30° Festival - Diario - Día 8 by Festival Internacional de Cine de Mar del Plata

DIARIO DEL FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE MAR DEL PLATA

N°8 VIERNES 6 DE NOVIEMBRE DE 2015

DISTRIBUCIÓN GRATUITA

EL CAMINO DE SANTIAGO Hugo Santiago, director de la mítica Invasión, vuelve a su país tras una larga temporada en Francia para seguir imaginando ciudades de ensueño (o de pesadilla) en la gran El cielo del Centauro.

EL CINE EN LAS VENAS Dirigida por Pierre Chenal en Argentina a causa del rechazo de Hollywood, Sangre negra (o Native Son) es una de las películas más ideológicamente valientes de su época para retratar los conflictos raciales en Estados Unidos, adaptando la novela de Richard Wright. Gracias a la investigación del antropólogo Edgardo Krebs, la película puede exhibirse en copia nueva y además tiene un libro que recorre su intrincada historia.

F ES T I VA L D E F O T O S

El escritor Elvio Gandolfo, uno de los jurados de la Competencia Internacional, durante su inolvidable Charla Con Maestros.

La programadora Cecilia Barrionuevo junto a Abbas Fahdel, director de Homeland (Iraq Year Zero), monumental documental de casi seis horas.

El cineasta Atom Egoyan durante la conferencia de prensa de su última película, Remember, que participa en la Competencia Internacional.

HOY

HACIENDO CINE CUMPLE

QUE VIVA LOBOLAB!

Empezó ayer, termina mañana y ya es, recién nacido, todo un éxito: LoboLab, el primer encuentro de coproducción internacional del Festival, llegó para quedarse. Coordinado por Iván Granovsky y Bárbara Keen, el encuentro busca fortalecer el crecimiento comercial y artístico de diferentes proyectos latinoamericanos que se encuentran en fase de desarrollo. Los elegidos para esta edición inaugural fueron diez proyectos provenientes de siete países de nuestra América: Antawara (Bolivia), Ontem havia coisas estranhas no céu (Brasil), Panamá (Ecuador), Pólvora en el corazón (Guatemala/México), Los colonos y Petit frère (Chile), El estudiante de cine (Colombia), El futuro que viene, Jugo de tomate frío y Los vagos (Argentina). Además de reunirse con más de veinte productores locales, europeos y americanos, los responsables de cada proyecto serán evaluados por un ilustre jurado que integran Marion Klotz, Constanza Arena y Rodrigo Teixeira. ¡Que gane el mejor! Pero aunque competir sea importante, más todavía lo es la idea rectora detrás de LoboLab: el intercambio internacional para que nuestra cinematografía

MÁS BUENOS AIRES EN RELIEVE

continúe emergiendo, entendiendo las cooperaciones posibles entre los países latinoamericanos y el mundo. En ese sentido, hoy hay dos actividades abiertas al público para comunicar y celebrar el espíritu de LoboLab: primero, una charla con los productores que participan del encuentro acerca de sus experiencias haciendo cine en Latinoamérica. Y un poco más tarde, la proyección de cuatro cor-

tos de Chile Factory, el programa de coproducción entre directores trasandinos y extranjeros que abre cada año la Quincena de Realizadores de Cannes. Un verdadero lujo, que en esta ocasión incluye Marea de tierra, de Manuela Martelli y Amirah Tajdin (Kenia), Necesito saber, de Matías Rojas y Mariko Saga (Polonia), El llano de la paciencia, de Ignacio Rodríguez y Sara Rastegar (Francia), y La discotheque, de Teresita Ugarte y Ofir Graizer (Israel). 17.30 ESPACIO “UN PUENTE” EXPERIENCIAS DE PRODUCCIÓN LATINOAMERICANA Presenta: LoboLab. Participan: Productores latinoamericanos invitados.

Las celebraciones por los veinte años de Haciendo Cine empezaron en la edición pasada del Festival, con el memorable reestreno de El acto en cuestión. Pero como la revista es modelo 1995, es lógico que el epicentro de los festejos esté en esta edición pletórica de aniversarios redondos: hoy es el día para que nuestros buenos amigos de HC recorran, en un zapping tan lúcido como caprichoso, las dos décadas que los tuvieron como testigos privilegiados y partícipes necesarios de la actividad cinematográfica local. Veinte años que incluyen, como ellos mismos apuntan filosamente, casi el mismo número de ediciones de cierto festival que pasó de “sudar estrellas decadentes” a “un presente brillante”... 14.00 SALA NACHMAN TEATRO AUDITORIUM 20 AÑOS DE HACIENDO CINE Participan: Hernán Guerschuny, Pablo Udenio, Micaela Berguer, Daniel Alaniz. Modera: Marcelo Alderete.

19.20 PASEO 4 PRESENTACIÓN DE CORTOS “CHILE FACTORY” Presenta: LoboLab. Participan: Giancarlo Nasi, Constanza Arena.

El clásico pionero de la tridimensión nacional y popular no quiere irse del Festival donde se proyectó por primera vez, allá por 1954, así que agregamos dos funciones dos. Con entrada libre y gratuita, Buenos Aires en relieve podrá (re)verse, anteojitos 3D mediante, hoy viernes y mañana sábado a las 16.00 en la Sala 3 del Paseo Aldrey Cultural y Comercial.

POR SI TODO ESTO FUERA POCO... A las 11.00, en la Sala 1 del Paseo Aldrey, la Secretaría de Cultura del Municipio de General Pueyrredón presenta su Festival de Cine Marplatense con la proyección de los cortos ganadores del 2015, Descartables y La prueba final. Además, los fundadores del Festival anunciarán la nueva convocatoria para el año próximo. · ¡Termina el Seminario de Marketing, buááá! Uno de los puntos altos de nuestras Actividades

Especiales se despide –a las 15.00 en la Sala 6 del Paseo Aldrey– con una imperdible charla sobre “Los festivales como punto de partida”, de la que participará un lujoso elenco internacional: Ivana Novotna (Karlovy Vary), Rachael Rakes (Film Society of Lincoln Center), Carlos Rentería (Lima Independiente) y Diego Lerer (Beijing Film Festival). · A las 17.00, en la misma Sala 6, tendrá lugar una mesa informativa

sobre la Fundación DAC, que se propone proyectar cine argentino –de y con calidad– en escuelas secundarias urbanas, rurales y de puntos extremos de nuestro país, acercando a los directores de las películas y sus protagonistas a debatir con alumnos y docentes. Allí estarán Juan Bautista Stagnaro y Gabriel Arbós; respectivamente, presidente y secretario de la Fundación DAC.

