Miércoles 21 de noviembre de 2012
| Nº 5
Bertrand y el atípico gusto francés en cine de autor
c’est bonello
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competencia internacional
competencia argentina
competencia latinoamericana
De martes a martes
Domestic
El ojo del tiburón
La sirga
Gustavo Triviño, Argentina, 97’
Adrian Sitaru, Rumania, 85’
Alejo Hoijman, Argentina / España, 91’
Juan es un tipo grandote, musculoso, de esos que se ejercitan diariamente y, de tanto en tanto, trabajan como patovicas en la puerta de algún boliche para ganar unos pesos. Sin embargo, detrás de esa fachada atemorizante, resiste diariamente todo tipo de maltratos en su trabajo de día –por parte de su jefe y de sus compañeros– y menormente en su casa, por parte de su mujer. Hasta que una noche es testigo de una violación; experiencia que despierta su fuego interno mediante una investigación personal para vengar a la víctima y, de paso, tratar de conseguir lo necesario para cumplir el sueño que lo sacará de su rutinaria opresión. Con una puesta en escena cuidada y un elenco mínimo, De martes a martes construye una narración sensible en su denuncia pero sin dejar de lado el suspenso cinematográfico.
Inspirado en la influencia mutua entre las personas y los animales con los que conviven, el director de Hooked sigue tres historias que se tocan pero no se relacionan. Los mundos se bifurcan, o trifurcan: el de las bestias, el de los adultos, el de los niños. Y las actuaciones son brillantes, en los tres casos. Cada escena empieza con la imagen de los animales amados, o comidos, o ambas cosas: ¿cómo se le explica a un niño que el conejito vivo que acaban de llevar a su casa será cocinado luego? Esta tragicomedia un tanto ácida esboza familias típicas y disfuncionales, problemas existenciales, sueños recurrentes y charlas sobre la historia, la vida y la muerte. Por momentos los roles se confunden, como cuando un padre parece convencerse de lo que su hijo dice, y éste, acto seguido, lo supera y lo deja pasmado.
Si alguien comenzara a ver El ojo del tiburón sin ningún tipo de información previa –sin reseña, comentarios o, todavía más importante, sin saber el nombre de su director–, pasaría buena parte de la película pensando que está ante una ficción; extraña, pero ficción al fin. Y, en realidad, no estaría del todo equivocado. Es que, una vez más, Alejo Hoijman acomete la tarea documental con una audacia y oficio destacables. Ahora en Centroamérica, su cámara se mueve entre lanchas y vegetación abundante para seguir a dos adolescentes. La vida de ese par de jóvenes que, en una comunidad de pescadores, pasan sus días entre la playa, el agua y la jungla, son el núcleo fascinante e hipnótico alrededor del que el director de la premiada Unidad 25 arma una película que se escapa a cualquier encasillamiento de género.
William Vega, Colombia / México / Francia, 90’
HOY, 9:00, AMB 1 y 22:00, AMB 1; JU 22, 14:30, AMB 1
HOY 12:00, AMB 1 y 19:00, AMB 1; JU 22, 13:00, CIN 2
HOY, 10:00, CIN 1 y 20:00, CIN 1; JU 22, 17:30, CIN 1; DO 25, 21:00, CIN 1
Fango José Celestino Campusano, Argentina, 101’
Como gran parte de la mejor ficción latinoamericana actual, la ópera prima del colombiano William Vega, se aproxima a un paisaje geográfico descomunal –en el cual, según el realizador, se entremezcla lo mítico y lo ancestral– con una fuerza visual sorprendente y compleja. La historia sigue a Alicia, una mujer desterrada a causa de la guerra, en su arribo a La sirga, un pequeño hotel ubicado a orillas de la laguna La Cocha. Allí vive Óscar, un familiar algo distante (en todo sentido), que le da trabajo poniendo a punto las instalaciones del lugar. Reubicada, Alicia buscará rehacer su vida y superar un pasado marcado por la violencia y la destrucción, en medio de un lugar que parece no tener ninguna relación con el presente colombiano.
Por ese conurbano áspero y brutal que Campusano filma –muy literalmente– como nadie, andan el Brujo y el Indio, dos rockeros heavy, buscando músicos (bandoneón, violín y batería) para su proyecto de “tango thrash”. Con Fango, tal el nombre de la banda, sueñan despiertos llevar al límite y más allá el sonido del dos por cuatro. Pero una historia de celos y traiciones que involucra a la mujer del Brujo irá intoxicándolo todo hasta que ya no haya vuelta atrás. Compadritos (y comadritas) que arreglan sus problemas a puñaladas o disparos de armas caseras; sexo explícito en diversas variantes; perros abandonados y caballos muertos en medio de la calle; cadáveres enterrados junto a botellas de cerveza, revólveres y bolsas de cocaína: fragmentos palpitantes que Fango extrae, sin anestesia, del lado más turbio y salvaje de la vida en los márgenes.
