación en Unitec. Hace parte de Asifa Capítulo Colombia (Asociación Internacional de Films de Animación). Representante del sector artístico/creativo ante el Consejo Nacional de las Artes y la Cultura en Cinematografía -CNACC ante el Ministerio de Cultura y Proimágenes en Movimiento. Productor de 4 Ríos y Camusi Camusi. Ha estado nominado y premiado en festivales como Premios Shock de la música, Festival de Cine de Cusco, Comkids Prix Jeunesse Latinoamérica, Premio Lápiz de Acero, Japan Prize, Festival de Animación Loop, Cairo International Cinema Festival, Bogoshorts, Crea Digital, Ventana Sur, entre otros.

TÉCNICAS DE LA ANIMACIÓN

Panorama de las técnicas de animación usadas en audiovisual para diferentes plataformas, como cine, televisión y web. Un barrido general de su uso en Latinoamérica y Colombia, como la mixtura de técnicas permite una producción con un alto nivel estético y apoya la narrativa de las producciones.

CONFERENCISTAS INVITADOS

RICARDO ARCE

Docente asociado de la Universidad Jorge Tadeo Lozano, en donde coordina desde el año 2007 el área de Animación de los programas de Diseño Gráfico y de la Tecnología en Realización de Audiovisuales y Multimedia. Estudió Diseño Gráfico en la Universidad Nacional de Colombia (1997), la Especialización en Televisión de la Pontificia Universidad Javeriana (2007) y la Maestría en Estética e Historia del Arte de la Universidad Jorge Tadeo Lozano (2013). Es miembro fundador y actual presidente del capítulo colombiano de la Asociación Internacional de Films Animados, Asifa Colombia; y miembro de la Junta Directiva de Asifa Internacional en donde actúa como vicepresidente de Proyectos Especiales. Es coautor del libro La Animación en Colombia hasta finales de los años 80.

PLATAFORMAS DE FINANCIACIÓN PARA LA ANIMACIÓN

El creciente número de producciones animadas que se producen en el país evidencia, en primer lugar, que se han diversificado los mecanismos de financiación para la creación de producciones animadas y, en segundo lugar, que los diferentes agentes que constituyen del campo de la imagen animada en Colombia han podido participar –con mayor o menor éxito– en la identificación, uso y evaluación de estos mecanismos. Al entender las cadenas productivas y de valor particulares del campo de la animación, sus semejanzas y diferencias con otras formas de lo audiovisual y el ecosistema propio del sector en diálogo con otros modos de lo gráfico, lo artístico y lo interactivo es posible, entonces, construir mapas y rutas de desarrollo que permitan ampliar el repertorio de posibilidades presentes y futuras para lo que se plantea como una industria en gestación.

JORGE FORERO

Realizador de cine. Ha estudiado en Colombia, Cuba y Sao Paulo, Brasil. Ha dirigido los cortometrajes Unos de esos días y Sometamos o matemos; así como los documentales En el fondo del pozo y Armero - deconstrucción. Socio fundador de Burning Blue, con la que ha coproducido los largometrajes Climas de Enrica Pérez (Varsovia 2014) y Refugiado de Diego Lerman (Cannes 2014). Es productor asociado de Los Hongos de Oscar Ruiz Navia (Locarno 2014) y productor de La Tierra y la sombra de César Acevedo (Cámara de Oro en Cannes 2015). Violencia es su ópera prima, estrenada en la Berlinale-Forum. 78

TALLER DE TALENTOS CINEMATOGRÁFICOS - CAJA DE PANDORA: PRODUCCIÓN CREATIVA EN PELÍCULAS INDEPENDIENTES CON UN BAJO PRESUPUESTO El taller aborda el proceso de producción de una película de bajo presupuesto en Colombia, desde el desarrollo de proyecto, pasando por la financiación, el rodaje y la recuperación de acuerdo a las características actuales del mercado cinematográfico en Colombia y en el mundo.

ARTÍCULOS

La animación: crear en libertad

La situación actual hace visible, de una parte, las dos tendencias principales de la animación: la más comercial para un público masivo y la más independiente y experimental. Y de otro lado, el auge que vive el género.

El viento se levanta

MARTHA LIGIA PARRA Comunicadora social-periodista de la UPB, docente-investigadora de la Universidad de Medellín, crítica y columnista de cine de Lecturas Dominicales del periódico El Tiempo. Es autora del libro Cine y cinco expertos (Dirección-Arte-Guion) y coautora del libro De la novela colombiana al cine. Actualmente es la directora artística de la Corporación Festival de Cine de Santa Fe de Antioquia.

n El viento se levanta, la última película de Hayao Miyazaki, su protagonista lo único que quiso fue crear el mejor avión posible. La obra del maestro japonés podría ser ese avión que le ha permitido volar muy alto en el mundo creativo y que le ha dado al cine uno de sus más valiosos legados. Libertad y creatividad son dos palabras que parecen estar asociadas al cine de animación. Y son probablemente sus mayores atractivos y, al

mismo tiempo, sus mayores retos. Todo es posible. No hay límites para la imaginación. Así lo manifiesta el realizador francés Patrice Leconte que incursionó en el género con Le Magasin des suicides (2012): “Con este tipo de películas, uno dispone de una libertad total. Si uno quiere encuadrar un plano a 500 metros de altitud, hace falta una grúa o un dirigible. Aquí, no hace falta nada, mi cámara se puede situar donde quiera”. Y también lo confirma el director Peter Docter (Intensamente,

Up) para quien la animación no es un género, es un medio. “La animación puede hacer cualquier cosa. Si decidimos, podemos hacer películas de terror o drama, suspenso, lo que sea”. Como género es uno de los más antiguos del cine, una prolongación lógica de los juguetes ópticos. Y hoy, sin duda, viene cobrando protagonismo, al tiempo que se expande con las nuevas tecnologías digitales en aplicaciones de gran variedad, tanto en la publicidad, como en el campo educativo. Pero regresando al cine, su relevancia se comprueba tanto por el aumento de la producción y de festivales como por el espaldarazo de un Festival como Cannes, donde el formato se ha convertido en un visitante asiduo. Este año Intensamente fue lanzada en el certamen, el año pasado Cómo entrenar a tu dragón 2 y en ediciones anteriores Kung Fu Panda, Madagascar, etc. En 2009 por primera vez en la historia del Festival de Cannes, la película UP de Disney/ Pixar, inauguró el certamen. Pero no solo ejemplos del más puro entretenimiento y de alto valor comercial para todos los públicos, han formado parte de la selección oficial. También han tenido cabida en los últimos años y en competencia películas de este género, dirigidas a un público adulto como la israelí Vals con Bashir (2008) de Ari Folman, sobre la masacre de palestinos en el sur del Líbano y Persépolis (2007) de la iraní Marjane Satrapi, que obtuvo el Gran Premio del Jurado. Esta última, un fresco de la historia más reciente de su país que denuncia la intolerancia y la represión. Persépolis (2007)

