Catálogo FICUNAM 1 by FICUNAM

CONTENIDO PRESENTACIÓN 04 JURADO 14 PREMIO PUMA DE PLATA 18 INAUGURACIÓN 21 COMPETENCIA INTERNACIONAL DE LARGOMETRAJE 25 TRAZOS LARGOMETRAJES 60 KEN JACOBS 72 PROYECTO DIGITAL JEONJU 84 GENNEVILLIERS 90 CORTOMETRAJES 94 RETROSPECTIVAS ARTAVAZD PELESHYAN 97 JEAN EUSTACHE 105 FJ OSSANG 127 TERRITORIOS: APICHATPONG WEERASETHAKUL 139 INSTALACIÓN PRIMITIVO 166 AHORA MÉXICO 171 ACIERTOS: ENCUENTRO INTERNACIONAL DE ESCUELAS DE CINE 183 PRESENTACIONES ESPECIALES 207 CINE AL AIRE LIBRE 213 CLAUSURA 217 Impresos Litopolis S.A. de C.V. Marcelino Dávalos 30, Colonia Algarín Delegación Cuauhtémoc, México DF México Febrero 2011

CONTACTO CON DISTRIBUIDORES 220 ÍNDICE POR PELÍCULAS 226 ÍNDICE POR DIRECTORES 228

PRIMER FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE UNAM

UNAM FIRST INTERNATIONAL FILM FESTIVAL

El interés que la Universidad Nacional Autónoma de México ha mostrado a lo largo de su historia por auspiciar aquellas manifestaciones culturales relevantes ha tenido un beneficio que va más allá del contexto de su comunidad, siempre ávida por lo que representa la innovación. En este sentido el desarrollo de la cultura cinematográfica en México, al margen de los vaivenes comerciales de la industria fílmica, ha tenido en los recintos universitarios una parte significativa de los mejores escaparates, pues es donde de manera ininterrumpida y mediando una apertura total hacia cualquier tendencia, se ha fomentado el disfrute y la reflexión entorno a un fenómeno complejo y atractivo, que se ha convertido sin duda en una de las expresiones más emblemáticas de la sociedad actual. Instancias pioneras y representativas como la Filmoteca, que cuenta con más de 50 años de vida; o el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (CUEC), la escuela de cine más antigua de América Latina y una de las más prestigiosas del mundo; además de lo que han aportado foros tradicionales como el Cinematógrafo del Chopo y las salas Julio Bracho y José Revueltas del Centro Cultural Universitario, en conjunto con los diversos cineclubes estudiantiles de escuelas y facultades, que desde los años sesenta han operado como entusiastas promotores de una variada oferta cinematográfica, sin duda han establecido, con el cúmulo de sus aportaciones, un valioso precedente que aspira a enriquecerse en todos los sentidos y prueba de ello es la realización de esta primera edición del Festival Internacional de Cine de la UNAM (FICUNAM).

Throughout its history, the National Autonomous University of Mexico (UNAM) has shown interest in fostering relevant cultural manifestations and this has proven beneficial beyond the context of its community, always eager for that which innovation represents. Because of this, the evolution of film culture in Mexico —beyond the ups and downs of the film industry and its commercial activity— has found some its best showcases at the University venues. In here, without interruption and with complete openness to all trends, this complex and attractive phenomenon — undoubtedly one of the most representative expressions of contemporary society— has been promoted for its enjoyment and reflexive consideration. UNAM is represented by pioneer institutions such as the Filmoteca (Central Office of Cinematographic Activities), which has been working for over 50 years; or the University Centre of Cinematographic Studies (CUEC), the oldest film school in Latin America and one of the most prestigious worldwide. There is also the contribution of some traditional film forums such as Cinematógrafo del Chopo and the Julio Bracho and José Revueltas theaters, at the University Cultural Centre. Together with the activity at the various art-house film forums run by students at the University schools and faculties —enthusiastic promoters of the most varied films since the sixties—these series of contributions and efforts have undoubtedly established a precedent which must keep advancing, and a proof of that advancement is the creation of this First Edition of the UNAM International Film Festival (FICUNAM).

La creación y el enriquecimiento de un acervo (uno de los más exhaustivos de Iberoamérica), la formación de públicos y realizadores, así como la generación de una crítica especializada y exigente o las labores de rescate y preservación de materiales históricos, son aspectos fundamentales que van en consonancia con la divulgación sin tregua de las más diversas propuestas fílmicas, de la misma forma que la organización de lo que será el mayor evento cinematográfico de nuestra Universidad simboliza no únicamente una alternativa para reinventar lo que miramos, sino una iniciativa cultural de excepción que privilegia e incentiva, dentro del ámbito de la libertad, el aprendizaje, la apreciación artística, la promoción de valores universales y la imaginación colectiva. El Festival Internacional de Cine de la UNAM, en su edición inaugural, es resultado de un notable esfuerzo universitario en el que múltiples instituciones, nacionales e internacionales, brindaron su apoyo y experiencia pero, aunado a ello, constituye una oportunidad excepcional para dar a conocer, bajo otra óptica y con criterios renovados, las últimas tendencias del séptimo arte. Dr. José Narro Robles Rector

The creation and development of one of the most complete film collections in Latin America and the Iberian Peninsula, the training of audiences and filmmakers, the generation of specialized and demanding critics, as well as the work of rescue and preservation of historical film material are fundamental aspects that go together with the unrelenting promotion of the most diverse cinema. And so, the organization of the greatest film occasion for our University not only symbolizes an alternative to reinvent what we see, but en exceptional cultural initiative that gives importance to and promotes a free space for learning, for exercising artistic appreciation, and for advancing universal values and collective imagination. This First Edition of the UNAM International Film Festival is the result of a remarkable University effort for which various institutions —in Mexico and abroad— brought their experience and support. It is also an extraordinary opportunity to make the last Seventh-Art trends known under a different point of view and with renowned criteria. Dr. José Narro Robles Rector

PRIMER FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE UNAM

UNAM FIRST INTERNATIONAL FILM FESTIVAL

La organización del primer Festival Internacional de Cine UNAM (FICUNAM) responde a una necesidad de contar en la ciudad de México con una alternativa cinematográfica distinta a la oferta actual. El objetivo central es ser una plataforma para los directores emergentes y a la vez, una ventana para exhibir el cine contemporáneo, tanto nacional como internacional, ya que hasta la fecha nuestra ciudad carece de espacios suficientes que pugnen por promover de manera amplia y sostenida ese otro cine, cuyo contenido y formas de promoción no son convencionales. Ver, disfrutar y discutir sobre aquellas películas, documentales u otro tipo de creación cinematográfica, que sean al mismo tiempo críticos y propositivos, representa una oportunidad para acercarse, conocer y valorar aquello que el séptimo arte nos da racional y emocionalmente. Así, con dos secciones en competencia: Largometrajes Internacionales y Aciertos como parte del Encuentro Internacional de Escuelas de Cine; cuatro secciones: Trazos, Retrospectivas, Ahora México y Territorios; además de actividades académicas como el “Coloquio de Cine Contemporáneo” y otras organizadas en colaboración con la Cátedra Ingmar Bergman en cine y teatro de la UNAM, se abre paso este novedoso Festival Internacional de Cine UNAM. En éste se podrán presenciar cerca de 120 títulos de alta calidad, esencialmente de carácter independiente o autoral, en diversos recintos universitarios y se tendrá también la posibilidad de participar con más de 40 destacados invitados internacionales, directores, críticos, promotores y académicos, en mesas de debate y exposiciones relacionadas con las distintas proyecciones provenientes de 25 países.

The UNAM First International Film Festival (FICUNAM) was organized in face of the necessity of having a film alternative different to the one currently offered. The main goal for it is to become a platform for emerging directors and, at the same time, a window for the exhibition of national and international contemporary cinema since our city currently lacks enough spaces to promote that other cinema —with unconventional contents and production methods— in a wide and steadfast way. To watch, enjoy and discuss films, documentaries and other sorts of film creations of a critical and innovative nature represents an opportunity to get in touch, to know and appreciate that which the Seventh Art offers us, both rationally and emotionally. And thus, our innovative UNAM International Film Festival begins with two competitive sections—International Feature Films and Feats, as a part of the International Film Schools Meeting; four screening sections —Traces, Retrospectives, Mexico, Right Now! and Territories; as well as academic activities such as the Contemporary Film Colloquium and others, organized in collaboration with the UNAM Ingmar Bergman Film & Theater Master Class. Over 120 high-quality independent art films will be shown in various university theaters and we will also have the opportunity of sharing with over 40 renowned international guests —including directors, critics, promoters and professors— in discussion tables and exhibitions related to the various screenings of films from over 25 different countries.

En esta convivencia organizada por la Coordinación de Difusión Cultural, el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos y la Dirección General de Actividades Cinematográficas, adquiere forma una iniciativa que busca una necesaria reinterpretación de una de las manifestaciones artísticas más reconocidas y aceptadas, el cine, así como propiciar el debate en torno a lo más reciente que tanto la industria fílmica como otras instancias dedicadas a la formación de nuevos talentos y al estudio sistemático de este hecho cultural. El FICUNAM se conforma así como un lugar de encuentro excepcional entre la tradición y la vanguardia cinematográficas en donde lo académico cobra importancia con la realización de una de las sesiones de la recientemente creada Cátedra Ingmar Bergman en cine y teatro de la UNAM, que ofrece conferencias, mesas de reflexión y un taller. Bajo esta premisa el cine, prioridad universitaria desde siempre y que tradicionalmente se ha erigido como un laboratorio que aglutina voluntad, inventiva y los recursos inverosímiles de la imaginación, simboliza el terreno donde la ficción y la realidad son senderos que nos conducen, indistintamente y con cruces de por medio, hacia el delirio más irredento, la comprensión cabal de lo que somos o la utopía más añeja. Prevalece entonces en el surgimiento de esta primera edición del FICUNAM una gran celebración estética, pero también la intención de ofrecer manifestaciones cinematográficas poco comunes y multidisciplinarias, que motivan el involucramiento entre los espectadores y los protagonistas más diversos, desde los cineastas en preparación; los especialistas y realizadores consagrados; el público cinéfilo y conocedor, hasta aquellos que son solamente amantes ocasionales de la magia que el cine nos produce sin excepción.

This gathering —organized by the UNAM Coordination of Cultural Diffusion, the University Centre of Cinematographic Studies, and the Central Office of Cinematographic Activities— gives form to an initiative aimed to find a necessary reinterpretation of one of the most recognized and accepted art forms, cinema; also, it is our aim to promote discussion around the latest work not only in the film industry, but also in the places devoted to forming new talents and studying systematically this cultural phenomenon. Thus, FICUNAM is an exceptional place for meeting film tradition and avant-garde, as well as to get in touch with relevant academic sessions such as the recently created Ingmar Bergman Film & Theater Master Class where conferences, discussion tables and a workshop will be offered. Cinema has always been a priority within the university since it is also a laboratory for bringing together the will, invention, and unbelievable resources of imagination. Cinema symbolizes the arena where fiction and reality become paths which take us —without clear distinctions between them and crossing each other all along the way— into the most unredeemed delirium, into a deep understanding of that which we are, or even into the oldest utopia. This First Edition of FICUNAM is a great aesthetic celebration, but it also represents the intention of offering unusual, multidisciplinary films to motivate an interaction between viewers and the most diverse characters, from filmmakers in their formation process to renowned specialists and directors; from knowledgeable film lovers to movie goers who simply love the magic which cinema, without exception, makes us feel.

Sealtiel Alatriste Coordinador de Difusión Cultural

Sealtiel Alatriste Cultural Diffusion Coordinator 7

GUADALUPE FERRER

Desde mediados del siglo pasado, la Universidad Nacional se ha caracterizado por atender el fenómeno cinematográfico como una expresión de la cultura a la que había que conocer y acercarse con sentido crítico. Ello para poder apropiarse del extraordinario fenómeno arte-industria que entretenía, conmovía y educaba sentimentalmente, pero que también expresaba la estética y el lenguaje de la imagen en movimiento. La Universidad se convirtió así en un espacio de memorables cine-clubes y, en no pocas ocasiones, en el lugar donde se expresaron movimientos independientes, innovadores y propositivos de la realización cinematográfica, a través de nuevos formatos, incluso como el Súper 8, que resultaron más accesibles a los jóvenes creadores y a los grupos que vieron al cine como un vehículo para manifestar su visión de la sociedad y de la propia actividad artística que los ocupaba.

Right from the middle of the last century, the National University has distinguished itself for understanding cinema as a cultural phenomenon that must be studied and approached with a critical frame of mind in order to apprehend such an extraordinary phenomenon which mixes art with industry to entertain and touch, to educate sensibilities while expressing the aesthetics and language of the moving image. The University has been the venue of memorable art theaters and in many cases also the site of growth for independent movements presenting innovative and fresh filmmaking propositions through new formats —even Super 8— which were more accessible for young individual creators and crews who saw filmmaking as a vehicle to express their view on society and the artistic media they dealt with.

También prestó atención, desde muy temprano, a la teorización y conceptualización del análisis cinematográfico, mediante la edición de diversas publicaciones que abordaron sus diferentes aspectos, así como por la vía de la generación de espacios académicos que permitieran entender mejor las propuestas de las distintas escuelas y movimientos, y de sus representantes. Fue así que la Universidad pudo dar cabida institucional al estudio, producción, preservación y difusión del cine, mediante la creación de dependencias de la Coordinación de Difusión Cultural como el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos, del cual han emanado importantes cineastas que han enriquecido la cinematografía nacional. Y también la Dirección General de Actividades Cinematográficas a la que pertenece la Filmoteca de la UNAM, que resguarda hoy un acervo fílmico de más de 45 mil títulos y una cantidad equivalente de documentos sobre diversos temas vinculados al cine, labor que la ha convertido en una institución clave para el resguardo de la memoria audiovisual del país. Además ha exhibido en sus diversas salas ciclos, muestras y diversos festivales, así como cine-debates que son parte sustancial de su tradición. Aunque lo ha hecho desde un principio, la Universidad se esfuerza ahora más para acercar el buen cine a su comunidad y a la sociedad, reforzando su naturaleza analítica y su vocación estética. Para ello se ha abocado a la organización de un festival internacional de cine propio, con las características de vanguardia, reunión de obras notables, espacios de reflexión, presencia de noveles creadores, jurados relevantes y cineastas invitados que tendrán mucho que aportar, ampliando el panorama de una mirada cinematográfica alternativa a la cual no es fácil acceder, bajo estos parámetros, por la vía de las emisiones comerciales.

From very early on, the University paid attention to the theory and conceptualization of film analysis publishing the most diverse issues to study the various aspects of cinema. The University also generated spaces to teach the subject and better understand the proposals of the different schools and movements as well their main exponents. Thus, the University created an institutional framework for the study, production, preservation and diffusion of cinema establishing departments —depending from the UNAM Coordination of Cultural Diffusion— such as the University Centre of Cinematographic Studies (CUEC) from where many important filmmakers have graduated to later strengthen our national cinema. There is also the Central Office of Cinematographic Activities to which the UNAM Film Archives (Filmoteca) belong, with over 45,000 films and an equivalent number of written documents on diverse film-related matters. This labor has made us a key institution for guarding the audiovisual memory of our nation. Also, in its various theaters, the University has screened film seasons, exhibitions and festivals as well as promoted discussion on cinema, which is now an important part of its tradition. And though the University has done this since the beginning, it is now endeavoring even harder to offer good cinema for the university community and society in general, improving its analytic nature and aesthetic sense. To achieve this, the University has organized its own International Film Festival following the guidelines of presenting avant-garde creations and putting together a set of remarkable films, to create spaces for reflection with the presence of new directors, to have renowned members of the film community as the jury, and to invite filmmakers as guests who will have plenty to share to broaden the horizons of our view on an alternative filmmaking which is hard to accede to under the parameters of commercial feature presentations.

Guadalupe Ferrer Andrade Directora General de Actividades Cinematográficas

Guadalupe Ferrer Andrade General Director of Cinematographic Activities

EVA SANGIORGI

FICUNAM es una apuesta cultural para la ciudad, y un estimulo para su cinefilia. Es un espacio vital y una plataforma del cine internacional y del talento mexicano. Un acontecimiento social y una oportunidad para el encuentro: una fiesta en donde el cine, los realizadores y su público pueden ser protagonistas. Nos anima una curiosidad infinita sobre las mutaciones que experimenta el cine contemporáneo, y nos motiva el deseo de profundizar, descubrir y propiciar enlaces y nuevos caminos de exploración entre el cine y otras disciplinas artísticas; el festival toma una posición firme al respecto, creemos que de esa confluencia pueden surgir innovaciones narrativas y visuales.

FICUNAM is a cultural gamble for our city and an incentive for its film lovers; it is also a vital space and a platform for international films and Mexican talent, a social occasion and an opportunity to get together: a ball starred by films, filmmakers and the audience. We are inspired by an endless curiosity about the mutations suffered by contemporary cinema and our motivation is to go into a greater depth, to discover and promote links and new roads for the exploration between filmmaking and other artistic disciplines. The position of the Festival is clear; we believe that this convergence can produce narrative and visual innovations.

Este catálogo revela en detalle el minucioso trabajo de selección de cada uno de los títulos que conforman la programación completa, sobre la que hemos trabajado a lo largo de este año. Compagina la dedicación puesta al servicio de cada propuesta, con la intención de hacer manifiesto el afán y el esmero que guían este proyecto, nacido en sintonía con el espíritu de la Universidad Nacional Autónoma de México, una anfitriona excepcional.

This catalogue reveals in detail the careful selection behind each of the titles of our full program, which has been our job for the last year; it also combines the dedication placed in each proposal with the intention of making clear the careful work which guides this project, born in tune with the spirit of the National Autonomous University of Mexico, an extraordinary host.

Eva Sangiorgi Directora FICUNAM

Eva Sangiorgi Director FICUNAM

CÁTEDRA INGMAR BERGMAN

UNAM INGMAR BERGMAN

La Cátedra Ingmar Bergman en cine y teatro de la UNAM se enorgullece en ser partícipe en el comienzo del Festival Internacional de Cine de la UNAM (FICUNAM). El primer festival de cine organizado por esta casa de estudios busca ser, además de una plataforma para dar a conocer a cineastas mexicanos emergentes, una instancia que ofrezca al público mexicano enfoques diversos de la producción cinematográfica contemporánea. Tanto la selección de películas como la estructura de sus distintas secciones hacen del FICUNAM un foro natural para la discusión del quehacer cinematográfico: es un festival que se perfila provocador y audaz; semillero de nuevas propuestas fílmicas, sea por su estructura narrativa o producción innovadora.

The UNAM Ingmar Bergman Film & Theater Master Class is proud to be part in the beginning of the UNAM International Film Festival (FICUNAM). The first film festival organized by this University aims to be not just a platform from where to launch new Mexican filmmakers, but a place for Mexican audiences to find diverse points of view on contemporary film production. Because of its film selection and the structure of its sections, FICUNAM is a privileged space for discussing filmmaking; this is a provocative and brave festival, a seed-bed for film proposals which are innovative in their narrative structure or methods of production.

La Cátedra Ingmar Bergman, como espacio para el análisis cinematográfico, presentará como parte de la programación académica del FICUNAM una serie de conferencias magistrales. En esta sesión la Cátedra se propone explorar las Convergencias e Hibridaciones: Cine, Teatro y Arte Contemporáneo. El programa lo integran el tailandés Apichatpong Weerasethakul, el kasako Sergei Dvortsevoy y el armenio Artavazd Peleshyan, tres destacados exponentes del cine contemporáneo cuya exploración del lenguaje cinematográfico ha aportado nuevos enfoques en la construcción narrativa de películas. Se ha programado, para el inicio de la serie Encuentros y Desencuentros entre el Cine y el Teatro en México, una mesa de debate sobre los lenguajes usados en uno y otro ámbito en el país. Participarán, con el fin de abrir una discusión de forma sistematizada y abierta al público sobre el quehacer cinematográfico y teatral a nivel nacional, Beatriz Novaro, Ignacio Ortiz , Daniel Giménez Cacho y Alejandro Luna. Se abrirá también la serie Nuevas Aproximaciones al Cine y al Teatro, una mesa para dar voz a los talentos emergentes e iniciar una reflexión entre las jóvenes generaciones en torno a nuevas propuestas para la construcción de personajes y la puesta en escena. Especial mención merece el taller dirigido a egresados de las escuelas de cine y teatro sobre dirección actoral que impartirá Kelly Reichardt, reconocida cineasta y escritora estadounidense de las películas Wendy y Lucy y Old Joy, entre otras. La Cátedra Ingmar Bergman en cine y teatro de la UNAM se congratula por colaborar con el FICUNAM, deseando que éste signifique un paso importante hacia la consolidación de una alternativa que promueva la producción fílmica crítica y vanguardista.

The Ingmar Bergman Master Class —as a space for film analysis— will present a series of Master Classes as a part of FICUNAM academic activities. In this session, the Master Class will explore the “Meeting Points and Hybridizations in Contemporary Film, Theater & Art.” The program is formed by Apichatpong Weerasethakul, from Thailand, as well as Sergei Dvortsevoy (Kazakhstan) and Artavazd Peleshyan, from Armenia. These three renowned filmmakers are important exponents of contemporary cinema and their exploration of cinematographic language has offered new points of view for the narrative construction of films. To open the cycle “Points of Encounter and Divergence between Cinema & Theater in Mexico” a debate table is programmed to discuss the languages used in our country within these fields. The idea is to present an open and systematized discussion on the current reality of Film & Theater in our nation in front of an audience, with the participation of Beatriz Novaro, Ignacio Ortiz, Daniel Giménez Cacho and Alejandro Luna. The series “New Approaches to Film & Theater” will also offer a discussion table to give voice to new talents and to begin to reflect with the young generations on new proposals to construct characters and prepare a production. It is particularly important to mention the Actor’s Direction Workshop for graduates of film and theater schools given by Kelly Reichardt, a renowned American filmmaker as well as the writer of feature films Wendy and Lucy and Old Joy. The UNAM Ingmar Bergman Film & Theater Master Class is proud to collaborate with FICUNAM and wishes for this experience to become an important step into consolidating an alternative for critical and avant-garde film productions.

FILM & THEATER MASTER CLASS

EN CINE Y TEATRO DE LA UNAM

Comité Ejecutivo Cátedra Ingmar Bergman en cine y teatro, UNAM

Executive Committee UNAM Ingmar Bergman Film & Theater Master Class

JURADO COMPETENCIA INTERNACIONAL DE LARGOMETRAJE INTERNATIONAL FEATURE FILM COMPETITION JURY

Emmanuel Burdeau | Francia, 1974 Escritor y crítico de cine. Fue jefe de redacción de Cahiers du Cinéma hasta 2009. Es director de varias colecciones en Capricci Ediciones desde 2007. Entre sus libros se encuentran, Jacques Rozier le funambule (2001), Manuel de survie: entretien avec Werner Herzog con Hervé Aubron (2008), primer libro de entrevistas con el director alemán publicado en francés; Notre alpin quotidien: entretien avec Luc Moullet con Jean Narboni (2009). Además ha publicado un sinfín de artículos sobre cine en diferentes revistas especializadas.

A writer and film critic, until 2009 he was editor-in-chief for Cahiers du Cinéma and works as collection director for the publishing house Capricci Ediciones since 2007. Some of his books are Jacques Rozier le funambule (2001); Manuel de survie: entretien avec Werner Herzog, the first French book of interviews with the German director, written in collaboration with Hervé Aubron (2008); and Notre alpin quotidien: entretien avec Luc Moullet, with Jean Narboni (2009). He has published countless articles on cinema in various publications.