HOY, 12:45, CIN 1 y 22:15, AMB 1; VI 23, 15:15, CIN 1
HOY, 10:00, COL y 22:00, COL; VI 23, 15:30, COL
¡Voto del público!
PONÉ PLAY
Los críticos de Inrocks escriben sobre las películas (¡ahora en competencia!) de BSO
Apocalypse: A Bill Callahan Tour Film, de Hanly Banks por Javier Diz El año pasado lo hicimos con Mark Kozelek. Esta vez, la experiencia se
repite con el ex Smog. Como en aquella película, acá no hay intención de “explicar” el universo de Callahan ni de construir un personaje. ¿Cómo hacer, entonces, para atravesar el campo de fuerza de uno de los compositores más herméticos de las últimas décadas? Facilísimo: dejarlo ser –sin molestar, claro–. Más film contemplativo que típico documental sobre banda de rock, Apocalypse es –como el disco que le da nombre– el registro de aquello que pasa cuando el aparato industrial del rock (siempre tan distraído) no está mirando. HOY, 17:00, PAS 2; SA 24, 0:30, PAS 2
Asspera: el ritual del pueblo,
El Impenetrable: 8.27
de Martín Fox Douglas y Marcos Zapata por Juan Manuel Domínguez Che, pulpitos, un newsflash: ¡esto es hardcore! ¡Aaaaaaasspera! La justamente autoproclamada “primera banda argentina de heavy bizarro” pasea su muscular pero mutante andar en un film-recital (con cachos incrustados de documental) que parece un viaje de egresados de los Hells Angels. Metal que se funde a sí mismo para darse nuevas formas: la
Acá están, estos son los primeros resultados parciales del voto de los espectadores del Festival a las películas de la Competencia Internacional. La escala de puntuación se expresa del 1 al 10.
Sightseers: 8.17 de una pijota-micrófono (que lanza, ejem, telgopor a un estadio lleno), la de una lírica cuasi animal pero poética en lo soez (y divertidísima), la de un grupo de superamigos que no desentonarían –ni disfrazados para el show ni, de civil, molestándose en un micro de larga distancia– en la discoteca de John Waters. HOY, 22:00, PAS 2; JU 22, 0:30, PAS 2
Night of Silence: 8.16 El muerto y ser feliz: 7.38 O som ao redor: 7.21 Memories Look at Me: 5.06
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Super encuesta:
Ernesto Baca, Paulo Pécora, Emiliano Cativa Tres preguntas tres sobre el formato más enormemente pequeño de la historia cinematográfica. Pensando en las posibilidades, ventajas y hasta limitaciones con las que te hayas encontrado a la hora de hacer una película, ¿cómo definirías al Super 8? EB: Algunos están convencidos de su muerte, otros viven su resurrección. PP: El Super 8 para mí es un formato íntimo y artesanal, que elijo como espacio de continuo aprendizaje y amateurismo. Es versátil, ágil y me permite moverme y filmar rápidamente, de manera individual o acompañado de muy pocas personas. Es un formato ideal para los amantes de la imagen fotoquímica, para ex-
perimentar con distintas técnicas de montaje en cámara y otras de manipulación e intervención del celuloide, tanto en el momento de la filmación, como en el revelado, el montaje y la proyección. EC: Ventajas: todas, infinitas. Limitaciones: mientras haya laboratorios y material, no muchas. ¿Cuál (o cuáles) te parece la mejor película que se haya hecho en este país para ilustrar esa definición y por qué? EB: Ventana (1975), de Claudio Caldini. Dos
“sin título” de Pablo Marín y Sergio Subero. Habitar su permanencia. PP: Más allá de obras y autores particulares, creo que afortunadamente existe en el país una corriente de realizadores signada por la experimentación, la investigación y, especialmente, por una conciencia de las posibilidades expresivas de los dispositivos analógicos y mecánicos del cine, entendiéndolo como un espacio expandido donde música, poesía y pintura son partes esenciales. Así, los códigos de la narración convencional desaparecen y le abren camino al cine mismo, al celuloide y a su esencia fotográfica.
EC: 8cho (2007), de Paulo Pécora, Samoa (2005), de Ernesto Baca, y Legítima defensa (1980), de Marie-Louise Alemann. ¿Qué le dirías acerca de tus películas a alguien que las va a ver por primera vez en el Festival? EB: Que siempre es la última película. PP: Áspero es el primer corto que filmé en Super 8 y Champaquí uno de los últimos. Entre ambos hay más de diez años de distancia, pero tienen muchos puntos en común. Los dos expresan mi gusto por el cine mudo y un estilo de narración onírica, que evidencie el
dispositivo cinematográfico, aunque sin llegar a la abstracción ni a la experimentación matérica. Como muchos de mis cortos, estos proponen viajes. Áspero es un viaje mental, una pesadilla que ocurre en el espacio mínimo de una bañadera. Champaquí es el viaje desesperado de una mujer perdida en un cerro, atrapada sin salida en un laberinto de piedras, cascadas y frondosidad. EC: Enjoy it!