Por su parte, los premios Óscar solo hasta el 2001 crearon la categoría de Mejor película de animación y premiaron cintas como El viaje de Chihiro de Hayao Miyazaki, primer animé en recibir un Óscar en 2002 — además del Oso de Oro en Berlín— y Wallace y Gromit: La batalla de los vegetales del británico Nick Park que obtuvo un Oscar en 2006. La situación actual hace visible de una parte, las dos tendencias principales de la animación, la más comercial para un público masivo y la más independiente y experimental. Y de otro lado, el auge que vive el género. “La animación es un medio de expresión que uno puede poner al servicio de la creatividad artística y también al servicio de los negocios”, afirma el maestro checo Jan Svankmajer, famoso por sus películas de animación surrealista que han influenciado a muchos cineastas como Tim Burton. Si el cine en general se asocia con evasión y entretenimiento, la animación aún más. Se cree erróneamente que es un género solo para niños, realizado exclusivamente por productoras norteamericanas (léase Disney/ Pixar o Dream Works Animation). Pero el historial de este género es largo y ancho, todo un universo fascinante por explorar. Pocos saben por ejemplo, que el primer largo de animación, El apóstol, data del periodo mudo y lo realizó en Argentina Quirino Cristiani. La animación tiene grandes creadores independientes que han aportado al lenguaje del cine y a otras áreas como la publicidad. Importante mencionar también a creadores como el alemán Oskar Fischinger y su obras experimentales, Norman McLaren en Canadá, el checo Jiri Trnka y talentos como el polaco Tomek Baginski, los británicos Phill Mulloy, Jonathan Hodgson y Suzie Templeton, el norteamericano Bill Plympton, el insuperable maestro japonés Miyazaki y el belga Raoul Servais, entre muchos otros. Durante mucho tiempo este género y sus creadores estuvieron condenados al anonimato y al olvido (a menos que se tratara de Disney). Sus circuitos de exhibición y distribución eran muy limitados. Hoy, las cosas no son ideales, pero han cambiado radicalmente, gracias a internet y a su mercado global, a las nuevas tecnologías como la animación digital y al espacio y reconocimiento

El cadáver de la novia (2005)

ganado en festivales que antes estaban reservados para otros géneros de ficción. Los largometrajes animados dirigidos a un público adulto son cada vez más comunes. La animación exige un trabajo arduo y laborioso que puede tomar varios años. Por ejemplo, Kirikú y la hechicera de Michel Ocelot, realizada con animación tradicional tardó cinco años, El cadáver de la novia (2005) de Tim Burton con la técnica stop-motion (rodaje de objetos cuadro a cuadro) se tomó 52 semanas de rodaje, en contraste con las catorce que necesitó una superproducción como Harry Potter. La informática generó una especie de revolución y las técnicas son muchas y variadas. Toy Story (1995) fue el primer largo de animación realizado por ordenador.

Hoy en día no es fácil diferenciar una película animada por computador y una que no lo es. La animación tradicional es más costosa y lo que encontramos con frecuencia en la actualidad es mezcla de animación tradicional con otras técnicas como la digital, un ejemplo es Vals con Bashir que emplea animación 3D (tridimensional), tradicional y flash. Otros ejemplos de cintas que hacen una utilización creativa de la tecnología al alcance es Despertando a la vida (2001) de Richard Linklater, en la cual sobre la acción real se hace animación de manera digital. Películas como Expreso polar y Monster House utilizan la técnica “captura de movimiento” que capta directamente la interpretación física de los actores trasladándola digitalmente a una animación computarizada.

Ilustración 1, Lentes, 1998, Smith & Smith LTDA.

¿Qué es la ROTOSCOPIA? La sensación misma de movimiento exige transformación y metamorfosis, y un animador debe decidir hasta qué grado puede variar la imagen de un personaje de un cuadro a otro para que realice una acción mientras conserva su integridad. 84

CARLOS SMITH Santa Marta, 1971. Realizador y productor audiovisual, fundador de Hierro Animación en Bogotá. Profesor y coordinador académico del Master en Animación de la Universitat Pompeu Fabra en Barcelona.

n 1998 comencé un proyecto de cortometraje llamado Lentes. La historia trataba del choque de dos realidades; la “normalidad” donde transcurre la vida del protagonista cotidiana, anodina y solitaria y una realidad alterada a la que accede cuando entra en contacto con unos lentes de optómetra. Ese mundo alterado no era precisamente un mundo fantástico, sino más bien el resultado de un extrañamiento ante el mundo “normal”, una mirada diferente que devela capas de realidad superpuestas. Una oposición a la simplificación de la experiencia que nos hace ciegos ante el mundo que hay detrás de nuestros recorridos habituales de pensamiento. El horror de acercarse tanto a la realidad que se vuelve rugosa, húmeda y ofensiva. Aquí la rotoscopia permitía la búsqueda de una imagen cambiante, de unos personajes que mantienen su esencia más por el movimiento que por la estabilidad de sus trazos o formas. En esa línea el movimiento está marcado por la metamorfosis y la inestabilidad de las formas. El procedimiento habitual del dibujo animado consiste en generar una serie de imágenes cada una un poco diferente de la anterior que puestas en secuencia dan la sensación de movimiento. La sensación misma de movimiento exige entonces transformación y metamorfosis. Un animador debe decidir hasta qué grado puede variar la imagen de un personaje de un cuadro a otro para que realice una acción mientras conserva su integridad. El animador experimental Norman McLaren nos da pistas sobre la problemática entre forma y movimiento en una de sus frases más citadas en los estudios sobre animación: Animation is not the art of drawings that move but the art of movements that are drawn; what happens between each frame is much more important than what exists on each frame; animation is therefore the art of manipulating the invisible interstices that lie between the frames La definición de McLaren pone el movimiento mismo como esencia de la animación. No es trascendente si la imagen es figurativa o abstracta. En animación una imagen solo es importante como parte de una serie. Su sentido está en las relaciones que establece con las imágenes que le preceden y que le siguen. La lógica del mo-

vimiento prevalece entonces sobre el desarrollo narrativo, expositivo o gráfico. Esto no niega las posibilidades narrativas, expositivas o argumentativas de la animación, que el mismo McLaren explota en sus trabajos, no pone tampoco un coto a la figuración en animación; simplemente establece un elemento expresivo esencial. La materia de trabajo del animador es en esencia abstracta, el animador trabaja con un material inaprensible y cambiante. Si en la danza el artista debe ejercer un control de su cuerpo, en la animación el artista debe controlar lo más cercanamente posible los medios que definen este movimiento.

Ilustración 2, Lentes, 1998, Smith & Smith LTDA

El rotoscopio es un aparato inventado por Max Fleisher en 1915. El artilugio permitía proyectar fotograma a fotograma de rodaje real sobre un vidrio opaco donde el artista podía calcar la imagen sobre papel. La técnica pretendía ser un apoyo para hacer el trabajo del animador más rápido y más efectivo. En efecto, el movimiento del payaso Koko en su serie Out of the Ikwell era de una organicidad y una fluidez que no se lograba desde los trabajos de Windsor McCay y que contrastaba fuertemente con otros personajes y otros trabajos del mismo estudio Fleisher. Años después, Disney retomaría la técnica para darle vida a los personajes protagónicos de su primer largometraje Snow White and the Seven Dwarfs (Disney, 1937). Pero mientras Disney desconfiaba de la potencia de la animación para describir emociones profundas y pretendía crear un efecto inmersivo

Ilustración 3, Soy Colombiano, Carlos Smith, 2006

haciendo que el espectador olvidara totalmente el artificio y se identificara con los personajes, los Fleisher plantearon un tipo de trabajo más conectado con lo surreal donde los personajes animados sufren metamorfosis, cambian de material y de técnica y constantemente se llama la atención sobre el cómo está hecha la animación. Un ejemplo notable es la secuencia de la huida a través del túnel en Betty Boop Snow White (Dave Fleisher 1933). Koko, Bimbo y Betty Boop han escapado de la madrastra maligna. Apenas entran al túnel, Koko comienza a moverse por rotoscopia. La diferencia es apreciable, aun más por el contraste con todos los demás personajes que continúan moviéndose por técnicas tradicionales de animación. Lo que hacen los hermanos Fleisher es modificar la forma de Koko de manera radical hasta hacerlo ver como una especie de fantasma, pero manteniendo la referencia del material original del mismo Cab Calloway que le da la voz a Koko para cantar un blues. Hay una gran continuidad entre el personaje original de Koko y su versión fantasmal. El movimiento, la cadencia se percibe como una sola.

res y los trucos de su oficio. Esta síntesis depende de un proceso de selección y de jerarquía. Al trabajar con referencia de imagen real no se deja de lado el trabajo de jerarquizar y seleccionar. Es necesario extraer de la referencia los datos relevantes. Lo que sí permite la referencia es trabajar una gran libertad en la definición de la forma y del estilo de dibujo y, sin embargo, la continuidad y la identificación.

