Sรกbado 17 de noviembre de 2012
Empieza el Festival
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Solamente faltรกs vos
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EL CINE PARA CHICOS ES COSHA GOLDA
PONÉ PLAY
Pater familias de la colección –tamaño chiche Jack, ése que entra justo en el corazón– de los personajes más entrañables e invencibles del imaginario pop y nac (el orden de los factores sí altera el producto), Don Manuel García Ferré es, antes que nada, el padrino de nuestra flamante sección Mar del Plata para Chicos. Es decir, que su sombra nada tenebrosa, toda lúdica y fundamentalista del “narrar desde el corazón, ahí es donde está la diferencia” marca el pulso de este espacio nuevo dentro del Festival. Méritos le sobran: el nacido en Almería (justo donde la leyenda cizañera sostiene que también nació realmente Don Walt “Bajo Cero” Disney) tiene en su haber la historieta argentina más ferozmente Krazy Kat de todas las publicadas en la edad de oro del medio en nuestro país (Las aventuras de Pi-Pío), el título de padre y caballo de fuerza durante 37 años de esa leyenda que fue la semanal maravilla de Anteojito (“Perder la revista fue casi como perder un hijo”), responsable de las aventuras animadas de Hijitus, Larguirucho y demás pandilla trulalalense y, si queda un rincón, el cargo de director de, probablemente, los films de animación más icónicos de nuestra cinematografía. Los cinco que este año programa el Festival pueden verse hoy de corrido: tremenda maratón de felicidad y ternura. Con ese currículum tan vital como fundamental, al punto de no dejar ver el todo todo todo que es el universo de Don García Ferré, se hace imposible (¿no les parece?) pensar en un padrino mejor. Y, encima, nos damos el lujazo de contar con la palabra del querido cuentacuentos.
Tu obra es casi un patrimonio cultural en materia de personajes infantiles. Pocas otras creaciones tienen tanta presencia en el imaginario nacional. ¿Por qué decidiste abocarte de lleno al mercado infantil en un momento en que era aún terreno cuasi virgen en Argentina? Varias cosas. Mi madre pintaba y, de chico, tener ya una especie de caldo de cultivo en el hogar es algo que alienta, que entusiasma. Desde mis primeros garabatos, ya me daban clases de dibujo. Mi padre sólo me dijo “hacé lo que quieras”, y mi madre: “Si te gusta el dibujo, dedicate a eso. Aunque sea un camino muy difícil, como la música, si tenés vocación y te gusta, hacelo. Pero tenés una obligación con la sociedad, que te da muchas ventajas, que te las tenés que ganar. Dedicale medio día a lo que te gusta y medio día a lo que no te gusta”. Hoy, a los 80 años, sigo teniendo presente esa máxima. Siempre hice lo que me gustaba, pero para que eso se convirtiera en algo sólido necesitaba un poco de Quijote y otro de Sancho: uno que pusiera en la realidad o en lo imaginario al otro. ¿Creés que ahora hay lugar para una revista como Anteojito? La lucha diaria de una revista no la quiero más. Aparte con el auge de internet,
la comunicación se modificó: una revista no es capaz de transmitir esa cantidad de información que el chico puede absorber de internet; es muy difícil darle una entidad (más allá de la romántica) a la revista que pueda hacerle frente a ese desafío. Pero es raro: aunque se dieron varios factores, en el 2001, contra una de La guerra de las galaxias, Manuelita fue un éxito gigante en el cine. A veces es difícil de predecir. Ahora estamos pasando fragmentos de Hijitus y Anteojito en Crónica pero, claro, estamos supeditados al minuto a minuto de la noticia, del combate contra otros canales. Pero no me gusta la queja estilo “Ah, porque ahora…”. Hoy en día el ser humano no es ni más inteligente ni más torpe. Es simplemente distinto. La inocencia es algo sano, que ahora puede no ser como antes, pero todo vuelve, todo cumple un ciclo. Es como la moda: la pollera sube hasta un determinado lugar y luego baja. Aunque si se pasa de determinado punto, deja de ser pollera. ¿Cuáles fueron las influencias más directas que te llevaron en los ‘50 a decidirte por la animación, por la historieta? Yo sentí que el cine me deslumbraba. Como técnica, antes que nada. Reúne la plástica, la literatura, la música, el espacio. O los grabados de Doré, que también
Los críticos de Inrocks escriben sobre las películas (¡ahora en competencia!) de BSO
Girl Walk // All Day, de Jacob Krupnick por Javier Diz
me impresionaron muchísimo y me llevaron al dibujo. Soy autodidacta, observo mucho (muchísimo) a la gente. Pero la principal influencia siempre es el corazón: sin eso, no sirve de nada contar algo.