Super 8 Programa 1 HOY, 17:00, AMB 2
TALLER: CÓMO SER UNA CASA PRODUCTORA SUSTENTABLE GENERANDO OTRO TIPO DE CONTENIDOS EN ESTA NUEVA INDUSTRIA AUDiOVISUAL El objetivo del taller brindado por CAPPA (Cámara Argentina de Productoras Pymes Audiovisuales, www.cappaaudiovisual.com.ar) es pensar juntos cómo contener las dificultades y desafíos de todas las productoras y productores que transitan nuestra misma experiencia,
y que se sienten al principio disminuidos por los retos exigentes del mercado. Con la presencia de los directores de las casas productoras integrantes de la Camara Argentina de Productoras Pymes Audiovisuales, y de los directores y productores federales, el taller se
propone compartir experiencias e intercambiar opiniones acerca de cómo otro tipo de contenidos pueden ser sustentables y reconocidos a nivel nacional e internacional, demostrando que la calidad puede ir de la mano del entretenimiento y de la sustentabilidad económica.
“MAESTROS DEL CINE”: CONVERSACIONES SOBRE CINE Ayer martes, en la Sala Nachman del Teatro Auditorium, Enrique Cortés (guionista de Tatuado, El ratón Perez y Selkirk, el verdadero Robinson Crusoe) le realizó una entrevista pública a Juan Vera (productor de Dos más dos, Elefante blanco, El hijo de la novia, Luna de Avellaneda, Igualita a mí, entre otras). La charla especial, abierta a todo público, formó parte del ciclo
“Maestros del Cine” que, en el marco del Festival, programaron de manera conjunta la ENERC (Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica del INCAA) y el Programa País, y tuvo como finalidad acercar al público –estudiantes, becarios, alumnos de instituciones de enseñanza de cine y artes audiovisuales– las experiencias y conocimientos que estos dos
egresados del ENERC adquirieron a lo largo de su trayectoria profesional. La vasta lista de títulos en los que han estado involucrados, la calidez y la humildad de estos dos grandes del cine hicieron de la charla un momento de profundo goce y enriquecimiento para todos los presentes.
TALLER DE CREACIÓN. FESTIVALES NACIONALES El INCAA, a través de la Gerencia de Acción Federal y en el marco del Programa País 2012, invitó a los organizadores de muestras y festivales de cine del país a participar del taller de Creación dictado por Paola Pelzmajer, coordinadora del Programa Federal de Apoyo a Muestras y Festivales de Cine. En el encuentro de capacitación, que tuvo lugar los días 18, 19 y 20, los representantes de festivales y muestras armaron grupos de trabajo de entre siete y ocho personas con el objetivo de realizar el
diseño de un festival de cine imaginario. Al taller asistieron 68 representantes de casi todas las provincias argentinas, quienes, en el transcurso de los tres días, tuvieron la posibilidad de escuchar experiencias de quienes actualmente trabajan en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, entre ellos Ana Rowe y Luciana Schnir (coordinadoras de Tránsito de Copias), Matías Iaccarino (coordinador de Programación), Carolina Fernández (coordinadora de Invitados), e Ignacio Cattoggio (jefe del
Departamento de Comunicación del INCAA y responsable de la comunicación del Festival). Otra de las visitas fue la de Verónica Sánchez Gelos, gerenta de Fiscalización, quien dio una capacitación junto a su equipo, en temas de fiscalización en relación al marco y a la normativa en el que los festivales están encuadrados. Para el cierre, los participantes recibieron a la vicepresidenta del INCAA, Lucrecia Cardoso.
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¡MIÉRCOLES HIPERACTIVO Y ESPECIAL!
La historia detrás de Cuando cae la oscuridad
Hoy habrá muchísimas y variadas Actividades Especiales. Para arrancar, a las 11 h en la Sala Nachman del Teatro Auditorium, Lorena Cancela presenta su libro Estado transitorio. Cinefilia en el siglo XXI. Antes de la charla con la autora, además, se proyectará el corto Artaud Double Bill, de Atom Egoyan. A la misma hora pero en el CC Radio City / Roxy / Melany, se presentan los Videominutos por Mariano Ferreyra, con un prometedor debate posterior entre algunos de los realizadores, entre ellos Mariano Llinás y Enrique Piñeyro. Luego, a las 14:30 h será el turno de salir a la cancha para Juan José Campanella y su equipo, que presentarán un work in progress de su esperado largo de animación Metegol. Hoy también es el “Día Fernando Birri” del Festival, y antes de las proyecciones de Fernando Birri, el utópico andante, Paisajes devorados y El Fausto criollo, el patriarca del cine latinoamericano será homenajeado con
Periodista experto en cine de género y director de Diablo –ganadora del premio a la mejor película de la Competencia Argentina el año pasado–, Nicanor Loreti escribió Carretera al infierno: la historia detrás de Near Dark, un estudio definitivo publicado por el Festival que acompaña la proyección del film de Kathryn Bigelow, conocida en estas tierras como Cuando cae la oscuridad, hoy a las 22 h. A continuación, transcribimos la introducción del libro, que se presenta también hoy, a las 16:30 h.