El asunto de la rotoscopia es más complejo que una simple ayuda para la realización. Si siguiendo a McLaren consideramos el movimiento mismo como el material de trabajo del animador, cuando un animador plantea una actuación para un personaje no está copiando un movimiento real, en el mejor de los casos está sintetizando un movimiento a partir de la referencia del mundo y de las referencias de otras animaciones anterio-

Cuando Marceo Dematei y yo imaginamos Cuentos de Viejos uno de los conceptos centrales del proyecto era la posibilidad de realizar un retrato móvil. Nos interesaba la idea de mantener la identidad en medio de la variación y el aspecto gráfico del dibujo. Luego llegó la idea de la narración oral y de los relatos sobre la infancia contados por personas mayores. En esa línea experimentamos con distintas técnicas de

En 2006 realicé una pequeña pieza llamada “Soy colombiano”, un video cíclico de dos minutos que jugaba con la idea de la repetición y variación. Dibujado sobre un material en video donde estoy cargando a mi hijo mientras repito la frase “Soy colombiano, quiero hablarles de lo que pasa en mi país, pero en Colombia todos hemos aprendido a callar, hablar da miedo”. La imagen se va transformando, a veces se rompe la línea, a veces parece un payaso, por momentos se enciende en llamas. Aquí la rotoscopia me permitía un juego de espejos donde mientras criticaba, reflexionaba sobre mi propio miedo a criticar la situación.

animación manteniendo siempre una parte del relato en rotoscopia con distintas salidas visuales. En Cuentos la rotoscopia acerca al personaje al espectador mientras genera un filtro que nos hace entrar en el mundo de recuerdos que son casi míticos. Son historias que estos personajes vivieron hace más de 40 o 50 años y que siguen vívidas en su memoria, pero que necesariamente han crecido y florecido con los años, con las décadas de recuerdos, con los cientos de veces que las han relatado. Existen en la animación fuerzas destructivas que continuamente atentan contra la permanencia y

la identidad del personaje. El personaje en animación es un ser atormentado e inestable que constantemente necesita algún tipo de validación para reafirmarse. Pero dentro de la animación misma encontramos también una energía que constantemente llama a la unidad y la coherencia, el movimiento. Así mientras las técnicas que utilizamos para crear la ilusión de movimiento constantemente ponen en duda la existencia y permanencia del cuerpo, difuminando sus bordes, poniendo en duda sus límites y su forma, el resultado perceptivo del movimiento tiende a conferirle la acción a un ente determinado que la ejecuta o es afectado por ella.

Jan Svankmajer:

DEMIURGO Y EXPLORADOR DE MISTERIOS INTERIORES Con una carrera de más de 50 años, Jan Svankmajer es una de las leyendas vivas del cine de la República Checa, con especial énfasis en la animación. Un verdadero alquimista visual dotado de una imaginación sin freno y de una exquisita sensibilidad artística, a menudo acompañada por el humor, la ironía y el sentido del misterio y el terror. FERNANDO ARENAS VÉLEZ 1967. PhD y M.A. Teatro y Cine de la Universidad de Kansas. Comunicador Social de la UPB y profesor de la Facultad de Comunicación de la Universidad de Medellín. Colaborador de la revista Kinetoscopio y conferencista de cine en Medellín.

J 88

an Svankmajer, nacido el 4 de Septiembre de 1934, es uno de los maestros del cine experimental y de animación de la República Checa. En perfiles, entrevistas y notas periodísticas sobre su obra abundan palabras tales como “genio”, “leyenda viva” y “surrealista” para describir su trabajo. En un país donde se abrieron los primeros estudios en 1921, y desde 1933 existen los mundialmente famosos estudios Barrandov, donde además se erigió una de las primeras y más reputadas escuelas de cine del mundo, la célebre FAMU (1947), curiosamente

Svankmajer no es un egresado de dicha escuela. En cambio, este célebre cineasta se inició como hombre de teatro, pensando en ir a estudiar en la Escuela de Artes Aplicadas de Praga (1950-1954), pero resultó enrolado en la DAMU, la Academia de Teatro de Praga, de donde se graduó como especialista en teatro de títeres. La tradición del teatro de marionetas, que fue llevada a tierras checas durante el siglo XVII por las tropas itinerantes de origen británico, italiano y alemán, echó raíces en el país y se vinculó al des-

esta corriente artística se formalizará cuando él y su esposa Eva se unen oficialmente al Grupo Surrealista de Praga, en 1970. Acerca del surrealismo, dice el propio director, en su entrevista con Peter Hames publicada en Sight and Sound No. 10, de octubre de 2001: “El surrealismo no es un estilo artístico, sino un medio para investigar y explorar la realidad”. (Citado por Imre, p. 219). A esto se suma la siguiente reflexión, que ofrece en el documental Los dorados sesentas, dirigido por Martin Sulik: El último truco (1967)

pertar nacional checo, a medida que las familias adoptaban esta forma artística para dar vida a su literatura nacional en idioma checo y la tradición, pasada de padres a hijos, culminó en la fundación del Teatro Nacional de Marionetas, que funciona en la Ciudad Vieja de Praga, y en la primera y por mucho tiempo única universidad especializada en este arte en el mundo. El propio Svankmajer recordó, en un documental dedicado a su obra en 2009 (Sulik), cómo sus padres le regalaron a temprana edad un teatro de marionetas casero, con el cual el niño, entonces delgado, algo débil y muy tímido, pudo dar libertad a su imaginación y explorar su creatividad con la creación de escenografías, títeres e historias originales. Años más tarde retomaría esa pasión inicial, a su paso por el bachillerato y la universidad (1954-1958). Tras varios años de práctica teatral en el Teatro de Máscaras del Semaphor Theatre, el director se involucra con el cine al integrar su Teatro de Máscaras con el famoso espectáculo multimedia de Praga Laterna Magika, donde colabora con el director Emil Radek, en cuya película Doktor Faustus había obtenido su primer crédito cinematográfico unos años antes. Su primera película de animación con marionetas, El último truco, data de 1964. Este filme trataba de dos magos o payasos que trataban de superarse el uno al otro a través de sus trucos. Era, dice su autor, “un espectáculo teatral realizado con la técnica cinematográfica” (Sulik, 2009). Cuatro años después realiza El Jardín (1968), filme donde se manifiesta ya su conexión con el surrealismo, bajo la influencia del teórico Vratislav Effenberger. Su inclinación por

“…como sabemos, en un trabajo de la imaginación, ya sea una pintura, una película o un poema, digamos que un 80% fluye del inconsciente y usted conoce el significado del 20% de lo que está haciendo. Eso significa que la interpretación debe venir subsecuentemente; usted analiza lo que hizo como si analizara un sueño en el psicoanálisis, así que cuando la película está terminada, yo la enfrento como su primer espectador, preguntándome: ¿Qué es lo que he hecho aquí? Porque creo que hay algo adentro, algo a lo que no se le puede dar un nombre. Al contrario, creo que eso sería una desventaja para el artista. Si el artista supiera desde el comienzo exactamente lo que va a hacer, eso lo deja a uno frío, eso no se ha vivido. No posee el misterio del que uno lo dota al no saber qué es lo que está haciendo”. Jan Svankmajer (Sulik, 2009). Después de la efímera Primavera de Praga y la sangrienta represión subsecuente por parte de los soviéticos y sus aliados en Checoeslovaquia, en 1968, la cual significó la huida del país de famosos directores como Ivan Passer o Milos Forman, y la prohibición de hacer cine a Jiri Menzel, Vera Chytilova y otros, Svankmajer se arriesgó a hacer una crítica implícita pero clara, en su película de 1972 titulada El diario de Leonardo, en la que utilizó los dibujos y bocetos históricos del artista italiano junto con recortes de prensa actuales. La reacción estatal fue rápida y brutal: se le prohibió hacer filmes propios entre 1973 y 1979. En 1977, no obstante, se le permitió realizar un corto “mockumentary” o falso documental, con animación, llamado El castillo de Otranto, adaptado de la novela gótica del británico Horace Walpole.