TANGERINE Estados Unidos - 88’ Dirigida por Sean Baker Con Kitana Kiki Rodriguez, Mya Taylor

COMPETENCIA ARGENTINA

PEQUEÑO DICCIONARIO ILUSTRADO DE LA ELECTRICIDAD Argentina - 87’ Dirigida por Carolina Rimini y Gustavo Galuppo Con Lucila Pesoa, Juan Aguzzi

Cada gran ciudad tiene su barrio rojo, y el de Los Ángeles es de un encanto peligroso. Sean Baker crea una ficción en ese territorio en conflicto, aliado con actrices trans no profesionales y un sistema de filmación con iPhones. Y todo culmina en un tour callejero vertiginoso, de energía desbordada, que se aleja del indie minimalista. Pura fiebre.

Un relato entre la ciencia y la alucinación que contiene la extraña biografía de un pionero en investigar la energía eléctrica aplicada a los medios audiovisuales. Galuppo y Rimini hacen una suerte de antología visual y sonora con técnicas experimentales electrocutadas, que incluyen citas al cine de ciencia ficción y a los documentales científicos.

HOY, 9.00 Y 19.30 I AUD SA 7, 0.00 I AMB 1

HOY, 13.10 Y 21.40 I ALD 5 SA 7, 16.00 I ALD 5

G U S TAV D E U T S C H

OJO CIENTÍFICO La investigación parece estar en la base de las obras de Gustav Deutsch: no es casual que su primera entrega de la serie Film ist. esté centrada en las películas científicas, en la exploración visual a través del cine. Deutsch es un detective de archivos y cinematecas; su pesquisa lo lleva a buscar huellas en la historia del registro en celuloide para volver a juntarlas en series de reciclaje que terminan concentrando una potencia única a partir de fragmentos poco célebres, no necesariamente marcados por la cultura pop. Con esas imágenes anónimas que el ojo olvida o descarta, Deustch logra el

éxtasis audiovisual, consigue llegar al corazón delator de los procesos de alucinación, pesadilla, pensamiento y documento del mecanismo cinematográfico. Además de extender al largometraje repetidas veces con éxito algunas búsquedas de la escuela austríaca del found footage, Deutsch emprendió junto a la directora de arte Hanna Schimek otra investigación, ahora a partir de la obra pictórica de Edward Hopper, para crear Shirley - Visions of Reality. Sondeando el universo visual de tres pinturas de Hopper, el cineasta vuelve a hacer un montaje de materiales diversos para encontrar nuevas configuraciones estéticas, conceptuales y narrativas, en la encrucijada de la mirada propia y la ajena, en ojos que se superponen en la pantalla: de eso mismo trata el fenómeno cinematográfico. Sobre esta experiencia, Deutsch y Schimek prepararon una clase magistral donde expondrán una forma novedosa de crear una película.

16.00 SALA 1 - PASEO ALDREY CULTURAL Y COMERCIAL VISIONS OF REALITY MASTERCLASS GUSTAV DEUTSCH & HANNA SCHIMEK Modera: Cecilia Barrionuevo.

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COMPETENCIA INTERNACIONAL

HUGO SANTIAGO

UN FANTÁSTICO PORTEÑO Hugo Santiago volvió al cine argentino tras casi cinco décadas de ausencia. Lo hizo con El cielo del Centauro, que llega al Festival de la mano de su productora Agustina Llambi Campbell. Mientras prepara el guion del cierre de la llamada “Trilogía de Aquilea” (que integran Invasión y Las veredas de Saturno), Santiago nos contó qué significó para él filmar una Buenos Aires de ensueño, cómo fue el trabajo con Mariano Llinás y el grupo de El Pampero Cine, y sus expectativas a futuro. ¿Cuándo decidiste volver a filmar en la Argentina? Hace años que estoy trabajando sobre un guion que debe ser filmado en Buenos Aires y me parecía que antes de hacer esa película, que es un poquito enorme, convenía que volviera a filmar en la Patria una “película chiquita”, después de 45 años de ausencia (Invasión fue terminada en 1969). Tenía en mente la idea de un cuentito y entonces se lo propuse a Mariano Llinás, a quien invité a París para trabajar conmigo en el desarrollo de ese guion. Ese trabajo dio como resultado El cielo del Centauro. Muy pronto la producción fue montada por Agustina Llambi Campbell, en coproducción con Edgard Tenembaum de París. ¿Cómo fue el contacto con El Pampero Cine? ¿Sentís que las películas de Mariano Llinás o Alejo Moguillansky son herederas de tu cine? Soy amigo (el “Viejo Amigo”) del Pampero Cine, desde hace años. Que Mariano y Alejo sean mis herederos es mucho desear y sería algo pretencioso de mi parte: digamos que compartimos varios valores cinematográficos fundamentales. Y no solo con ellos, sino con varios de los jóvenes cineastas en Argentina. La película presenta a una Buenos Aires a la vez real y algo mítica, recubierta de una mística que remite a antaño. ¿Tuviste en mente a Invasión a la hora de filmar a esta ciudad reconocible y a la vez extraña?