Presidente del jurado President of the Jury Jonathan Rosenbaum | Estados Unidos, 1943 Crítico de cine estadounidense que ha promovido activamente la difusión y discusión del cine no hollywoodense. Fue jefe de críticos cinematográficos del semanario Chicago Reader hasta 2008. Ha publicado y editado varios libros y colaborado en importantes revistas de cine como Cahiers du Cinéma, Film Comment, Cinemascope y Sight & Sound. Su vida dedicada al séptimo arte, le ha permitido escribir notables títulos: Placing Movies: The Practice of Film Criticism (1995), Abbas Kiarostami Contemporary Film Directors (2003), Goodbye Cinema, Hello Cinephilia: Film Culture in Transition (2010). En la actualidad, se desempeña como profesor de cine en Virginia Commonwealth University. Posee, además, un sitio web donde se encuentran todas sus colaboraciones en revistas y catálogos de cine: www.jonathanrosenbaum.com

Nicolás Echevarría | México, 1947 Reconocido internacionalmente por su largometraje Cabeza de Vaca (1991), Echevarría es productor, director y fotógrafo de cine. Su carrera se desarrolló inicialmente en el cine documental, al que llegó por su interés en la magia, la religión y los ritos indígenas. En Nueva York se inscribió en el Millenium Film Workshop, un taller de cineastas underground, y realizó estudios de animación en School of Visual Arts. A partir de 1973, de vuelta en México, realizó sus primeros documentales: Judea (1974), María Sabina, mujer espíritu (1979) Tesgüinada (1980) y Niño Fidencio, el taumaturgo de Espinazo (1981), entre otros. En 2008 realizó un documental sobre la matanza de Tlatelolco titulado El memorial del 68. Nicolás Echevarría es considerado uno de los mejores documentalistas de México.

An American film critic, he has actively promoted the circulation and discussion of non-Hollywood cinema. He was the head of film critics for the Chicago Reader magazine until 2008. He has also published and edited several books and collaborated for relevant film magazines including Cahiers du Cinéma, Film Comment, Cinemascope and Sight & Sound. A whole life dedicated to the Seventh Art has allowed him to write such significant titles as Placing Movies: The Practice of Film Criticism (1995), Abbas Kiarostami Contemporary Film Directors (2003), and Goodbye Cinema, Hello Cinephilia: Film Culture in Transition (2010). He is currently a Film Professor for the Virginia Commonwealth University. He also has a Web site (www. jonathanrosenbaum.com) where all his collaborations for magazines and film catalogues are included.

Internationally renowned for his feature film Cabeza de Vaca (1991), Echevarría is a film producer, director and cinematographer. His career began with documentary films he made because of his interest in the magic, religion and rites performed by the indigenous peoples. In New York, he enrolled at the Milleniun Film Workshop, organized by underground filmmakers, and studied animation at the School of Visual Arts. After coming back to Mexico in 1973, he made his first documentaries —Judea (1974), María Sabina, mujer espíritu (1979), Tesgüinada (1980) and Niño Fidencio, el taumaturgo de Espinazo (1981), among others. In 2008, he made a film about the 1968 Tlateloco Massacre, El memorial del ’68. Nicolas Echevarría is regarded as one of the best documentary filmmakers in Mexico.

Sergei Dvortsevoy | Kazajistán, 1962 En la década de 1990, Sergei Dvortsevoy, antes de estudiar cine en Moscú, trabajó como ingeniero de aviación. Sus películas obtuvieron de inmediato reconocimientos internacionales, recibiendo premios en festivales: Premio Joris Ivens en el Festival Internacional de Documentales de Amsterdam (IDFA) por su película Bread Day (1998). Al año siguiente, su trabajo fue presentado en el Seminario de Cine del documentalista estadounidense Robert Flaherty, institución inspirada en el trabajo de Flaherty con la misión de representar la condición humana. Los documentales de Dvortsevoy están vinculados al cine de observación. Las personas que viven en y alrededor de una Rusia en transición, así como la gente que se gana la vida a su manera, son sus temas más recurrentes en su cine.

Roberto Fiesco Trejo | México, 1972 Es egresado del Centro Universitario de Estudios Cinematográficos y de la Escuela Nacional de Arte Teatral. Produjo los largometrajes Mil nubes de paz cercan el cielo, amor, jamás acabarás de ser amor (ganadora del premio Teddy Bear en el Festival Internacional de Cine de Berlín en 2003), El cielo dividido, y Rabioso sol, rabioso cielo, dirigidos por Julián Hernández. Ha dirigido cerca de diez obras de teatro y óperas, presentadas en el Centro Nacional de las Artes. Su cortometraje David ganó el premio al mejor cortometraje en el Festival Internacional de Cine de Morelia. En el 2010 se le realizó un homenaje, junto con Julián Hernández, en el Festival de Cine Gay en la UNAM. Quebranto es su ópera prima documental (2010).

Before studying filmmaking in Moscow during the 90’s, Sergei Dvortsevoy worked as an aviation engineer. His films soon received international recognition and festival awards such as the Joris Ivens Award at the International Documentary Film Festival Amsterdam for Bread Day (1998). The following year, his work was presented at the Robert Flaherty Film Seminar, an institution inspired in the work of Flaherty and the mission of representing human condition. Dvortsevoy’s documentaries are committed to observation cinema. His recurring themes are people who live in —and around— a transitional Russia and people who earn their living independently.

Graduate from both the University Centre of Cinematographic Studies and the National School of Theater, he produced the feature films Mil nubes de paz cercan el cielo, amor jamás acabarás de ser amor (winner of the Teddy Bear Award at the Berlin International Film Festival in 2003) as well as El cielo dividido and Rabioso sol, rabioso cielo, directed by Julian Hernández. He has also directed ten theater plays and operas presented at the Centro Nacional de las Artes. His short film David was awarded as Best Short Film at the Morelia International Film Festival. In 2010, he and Julio Hernández were honored at the UNAM Gay Film Festival. Quebranto (2010) is his first documentary film.

14 JURADO COMPETENCIA INTERNACIONAL DE LARGOMETRAJE

JURADO COMPETENCIA INTERNACIONAL DE LARGOMETRAJE

JURADO ACIERTOS FEATS JURY

Presidente del jurado President of the Jury Fernando Eimbcke | México, 1970 Estudió cine en el CUEC (Centro Universitario de Estudios Cinematográficos) de 1992 a 1996. Su primer largometraje Temporada de patos (2004) fue una revelación en el cine mexicano, que le hizo merecedor de importantes premios incluyendo 11 Arieles por parte de la Academia Mexicana de Cine. Esta película fue seleccionada para participar en la Semana de la Crítica en el Festival de Cannes en 2004. Tras este éxito, Eimbcke realizó Lake Tahoe, filme que fue muy bien recibido por la crítica en el Festival de Berlín en 2008.

After studying filmmaking at CUEC (University Centre of Cinematographic Studies) from 1992 to 1996, his first feature, Temporada de patos (2004), was a sensation in Mexican cinema and earned him important awards such as 11 Ariel Awards given by the Mexican Cinematography Academy and the invitation to participate in the Critics’ Week at Cannes, 2004. After this success, Eimbcke filmed Lake Tahoe, which was acclaimed by the critics at the Berlin Festival, 2008.

Javier Martín Lozano | España, 1970 Estudió ciencias económicas. Una vez afincado en París en 1995, trabajó en la distribución de películas españolas y latinoamericanas, además de coordinar coproducciones. A partir de 2002, es director de programación del Forum des Images de París, además de ser miembro del comité de selección de La Quincena de Realizadores del Festival de Cannes.

José Esteban Martínez | México Reconocido artista plástico, estudió diseño gráfico, comunicación educativa y tecnología educativa. Ha sido ilustrador y diseñador de varias publicaciones: Chispa, “Enciclopedia Infantil Colibrí” y otros libros para las editoriales SM Ediciones, INEA, Santillana, Mondadori, Z publicaciones de Barcelona. Como artista plástico ha participado en un gran número de exposiciones en Estados Unidos, Canadá, Israel, Italia, Argentina, Japón, México, entre otros países. Fue Secretario de Cultura de Zacatecas (1998-2004). Fundador del Festival de Cine de Zacatecas. Es Representante permanente del Comité Financiero de la Cátedra Ingmar Bergman de la UNAM. A renowned plastic artist, he also studied Graphic Design, Educational Communication and Educational Technology. He has illustrated and designed several publications such as the magazine Chispa, the child’s encyclopedia “Enciclopedia Infantil Colibrí,” as well as books for the publishing houses SM Ediciones, INEA, Santillana, Mondadori, and Z publicaciones, from Barcelona. As a plastic artist, he has taken part in several exhibitions in the United States, Canada, Israel, Italy, Argentina, Japan, and Mexico among other countries. He was Minister of Culture in the State of Zacatecas (1998-2004) and one of the founders of the Zacatecas Film Festival. He is a Permanent Representative for the Financial Committee of UNAM’s Ingmar Bergman Master Class.

After studying Economic Science he settled in Paris in 1995. There, he began working in the distribution of Spanish & Latin-American films as well as coordinating co productions. Ever since 2002, the program for the Forum des Images in Paris is under his direction and he collaborates for various film festivals such as the Directors’ Fortnight in Cannes, of which he is currently a member for the Selection Committee.

16 JURADO ACIERTOS

JURADO ACIERTOS

La estatuilla para el Premio Puma FICUNAM fue pensada desde un inicio como un reto estético: la recreación de un icono entrañable –el puma universitario– en un objeto tridimensional capaz de representar un proyecto joven como es el Festival Internacional de Cine UNAM. Para lograrlo se invitó al artista mexicano contemporáneo, Martín Soto Climent quien, además de gozar actualmente de una importante visibilidad internacional, fue formado en la UNAM. Su diseño refleja un alto compromiso con su Alma Mater: un puma de plata con base de piedra volcánica materializa el orgullo de un ex alumno exitoso que le devuelve a la UNAM algo de todo lo que la Universidad le dio a lo largo de su vida. Mi obra se caracteriza por ser una serie de asociaciones de carácter efímero, por lo que volver a la elaboración de una pieza bajo medios de producción artesanal es un reto y un capricho que me permito sólo por tratarse de la UNAM. Me inspiré en el escudo del puma para realizar esta estatuilla de plata. Quiero que quien la vea reconozca a la UNAM en este puma que observa atentamente desde lo alto de su basamento de piedra volcánica. Qué mejor que el ojo atento del felino para reconocer la mirada de un director de cine; creo que eso es un director, un cazador atento de instantes efímeros. Martín Soto Climent

Martín Soto Climent | 1977 Martín Soto Climent estudió diseño industrial en la Facultad de Arquitectura y Diseño de la UNAM. Siempre inclinado hacia las artes visuales, inició su carrera artística de manera independiente haciendo algunos trabajos y exposiciones en espacios alternativos de México desde el 2001. En 2006 debuta a nivel internacional en Nueva York. Desde entonces genera proyectos grupales e individuales en las galerías y museos más destacados en el circuito del arte contemporáneo internacional. Algunas exposiciones 2010 Following the Whisper of my Shadow, Clifton-Benvento, New York (solo) While Bodies Get Mirrored, Migros Museum, Zurich 2009 Between Spaces, P.S.1 Moma, New York Ordinary Revolutions, Museum Morsbroich, Leverkusen Germany Algunas publicaciones 2010 Between Zones/ On the Representation of the Performative and the Notation of Movemet. Edited by the Migros Museum/JR 2009 Younger than Jesus/Art Directory. Edited by the New Museum NY, Phaidon. Knoll Valérie, Martin Soto Climent, Art Forum, September 2009. 18

Estatuilla en plata con base de piedra volcánica Boceto Premio Puma de Plata | Silver statuette with a volcanic-rock base Silver Puma Award Sketch | Martín Soto Climent, 2010

DE LA UNAM PARA LA UNAM PREMIO PUMA DE PLATA

FROM UNAM TO UNAM SILVER PUMA AWARD

Right from the beginning, the FICUNAM Puma Award statuette was conceived as an aesthetic challenge: to recreate a familiar icon —the University’s puma— in a three-dimensional object which also represents a young project such as the UNAM International Film Festival. To do this, Mexican contemporary artist Martín Soto Climent was invited because of the relevant international stature he has reached as well as for the fact he was formed at UNAM. His design reflects his great commitment with his Alma Mater: a silver puma with a base made of volcanic rock materializes the pride of a successful former student who is now giving back to UNAM a little of that which the University has given to him throughout his life. My work is characterized by a series of associations of an ephemeral character. Thus, to go back to elaborating a piece under artisanal ways of production becomes a challenge and a caprice which I allow myself just because this has to do with the UNAM. I was inspired by the Puma logo to make this silver statuette. I want everyone who sees it to be able to recognize the UNAM in this puma who watches carefully from the top of its volcanic-rock base. What could be a better portrait of the way a film director watches the world than the attentive eye of a feline? I think that’s what a movie director is, an observant hunter of ephemeral moments. Martín Soto Climent Martín Soto Climent | 1977 Martín Soto Climent studied Industrial Design at the UNAM Faculty of Design & Architecture. With a strong inclination for visual arts, in 2001 he began his artistic career independently, presenting his work in exhibitions at alternative spaces in Mexico. In 2006, he made his international debut in New York. Since then, he has participated in group and individual projects in some of the most renowned galleries and museums of the contemporary art international circles. Main exhibitions 2010 Following the Whisper of my Shadow, Clifton-Benvento, New York (solo) While Bodies Get Mirrored, Migros Museum, Zurich 2009 Between Spaces, P.S.1 Moma, New York Ordinary Revolutions, Museum Morsbroich, Leverkusen Germany Main publications 2010 Between Zones/ On the Representation of the Performative and the Notation of Movemet. Edited by the Migros Museum/JR 2009 Younger than Jesus/Art Directory. Edited by the New Museum NY, Phaidon. Knoll Valérie, Martin Soto Climent, Art Forum, September 2009. 19

INAUGURACIÃ&#x201C;N OPENING

MEEK’S CUTOFF | EL CAMINO DE MEEK

Kelly Reichardt | Estados Unidos, 1964 Directora y guionista de cine, Reichardt se ha desarrollado particularmente en el cine norteamericano independiente. Algunos de los primeros videos musicales en Súper 8 que se transmitieron en MTV son de su autoría. River of Grass (1994), su ópera prima le valió varias nominaciones de los Independent Spirits Awards en el Festival de Sundance. En 2008, se presentó con Wendy and Lucy en el Festival Internacional de Cine Contemporáneo de la Ciudad de México. Actualmente dicta clases de cine en Bard College en el estado de Nueva York.

Estados Unidos 2010 101’ 35mm color

A film director and scriptwriter, Reichardt has developed her career mainly within the American indie-film circles. Some of the earliest MTV Super-8 music clips were of her authorship and her debut feature River of Grass (1994) earned her several nominations for the Independent Spirits Awards at Sundance. In 2008, she featured Wendy and Lucy at the International Contemporary Film Festival (FICCO) in Mexico City. She teaches Film at Bard College, New York.

Dirección y edición Kelly Reichardt Guión Jon Raymond Producción Neil Kopp, Anish Savjani, Elizabeth Cuthrell, David Urrutia, Todd Haynes, Phil Morrison, Andrew Pope, Steven Tuttleman, Laura Rosenthal, Mike S. Ryan Fotografía Christopher Blauvelt Música Jeff Grace Sonido Felix Andrew, Leslie Shatz Reparto Michelle Williams, Bruce Greenwood, Will Patton, Zoe Kazan, Paul Dano, Neal Huff, Shirley Henderson, Tommy Nelson, Rod Rondeaux

22 INAUGURACIÓN

En 1845, una caravana de colonos, formada por tres familias, contrata al experimentado cowboy Stephen Meek para llegar a las montañas de Oregon. El cabecilla dice conocer un atajo y conduce a la expedición durante varias jornadas por parajes inhóspitos hasta que el grupo advierte que está perdido y en total indefensión. Cuando el hambre, la sed y la falta de confianza en su líder hace a los pioneros dudar, aparece un nativo americano que los obliga a reconsiderar la situación. La directora explora sus temas favoritos: la interacción del hombre con la naturaleza y la toma de decisiones bajo coacción. In 1845 a colonizing convoy made up by three families hires experienced cowboy Stephen Meek to reach the mountains in Oregon. Claiming to know a shortcut, he takes the group into a journey of days through barren lands until they finally realize they are lost and totally helpless. When hunger, thirst and lack of confidence in their guide makes them doubt, a Native American forces them to reassess their situation. The director explores her favorite subjects: man’s interaction with nature and having to take decisions under duress.

Filmografía Meek’s Cutoff • 2010, Wendy and Lucy • 2008, Old Joy • 2006, River of Grass • 1994 Festivales y premios Festival Internacional de Cine de Gijón, 2010 Mejor Director Premio FIPRESCI Festival de Venecia, 2010 Selección Oficial

INAUGURACIÓN

COMPETENCIA INTERNACIONAL DE LARGOMETRAJE INTERNATIONAL FEATURE FILM COMPETITION

AITA | PADRE | FATHER

An enigmatic film, masterly shot and surrounded of a grey aura, “such as the light at the Basque Country,” Aita —meaning ‘father’ in Basque language— is the second feature film by multidisciplinary artist José María de Orbe. Whereas in La línea recta he traced the path of Noelia —the protagonist of that film— strolling through a phantasmagoric Barcelona pray of urban blindness and everyday struggles; in Aita, de Orbe goes back to his family house at the village of Astigarraga, Guipuzkoa, to film the voices of time in its passage through architecture and abandonment. The camera finds crumbles of memories in the wall cracks; and the shadows, outlined by natural light, allow for the characters —barely sketched with real local people— to flaunt their language and their everyday experience. Mythological Basque lore counterpoints a magnificent aesthetic crescendo which ends up liberating —through images and sounds— the ghosts imprisoned in the stained walls. During the three-year preparation of Aita, de Orbe had as his squire the auteur-producer Luis Miñarro, who has produced films by Serra, Guerín, de Oliveira, Alonso and Weerasethakul. This is a film to “visualize enigmas” in a house which is suffered as “a wound of time,” an emptiness pregnant with meaning.

España País Vasco 2010 85’ color

Maximiliano Cruz

Dirección José María de Orbe Guión José María de Orbe, Daniel V. Villamediana Producción Luis Miñarro, Roger Torras Fotografía Jimmy Gimferrer Edición Cristóbal Fernández Sonido Eva Valiño Reparto Luis Pescador, Mikel Goenaga

Enigmática, encuadrada con maestría y rodeada de un aura gris, “como la luz del País Vasco”, Aita, que en euskera significa “padre”, es la segunda entrega de metraje largo del multidisciplinario José María de Orbe. Si en La línea recta trazó la senda por la que Noelia, la protagonista, deambulaba por una fantasmagórica Barcelona, presa de la ceguera urbana y el batalle diario, en Aita, de Orbe regresa a su casa familiar en la localidad guipuzcoana de Astigarraga, con el objetivo de filmar las voces que articula el tiempo en su trasegar por la arquitectura y el abandono. La cámara encuentra mendrugos de memoria en las rendijas, las sombras dibujadas por la luz natural permiten que los personajes apenas esbozados en gente real del pueblo, enarbolen su habla y su discurrir cotidiano. Algunas creencias mitológicas vascas contrapuntean con un portentoso crescendo estético que terminará por liberar en imágenes y sonidos a los fantasmas atorados en las manchas de los muros. Durante los tres años que duró la preparación de Aita, De Orbe tuvo de escudero al productor-autor Luis Miñarro, quien ha producido películas de Serra, Guerín, de Oliveira, Alonso y Weerasethakul. Un película perfilada para “visualizar enigmas”, una casa sufrida como “una herida del tiempo”, un vacío rebosante de significado.

Filmografía Aita • 2010, La línea recta • 2007 Festivales y premios Festival Internacional de Cine de San Sebastián, 2010 Mejor Fotografía

Maximiliano Cruz

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COMPETENCIA INTERNACIONAL DE LARGOMETRAJE

ANG NINANAIS | LOS ESTRIBILLOS OCURREN COMO LAS REVOLUCIONES EN UNA CANCIÓN | REFRAINS HAPPEN LIKE REVOLUTIONS IN A SONG An extraordinary and mysterious film in which myth (the epic poem Hinilawod) and history (the PhilippineAmerican War) meet through a poetic meditation on colonialism in the Philippines, everyday life of Philippine people, and a love story starred by Sarah and Emilio as well as the mythical characters Nagmalitong Yawa and Humadapnon. The original title Ang Ninanais, “the desire” or “that which is desired”, may succeed at evoking the tragic character of romance but John Torres’ third feature cannot be quickly defined or tamed; this is a film that has to be experienced, rather than understood. Though that doesn’t mean this film-poem lacks a clear plot. Several titles throughout the film give the necessary historic and cultural information and Torres’ paused and serene voice —often reading poems by Eric Gamalinda and Joel Toledo— helps to establish a dream-like sonority which stands in contrast to some of the popular songs and sounds of streets and villages used in the track. The dialogues are not always presented with subtitles because sometimes the characters speak a language which the director himself cannot understand. The masterly conception of this film’s soundtrack is matched by the composition of the visual shots. Most of the times, Torres doesn’t present close-ups of faces (though he offers a brilliant one of a reflection in a glass) and prefers to emphasize feet and napes of necks. Often the camera seems to come right out from the ground and thus low-angle shots become a stylistic mark; and that is the best-kept secret of this fascinating cinematography.

Filipinas 2010 118’ digibeta color

Roger Koza Dirección, guión, producción y edición John Torres Fotografía John Torres, Oscar Nava, Martha Atienza, Sherad Anthony Sanchez Música Teresa Barrozo Sonido Teresa Barrozo Reparto Che Villanueva, Tope Grabato, Ciriaco Gibraltar

Una película extraordinaria y misteriosa, en donde los mitos (el poema épico Hinilawod) y la historia (la guerra filipino-estadounidense) se entrecruzan en una meditación poética sobre el colonialismo en Filipinas, la vida cotidiana de su pueblo y una historia de amor cuyos protagonistas son Sarah y Emilio como también Nagmalitong Yawa y Humadapnon, personajes míticos. El título original Ang Ninanais, “el deseo” o “lo deseado”, quizás evoque el carácter trágico del romance, pero la tercera película de John Torres se resiste a ser domesticada por una interpretación veloz; es más un film para experimentar que para entender, lo que no significa que este poema fílmico no posea un relato preciso. Varios intertítulos suministran datos históricos y culturales; la voz pausada y serena de Torres, a menudo leyendo poemas de Eric Gamalinda y Joel Toledo, establece una sonoridad onírica, contrapunto perfecto respecto de algunas canciones populares y los sonidos de las calles y las aldeas. No siempre los diálogos llevan subtítulos, y eso responde a que los personajes hablan un idioma que el propio director no comprende. Si la concepción sonora de la película es virtuosa, también lo es la composición de sus planos: Torres pocas veces ofrece un primer plano de un rostro (el más fino lo concede registrando el reflejo sobre un vidrio), y prefiere destacar los pies y las nucas. A menudo, la cámara parece surgir desde la tierra, de allí que los planos en contrapicado constituyan una evidencia de estilo. He aquí el secreto mejor guardado de una cinematografía fascinante.