Aviso: usted no va a poder ver esta película. Quizás lo haga un rato y trate de entender de qué va la cosa para, enseguida, darse cuenta –todo su cuerpo menos su cabeza, en realidad– de que la concentración se le va al garete. Porque lo que ocurre aquí es nada más y nada menos que un estímulo para una de las actividades más hermosas y contagiosas que el cine se encargó de poner en pantalla a lo largo de su historia: bailar. Y cómo no infectarse de ritmo –y de onda– con eso que hacen los tres personajes, por docenas de rincones de Nueva York, cuando la música del mixer Greg Gillis para su
proyecto Girl Talk (que escupe una veintena de hits, de paso, y propone otro juego: a ver quién reconoce las canciones) los hace salir disparados –y a nosotros con ellos, como le ocurre a buena parte de la ciudad en la película– en un frenesí de movimiento que se vuelve incontrolable. Venga a bailar, entonces. A ver quién se anima. HOY, 21:45, PAS 3; DO 18, 12:15, PAS 3
Eduardo Gori Anteojito y Antifaz en ‘Mil intentos y un invento’ HOY, 12:15, AMB 2; DO 25, 17:00, AMB 2
Staff
Corazón, las alegrías de Pantriste HOY, 14:45, AMB 2; DO 25, 19:15, AMB 2
Montserrat Callao Escalada Pablo Marín Agustín Masaedo Sol Santoro
Colaboran hoy Pablo Conde Javier Diz Eduardo Gori
Diseño Cecilia Loidi Gastón Olmos
Departamento de Comunicación INCAA Ignacio Catoggio
Ico, el caballito valiente SA 17, 14:30, PAS 2; DO 25, 14:30, PAS 2 Manuelita HOY, 17:00, AMB 2; DO 25, 14:45, AMB 2 Petete y Trapito HOY, 12:15, PAS 3; DO 25, 17:00, PAS 2
Programa País Paula Morel
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Puro cine Fundados en 1902 y aún en funcionamiento, los Estudios Ealing son –además de los más viejos del mundo– responsables de gran parte de las mejores y más graciosas películas jamás filmadas (no sólo) en el Reino Unido. El Presidente del Festival, experto en sentidos del humor propios y ajenos si los hay, escribe acerca de los estudios londinenses y las películas que integran la revisión programada por el Festival. Es imposible imaginarse la historia del cine mundial sin la existencia de los Estudios Ealing. ¿Qué paseante por el barrio londinense de Ealing, a mediados del siglo veinte, podía suponer, al encontrarse con ese modesto edificio de paredes blancas y dos plantas, que allí se estaban realizando algunas de las mejores películas de la historia del cine británico? Detrás de ese frente, que crecería hasta convertirse en un igualmente modesto lote, la imaginación nunca tuvo límites. La precisión en la confección de los guiones, la excelencia en la selección de talentos –delante y detrás de cámara– y la calidad de sus películas, son características indiscutibles del estudio. Y, por supuesto, su particular ritmo cinematográfico, que imprimía
una firma indeleble en sus producciones, permitiendo que cualquier espectador levemente entrenado reconociera instantáneamente una película Ealing. El conjunto de actores se repetía, casi de manera constante, de un film a otro. Podían llamarse Alec Guinness, Cecil Parker, Kay Walsh, Herbert Lom, Joan Greenwood, Roland Culver, Barbara Murray, Gordon Jackson, Michael Gough, Margaret Rutherford, Ernest Thesiger, Peggy Cummins, Hugh Griffith, Dennis Price o Basil Radford. Pero la repetición era algo más bien formal: esas personas nunca eran las mismas para el espectador, sino tan distintas como sus personajes. No era casual el hecho de las calidades, por cuanto dependían de grandes talentos dirigiendo tras las cámaras:
Su primer millón HOY, 12:30, AMB 3; VI 23, 15:00, AMB 3 El hombre del traje blanco HOY, 17:15, AMB 3; LU 19, 12:30, AMB 3
Charles Crichton, Robert Hamer, Alberto Cavalcanti, Charles Frend, Henry Cornelius, Alexander Mackendrick o Basil Dearden, verdaderos artesanos en un pequeño –aceitado, altamente efectivo, siempre perfeccionado– mecanismo industrial. Pero los nombrados no dirigían exclusivamente: la mayoría montaba, asistía o producía, intercambiando roles de largometraje a largometraje. Tal vez los cimientos, el puntapié inicial, la génesis de estas producciones dependían de dos grandes firmas: T.E.B. Clarke y William Rose, guionistas de fuerte raigambre social, ciudadanos comunes escribiendo sobre ciudadanos comunes, para ciudadanos comunes, buceando constantemente en universos de excelencia, ya sea desde su construcción o su rea-