Digamos que El cielo del Centauro pertenece una corriente narrativa muy del Río de la Plata. Me gusta decir que es el “fantástico porteño”, perfectamente reconocible. Invasión, por supuesto, era eminentemente una narración fantástica porteña –pero en Invasión la ciudad es Aquilea, mi Buenos Aires mítico, y en El cielo del Centauro se trata de un Buenos Aires de sueño, que sería la del recuerdo del protagonista francés, muchos años después. En la película se perciben ciertas referencias a la obra de Borges, especialmente a cuentos como “La muerte y la brújula”. ¿Es Borges una inspiración directa? Borges es, por supuesto, uno de mis maestros mayores en narrativa. Hay otros, ingleses, orientales, que fueron también sus maestros... Pero si El cielo del Centauro tiene un abuelo, ese es Bustos Domecq, un autor que imaginaron Borges y Bioy Casares, emperador porteño del humor fantástico cotidiano. ¿Cómo encontraste a la industria local desde tu anterior experiencia? ¿Ves progresos en técnicos y recursos? Por supuesto. La encontré muy bien, y lista para afrontar cualquier proyecto. La secuencia de Cándido López es extraordinaria, un estallido de colores que abre la paleta, una digresión sumamente bella. ¿Cómo surgió la idea de

trabajarla en la película? La secuencia de Cándido López nació con la primera idea de la película. Siempre hay en mis trabajos por lo menos una secuencia lírica, y esta vez Cándido se merecía ese homenaje. Su pintura le cae espléndida a El cielo del Centauro. ¿Tenés deseos de hacer otra película próximamente, quizá también filmada en Argentina? Como les contaba antes, desde el 2006 estoy trabajando en lo que debe ser la tercera parte de mi “Trilogía de Aquilea”, que comenzó con Invasión, siguió

A D I Ó S A W E S C R AV E N

TODO POR UN SUEÑO Hace poco más de dos meses falleció Wes Craven. Para muchos de quienes amamos el cine de terror fue una noticia horrible, espantosa. No se murió Wes Craven; se nos murió Wes Craven. Wes supo darnos algunas de las películas de terror más lúcidas de la historia del cine, y algunas de las mejores películas de la historia del cine a secas. ¿Y qué mejor manera para recordarlo y, por qué no, para despedirlo, para ayudarnos a elaborar el duelo, que ver Pesadilla en lo profundo de la noche en fílmico? Si bien la saga de Freddy Krueger es conocida por su carácter más bien burlón, esto fue gracias a sus secuelas: su primera entrega está jugada totalmente en serio. Lo cual no quiere decir que se trate de una película solemne: nada en Wes Craven es solemne. Pero al igual que La nueva pesadilla, séptima película de la saga y la única que dirigió Craven además de la primera parte, Pesadilla en lo profundo de la noche no está atravesada por la comedia –eso lo reservó para su otra saga, la de Scream–. Con Pesadilla en lo profundo de la noche, Craven logró renovar un subgénero como el slasher que, por ese entonces (1984), se había vuelto un tanto repetitivo. Y lo hizo de la mejor manera posible: creando un universo

a la vez horroroso y visualmente hermoso. En Pesadilla en lo profundo de la noche hay cosas que suceden dentro del mundo de los sueños y otras que suceden fuera de él, pero Craven logra estilizar ambos mundos de tal manera que se confunden y se entrecruzan al punto de no saber cuáles de las cosas que estamos viendo son reales y cuáles no. Craven crea todos los climas correctos en los momentos justos, y a su talento a la hora de narrar y de poner en escena un sinfín de situaciones de enorme belleza se le suma una extraordinaria banda de sonido a cargo de Charles Bernstein, quien, mediante el uso de sintetizadores, logra captar a la perfección la atmósfera entre onírica y macabra que el relato necesita. Una de esas películas que mejoran cada vez que uno las revisita. Juan Pablo Martínez PESADILLA EN LO PROFUNDO DE LA NOCHE HOY, 0.00 I PAS 3

con Las veredas de Saturno (exiliados de Aquilea en París, veinte años después), y treinta años después tiene que terminar con Adiós, en la que un gran científico porteño exiliado en París trata de regresar a Aquilea, si es que ello es posible. Una vez acabado El cielo del Centauro, retomé con toda energía el guion de Adiós (su enésima versión ya está casi lista), que filmaré en Buenos Aires apenas pueda. EL CIELO DEL CENTAURO HOY, 16.20 | AMB 2 SA 7, 15.20 | AMB 2

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E L PA P E L D E L C I N E : B I B L I O T E C A D E L F ES T I VA L

BLACK POWER Película maldita basada en una novela maldita, la incendiaria Sangre negra abordó como ningún otro film (o libro, para el caso) de su tiempo la cuestión racial en Estados Unidos. Ante la imposibilidad de hacerse en Hollywood, tuvo que ser filmada en nuestro país por un francés y protagonizada por el propio autor de la novela, Native Son. Con una copia flamante que es uno de los orgullos del Festival y la edición del libro de Edgardo Krebs que reconstruye su increíblemente retorcida historia, empieza a hacerse justicia con uno de los más importantes noirs (nunca mejor usado el término) de nuestra historia.

Después del éxito de Native Son –la novela y su adaptación teatral– y mucho antes de que fuera posible la versión fílmica, Richard Wright intentó con persistencia conseguir trabajo como guionista de cine. La escritora negra Margaret Walker, amiga de Wright desde los tiempos en que ambos formaban parte del Federal Writers’ Project en Chicago, recuerda que el cine era una pasión para él. De chico iba por lo menos una vez por semana a los teatros, a ver lo que fuera. Pasó gradualmente del Llanero Solitario, el Cisco Kid y Roy Rogers al film noir de Humphrey Bogart, Edward G. Robinson y Jimmy Cagney. “Sentía que el cine era como la vida misma, y me confesó que era el modelo de su ficción dramática y melodramática.” En 1942, invocando el nombre de su amigo Norman McLaren, Wright le escribió una carta al admirable John Grierson, director del National Film Board de Canadá, pidiéndole trabajo como guionista. Cita sus publicaciones, pero destaca en particular 12 Million Black Voices, un libro que es hijo de la vocación documental del FWP y que hace por la población negra de los EE. UU. algo parecido a lo que hizo su coetáneo Let Us Now Praise Famous Men por los campesinos del Midwest, desplazados de sus farms por la Gran Depresión y el “Dust Bowl”. En el prólogo, Wright aclara que su libro no incluye a los “así llamados” talented tenth, el diez por ciento de la población negra comprendido por líderes mulatos del Sur y la clase media empresaria del Norte industrial, “que forman una suerte de vínculo entre negros y blancos”. Su libro se ocupa del restante noventa por ciento, la “envilecida población feudal”