Dimensiones del diálogo (1982)

A su regreso del frío, en 1982, Svankmajer se consagró con Dimensiones del diálogo, donde utiliza la animación con objetos cotidianos, como utensilios de cocina o comestibles, a la vez que la tradicional con barro o greda, en una dramatización de las dificultades de comunicación entre las personas. Las bocas gigantescas que devoran al interlocutor, los dientes y lenguas amenazantes, y una sucesión rápida y desenfrenada de imágenes permiten visualizar su tema con gran eficacia e impacto visual, sin el uso de la palabra. Con esta película, ganadora del gran premio en el Festival Internacional de Cine Animado de Annecy, y del Oso de Oro del Festival Internacional de Cine de Berlín, en 1983, su fama mundial se acrecentó, como un animador originalísimo, y digno relevo de la tradición de animación de su país, iniciada por figuras como Karel Zeman o Jiri Trnka, en los años 40 a 60. A pesar de ello, las autoridades checas tuvieron problemas ideológicos con la película, pero al ser incapaces de puntualizar cuáles eran, la dejaron como un vago ejemplo de lo que “no se debería hacer” (Brooke). Por tal motivo, su siguiente película, Abajo en el sótano (1982) fue realizada en Eslovaquia.

En 1983, Svankmajer se asocia con Michael Havas y el productor británico Ken Griffiths, quienes van a tener un papel importante en su carrera subsecuente, incluyendo su entrada en los largometrajes, con la película Alicia (1988), un filme inspirado en la obra de Lewis Carrol, del que el periodista Hal Hinson, escribió: “Lo que el animador checo Jan Svankmajer hace en ´Alicia´ parece más afín a la alquimia que a la realización cinematográfica. El suyo es un arte Alicia (1988)

Otesánek (2000)

oscuro de prestidigitación, traído a la vida más por la agitación de una varita mágica que por el golpe seco de una claqueta” (Washington Post). En su gran cantidad de cortometrajes y en largometrajes tales como Fausto (1994), Los conspiradores del placer (1996), Otesánek (El pe-

queño Otik, 2000), Lunáticos (2005) y Teoría y Práctica (2010), Svankmajer ha dejado en alto la tradición checa de animación y ratificado su talento como contador de historias y como alquimista visual dotado de una imaginación sin freno y de una exquisita sensibilidad artística, a menudo acompañada por el humor, la ironía y el sentido del misterio y el terror. La magia, lo increíble y a la vez evidente que se presenta a nuestros ojos como una iluminación, está presente con frecuencia en las descripciones de Svankmajer como un prestidigitador cinematográfico. Tal vez por esto la periodista del diario británico The Guardian, Marina Warner, afirma que la obra del director entronca con “la fuerte corriente (…) de ilusionistas, magos, artistas de circo, operadores de linterna mágica, acróbatas, bailarines, y todos quienes usan trucos y artificios (la tradición de George Méliès)”. Ese es Jan Svankmajer, genio surrealista, teatrero, cineasta, gran mago de la imagen en movimiento.

Fuentes:

Imre, Anikó. East European Cinemas (2005). AFI Film Readers. NY, London: Routledge. 288 p. Sobre el Teatro Nacional de Marionetas: http://www.avantgarde-prague.es/guia-de-praga/cultura-en-praga/otros-espectaculos/el-teatro-nacional-de-marionetas/ Documental de Martin Sulik “Los dorados sesentas”: https://www.youtube.com/watch?v=e89U4ZD-Kvo Breve biografía de Svankmajer: http://www.experienceproject.com/stories/Think-Jan-Svankmajer-IsA-Living-Legend/288304 Perfil del director en IMDB.COM: http://www.imdb.com/name/nm0840905/?ref_=tt_ov_dr Brooke, Michael. Free Radical. Entrevista con Jan Svankmajer. http://www.closeupfilmcentre.com/ vertigo_magazine/volume-3-issue-5-spring-2007/free-radical/ Reseña de Alice, de Hal Hinson. The Washington Post: http://www.washingtonpost.com/wp-srv/ style/longterm/movies/videos/alice.htm Warner, Marina. Dream Works. The Guardian. http://www.theguardian.com/film/2007/jun/16/film

Pequeñas voces (2010)

Largometrajes y series EN LA ANIMACIÓN NACIONAL 2010 - 2015

La producción de largometrajes y series de TV de animación se ha incrementado notablemente en años recientes (2010 - 2015) gracias a la técnica digital y el apoyo estatal. ÓSCAR ANDRADE MEDINA Realizador de Cine y TV de la Universidad Nacional de Colombia, 1992. Gerente de Jaguar Taller Digital S.A. Profesor universitario con 15 años de experiencia. Director de LOOP, Festival Latinoamericano de Animación y Videojuegos.

a animación en Colombia tiene sus raíces históricas en dos tipos de obras de corta duración: el cortometraje de autor y la animación para publicidad. El presente artículo hace un recorrido por la animación nacional en años recientes (2010 - 2015) y muestra cómo gracias a la técnica digital y el apoyo estatal, se ha

logrado incrementar la producción de largometrajes cinematográficos y series de TV.

Largometrajes

Hasta el año 2003 Colombia contaba con cuatro largometrajes animados, tres de ellos realizados por el director independiente Fernando Laver-

de en técnica de stop motion (La pobre viejecita, 1978; Cristóbal Colón, 1983 y Martín Fierro, 1989) y un cuarto (Bolívar el Héroe, 2003) producido por Guillermo Rincón y dirigido por Diego Zajec en técnica de dibujo digital. Es una grata sorpresa encontrar que en los últimos años la producción ha aumentado, llegando a un total de nueve películas. Pequeñas Voces (Jairo Eduardo Carrillo y Oscar Andrade M., 2010) largometraje que inició su producción gracias al estímulo del Fondo de Desarrollo Cinematográfico (FDC) en 2005, es un documental animado basado en los testimonios de niños desplazados colombianos. Con una estética naïve, inspirada en dibujos infantiles y una mezcla de técnicas 2D y 3D digitales, el documental reconstruye las historias con cierta libertad argumental, entretejiendo los relatos de sus cuatro niños protagonistas. Producida por Cachupedillo Cine y Jaguar Taller Digital S.A., Pequeñas Voces fue estrenada en el Festival de Cine de Venecia de 2010 y tuvo un largo recorrido en este tipo de eventos, recibiendo diversos reconocimientos y premios hasta llegar a salas comerciales colombianas en el 2011.