Nadie las invita pero ellas no faltan nunca. No hablamos (todavía) de la película de Iván Vescovo que participa de la Competencia Argentina, sino de las coladas que siempre intentan arruinarnos la fiesta: las erratas del catálogo. El apuro, el volumen de información y demás excusas no le sirven de mucho a los afectados, así que, de todo corazón, ¡perdón a todos! Este año, eso sí, logramos corregir la versión online, que pueden descargar (por cábala, digamos casi) libre de las malditas, malditas erratas, desde este link: www.mardelplatafilmfest.com/272012/publicaciones/catalogo.pdf
• En la página 99, falta un nombre en la ficha técnica: el de Guille Gatti, joven pero experimentadísimo editor, que en Hermanos de sangre hizo lo suyo codo a codo con el director Daniel de la Vega. ¡Perdón Guille, perdón Daniel! • El mayor ensañamiento erratístico se concentró en la página 103. Para empezar, la foto del director Luciano Quilici es más que sospechosamente parecida a la de Gaspar Scheuer que aparece pocas páginas más adelan-
Por sobre todos, Michael Balcon, figura emblemática, capitán de un barco que siempre, de manera inexorable, llegó a buen puerto. Consciente de la entidad que logró su estudio y, en especial, sus comedias, escribió unas palabras que hoy son ideales para esta introducción: “Hay algo muy gratificante en el hecho de hacer reír a la
Dicha para todos HOY, 15:00, AMB 3; DO 18, 12:30, AMB 3 Pasaporte a Pimlico HOY, 21:45, AMB 3; MI 21, 15:00, AMB 3
te. Por eso, ilustrando este pedido de disculpas gigante, está la imagen de Quilici que debería acompañar a su biografía. Pero por si fuera poco, en la reseña se le adjudica el guion de Los quiero a todos a otra persona, cuando tanto la obra teatral en que se basa la película como el guion –como bien indica la ficha técnica– son de su completa autoría. ¡Perdón Luciano! • En la página 117, los duendes del diseño se robaron la mitad de un título: Gustavo Leonel Mendoza no presenta ningún WIP llamado Ciudadano, sino –como se advierte en la postal que ilustra la citada página– Ciudadano Piria. ¡Perdón Gustavo! •La página 148 presenta el misterio de la biofilmografía que atrasa: Daniela Cugliandolo dirigió Las muca-
gente. Platón lo resumió perfectamente cuando, hablando de la comedia, dijo que ‘nos permite reírnos de bufonadas en las que nos daría vergüenza incurrir’”. Platón no era lo suficientemente profético como para haber previsto las películas de cine, pero la cita servirá para cerrar el capítulo sobre las comedias Ealing. José Martínez Suárez
El quinteto de la muerte HOY, 0:15, AMB 3; JU 22, 15:00, AMB 3 Los ocho sentenciados DO 18, 0:15, AMB 3; MA 20, 15:00, AMB 3
PROGRAMA DOBLE
Nos tenemos fe… de erratas
• En la página 45, la biofilmografía de Adrian Sitaru no está tan bien informada como la reseña de Domestic, donde se indica correctamente que el rumano estrenó Best Intentions, su segundo largometraje, en 2011 y no que “actualmente trabaja en él”. ¡Perdón Adrian!
lismo cinematográfico, no necesariamente ligado al realismo per se.
mas asesinas e Ikebana (flor de vivero) en 1999, no diez años después, y Viento frío cinco años antes de lo que acusa el catálogo, en 2002. ¿Pero saben qué? Esta versión de la biografía es tanto mejor: Daniela Cugliandolo Nacida en Buenos Aires, desde 1999 filma en Super 8. Realizó más de 20 cortos y varios videoclips que fueron proyectados en muestras, festivales de cine y TV. ¡Perdón Daniela! • Página 315, para terminar. Más que amor es un sufrir: una mirada sobre la telenovela latinoamericana, la serie televisiva de Jorge Leandro Colás, que este año presenta también su largometraje Gricel. Un amor en tiempo de tango, se llama así y no –como inexplicablemente terminó impreso– “una mirada sobre la telenovela sudamericana”. ¡Perdón Jorge!
No hace falta que sea, oh-oh, de trasnoche como en The Rocky Horror Picture Show: un buen programa doble puede armarse a cualquier hora del día. Hoy, sin ir más lejos, podrían empezar una tarde fabulosa conociendo todo lo cognoscible acerca de uno de los más importantes cineastas polacos de la historia, Jerzy Kawalerowicz, en Whisky
and Milk, el tan fresco como contundente documental que le dedicó Kacper Lisowski. Y seguirla con una de las obras magnas del mismísimo Kawalerowicz, la épica antihollywoodense de 1966 Faraón, que se presenta en toda su gloria restaurada. Programa doble para salir de la sala borrachos de felicidad y cinefilia, caminando –claro– como egipcios.