Filmografía Ang ninanais | Refrains Happen Like Revolutions in a Song • 2010, Taon noong ako’y anak sa labas | Years When I Was a Child Outside • 2008), Todo todo teros • 2006 Festivales y premios Festival de Cine de Turín, 2010 Sección Festa Mobile Festival Internacional de Cine de Rotterdam, 2011

Roger Koza

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BANGDOKPI | PIEL CONTRA GAS | ANTI GAS SKIN

The twins Gok and Sun Kim create some of the purest and most refined Asian underground pieces, such as Capitalist Manifesto: Working Men of All Countries, Accumulate! and Geo-lobotomy; in their third collaboration as directors they shape a dissertation on social unrest affecting contemporaneous South Korea. Merging satire, surrealism and fantasy under a thriller structure, in Anti Gas Skin the Kim twins pick up several concerns caused on individuals by the collateral effects of the social and political system. The story happens during elections day at Seoul, and it is woven through four characters whose lives are determined by the acts of a serial killer whose personal mark is an anti gas mask: Miju, a girl-werewolf who leads a group of young kids planning collective suicide; Bosik, a traffic policeman convinced of being a superhero; Patrick, an American marine traumatized by the brutal slaying of his Korean girlfriend; and Ju Sanggeun, the most likely candidate to occupy the chair of Major in a city under fear and uncertainty. Without the frenetic work of the Kim brothers, it would be hard to think on the future of Asian cinema.

Coreo del Sur 2010 123’ 35mm color

Maximiliano Cruz

Dirección y guión Gok Kim, Sun Kim Producción Choi Doo-young Fotografía Yoon Young-soo Edición Kwon Hyo-rim Sonido Gong Tae-won Música Kwon Sae-young Reparto Jo Yeong-jin, Jang ri-woo, Park ji-whan, Patrik Smith

Los gemelos Gok y Sun Kim, artífices de verdaderas piezas del más refinado underground asiático, como Capitalist Manifesto: Working Men of All Countries, Accumulate! y Geo-lobotomy, configuran, en ésta, su tercera colaboración como codirectores, una disertación en torno al malestar social que aqueja a Corea del Sur contemporánea. Amalgamando sátira, surrealismo y fantasía bajo una estructura de thriller, los gemelos Kim retoman en Anti Gas Skin varias inquietudes provocadas por los efectos secundarios que el sistema social y político causan en el individuo. La historia, acontecida durante el día de elecciones en Seúl, se teje a través de cuatro personajes cuyas vidas penden de los actos cometidos por un temido asesino serial cuya marca personal es una máscara antigás: Miju, una niña-lobo, líder de un grupo de jóvenes que planean un suicidio colectivo; Bosik, un policía de tránsito convencido de ser un superhéroe; Patrick, un marine gringo, trastornado por el brutal asesinato de su novia coreana, y Ju Sanggeun, el candidato más opcionado a ocupar el cargo de alcalde en una ciudad presa del miedo y la incertidumbre. Difícilmente puede pensarse el futuro del cine asiático sin la obra frenética de los hermanos Kim.

Filmografía en conjunto Bangdokpi | Anti Gas Skin • 2010, Noejeolgaesul | Geo-Lobotomy • 2005, Jabondang seoneon: Mangukui nodongjayeo, chukcheothara! | Capitalist Manifesto: Working Men of All Countries, Accumulate! • 2003 Festivales y premios Festival de Venecia, 2010 Sección Horizontes Festival de Cine Filmex de Tokio, 2010 Competencia Oficial

Maximiliano Cruz

30 COMPETENCIA INTERNACIONAL DE LARGOMETRAJE

COMPETENCIA INTERNACIONAL DE LARGOMETRAJE

CESADO | CEASED

The three opening sequences of Cesado establish the symbolical order of the film —on the one hand, the interaction of social classes within the reduced space of a mansion; on the other, the contingent nature of identity: the delirium of a man who watches at himself in the mirror after his maid finished shaving him and might not know exactly who he is, as well as that of an elegant woman who observes the pass of time in her own body. From then on, Daniela Schneider puts together a series of everyday situations which unveil the ever- asymmetrical class relations and the efforts of Juan and Alicia —the masters of the house— to carry on with their marriage after a mental crisis of never-defined causes but with a clear aftermath: less money, changes in their sex life, a sense of unease in their son, and a slightly predictable domestic life. Schneider films the house as if it were an entity; a home which reminds more of an aristocratic prison than of a space of self control where one can get one’s strength back. Juan’s past —linked to the aeronautics industry— underlines a present without horizons. At some point one of the servants develops a theological explanation for all human contingencies, but such a discourse seems too immense for the world of his employers. Cesado is a film of obsessive shots and persistent questions; a promissory debut by a young director whose film gets in tune with a poignant worry in recent Mexican cinema: the differences between social classes and their respective symbolic universes.

México 2011 16mm 90’ color

Roger Koza Dirección Daniela Schneider Producción Paola Herrera, Enrique Rivero, Daniela Schneider, Gerardo Morán Guión Daniela Schneider, Martín Escalante Fotografía Juan Hernández Edición León Felipe Escalante Sonido Raúl Locatelli, Alejandro de Icaza Reparto Carmen López Vicarte, Jorge Bartolucci, Luis Lince Varela, Tania Marquina, Julián González de León

Las tres primeras secuencias de Cesado establecen el orden simbólico de la película: por un lado, la interacción de clases en el espacio reducido de una mansión, por el otro el carácter contingente de la identidad: el desvarío de un hombre, quien al verse en un espejo después de ser afeitado por su empleada doméstica quizás no sepa exactamente quién es, y el de una mujer elegante que ve el paso del tiempo en su cuerpo. De ahí en adelante, Daniela Schneider conjugará situaciones cotidianas que irán develando las relaciones de clases, siempre asimétricas, y los intentos de Juan y Alicia, los señores de la casa, de poder sostener el matrimonio después de una crisis psíquica de la que nunca se saben sus causas aunque sí se ven sus consecuencias: menos dinero, cambios en la vida sexual, intranquilidad en el hijo de la pareja y una vida doméstica ligeramente impredecible. Schneider filma la casa como si se tratara casi de una entidad, un hogar que remite más a una jaula aristocrática que a un territorio de contención y reparo. El pasado de Juan ligado a la aeronáutica enfatiza su presente sin horizontes. En algún momento, uno de los sirvientes intentará una explicación teológica sobre todos los eventos humanos, pero un discurso semejante parece inconmensurable al mundo de los patrones. Cesado es una película obsesiva en sus encuadres y persistente en sus preguntas; un debut promisorio de una joven directora, cuya película sintoniza con una preocupación ostensible del reciente cine mexicano: la diferencia de clases, y sus universos simbólicos respectivos.

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Filmografía Cesado • 2011

Roger Koza

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ATTENBERG

Athina Rachel Tsangari’s second feature is a surprising and brilliant piece, a truly hilarious film. Marina lives in an experimental city built in the sixties and destined to create obedient workers for an aluminum factory. Her father, one of the leading architects of the project, suffers a terminal illness and is getting ready to leave the “overrated” 21st century. Marina attempts at her first sexual experiences with her only friend, another girl, are not without aversion. But a foreigner visits town and initiates her into sex. The title of the movie —and the name of the city— come from her mispronunciation of the name of David Attenborough whose documentaries on animals and nature are an obsessive source of inspiration for Marina. Isolated from society in that barren landscape, Marina feels more sympathy for the world of animals than for humans. The film seems to suggest she is also an endangered species, as those she watches in her favorite documentaries. Director Athina Rachel Tsangari mixes —with a great sense of narrative balance— musical sequences, fun choreographies, philosophical reflections on the future of Greece and contemporary society, as well as anthropological research on the relation of mankind with sex and death, a central axis of the film. The remarkable performance by Ariane Labed earned her the Coppa Volpi for Best Actress at the last Venice Festival.

Grecia 2010 95’ 35mm color

Eva Sangiorgi

Dirección y guión Athina Rachel Tsangari Producción Christos V. Konstantakopoulos, Maria Hatzakou, Yorgos Lanthimos, Iraklis Mavroidis, Athina Rachel Tsangari Angelos Venetis Fotografía Thimios Bakatakis Edición Matt Johnson, Sandrine Cheyrol Sonido Leandros Ntounis Reparto Ariane Labed, Vangelis Mourikis, Evangelia Randou, Yorgos Lanthimos

El segundo largometraje de Athina Rachel Tsangari es un trabajo sorprendente y admirable, una película hilarante. Marina vive en una ciudad experimental edificada en los años sesenta destinada a crear trabajadores obedientes para una fábrica de aluminio. Su padre, uno de los arquitectos líderes del proyecto, sufre una enfermedad terminal y se está preparando para a abandonar el “sobrevaluado” siglo XXI. Marina ensaya, no sin cierta repugnancia, sus primeras incursiones sexuales con su única amiga, hasta que un extranjero visita el pueblo y la inicia sexualmente. El título de la película, que es también el nombre de la ciudad, deriva de su mala pronunciación del nombre de David Attenborough, cuyos documentales sobre animales y el mundo de la naturaleza son para Marina su obsesiva fuente de inspiración. Aislada de la sociedad en ese yermo escenario, Marina simpatiza más con el mundo animal que con la especie humana. La película parece sugerir que ella también pertenece a una especie en extinción, como las que ve en sus documentales favoritos. La directora Athina Rachel Tsangari conjuga, con gran sentido de equilibrio narrativo, secuencias musicales, coreografías divertidas y reflexiones filosóficas sobre el futuro de Grecia y de la sociedad contemporánea, además de investigaciones antropológicas acerca de la relación del hombre con el sexo y con la muerte, eje central de la película. La destacada interpretación de Ariane Labed le mereció la Coppa Volpi a mejor actriz en el último Festival de Venecia.

Filmografía Attenberg • 2010, The Slow Business of Going • 2001 Festivales y premios Festival de Venecia, 2010 Coppa Volpi, Mejor Actriz, Ariane Labed Mención Especial Festival Internacional de Cine de Whistler, Canadá, 2010 Mejor Largometraje

Eva Sangiorgi

34 COMPETENCIA INTERNACIONAL DE LARGOMETRAJE

COMPETENCIA INTERNACIONAL DE LARGOMETRAJE

EN EL FUTURO | IN THE FUTURE

An intelligent meditation on time and particularly on future’s unpredictability, it was awarded the 2010 Gay Lion for Best Film of Gay Content at last Venice Festival. Though this is a valid award, it fails to reflect all the merits of the picture. A couple of kisses between men and an explicit tale of two once-straight men who were rivals in their desire for the same woman and much later become a couple does not define the director’s intent. As in his heterodox documentary Iraqi Short Films, Andrizzi puts his tale together through fragmentation: an specter remembers home and a woman talks about how she discovered his late husband’s parallel life; a couple argues about the unmentioned participation by one of them in several porno flicks and a young male shares his experience with a prostitute mysteriously marked by Fernando Pessoa’s The Book of Disquiet, among other stories. Between one tale and the next, Andrizzi intersperses the intimist tone of his static shots with sequences of unbelievable intensity and unquestionable beauty. That is the case of the sequence of kisses opening the film, the point of view of a cat, the movement of a hand fan, and a very extreme long shot of a city crossed by a lightning. It could be said that this film questions us from the future, as if it were a footstep of times to come.

Argentina 2010 62’ hd byn

Roger Koza

Dirección y guión Mauro Andrizzi Fotografía Emiliano Cativa Edición Francisco Vázquez Murillo Sonido Celeste Palma, Sofía Straface Reparto Luis Machín, Sergio Boris, Lorena Damonte, Carlos Defeo, Débora Dejtiar, Andrés Irusta, Félix Quadros, Jazmín Antar, Gabriel Lima, Cecilia Czornogas, Casandra da Cunha, Cristina Blanco, Luciana Lamoglia

Esta inteligente meditación sobre el tiempo, y en especial sobre el carácter imprevisible del futuro, se llevó el León Gay 2010 a la mejor película de temática homosexual en el último Festival de Venecia, premio legítimo, aunque no refleja la totalidad de sus virtudes. Un par de besos entre hombres y un relato explícito sobre dos hombres, quienes alguna vez fueron heterosexuales y rivales por desear a la misma mujer, y mucho tiempo después constituyeron una pareja, dista mucho de definir las intenciones del realizador. Como sucedía en su heterodoxo documental Iraqi Short Films, Andrizzi, ahora, con un film de ficción, vuelve a urdir su relato a través de fragmentos: un espectro recuerda su hogar, una mujer relata cómo descubrió la vida paralela de su difunto esposo, una pareja discute sobre la participación secreta de uno de ellos en varias películas porno, un joven comparte su experiencia con una prostituta signada misteriosamente por El libro del desasosiego de Fernando Pessoa, entre otras historias. El tono es siempre intimista y cada tanto, entre un relato y otro, en el que predominan planos fijos, Andrizzi intercala secuencias de una intensidad sorprendente y de una belleza incuestionable, como la colección de besos que abre el film, la subjetiva de un gato, el movimiento de un abanico, y un plano generalísimo de una ciudad atravesada por un relámpago. Se podría decir que el film interpela desde el futuro, como si la película fuera una huella del porvenir.

36 COMPETENCIA INTERNACIONAL DE LARGOMETRAJE

Filmografía En el futuro • 2010, Iraqi Short Films • 2008, Mono • 2007 Festivales y premios Festival de Venecia, 2010 Premio Queer Lion

Roger Koza

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IM ALTER VON ELLEN | A LA EDAD DE ELLEN | AT ELLEN’S AGE

Pia Marais’ second film is a confirmation of her talent. It opens with a couple arguing, a complex situation. Ellen is a stewardess and probably the quarrel is directly related to her profession. In an undetermined place in Africa, Ellen experiences a mysterious visual encounter with a wild creature which will reappear at a decisive moment: a panic attack before her plane takes off. This triggers an escape from her own life, a temporary land-borne nomadic existence including her stay with a vegetarian collective. These tofu-militants become a momentary core-support group and a major preparation for her return to Africa. The wild creature awaits. Pia Marais films a state-of-the-world using a state-of-the-mind; or, rather, she chooses a profession as a symptom of a global malady. The immaculate condition of flight attendants and their aesthetic of impeccability are unveiled, as it is suggested by a sequence –central from a philosophical point of view— where the crew members organize a party; a necessary opposite to the puritanical behaviorism the flying serfs are submitted to. This passive liberation by the aerial employees has an echo within the anarchist-ecologist group Ellen briefly joins. A shallow analysis could suggest the perspective that this militarized young people who proclaim vegetarianism, the end of animal experimentation for scientific purposes, and some sort of collectivization of private property are portrayed as people outside the system and revolutionaries. However, Marais seems very conscious about the limitations of her creatures.

Alemania 2010 96’ 35mm color

Roger Koza Dirección Pia Marais Guión Horst Markgraf, Pia Marais Producción Claudia Steffen, Christoph Friedel, Andrea Hanke, Georg Steinert Fotografía Hélène Louvart Edición Mona Bräuer Música Horst Markgraf, Yoyo Röhm Sonido Andreas Hildebrandt Reparto Jeanne Balibar, Stefan Stern, Georg Friedrich, Julia Hummer, Eva Loebau, Alexander Scheer, Clare Mortimer, Jasna Bauer, Ian Roberts, Patrick Bartsch

La segunda película de Pia Marais confirma su talento. Todo empieza con una discusión de pareja, una situación compleja. Ellen es azafata, y quizás el problema esté indirectamente vinculado con su trabajo. En algún lugar impreciso de África, Ellen tendrá un misterioso encuentro visual con una criatura salvaje que reaparecerá en un instante decisivo: un ataque de pánico antes de que su avión despegue. Esto precipitará la fuga de su propia vida, un nomadismo temporal por tierra que incluirá una estadía junto a un colectivo vegetariano. Estos militantes del tofu se convertirán en un grupo de pertenencia momentáneo y una preparación mayor para retornar a África. La criatura salvaje espera. Pia Marais filma un estado del mundo a partir de un estado psíquico, o más bien elige una profesión como síntoma de un malestar global. La condición inmaculada y la estética de la pulcritud de los aeromozos quedan aquí desenmascaradas, como lo sugiere un pasaje filosóficamente central en el que los miembros de la flota organizan una fiesta, reverso necesario del conductismo puritano al que se someten los siervos voladores. Esta liberación pasiva de los empleados aéreos vuelve a reverberar en el grupo anarco-ecológico al que Ellen se unirá momentáneamente. Una lectura veloz podría concluir que la perspectiva sobre estos jóvenes militarizados que pregonan el vegetarianismo, el fin de la experimentación científica con animales y una suerte de colectivización de la propiedad privada transmite una fuga del sistema y una práctica revolucionaria. Sin embargo, Marais parece ser consciente de las limitaciones de sus criaturas.

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Filmografía Im Alter von Ellen | At Ellen’s Age • 2010, Die Unerzogenen | The Unpolished • 2007

Roger Koza

COMPETENCIA INTERNACIONAL DE LARGOMETRAJE

INVERNADERO | GREEN HOUSE

This third feature by Gonzalo Castro might be the empirical proof of a set of theoretic postulates by the director regarding the old idea of “author cinema,” or the politics of authors. However, Invernadero —winner of the Argentinean competition at BAFICI 2010 and recently awarded at Gijón in the dubious non-fiction category— certainly is a proof of the radicalization of the old concept of author cinema. Young director Gonzalo Castro is the absolute responsible for his entire film. He literally has no collaborators apart from the cast, among them renowned writer Mario Bellatin, who more or less appears playing himself. Invernadero portrays the everyday life of a writer and his emotional and literary ties. As in all Castro’s films, the concepts of fiction and non fiction are obsolete and conversation as a central human-interaction phenomenon becomes predominant. Extreme formalism is at the service of capturing the extraordinary beauty in the secret folds of ordinary life. At some point, a friend of Bellatin’s says his writing suggests a literature without text, without ideas, almost without words; a paradox and an impossible condition, however powerful it might be at a metaphorical level. Invernadero —an intimate topos where life grows and is taken care of—seems to be cinema without a narration or cinema without a plot (for in it, form is the plot), which doesn’t mean nothing happens with the scenes, or between them. The last two shots are a demonstration of the beauty and gentleness which are present throughout this amazing film.

Argentina 2010 94’ hdcam color

Roger Koza Dirección, guión, producción, fotografía, edición y sonido Gonzalo Castro Reparto Mario Bellatin, Marcela Castañeda, Graciela Goldchluk, Laura Petrecca, Margo Glantz, Romina Paula

La tercera película de Gonzalo Castro parece ser la comprobación empírica de un conjunto de postulados teóricos del propio realizador en torno a la vieja idea de cine de autor o política de los autores. Lo cierto es que Invernadero, la ganadora de la competencia argentina en el BAFICI 2010 y ganadora reciente en Gijón, en el dudoso rubro de film de no ficción, es la prueba de una radicalización del viejo concepto de cine de autor. Gonzalo Castro, su joven director, ha logrado ser el responsable absoluto de su película. Literalmente, el director no tiene colaboradores, excepto sus actores, entre ellos, el reconocido escritor Mario Bellatin, quien se interpreta más o menos a sí mismo. Invernadero retrata la cotidianidad de un escritor y sus vínculos afectivos y literarios. Como en todas las películas de Castro, los conceptos de ficción y no ficción resultan obsoletos, y la conversación como fenómeno central de la interacción humana adquiere preponderancia. El formalismo extremo está al servicio de capturar una belleza extraordinaria en los pliegues secretos de la vida ordinaria. En algún momento, una amiga de Bellatin dice que su escritura sugiere una literatura sin texto, sin ideas, casi sin palabras, una paradoja y una condición imposible, aunque metafóricamente poderosa. Invernadero, un topos íntimo en donde crece la vida y se la cuida, parece cine sin narración o un cine sin argumento (la forma es aquí un argumento), lo que no significa que nada suceda con y entre los planos. Los dos últimos planos son una prueba de belleza y ternura, constantes de una película asombrosa.

Filmografía Invernadero • 2010, Cocina • 2009, Resfriada • 2008 Festivales y premios Festival Internacional de Documental de Marsella, 2010 Selección Oficial BAFICI Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente, 2010 Mejor Largometraje Argentino Festival Internacional de Cine de Gijón, 2010 Mejor Película de No Ficción

Roger Koza

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COMPETENCIA INTERNACIONAL DE LARGOMETRAJE

THE LAST BUFFALO HUNT | LA ÚLTIMA CACERÍA DEL BÚFALO

Lee Anne Schmitt and Lee Lynch share their fascination for landscapes and a relation with present and past history with the memories and myths of a society and their urban and industrial development. After a decade as collaborators, in which they made evocative pieces such as Bowers’ Cave and The Wash, they now release The Last Buffalo Hunt. This documentary is the result of a five-year observation of the last wild buffalo herds in the south of Utah. Schmitt and Lynch follow the trail of a hunter who is in charge of selecting and controlling the number of this species. The impressive landscape of Henry Mountains stands in contrast with the town of Hanksville, with its gas station, its casino and motels. The camera registers the aftermath of an urbanization which reduces the image of an Indian chief to an advertisement at a local shop. Through its images of America’s West, The Last Buffalo Hunt questions the authenticity of its myths and the basis of its ideologies. The Last Buffalo Hunt is not a documentary on buffalo hunting, but a film about history and landscape, about one of the last unspoiled territories —decadent and endangered—in the United States. Eva Sangiorgi

Estados Unidos 2010 85’ 16mm-dv color

Dirección Lee Anne Schlmtt, Lee Lynch Producción Lee Anne Schlmtt Fotografía David Fenster, James Laxton, Lee Anne Schmitt

Lee Anne Schmitt y Lee Lynch comparten una fascinación por el paisaje y su relación con la historia presente y pasada, con la memoria y los mitos de una sociedad y su desarrollo urbano e industrial. Después de una década de colaboraciones en la que realizaron obras evocativas como Bowers’ Cave y The Wash, llega The Last Buffalo Hunt. Este documental es el resultado de la observación durante cinco años de una de las últimas manadas de bisontes salvajes, en el sur de Utah. Schmitt y Lynch siguen la pista de un cazador que debe seleccionar y controlar el número de ejemplares. El imponente paisaje de las montañas Henry contrasta poderosamente con el pueblo de Hanksville: su gasolinera, su casino y sus moteles. La cámara registra el producto de una urbanización que reduce la imagen de un jefe indio a un anuncio en una tienda comercial. A través de sus imágenes del oeste estadounidense, The Last Buffalo Hunt cuestiona la autenticidad de sus mitos y el fundamento de sus ideologías. The Last Buffalo Hunt no es un documental acerca de la caza del bisonte, sino un filme sobre la historia y el paisaje, sobre uno de los últimos escenarios vírgenes de los Estados Unidos en plena decadencia y en vía de desaparición. Eva Sangiorgi

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Filmografía en conjunto The Last Buffalo Hunt • 2010 Bowers’ Cave • 2009, The Wash • 2005

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LA LISIÈRE | EL LÍMITE | THE EDGE

This unclassifiable and atmospheric first work by Géraldine Bajard is set in a small town in Northern France. A physician from Paris gets a promotion in the region and his girlfriend goes along with him, at the beginning. The town is not an ordinary one: young people –zombie-like members of a satanic cult—gather in the woods at night. Behind the trees, under the dim light of torches, they touch and embrace one another turning sexuality into a radical gesture of seduction, with no fulfillment. The doctor is found attractive by the female youths, which creates rejection among the male members of the gang. Tension between the leader of the gang and the doctor reaches its climax after a bizarre ritual in which an accident occurs. At certain moments —in spite of the predominating pop-dark aesthetic— the film reminds us of Robert Bresson (The Devil Probably, Balthazar). Purged of all traces of psychological sentimentalism, a fascination for the hands as the arena for an almost spiritual expression and the work on spaces as blocks are repeated throughout the film. Bajard points at an area of tension and symbolic violence in contemporaneous cinema, as well as a taboo in permissive societies: seduction between teenagers and adults, a problematic intercourse destined to be an anathema but, paradoxically, incited at every moment. The title signals an edge, a limit, or the end of it; seduction as strength and as a diffuse regulating principle for all behaviors.