protagonista de la Gran Migración a los centros urbanos. En su carta a Grierson, Wright compara al libro – noventa fotografías y treinta y cinco mil palabras– con la banda de sonido de una película. “Tengo treinta y tres años, soy negro, y he sido un escritor profesional desde hace diez.” Grierson no lo contrató, pero la carta fue el origen de una amistad que duró hasta la muerte de Wright. Entre los papeles de Wright también figuran una serie de cartas que intercambió en los años 40 con Columbia Pictures, y cuatro guiones: Freedom Train, Last Flight, Lucy Comes Marching Home y Melody Limited. Nunca se filmaron. “Estoy de acuerdo con usted –dice una de las cartas de rechazo– en que hay material para un film en la historia del canto negro y el desarrollo de instituciones de enseñanza negras. Sin embargo creo que sería muy difícil elaborar un guion exitoso a partir del tipo de material que nos ha enviado.” Todos los guiones tienen como tema algún aspecto central de la experiencia histórica de los negros en los EE. UU. Cuando, a mediados de 1948, Pierre Chenal y Richard Wright se reunieron en un bar de París para conversar sobre la adaptación fílmica de Native Son, él ya vivía exilado allí por decisión propia. (Tres años más tarde explicaría sus razones en un polémico artículo escrito para Ebony, que el director de la revista se rehusó a publicar. “Vivo en el exilio –decía Wright allí– porque amo la libertad, y he encontrado más libertad en una manzana de la ciudad de París que en la totalidad de los EE. UU.”) Chenal y Wright compartían la afición por Dostoievski y por el cine noir. Chenal había

llevado Crimen y castigo al cine. También había sido el primer director en hacerlo con El cartero llama dos veces, de James Cain. Los argumentos de ambas novelas tienen mucho en común con el de Native Son. Hay un crimen, un castigo, y el criminal encuentra, al final de la historia, una suerte de expiación personal al aceptar su destino. Son novelas que se ajustan a una fórmula narrativa preferida por Chenal. Ocurre una transgresión, una serie de hechos se derivan de ella y el director observa con su cámara las distintas reacciones de los personajes afectados. Además, Chenal y Wright valoraban y buscaban el soporte documental en sus obras. Los primeros cortometrajes de Chenal describen los pequeños oficios de París y la emergente arquitectura modernista de la ciudad. Pero, por encima de estas “afinidades electivas”, lo que debe haber decidido a Wright a firmar un contrato con Chenal es que tenía sentido. Filmar en los EE. UU. o en Europa era claramente imposible. El uruguayo Jaime Prades (con quien Chenal ya había trabajado en la Argentina) ponía parte de los fondos y Argentina Sono Film el resto, más la disponibilidad de sus estudios en Martínez. En la Argentina estarían lejos de la censura previa norteamericana. El film podía hacerse. Chenal había visto la adaptación teatral de Native Son en Buenos Aires, estrenada en 1944 en el teatro El Nacional por la compañía de Narciso Ibáñez Menta. Desde entonces tenía el deseo de llevarla al cine. (…) En sus Souvenirs, Chenal cuenta que Dick (así lo llamaba a Wright) había perdido las esperanzas de ver su libro transformado en una película. Con el proyecto iniciado por Prades ya en camino, surgieron preocupaciones más pragmáticas. El “gran problema” era quién interpretaría el rol de Bigger Thomas. Canada Lee no quiso o no fue elegido para hacerlo: las fuentes son contradictorias. Los críticos que lamentan su ausencia y señalan la edad de Wright como uno de los deméritos de Sangre negra –Bigger Thomas es un joven de veinte años en la novela– olvidan que Lee era un año mayor que Wright.

(…) Wright además descontaba, antes de comenzar la filmación, que la película tendría muchas dificultades en los EE. UU. Entró al proyecto con los ojos bien abiertos. El contrato final se firmó en las oficinas de Paul Reynolds en Nueva York, en agosto de 1949, con Chenal, Prades y Wright presentes. Una semana más tarde los tres viajaron por separado a Chicago para comenzar la filmación de exteriores. 13.00 ESPACIO “UN PUENTE” PRESENTACIÓN DEL LIBRO SANGRE NEGRA, DE EDGARDO KREBS Participan: Mike Mashon, Luis Ormaechea, Fernando M. Peña. SANGRE NEGRA SA 7, 17.30 | COL

SACRAMENTO

CARTAS BLASFEMAS El director de la irreverente Sacramento, que se presenta hoy en el Festival, intercambió algunos emails con nuestro presidente, José Martínez Suárez. Y como no tienen el menor desperdicio, decidimos compartir esa graciosa correspondencia con todos ustedes. ¡Que la disfruten!

Querido don José, Soy Carlos Cañeque, el guionista, actor protagonista, músico y director de Sacramento, una película que ha tenido la suerte de ser seleccionada por ustedes en su importantísimo festival. Mi representante en festivales, la argentina afincada en Barcelona Johanna Tonini, me ha hecho llegar un mensaje suyo en el que comenta muy cariñosamente un breve texto que escribí para grabarlo en un vídeo que podría proyectarse antes de Sacramento, ya que desgraciadamente no podré asistir a Mar del Plata para presentar la película. Ese texto mío, por tanto, no estaba dirigido al festival, sino a una sala en la que esa broma (sí, es una broma) sobre enviarle al papa Francisco la película, tenía sentido. Después de leer su texto, en el que incluso dice que le gustaría conocerme (como me gustaría a mí también conocerle a usted) busqué algunas entrevistas suyas en YouTube y me encontré con la persona cercana y entrañable (además de total hombre de cine y maestro de varias generaciones de directores; voy a tratar de ver sus películas) que sin duda es usted. Esto me anima a escribirle y hablarle, con una extensión que espero no sea excesiva, de mi trayectoria como escritor y realizador. He sido profesor de Teoría Política durante 30 años en la Universidad de Barcelona (tengo 58 abriles). Mi primer libro fue mi tesis doctoral sobre el “teleevangelismo” norteamericano (Dios en América, Península, 1988), sobre ese fenómeno mediático que, según mi interpretación entonces, generaría un proceso global de conversión de fieles católicos al evangelismo. Hoy podemos afirmar que aquella hipótesis es un hecho. Debido a su estructura centrípeta y a la necesidad de la figura del sacerdote, sin el cual no puede oficiarse el rito de la misa, la iglesia católica está perdiendo, sobre todo en Latinoamérica pero también en el resto del mundo, porcentajes alarmantes que me hacen pensar que, a pesar de la apertura del papa actual, podrían hacer peligrar su permanencia como institución milenaria. Yo no soy creyente pero me atrevo a decir que en nuestros días ya no se pueden mantener elementos como el celibato de los sacerdotes, ni la falta de participación institucional de la mujer ni la cerrazón doctrinal que impide los mensajes mucho más participativos que emiten en los medios los arrasadores evangelistas de todo el mundo. Sacramento cierra una trilogía sobre el placer y el dolor, sobre Eros y Tánatos, sobre la libertad instintiva dionisíaca y la religiosidad represiva, etc. A pesar de que se trata de mi primera película enteramente de ficción, la temática y la estética (actores en blanco y negro y fondos en color) me hacen pensar que se trata de una trilogía. Mi amigo e historiador del cine Román Gubern, quien parece que participó dos años en alguno de sus jurados en Mar del Plata, declaró públicamente hace unos días, después de ver Sacramento en el Festival de Sitges, que la película le recuerda mucho a Buñuel. Su comentario me