Whisky and Milk HOY, 14:45, PAS 1; LU 19, 0:45, PAS 1
Faraón HOY, 17:30, CIN 2; DO 18, 14:00, CIN 2
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Para no olvidar El 27° Festival arranca poco después de una de las noticias más tristes para todos los que amamos al cine: la partida de Fuad Jorge Jury, el enorme Leonardo Favio, un director, actor, músico y poeta popular sin parangón en la historia argentina. Entre los muchos y merecidísimos homenajes que el maestro ha recibido y seguirá recibiendo en estos días de sensaciones ambiguas, quizá no haya ninguno mejor que la celebración del presente y el futuro del cine que es un festival: fijar la mirada en un porvenir hecho de sueños que Favio, desde su ejemplo tan extraordinario como humilde, contribuyó como pocos –quizás, como nadie– a forjar. Por otra parte, y tal como se anunció en la presentación del Festival que tuvo lugar en la Manzana de las Luces el pasado lunes 12, se instituirá desde esta edición el Premio Leonardo Favio. Será confeccionado por el reconocido artista plástico Daniel Santoro y entregado nada menos que por la Presidenta de la Nación, Dra. Cristina Fernández de Kirchner. Desde el Diario del Festival recordamos a Leonardo Favio dedicándole el primer número por triplicado: con la ilustración de tapa de nuestro diseñador Gastón Olmos, que recuerda la última visita del cineasta en 2008, cuando su Aniceto fue la película inaugural; con la reedición de la gran entrevista que Luis Ormaechea le hizo en esa ocasión para este diario (que se llamó, ese año, Bitácora); y con la inspiradora carta sobre su oficio que el creador de Nazareno Cruz y el lobo escribió para el Festival Internacional de Cine Político el año pasado. ¿Por qué contar dos veces la misma historia? La respuesta está en la frase inicial del film: “De mil historias que rondan mis insomnios, hoy quise rescatar la de Aniceto. No sé por qué, pero algo tiene que más que a historia se asemeja a un cuento”. Era un tema recurrente, no tanto la película, sino la búsqueda del color: tratar de lograr mejores cosas con el color, lograr que fuese una especie de paleta. Todo lo referente al cine estaba en la otra película. Ahora quería invocar la música, la danza, llenar los silencios que en una oportunidad tuvo. Aniceto nace primero como una obra teatral, como un ballet. Después se volcó al cine. Cuando filmó la versión anterior (en 1966), ¿ya existía en usted la voluntad de utilizar el color? ¿El blanco y negro fue una imposición presupuestaria? No, aquella versión me encantó porque creo que ahí nace una fotografía distinta. (Juan José) Stagnaro es muy, muy talentoso. Estuvimos mucho tiempo charlando la película antes de filmarla. Me enseñó mucho, ¡aprendí tanto al lado suyo! El resultado de todo lo que hablábamos es la película. ¿Cómo fue la elección de Hernán Piquín para el rol protagónico? A él lo conocía de nombre y lo había visto bailar, pero lo había olvidado cuando comencé el proceso de búsqueda. Cuando alguien me lo recordó, lo hice venir y, al verlo, dije: “Es él”. Evidentemente no me
equivoqué. Creo que debe haber muy pocos bailarines con tan buen manejo de lo actoral. Domina los pequeños matices, algo que es muy difícil. Además, su figura es ideal para el papel. Tiene un rostro espectacular. Con las chicas pasó lo mismo. A Alejandra (Baldoni) la fui a ver a un ensayo, y ahí estaba “la Lucía”. Se destacaba mucho del conjunto de sus compañeras. Con la otra niñita (Natalia Pelayo, “la Francisca”) pasó algo similar. Gracias a Dios no me equivoqué con ninguno de ellos. ¿La tecnología cambió mucho la forma de filmar? Ahora contamos con nuevos instrumentos. Es como el paso del cine mudo al sonoro. Depende de cómo lo uses y de que no abuses. No me sedujo la posibilidad de manipular los colores capturados por la cámara. Lo que busqué, junto al director de fotografía (Alejandro Giuliani), era obtener el color en el rodaje. Sólo utilicé los efectos en dos oportunidades: para crear las nubes en la primera parte y en el último baile, cuando el color va transformándose en azul. Una constante en su obra es la presencia de una iconografía relacionada con lo religioso. ¿Por qué aparece tanto este aspecto? Supongo que toda persona que se dedica a la pintura, a las artes visuales en general, busca una estética, pero es imposible encontrar una estética que no se haya sido tocada por alguien. Tengo una formación que es católica, en particu-
lar salesiana. Con aquellos sacerdotes, conversando con ellos y observándolos, aprendí que las misas tienen una puesta en escena, algo que viene de antaño. La forma de mover los brazos, la manera de disponer las velas, todo forma parte de una puesta en escena. Las velas eran necesarias para desodorizar los templos, pero se ponían con cierta estética. Siempre me maravilló eso. Hacían las cosas con un determinado fin. Siempre hay una guía para lo que uno hace. Indiscutiblemente, lo mío, por más que a veces lo observé desde otra óptica, tiende a una estética católica hasta en los más pequeños detalles.
Como cuando la Francisca está orando porque su compañero está herido. Siempre hay un detalle de equilibrio en el cuadro que me corre hacia allá, aunque yo no sea católico, porque eso fue lo que me formó. ¿Podría hablarse de una religiosidad popular? Son desprendimientos de lo católico en nosotros.
pero no te guíes por eso. Digo más pavadas que cosas acertadas. Indudablemente, mi cine, como el de todos, es para la gente. Porque el cine es el arte de la convocatoria. Quien no la tenga, durará muy poco tiempo o tendrá que ser muy astuto. Puede haber un cine experimental, es bueno y necesario que lo haya. Pero hay que saber medir los costos para que eso no sea un experimento que te lleve a la ruina.
En 1973, usted dijo en revista Radiolandia que “mi cine será popular o no será nada”… No, no dije tal cosa (risas). Quizá lo dije,
¿Cuál es el público ideal de sus films? ¿Le gustaría que fueran los personajes de sus films, como Mario y Charlie, los protagonistas de Soñar, Soñar?