Los extraños presagios de León Prozak

El largometraje Los extraños presagios de León Prozak de Carlos Santa se mantiene en la línea de animación experimental de su director, de la que fue pionero en el año 1989 con su obra El pasajero de la noche. La película, que se puede

considerar colectiva por la variedad de pintores e ilustradores que colaboraron en su realización, inició su producción en el año 2003. A pesar de tratarse de una obra surreal, con una mezcla de técnicas como la rotoscopia, el óleo y el collage, está articulada por la historia de León Prozak, un personaje que decide vender su cabeza a Mefistófeles para hacer una obra circense. Con un tono de manifiesto libertario, el director y sus coautores (entre otros, David Manzur, Adriana Espinoza y Édgar Álvarez) navegan por las ideas del inconsciente colectivo, la crítica política y la abstracción pictórica. Desterrada del director Diego Guerra fue estrenada en el Festival de Cine de Cartagena Ficci 2014 e inició su producción a través de un estímulo del FDC en el 2005. Basada en el cómic El diario de Ana creado por el mismo autor, la película narra los sueños y decepciones de Ana, una adolescente citadina que sufre en su círculo más cercano las consecuencias de una guerra que no distingue entre sus víctimas. De corte idealista y cercana a la filosofía punk, estilo de música que también acompaña a los protagonistas, plantea diversos puntos de vista del mismo conflicto, inspirado en la guerra colombiana pero llevándola más allá, por el terreno del delirio. Su técnica es una mezcla de animación 3D, rotoscopia y animación cuadro a cuadro digital, con encuadres arriesgados y escenas fantásticas. Sabogal es el cuarto filme, resultado de la edición de la serie homónima, creada por la empresa 3da2 animation studios para Canal Capital y estrenada en 2015. Refleja los intereses artísticos de sus directores Juan José Lozano y Sergio Mejía, quienes han realizado documentales y animación para adultos sobre temáticas sociales y políticas. Fernando Sabogal, protagonista de la historia, es un abogado defensor de derechos humanos que investiga diversos casos recorriendo la política colombiana de los años 90 e inicios de la década del 2000, iniciando por el asesinato del comediante Jaime Garzón. Realizada en técnica 3D, con iluminación de alto contraste, tiene un empaque visual de novela negra y thriller político. Realizada en tiempo récord gracias a la utilización del motion capture, logra un interesante ambiente de tensión dramática, investigación judicial y documental.

Reguechicken

Por último, la película Reguechicken de Dago García Producciones y Conexión Creativa fue estrenada en el 2015, directamente en salas comerciales. La primera apuesta en animación del productor de la taquillera serie de películas El Paseo (entre otras comedias) contó con el apoyo artístico de Hernán Zajec, pionero en la creación de las reconocidas series El siguiente programa (1997), Betty toons (2002) y El profesor Super O (2006). A diferencia de las películas antes mencionadas Reguechicken es una producción que se aleja del cine de autor dirigido a adultos y por el contrario intenta atrapar al público familiar. Con guion de su mismo productor, narra la historia de dos pollos adolescentes, Violeta, una gallinita huérfana loca por el reguetón y Gabriel hijo de un gallo campeón de peleas. Realizada en técnica de animación 2D demuestra la experiencia de Conexión Creativa, con una calidad que supera la de sus series anteriores.

Series de TV 94

Las series han experimentado un sorprendente crecimiento en años recientes. Conexión Creativa, pionera en este terreno se mantuvo en producción solitaria por casi una década. Dos condiciones modificaron este rumbo: las convocatorias de producción para televisión infantil del Ministerio de Cultura desde el 2009 y la apertura del Mercado de Coproducción de Señal Colombia desde el 2011.

Ana Pirata

Gracias a las becas de creación de Mincultura, inicialmente en alianza con la CTNV (actual ANTV, Autoridad Nacional de Televisión) varios proyectos de animación dirigidos a la audiencia infantil pudieron recibir presupuestos para su producción y desarrollo. Aunque la lista no es exhaustiva, los siguientes fueron beneficiados por la primera y subsiguientes convocatorias y impactando el mercado nacional e internacional. Ana Pirata de la directora Mari Escobar (La Mar Media Lab), que con un diseño de calidad y canciones de alta recordación logró ser vendida a Discovery Kids Latinoamérica. Camusi Camusi de Yack Reyes y Yenny Santamaría (Animaedro) una serie en stop motion para incentivar el conocimiento de la música entre niños en edad preescolar, que tuvo una importante resonancia en festivales internacionales. Chigüiro de Óscar Andrade M (Jaguar Taller Digital), basada en los libros homónimos del autor Ivar Da Coll y que recibió premio a mejor contenido corto en el Festival Prix Jeneuse Iberoamérica. Y la serie Teknopilos del paisa Edwing Solórzano (Factorytoons) que busca enseñar sobre especies biológicas nativas a través de historias de aventura. Finalmente, en cuanto al Mercado de coproducción de Señal Colombia se destaca el trabajo de Carlos Smith de Hierro Animación, cuyas series Migrópolis (en asocio con Karolina Villarraga), Cuentos de Viejos y Las niñas de la guerra

Camusi Camusi

utilizan estéticas arriesgadas para proyectos de documental animado con un importante componente transmedial. La serie Guillermina y Candelario de la productora caleña Maritza Rincón (Fosfenos Media), con énfasis en la cultura afro del Pacífico, que se vendió recientemente a la TV pública de Brasil. Adicionalmente, la serie Dr.W coproducción de Jaguar Taller Digital y Mago Production de España, con personajes de diseño original e historias alocadas que enseña ciencia para preadolescentes. Ommm Mooo, de la directora Diana Rico (4 direcciones) mezcla

Ommm Mooo

de animaciones 2D, 3D e imagen real para enseñar a los niños la práctica del yoga y Don Quijote de la Láctea serie animada en 2D digital de Carlo Guillot y Juan Manuel Urbina, que a través de una versión galáctica del personaje de Cervantes, busca el origen de las palabras del idioma español. Y la serie colombo-española 2D Mr Trance, con historias cotidianas y ausencia de diálogos hablados, fue nominada a un premio Emmy internacional y vendida a Cartoon Network Latinoamérica.

3D:

¿SIMULACIÓN DE LA REALIDAD O ES LA REALIDAD UNA

simulación?

Si podemos generar la infinita complejidad del universo dentro de un computador, ¿somos nosotros también una simulación?

SANTIAGO ARDILA REYES Director y guionista. Ha realizado comerciales para televisión desde el mundo de la animación y la graficación digital. Ganador del premio FDC en la categoría de desarrollo de guion cinematográfico con el guion de la película La Parábola de Isaías Cristo.