Francia 2010 110’ 35mm color

Roger Koza

Dirección y guión Géraldine Bajard Producción Tom Dercourt, Britta Knöller, Hans-Christian Schmid, Jamila Wenske, Bénédicte Mellac Fotografía Josée Deshaies Edición Bettina Böhler Música Mrs. Good Sonido Olivier Dandré, Matthieu Tertois, Kai Tebbel Reparto Melvil Poupaud, Audrey Marnay, Hippolyte Girardot, Phénix Brossard, Alice De Jode, Delphine Chuillot, Elias Borst-Schumann, Susanne Wuest, Pauline Acquart, Marie Fritel, Eva Poussier, Aurélie Hougron, Pierre Levavasseur, Charles Crespo, Georg Friedrich, Filip Peeters, Vincent Ozanon

La inclasificable y atmosférica ópera prima de Géraldine Bajard transcurre en algún pueblo perdido del norte de Francia. Un médico de París consigue un mejor puesto de trabajo en esta región. Su novia no lo acompañará, al menos en un principio. El pueblo es extraño: los jóvenes se reúnen en los bosques por la noche. Parecen zombis y miembros de una secta satánica. Entre los árboles y apenas alumbrados por linternas, se abrazan y se tocan, aunque la sexualidad funciona como un gesto radical de seducción y no de concreción. El médico le resultará atractivo a la población femenina juvenil, lo que provocará el repudio de los miembros masculinos de la pandilla. La tensión entre el líder de la pandilla y el médico alcanzará su clímax después de un extraño rito en el que habrá un accidente. El film remite por momentos a Robert Bresson (El diablo probablemente y Al azar Baltasar), a pesar de su estética pop y dark, que siempre predomina. Una depuración de todo indicio de sentimentalismo psicologista, una fascinación por las manos como dominio de expresión casi espiritual y un trabajo sobre los espacios como bloques se repiten a lo largo del film. Bajard señala una zona de tensión y violencia simbólica del cine contemporáneo y un extraño tabú de las sociedades permisivas: la seducción entre adolescentes y adultos, un intercambio problemático destinado al anatema pero incitado, paradójicamente, momento a momento. El título indica un límite, o el fin de un límite. La seducción como fuerza y principio regulador difuso de todos los comportamientos.

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Filmografía La Lisière • 2010 Festivales y premios Festival Primeros Planos D’Angers, Francia, 2011 Competencia Largometrajes Franceses Festival Internacional de Cine de Locarno, 2010 Selección Oficial

Roger Koza

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PARAÍSOS ARTIFICIALES | ARTIFICIAL PARADISES

Yulene Olaizola’s second feature shows the same formal and narrative strength of her first film, Intimidades de Shakespeare y Víctor Hugo, a heterodox documentary. In Paraísos artificiales some derivations of her evolving style can be traced; this is not just a (heterodox) fiction movie, but the preeminence of speech which dominates her debut feature is here substituted by a contemplative tone that might have been imposed by the grandiosity of the Tuxtlas, in Veracruz. In this almost-virgin ecosystem, Luisa —a 25-year-old woman— fights her heroin addiction. She comes from the city and little is known about her past and her history. For an addict, present becomes absolute; and so it is for Salomón, a 50-year-old local, an alcoholic widower whose only pleasure is to smoke marihuana every day. After meeting randomly at the beach Salomón and Luisa become friends as she tries to quit her addiction. Olaizola stays away from psychological and moral reasons, while the medical and legal discourse are out of the question. The only way to look and cure the problem, the chosen path, is to believe in a mysterious reciprocity of affections which can heal through transcending class and generational gaps. And though the panoramic images intensify the beauty of an unspoiled nature, Olaizola never ascribes to it any healing powers. The idea of an artificial (or natural) paradise is excessive, what does exist is the discreet relief of knowing one is not entirely alone.

México Holanda 2011 83’ hdcam color

Roger Koza

Dirección Yulene Olaizola Producción Sandra Gómez Yulene Olaizola Coproductor Antonio “Tonitzin” Gómez Guión Fernando del Razo y Yulene Olaizolacon la colaboración de Luisa Pardo Fotografía Lisa Tillinger Edición Rubén Imaz Castro Arte y Vestuario Nohemí González Sonido Directo Federico González Diseño Sonoro José Miguel Enríquez Música Emiliano Motta y Emiliano González de León Reparto Luisa Pardo Salomón Hernández Asistente de dirección Christian Díaz Sala THX Sala Luis Buñuel Centro de Capacitación Cinematográfica

La segunda película de Yulene Olaizola posee la misma solidez formal y narrativa que su primera película, Intimidades de Shakespeare y Víctor Hugo, un documental heterodoxo. En Paraísos artificiales pueden rastrearse algunas derivaciones de su estilo en plena evolución: no solamente se trata de una película de ficción (heterodoxa), sino que además la preeminencia discursiva de su ópera prima es aquí sustituida por un tono contemplativo, quizás impuesto por la majestuosidad de los Tuxtlas, en Veracruz. En ese ecosistema casi virginal, Luisa, una joven de 25 años, lucha contra su adicción a la heroína. Viene de la ciudad, y poco se sabe acerca de su pasado y su historia. Para el adicto, el presente es un absoluto. Y también lo es para Salomón, un aldeano de unos cincuenta años, viudo y alcohólico, cuyo único placer diario consiste en fumar marihuana. Después de un encuentro azaroso en la playa, Salomón y Luisa construirán una amistad, que conlleva el intento por parte de Luisa de abandonar su adicción. Olaizola evita la psicología y la moral. El discurso médico y jurídico brillan por su ausencia, pues si existe aquí un modo de mirar y curar, el camino elegido consiste en creer en una misteriosa reciprocidad afectiva y reparadora que trasciende la pertenencia de clase y generacional. Si bien las panorámicas intensifican la belleza prístina de la naturaleza, Olaizola jamás le atribuye a esta un poder sanador. La idea de un paraíso artificial (o natural) es excesiva. Lo que sí parece existir es el discreto alivio de no saberse enteramente solo.

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Filmografía Paraísos artificiales • 2011, Intimidades de Shakespeare y Victor Hugo • 2008

Roger Koza

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PORTRETUL LUPTATORULUI LA TINERETE | RETRATO DEL GUERRILLERO ADOLESCENTE | PORTRAIT OF THE FIGHTER AS A YOUNG MAN Using a narrative technique close to historic protocol, praised novelist and short-film maker Constantin Popescu portrays in his first feature the difficulties and everyday life of one out of the many anti-Communist resistance factions —lead by legendary Ion Gavrila-Ogoranu—a historic character who lived in occupied Rumania after the end of Second World War. He managed to escape the siege of the Soviet regime for over two decades and was finally captured in 1976. This well-known band of partisans who survived hiding in the deep of the Carpathian Mountains were hunted down as animals as they starved while keeping the hope of receiving the help of American forces, which never came. All of these elements shape a film which according to its director is more about youth and the impelling force of survival than specific ideologies. Under Popescu’s lens, the revision of a part of history which was pushed to a dark corner of Rumanians’ collective unconscious is transformed into an obsession which gets to its peak in a trilogy of which its second title, Principles of Life, was premiered at the last San Sebastian International Film Festival.

Rumania 2010 163’ 35mm color

Maximiliano Cruz

Dirección, guión y producción Constantin Popescu Fotografía Liviu Marghidan Edición Corina Stavila Reparto Constantin Ditá, Ionut Caras, Bogdan Dumitrache, Catalin Babliuc, Ion Bechet, Vasile Calofir, Constantin Lupescu, Dan Bordeianu, Bogdan Dumitrescu, Alexandru Potocean, Alin Mihalache, Radu Iacoban, Serban Gomoi, Paul Ipate, Andrei Mateiu

Echando mano de un esquema narrativo afín al protocolo histórico, el laureado cortometrajista y novelista Constantin Popescu retrata en su ópera prima las vicisitudes y el discurrir cotidiano de una de tantas facciones de la resistencia anticomunista, liderada en este caso por el mítico Ion Gavrila-Ogoranu, un personaje que vivió en la Rumania ocupada en las postrimerías de la Segunda Guerra Mundial, y quien logró evadir el cerco tendido por el régimen soviético por más de dos décadas, para luego ser apresado en 1976. Este legendario grupo de partisanos que sobrevivieron agazapados en lo más profundo de los Cárpatos, perseguidos como animales, hambrientos y aliñados por la esperanza de ver a las fuerzas estadounidenses que nunca llegaron, da cuerpo a una película que en palabras de su director versa más sobre la juventud y el ímpetu de la supervivencia, que sobre ideales concretos. Revisitar una parte de la historia, empujada en determinado momento a un oscuro rincón del inconsciente colectivo rumano, muta bajo el lente de Popescu en una obsesión que alcanzará la plenitud en una trilogía cuya segunda parte, Principles of Life, ya vio la luz en el pasado Festival de Cine de San Sebastián.

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Filmografía Principii de viata | Principles of Life • 2010, Portretul luptatorului la tinerete | Portrait of the Fighter as a Young Man • 2010 Festivales y premios Festival Internacional de Cine B-Est de Bucarest, 2010 Mejor Fotografía Premio del Público Festival de Berlín, 2010 Sección Forum

Maximiliano Cruz

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DER TAG DES SPATZEN | EL DÍA DEL GORRIÓN | DAY OF THE SPARROW

November 14th, 2005, two stories were competing for the front pages of a German newspaper. The first related to a sparrow that was killed in Leeuwarden in the Netherlands because it was threatening national security; the second was about a German soldier that had been killed by a suicide bomber in Kabul. Philip Scheffner is familiar with paradoxical relationships. His beautiful The Halfmoon Files (Prix des Médiathèques FID 2007), which we recall, already demonstrated his use of montage to great effect. The front page story offers him both a new launch pad and method. Resolutely off on another path of investigation, he mixes up genres, carrying out a political investigation in the style of a wildlife documentary. Ornithology provides him with the tools for asking the question: Are we at war or peace?

Alemania 2010 100’ hdcam color

The strength of the film lies there: in its ethereal, aerial character. This does not imply it is not serious, on the contrary, the patience and obstinacy of a bird watcher are necessary qualities for those that wish to reveal the truth. No stone is left unturned, but it is the space of the film which is a wide open void, as vast as the sky. For it is the sky that repeatedly becomes the smoke screen of a military secret, a battlefield where planes bombard Afghanistan (and elsewhere), and the vast home to the innocent birds. To venture up into the big blue yonder is tantamount here to flicking through a spy novel and indisputably increases the scope of (political) cinema. Jean-Pierre Rehm Dirección Phillip Scheffner Guión Merle Kröger, Philip Scheffner Producción Merle Kröger, Meike Martens, Marcie Jost, Peter Zorn, Doris Hepp Compañía productora Pong Fotografía Bernd Meiners Edición Merle Kröger, Phillip Scheffner Música Bernd Meiners Sonido Pascal Capitolin, Volker Zeigermann, Pascal Capitolin, Karsten Höfer, Philip Scheffner, Pierre Brand, Kai Hoffmann

El 14 de noviembre de 2005, dos noticias rivalizaban el lugar en la primera plana de un periódico alemán. La primera narra que un gorrión fue derribado en Leeuwarden en los Países Bajos porque parecía amenazar la seguridad nacional; la segunda que un soldado alemán murió víctima de un atentado suicida en Kabul. Philip Scheffner está familiarizado con relaciones paradójicas. Su bello Halfmoon Files (Premio de Médiathèques FID 2007) que recordamos, ya mostraba su uso del montaje con excelentes resultados. Esta historia de la primera plana le ofrece una nueva plataforma de lanzamiento y de método. Decidido a emprender una nueva investigación, combinando géneros, Scheffner lleva a cabo una investigación política como si fuera un documental de animales. La ornitología le ofrece las herramientas para hacer la pregunta: ¿estamos en paz o en guerra? La fuerza del filme reside ahí: en su carácter etéreo, aéreo. Esto no significa que carezca de seriedad, al contrario, la paciencia y la obstinación de un observador de aves son características indispensables para quienes pretenden revelar la verdad. Nada se omite, pero es el amplio espacio abierto del filme, que se vuelve tan extenso como el cielo, ya que el cielo se convierte en la cortina de humo de un secreto militar, el campo de batalla desde donde los aviones bombardean Afganistán (y otros lugares) y la vasta morada de la inocencia de las aves. Aventurarse en este inmenso azul, escrito como una novela de espías, es indiscutiblemente una ganancia para el alcance del cine (político).

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Filmografía Day of the Sparrow • 2010, The Halfmoon Files • 2007 Festivales y premios Festival de Berlin, 2010 Sección Forum 2010 Festival Internacional de Cine FIDMarseille, 2010 Selección Oficial Festival Internacional de Cine Documental de Hamburgo, 2010 Premio Klaus Wildenhahn

Jean-Pierre Rehm

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TILVA ROŠ | TILVA ROS | TILVA ROSH

After finishing junior high school, Toda —the son of a miner— and Stefan —the son of a businessman— together with beautiful Dunja and other lads wait for an unstable and uncertain future. They live in a Serbian town, but it could be any town in the globalized world. Some of them will go to college while others will only have the choice of applying for a job. In the meantime, during that last summer without too many responsibilities, they roll on their skateboards across the rubble of a deserted factory or think up extreme games —masochistic at times— which they film to upload at YouTube. It is not by sheer chance they choose to jump off bridges, to travel on the roof of cars and to mark their own bodies. Extreme physical experience is an evidence for their own existence and this is also what explains the socialization on the web of their crashes and exploits; it is not narcissistic exhibitionism but the urge to build an identity in a world in which desire is absorbed by the labor market. Though Ležaic’s characters rap just as those in MTV, he chooses a formal procedure in complete opposition to the network’s audiovisual frame. His constant sequence shots reach a point of perfection in two central moments (a street demonstration followed by a minor riot by the skaters at a supermarket) where Ležaic –in complete control of the (cinematographic) space— states explicitly the political context which defines, imperceptibly, the subjectivity of his adrift creatures.

Serbia Países Bajos 2010 102’ 35mm color

Roger Koza

Dirección, guión y edición Nikola Ležaic Producción Uroš Tomic, Mina Đukic, Nikola Ležaic, Dragan Đurkovic Fotografía Miloš Jaćimovic Música Danijel Daka Miloševic Sonido Danijel Daka Miloševic Reparto Marko Todorovic, Stefan Đordevic, Dunja Kovacevic, Marko Milenkovic, Nenad Stanisavljevic, Nenad Ivanovic, Filip Maksimovic, Miloš Petrovic, Nenad Miladinovic, Vlatko Ristov, Nikola Milovanovic, Boško Đordevic

Tras finalizar la escuela secundaria, Toda, hijo de un minero, y Stefan, hijo de un empresario, junto con la bellísima Dunja y otros jóvenes esperan por un futuro que resulta inestable e incierto. Viven en un pueblo de Serbia, pero podría ser cualquier pueblo del mundo globalizado. Algunos de ellos irán a la universidad, otros no tendrán otra opción que la de aplicar para un empleo. Mientras tanto, durante ese último verano sin demasiadas responsabilidades, se deslizan con sus patinetas sobre los escombros de una fábrica abandonada o inventan juegos extremos, a veces masoquistas, que suelen filmar para subir a YouTube. No es casual que elijan saltar desde puentes, viajar en el techo de un auto y marcar sus propios cuerpos. La experiencia física y extrema constituye una evidencia de que existen, lo que explica la socialización de los impactos y las proezas en la web: no se trata de exhibicionismo narcisista sino más bien de un impulso por forjar una identidad en un mundo en el que el mercado laboral absorbe el deseo. Ležaic, cuyos personajes pueden rapear a imagen y semejanza de MTV, elige un procedimiento formal a contramano de esa lógica audiovisual. Los planos secuencia son constantes, y alcanzan su perfección en dos pasajes centrales (una manifestación callejera seguida de una revuelta moderada por parte de los skaters en un supermercado) en donde Ležaic, en un control absoluto sobre el espacio (cinematográfico), explicita el contexto político que define imperceptiblemente la subjetividad de sus criaturas a la deriva.

52 COMPETENCIA INTERNACIONAL DE LARGOMETRAJE

Filmografía Tilva Roš | Tilva Rosh • 2010 Festivales y premios Festival Internacional de Cine de Sarajevo, 2010 Mejor Largometraje Mejor Actor Festival Internacional de Cine de Gijón, 2010 Premio Especial del Jurado

Roger Koza

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TODOS VÓS SODES CAPITÁNS | TODOS VOSOTROS SOIS CAPITANES | YOU ALL ARE CAPTAINS

Oliver Laxe’s first film, as many contemporary art films, challenges the categories of fiction and documentary. As the title suggests politics is one of the main focuses of the film, though the plot has to do with a film workshop for kids at Tangier, Morocco, given by a young Spanish director interpreted by Laxe himself. Without a doubt, the camera represents a locus of power, and in this case what it entails is to get to know the points of view of a group of children playing to be movie directors. In a small —but central— sequence, the children practice filming some Western tourists who are in excursion through the neighborhood where the kids live. Those who usually are photographed are now the ones in charge of taking the images. However, when we finally see how the children see the world through a camera, the film exceeds the logic limits of their narrative development and it fluctuates between resisting the foreign teacher and mistrusting school authorities. Todos vosotros sois capitanes reminds us of the early films by Abbas Kiarostami, where children were the only protagonists and where a director —from a specific social class— interacted with his interpreters in a sometimes asymmetrical relation. Laxe’s film is much more complex than it seems, and its aesthetic accomplishments might be more relevant than its evident humanistic side.

España 2010 79’ 35mm color

Roger Koza

Dirección y guión Olivier Laxe Producción Olivier Laxe, Felipe Lage Coro Fotografía Ines Thomsen Edición Fayçal Algandouzi Sonido Albert Castro Amarelle, Nicolás Barrena, Simohamed Fettaka Reparto Shakib Ben Omar, Nabil Dourgal, Mohamed Bablouh, Said Targhzaou, Asharaf Dourgal, Mohamed Selushi, Redouan Negadi, Youseff Boughardi, Bilal Belcheikh, Zhor Arfaoui, Olivier Laxe, Hicham Amidallah, Adam Mouaouia

La ópera prima de Oliver Laxe, como muchos filmes contemporáneos de autor, problematiza las categorías de ficción y documental. Como el título lo sugiere, aquí lo político es una de las dimensiones centrales de la película, a pesar de que su trama está ligada a un taller de cine para niños en Tánger, Marruecos, a cargo de un joven director español interpretado por el propio Laxe. La cámara, sin duda, representa un lugar de poder, y aquí supone conocer la mirada de un grupo de niños que juegan a ser directores de cine. En un pasaje menor pero central, los niños practican filmando a algunos turistas occidentales, quienes están haciendo una excursión por el vecindario donde viven los chicos. Quienes suelen ser retratados son aquí los que pueden retratar. Sin embargo, cuando finalmente vemos cómo ven el mundo los niños a través de una cámara, la película sobrepasa los límites que impone su lógico desarrollo narrativo, que oscila entre la resistencia de los niños al maestro extranjero y la desconfianza de las autoridades de la escuela. Todos vosotros sois capitanes remite un poco a las primeras películas de Abbas Kiarostami, en las que los niños eran protagonistas exclusivos y en donde un director de una clase social específica interactuaba con sus intérpretes, no siempre en una situación asimétrica. El filme de Laxe es mucho más complejo de lo que parece, y sus virtudes estéticas tal vez sean más relevantes que su ostensible costado humanista.

54 COMPETENCIA INTERNACIONAL DE LARGOMETRAJE

Filmografía Todos vós sodes capitáns | Todos vosotros sois capitanes • 2010 Festivales y premios Festival de Cannes, 2010 Quincena de Realizadores, Premio FIPRESCI Festival Internacional de Cine de Gijón, 2010 Premio SIGNIS Festival Internacional de Cine de Minsk en Belarus, 2010 Diploma Especial Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, 2010 Premio del Jurado Joven

Roger Koza

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LA VIDA ÚTIL | USEFUL LIFE

At the beginning, there is a warning on the fictional character of the film, including the portrait of one of its central characters —Cinemateque. It is beautiful to see all characters never referring to it using the article. The first thirty minutes are entirely dedicated to Cinemateque —the building, the theater, the box office, the film deposit, the offices, the employees. Jorge –an all-terrain programmer— and Martinez, the director at Cinemateque, share out some DVD films which arrived from Iceland. However, it’s not all just work. Right from the start a moaning, some sort of agony can be suspected. The official war report, the diagnosis, is blunt: many months of rent are due and embargo and closure are the predictable outcomes. More than an institution, this is an endangered living organism and those who are the living cells of Cinemateque struggle to keep that image-collecting animal breathing. Will it die? At a certain point, Jorge stops being the one in charge of programming and presenting films to become celluloid living matter. And so, a walk in Montevideo is metamorphosed into an open-air theater: during his stroll, recognizable soundtracks are heard; as if Jorge was a cinema-loving antenna capable of being a channel for the history of cinema, which floats and travels through space. La vida útil is, secretly, a movie-buff elegy without bitterness or resentment. It can’t be known how long the useful life of cinema will last; but, without a doubt, this discreet master piece announces, together with Goodbye Dragon Inn and Fantasma, the twilight of an era of cinema.

Uruguay España 2010 67’ 35mm color

Roger Koza Dirección y producción Federico Veiroj Guión Inés Bortagaray, Gonzalo Delgado, Arauco Hernández, Federico Veiroj Fotografía Arauco Hernández Holz Edición Arauco Hernández Holz, Federico Veiroj Música Leo Masliah & Macunaíma, Eduardo Fabini Sonido Daniel Yafalián, Raúl Locatelli, Jaime Fernández Reparto Jorge Jellinek, Manuel Martínez Carril, Paola Venditto

Todo empieza con una advertencia sobre el carácter ficcional del film, incluyendo el retrato de uno de sus personajes centrales: Cinemateca. Es bellísimo observar cómo todos los personajes jamás utilizan el artículo para mencionarla. Los primeros 30 minutos están dedicados exclusivamente a Cinemateca. Se ve el edificio, la sala, la boletería, el depósito, las oficinas, los empleados. Jorge, un programador todo terreno, y el director de Cinemateca, Martínez, se reparten unas películas en DVD llegadas desde Islandia. Pero no todo es trabajo. Desde el inicio se intuye un quejido, una agonía. El parte de guerra, o el diagnóstico, es contundente: la institución debe muchos meses de alquiler, y el embargo y el cierre son destinos previsibles. Más que de una institución se trata de un organismo viviente en peligro, y quienes son las células vivas de Cinemateca intentan aún mantener la respiración de ese animal colector de imágenes. ¿Morirá? En un cierto momento, Jorge dejará de ser quien programa y presenta películas para convertirse él mismo en una materia viviente de celuloide. Así, una caminata por Montevideo se transfigurará en una sala de cine al aire libre: en su andar sonarán bandas sonoras reconocibles, como si Jorge fuera una antena cinéfila capaz de canalizar la historia del cine, que flota y viaja por el espacio. La vida útil es secretamente una elegía cinéfila desprovista de amargura y resentimiento. No se puede saber aún cuán larga será la vida útil del cine, pero, sin duda, esta discreta pieza magistral anuncia, junto con Goodbye Dragon Inn y Fantasma, el crepúsculo de una edad del cine.