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El cine es un proyector, una pantalla y el espectador. De lo contrario, es algo híbrido que no le importa a nadie, imágenes que transcurren, fotogramas… El espectador es quien le pone el sentimiento. La obra sólo conduce al lugar que quiera cada uno. Sin espectador no hay cine, no hay obra. Mi espectador ideal es cualquiera que pague la entrada (risas).
si podría nombrarte a otro. También hubo otros nombres. René Mugica era un tipo de gran talento, un ser humano maravilloso. Martínez Suárez es un tipo brillante, yo filmé con él Dar la cara, pero después se fue perdiendo en una nebulosa y nadie lo detectó. Al final se dedicaron más a difundir el cine, a luchar por los derechos del cine. Había mucho por lo que luchar.
Alguna vez dijo que en su equipaje siempre llevaba la Biblia, Borges, Neruda, pero también el Patoruzú. Sí, ahora le agregué la Torá y el Corán.
Quienes estudiaron su obra suelen dividirla en trilogías… Coincido con esa propuesta. Mi cine en blanco y negro tenía otros tiempos o, por decirlo de otra manera, otra métrica. Con Juan Moreira comienza lo más mítico de mi obra, un ciclo que termina con Soñar, soñar. Con Gatica, el mono comienza una nueva etapa en la que busco una nueva estética con el modo de atrapar el color, un trabajo diferente con los primeros planos… (A Perón, sinfonía del sentimiento la dejo afuera; es un documental de seis horas al que hay que desmenuzar muy de a poco). Esta búsqueda se continúa en Aniceto y en mi próximo proyecto. Estoy tratando de que Dios me de claridad para que pueda llevar al libro las cosas que tengo en mi cabeza.
¿Qué le gusta del cine contemporáneo? Me gusta mucho, mucho lo que están haciendo algunos pibes acá. También el cine iraní. ¿Existe, en su entender, algún parecido entre los cineastas argentinos de los años sesenta y los que surgieron a partir de los noventa? Esta es una generación más populosa. Hay miles de estudiantes de cine en el país. Es una cifra muy grande. También tienen más medios. Con una camarita pequeña se puede hacer un documental, incluso una ficción maravillosa. Vida en Falcon costó muy poco y es una obra maestra. Esta es una posibilidad que nosotros no teníamos. Incluso un film como ése habría costado mucho dinero. Lo que te entrega (Jorge) Gaggero es un producto de una carga intelectual muy grande, es como si ese joven hubiera vivido veinte vidas. Caja negra tampoco costó nada. Sólo hay que tener un talento así de grande, como el de estos muchachos. No creo que haya demasiados como para decir que tenés un ejército de ellos. ¿Cuántos estrenos tenemos por año? Más de cuarenta. Supongamos que cada cinco años te surja un (Luis) Ortega, un Gaggero, una Lucrecia (Martel). Es mucho. Acá hay mucho talento. También en los técnicos, ¡hacen maravillas! Es como los autos, los actuales andan mucho más rápido que los de antes. Pero siempre hubo gente talentosa. Antes estaban Torre Nilsson, Soffici, Demare, Del Carril, Amadori, y podría seguir enumerando una larga lista. Cuando apareció la Generación del ‘60, se empezó a sentir un cierto tartamudeo. En ese grupo hubo un gran realizador como David José Kohon, que fue uno de los tipos más sensibles que conocí. No sé
¿Cómo es su forma de trabajo? No es fácil el camino del cine. A veces te quedás empantanado en algo y pasan meses sin que puedas salir de ahí. Al menos para mí, no es fácil. Lo vivo con mucha angustia, una angustia intransferible. Lo que sí hago es ver mucho cine. Eso te ayuda a arrancar, como el empujón que había que darle a los Ford viejos. De golpe puede ser una toma de Caja negra, Monobloc o Whisky. Agarrás algo de ahí y arrancás. ¿Qué importancia tiene la música en este proceso? No puedo pensar sin música. Escucho música clásica todo el tiempo. ¿Y cómo son sus rodajes? Cuando llego al set, ya tengo todo pensado. Sigo el guion a muerte, cambio muy pocas cosas y sólo porque me lo exige la película. ¿Quiere decir algo para terminar esta entrevista? Sí, les deseo a todos una hermosa vida y que tengan buena digestión (risas). Todos mis mejores deseos.
NUESTRO OFICIO Quien nace cineasta viene con una urgencia: utilizar o fabricar imágenes para testimoniar la historia, transmitir el asombro, los sueños, la poesía. Esto no es nuevo, siempre fue así... el narrador que nos precedió, el más remoto, se ahonda en el misterio de los tiempos. Lo hizo Dios como herramienta para contar su obra, la creación, la vida. Yo diría que la primera proyección la provocó la estela errante de una estrella y el primer narrador fue ese lejano padre que al verla transcurrir le transmitió el asombro de esa maravilla a su circunstancial compañero con un gesto, porque aún no se había afinado la palabra. Pasado el tiempo hilvanó el sonido y le dijo estrella a la estrella y narró su caída, y al fuego, fuego y describió para asustarnos el infierno y suavizó el sonido y le narró la vida y le brotó algún canto y les contó delas flores, del amor y sus frutos. Día a día fue mejorando la
técnica de la fascinación y el asombro y dijo: “Yo quiero que no se acabe el hombre” y lo raspó en la piedra y pasaron los tiempos y trazó su aventura en las cuevas de Altamira, pero no le bastó, y con los siglos dibujó la palabra y la incrustó en la arcilla. Es así como hoy permanecen nuestros
remotos sueños y los dioses que fueron. Los imperios nacidos “para siempre” y que hoy son arena... Ese es nuestro oficio... testimoniar el llanto, testimoniar la historia, cantarle a la pasión, a la poesía: ser memoria. Leonardo Favio
Asamblea Federal Anual Ordinaria En el marco del 27º Festival Internacional de Cine de Mar del Plata 2012, se realizará la Asamblea Federal Anual Ordinaria, el día 18 de noviembre, en el Salón Atlántico B del Hotel Provincial. A la misma concurrirán las más altas autoridades de los organismos de cultura provinciales. Están confirmadas las provincias de Buenos Aires, Chaco, Catamarca, Chubut, Córdoba, Corrientes,
Entre Ríos, Formosa, Jujuy, La Pampa, La Rioja, Mendoza, Misiones, Río Negro, Neuquén, Salta, San Luis, Santa Cruz, Santa Fe, Santiago del Estero, Tierra del Fuego y Tucumán. Se espera amplia concurrencia de los representantes de cultura, y se presentarán los informes de gestión correspondientes. También el domingo 18, a las 14 h, se realizará la apertura del Programa País en la Sala Nachmann del Teatro Auditorium.