Cuando oímos las palabras “3D”, lo primero que se nos viene a la mente son las películas generadas por computador (CGI) como Toy Story,

Finding Nemo y Shrek, entre otras. Algunos otros pensarán en los “renders” arquitectónicos en los cuales les mostraron sus apartamentos con un

gran nivel de detalle y realismo antes de que los construyeran. Y otros, que están ingresando en el hermoso mundo de la paternidad, podrán ver a sus pequeños dentro de la barriga de la madre a través de las ecografías tridimensionales en tiempo real. Pero hay que entender que el 3D es muchísimo más versátil que eso, ya que no es otra cosa que la simulación de la realidad a través de la computación. Estos simuladores de la realidad tienen la capacidad de entender el mundo y el universo por medio de su lenguaje universal: la matemática. Y de una u otra manera, podemos comprobar si nuestros conocimientos sobre el universo son correctos pasándolos por el filtro de los simuladores de la realidad. A nivel visual hemos alcanzado logros asombrosos; poder distinguir una imagen real de otra realizada por computador, hasta para el ojo más educado, es cada vez más difícil -si no imposible-.

by Dan Roarty

Todos los conocimientos sobre física, geometría y hasta química los hemos introducido dentro de las máquinas y los resultados son absolutamente sorprendentes: fluidos digitales que se comportan exactamente como el agua; el comportamiento de la luz y su compleja interacción con los objetos: transparencia, reflexión, refracción y hasta la iluminación indirecta (el rebote de los fotones y su incidencia); las dinámicas sobre objetos sólidos, viscosos, líquidos, gases o partículas, las tenemos completamente dominadas. Además, con una facultad computacional jamás alcanzada tenemos procesadores que tienen la capacidad de hacer trillones de operaciones por

The life of Pi

minuto. Esto nos ha permitido observar situaciones que ningún ser humano hubiera podido imaginar: hemos simulado casi en su totalidad el universo observable con sus billones de galaxias y sus trillones de trillones de estrellas; hemos podido ver las fusiones nucleares de los átomos de uranio en el interior de una bomba nuclear; y hoy en día, se está mapeando cada conexión neuronal que tiene el cerebro humano, el objeto más complejo jamás creado por la naturaleza (aunque esta computación, con la tecnología vigente, pue-

https://www.youtube.com/watch?v=17jymDn0W6U

de durar la no despreciable cifra de 4.000 años). Esto por poner solo unos ejemplos. Entonces, ¿cuál es el límite? ¿Hasta dónde podemos llegar a través de la simulación? ¿Cuál es la última frontera a lo que simulación y computación respecta? Aquí la cosa se pone mucho más compleja, ya que como aclaré anteriormente, estamos hablando de simulaciones visuales; no porque el árbol parezca real, es un árbol real. Lo mismo pasa con el agua: No porque se vea real, o se comporte de una manera realista, podemos decir

Alan Turing

que lo que estamos viendo es agua. Siguen siendo complejos algoritmos matemáticos que simulan el agua o el árbol. Ahora la pregunta es: ¿Podrían estas simulaciones llegar a ser agua de verdad, o árboles de verdad o hasta la vida misma de verdad? Y la respuesta teórica, aunque suene absolutamente inverosímil, es: sí. Pero para entender esto nos toca ir un poco más profundo en el concepto de lo que es real y que no.

A principios del siglo XX, el genio de la matemática, y padre de la computación convencional, Alan Turing, se preguntó si la vida misma estaba regida por la matemática. Él pudo ver que una mesa -por poner un ejemplo fácil- se podía describir de una sencilla manera matemática: X de alto, Y de ancho y Z de grosor, y así con todas sus piezas. Pero Turing se preguntó si formas mucho más complejas como las nubes, las manchas de una vaca o las rayas de la piel de un tigre estaban regidas también por patrones matemáticos. Increíblemente la respuesta es afirmativa. Turing también analizó los complejos comportamientos de los átomos para convertirse en moléculas, y a las moléculas antes de convertirse en células y encontró los mismos patrones matemáticos. Bautizó esta rama de la matemática, morfogénesis. Turing pudo apreciar, que con muy pocas reglas matemáticas, se podían conseguir patrones infi-

nitamente complejos. Contando además con factores que la matemática “aborrece”, como el azar, la entropía y el caos. Estos factores, aunque son impredecibles, pueden ser computados. Paradójicamente, estos patrones complejos, regidos por el “desorden”, se autoorganizaban en lo que hoy conocemos como “patrones”. No sabemos hasta donde hubiera podido llegar Turing con sus observaciones matemáticas, ya que fue condenado a la castración química por parte del Estado Británico por el simple hecho de ser gay. Turing no soportó la condena y se suicidó con tan sólo 42 años. Pero los análisis de Turing no fueron en vano y cayeron en manos de otro genio de la computación: Benoit Mandelbrot. A partir de la morfogénesis de Turing, Mandelbrot analizó los cauces de los ríos, la forma de los árboles y la distribución de las venas en nuestros pulmones (por poner tan solo unos ejemplos) y se dio cuenta que tenían cierto parecido. Todos comienzan con una forma y esa forma se autorreplica a sí misma. A través de este análisis, pudo describir este comportamiento en una simple ecuación:

Esta ecuación tiene un factor absolutamente poderoso y a la vez terriblemente simple: la retroalimentación. Mandelbrot creó una de las figuras más bellas y complejas del universo: el Fractal Mandelbrot, que tiene la pequeña particularidad de ser infinito. La imagen es tan poderosa que se conoce como la huella de Dios. Ahora, si a los dos procesos descritos por Turing y Mandelbrot, le sumamos el factor del tiempo, podemos generar un fenómeno que vemos en todo lo que nos rodea: la evolución. Se ha podido ver, en simulaciones con los mismos computadores, como procesos matemáticos se “autorregulan” o “aprenden”; desechando comportamientos que no se adaptan al “ambiente” y mantienen aquellos que le parecen funcionales. Y esto, sin ninguna intervención humana. Fractal Mandelbrot

Hoy en día, se puede decir, que los procesos de evolución dentro de un computador dejan descendencia y una cada vez más poderosa que la anterior.

En conclusión, podríamos suponer que si la naturaleza responde a una suerte de pequeñas reglas matemáticas que están regidas por la entropía y el caos, como lo describió Turing; y le sumamos los factores que descubrió Mandelbrot con las reglas de la retroalimentación y la autorréplica; y si además le sumamos el tiempo y la evolución, podríamos aseverar que el universo puede ser computado y simulado en su totalidad. Desde el más esquivo y diminuto electrón en el interior de los átomos, hasta el comportamiento de las inconmensurables galaxias. Desde los simples procesos de la replicación unicelular hasta la disposición de todas las conexiones neuronales en el cerebro humano. Al parecer, tenemos la capacidad de generar en el interior de un supercomputador el misterioso Big Bang, y simplemente dejar que se dé sin intervención alguna, la evolución del Universo: la creación de los primeros elementos simulados, la creación de las primeras estrellas simuladas, con sus galaxias simuladas y sus planetas simulados. Para ver cómo, después de cientos de miles de trillones de procesos matemáticos (evolución), se generarían patrones complejísimos como la vida simulada en todas sus versiones. Y finalmente, la conciencia, una conciencia simulada. Donde esa materia simulada se cuestionaría a sí misma. Como lo hacemos nosotros. Lo que nos lleva a la ineludible pregunta filosófica: si podemos generar la infinita complejidad del universo dentro de un computador, ¿somos nosotros también una simulación?

Fabricia. Dirigido por Cecilia Traslaviña. Recortes y dibujo.

La animación contemporánea:

DIÁLOGO Y TENSIONES ENTRE LO DIGITAL Y LO ANÁLOGO 100

La animación digital se ha naturalizado y hay algún grado de familiaridad con los programas y con la estética que le es propia. Sin embargo, esto no ha impedido que se sigan realizando animaciones de manera análoga o por lo menos en una buena parte del proceso. CECILIA TRASLAVIÑA Animadora y profesora de la Facultad de Artes de la Universidad Javeriana.

uando hablamos de animación análoga, usualmente nos referimos a la animación realizada con materiales físicos: papel, acetato, lápices, pinturas, colores, etc., a las técnicas como dibujo, recortes, stop motion, pixilación y cuyos procesos de captura, posterior edición y post producción también se hacen en físico, es decir, utilizando soportes como la película fotosensible o la cinta de video.