56 COMPETENCIA INTERNACIONAL DE LARGOMETRAJE

Filmografía La vida útil • 2010, Acné • 2008 Festivales y premios Festival Internacional de Cine de San Sebastián, 2010 Premio Cine en Construcción Festival Internacional de Cine de Valdivia, 2010 Mejor Director

Roger Koza

1 N. of the T: As in “the Cinemateque.”

COMPETENCIA INTERNACIONAL DE LARGOMETRAJE

TRAZOS TRACES

LA BELLE ENDORMIE | LA BELLA DURMIENTE | THE SLEEPING BEAUTY

Francia 2010

This is the fourteenth feature by Catherine Breillat, a master of provocation used to international censorship for the incisive intellectual realism of a work centered on sensuality. Catherine Breillat’s films and novels are a reflection —devoid of moralist attitudes— on female sexuality, as could be seen in her first book, L’Homme facile, published when she was only 17. Once more, the director is inspired by fairy tales —in 2009 she presented Barbe Bleue– combining Charles Perrault’s Sleeping Beauty with Hans Christian Andersen’s Ice Maiden. This time she shows us the imaginary and picaresque world of a young protagonist, an adventure dream which will last for a hundred years and an allegorical portrait of the passage from childhood to youth. By age six, Anastasia, the protagonist, is still the princess of the family, a whimsical girl who thinks she understands everything about life and pretends to control it creating an imaginary world in which she is the only heroine. When she comes out from this world as a teenager, reality seems cruel and painful, impossible to manipulate according to her wishes as it used to happen in her dreams. An elegant and realistic cinematography helps as the link between fantasy world and everyday reality, intensifying the contemporary character of the tale. Through idealized princes, ineluctable interdictions and centennial curses, this film reflects on the lost of inhibitions and innocence experienced when becoming an adult.

82’ 35mm color

Eva Sangiorgi

Dirección y guión Catherine Breillat Producción Jean-François Lepetit, Sylvette Frydman Fotografía Denis Lenoir Edición Pascale Chavence Sonido Yves Osmu, Sébastien Noiré, Emmanuel Croset, Pascal Dedeye Reparto Carla Besnaïnou, Julia Artamonov, Kerian Mayan, David Chausse, Luna Charpentier, Rhizlaine El Cohen, Rosine Favey, Diana Rudychenko, Dounia Sichov, Leslie Lipkins, Camille Chalons, Romane Portail, Anne-Lise Kedves

60 TRAZOS: LARGOMETRAJES

Décimo cuarto largometraje de Catherine Breillat, maestra de la provocación, acostumbrada a la censura internacional por su realismo intelectual y penetrante. Las películas de Catherine Breillat, así como sus novelas, reflexionan sin moralismo alguno sobre la sexualidad femenina, como ya sucedía en su libro L’Homme facile que publicó con apenas 17 años. La directora vuelve a inspirarse en los cuentos de hadas –en 2009 había presentado Barbe Bleue–, combinando, en esta ocasión, La bella durmiente de Charles Perrault con La reina de los hielos de Hans Christian Andersen. Esta vez, nos presenta el mundo imaginario y picaresco de la joven protagonista; un sueño de aventuras que durará 100 años, retrato alegórico del pasaje de la infancia a la adolescencia. A los seis años de edad la protagonista, Anastasia, es todavía la princesa de la familia, una niña caprichosa que cree entender todo de la vida y pretende manejarla a su manera, y así crea un mundo imaginario del que es la única heroína. Al salir de este mundo, ya adolescente, la realidad resulta cruel y dolorosa, imposible de manipular según su propio deseo, como sucedía en sus sueños. La fotografía elegante y realista sirve de enlace entre la historia fantástica y la realidad cotidiana, e intensifica el carácter contemporáneo del relato. Y a través de príncipes idealizados, interdicciones ineludibles y maldiciones centenarias, la película reflexiona acerca de la pérdida de inhibición e inocencia que se experimenta al enfrentar la edad adulta.

Filmografía La Belle endormie • 2010, Barbe Bleue • 2009, Une Vielle maîtresse • 2007, Anatomie de l’enfer • 2004, Sex is Comedy • 2002, Brève traversée • 2002, À ma soeur! • 2000, Romance • 1998, Parfait amour! • 1996, Sale comme un ange • 1991, 36 fillette • 1987, Tapage nocturne • 1979, Une Vraie jeune fille • 1976 Festivales y premios Festival de Venecia, 2010 Sección Horizontes, Premio Arte Cinema

Eva Sangiorgi

TRAZOS: LARGOMETRAJES

BOXING GYM | GIMNASIO DE BOX

Estados Unidos 2010

Wiseman’s ambitious obsession —built over 37 years of uninterrupted work— for giving cinematographic shape to a social cosmogony registering the interaction of citizens and institutions has rightfully earned him the nickname of “America’s Honoré de Balzac.” In Boxing Gym, his 38th film, box training goes beyond documentary to merge in a metronome-like subtle audiovisual concert made up formally by breathing, dance, and the diverse physical, mental, and spiritual states cooked over low heat at Sr. Richard Lord’s gym, in Austin, Texas. Meeting point for diverse personalities, characters, expectations, ages, social classes and genders, R. Lord’s Boxing Gym is Wiseman’s hinge to assemble the most polished expressions of direct cinema, musical cinema, and genre cinema —perhaps boxing is the most film-portrayed sport in history. One more piece of art by this octogenarian icon of cinéma verité who, in each of his documentaries, offers us a pristine vision of humanity’s passage through this world. A must for those who are not yet passionate about boxing.

91’ 16mm color

Maximiliano Cruz

Dirección, producción, edición y sonido Frederick Wiseman Fotografía John Davey Reparto Richard Lord

La ambiciosa obsesión que Wiseman ha edificado a lo largo de 37 años de trabajo ininterrumpido, en pos de configurar cinematográficamente una cosmogonía social a partir del registro de la interacción del ciudadano con sus instituciones, le ha valido el certero mote de “el Honoré de Balzac norteamericano”. En Boxing Gym, su obra número 38, el entrenamiento boxístico trasciende el tema documental para acoplarse a manera de metrónomo a un sutil concierto audiovisual compuesto formalmente por la respiración, la danza y los diversos estados físicos, mentales y espirituales que se cocinan a fuego lento en el gimnasio del Sr. Richard Lord, en Austin, Texas. Vórtice de diversas personalidades, temperamentos, aspiraciones, edades, clases sociales y géneros, el R. Lord’s Boxing Gym le sirve a Wiseman como bisagra entre la más depurada expresión del cine directo, el musical y el cine de género –quizás el deporte más tratado por el cine a lo largo de la historia sea el boxeo–. Una obra de arte más de este octogenario pilar del cinéma verité, que por cada documental realizado nos ofrece su diáfana visión del paso de la humanidad por el mundo. Una imperdible recomendación para los que aún no sienten la pasión del boxeo.

Filmografía selecta Boxing Gym • 2010, La Danse- Le Ballet de l’Opéra de Paris • 2009, State Legislature • 2006, The Garden • 2004, Domestic Violence 2 • 2002, Domestic Violence • 2001, Public Housing • 1997, La Comédie française, ou l’amour joué • 1996, High School • 1968, Titicut Follies • 1967 Festivales y premios Festival de Cannes, 2010 Quinzena de Realizadores Festival Internacional de Cine Documental de Amsterdam, 2010

Maximiliano Cruz

62 TRAZOS: LARGOMETRAJES

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HAI SHANG CHUAN QI | OJALÁ HUBIERA SABIDO | I WISH I KNEW

China Holanda 2010

I Wish I Knew is the most recent documentary by Jia Zhang-ke, one of the most provocative directors of the Sixth Generation, praised during the last decade as one of the new masters of world cinema. As in his earlier work, he offers an exploration of the transformations of the landscape and the symbolic effect of personal experience within a contemporary culture evocative of his complex political background. Through eighteen interviews, Jia builds a history of Shanghai where personal tales reveal how this city has become —from the thirties until present times— a strategic bridge and a place for symbolic and economic exchange. Intertwining private confessions, stock material and bits of films by directors such as Wang Tung, Hou Hsiao-hsien and Wang Bing the collective memory of a rapidly changing city is reconstructed. The subtle camera of his longtime collaborator, Yu Lik-wai, covers the streets of the city, offering us a collage of impressive images of a town constantly changing in the economic, political, social and cultural senses. A poetic soundtrack gets together with the sounds of the city to weave a narrative continuity between the interviews and this journey through Shanghai, where decadence and development coexist.

138’ 35mm color

Eva Sangiorgi

Dirección, guión y edición Jia Zhang-ke Producción Wang Tianyun, Yu Lik-wai, Meg Jin, Lin Ye, Xiong Yong, An Gang, Ren Zhonglun, Chow Keung, Li Peng, Zhu Yongiei Fotografía Yu Lik-wai Música Lim Going Sonido Renj Jiajia, Li Danfeng, Zhang Yang Reparto Zhao Tao, Lim Giong, Chen Danqing, Yang Xiaofo, Zhang Yuansun, Du Mei-ru, Wang Peimin, Wang Toon, Chang Ling-yun, Lee Chia-tung, Chang Hsin-i, Hou Hsiao-hsien, Zhu Qiansheng, Huang Baomei, Wei Ran, Wei Wei, Barbara Fei, Rebecca Pan, Yang Huaiding, Han Han

64 TRAZOS: LARGOMETRAJES

I Wish I Knew es el último trabajo documental de Jia Zhang-ke, uno de los directores más provocativos de la Sexta Generación, consagrado en la última década como uno de los nuevos maestros del cine mundial. Como en sus trabajos anteriores, nos propone una exploración de las transformaciones del paisaje y los efectos simbólicos en las experiencias personales, contextualizado en una cultura contemporánea que evoca sus antecedentes políticos complejos. A través de dieciocho entrevistados, Jia construye un relato sobre Shangai en donde las historias personales revelan cómo esta ciudad, desde la década de los años 30 del siglo pasado hasta el presente, se ha constituido como puente estratégico y lugar de intercambios simbólicos y económicos. Confesiones íntimas, material de archivo, fragmentos de películas de cineastas como Wang Tung, Hou Hsiao-hsien y Wang Bing se entrelazan para reconstruir la memoria colectiva de una sociedad en rápido cambio. La cámara sutil de su habitual colaborador, Yu Lik-wai, recorre las calles de la ciudad y nos regala un collage de imágenes imponentes de esta ciudad en constante devenir económico, político, social y cultural. Un fondo musical y poético se suma a los sonidos de la ciudad, tejiendo una continuidad narrativa entre las entrevistas y este recorrido por Shangai, en donde la decadencia y el desarrollo coexisten.

Filmografía Hai shang chuan qi | I Wish I Knew • 2010, Er shi si cheng ji | 24 City • 2008, Wuyong • 2007, Dong • 2006, Sanxia haoren | Still Life • 2006, Shijie | The World • 2004, Ren xiao yao | Unknown Pleasures • 2002, Zhantai | Platform • 2000, Xiao Wu | The Pickpocket • 1997 Festivales y premios Festival Internacional de Documental de Montreal, 2010 Premio Kino Pen Festival de Cannes, 2010 Una Cierta Mirada Festival Internacional de Cine de Mar del Plata. 2010 Sección Panorama

Eva Sangiorgi

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PREŽÍT SVUJ ŽIVOT (TEORIE A PRAXE) | SOBREVIVIENDO A LA VIDA (TEORÍA Y PRÁCTICA) | SURVIVING LIFE (THEORY AND PRACTICE) República Checa Eslovaquia 2010

In the introduction to his last film, great Czech animation master Jan Švankmajer, declares: “This will be a comedy nobody will laugh at”. Bizarre, intelligent and cheeky, Surviving Life (Theory and Practice) tells the story of Eugene (Václav Helšus), a shy husband who struggles between reality and a dream-like world provoked by beautiful Evgenia (Klára Issová), whose presence in a red dress is repeated throughout the film. A psychoanalytical comedy, a surreal artifact, this sixth feature by Švankmajer merges stop-motion with live-action, uses collage and reintroduces his heaviest dream experiences, getting deep into new forms and themes such as the symbology of irrationality and a nightmarish satire of Freudian imagery. As in his previous films Alice, Faust, Lunacy or Little Otik, Švankmajer offers an approach to filmmaking as craftwork. Close to become eighty, Jan Švankmajer is considered as a paramount influence for such renowned creators as Tim Burton, Terry Gilliam and the Quay brothers.

104’ 35mm color

Maximiliano Cruz

Dirección y guión Jan Švankmajer Producción Jaromír Kallista Fotografía Jan Ruzicka, Juraj Galvánek Edición Marie Zemanová Música Alexandr Glazunov, Jan Kalinov Sonido Ivo Špalj Reparto Václav Helšus, Klára Issová, Zuzana Kronerová, Daniela Bakerová, Emília Došeková

66 TRAZOS: LARGOMETRAJES

En la introducción a su última película, el gran maestro checo de la animación, Jan Švankmajer, afirma lo siguiente: “Esta será una comedia de la que nadie se reirá”. Bizarra, inteligente y desfachatada, Surviving Life (Theory and Practice) narra la historia de Eugene (Václav Helšus), retraído esposo que se debate entre la realidad y un mundo onírico propiciado por la hermosa Evgenia (Klára Issová), reiterativa presencia vestida de rojo. Comedia psicoanalítica, artefacto surreal, en su sexto largometraje, Švankmajer amalgama el stop-motion con el live-action, echa mano del collage y retoma sus experiencias oníricas de más grueso calibre. Profundiza de nuevo en formas y temáticas como la simbología de lo irracional y la sátira pesadillesca del imaginario freudiano. Al igual que en sus previos filmes como Alice, Fausto, Lunacy o Little Otik, Švankmajer propone un acercamiento al quehacer cinematográfico como un acto en esencia artesanal. Rondando los ochenta años, Jan Švankmajer es considerado una cardinal influencia de creadores de la talla de Tim Burton, Terry Gilliam y los hermanos Quay.

Filmografía Prezít svuj zivot (teorie a praxe) | Surviving Life (Theory and Practice) • 2010, Šílení | Lunacy • 2005, Otesánek | Little Otik • 2000 Spiklenci slasti | Conspirators of Pleasure • 1996, Lekce Faust | Faust • 1994, Něco z Alenky | Alice • 1988 Festivales y premios Festival de Venecia, 2010 Fuera de Competencia Festival Internacional de Cine Animado de Los Angeles, 2010 Selección Oficial

Maximiliano Cruz

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SHEKARCHI | EL CAZADOR | THE HUNTER

Written, directed and starred by Pitts, this movie is an intelligent example of a political film not trying to protect itself from censorship and police interpretations through a tale about children with an oblique political critic. The plot is simple: the character played by Pitts was in jail and is now working as a security guard at a large company. He’s in charge of the nightshift, which has some consequences on his family life. A fatal accident happens during a demonstration and Pitts spares the hints so the viewer can reconstruct what may have occurred. After insisting with the police, the main character looses patience and takes some radical decisions. Pitts films Tehran with a novel approach, his is a secular and deliberately architectonic presentation with panoramic views of modern buildings in opposition to the usual close shots on narrow urban alleys such as Iranian films have dominantly represented the urban space with. And it is not just about portraying elegance, but a formal strategy to put a paradox in evidence: a modern city is politically ruled by a medieval gang. Constant radio communicates establish the State’s policies and the soundtrack presents the voices of resistance. The Hunter is the first film in Iranian history where a cop is murdered. The chosen place for this is a landmark for the 1970 Islamic Revolution which is also referred to with the enigmatic opening photo that goes along with the credits. A superb police film, a very brave director. Roger Koza

Irán Alemania 2010 92’ 35mm color

Dirección y guión Rafi Pitts Producción Thanassis Karathanos, Mohammed Reza Takhtkeshian Fotografía Mohammed Davudi Edición Hassan Hassandoost Sonido Lars Ginzel, Noemi Hampel, Hossein Bashash Reparto Rafi Pitts, Mitra Hajjar, Ali Nicksaulat, Hassan Ghalenoi, Mannochehr Rahimi, Ismail Amini, Nasser Madahi, Ali Mazinani, Ossta Shah-Tir, Malak Khazai, Saba Yaghoobi

68 TRAZOS: LARGOMETRAJES

Escrita, dirigida y protagonizada por Pitts, la película es un inteligente caso de cine político que no se protege de la censura y la hermenéutica policial del régimen a través de un relato sobre niños en donde la crítica política es oblicua. El relato es económico: el personaje que interpreta Pitts estuvo en la cárcel y ahora trabaja como guardia de una compañía muy grande. Le toca el turno de noche, lo que tiene consecuencias en su vida familiar. En una manifestación habrá un accidente fatal, y Pitts se limitará a dar indicios para que el espectador reconstruya lo sucedido. Tras insistir en la policía, el personaje central habrá de perder la paciencia y tomará decisiones radicales. Pitts filma Teherán de un modo novedoso. Es un retrato secular y deliberadamente arquitectónico. Ciertas panorámicas reflejan una modernidad edilicia que se contrapone a los característicos planos cerrados de las calles angostas de la ciudad, una representación dominante del espacio urbano en el cine iraní, aunque no se trata solamente de elegancia sino de una estrategia formal por la que se evidencia una paradoja: una ciudad moderna administrada políticamente por una banda medieval. Los constantes comunicados radiales establecen una política de estado y en la banda de sonido suenan las voces de la resistencia. The Hunter es el primer film en la historia del cine iraní en el que se asesina a un policía. El lugar elegido simboliza un hito de la revolución islámica del ’70, también aludida por la enigmática foto inicial que acompaña los créditos. Un policial soberbio, un director valiente.

Filmografía Shekarchi | The Hunter • 2010, Zemestan | It’s Winter • 2006, Sanam • 2000, Fasi-e panjom | Season Five • 1997 Festivales y premios Festival de Berlin, 2010 Selección Oficial

Roger Koza

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SHI | POESÍA | POETRY

Corea del Sur 2010

Lee Chang-Dong’s fifth film goes beyond the univocal meaning of its title. It is not just a film about poetry —or even a poetic film— but a precise and philosophical meditation on how language defines human identity. 66year old Mija has to deal with incipient Alzheimer. The first words erased by oblivion are not random and even suggest a political perspective. While her daughter is living in Seoul, her grandchild lives under her custody. An adverse event which might affect her grandson is foretold at the outset of the film in a perfect sequence. Mija’s financial situation is not buoyant and thus she works eventually as helper for a disabled person her own age. However, this is not an impediment for her to assist to a literary workshop focused in poetry. At some point, her teacher says: “To write poetry, it is necessary to see properly;” a valid indication also to make (and watch) films; and it is there where Lee’s superb lesson lies. In Poetry no poems by Whitman or Basho are read, and the explicit didactics on how to write a poem verge on humor and absurd. Poetry is not read but shown; it comes –literally— from the shots of the film which become verse lines. It is logical for Lee to renounce music, since it would only interrupt the rich metric sonority of the images. The sound of a river, the look of a ghost and the poetry in its name are enough to justify a film festival.

139’ 35mm color

Roger Koza

Dirección y guión Lee Chang-dong Producción Lee Jun-dong, Youm Tae-soon, Choi Seong-min, Lee Dong-ha., Michel Saint-Jean, Jung Myung-soo, Lee Seung-ho, Lee Jang-ho Fotografía Kim Hyun-seok Edición Kim Hyun Sonido Lee Seung-chul Reparto Yun Jung-hee, Lee David, Kim Hira, An Haesong, Kim Yongbaek

70 TRAZOS: LARGOMETRAJES

La quinta película de Lee Chang-dong excede el significado unívoco de su título. No se trata solamente de un film sobre poesía o incluso de un film poético, sino de una meditación precisa y filosófica sobre cómo el lenguaje define la identidad humana. A los 66 años, Mija, debe lidiar con el inicio de su Alzheimer. Las primeras palabras que afecta el olvido no son gratuitas y sugieren, incluso, una perspectiva política. Mientras su hija vive en Seúl, su nieto permanece bajo su custodia. Habrá un hecho desgraciado, anunciado desde el inicio a través de un plano perfecto, que tal vez involucre a su nieto. La situación financiera de Mija no es la ideal, y es por eso que cada tanto trabaja como ayudante de un discapacitado de su edad, lo que no le impide asistir a un taller literario orientado a la poesía. En algún momento, su profesor dirá: “Para escribir poesía hay que ver bien”, una indicación válida también para hacer (y ver) cine. Y es precisamente aquí donde la lección de Lee es magistral. En Poesía no se leerán poemas de Whitman o Basho, y la didáctica explícita para componer un poema flirtea con lo humorístico (y ridículo). Es que aquí lo poético no se dice sino se muestra; surge literalmente de los planos del film, planos que devienen en versos. Es lógico que Lee renuncie a la música, pues interrumpiría la métrica sonora de sus imágenes. El sonido de un río, la mirada de un fantasma y una poesía en su nombre bastan para justificar un festival de cine. Roger Koza

Filmografía Shi | Poetry • 2010, Milyang | Secret Sunshine • 2007, Oasis • 2002, Bakha satang | Peppermint Candy • 2000, Chorok mulkogi | Green Fish • 1996 Festivales y premios Festival de Cannes, 2010 Mejor Guión Asia Pacific Screen Awards, 2010 Mejor Director Mejor Actriz Premios de la Crítica coreana, 2010 Mejor Largometraje Mejor Guión Blue Dragon Film Awards, 2010 Mejor Actriz ex-aequo Daejong Film Awards, 2010 Mejor Largometraje Mejor Guión Mejor Actriz Mejor Actriz de Reparto

TRAZOS: LARGOMETRAJES

KEN JACOBS BROOKLYN, 1933

“El arte que yo hago no trata de dar mensajes, intenta plantear enigmas”. En contravía de convenciones como la homogeneidad narrativa, el peso dramático, la coherencia del relato, el guión y los modelos de producción, la obra de Ken Jacobs da cuenta de un acto de libertad a partir de un uso del lenguaje claramente apuntado hacia objetivos extradiegéticos en el imperio del espectador. Durante décadas, su trabajo ha evolucionado a la par de su aliento creador y de la tecnología. En los años cincuenta, Jacobs daba sus primeros pasos en el cine tomando algunos preceptos del expresionismo abstracto, movimiento artístico de posguerra en el cual su maestro de pintura en ese entonces, Hans Hoffman, llegó a jugar un papel cardinal. Tempranamente, comenzaba el que sería el estandarte de su obra audiovisual: Star Spangled to Death, iniciada en 16mm entre 1957 y 1959, cebada en el tiempo como una bola de nieve existencial y terminada en video en el 2004. Obra épica de casi siete horas, concebida con material de archivo e imágenes que Jacobs mismo registró a manera de viñetas de “una saqueada y vendida sociedad estadounidense”.

“My art is not about giving messages, but posing enigmas”. Going against conventions such as narrative homogeneity, dramatic depth, or coherence of plot, script and production models, Ken Jacobs’ work is a testimony of an act of freedom —using a language that clearly points to an extra-narrative aim rooted in the world of the viewer. For decades, his wok has evolved together with his creating spirit and with technology. In the 1950’s, Jacobs’ first steps in cinema were influenced by some of the rules established by Abstract Expressionism, the post-war movement of which his painting teacher, Hans Hoffman, was a key representative. Very early, he began creating what would become the banner for all his audiovisual work: Star Spangled to Death, initially filmed in 16 mm. between 1957 and 1959 and brewed in time as an existential snowball to be finished in video in 2004. This epic piece of almost seven hours was conceived using stock film and some images filmed by Jacobs himself as descriptions of a “plundered, sold out American society.”

Desde sus inicios, Jacobs ha sido fiel a su preocupación por llevar el influjo del lenguaje a esferas más allá de la intelectual, en particular hacia la física del cerebro. Cineasta, promotor, docente e inventor, Jacobs es el artífice del Nervous System, un dispositivo para propiciar “eventos espaciales” a partir de la yuxtaposición de una misma película partiendo de un doble proyector de 16mm de diversas velocidades y esquemas lumínicos. De este temprano invento, Jacobs daría vida a un artefacto más sofisticado y primitivo, soportado en el video y con un solo proyector, el Nervous Magic Lantern, con el que hasta la fecha ofrece performances donde somete imágenes estereoscópicas de acontecimientos sociales de los siglos XVIII y XIX, a efectos como la sobreposición y la alternación estroboscópica para alcanzar lo que él mismo llama “eternalismos”. Con ello, Jacobs logra dar vida fílmica en el cerebro del espectador a visiones congeladas de la historia (fotos fijas) por medio de efectos visuales provocados, trayendo al presente un pasado enriquecido y aderezado por su lente y por el bagaje vital de quien lo percibe. El nombre de Ken Jacobs ocupa un lugar en la historia del avant-garde internacional, al lado de nombres como Stan Brakhage, Peter Kubelca, Jonas Mekas y Peter Tscherkkasky. FICUNAM ofrece una serie selecta de cortometrajes de reciente factura (incluyendo su más reciente The Pushcarts Leave Eternity Street (2010), uno de sus trabajos primigenios, The Whirled (1963) y el largometraje Two Wrenching Departures (2006), aventura perceptiva no apta para epilépticos, con reminiscencias de su obra cumbre Star Spangled to Death.