Recuerdo la primera vez que vi Near Dark. Fue en 1990 por HBO Olé, el canal latino de la señal yanqui, cuando aún era gratis. Y fue doblada al castellano, obviamente. En aquella época aún no había visto Aliens: El regreso de James Cameron, con la que tiene varios miembros del reparto –y hasta el director de fotografía– en común, y realmente me rompió la cabeza. Era oscura, original, violenta, erótica, tenía una fotografía espectacular y literalmente no se parecía a nada que hubiera visto antes. Es verdad que mi cerebro era (bah, es, tampoco da que me haga el maduro por tener más de treinta) adicto a cualquier tipo de obra que incluyera sangre y tiros (y tetas, sí), pero estaba claro que esto era diferente. Poco tiempo después vi Cohen y Tate, escrita y dirigida por Eric Red (guionista de Near Dark) y me hice fanático. De la película, de Red, de Kathryn Bigelow, de todos. Grabé Near Dark en VHS y la vi una y mil veces. Me encantaba esa visión del vampirismo, la mezcla de géneros y la idea de que fuera una road movie. Creo que Red escribe películas de carretera como nadie. Tanto Cohen y Tate como Hitcher: el viajero son obras únicas. Bigelow probó con el tiempo que tenía un ojo para la acción que la ponía a la altura de cualquier director de género. Testigo fatal, Punto límite
y Días extraños tienen secuencias de acción y planos secuencia espectaculares. Pero hoy en día sigo pensando que Near Dark es su mejor película. Es uno de esos clásicos que tiene más de tres o cuatro escenas antológicas: la de la masacre en el bar, el tiroteo con la policía, la primera escena de amor entre Caleb y Mae, la charla en la camioneta cuando Caleb recién es transformado… Y hay más. Near Dark me pegó tanto que debe ser la razón por la cual vi muchísimos films protagonizados por Lance Henriksen –y hasta coescribí uno, bastante bizarro y trash, por decir poco– y Bill Paxton. Muchas de esas pelis fueron descriptas por Henriksen en una de las (¡tres!) entrevistas que le hice como “esas que hago para pagar el alquiler”, y debo decir que el tipo siempre da todo de sí. Hasta en la cosa más básica y clase Z, siempre sale airoso. Me voy de tema porque podría hablar de esta película y de todos los involucrados durante horas. Pero para eso está este libro, que es una especie de documental hecho páginas… Aquí encontrarán de todo: diálogos textuales de los involucrados principales, la historia del rodaje, filmografías comentadas y seleccionadas de actores y del guionista, extractos del guion (incluyendo el final original, que tiene una sorpresa diferente al del film) y más.
Cuando Pablo Conde me contó que Fernando Martín Peña y Fabio Manes habían encontrado una copia de Near Dark en 35mm, le dije “tengo cinco entrevistas inéditas hechas sobre esa película”. Y la razón fue que mi fanatismo llegó hasta ese punto: entrevistar implicados en el film para ver si algún día se podía publicar algo al respecto. Esas cosas que hacés sólo cuando algo te gusta tanto. Ah, y Jenny Wright es una diosa espectacular. Una actriz increíble y hermosa, y en esta película da una de esas actuaciones que se te quedan pegadas a la retina. Si quieren verla en gomas, alquilen El hombre del jardín –¿la razón de esta recomendación que parece sin sentido?... en el film–. Pero si quieren verla en una buena película, vean Near Dark… Una de las mejores obras de vampiros y acción de la historia del cine. Es simple. Y no es sólo un amor adolescente. Todavía la veo, y todavía creo que se la banca con el paso del tiempo. Como sólo se la bancan las grandes películas. Presentación del libro Carretera al infierno: la historia detrás de Near Dark, de Nicanor Loreti HOY, 16.30, Punto Cine - Teatro Auditorium Cuando cae la oscuridad HOY, 22:00, AUD
una mesa redonda de la que participarán Eliseo Subiela, Humberto Ríos y el presidente del Festival, José Martínez Suárez. La cita es a las 14:30 h, en el Teatro Colón. Volviendo a los libros y a la Sala Nachman, a las 16 h el crítico Matías Orta presentará su riguroso Encerrados toda la noche: el cine de John Carpenter. Media hora después, pero en el Punto Cine del Auditorium, Nicanor Loreti hará lo propio con Carretera al infierno: la historia detrás de Near Dark, del cual pueden leer un adelanto aquí al lado. Para empezar a cerrar la jornada hiperactiva, qué mejor que charlar con el maestro Bertrand Bonello, nuestro chico de tapa, a las 17 h en el CC Radio City / Roxy / Melany. Después, si el cuerpo aguanta, están todos (los acreditados) invitados a Mundo Dios, en el Puerto, para el fiestón “Flvctvat Nec Mergitvr”, musicalizado por el dj Santiago Martínez. ¡Después no digan que no les avisamos!