APERTURA del PROGRAMA PAÍS El 17 de noviembre, estudiantes de cine, líderes sociales, jóvenes del sector audiovisual y representantes del sector provenientes de todo el territorio argentino, tienen su lugar en las actividades que desarrolla el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata en el marco del Programa País. Fueron convocados a través de escuelas, facultades, carreras terciarias y talleres, y también por medio de las páginas web del Festival y del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales. En un espacio único de intercambio, con un corredor cinematográfico de una amplia y variada oferta, el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata permite generar el lugar de encuentro para reflexionar acerca de las diferentes estrategias de produc-
ción federal, los desafíos de crecimiento que implican las oportunidades abiertas por la vigencia plena de la Ley de Medios, la formación de nuevos públicos, la distribución del material en el ámbito audiovisual. Una vez más estamos recibiendo, junto a los estudiantes que se destacan en su formación por talento y por perseverancia, a los gestores audiovisuales de todo el país reunidos a través de los programas federales vigentes, que implican el trabajo anual y conjunto del INCAA con todas las provincias del país. Bienvenidos todos, acá estamos para recibirlos con alegría y muchas expectativas.
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INSPIRACIONES
VISTA PANORÁMICA
Breves entrevistas a las directoras y los directores del Panorama Argentino
Peligrosamente excitado por el licenciado Frank Booth, bully de rebeldes sin causa Bienvenidos, vecinos, al 27º Festiblá Interblablá de blablá. Blá. Bienvenidos a otra seguidilla de días de enfebrecida cinefilia, atildado voyeurismo y locura sin fin. Bienvenidos a otra feria de atracciones de a 24 cuadros por segundo. Es un gusto tenerlos por acá de vuelta. Dulce de leche. Granizado, ya que estamos. Mi labor será, una vez más, recomendarles algunos de los cientos de títulos que pueblan esas grillas hermosas que, si no tienen a mano, se soluciona con la última de las páginas de este pasquín que sí tienen en sus manos. Espero que sea con lo que sostienen al Diario del Festival… Arrancamos suavecito, con una plétora de largometrajes dirigidos por Manuel García Ferré, delicias infantiles, golosina para nostálgicos, postre bajonero para otros. Ustedes eligen cómo disfrutar de ese universo en el que brilla Pelusa Suero. Pero no sólo los pibes están de parabienes: el cinéfilo de paladar negro se puede regodear con las aventuras de Tony Rayns, el observador no tan distante, o degustar a los ultimísimos Tsai Ming-Liang y Hong Sang-soo. O darse una panzada con la insuperable retro de los Estudios Ealing. Pero si lo de ustedes son los bajos instintos (¡vamos, sé que es así!), también tengo recomendaciones varias, como La noche del chihuahua, una comedia de enredos con hombres lobos,
En caso de que hayas podido ver alguna, ¿qué películas recomendarías del Festival? El estado de las cosas, porque la dirigió mi hija con su novio (Tatiana Mazú y Joaquín Maito) y es muy buena.
entre las culturas que componen nuestro entramado social. Vivimos en un país que históricamente se construye a partir de la negación de sus propios pueblos originarios, y esa idea de negación se repite en muchas escalas de nuestra sociedad.
HOY, 22:00, COL; MI 21, 21:30, PAS 4
¿Cómo fue el rodaje? Cuando tuve listo el primer guion y vi la posibilidad de realizarlo, viajé al Chaco salteño para buscar el interés de la gente wichí en ser parte del proyecto. Conocí entonces a la familia de Tiluk Mendoza que, después de leer y hablar de lo que queríamos hacer con la película, me dió un apoyo enorme. Esa ilusión creada alrededor de la idea de hacer una película se convirtió para mí en un compromiso y en el motor que impulsó lo que fue luego la larga búsqueda de financiamiento. Cuando el proyecto obtuvo el premio a la ópera prima del INCAA, logramos generar la estructura para armar el rodaje y terminar la película. En esta etapa trabajamos junto a Álvaro Urtizberea como productor. El esfuerzo de todos fue enorme y lo sigue siendo, pero personalmente me gusta mucho observar todo el camino recorrido y lo que logramos como resultado. Esta película se hizo gracias a la compañía y paciencia de mucha gente que caminó a la par del proyecto en distintos momentos, y también con personas muy valiosas que desde cada área aportaron todo su conocimiento con la idea de hacer de ese guion una buena película. Para mí en particular, todo el proceso fue un gran aprendizaje y una experiencia de búsqueda de sentido, ideológica, narrativa y estética, muy valiosa en mi propio vinculo con el cine, con mi profesión.