From the beginning, Jacobs has kept true to his intention of taking language beyond the intellect level and reaching the level of brain physics. A filmmaker, cultural manager, teacher and inventor, Jacobs created the “Nervous System,” devised to create “spatial events” through the juxtaposition of two copies of the same film projected with different velocities and lights in a double 16 mm. projector. From this early invention, Jacobs created another devise, more sophisticated and yet more primitive, using video and a single projector: the “Nervous Magic Lantern,” which he still uses in performances where stereoscopic images of 18th-and-19th century social events are superposed and alternated stroboscopically to reach what he calls “eternalism.” Through it, Jacobs manages to give kinetic life, in the brain of the viewer, to frozen historic images (still photos) through the use of visual effects. And thus, he brings into the present a past enriched by his lens and the vital experience of the viewer. Ken Jacobs is a name of importance within the history of international avant-garde, together with other names such as Stan Brakhage, Peter Kubelca, Jonas Mekas and Peter Tscherkkasky. FICUNAM offers a select series of recent short films (including his most recent piece, The Pushcarts Leave Eternity Street (2011), one of his earlier works, The Whirled (1963), and the feature film Two Wrenching Departures (2006), a perceptive adventure not fit for epileptics which reminds us of his masterpiece Star Spangled to Death. Maximiliano Cruz

Maximiliano Cruz

THE WHIRLED | ARREMOLINADOS

Estados Unidos 1956-1963

Ken Jacobs | Estados Unidos, 1933 Profesor emérito, estudió pintura con Hans Hofmann, precursor del expresionismo abstracto. Comenzó a hacer cine underground en los años ‘50 y posteriormente creó el cine expresionista abstracto. Un ejemplo es Tom, Tom, The Piper’s Son (1969). Su obra más reveladora es Nervous System Series (proyecciones de performances en vivo que utiliza una técnica bajo el mismo nombre). Ha expuesto en museos como El Museo de Arte Moderno de Nueva York. Ha sido merecedor del Premio Guggenheim y una beca de la Fundación Rockefeller.

19’ digibeta byn-color

A professor emeritus, he studied painting under Hans Hofmann, one of abstract-expressionism forerunners. He began making underground films in the 50’s to later create abstract expressionist cinema. An example of it is Tom, Tom, The Piper’s Son (1969) and the most reveling are the Nervous System Series (projections of live performances using the Nervous System Technique). His work has been presented at museums such as MoMA, in New York, and he has been recognized with the Guggenheim Award and a grant by the Rockefeller Foundation.

Dirección Ken Jacobs Música Rick Reed

Jack Smith actúa en tres de estas cuatro improvisaciones tempranas para cine. “Saturday Afternoon Blood Sacrifice (1956) se filmó en frente del loft de Jack en Nueva York. Luego filmamos Little Cobra Dance. Nos caímos del sillón al reír tanto cuando vimos el video. Este trabajo marcaba para mí el final del enfoque tan snob de ‘cine de arte’. La tercera cinta es de 1963 cuando participé en un concurso de televisión. The Death of P’town (1961), filmada años después, protagonizada también por Jack, es un último intento de creatividad y amistad”.

Filmografía selecta Tom, Tom, the Piper’s Son • 1969, Soft Rain • 1968, Nissan Ariana Window • 1968, Airshaft • 1967, Window • 1964, The Winter Footage • 1964, The Death of P’town • 1963, Little Stabs at Happiness • 1960, Blonde • 1959-63, The Whirled • 195663, Orchard Street • 1955

Ken Jacobs Jack Smith acts in three out of these four early film improvisations. “Saturday Afternoon Blood Sacrifice (1956) was filmed in front of Jack’s loft in New York. We then filmed Little Cobra Dance and we laughed down the sofa when we watched the video. It represented to me the end of the snob conception of ‘art film’. The third film was made in 1963, when I enrolled in a TV contest. The Death of P’town (1961), filmed years later, was also starred by Jack in a last attempt at creativity and friendship.” Ken Jacobs

74 TRAZOS: CORTOMETRAJES DE KEN JACOBS

TRAZOS: CORTOMETRAJES DE KEN JACOBS

TWO WRENCHING DEPARTURES | DOS PÉRDIDAS DEVASTADORAS

Esta obra entrañable es una elegía a Jack Smith y Bob Fleischner, amigos de juventud del autor, que murieron coincidentemente durante la misma semana en 1989. Jacobs utiliza el material que filmó en su juventud con Jack y Bob (de no más de cinco minutos) y a través de su técnica Nervous System concibe una obra de 90 minutos. La cinta retrata especialmente a Jack, joven irreverente que apostaba a divertirse. La nostalgia por la amistad del pasado, así como el retrato de una vida creativa que apenas empieza, conmueven y divierten al espectador. A film to be held dear to one’s heart, it is an elegy for Jack Smith and Bob Fleischner, friends of youth of the actor who coincidently died within the same week in 1989. Jacobs uses the material he filmed with Jack and Bob in their youth —less than five minutes of it— and conceives a 90-minute feature using his Nervous System technique. The film focuses mainly on Jack, a spirited young man who placed his bets on having fun. Nostalgia for that friendship of the past and the portrait of a creative life at its beginning truly touch and move the viewer.

76 TRAZOS: CORTOMETRAJES DE KEN JACOBS

CAPITALISM: CHILD LABOR | CAPITALISMO: TRABAJO INFANTIL

Estados Unidos 2006

90’ digibeta byn

14’ digibeta color

Dirección Ken Jacobs Reparto Bob Fleischner, Jack Smith

Jacobs manipula una fotografía estereográfica del periodo victoriano en donde aparecen niños trabajando en una fábrica. A través de pequeños detalles de los protagonistas se emprende una búsqueda de lo humano dentro de este universo industrial. El ritmo va in crescendo de forma que el retrato del abuso se reproduce infinitamente.

Dirección Ken Jacobs Música Rick Reed

Jacobs manipulates a Victorian-Era stereoscopic photo of children working at a factory. Presenting small details of the main characters a quest for humanity within that industrial universe begins.The in-crescendo rhythm suggests the portrait of abuse is being reproduced infinitely.

TRAZOS: CORTOMETRAJES DE KEN JACOBS

CAPITALISM: SLAVERY | CAPITALISMO: ESCLAVITUD

Silencio. No hay música que acompañe a esta imagen estereográfica de finales de 1800 en donde aparecen recolectores de algodón. Son esclavos y están siendo vigilados. La niña es todavía muy joven, y por eso al concentrarse en los detalles, su mirada se pierde. La mujer está cansada, su cuerpo se inclina hacia adelante. A través de la manipulación digital de esta imagen se reactiva un momento histórico. La brevedad de la obra acentúa la crudeza de uno de los grandes errores de la humanidad. Silence. No music is attached to this late 19th-century stereographic image of people peaking cotton. They are slaves and they are being watched over. The little girl is still too young and that’s why her glance concentrates and gets lost in little details. A woman seems tired, her body leaning forward. Through digital manipulation of an image a whole historical moment is reactivated. The briefness of this piece points at the harshness of one of mankind’s greatest errors.

78 TRAZOS: CORTOMETRAJES DE KEN JACOBS

THE DAY WAS A SCORCHER | AQUEL DÍA FUE UN HORNO

Estados Unidos 2006

Estados Unidos 2009

3’ digibeta color

8’ digibeta color

Dirección Ken Jacobs

A través de postales estroboscópicas se aprecia al clan Jacobs vacacionando en Italia. El autor describe a sus personajes: “Flo, es la estrella de cine; Nisis, la joven atenta, y Aza, la pequeña que ya camina sola pero aún pretende que la empujen”. La familia pasea por la Roma de los años ‘70 bajo un sol abrasador, sin embargo es un día perfecto porque no sucede nada. La repetición hipnótica en 3D de las imágenes hace que Flo se convierta en la Madonna creando una trinidad femenina que transporta al espectador al pasado tan íntimo del autor.

Dirección, fotografía y edición Ken Jacobs Reparto Flo Jacobs, Nisi Jacobs, Azazel Jacobs

Through stroboscopic postcards, the Jacobs clan is seen in vacations in Italy; the director describes his characters —“Flo is the movie star and Nisis the kind one; the little one is able to walk on her own, but she still wants to be pushed.” The family takes a stroll in 1970’s Rome under a scorching sun; however, it is a perfect day since nothing at all happens. The hypnotic 3-D images transform Flo into a Madonna to create a female Trinity which takes the viewer right to the director’s innermost past.

TRAZOS: CORTOMETRAJES DE KEN JACOBS

RON GONZALEZ, SCULPTOR | RON GONZÁLEZ, ESCULTOR

Ron González creció en una zona deprimida del estado de Nueva York, Binghamton, que alguna vez fuera industrial. De niño comenzó a hacer sus propias estatuas con los deshechos de acero que encontraba. En su obra los personajes parecen aterrorizados por su propia existencia. Sin embargo, por momentos la muerte y la decrepitud son retratadas lúdicamente, pues las esculturas pueden transformarse en juguetes. Profesor de arte, Ron juega a ser el Tánatos de su ciudad, nada parece haber apagado el asombro que experimentaba de niño. Ron González was born in a depressed New York area; Binghamton, a once-industrial town. As a child, he began building sculptures out of the steel leftovers he found. His works presents us with characters that seem terrified by their own existence. However, sometimes death and decrepitude are portrayed playfully, since the sculptures can become toys. An Arts Professor, Ron plays to be Thanatos in his hometown and nothing seems to erase the awe experienced by him as a child.

80 TRAZOS: CORTOMETRAJES DE KEN JACOBS

ANOTHER OCCUPATION | OTRA OCUPACIÓN

Estados Unidos 2009

Estados Unidos 2010

21’ digibeta color

14’ byn-color

Dirección Ken Jacobs Edición Ken Jacobs, Nisi Jacobs, Antoine Catala

“Bangkok. Un viaje en blanco y negro en un tren que atraviesa la selva. Los militares aparecen con sus salacots procurando que la maleza, los monos y los nativos permanezcan en su sitio. Exhorto a los espacios abiertos a proclamar su presencia”. Ken Jacobs. La daguerrotipia del siglo XIX, el expresionismo alemán y el video se unen en un ejercicio plástico, casi alquímico, en donde las imágenes que parecen estar amalgamadas metalúrgicamente exponen al colonialismo y la industrialización creando un discurso político.

Dirección Ken Jacobs Edición Nisi Jacobs

“Bangkok. A black-and-white journey in a train rolling over tracks in the jungle, soldiers with pith helmets on their heads appear to keep things in place —jungle, monkeys and natives. I urge the open spaces to proclaim their presence.” Ken Jacobs. 19th-century daguerreotypes meet German Expressionism and video to create an almost-alchemical plastic exercise where metal-alloyed images expose colonialism and industrialization to create a political discourse.

TRAZOS: CORTOMETRAJES DE KEN JACOBS

A LOFT | EL LOFT

Bajo las nubes hay un pequeño loft saturado de historia, es una Mesopotamia: se sitúa entre dos ríos (el Hudson y el East), también ha sido cuna de la civilización, donde Ken Jacobs ha concebido su trabajo desde los años ‘60 hasta la fecha, donde la gravedad y demás leyes de la física han dejado de existir. La pirotecnia del cine hace una entrada triunfal, los claroscuros crean lo que Jacobs define como Action Cinema, que a diferencia de las películas de acción sigue la línea del Action Painting. Right under the clouds there is a small loft saturated with history; like some sort of Mesopotamia, the loft is located between two rivers (the Hudson and the East River) and it has also been the cradle of a civilization; in there, Ken Jacobs conceived his work from the 60’s until the present and gravity and other physics laws cease to exist. Filmmaking as pyrotechnics makes a triumphal entry with chiaroscuros to create what Jacobs defines as Action Cinema, which unlike regular action movies follow the style of Action Painting.

THE PUSHCARTS LEAVE ETERNITY STREET | LOS VENDEDORES AMBULANTES SE VAN DE ETERNITY STREET Estados Unidos 2010

Estados Unidos 2010

16’ color

13’ byn

Dirección Ken Jacobs Edición Nisi Jacobs

Los vendedores ambulantes de principios de siglo XX empujan sus carros de verduras. Es hora de marcharse. Un joven hace malabares mientras un policía camina delante de él para asegurarse de que todo esté en orden. El joven retrocede y el oficial desaparece, luego el joven retoma sus actividades circenses. El espectador va descubriendo poco a poco los fragmentos de la filmación en este pequeño espacio donde múltiples acciones toman lugar. La técnica The Nervous System de Jacobs crea una vez más aquella ilusión visual de profundidad.

Dirección Ken Jacobs Edición Nisi Jacobs Música David Moss

Early 20th-century street vendors pushed their carts loaded with vegetables. It is time for them to go. A youngster juggles as a cop walks by in front of him to keep everything in order. The youngster backs down and the officer goes away; then, the youngster goes back to his circus activities. Little by little, the viewer discovers fragments of the film of that reduced space in which multiple actions are occurring. Jacobs’ technique, The Nervous System, succeeds once more in creating the illusion of visual depth.

Festivales y premios Festival de Venecia, 2010 Sección Horizontes

82 TRAZOS: CORTOMETRAJES DE KEN JACOBS

TRAZOS: CORTOMETRAJES DE KEN JACOBS

EL PROYECTO DIGITAL JEONJU

THE JEONJU DIGITAL PROJECT

El Proyecto Digital Jeonju, el proyecto principal que año con año presenta el Festival Internacional de Cine de Jeonju, existe para apoyar a aquellos cineastas apasionados que han buscado que sus estéticas cinematográficas sean una exploración hacia el futuro del cine. Desde su inicio, el FICJ ha mostrado treinta cortos digitales dirigidos por reconocidos cineastas y presentados en diversos festivales cinematográficos con buena recepción por parte del público en todo el mundo. Como consecuencia de nuestros constantes esfuerzos, el Proyecto Digital Jeonju ha sido invitado a varios festivales cinematográficos internacionales como los de Venecia, Toronto, Locarno, Torino, Vancouver, Viena y Hong Kong, entre otros.

The Jeonju Digital Project —the main project presented by the Jeonju International Film Festival (JIFF) each year— exists to support those passionate filmmakers who have endeavored so their cinematographic aesthetic becomes an exploration into the future of cinema. Since its beginning, the JIFF has screened thirty short digital films, directed by renowned filmmakers, which have been presented in various film festivals throughout the world with good reception by their audience. As a consequence of our constant effort, the Jeonju Digital Project has been invited to several international film festivals such as those of Venice, Toronto, Torino, Vancouver, Vienna and Hong Kong, among others.

Llevar el Proyecto Digital Jeonju no sólo a Asia, sino a Europa, es lo que el FICJ ha buscado lograr, introduciéndolo a varios festivales cinematográficos internacionales y capturando la atención de realizadores del mundo entero. Con el respaldo que brindan el apoyo y el constante interés por parte de los cineastas de todo el mundo, en 2007 el FICJ dio un paso adelante, al seleccionar no sólo a cineastas asiáticos, sino a realizadores europeos para expandir de esta forma la visión y el alcance del Proyecto. En 2008, tres cineastas africanos participaron en el Proyecto Digital Jeonju para brindar una nueva estética fílmica. De cara al décimo aniversario de 2009, el FICJ regresó de nuevo a Asia, con cineastas asiáticos emergentes, para recordar su original visión y objetivos, declarando el inicio de una nueva década para seguir adelante. Ahora, el undécimo FICJ abre un nuevo capítulo del proyecto para la nueva década, con nuevos realizadores de todo el mundo, para mantener los recuerdos y los incontables esfuerzos que realizamos en conjunto durante los últimos diez años. Para el undécimo Proyecto Digital Jeonju, el FICJ selecciona, por primera vez en la historia del Proyecto, a reconocidos directores de Norte y Sudamérica. Estos cineastas son: un maestro del mundo fílmico independiente y experimental estadounidense, James Benning, un icono de la escena independiente y experimental de Canadá, Denis Côté, y un director emergente que se ha convertido en una estrella, Matías Piñeiro. Estos tres cineastas tienen una relación especial con el FICJ. Denis Côté visitó el FICJ en 2006 con su largometraje debut, Drifting States; Matías Piñeiro vino al FICJ en 2008 con su película El hombre robado y ganó el PremioWoosuk; James Benning visitó el FICJ con sus dos películas, RR y Casting a Glance, siendo ampliamente reconocido por el público en Jeonju.

The goal of the JIFF has been to take the Jeonju Digital Project not just into Asia, but also Europe, through its presentation in international film festivals and capturing the attention of filmmakers all around the world. With the support and constant interest of filmmakers from all countries, in 2007 the JIFF took a step ahead with the selection of not just Asian directors, but also European filmmakers who expanded the scope and reach of the Project. In 2008, three African directors took part in the Jeonju Digital Project offering a new film aesthetic. In 2009, in face of its Tenth Anniversary, the JIFF came back to Asia presenting new Asian filmmakers as a reminder of this Festival’s original vision and goals, opening thus a new decade to carry on with our effors. Now, the 11th JIFF opens a new chapter in a new decade, with novel filmmakers from all around the world in order to celebrate the memories of the countless joint efforts of the past ten years. For the first time, in this 11th Jeonju Digital Project the JIFF has selected renowned directors from North and South America. These filmmakers are: a master of the independent and experimental film circles in the U.S., James Benning; an icon of the experimental and independent scene in Canada, Denis Côté; and an up and coming director who has become a star, Matías Piñeiro. These three filmmakers have a special relation with the JIFF; Denis Côté visited the Festival with his first feature, Drifting States, in 2006; Matías Piñeiro screened his film El hombre robado at the 2008 Festival, winning the WoosukAward; James Benning presented two of his films at the Festival, RR and Casting a Glance, receiving the recognition of the audience in Jeonju.

LES LIGNES ENNEMIES | LAS LÍNEAS ENEMIGAS | THE ENEMY LINES

Seis hombres caminan en un bosque. Algo los amenaza. Están armados, dispuestos a la acción, deambulan día y noche esperando el enfrentamiento. Un hombre desaparece repentinamente como un fantasma y los otros cinco comienzan a preocuparse. ¿Dónde está? ¿Qué está pasando con los soldados? ¿Qué demonios están buscando? Six men. The forest. The menace is there, somewhere. Armed, ready, looking for action, they wander day and night, striving for a confrontation. While they are wandering the forest, one man disappears like a ghost, and other five’s are getting worried. Where has he gone? What is going on with the soldiers? What the hell are they searching for? Denis Côté | Canadá, 1973 Coté termina sus estudios en arte y cinematografía en el Ahuntsic College, de Montreal, en 1992. Su primer largometraje, Drifting States, compartió un Leopardo de Oro en la competencia de video en el Festival de Locarno, en 2005. All That She Wants, su tercer largometraje, ganó el Leopardo de Plata en el Festival de Locarno de 2008. He completed his studies in Arts and Cinema at Montreal’s Ahuntsic College in 1992. His debut feature Drifting States shared a Golden Leopard in the video competition of the 2005 Locarno Film Festival. All That She Wants, his third feature, won the Silver Leopard at 2008 Locarno Film Festival.

86 TRAZOS: JEONJU DIGITAL PROJECT 2010

PIG IRON | ARRABIO

Corea del Sur 2010

43’ hd color

31’ hd color

Dirección y guión Denis Côté Producción Sylvain Corbeil Fotografía Jonathan Decoste Edición Maxime-Claude L’Ecuyer Sonido Frédéric Cloutier Reparto Olivier Aubin, Hubert Proulx, Marc-André Grondin, Christian LeBlanc, Hugo Giroux, Benoit Lapierre Filmografía Carcasses • 2009, All That She Wants • 2008, Our Private Lives • 2007, Maite, Drifting States, Les Jouets • 2005, Tennessee • 2005

Pig Iron es un relato extraordinario de treinta minutos. El mineral de hierro se calienta en los altos hornos para hacer el arrabio, que a su vez se utiliza para producir acero. La producción del acero implica un proceso continuo. El arrabio es llevado de los altos hornos a la planta acerera por medio de ferrocarriles que son operados a control remoto. Pig Iron is a 30 minute dramatic narrative. Iron ore is super heated in a blast furnace to make pig iron, which in turn is used to produce steel. The making of steel is a continuous process. Pig iron is moved from the blast furnace to the steel plant by railroad. The trains are operated by remote control.

Dirección, fotografía, edición y sonido James Benning Filmografía selecta RR • 2007 Casting a Glance • 2007, One Way Boogie Woogie/27 Years Later • 2005, Ten Skies • 2004, 13 Lakes • 2004, Los • 2004, Sogobi • 2001, El Valley Centro • 2000

James Benning | Estados Unidos, 1942 Estudió realización con David Bodwell en la Universidad de WisconsinMadison. Desde entonces ha trabajado como cineasta independiente y pasó a formar parte del profesorado del Instituto de Artes de California en 1987. En 2005, Film Comment escogió su filme 13 Lakes como una de las mejores películas sin distribución comercial. He studied film under David Bodwell at the University of WisconsinMadison. He has worked as an independent filmmaker ever since and joined the faculty at the California Institute of the Arts in 1987. In 2005, Film Comment chose his film 13 Lakes as one of the year’s Best Unreleased Films.

TRAZOS: JEONJU DIGITAL PROJECT 2010

ROSALINDA

Corea del Sur 2010 43’ hd color

Un grupo de actores se retira a una isla en El Tigre para preparar la obra Como gusten de Shakespeare. Luisa, quien personificará a Rosalinda en la obra, decide terminar su relación sentimental por medio del celular. Al final de los ensayos, Luisa se da cuenta de que los encuentros con sus compañeros de obra aumentan su soledad y el deseo de estar acompañada, aunque eso implique la estúpida esperanza de recibir una posible llamada repentina. A group of actors retire to an island in Tigre to prepare William Shakespeare’s As you like it. Luisa, the one who personify Rosalind in the play, decides to settle her sentimental relationship through the mobile phone. At the end of the rehearsals, Luisa finds that meetings with each of her play partners increases her solitude and the wish of being accompanied, though that means the stupid wish of receiving a possible sudden call. Matias Piñeiro | Argentina,1982 Piñeiro estudió en la Universidad del Cine, donde dicta la materia Historia del Cine. Trabajó como asistente de dirección en varios cortos y en el largometraje Otra vuelta (2004), de Santiago Palavecino. En 2002 dirigió su primer corto, Una mujer callada. Su primer largometraje, El hombre robado, ganó el Premio Woo-suk en el Festival Internacional de Cine de Jeonju, en 2008. He studied at Universidad del Cine, where he now teaches Film History. He worked as an assistant director in several short films and in the feature film Another Return (2004), by Santiago Palavecino. In 2002, he directed his short film A Quiet Woman. His feature debut won the Woo-suk award (Gran Prix) at the Jeonju International Film Festival, 2008.