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B.B. REY Bertrand Bonello está en el Festival por partida doble, como jurado de la Competencia Internacional y presentando una retrospectiva que incluye sus cinco largometrajes y dos de sus cortos: la obra de un cineasta (y músico) tan singular como inquieto, que casi nunca se repite y aun así tiene un fuerte sello autoral. Tras mucho correr al ritmo de sus múltiples ocupaciones, pudimos hablar un poco con él antes de su charla –que será magistral, claro– de esta tarde. ¿Qué lugar te parece que ocupás en el cine francés actual? La verdad es que me siento un solitario. Pero
en realidad no me importa: el cine francés es muy rico, se hacen muchas, muchísimas películas. Somos muy afortunados en cuanto a la financiación, en comparación con muchos otros países. Sin embargo, cuando intento encontrarme en ese gran panorama general termino por ver mi propio lugar así, como el de un solitario. En cuanto a tu tarea como jurado del Festival, ¿qué te parece la selección de films que integran la Competencia Internacional? Ya he visto unos siete u ocho y, por supuesto, me gustan mucho algunos y otros no tanto. Pero lo que realmente disfruto es mirar películas de directores de quienes nunca había escuchado o visto nada; es muy refrescante.
¿Qué te parece el Festival en general? Me pone muy contento ver salas llenas, me doy cuenta de que la gente todavía tiene esa curiosidad por ir al cine y ver películas de alguien que no conocen. Es una muy buena noticia para nosotros los directores. Algunos films son muy complicados de hacer y mostrar, y sin este tipo de festivales y la gente que trabaja por ellos, habría muchísimo público que jamás podría acercarse a estos títulos. ¿Estás familiarizado con el cine argentino? En Francia somos muy afortunados al poder ver cine de muchos países, y de Argentina hemos visto mucho a Lucrecia Martel o a Pablo Trapero. Hará diez o quince años comenzaron a llegar sus películas, y fue muy renovador
Música en el Punto Cine 19 a 3 h • Dj set / Fede García
20:30 h • “Prensa Fest” con Dj Martha
22 h • La Vuelta al Mundo en Elefante (rock)
El veneno del cine: Vida en sombras Filmada en 1948, estrenada tímidamente en 1953 y redescubierta varias décadas más tarde, el único largometraje del catalán Llorenç LlobetGràcia, una intensa reflexión sobre la cinefilia, se proyecta por única vez –atención al cambio de día– el sábado a las 10:15 h. Nuestro corresponsal de lujo, Jaime Pena escribió este gran texto acerca de Vida en sombras, una película que se adelantó peligrosamente a su época. Hay dos cosas que sin duda sorprenderán al espectador actual de Vida en sombras. En primer lugar, su extraordinaria modernidad; en segundo lugar, el año de su realización. Ambas circunstancias van ligadas, por supuesto. O es su combinación la causa del asombro del público que descubra en noviembre de 2012, exactamente cuando se cumplen 65 años del inicio del rodaje de la única película de largometraje realizada por el catalán Lorenzo Llobet-Gràcia. Estamos ante una película que trata la cinefilia como una patología incurable y que encuentra en Hitchcock y en su Rebecca la cura a muchos de los males de su protagonista. Sí, estamos hablando de Hitchcock, antes incluso que Cahiers du Cinéma lo elevase a la categoría de autor incuestionable. Lo que ocurre es que ni Godard ni Truffaut llegaron nunca a conocer esta película que hubiese hecho las delicias, primero, de los surrealistas, y después de la Nouvelle Vague. Sí, estamos ante una película que vincula la biografía de su prota-
gonista a la historia del cine y la liga a la historia de España en la primera mitad del siglo XX. Y sí, estamos hablando de una película española filmada en los duros años cuarenta, la época de la represión más cruenta y del aislamiento internacional. Una película que, por otro lado, se atreve a hablar de la Guerra Civil directamente, sin los rodeos metafóricos de los que se servirán otros cineastas por esa época, aunque como ellos también Llobet-Gràcia situará en la contienda española esa herida, la muerte del ser amado, que nunca cicatrizará. Y así, sin pretenderlo, a través de su protagonista, Carlos Durán, Vida en sombras también estará prefigurando el Scottie de Vertigo. La Madelaine de Durán es aquí Ana y su Judy puede que acabe siendo Clara. Si las circunstancias políticas y sociales, tampoco las estéticas e industriales, para qué negarlo, eran las más propicias, y por si fuera poco todo esto, LLobet-Gràcia se encontró con otras muchas dificultades a la hora de llevar a buen puerto su proyecto, una película que a duras penas logra ocultar su carácter autobiográfico. La pasión por el cine de Carlos Durán, nacido con y casi se diría que por el cinematógrafo en una de las secuencias más insólitas y audaces que se recuerdan, era también la misma pasión que compartía Lorenzo LlobetGràcia, vinculado a los círculos de cine amateur de Sabadell y autor de varias películas enmarcadas en este ámbito. El purismo de estos círculos, su defensa del cine como arte no contaminado
por el comercio, explica tanto a Llobet-Gràcia como a Carlos Durán. Vida en sombras tampoco se entendería sin la colaboración de una serie de nombres en la producción y en el equipo artístico que, encabezados por Carlos Serrano de Osma (notabilísimo cineasta), conformaban el por entonces denominado “grupo de los telúricos”. Lógicamente no podemos hablar de un antifranquismo político (es suficiente ver la conversión nacional de Durán, que no deja lugar a dudas), pero sí de un antifranquismo estético que se tradujo en una ausencia casi total de ayudas estatales y la condena de la película a un estreno muy tardío en salas de segunda categoría. Cuando ese estreno se produjo en 1953, Llobet-Gràcia, arruinado por causa de su aventura cinematográfica, estaba ya a punto de abandonar incluso la práctica del cine amateur. Pocos vieron en aquel momento Vida en sombras y fueron menos aún los que supieron apreciarla. No fue hasta los años ochenta que el investigador Ferran Alberich la recuperó y realizó un documental sobre Llobet-Gràcia, Bajo el signo de las sombras. Alberich ha continuado acompañando esta singular obra maestra desde entonces y a él se debe también esta nueva restauración, quizás la primera digna de tal nombre.