1. El problema con los muertos es que son impuntuales, de Oscar Mazú
vampiros y muchas referencias comiqueras. O Le Grand Soir, el Delépine-Kervern de este año, un alarido punk que desgarra tu traje yuppie mental. O La Bifle, cuya traducción prefiero no retipear –uno tiene pruritos– pero baste la aclaración: es NO APTA PARA IMPRESIONABLES, en especial los que se pueden impresionar con miembros gigantes. Igual, lejos del mundanal ruido, lejos de la recomendable película de apertura –El muerto y ser feliz, despistados vecinos–, el momento más alto del día será cuando termine. Sí, treinta minutos después de la medianoche deberán sortear un difícil intríngulis (para cerrar con un circulito garciaferreico): ¿qué ver, la supertapada, pulposa –de pulp, de fotonovela, de negra– Diamond Flash, o vivir la insuperable experiencia Demonios con su director ¡Lamberto Bava! en la sala? La vida es difícil, vecinos, sobre todo cuando se evidencia como un complejo tomo de Elige tu propia aventura. Suerte en la selección. Nos vemos en sueños…
Este film es el resultado de una búsqueda, del deseo por indagar acerca de aquello que sucede alrededor de la muerte: los ritos, los comportamientos, los funerales, los espacios de transición. La voz en off de Oscar Mazú acompaña las imágenes con su propia experiencia. Tras haber pasado por un infarto y una intervención quirúrgica, Mazú comparte e intercala su discurso con el de Ricardo Péculo, quizá el más importante tanatólogo local. Aquí nos cuenta cómo fue hacer esta película tan particular, en la que se dio el gusto de trabajar junto a su hija Tatiana, quien también presenta un largometraje en la misma sección del Festival. ¿Cómo y cuándo empezó el proyecto? Empezó a partir del miedo a la muerte que me produjo el hecho de haber sido sometido a una operación de corazón. ¿Cómo fue el rodaje? Extraño; sentí todo el tiempo que estaba rodando una ficción, no un documental. Además, algunas jornadas fueron muy difíciles por estar filmando todo el día, por ejemplo, con un cadáver real. ¿Qué te parece que es lo mejor de la película? Creo que es equilibrada y sólida, pero de todos modos lo que más me gusta es su humor negro. ¿Cómo fue la experiencia como director? El film es autorreferencial y tuve como asistente a mi hija Tatiana, por lo que fue una experiencia muy especial. ¿Qué significa este film en tu carrera? Todavía no lo sé.
2. Nosilatiaj. La belleza, de Daniela Seggiaro La vida de una joven wichí, empleada de una familia criolla de Salta, a la cual le cortan el cabello (la belleza de su cultura), moviliza profundamente a Daniela Seggiaro. Aquí, la cineasta nos cuenta qué fue lo que la atrapó de esa historia y cómo construyó con ella una reflexión acerca de la identidad y las relaciones que se generan a partir de ciertos choques culturales. ¿Cómo y cuándo empezó el proyecto? Es en el propio Gran Chaco donde Nosilatiaj. La belleza encuentra su origen y crece. De allí es Yolanda, el personaje principal de la película, y también Rosmeri Segundo, la actriz que la encarna. La historia que da origen al guion me la contó mi madre, que es antropóloga y trabaja desde hace muchos años en la zona. Juntas supimos oír cómo ese relato tan simple, que tenía como anécdota central un corte de pelo, guardaba el enorme poder de generar una reflexión, un pensamiento acerca de los vínculos interculturales que se dan a diario en nuestra sociedad. A la hora de escribir el guion me propuse conservar esa esencia que tenía que ver con hacer visible, desde lo mas cotidiano, las tensiones que existen
¿Qué te parece que es lo mejor de la película? Lo que más me gusta de todo este proceso es reconocer en Nosilatiaj. La belleza, en su forma, que la esencia de esas primeras notas del cuaderno de mi madre están presentes en la película. Que el Gran Chaco y su gente imprimieron en ella toda la belleza y toda la fuerza de su propio origen, y que el cruce de todos los cuerpos en esos espacios y tiempos, en esas situaciones de aparente simpleza, plantean la complejidad de las relaciones interculturales, de la historia misma. HOY, 22:00, PAS 2; LU 19, 18:00, AMB 3