88 TRAZOS: JEONJU DIGITAL PROJECT 2010

Direccción y guión Matías Piñeiro Producción Iván Granovsky Fotografía Fernando Lockett Edición Alejo Moguillansky Sonido Daniela Ale, Emilio Iglesias Reparto Matría Villar, Alberto Ajaka, Agustina Muñoz, Julan Larquier Tellarini, Julián Tello Filmografía They All Lie • 2009, El hombre robado • 2007, A propósito de Buenos Aires • 2006

GENNEVILLIERS

AVANT LES MOTS | ANTES DE LAS PALABRAS | BEFORE WORDS

Gennevilliers, ciudad industrial ubicada en el noroeste de París, se podría describir como el suburbio parisino por excelencia: urbanización compacta, arquitectura insípida, precariedad social y laboral, flujos migratorios. Sin embargo, el Teatro de Gennevilliers demostró que esa periferia parisina es todo excepto un lugar antiestético; más bien se trata del epicentro de la sociedad contemporánea francesa. En efecto, mediante su iniciativa “Cineastas. Carta Blanca”, encabezada artísticamente por el mismísimo cineasta Olivier Assayas (Carlos, L’Heure d’été, Clean, Demonlover, Irma Vep, Paris s’eveille, Désordre, entre otras) el Teatro de Gennevilliers, desde el 2008, abre sus puertas cada año a dos directores, quienes, a su manera, con su mirada, reinventan la ciudad y el cine, ya sea a través del documental, de la ficción o de híbridos cinematográficos. Los invitados de Olivier Assayas tienen una total libertad para hacer su película, salvo dos condiciones, uno: filmar Gennevilliers; dos: filmar un cortometraje en diez días. En 2008, Shinji Aoyama filmó Le Petit Chaperon rouge, y Jean-Paul Civeyrac, Malika s’est envolée. A continuación filmaron Bertrand Bonello (Where the Boys Are) y de Lodge Kerrigan (Return to the Dogs) en 2009. Olivier Assayas invitó en 2010 a los realizadores Joachim Lafosse y Christophe Honoré que rodaron respectivamente Avant les mots y Homme au bain. Ambas películas fueron presentadas en estreno mundial en el Festival Internacional de Locarno en agosto de 2010. FICUNAM se complace en presentar un programa de tres cortometrajes, realizados por tres de los más grandes cineastas contemporáneos y coproducidos por Les Films du Bélier: Where the Boys Are de Bertrand Bonello, Avants les mots de Joachim Lafosse y Return to the Dogs de Lodge Kerrigan. En el contexto de este proyecto, los cineastas subvierten la vida ordinaria de las afueras de París, demostrando libremente, cada uno a su manera, el poder creativo del arte cinematográfico. Sébastien Blayac Gennevilliers —an industrial city northwest from Paris—could be described as the prototypical Parisian suburb: a crowded urbanization of insipid architecture, poverty and lack of work, presence of migrants. However, the Genevilliers Theathe proved that banlieue of Paris as everything but an aesthetically devoid place; on the opposite, it is now located at the center of contemporary French society. Artistically led by filmmaker Olivier Assayas himself (Carlos, L’Heure d’été, Clean, Demonlover, Irma Vep, Paris s’eveille, Désordre, among others), and through the initiative “Filmmakers. Carte Blanche”, each year the Gennevilliers Theater opens its doors for two directors to reinvent the city and cinema through documentaries, fiction, or hybrid film forms. Olivier Assayas’ guests enjoy complete freedom to shoot their films, but work under two conditions —to film in Gennevilliers and to shoot a short film in ten days. In 2008, Shinji Aoyama filmed Le Petit chaperon rouge and Jean-Paul Civeyrac, Malika s’est envolée; then came the turn to Bertrand Bonello (Where the Boys Are) and Lodge Kerrigan (Return to the Dogs), in 2009; in 2010, Olivier Assayas invited filmmakers Joachim Lafosse and Christophe Honoré who made Avant les mots and Homme au bain. Both those films were featured internationally at the Locarno International Film Festival in August, 2010. FICUNAM is glad to present a program of three short films by three of the greatest contemporary filmmakers, coproduced by Les Films du Bélier: Where the Boys Are, by Bertrand Bonello; Avants les mots, by Joachim Lafosse; and Return to the Dogs, by Lodge Kerrigan. With “Carte Blanche,” these filmmakers subvert ordinary life in the periphery of Paris to show freely —each in its own way—the creative power of the art of cinema.

Bélgica 2010 25’ hd color

El retrato de un día en la vida de Cédric, un niño de un año y medio, en una guardería del suburbio parisino de Gennevilliers. No se trata de un filme referente a una guardería, sino de una obra cinematográfica acerca de los lazos que se establecen entre un niño y su entorno. Una historia sin palabras acerca de la primera infancia. This documentary portrays a day in the life of Cédric, a year-and-ahalf boy in a nursery school at Gennevilliers. More than a report on a nursery, it is a cinema piece on the bonds an infant establishes with his environment. A story without words about the early childhood period. Joachim Lafosse | Bélgica, 1975 Director, guionista, dramaturgo y director de teatro, egresado del IAD (Instituto de las Artes de Difusión) en Lovaina. En 2006 fue su revelación en la escena internacional: Ça rend hereux, su segundo largometraje, participó en la Selección Oficial del Festival de Locarno y en el Festival Premiers Plans d’Angers donde obtuvo el Gran Premio. A film director, scriptwriter, playwright, and theater director, he graduated from the Institut des Arts de Diffusion (IAD) at Lovaina. In 2006, he became known internationally with his second feature, Ça rend hereux, which participated in the Official Selection of the Locarno Festival and in the Festival Premiers Plans d’Angers, where it was awarded the Grand Prix.

Dirección y guión Joachim Lafosse Producción Justin Taurand Compañías Productoras Les Films du Bélier, Théâtre de Gennevilliers Fotografía Jean-François Hensgens Edición Sophie Vercruysse Sonido Florent Klockenbring Reparto Cédric van Braekel Filmografía selecta Avant les mots • 2010, Élève libre • 2008, Ça rend heureux • 2006, Nue propriété • 2006, Folle privée • 2004, Tribu • 2001

Sébastien Blayac 90

TRAZOS CORTOS GENNEVILLIERS

RETURN TO THE DOGS

Una mujer deambula por las afueras de Gennevilliers, un suburbio de París. A woman wanders the outskirts of Gennevilliers, a suburb of Paris. Lodge Kerrigan | Nueva York Sus largometrajes Clean, Shaven, Claire Dolan y Keane han sido distribuidos a nivel mundial y se han exhibido en festivales internacionales de primera línea, incluyendo la Selección Oficial de Cannes, ganando numerosos premios. Su más reciente película, Rebecca H. (Return to the Dogs) tuvo su estreno mundial en Cannes 2010. Kerrigan ha sido galardonado con el Independent Spirit Award y su trabajo ha sido objeto de diversas retrospectivas ofrecidas a nivel internacional. His features Clean, Shaven, Claire Dolan and Keane have been theatrically distributed worldwide and have shown at major international festivals including the main competition at Cannes, winning numerous prizes. His most recent film, Rebecca H. (Return to the Dogs) had its world premiere at Cannes in 2010. Kerrigan is a recipient of an Independent Spirit Award and his work has been the subject of several international retrospectives.

WHERE THE BOYS ARE | DONDE ESTÁN LOS CHICOS

Francia 2009

Francia 2010

18’ hdcam color

22’ hd color

Dirección y guión Lodge Kerrigan Producción Justin Taurand Compañías productoras Les Films du Bélier, Théâtre de Gennevilliers Fotografía Josée Deshaies Edición Marion Monnier Sonido Erwan Kerzanet Reparto Géraldine Pailhas

Para el director, la idea de captar el fin de la construcción de una mezquita en un lugar como Gennevilliers, lo atrajo inmediatamente: la filmación de un proyecto, de un deseo, de un sueño a cumplir, y al mismo tiempo, unir la historia de cuatro jovencitas que viven en un departamento frente a la mezquita y que también tienen un anhelo: encontrar al chico de sus sueños. La cinta, es al final de cuentas, la representación contemporánea de Francia.

Filmografía selecta Rebecca H. (Return to the Dogs) • 2010, Return to the Dogs • 2010, Keane • 2005, Claire Dolan • 1998, Clean, Shaven • 1994.

Bertrand Bonello | Francia, 1968 Bonello combina su vida entre París y Montreal. Músico clásico de formación antes de ser cineasta, aglutina en sus películas la investigación de la perfección plástica hasta un gusto pronunciado por los desórdenes oníricos, las ideas provocadoras y la sensualidad. Actores como Mathieu Amalric y Asia Argento han colaborado con él. Fiel a su vocación musical, compone toda la música de sus filmes.

For the director of this documentary shooting the end of the construction of a mosque in a place like Gennevilliers, a Parisian suburb, was attractive right from the start: filming a project, a desire, a dream to be fulfilled; and, at the same time, to unite the story of four young girls living in an apartment in front of the mosque who also have a hope —to find the boy of their dreams. This film is, at the end of the day, the representation of modern France.

Dirección y guión Bertrand Bonello Producción Justin Taurand Compañías productoras Les Films du Bélier, Théâtre de Gennevilliers Fotografía Josée Deshaies Edición Fabrice Rouaud Sonido Laurent Benaim Reparto Esther Garrel, Pauline Etienne, P’tissem Ayata, Justine Dhoually

Bonello spends his life between Paris and Montreal. A musician of classical formation before becoming a filmmaker, in his films he merges research on aesthetic perfection with a keen interest for dream disorders, provocative ideas and sensuality. Actors such as Mathieu Amalric and Asia Argento have collaborated with him. Loyal to music, this director composes all the scores for his films. Festivales y premios Festival de Cannes, 2010 Premio Unifrance de Cortometraje 92 TRAZOS CORTOS GENNEVILLIERS

TRAZOS CORTOS GENNEVILLIERS

NEM MARCHA NEM CHOUTA | NI A TROTE, NI A GALOPE | NOR A TROT NOR A CANTER

TALES

Brasil 2009

Francia Filipinas 2010

7’ dv color

Estaba filmando un mercado cuando un niño llamó mi atención… I was filming a market, when a kid took my eyes… Helvécio Marins jr. | Brasil Posee una maestría en cine de la Universidad Católica Pontificia de Río de Janeiro. Sus cortos y videos le han merecido más de 30 premios internacionales y han sido seleccionados en los festivales más importantes del circuito mundial. Desde 2008, es corresponsal latinoamericano de Festival de Locarno. With a master degree in Cinema by PUC-University at Rio de Janeiro, his short films and videos have earned him over 30 international awards. Selected for the most relevant Festivals of the international circuit, he is the Latin American correspondent for the Locarno Film Festival.

Dirección, guión y fotografía Helvécio Marins jr. Producción Inácio Neves Edición Clarissa Campolina Música O Grivo Reparto Ribamar Filmografía 2 Homens | Two Men • 2001, Alma Nua | Naked Soul • 2004, Nascente • 2005, Trecho | Passage • 2006, Nem marcha nem chouta | Nor a trot nor a canter • 2009

Festivales y premios Festival Internacional de Cine del Amazonas, 2010 Mejor Cortometraje

21’ hdv color

Tras la muerte de su novio, una joven se marcha al campo al encuentro del bosque, de la naturaleza y de los espíritus. Durante el día, el viento sopla y las aguas se apoderan de ella. En la noche, la joven entra en contacto con los fantasmas. Un relato acerca del duelo prolongado y el murmullo de las ánimas, narrado por el cine digital y silente. After the death of her boyfriend, a young woman leaves for the countryside seeking nature and the spirits. The wind blows hard during the days and waters overcome the space. At nights, the young woman gets in touch with ghosts. A tale about lingering mourning and the whispers of the souls, narrated with silent digital film. Saskia Gruyaert | Francia, 1986 Ha realizado dos mediometrajes sobre el artista neoyorquino Richard Nonas. She directed two documentary films on New-York based artist Richard Nonas. Raya Martin | Filipinas, 1984 Estudió cine y ha trabajado como escritor e investigador en la televisión, prensa y radio de Filipinas. Es el primer cineasta filipino en ser aceptado en la Cinéfondation Résidence del Festival de Cannes.

Dirección Saskia Gruyaert, Raya Martin, Antoine Thirion Guión Raya Martin Fotografía Raya Martin, Antoine Thirion Edición Saskia Gruyaert, Raya Martin, Antoine Thirion Sonido Saskia Gruyaert, Raya Martin, Antoine Thirion Reparto Saskia Gruyaert, Antoine Thirion

After studying filmmaking, he worked as a writer and researcher for Philippines TV, press and radio. He is the first Philippine director to be accepted for the Cinéfondation Résidence of the Cannes Festival. El cortometraje Nem marcha nem chouta se proyectará antes de la película Interno miércoles 2 de marzo | 11:00 h Auditorio del MUAC

Antoine Thirion | Francia, 1981 Fue crítico de Cahiers du Cinéma (2001-09). Fundó el sitio web de crítica www.independencia.fr, y participó en la organización de la primera retrospectiva de James Benning exhibida en Francia.

El cortometraje Cuentos se proyectará antes de la película Todo, en fin, el silencio lo ocupaba lunes 28 de febrero | 16:00 h Auditorio del MUAC

A critic for Cahiers du Cinéma (2001-09), he founded a website focused on film critic (www.independencia.fr) and took part in the organization of James Benning’s first retrospective show in France. 94 TRAZOS: CORTOMETRAJES

TRAZOS: CORTOMETRAJES

RETROSPECTIVA ARTAVAZD PELESHYAN RETROSPECTIVE ARTAVAZD PELESHYAN

RETROSPECTIVA ARTAVAZD PELESHYAN

RETROSPECTIVE ARTAVAZD PELESHYAN

Uno de los equívocos más visible pero menos cuestionado del discurso cinematográfico contemporáneo consiste en legitimar una equivalencia acrítica entre el cine y la literatura. La obsesión sobre los guiones y el arte del relato han naturalizado un modo de ver, pensar, discutir y escribir sobre cine en el que el poder del cinematógrafo corre el riesgo de devenir en mera literatura ilustrada. Ver un film de Peleshyan, una experiencia tan sensorial como espiritual, conjura esa tara propia del imperativo del mercado y de las convenciones concomitantes de esa racionalidad propia del entretenimiento infinito. Además, la falsa dicotomía entre un cine de arte sostenido en la longitud de los planos en contraposición a un cine industrial amparado en la duración mínima de los mismos resulta obsoleta y reduccionista, pues los planos cortos de Peleshyan se desmarcan enteramente de esta confrontación formal y revelan la juventud del lenguaje cinematográfico, aunque el cine de Peleshyan lleve décadas de existencia y no muchos hayan reconocido su grandeza y genialidad.

One of the most visible and less questioned mistakes about contemporary film discourse is to legitimate without a critic an equivalence between cinema and literature. The obsession with scripts and narration art have naturalized a way of watching, thinking, discussing and writing about films where cinema is in risk of becoming mere illustrated literature. To watch a film by Peleshyan —an experience both sensory and spiritual— exorcises the defect per excellence of the market imperatives and the derived conventions related to a notion of endless entertainment. Besides, the false dichotomy between art film —defined by its long shots— in opposition to industry films with the briefest shots possible is both obsolete and reductionist. Peleshyan shots are completely distanced from this formal confrontation and reveal the youth of the language of cinema; though Peleshyan films have existed for decades and not many have yet recognized the geniality and greatness of his work.

No se trata, lógicamente, de una casualidad. Peleshyan, como los viejos sabios de otros siglos, posee una teoría que no está divorciada de la práctica. Su famosa teoría del montaje de la distancia o sintaxis contrapuntística se puede verificar en sus películas, aunque fue a fines de la década del ’60, después de El principio (Peleshyan es aquí un pionero del found footage), cuando el realizador comenzó a conceptualizar sobre lo que venía haciendo en sus películas. Dice Peleshyan: “En presencia de dos planos importantes, portadores de sentido, no me esfuerzo en acercarlos ni confrontarlos, sino en crear una distancia entre ellos”. Esta operación convierte a la película en una estructura de montaje. Es en la concatenación de los planos en donde aparece el sentido, una idea, una intuición, un filme montaje en el que sobrevuela holísticamente un tema, casi siempre, sobre la humanidad y la naturaleza. Es decir: en cada plano reverbera el resto del film pero, paradójicamente, es a partir de la distancia y la repetición entre planos centrales que se consigue establecer un plus semántico que no está enraizado en un plano aislado. Y no obstante, tal descripción es insuficiente, pues Peleshyan entiende que su montaje de la distancia “descubre los misterios del movimiento del universo”.

Logically, this is not mere chance. Just as the old sages of other centuries, Peleshyan’s theory is not divorced from practice. His famous theory of distance montage or counterpoint syntax can be verified in his films, though it was only by the end of the 60’s, after Beginning (Peleshyan is a pioneer of found footage), when he began conceptualizing what he had already been doing in his films. Peleshyan says: “When in presence of two important, meaningcarrying shots, I make no effort to put them close together or to confront them, but I try to create a distance between them.” This operation turns the film into a montage structure. Sense appears in the connection of shots, it is there where the idea, the intuition, the film montage begins to be grasped in a holistic way. And it almost always has to do with humanity and nature. In each shot the rest of the film is echoed but, paradoxically, it is through distance and repetition of central shots that the semantic extra is established, and it is never rooted in a single shot. However, this description is simply not enough because Peleshyan understands that his distance montage “discovers the mysteries of the movement of the universe.” Roger Koza

Roger Koza 98

SKIZBE | EL PRINCIPIO | BEGINNING República de Armenia Rusia 1967 10’ beta byn

MENG MENQ | NOSOTROS | WE Dirección, guión y edición Artavazd Peleshyan Fotografía Elizbar Karavayev Música Georgi Sviridov Sonido Oleg Poulissonov, M. Samvelyan

El inicio oficial de la obra de este director comienza precisamente con Beginning, cinta que conmemora los cincuenta años de la Revolución de Octubre de 1917. Peleshyan realiza una crónica de los acontecimientos que cambiaron el curso de la historia del siglo XX, y aquí experimenta (lo que se convertiría en el sello personal de sus películas) con el montaje, en este caso con imágenes de archivo, alternando pasado, presente y futuro. Más que un recuento de la historia de Rusia, se trata de una representación simbólica del movimiento revolucionario. The official beginning of this director’s work is, precisely, Beginning, a film commemorating the fiftieth anniversary of the October Revolution of 1917. Peleshyan shows a chronicle of the events which altered the course of history in the 20th century and experiments with that which would become a personal seal for all his movies —the editing of stock images alternating the past, the present and the future. More than a look back on the history of Russia, this is a symbolic representation of the revolutionary movement. Filmografía Verj | End • 1994, Kyanq | Life • 1993, Mer dare | Our Century • 1983, Vremena goda | Four Seasons • 1975, Zvyozdnaya minuta | Starlit Minute • 1972, Obitateli | Inhabitants • 1970, Menq | We • 1969, Skizbe | Beginning • 1967, Mardkants yerkire | Earth of People • 1966, Lernayin parek | Mountain Vigil • 1964

República de Armenia Rusia 1969 27’ 35mm byn

Dirección y guión Artavazd Peleshyan Fotografía Laert Porossian, Elisbar Karavaev, Karen Messian Edición L. Vokova Música F. Amirkhanian, Bellini Sonido F. Amirkhanian

We es quizá la más “armenia” de todas las cintas de Peleshyan donde plasma un emotivo retrato de la identidad y fe de una nación. Es un montaje en el que combina imágenes de archivo y de registro, de inquietante lirismo en el que el pueblo armenio parece haber resistido todas las calamidades y todas las heridas a lo largo de los siglos. Un documento sobre héroes cotidianos y la habilidad de los seres humanos para sobrevivir sin importar las dificultades que tenga que enfrentar. Perhaps the most “Armenian” of all Peleshyan’s films, in it he shows an emotive portrait of the identity and faith of a nation. Alternating between stock images and some produced by him, he presents —with disturbing lyricism— how the Armenian people seems to have withstood all sorts of calamities and wounds throughout centuries. This is a document on everyday heroes and the human ability to survive in spite of all difficulties. Festivales y premios Festival Internacional de Cine de Oberhausen, 1970

OBITATELI | LOS HABITANTES | INHABITANTS República de Armenia Rusia 1970 10’ beta byn

Dirección y guión Artavazd Peleshyan Fotografía Evgueni Anissimo Edición L. Volkova Música V. Ouslimenkov Sonido V. Kharlamenko

Una reflexión acerca de las relaciones de los seres que pueblan la tierra y la amenaza que representa la destrucción de la armonía natural. Este documental pleno de tomas panorámicas de migraciones y estampidas, así como de animales en cautiverio, alude solamente a la presencia humana mediante escasas siluetas que parecen ser la causa principal del terror. La mayor parte de Inhabitants muestra a la vida salvaje en situación de pánico, y una impactante banda sonora compuesta de disparos y alaridos, conjura cualquier intento de indiferencia A reflection on the relations between the beings which populate Earth and the threat represented by the destruction of nature’s harmony, this documentary —filled with panoramic images of migrations and stampedes as well as animals in captivity— alludes to the presence of human beings just through a few silhouettes which appear to be the main cause of horror. Mostly, Inhabitants show wild life in panic and makes us part of an impressive soundtrack packed with gunshots and shrieking screams.

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VREMENA GODA | LAS ESTACIONES | SEASONS República de Armenia Rusia 1975 29’ 35mm byn

Dirección y guión Artavazd Peleshyan Fotografía Mikhail Vartanov, B. Hovsepian, G. Tchavouchian Edición Aida Galstian, Artavazd Peleshyan Música Tigran Mansuryan, V. Kharlamenko, Vivaldi

Las estaciones es probablemente el filme más bello de Peleshyan, y en todo caso, le asegura un lugar en la historia del cine. La película constituye una enorme parábola sobre los momentos decisivos de la historia de Armenia, desde sus orígenes volcánicos hasta el periodo industrial y, es también, la historia del éxodo del pueblo armenio. Aparte de esta lectura simbólica, la cinta explora la proximidad del hombre con la naturaleza: viviendo con ella, en contra de ella, a pesar de ella, y viviendo para ella y por ella. Seasons might be Peleshyan’s most beautiful film; in any case, it has earned him the international success he enjoys today. This film is an enormous parable showing the decisive moments in the history of Armenia, from its volcanic origins to the industrial period. It also shows the history of the exodus of Armenian people. Besides this symbolic conception, the film explores the proximity of man and nature –he lives in it, against it, and in spite of it; he lives for it and because of it.

MER DARE | NUESTRO SIGLO | OUR CENTURY República de Armenia Rusia 1983 47’ beta color

KYANG | VIDA | LIFE

Dirección y guión Artavazd Peleshyan Fotografía Laert Poghosyan, O. Savin, R. Voronov, A. Choumilov Edición Aida Galstian, Artavazd Peleshyan Sonido Oleg Poulissonov

República de Armenia Rusia 1993

Dirección y guión Artavazd Peleshyan Fotografía Vahagn Ter-Hakobyan Música Verdi Sonido Oleg Poulissonov

07’ 35mm color

Un ensayo poético visual acerca del inicio de la vida. La experiencia del nacimiento y su significado simbólico. En tan sólo siete minutos, el director presenta varios primeros planos de una mujer en el proceso de parto. Por primer vez, Peleshyan utiliza película a color, tal vez para acentuar el ya, de por sí, tono optimista del filme. A poetic visual essay on the beginning of life, the experience of birth and its symbolic meaning, in only seven minutes the director presents extreme close-ups of a woman in the process of giving birth. For the first time, Pelashian uses color, maybe to enhance the already optimistic tone of the film.

VERJ | FINAL | END República de Armenia Rusia 1994 10’ 35mm byn

Dirección, guión y edición Artavazd Peleshyan Fotografía Vahagn Ter-Hakobyan Música Johann Sebastian Bach Sonido Oleg Poulissonov

Poema fílmico de cincuenta minutos que aborda las consecuencias del empeño humano por conseguir la gloria durante el siglo XX, periodo que no será olvidado por ser este el siglo de la conquista del espacio y de los genocidios. Peleshyan muestra el absurdo de esta vocación instintiva y totalitaria por la colonización y la ocupación de otros mundos.