Jaime Pena
SA 24, 10:15, CIN 2
recibir noticias de Sudamérica, de directores jóvenes que aparecieron tras un período de fuerte crisis en el país y transmitieron las novedades a través del cine.
Charlas con Maestros Bertrand Bonello HOY, 17:00, Centro Cultural Radio City / Roxy / Melany (San Luis 1752) Where the Boys Are + Quelque chose d’organique HOY, 12:30, AUD
Cindy, the Doll Is Mine + Le Pornographe HOY, 17:15, AUD; JU 22, 13:00, AUD Tiresia HOY, 19:30, AUD; VI 23, 13:30, AUD L’Apollonide - Souvenirs de la maison close HOY, 10:00, AUD; JU 22, 22:30, AUD De la guerre JU 22, 20:00, AUD; VI 23, 11:00, AUD
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INSPIRACIONES
Con el sudor de tu frente
VISTA PANORÁMICA
Breves entrevistas a las directoras y los directores del Panorama Argentino
por el licenciado Frank Booth, el que vive al borde del río Por si no se dieron cuenta ya es miércoles, vecinos. Mitad de semana, mitad del Festival, mitad de esta impresionante catarata de películas y directores, productores, actores, electricistas y chepibes que las acompañan. Suelo colarme en las salas y me sorprende la cantidad de gente poniendo el pecho, respondiendo por sus obras. Aplausos. Pero no se la crean, vecinos cineastas… A lo nuestro: L’Apollonide - Souvenirs de la maison close, de Bertrand Bonello, o cómo mezclar estilo con onda, buenos personajes y mejores bellezas. Si no la vieron el año pasado (imperdonable), pueden empezar el día con esta fábula (in)moral, y seguir con la bonnellomanía en el doble programa Cindy, the Doll Is Mine y Le Pornographe y/e/ a/u/o con Tiresia. O sumergirse en el maravilloso universo de Fernando Birri con la seguidilla FB, el utópico andante (documentado por Ríos), Paisajes devorados (ficcionalizado por Subiela) o El Fausto criollo (ya como director, of course). ¿Quieren más personajes
1. Kajianteya, de Daniel Samyn
de relevancia cultural nacional? Pues ahí tienen Kartun (el año de Salomé). ¿Quieren más auteurs? Pues ahí están À nos amours, La Nuit d’en face, Sin techo ni ley, Dark Horse y –la hermosa sorpresa– Vida en sombras, o sea, Pialat, Ruiz, Varda, Solondz, Llobet-Gràcia: generala (servida) de ases. Si quieren una velada a todo ritmo, entonces el recorrido debe incluir a Los Boys y Zuloak con el contundente Fermín Muguruza en persona, algo para festejar. Y más: adrenalina (Bones Brigade: An Autobiography), locura cinéfila (Room 237), animación (Arrugas) y fiestita (Cuando cae la oscuridad, ¡alegría sin fin!). Sí, vecinos, por eso odio los festivales de cine: tienen la maldita costumbre de hacer que uno termine exhausto…
¡Que se vengan los chicos!