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PROGRAMACIÓN EN SALAS • sÁBADO 17 12:15 Ambassador 2 Anteojito y Antifaz en ‘Mil intentos y un invento’ (Manuel García Ferré) 86’ / CHI
16:30 Ambassador 1 Dangerously Excited (Koo Ja-hong) 101’ / PDS
12:15 Paseo 3 Petete y Trapito (Manuel García Ferré) 88’ / CHI
16:30 Paseo 4 Cortos - España Alterada 1 (Varios directores) 75’ / ESA
12:30 Ambassador 3 Su primer millón (Charles Crichton) 81’ / EAL
16:45 Paseo 3 La educación prohibida (Germán Doin) 121’ / 2.0
12:45 Paseo 1 The Queen of Versailles (Lauren Greenfield) 100’ / DOC
17:00 Ambassador 2 Manuelita (Manuel García Ferré) 80’ / CHI
13:00 Colón El foso (Ricardo Íscar) 110’ / ESA
17:00 Paseo 2 Quincas Berro d’Água (Sérgio Machado) 102’ / ART
14:30 Ambassador 1 Tony Rayns, the-Not-So-Distant-Observer (Seo Won-tae) 56’ / PDS 14:30 Paseo 2 Ico, el caballito valiente (Manuel García Ferré) 85’ / CHI 14:45 Ambassador 2 Corazón, las alegrías de Pantriste (Manuel García Ferré) 80’ / CHI 14:45 Paseo 1 Whisky and Milk (Kacper Lisowski) 52’ / DOC 15:00 Ambassador 3 Dicha para todos (Alexander Mackendrick) 82’ / EAL 15:15 Ambassador 4 Montemor (Ignasi Duarte) 69’ / ESA
17:15 Ambassador 3 El hombre del traje blanco (Alexander Mackendrick) 85’ / EAL 17:15 Paseo 1 Marker 72 (Miguel Ángel Vidaurre) 67’ / PAL 17:30 Ambassador 4 Age Is… (Stephen Dwoskin) 73’ / ALT 17:30 Cinema 1 Rua Aperana 52 (Júlio Bressane) 80’ / ALT
19:00 Ambassador 1 List (Hong Sang-soo) 29’ Walker (Beautiful 2012) (Tsai Ming-Liang) 26’ / AUT 19:15 Ambassador 2 El lenguaje de los machetes (Kyzza Terrazas) 82’ / PAL 19:15 Paseo 3 TRIP La película (Fran Lepe) 74’ / PAL 19:30 Ambassador 3 Ánima Buenos Aires (María Verónica Ramírez) 95’ / TRI
21:30 Ambassador 2 Chocó (Jhonny Hendrix) 80’ / PAL 21:30 Paseo 4 La noche del chihuahua (Guillermo Grillo) 67’ / 2.0 21:45 Ambassador 3 Pasaporte a Pimlico (Henry Cornelius) 84’ / EAL 21:45 Paseo 3 Girl Walk // All Day (Jacob Krupnick) 77’ / BSO
23:00 Cinema 2 La Bifle (Jean-Baptiste Saurel) 26’ My Awkward Sexual Adventure (Sean Garrity) 101’ / HUM 0:00 Ambassador 2 La última muerte (David “Letxe” Ruiz) 107’ / VEN 0:15 Ambassador 3 El quinteto de la muerte (Alexander Mackendrick) 97’ / EAL 0:15 Paseo 3 Making off sangriento - Masacre en el set de filmación
19:30 Colón El estado de las cosas (Joaquín Maito, Tatiana Mazú) 71’ / PAR
22:00 Ambassador 1 Ponele Thelma & Luis (Alejandro Jovic) 15’ Le Grand Soir (Benoît Delépine, Gustave Kervern) 92’ / HUM
19:30 Paseo 2 The Tomi Ungerer Story (Brad Bernstein) 97’ / DOC
22:00 Auditorium El muerto y ser feliz (Javier Rebollo) 94’ / INT
(Carlos Vermut) 128’ / HOR
19:45 Paseo 1 The End of Love (Mark Webber) 90’ / BMD
22:00 Colón El problema con los muertos es que son impuntuales (Oscar Mazú) 69’ / PAR
(Lamberto Bava) 84’ / REV
20:00 Ambassador 4 Uma longa viagem (Lucia Murat) 95’ / PAL
17:30 Cinema 2 Faraón (Jerzy Kawalerowicz) 180’ / REV
20:00 Cinema 1 Insurgentes (Jorge Sanjinés) 83’ / AUT
17:30 Colón El jardín secreto (Cristián Costantini, Diego Panich, Claudia Prado) 80’ / PAR
21:00 Cinema 2 Journal de France (Claudine Nougaret, Raymond Depardon) 100’ / AUT
22:00 Paseo 2 Nosilatiaj. La belleza (Daniela Seggiaro) 83’ / PAR 22:15 Paseo 1 Sleepless Nights Stories (Jonas Mekas) 114’ / ALT 22:30 Ambassador 4 El sueño de Lú (Hari Sama) 106’ / PAL
(Hernán Quintana, Gonzalo Quintana) 80’ / VEN 0:30 Ambassador 1 Diamond Flash
0:30 Cinema 1 Demonios
0:30 Paseo 2 Bones Brigade: An Autobiography (Stacy Peralta) 90’ / SK8 0:45 Ambassador 4 Todo el mundo tiene a alguien menos yo (Raúl Fuentes) 90’ / BMD 0:45 Paseo 1 Decapoda Shock (Javier Chillon) 9’ King Kelly (Andrew Neel) 84’ / HOR