alegró mucho porque creo que Buñuel, junto a Fellini, es una de las referencias que los latinos deberíamos casi adorar. Además de ser guionista y realizador he sido escritor y ensayista. Con mi primera novela tuve la suerte de ganar el premio Nadal en 1997. Una novela (Quién) que se atreve al reto loco de alargar los cuentos de Borges, de utilizar sus sistemas simbólicos y sus procedimientos narrativos, de hacer prosaicas las breves narraciones de este escritor genial. Un año antes de escribir esa novela, yo había publicado un libro de entrevistas sobre Borges, un libro que le adjunto y en el que pueden leerse entrevistas (algunas muy extensas) con algunas de las personas más autorizadas para hablar del autor de “Las ruinas circulares” (Rodríguez Monegal, Jaime Alazraki, Fernando Savater, Harold Bloom, Guido Castillo, Ion Agheana y María Kodama). De esta forma, en mis cuatro novelas y en mis tres películas, las “bes” de Borges y Buñuel (junto con la de Berlanga, sobre el que también publiqué un libro) son estelas que me parece que deberíamos seguir a pesar de los riesgos de caer en la triste imitación. Aprovecho para enviarle un enlace para que pueda ver Sacramento sin subtítulos en inglés. Creo que uno de los personajes que interpreto, el del padre Popper, que es uno de “los tres curas locos”, refleja paródicamente la figura de un sacerdote católico norteamericano que trata de imitar a los teleevangelistas protestantes desde un problemático programa católico de televisión instalado en Barcelona. Como el papa Francisco ha declarado su atracción por Borges y Fellini, he pensado (y ahora lo digo en voz baja pero en serio) que tal vez podría tratar de enviarle mi libro sobre el teleevangelismo norteamericano, la película Sacramento y el libro de Borges que aquí le adjunto. Barrunto que es un hombre con mucho sentido del humor y fina ironía y que, a pesar de que Sacramento es tan irreverente como algunas películas de Fellini o Buñuel (y algunos cuentos de Borges como “Tres versiones de Judas”), le podría interesar. Creo que el sentido del humor no es incompatible con ninguna religión y que Cervantes, tal vez inconscientemente, construyó su personaje del hidalgo loco pensando mucho más en Jesús de Nazaret que en los libros de caballería. En fin, don José, que Dios me coja confesado… De existir el cielo y el infierno (qué crueldad esa idea del infierno) seguro que acabaré padeciendo eternamente las llamas. Los atentados en París por las caricaturas de Mahoma me hacen pensar que en el contexto occidental todavía podemos parodiar hasta lo más sagrado sin temer esas graves represalias. No podré acudir al festival físicamente, pero tal vez podría hacerlo en vivo a través de una videoconferencia o de un Skype que podría verse en la pantalla de la sala. Me encantaría que eso fuera posible. Perdone mi extensión. Un fuerte abrazo. Carlos Cañeque

Distinguido Sr. Cañete: El común (nada común) amigo Francisco Pérez Laguna me ha enviado un mensaje suyo que he disfrutado como hacía rato no me ocurría. Hay menciones a las que debo recurrir para mejorar mi anterior envío. En caso que se decida a enviar un texto al papa Francisco, le sugiero agregue en el sobre luego de su dirección “Puerta Principal”. Lo felicito por el premio Nadal de 1997; ese premio no lo gana cualquiera en España. Ya se demostró cuando debutó en la dignidad que conlleva, Carmen Laforet a pesar de que su obra se titulaba Nada, pero no era cierto. Había cosas. Esa novela fue filmada en 1956 acá en la Argentina, adaptada por Arturo Cerretani con el título de Graciela, por Leopoldo Torre Nilsson. Los intérpretes principales fueron Elsa Daniel, Lautaro Murúa y Susana Campos. Con respecto a la letra “B”, si el texto fuera mío agregaría a Bardem, el alter ego de Berlanga y amigo personal mío, pero tal vez él no lo

supiera. Estudiaremos lo del texto previo a la exhibición de Sacramento. Como no practico, la película, no le prometo nada. Una infidencia: El Festival recibió casi 3000 películas, yo vi cerca de 800; revisamos recién las consideraciones y le transcribo la que me mereció su film: “Comedia con inesperados momentos donde hay burla hacia todo lo que hoy se considera sagrado. Arbitraria, imaginativa, puede ser una interesante sorpresa para el público. Alguien puede encontrar reminiscencias con la caligrafía de Buñuel y Fellini, con algunos resquicios borgeanos. Y va a acertar. Sí. Programar.” Le dejo mi cordial y agradecido saludo, por la calidad de su texto. José Antonio Martínez Suárez

SACRAMENTO HOY, 0.40 | PAS 4 SA 7, 22.00 | PAS 4 DO 8, 19.20 | PAS 4

3 0 º f e s t i v a l i n t e r n a c i o n a l d e c i n e d e m a r d e l p l ata