Por si todavía no estaban al tanto, el Festival lleva a cabo funciones matutinas en las cuales se invita, de manera totalmente gra-tui-ta, a los alumnos de jardines y escuelas primarias a ver con sus familias (quienes también entran gratis, claro) algunas de las películas incluidas en la flamante sección Mar del Plata para Chicos. Aquí abajo es-
tán los horarios de las próximas funciones. ¿Se las van a perder? Y, sin embargo HOY, 10:15, PAS 3 La máquina que hace estrellas JU 22, 10:15, PAS 3 Manekenk VI 23, 10:15, PAS 3
Daniel Samyn presenta su película Kajianteya, cuenta cómo llego a conocer la historia de esta mujer tan apasionada como luchadora y, además, le pone fichas a algunos de los títulos del Festival. ¿Cómo y cuándo empezó el proyecto? La primera noticia que tuve de Kajianteya fue en 2006, a través de un diario regional del norte de Salta. Un hombre de la comunidad wichí embaraza a la hija de su mujer, de 9 años, con el supuesto consentimiento de su madre. Kajianteya es la única dirigente aborigen que denuncia el hecho. Afirma que el abuso no es una costumbre ancestral ni tiene que ver con la cultura wichí. Por el contrario, las mujeres de su pueblo son celestiales y descienden de las mujeres estrella. Aportan la espiritualidad y complementan al hombre que representa lo terrenal. Detienen al hombre y varias personas de aquella comunidad protestan sosteniendo que no es un delito. Kajianteya es repudiada. El hombre termina siendo juzgado por violación y va preso. A partir de aquel episodio comencé a acopiar información y fui descubriendo a un personaje tan capaz de encadenarse a las rejas de la catedral de Salta en defensa del trabajo de su compañero, como de realizar una huelga de hambre en las puertas del Congreso de la Nación reclamando por los territorios ancestrales de su pueblo. A veces reflexiva y otras fuera del razonamiento del “blanco”, Kajianteya, con rabia o con humor, y a veces peleada con su propia comunidad, intenta. Siempre intenta. ¿Qué se propusieron para llevar esa historia al cine? Durante la investigación nos preguntábamos cómo abordarla con singularidad, teniendo en cuenta que la exclusión, el racismo y la discriminación hacia el aborigen es un tema muchas veces tratado por el cine documental. Luego de conocer a cada uno de los personajes y recorrer su geografía, a veces urbana, a veces natural, siempre áspera, creímos encontrar la clave. Mediante su singular mirada, Kajianteya nos guía a través de
su mundo, presentándonos personajes y situaciones. Nosotros intentamos reflejarlo en un tejido de imágenes respetuosas, sonidos narrativos y la contundencia de su palabra conviviendo con la dureza de la realidad y el humor de lo cotidiano. En síntesis, hemos procurado narrar poéticamente algo del pensamiento de una luchadora social que es relato y continente de muchas otras. Disfrutamos el intento y deseamos que los espectadores lo hagan al mirarla. ¿Qué películas del Festival te gustaría ver y por qué? Preparando lo necesario para el Festival aún no he tenido tiempo de leer el catalogo en profundidad, pero quiero ver algunas películas de amigos como Samurai de Gaspar Scheuer, El ojo del tiburón de Alejo Hoijman, y tengo curiosidad por Nosilatiaj. La belleza de Daniela Seggiaro, Gebo et l’ombre de Manoel de Oliveira, y por la película de Resnais. ¡Ah! Y me dijeron que hay una de Birri que no conozco.
HOY, 13:00, COL; VI 23, 21:30, PAS 4
2. Santa Lucía, de Andrea Schellemberg La investigación de una profesora de historia alrededor de la ocupación militar que sufrió un pueblo de Tucumán entre 1975 y 1983 es el punto de partida para la directora de esta película, que indaga sobre el silencio alrededor de los delitos de lesa humanidad cometidos por la última dictadura militar. ¿Cómo y cuándo empezó el proyecto? En 1992, mientras hacía la producción de un film para la televisión alemana, tomé contacto con los militares retirados que integran el CEMIDA (Centro de Militares para la Democracia Argentina), hombres profundamente antigolpistas que manifestaron su pensamiento durante la dictadura. Ellos me dijeron que conocían a un coronel que había sido segundo jefe de un grupo de tareas durante 1976 en el monte tucumano, y que se había negado a torturar y asesinar en el Operativo Independencia. Así conocí a Jorge Mittelbach y lo entrevisté para ese documental. En
2009, su relato me llevó al pueblo de Santa Lucía (Tucumán), un lugar que se formó alrededor de una única fuente de trabajo y cuya identidad está atravesada, en primer lugar, por el cierre de la fábrica de azúcar durante la dictadura militar de Juan Carlos Onganía y, además, por la ocupación militar durante el gobierno de María Estela Martínez de Perón y hasta la llegada de la democracia. Al año siguiente estábamos rodando. ¿Cómo fue el rodaje? El rodaje es parte de un proceso, una construcción. A medida que nos fuimos quedando en el pueblo, la gente fue confiando y contando sus vivencias, a veces sin que preguntásemos. Algunos pobladores tenían una necesidad muy grande de decir lo no dicho, un relato que aún parece estar vivo. Otros, en cambio, guardan silencio porque aún subsiste el miedo. ¿Qué te parece que es lo mejor de la película? La puesta en palabras de hechos muy dolorosos. Eso es un paso muy importante porque lentamente comienza a desactivarse un mecanismo de silencios que tiene dos caras. Por un lado, el que guardan las víctimas y sus familiares respecto al terrorismo de Estado y, por otro, el silencio de los procesados y condenados por delitos de lesa humanidad que aún no dijeron dónde pusieron los cuerpos de sus víctimas. A medida que todos los relatos puedan confluir en un proceso judicial, estaremos más cerca de que el horror vivido pertenezca al pasado. ¿Cómo fue la experiencia como directora? Lucía Aguilar, la protagonista del film, es una profesora de historia hija de ex obreros del ingenio. La búsqueda de su tío desaparecido nos permite saber qué ocurrió con la mayoría de los desaparecidos de Santa Lucía que eran cañeros, jornaleros o ex empleados de la fábrica. Eso tiene mucho peso para mí. Creo que sin Lucía hubiese sido muy difícil contar esta historia, dirigir este documental.