Fotograma de Algo rojo, peludo y desenfocado. Dirigido por: Laura Delgado, filmada en 16 mm

Lo digital, en cambio, lo relacionamos con los nuevos medios y con las imágenes creadas a través del computador, aunque tienen distintas connotaciones. De acuerdo con Maureen Furniss, “el término digital se refiere al método de capturar y codificar la animación, mientras que las técnicas de captura análogas crean la información, esto quiere decir, de alguna manera, análogo a lo original, utilizando una infinidad de patrones. Un registro digital opera en un sistema binario asignando ceros y unos de manera que resulta de una fórmula matemática”1. Se dice que lo análogo tiende a perder calidad en la medida que se reproduce, mientras que lo digital, no. Sin embargo, podemos dudarlo, pues los datos también pueden sufrir cambios que alteran su calidad, especialmente con los reproductores y programas que cambian permanentemente dejando de reconocer versiones anteriores. Pero este es ya otro asunto. Lo cierto es que lo digital afectó todas las etapas de creación, desarrollo y producción de la animación, de tal manera que lo que parecía imposible para cualquier persona interesada en este campo 1

Furniss, Maureen. The Animation Bible. Abrahams Ed, New York, 2008 (traducción de la autora).

se logró. Se podía prescindir de la cámara de cine y luego de los complejos y costosos procesos de revelado y postproducción. De repente, pudimos tener un computador y una cámara digital para realizar todas la etapas de producción: captura o creación de imágenes con programas, edición, sonorización, efectos especiales, incluso, hasta componer la música para nuestro corto. Esto hizo que la animación se revitalizara y se conociera en muchos lugares que antes no. De esta manera, crecieron las audiencias y los creadores. Con la sofisticación de las tecnologías y a medida que lo digital ganó camino, el uso de lo análogo se fue borrando, especialmente en los grandes estudios. Hay que destacar que esto tuvo implicaciones afortunadas para casi todos los países, entre ellos los latinoamericanos pues no se tenía acceso a los modos de producción que exigía la animación antes de la era digital, lo que dio paso al crecimiento de piezas animadas. Se gestaron producciones de diversas calidades técnicas y narrativas. Así mismo, los modos de circulación se ampliaron de tal forma que hoy somos testigos de la inmensa gama de producciones animadas en todo el mundo. Para esto solo hace falta asomarse a la red y chequear sitios como Youtube o Vimeo. En un inicio, la animación digital se caracterizaba por su rigidez y poca expresividad, resultaba fría para aquellas audiencias que estaban familiarizadas con la rica paleta de técnicas análogas, e incluso, para los mismos animadores. Sin embargo, a medida que se fue desarrollando la tecnología con programas que permitían, procesar y editar imágenes digitales se empezaron a emular todo tipo de materiales propios de las artes plásticas: carboncillo, pastel, óleo, etc. y de soportes como papeles texturados, transparencias, capas, cada vez más “realistas”, más cercanas a lo análogo. Por otra parte, se desarrollaron programas que permitieron hacer otros procesos relacionados a la animación análoga como las pruebas de línea, colorización, entintado, creación de dibujos claves e intermedios. De igual forma la animación en 3D se concentró en simular materiales, texturas y movimiento de manera sorprendente. Lo cierto es que la animación digital tiene una larga trayectoria y de esta tradición surgieron propuestas novedosas como las del animador nor-

101

teamericano Chris Landerth o el irlandés David OReilly en las que no se pretende emular nada, ni “esconder” lo digital sino por el contrario, darle libertad para dejar que “hable” y transmita desde su naturaleza, emociones que abren nuevas posibilidades sensoriales. En nuestro contexto, hay que destacar la obra del joven animador Camilo Colmenares en donde se destaca la combinación de los procesos digital y análogo, utilizando el grabado láser digital sobre película de 35 mm para crear un juego de figuras geométricas inspiradas en diseños precolombinos.

Quimtai. Dirigido por Camilo Colmenares.

Podemos decir que la animación digital se ha naturalizado y hay algún grado de familiaridad con los programas y con la estética que le es propia. Sin embargo, esto no ha impedido que se sigan realizando animaciones de manera análoga o por lo menos en una buena parte del proceso. Hoy en día vemos un resurgimiento del oficio del animador y del uso de las técnicas análogas. En este tipo de animación, el error y el “mugre” son permitidos, se adaptan al resultado. Se establece una relación estrecha con los materiales y los proceEnhebrado. Dirigido por Sandra Obando y Tatiana Pinzón.

102

sos manuales que dejan la huella de su creador, mientras que en lo digital no se puede crear una experiencia afectiva con los objetos a través del acto de tocar y sentir lo que nos pueden evocar. Es esto lo que en realidad distancia estas dos formas de creación. La animación análoga trabaja con materiales y objetos que tienen una carga emocional y un ejemplo de esto es el trabajo del animador checo Jan Svankmajer. Sus películas se caracterizan por la presencia de objetos que cobran vida y despiertan toda clase de emociones. “Los objetos que poseen una carga ‘emocional’ son capaces, en determinadas condiciones, de revelar esos contenidos, por lo que tocarlos proporciona asociaciones y analogías a nuestros propios deseos inconscientes”2. Así como Svankmajer puede “escuchar” a los objetos, muchos otros animadores seguidos por sus impactantes películas encontraron en este tipo de animación un camino como los chilenos Cristóbal León y Joaquín Cociña o las animadoras mexicanas Sofía Carrillo y Karla Castañeda. Desde mi experiencia como profesora y animadora, encuentro que es el diálogo y la confrontación entre estas dos formas de hacer lo que conlleva a una diversificación y expansión de las posibilidades creativas, especialmente cuando se produce desde el campo de las artes, pues se abren caminos y se potencia las posibilidades expresivas, propias de cada material, sea este análogo o digital. No se trata entonces de ver lo análogo y lo digi2

Švankmajer, Jan .Para ver, cierra los ojos. Edición de Eugenio Castro y Julián Lacalle. Pepitas de Calabaza (Logroño, 2012)

Vivid Sydney

tal como una lucha de contrarios, pues cada uno tiene sus atributos y pertenecen al desarrollo tecnológico de cada época. Lo que es central aquí, es reconocer la potencia de las herramientas y de los medios a través de los cuales el artista-animador puede expresar mejor sus ideas. Lo interesante de todo esto es que los creadores tienen un vasto universo de herramientas y materiales a su disposición, pero en realidad lo que hace y justifica el desarrollo de las técnicas y tecnologías es lo que hay detrás de ellas, es decir, las obras que

estremecen, divierten y que detonan en quien las ve toda clase de emociones e interpretaciones. Hoy en día somos testigos de la convivencia de todas las formas posibles de creación, el olvidado zootropo circula de la mano de una proyección sobre edificios conocida como mapping, linternas mágicas, praxinoscopios y toda suerte de mecanismos precinematográficos han sido redescubiertos y reinterpretados, pues aún nos despiertan lo que yace en el interior de nuestra sensibilidad cuando despliegan sus imágenes.

103

Mariposa nocturna Imรกgenes archivo Animaedro Estudio

Stop motion,

LA DIMENSIร N DE LA TRIDIMENSIONALIDAD 104

La magia del stop motion estรก en descubrir que los objetos estรกticos ahora tienen movimiento y de cierta manera pulso vital, otorgados a partir del movimiento cuadro a cuadro. YACK REYES Productor, animador y socio fundador en Animaedro Estudio de Animaciรณn.