EL NACIMIENTO DE UNA CANCIÓN: CINE & MÚSICA

NEW YORK, NEW ROCK El maestro del documental punk rocker y la reina del avant-garde neoyorkino. El cine y el rock nunca estuvieron mejor acoplados sin necesidad de mostrar ni una sola escena de música rock. Es el día de los híbridos en el Festival, de los incompatibles para Hollywood y los descreídos de la vanguardia de la Gran Manzana. Director fundamental del cine independiente y experimental norteamericano, a medio camino entre el videoarte y el ensayo, Jem Cohen supo mezclar cine y música de la forma más elocuente y significativa. El poder lírico de sus imágenes, su visión sobre su generación, la alienación y la soledad en lo urbano, y sus retratos de bandas generacionales lo han convertido en habitante del corazón de los estudiosos del rockumental en particular, pero también de los más exigentes amantes del cine, por su lucidez y extrema destreza creativa en la dirección. Amor por las cintas de Super8 y VHS, de Fugazi a Elliot Smith, de las enigmáticas calles neoyorquinas de Lost Book Found, al núcleo de un museo de arte en la esplén-

dida Museum Hours (producida por Patti Smith e inspirada en algunos ensayos de John Berger). Este año Jem Cohen presenta Counting, su película más reciente, en la que se permite curiosear y especular sobre las diferencias entre ciudades e idiosincrasias en un docutrip a lo Chris Marker. Un alucinado viaje de Nueva York a Estambul, de Oporto a Moscú y a Sharjah en el que –comentan sus más asiduos– podría ser uno de sus mejores trabajos. Divagando por las calles de la Gran Manzana está también Laurie Anderson, la inventora del insólito violín magnético de arco de cinta y viuda de Lou Reed. Compositora, poeta y pintora, su faceta como directora de cine es quizás la menos conocida. A partir de hoy el Festival presenta Heart of a Dog, un ensayo documental sobre la muerte, la memoria y el duelo. Fiel a su estética transgresora e indecisa, Laurie se anima a tomarse todas las licencias para revisitar el libro tibetano de la muerte y encontrar correspondencias en su historia personal: “He llegado a creer que la muerte es la realización del amor”, nos

dice. Un collage guiado por sus reflexiones en primera persona, bellas postales naturales y urbanas, fotos familiares, animación, actualidad y poemas originales. Todo dedicado a la memoria de su perrita Lolabelle, y como despedida y acercamiento filosófico a su esposo y su madre. Por supuesto, el viejo Lou no se hace extrañar y eventualmente se lo puede oír carraspeando discretamente el que podría ser el tema de la película: “El tiempo no tiene sentido / Ni

futuro, ni pasado / Y cuando amas ni siquiera tienes que preguntarte nada”. HEART OF A DOG HOY, 20.00 I CIN 2 SA 7, 22.50 I CIN 2 DO 8, 11.20 I CIN 2 COUNTING HOY, 0.30 I CIN 1

THE ASSASSIN

CRIMINAL MAMBO Reposo y elegancia: la primera película de artes marciales de Hsou Hsiao-hsien es –como era un poco de esperarse– una obra reposada y muuuy elegante, en la que la acción brota dosificada, en escenas brevísimas y abruptas pero nunca explosivas. Sin embargo, esa rítmica tranquilidad y su hipnótica composición visual –tanto la de sus paisajes naturales como en sus interiores en rojo, negro y dorado– exacerban la sensación de inquietud, la tensión ante lo que sea que está por venir. HHH se queda con la calma y les deja la tormenta a los demás, a los autores ya especializados en el wuxia, despojando su relato no sólo de exabruptos si no también prácticamente de palabras: quedan apenas las suficientes para que entendamos quiénes son sus personajes y cómo es que llegaron hasta allí.

Y allí es China, siglo IX. Shu Qi, la actriz favorita del director de Millenium Mambo, es Nie Yinniang, una auténtica belleza mortal. Vestida de negro como un ninja, la misteriosa Yinniang regresa al que alguna vez fue su hogar, tras años de exilio. Su maestra, a quien fue entregada de pequeña, la entrenó para convertirla en un arma letal, una máquina destinada a liquidar a cretinos de diversa laya. Y ahora le ha dado una misión: eliminar a su propio primo, gobernador de la enorme y poderosa provincia militar de Weibo, cuyas relaciones con la decadente Corte Imperial se sostienen en una tregua más bien inestable. La tarea será más complicada de lo esperado, porque, como le dice su rigurosa mentora, ella habrá ya dominado la técnica, pero su mente es aún “rehén de sentimientos humanos”. Para todos aquellos que encuentren esta película de HHH demasiado atípica en su filmografía, el director ha explicado que su inspiración provino de un lugar tan personal y genuino como todos sus films previos: su infancia y adolescencia, que pasó leyendo los cuentos de Pei

Xing, el creador de –entre otros complejos personajes femeninos– Nie Yinniang. “Siempre quise hacer un film basado en ellos, y me decía: lo haré cuando sea más viejo. Y ya soy más viejo”. Y –solo hay que mirar con atención– nunca deja de ser un film suyo; con su ritmo, sus planos largos y amplios, su estilización de siempre. Y, acaso, un poco más de magia. Mariano Kairuz THE ASSASSIN HOY, 18.40 | AMB 1 SA 7, 15.50 | AMB 1 DO 8, 21.10 | AMB 1