¿Qué significa este film en tu carrera? Santa Lucía no fue un hecho aislado, ocurrió en toda Latinoamérica. Un mecanismo sistemático de sometimiento atroz y desprecio por la vida humana. El film significa un aporte a la conciencia individual y luego colectiva. Ése es el sentido. HOY, 19:45, PAS 1; VI 23, 14:00, PAS 1; SA 24, 14:15, PAS 4
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PROGRAMACIÓN EN SALAS • miércoles 21 9:00 Ambassador 1
13:00 Colón
17:00 Ambassador 2
19:45 Paseo 1
23:00 Cinema 2
10:00 Auditorium
14:00 Paseo 4
17:00 Paseo 2
20:00 Ambassador 4
0:00 Ambassador 2
10:00 Cinema 1
14:15 Paseo 1
De martes a martes
L’Apollonide - Souvenirs de la maison close
Kajianteya
Cortos - España Alterada 3
Cortos - Super 8 Programa 1 Apocalypse: A Bill Callahan Tour Film
17:15 Ambassador 3
El ojo del tiburón
Sleepless Night
10:00 Colón
14:15 Paseo 3
17:15 Auditorium
14:30 Ambassador 1
Le Pornographe
Fango
10:15 Paseo 3 Y, sin embargo
11:30 Paseo 4 El foso
12:00 Ambassador 1 Domestic
12:15 Ambassador 2 Horizontes de piedra
12:15 Paseo 3 Room 237
12:30 Auditorium
Where the Boys Are Quelque chose d’organique
12:30 Paseo 2
Universitarios
El Impenetrable
14:30 Colón
Fernando Birri, el utópico andante
14:30 Paseo 2
Gricel. Un amor en tiempo de tango
14:45 Ambassador 2
Con el sudor de tu frente
15:00 Ambassador 3 Pasaporte a Pimlico
15:15 Ambassador 4 Montemor
15:15 Auditorium
El intermediario del diablo
15:15 Cinema 1
Cinéma, de notre temps: Une journée d’Andrei Arsenevitch
Errata
12:45 Cinema 1
La Bifle
La sirga
12:45 Paseo 1
Love Free or Die
13:00 Ambassador 4 A casa
13:00 Cinema 2 O som ao redor
15:30 Cinema 2 My Awkward Sexual Adventure
Jubiabá
Cindy, the Doll Is Mine
17:15 Paseo 1 Los Boys
17:30 Ambassador 4 Zuloak
17:30 Colón
Paisajes devorados
18:00 Cinema 2 Arrugas
19:00 Ambassador 1 Domestic
19:00 Paseo 4
Cortos - España Alterada 4
19:15 Ambassador 2
El lenguaje de los machetes
19:15 Paseo 3 El jurado
19:30 Ambassador 3 À nos amours
Santa Lucía
Perseverança
20:00 Cinema 1
El ojo del tiburón
20:30 Cinema 2 La Nuit d’en face
21:30 Ambassador 2 La lucha de Ana
21:30 Paseo 4
El problema con los muertos es que son impuntuales
21:45 Ambassador 3 Sin techo ni ley
21:45 Paseo 3
22:00 Ambassador 1 De martes a martes
Cuando cae la oscuridad
22:00 Colón Fango
22:00 Paseo 2
Asspera: el ritual del pueblo
22:15 Cinema 1
16:30 Paseo 4
19:30 Colón
22:15 Paseo 1
El Fausto criollo
Pavilion
16:45 Paseo 3
19:30 Paseo 2
22:30 Ambassador 4
Kartun (el año de Salomé) Manekenk
Vuelo de cabotaje, retrato de un retrato
0:00 Paseo 4 Lovbot Love
Daemonium
0:15 Ambassador 3 Capitães da areia
0:15 Paseo 3
Todos mis muertos
0:30 Ambassador 1 John Dies at the End
0:30 Paseo 2 Jessico
0:45 Paseo 1 Sin señal
Staff
22:00 Auditorium
19:30 Auditorium Tiresia
El círculo diabólico
Bones Brigade: An Autobiography
16:30 Ambassador 1 Let Me Out
Gebo et l’ombre
La sirga
Dark Horse
Montserrat Callao Escalada Pablo Marín Agustín Masaedo Gustavo Sala Sol Santoro
Colaboran hoy Pablo Conde Javier Diz Juan Manuel Domínguez Jaime Pena
Diseño Cecilia Loidi Gastón Olmos
Departamento de Comunicación INCAA Ignacio Catoggio
Fotos Josefina Urondo
Programa País Paula Morel