Camusi Camusi

i primer contacto con la animación es como espectador. Desde mi niñez he pasado largas jornadas inmerso en contenidos de diferentes géneros, procedencias y pantallas; un sinnúmero de universos diegéticos, documentales o híbridos que me transportaban como en una máquina espacio-temporal a esos relatos representados con líneas, colores, texturas, sonidos y formas. Mi pasión por el audiovisual se enfocaba en la búsqueda de ser director o hacer parte del equipo de fotografía, pero por el camino las cosas fueron cambiando durante la academia mientras más descubría sobre la realización. Todo esto sumado a una pequeña frustración por dejar de lado el paso por el arte dramático, el cual había explorado en la etapa escolar. En la escuela de cine, durante mi formación, la animación se convierte en una herramienta, una

posibilidad para narrar historias. Las pocas materias presentes en el pénsum de aquella época en la Universidad Nacional de Colombia muestran la superficie de las diferentes técnicas. Pero no es hasta que comienzo a trabajar en proyectos de grado mientras aún era estudiante en los primeros semestres, proyectos de cortometrajes en animación y específicamente en stop motion, donde descubro un mundo de posibilidades. A partir de este hecho hago un recorrido por oficios desde la asistencia de arte o de animación hasta ser director y productor de animación. En todo este proceso de sumersión en el stop motion comienzo a descubrir elementos particulares: El movimiento detenido es la traducción literal de stop motion, técnica de animación en la que a partir de secuencias de fotografías a

105

Detrás de cámaras del cortometraje de animación Carga

elementos generalmente inertes, con ligeros cambios de posición y de manera continua se da la sensación de movimiento, dándoles vida a estos objetos, poniéndoles ánima. Un estudio de animación se asemeja a un cuarto del tiempo, se pierde la percepción de él. Cuando se sale al exterior han transcurrido horas mientras en el interior y en la línea de tiempo solo unos pocos segundos. Una paradoja es darle vida a los objetos inertes, la magia está en descubrir que esos objetos estáticos ahora tienen movimiento y de cierta manera pulso vital, otorgados a partir del movimiento cuadro a cuadro.

106

Mientras se le da los movimientos a los personajes u objetos es curioso ver cómo el animador se convierte en actor y requiere de una catarsis. Generalmente se repite la acción una y otra vez durante la animación y en ocasiones es necesario verse en un espejo interpretando una y otra vez la acción, fragmentándola en acciones cada vez más pequeñas separando mentalmente el movimiento de una parte del cuerpo con respecto al otro y así lograr la verosimilitud requerida para el proyecto. Tiempos de producción de los contenidos excesivamente extensos: la producción de

un cortometraje de animación tarda varias veces más que la producción de uno en imagen real. El tiempo promedio de producción de un cortometraje de animación supera los dos años. Por supuesto esto depende de las técnicas, la consecución de la financiación, retos y estrategias en la realización. Ya para el momento de los últimos semestres y del trabajo de grado -no del todo mío- tenía algo de músculo productivo gracias al paso por varios de los oficios. Realizamos el cortometraje Mariposa nocturna y fue el primero que produje. En este también cumplí otros roles como animador y postproductor, entre otros, y realmente sentí el peso de la creación de un producto audiovisual en todas sus etapas y roles. Para mí la animación se expandió a una dimensión no explorada, audiovisual hecho por el camino experimental, mucho más cercana a las artes plásticas, con elementos como la ausencia de una narrativa tradicional o diálogos, parientes del videoarte, además de no estar enfocada al público infantil. En ese punto, elementos como la fotografía, arte dramático, postproducción, oficios que había explorado durante el proceso de formación y deformación en el arte cinematográfico ayudan a que se puedan imaginar historias, universos y proyectos que en ocasiones la imagen real no permite ni soñarlos por la complejidad reflejada en los presupuestos,

Detrás de cámaras Mariposa nocturna

pero que sí son realizables a través de diferentes técnicas de animación. Allí podemos permitirnos soñar y crear entornos para personajes con características particulares y verosímiles. Atrás quedó esa pequeña frustración con el arte dramático, ahora siento que interpreto personajes, emociones y sensaciones por medio de los elementos a los que les doy alma; marionetas inertes que dan la ilusión de tener vida a

Detrás de cámaras animación para la promoción de la convocatoria de televisión infantil

través de cientos y a veces miles de fotografías que con ese movimiento detenido en continuo cambio narran historias de diferentes tipos. La animación es una dimensión que te acoge de manera maravillosa y te permite explorar diferentes caminos narrativos y técnicos. Busquen el mejor lugar, la mejor silla y disfrútenla desde el lugar más adecuado. Espectador, realizador, oyente, dibujante, guionista… sumérjanse y déjense llevar.

107

2001

ÓSCAR A MEJOR LARGOMETRAJE

ANIMADO

Shrek

108

Directores: Andrew Adamson y Vicky Jenson Productora: DreamWorks

2002 El viaje de Chihiro

Director: Hayao Miyazaki Productora: Studio Ghibli

Buscando a Nemo

Directores: Andrew Stanton y Lee Unkrich Productora: Pixar Animation Studios

Los Increíbles

Director: Brad Bird Productora: Pixar Animation Studios Walt Disney Pictures

2003

2004

2005 Wallace y Gromit: la batalla de los vegetales

Directores: Nick Park y Steve Box Productora: DreamWorks Aardman Animation

Happy Feet

Director: George Miller Productora: Warner Bros. Pictures Animal Logic Film

Ratatouille

Director: Brad Bird Productora: Pixar Animation Studios Walt Disney Pictures

2006

2007

2008 WALL-E 2009 Up: Una aventura de altura

Director: Andrew Stanton Productora: Walt Disney Pictures Pixar Animation Studios Directores: Pete Docter y Bob Peterson Productora: Walt Disney Pictures Pixar Animation Studios

2010 Toy Story 3 2011

Director: Lee Unkrich Productora: Pixar Animation Studios

Rango

Director: Gore Verbinski Productora: Nickelodeon Movies Paramount Pictures

Brave

Directores: Mark Andrews, Brenda Chapman y Steve Purcell Productora: Walt Disney Pictures Pixar Animation Studios

Frozen

Directores: Chris Buck y Jennifer Lee Productora: Walt Disney Animation Studios

Directores: Don Hall, Chris Williams y Roy Conli Productora: Walt Disney Animation Studios

2012

2013

2014

109

Avril et le monde truqué (2015)

Cuando el viento sopla (1987)

CRISTAL AL MEJOR LARGOME

110

2015

Avril et le monde truqué

2014

El niño y el mundo

2013

Rio 2096: Una historia de amor y furia

Luiz Bolognesi

2012

Crulic, camino al más allá

Anca Damian

2011

El gato del rabino

Antoine Delesvaux, Joann Sfar

2010

Fantástico Sr. Fox

Wes Anderson

2009

Los mundos de Coraline

Henry Selick

2009

Mary and Max

Adam Elliot

2008

Sita Sings the Blues

Nina Paley

2007

Free Jimmy

Christopher Nielsen

2006

Renacimiento (Renaissance)

Christian Volckman

2005

El distrito (Nyócker!)

2004

Oseam

Christian Desmares, Franck Ekinci Alê Abreu

Áron Gauder Seong Baek-yeob

My Life as McDull (2003)

Porco Rosso (1993)

TRAJE EN PREMIOS ANNECY 2003

My Life as McDull

Toe Yuen

2002

My Beautiful Girl, Mari

Lee Seong-kang (AKA Lee Sung-gang)

2001

Alienígenas mutantes (Mutant Aliens)

Bill Plympton

1999

Kirikú y la bruja

Michel Ocelot

1998

¡Me casé con un extraño!

Bill Plympton

1997

James y el melocotón gigante

Henry Selick

1995

Pompoko (Pom Poko)

Isao Takahata

1993

Porco Rosso

Hayao Miyazaki

1991

Robinson & Co

Jacques Colombat

1989

Alice (Neco z Alenky)

Jan Svankmajer 111

1987

Cuando el viento sopla

Jimmy T. Murakami

1985

Heroic Times

József Gémes

112

113

114