E X T RA Ñ A PA R E JA

COMO PERRO CON DOS COLAS Dice un viejo dicho fílmico (o interpretativo, mejor dicho, sea de cine o teatro, o en realidad de todo lo vinculado a la representación) que los niños y los animales son los principales enemigos del actor en escena. Son los roba-aplausos, los que se llevan las risas y los lagrimones, los que borran a todo objeto o persona con los que compartan encuadre o escenario; para resumir: son las verdaderas estrellas de la función. Pues para homenajear a uno de esos colectivos responsables de tan injusto resentimiento, los que no tienen voz para defenderse más que sus ladridos, están estas dos películas presentes en el Festival: Heart of a Dog y Alexfilm. Con perros, sobre perros, a propósito de perros. El documental de Laurie Anderson, escultora y artista visual, cineasta y música alternativa, es sobre el duelo de su vida, sobre sus pérdidas, sobre sus amores. En Heart of a Dog

está la historia del perro Lollabelle, cuyos sueños alucinados no son sobre huesos y escondites, sobre peleas con gatos y siestas domingueras, sino que son sueños plásticos y musicales, plagados de evocaciones literarias y reflexiones filosóficas. Junto a él, otras ausencias gravitan en la vida de Laurie: la de su madre y la de su esposo. Este último no es un esposo cualquiera: la figura de Lou Reed, marido y compañero de Laurie, cuya pérdida sobrevuela cada imagen, cada entresijo entre planos, cada nota del documental, es algo más que un amor perdido. Como Lolabelle, hombre y bestia aúnan sus fuerzas en el pasado y llegan al presente con una potencia arrolladora, que solo puede ser exorcizada en este cálido y alucinado itinerario. En la mexicana Alexfilm, el perro no es solamente el mejor amigo del hombre sino el único que tiene. Es su único apoyo y compañía de cada pequeña y cotidiana tarea que

lleva a cabo con dedicación autoimpuesta y obsesiva. Una cita importante, un día cualquiera. La cotidianeidad desmenuzada por Pablo Chavarría asume un tono lúdico que se desliza sutilmente en pequeños gags y complicidades de los que su amigo cuadrúpedo es partenaire imprescindible. Una extraña pareja recomendada para ir a ver en ídem; si los dejan, cómo no, con sus mascotas. ALEXFILM HOY, 18.50 | ALD 5 SA 7, 18.50 | ALD 5 DO 8, 10.20 | ALD 5 HEART OF A DOG HOY, 20.00 | CIN 2 SA 7, 22.50 | CIN 2 DO 8, 11.20 | CIN 2

VIERNES 6 9.00 I AUD TANGERINE Sean Baker 88’ / INT

Franco Maresco 98’ / AUT

10.00 I AMB 3 WIP - PROGRAMA 3 Varios directores 120’ / WIP 10.10 I AMB 4 EL NACIMIENTO DE UNA NACIÓN D. W. Griffith 190’ / REV 10.20 I ALD 5 PAÑUELOS PARA LA HISTORIA Alejandro Haddad, Nicolás Valentini 72’ / PCL 11.20 I CIN 2 SHIRLEY VISIONS OF REALITY Gustav Deutsch 92’ / DEU 11.20 I PAS 4 QUIERO SABER POR QUÉ ME DEJASTE Iván Stoessel, Fede Pozzi / 15’ RELATOS DE FÚTBOL Tadeo Suárez / 15’ ROSA Sebastián De Caro / 12’ EL TESORO DE AURORA Gonzalo Acosta / 15’ SALIR Javier Pera / 15’ EL SILENCIO DE ANTONELLA Ruth Natalia Gómez, Horacio Florentín 13’ / COA 12.30 I COL ZVENIGORA Aleksandr Dovzhenko 67’ / DOV 12.40 I AMB 2 GLI UOMINI DI QUESTA CITTA IO NON LI CONOSCO. VITA E TEATRO DI FRANCO SCALDATI

12.50 I PAS 3 AMAMA Asier Altuna 103’ / NAU 13.10 I ALD 5 PEQUEÑO DICCIONARIO ILUSTRADO DE LA ELECTRICIDAD Carolina Rimini, Gustavo Galuppo 87’ / ARG 13.10 I AMB 1 C’EST L’AMOUR Paul Vecchiali 97’ / AUT 13.10 I CIN 1 HARAM Max Gaggino / 13’ SAY I AM ONLY SEVENTEEN André Catoto Dias / 9’ TEREZA Mauricio Baggio / 12’ MILA Nahanna Riveros, Luciana Martin / 12’ CAPGRAS Ruth Cherem Daniel, Diego Sánchez Nicolás / 9’ PRINCESAS Natural Arpajou / 15’ASESINOS Gonzalo Gutiérrez Prado / 16’ EVA Francisco Pareja 12’ / COL 13.50 I ALD 6 THE PROPAGANDA GAME Álvaro Longoria 90’ / DOC 14.00 I PAS 4 ABISMO Gisela Peláez / 16’ ANTONIO Gastón Siriczman / 9’ PABELLÓN IV Nicolás León Tannchen / 8’

ECOSISTEMA Iara Udijara, Tomás Raimondo / 7’ FANTÁSTICO Tomás Sposato / 7’ GOMORRA Pablo Camaiti / 13’ EL CÍRCULO Nicolás Bagnulo / 8’ JORGE Roberto Porta 14’ / COA 14.10 I AMB 4 LA TIERRA ROJA Diego Martínez Vignatti 104’ / PAN 14.10 I CIN 2 HIJA DE LA LAGUNA Ernesto Cabellos Damián 87’ / PCL 14.30 I AUD EL CLUB Pablo Larraín 97’ / INT 14.30 I MAR FILM IST. (1-6) Gustav Deutsch 60’ / DEU 14.50 I AMB 3 IN THE LANGUAGE OF COWBELLS / STRAW COFFIN Zsigmond Dezső / 26’ THE DEAL Ewa Smyk / 4’ CÍRCULO Eduardo Pinto / 9’ KANDIRE Rosana Matecki 29’ / DOC 15.00 I COL JULY RAIN Marlen Khutsiev 115’ / KHU 15.00 I PAS 1 LOS MENTIROSOS Alejandro Jovic 13’ / HOR UPA! 2 EL REGRESO Tamae Garateguy,

Santiago Giralt, Camila Toker 80’ / PAN 15.50 I AMB 1 DAEMONIUM: SOLDADO DEL INFRAMUNDO Pablo Parés 120’ / HOR 16.00 I ALD 5 HORTENSIA Diego Lublinsky, Álvaro Urtizberea 90’ / ARG

19.15 I PAS 3 FILM IST. (7-12) Gustav Deutsch 93’ / DEU

17.00 I CIN 2 SUNSET SONG Terence Davies 135’ / AUT 17.00 I MAR SENDA ENTRE ABISMOS Gregory La Cava 63’ / HSC 17.10 I PAS 2 SUEÑOS ELÉCTRICOS Steve Barron 95’ / VHS

16.00 I CIN 1 SAMURAY-S Raúl Perrone 110’ / LAT

17.30 I AMB 3 BEAVER TRILOGY Trent Harris 83’ / HAR

16.20 I AMB 2 EL CIELO DEL CENTAURO Hugo Santiago 93’ / AUT

17.30 I COL TURUMBA Kidlat Tahimik 95’ / TAH

16.30 I PAS 3 ALTO PARANÁ Catrano Catrani 101’ / CAS

17.40 I PAS 1 LLAMAS DE NITRATO Mirko Stopar 65’ / DOC

16.40 I ALD 2 LA ÚLTIMA NOTICIA Alejandro Legaspi 100’ / PCL

18.30 I AMB 4 CEMETERY OF SPLENDOUR Apichatpong Weerasethakul 122’ / AUT

16.40 I AMB 4 88:88 Isiah Medina 65’ / ALT 16.40 I PAS 4 QUIERO SABER POR QUÉ ME DEJASTE Iván Stoessel, Fede Pozzi / 15’ RELATOS DE FÚTBOL Tadeo Suárez / 15’ ROSA Sebastián De Caro / 12’ EL TESORO DE AURORA Gonzalo Acosta / 15’ SALIR Javier Pera / 15’ EL SILENCIO DE ANTONELLA Ruth Natalia Gómez, Horacio Florentín 13’ / COA

19.30 I ALD 2 BIEN DE FAMILIA, UNA PELÍCULA MUSICAL María Eugenia Fontana 79’ / PAN

19.30 I MAR THE WILD PARTY Dorothy Arzner 77’ / HSC 19.50 I PAS 2 TODO COMENZÓ POR EL FIN Luis Ospina 208’ / AUT 20.00 I CIN 2 HEART OF A DOG Laurie Anderson 75’ / AUT

18.40 I AMB 1 THE ASSASSIN Hou Hsiao-Hsien 105’ / AUT

20.00 I COL LA TIERRA Aleksandr Dovzhenko 75’ / DOV

18.50 I ALD 5 ALEXFILM Pablo Chavarría Gutiérrez 60’ / ALT

20.10 I AMB 3 TAG Sion Sono 85’ / AUT

19.00 I AMB 2 HUMAN Yann Arthus-Bertrand 188’ / DOC

21.30 I AMB 4 BALIKBAYAN #1 Kidlat Tahimik 152’ / TAH

19.20 I PAS 4 CHILE FACTORY Varios directores 65’ / ESP

19.30 I AUD TANGERINE Sean Baker 88’ / INT

18.50 I CIN 1 IXCANUL Jayro Bustamante 91’ / PCL

119’ / AUT

20.15 I PAS 1 SUCIO Y DESPROLIJO: EL HEAVY METAL EN ARGENTINA Lucas Lot Calabró, Paula Alvarez 119’ / HOR 21.10 I AMB 1 OFFICE Johnnie To

21.40 I ALD 5 PEQUEÑO DICCIONARIO ILUSTRADO DE LA ELECTRICIDAD Carolina Rimini, Gustavo Galuppo 87’ / ARG 21.40 I CIN 1 A MIDSUMMER’S FANTASIA Jang Kun-jae 96’ / NAU 21.40 I PAS 3 FILM IST. A GIRL & A GUN Gustav Deutsch 93’ / DEU 22.00 I PAS 4 BOLIWOOD Sergio Bastani / 9’ PRIMAVERA Joaquín Tapia Guerra / 16’ DESPEDIDA Pablo Paniagua / 6’ AMAZONAS Carlos Piñeiro / 13’ NUEVA VIDA Kiro Russo 15’ / BOL 22.20 I ALD 2 TODA LA NOCHE Tamae Garateguy, Jimena Monteoliva 75’ / HOR

22.50 I AMB 3 RUBIN AND ED Trent Harris 82’ / HAR 23.00 I PAS 1 VIDEOFILIA (Y OTROS SÍNDROMES VIRALES) Juan Daniel F. Molero 103’ / NAU 23.20 I AMB 2 AAAAAAAAH! Steve Oram 79’ / HOR 0.00 I AMB 1 YAKUZA APOCALYPSE Takashi Miike 115’ / AUT 0.00 I PAS 3 PESADILLA EN LO PROFUNDO DE LA NOCHE Wes Craven 91’ / VHS 0.30 I CIN 1 COUNTING Jem Cohen 112’ / AUT 0.40 I PAS 4 SACRAMENTO Carlos Cañeque 104’ / ESP 1.10 I PAS 2 PELIGRO INMINENTE Carl Schenkel 90’ / VHS

22.30 I COL I AM TWENTY (ILLYICH’S GATE) Marlen Khutsiev 197’ / KHU 22.40 I CIN 2 RIGHT NOW, WRONG THEN Hong Sangsoo 121’ / AUT

AL PIE DEL CAÑÓN

LA TIERRA Si el Festival es una puerta abierta gozosa hacia el presente, sin dudas también lo es hacia el pasado del cine. ¡Y qué pasado! Los focos y retrospectivas son un lujo, y la ocasión de fiesta es la revisión de la obra de Alekandr Dovzhenko, quizás el menos revisitado de esa época dorada del cine soviético en la que brillaron Sergei Eisenstein, Vsevolod Pudovkin o Dziga Vertov. Hoy se verá una pieza fuerte de la colección, La tierra, un poe-

S TA F F 8

Diego Trerotola Agustín Masaedo

ma visual de absoluta modernidad, que nos trae la vida rural del gran territorio euroasiático bajo la mirada maestra de un verdadero artista de su tiempo. A no perderse la única proyección de este opus magno, que para mayor magia estará musicalizada en vivo por Fernando Kabusacki y Matías Mango. Así que ya saben: busquen su arado y su hoz, cálcense sus mejores prendas y dense una vuelta por el Colón, donde los espera un inolvidable festín para los sentidos, una gala con la historia del LA TIERRA cine en mayúsculas, en formidable copia nueva de 35mm. HOY, 20.00 | COL

Guido Segal Paula Vazquez Prieto

Andrea Guzmán Gastón Olmos

Maia Debowicz Pablo Marín

COLABORAN HOY

Juan Pablo Martínez Mariano Kairuz