La película es un enorme logro de edición y un emblemático viaje en tren a través de la oscuridad. Peleshyan con cámara en mano filma a hombres y mujeres de distintos orígenes étnicos, edades y estados emocionales. Un viaje colectivo con un mismo destino pero donde cada uno de los pasajeros posee su propio camino individual.

A fifty-minute-long film poem, it deals with the consequences of the human endeavor for glory. The 20th century is a period which will not be forgotten since it is the century of the conquest of space and of genocides. Peleshyan shows the absurdity behind this instinctive and totalitarian vocation for colonizing and occupying other worlds.

A tour-de-force of editing and an emblematic train ride through darkness, Peleshyan films —with a handheld camera— men and women of different age, ethnic backgrounds and states of mind. This is a collective trip with the same destiny, but in which every passenger follows her own individual path.

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RETROSPECTIVA JEAN EUSTACHE

RETROSPECTIVE JEAN EUSTACHE

EL ESCÁNDALO DE JEAN EUSTACHE 1938-1981

Su primera película, Du coté de Robinson (Les Mauvaises fréquentations) (1963), termina con el gozoso grito: “¡Al burdel!”. Grito de escándalo después de una trama de la crueldad más pura: humillación en el amor, humillación de la mujer por el hombre (por una pandilla de hombres). Dentro del contexto del cine francés, Eustache siempre fue un escándalo. Su formación fue posterior a la Nouvelle Vague, pero, al igual que Luc Moullet y Maurice Pialat, trajo a la pantalla la ruda, anti-sentimental y cínica aura de la experiencia de la clase trabajadora, provinciana, rural. Licor fuerte y sexo sin glamour: al burdel. En medio de un mosaico de nuevas pasiones adolescentes, en Mes petites amoureuses (1974) irrumpen, a través de una general delicadeza bressoniana, estas palabras: “La tengo parada”. El romanticismo —el romance capturado en las nostálgicas canciones de Piaf, sonando en directo desde un tocadiscos en su obra maestra, La Maman et la putain (1973) —muestra una calidad lírica ganada con gran esfuerzo en la obra de Eustache. En las memorias de su ex amante, Evane Hanska (Mes années Eustache, Flammarion, 2001) habla sobre la forma en que él, sádicamente, alteró el final de su primera novela autobiográfica dentro de la adaptación que hizo para guión, ¡de manera que terminaba con ella suicidándose por ahogamiento! Pero, años después, pudo darse cuenta de la belleza y corrección de ese final. Eustache era un vampiro; vampirizaba su propia vida para obtener material de ficción fílmica, como hace Philippe Garrel (quien era su amigo y camarada). Jacques Rivette ha relatado cómo, al trabajar juntos editando un documental sobre Jean Renoir, discutieron sobre la verdad en el cine, prometiendo cada uno de ellos tomar un camino opuesto por el resto de sus carreras: Rivette tomó la línea del teatro, la fantasía y el artificio, mientras que Eustache tomó la línea de la absoluta fidelidad a sus propias experiencias, sin importar lo sórdidas o banales que pudieran ser en ocasiones. Pero hacer esto, no sólo una vez sino de manera continua, desencadena un peligroso círculo de retroalimentación entre el arte, la vida y de regreso. Para Eustache y aquellos que lo rodeaban esta retroalimentación podía incluso resultar fatal: un suicidio acompañó la primera proyección de La Maman et la putain, de alguien que se vio retratada en la película por una honestidad demasiado dura. Y el suicidio 106

sería una maldición que él mismo, eventualmente, viviría: literalmente, un Dr. Mabuse retorcido, paralizado en su apartamento, tejiendo proyectos futuros a partir de sus interminables llamadas telefónicas grabadas, finalmente colocando una pistola contra su pecho, con una nota en la puerta: “Tocar fuerte para despertar al muerto”... El vampirismo fue el riesgo que asumió Eustache y éste garantizó la grandeza alcanzada por su obra, razón por la que, para nosotros hoy en día, ésta brilla tan oscura y memorablemente. Eustache no era como Renoir, o Bresson, o Godard, o incluso Pialat; el ‘contenido humano’ no era para él un non plus ultra. Desde muy temprano su trabajó cargó hacia una dirección conceptual: el inquebrantable retrato minimalista de su abuela en Numéro zéro (1971), los documentales gemelos de La Rosière de Pessac (1968/79), la revisión con nuevos personajes de la cruda realidad como un ritual de mise en scène… llegando hasta los magistrales experimentos de la puesta en escena/representada precisamente en Une sale histoire (1977) y sus últimos, severos, cortometrajes. Desde el provocativo hedor de la cloaca vivida hasta la dura forma de un dispositivo fílmico: Eustache nunca dejó de retarnos con estos extremos experimentales, estos escándalos culturales en mancuerna y sus sorprendentes combinaciones híbridas. Hoy en día aún nos reta desde la tumba, desde una “otra vida” en la que él jamás se hubiera permitido creer… Adrian Martin | enero de 2011

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THE SCANDAL OF JEAN EUSTACHE 1938-1981 He is still challenging us today, from the grave, from an after-life in which he would never have let himself believe …

His first film, Bad Company (1963), ends with the joyous cry: ‘To the brothel!’ A cry of scandal, following on from a plot of the purest cruelty: humiliation in love, humiliation of woman by man (by a gang of men). Eustache was always a scandal in the context of French cinema. He was part of a post Nouvelle Vague formation; but, like Luc Moullet and Maurice Pialat, he brought the tough, unsentimental, cynical aura of working class, provincial, rural experience to the screen. Hard booze and unglamorous sex: to the brothel. In the midst of a mosaic of young teenage passions in Mes petites amoureuses (1974), these words break through the Bressonian delicacy of it all: ‘I got a hard-on’. Romanticism —the romance captured in nostalgic songs by Piaf playing on the disc turntable in his masterpiece, La Maman et la putain (1973) — was a hard-won lyricism in Eustache. In the memoir by his ex-lover Evane Hanska (Mes années Eustache, Flammarion, 2001), she speaks of how he sadistically altered the ending of her autobiographical debut novel in his script adaptation – so that it ended in her suicide by drowning! But years later, she came to see the beauty and rightness of this ending … Eustache was a vampire – he vampirised his own life for the material of filmic fiction, as Philippe Garrel (who was his friend and comrade) does. Jacques Rivette has recounted how, when working together editing a documentary on Jean Renoir, they argued about truth in cinema, each one pledging to take an opposing path for the rest of their careers: Rivette took the line of theatre, fantasy and artifice; while Eustache took the line of absolute fidelity to his own experiences, however sordid or banal they might sometimes be.

phone calls, finally putting a gun to his chest and a note on the door: ‘Knock loudly to wake the dead’ … Vampirism was the risk Eustache took, and it guaranteed the greatness his work achieved, the reason it glows so darkly and memorably for us today. Eustache was not like Renoir or Bresson or Godard or even Pialat; ‘human content’ was not a non plus ultra for him. From early on, his work pushed into a conceptual direction: the unflinchingly minimalist portrait of his grandmother in Numéro zero (1971), the twin documentaries of La Rosière de Pessac (1968/79), raw reality revisited and recast as a ritual mise en scène … leading to the magisterial experiments in staged/performed actuality in Une sale histoire (1977) and his final, severe short films. From the provocative stench of the lived gutter to the hard form of a filmic dispositif: Eustache never ceased to challenge us with these experimental extremes, these twin cultural scandals, and their hybrid, surprising combinations. He is still challenging us today, from the grave, from an after-life in which he would never have let himself believe … Adrian Martin | January 2011

But to do this not once, but continuously, triggers a dangerous feedback loop from art to life and back again. For Eustache and those around him, the feedback could even be fatal: a suicide accompanied the first projection of La Maman et la putain, someone who found herself portrayed with such harsh honesty in the film, and suicide would be a curse he himself eventually lived out: a literally twisted Dr Mabuse, paralysed in his apartment, weaving future projects from his taped, endless tele108

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DU COTÉ DE ROBINSON (LES MAUVAISES FRÉQUENTATIONS) | DEL LADO DE ROBINSON (LAS MALAS COMPAÑÍAS) | ROBINSON’S PLACE

LE PÈRE NOËL A LES YEUX BLEUS | PAPÁ NOEL TIENE LOS OJOS AZULES | SANTA CLAUS HAS BLUE EYES Francia 1966

Francia 1963

47’ 35mm byn

42’ 16mm byn

Un domingo en Montmatre, dos amigos sin nada que hacer, abordan a una joven. El trío termina en Robinson, un salón de baile, sin embargo la joven se cansa de ellos y los abandona. Filmada en escenarios reales y una cámara ligera, este primer filme de Eustache, interpretado por actores aficionados, refleja la influencia de la Nueva Ola Francesa. Mejor conocida bajo el título de Du coté de Robinson, Les Mauvaises fréquentations fue el título global del programa doble compuesto por esta primera película y Le Père Noël a les yeux bleus. A Sunday in Montmatre, two friends with nothing to do chat up with a young girl and the three end up at Robinson, a ballroom where the girl gets tired of them and leaves them. Filmed in real settings with a small camera and played by aficionado actors, Eustache’s first film shows the influence of the French Nouvelle Vague. Better known as Du coté de Robinson, Les Mauvaises Frequentations was the global title of the double program made up by this first feature and Le Père Noël a les yeux bleus.

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Dirección y guión Jean Eustache Fotografía Philippe Théaudière Edición Jean Eustache Múscia César Gattegno Reparto Aristide, Daniel Bart, Dominique Jayr Filmografía Les Photos d’Alix • 1980, Offre d’emploi • 1980, La Rosière de Pessac II (79) • 1979, Le Jardin des délices de Jérôme Bosch • 1979, Une sale histoire volet document • 1977, Une sale histoire volet fiction • 1977, Mes petites amoureuses • 1974, La Maman et la putain • 1973, Numéro zéro • 1971, Le Cochon • 1970, La Petite marchande d’allumettes de Jean Eustache • 1969, Le dernier des hommes de Jean Eustache • 1969, La Rosière de Pessac I (68) • 1968, Le Père Noël a les yeux bleus • 1966, Du coté de Robinson Les Mauvaises fréquentations • 1963

Durante las fiestas de fin de año, Daniel desea comprarse un abrigo de moda que le asegurará reconocimiento social y por tanto el éxito con las chicas. Desafortunadamente carece de los medios económicos para hacerse de esa prenda y es entonces que se emplea de Papá Noel. Así descubre que disfrazado puede ser otro, y atreverse a hacer cosas que jamás había hecho. Esta película, llena de soledad y dureza, y de absoluta autenticidad puede arrancar a veces una sonrisa del espectador. During the end-of-year celebrations, Daniel is eager to buy a fashionable coat which will earn him social recognition and, thus, success with the girls. Unfortunately, he lacks the means to buy the clothing item; so he takes a job as Santa Claus and discovers that under disguise he can be someone else and dare to do things he has never done. This lonely and harsh film, of absolute authenticity, does manage to make the viewer smile every now and then.

Dirección y guión Jean Eustache Compañía productora Anuchka Films Fotografía Philippe Théaudière Edición Christiane Lack Sonido Bernard Aubouy Reparto Jean-Pierre Léaud, Gérard Zimmermann, Henri Martinez, René Gilson, Jean Eustache, Michèle Maynard

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POSTFACE: LA PETITE MARCHANDE D’ALLUMETTES | EPÍLOGO: LA PEQUEÑA VENDEDORA DE CERILLOS DE JEAN EUSTACHE | EPILOGUE: THE LITTLE MATCH GIRL BY JEAN EUSTACHE

En 1969, Eustache realizó dos documentales para Vamos al cine, el programa televisivo del CNDP (Centro Nacional de Documentación Pedagógica) francés, concebidos para exhibirse a manera de “epílogo explicativo” de dos películas mudas. En este segundo documental, Jean Renoir, recuerda las condiciones de improvisación en las cuales filmó el rodaje de su película La Petite marchande d’allumettes (1928) en el teatro de Vieux-Colombier, y habla de los cineastas que lo influyeron, de su admiración por Charles Chaplin y de la distinción entre la verdad y el realismo en el cine. In 1969, Eustache filmed two documentaries for Let’s Go to the Movies, the TV program of the French NCDP (National Center of Pedagogic Documentation); they were conceived as a sort of “explanatory epilogue” for two silent films. In this second documentary, Jean Renoir remembers the improvisatory conditions under which he filmed La Petite marchande d’allumettes (The Little Match Girl) (1928) in the theater Vieux-Colombier; he also talks about the filmmakers who were influential to him, his admiration for Charles Chaplin, and the distinction between truth and realism in cinema.

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POSTFACE: LE DERNIER DES HOMMES DE JEAN EUSTACHE | EPÍLOGO: EL ÚLTIMO DE LOS HOMBRES DE JEAN EUSTACHE | EPILOGUE: THE LAST LAUGH BY JEAN EUSTACHE

Francia 1969

26’ digibeta byn

Dirección y guión Jean Eustache

Dirección Jean Eustache

In 1969, Eustache filmed two documentaries for Let’s Go to the Movies, the TV program of the French NCDP (National Center of Pedagogic Documentation); they were conceived as a sort of “explanatory epilogue” for two silent films. In this first documentary he registers a discussion –between the critics André S. Labarthe and Jean Domarchi, and the playwright Marc’O— about one of F.W. Murnau’s masterpieces, The Last Laugh (Der Letzte Mann) (1924).

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LA ROSIÈRE DE PESSAC (I) 68 | LA VIRGEN DE PESSAC (I) 68 | THE VIRGIN OF PESSAC (I) 68

Jean Eustache regresa a su ciudad de infancia para realizar un informe acerca de la 72 va. elección de la Rosière de Pessac, que tradicionalmente debe distinguir a una joven virtuosa del lugar. La cinta muestra las deliberaciones del Consejo Municipal, el desfile, la misa, los discursos y el inicio de la fiesta. Jean Eustache returns to his childhood city to do a report on the 72th election of the Rosière de Pessac, traditional event to honor a local virtuous young lady. The film shows the debates of the Municipal Council, the procession, the mass, the speeches and the beginning of the party.

114 RETROSPECTIVA JEAN EUSTACHE

LE COCHON | EL CERDO | THE PIG

Francia 1968

Francia 1970

65’ 16mm byn

50’ 16mm byn

Dirección Jean Eustache Guión Jean Eustache, Françoise Lebrun Producción Jean Eustache Compañías productoras ORTF (Office de Radiosiffusion et Télévision Française, Les Films Luc Moullet Fotografía Philippe Théaudière Edición Jean Eustache Sonido Jean-Pierre Ruh, Alain Sempé Reparto Habitantes de Pessac, la Rosière, el alcalde, el Consejo Municipal

El sacrificio y descuartizamiento de un cerdo en una granja de Cévennes. Aquí el realizador no muestra ningún punto de vista moral o sociológico. Ha filmado, impasible, los hechos que son banales en la vida de los campesinos franceses. Le Cochon, que dirigió junto a Jean-Michel Barjol, fue terminado en solo un día. The sacrifice and dismemberment of a pig in a Cévennes farm is shown by the filmmaker without a moral or sociological point of view; he impassibly films trivial facts in the life of French peasantry. Le Cochon, directed in collaboration with Jean-Michel Barjol, was finished in a single day.

Dirección Jean Eustache, Jean-Michel Barjol Producción Luc Moullet, Françoise Lebrun Fotografía Philippe Théaudière, Renan Polles Edición Jean Eustache Sonido Jean-Pierre Ruh, François Carré

RETROSPECTIVA JEAN EUSTACHE 115

LA MAMAN ET LA PUTAIN | LA MADRE Y LA PUTA | THE MOTHER AND THE WHORE

La película narra el conflicto de Alexandre, un joven intelectual parisino enamorado de dos mujeres, enmarcado en un contexto social determinado, aquel después de mayo del 68 que aún mantenía su eco a principios de los años ‘70. Es el retrato de una época caracterizada por la reinvención de la pareja, las nuevas relaciones amorosas y la liberación sexual. El credo de una generación que proclamaba: “¡Todo es posible!“, aunque al final se tratara tan sólo de un simulacro. Un filme construido sobre la fuerza provocadora de la palabra. The film shows the conflict of Alexandre, a young Parisian intellectual who is in love with two women, framed in a particular social context –the times after May of ’68, which still echoed in the early 70’s. A whole time period is portrayed with the elements which characterized it –the reinvention of the idea of the couple, the new loving relations and sexual freedom—as well as the creed of a generation which proclaimed “Everything is possible!”; even though at the end it all were mere pretense. This is a film built upon the provocative power of words. Festivales y premios Festival de Cannes, 1973 Premio de la Crítica Internacional-FIPRESCI Ex-aequo Gran Premio Especial del Jurado

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MES PETITES AMOUREUSES | MIS PEQUEÑOS AMORES | MY LITTLE LOVES

Francia 1973

Francia 1974

220’ 35mm byn

123’ 35mm color

Dirección y guión Jean Eustache Producción Pierre Cottrell Compañías productoras Elite Films, Ciné Qua Non, Les Films du Losange, Simar Films, V.M. Productions Fotografía Pierre Cottrell Edición Jean Eustache, Denise de Casabianca Sonido Jean-Pierre Ruh, Paul Lainé Reparto Jean-Pierre Léaud, Bernadette Lafont, Françoise Lebrun, Isabelle Weingarten, Jacques Renard

Ficción centrada totalmente en el personaje de Daniel, un niño en el rito de paso hacia la adolescencia. Cinta lacónica, organizada esencialmente alrededor de la mirada del joven protagonista, quien descubrirá precozmente el mundo laboral al verse obligado a abandonar la escuela para emplearse como aprendiz de mecánico, pero también experimentará los incipientes sobresaltos amorosos, la banda de los amigos y el encuentro con las primeras películas, que como bien apunta Eustache: “El cine determina las normas de la realidad”. A fiction work centered on Daniel, a boy immersed in the rite of passage from childhood to adolescence. This laconic film is essentially organized around the point of view of its young protagonist, who discovers precociously the word of labor when forced to leave school to get a job as a mechanic apprentice. He also experiences with budding initiations to love, the relation with his crew of friends, and the first encounters with films. As Eustache rightly underlines, “cinema determines the norms of reality.”

Dirección y guión Jean Eustache Producción Elite Films (Pierre Cottrell) Fotografía Néstor Almendros Edición Françoise Bellevie Sonido Bernard Aubouy, Bernard Ortion Reparto Martin Loeb, Ingrid Caven, Jacqueline Dufranne, Dionys Mascolo, Henri Martinez, Jean-Noël Picq, Maurice Pialat

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LA ROSIÈRE DE PESSAC (II) 79 | LA VIRGEN DE PESSAC (II) 79 | THE VIRGIN OF PESSAC (II) 79

La misma elección de la joven más virtuosa de la Rosière, once años después. “Me gustaría que los dos documentales se exhibieran conjuntamente: primero, el de 1979, seguido de aquel del 68. Es una manera de invitar al espectador: “Si ustedes quieren saber cómo era antes, quédense, lo van a ver”. Jean Eustache The same contest to elect the most virtuous woman in La Rosière, eleven years after. “I’d like for both films to be shown together; first, the one from 1979, followed by the one made in ’68. It’s a way to invite the viewer: ‘If you want to know how it was before, stay and watch it.” Jean Eustache

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LE JARDIN DES DÉLICES DE JERÔME BOSCH | EL JARDÍN DE LAS DELICIAS DE JERÓNIMO BOSCH | HIERONYMOUS BOSCH’S GARDEN OF DELIGHTS

Francia 1979

67’ 16mm color

34’ 16mm color

Dirección Jean Eustache Compañías productoras INA, ZDF, Mediane Films Fotografía Robert Alazraki, Jean-Yves Coïc, Armand Marco, Philippe Théaudière Edición Chantal Colomer, Jean Eustache Sonido Gérard Barra, Bruno Charier, Gérard de Lagarde, Georges Prat Reparto Habitantes de Pessac, la Rosière, el alcalde

Documental realizado para el programa de televisión Les Enthousiastes donde Eustache deja que el psicoanalista Jean-Noël Picq apunte una serie de observaciones e interpretaciones acerca del famoso tercer panel de El jardín de las delicias de Jerónimo Bosch. El esfuerzo intelectual de Picq para teorizar sobre escenas, como la que muestra a un cerdo vestido de monja, es comentado por Eustache con una cierta ironía, intercalando reacciones y cuestionamientos del pequeño público e, incluso, contradiciendo con las imágenes del tríptico las teorías de su amigo. In this documentary film made for the TV program Les Enthousiastes, Eustache allows psychoanalyst Jean-Nöel Picq to sketch a series of opinions and interpretations on the famous Third Panel of Hieronymus Bosch’s, The Garden of Earthly Delights. The intellectual effort exerted by Picq to theorize on images such as the pig dressed up as a nun is commented by Eustache with a glimpse of irony, alternating reactions and questions by the small audience and even contradicting his friend’s theories with images from the same triptych.

Dirección Jean Eustache Compañía productora INA, segmento dentro de la serie de Jean Frapat Les Enthousiastes Fotografía Philippe Théaudière Edición Jean Eustache Sonido N’Guyen van Thuong, Xavier Vautrin Narrado por Jean-Noël Picq a Sylvie Blum, Catherine Nadaud, Jerôme Prieur

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UNE SALE HISTOIRE I • VOLET FICTION | UNA SUCIA HISTORIA I • CAPÍTULO FICCIÓN | A DIRTY STORY

Una historia de voyerismo narrada por el actor Michael Lonsdale en su versión de ficción. Eustache transcribió el audio obtenido del documental Une Sale histoire, lo modificó ligeramente y lo convirtió en guión, un texto de ficción interpretado por un actor. Esto da lugar a una segunda película rodada bajo las normas de la ficción: filmada en 35 milímetros con actores profesionales y un elaborado trabajo de iluminación y encuadres. Eustache quiso demostrar que el texto de la realidad, tomado por actores, se vuelve cine de ficción. The same story on voyeurism is narrated by actor Michael Londsdale for a fiction version. Eustache transcribed the audio from his documentary Une Sale histoire and made slight modifications to transform it into a script, a fiction text to be interpreted by an actor. This is the basis for a second film shot following the rules of fiction cinema –filmed in 35 mm with professional actors and using an elaborated scheme of illumination and frames. Eustache wanted to show that once a text from reality is taken up by actors, it becomes fiction.

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UNE SALE HISTOIRE II VOLET DOCUMENT | UNA SUCIA HISTORIA II CAPÍTULO DOCUMENTAL | A DIRTY STORY II DOCUMENTARY

Francia 1977

28’ 35 mm color

22’ 16mm color

Dirección Jean Eustache, basada en una historia de Jean-Noël Picq Producción Jean Eustache Compañía productora Les Films du Losange Fotografía Jacques Renard Edición Chantal Colomer Sonido Roger Letellier Reparto Michael Lonsdale (narrador), Jean Douchet (director), Douchka, Laura Fianning, Josée Yann, Jacques Bruloux (audiencia-interlocutora)

Un hombre narra una experiencia de voyerismo que dice haber vivido durante algunos meses en los baños de un café parisino. Se trata de una historia contada por Jean-Noël Picq a algunas personas, esencialmente mujeres. Ellas lo escuchan y una vez terminado, reaccionan al relato. La estética del filme es deliberadamente la del cine directo: filmada en 16 mm con grano reventado, iluminación ambiental, golpes de zoom e imágenes fuera de foco. A man narrates a voyeuristic experience he claims to have experienced at intervals for a few months in the lavatories of a café in Paris. The story is told by Jean-Noël Picq to a few people, basically women. They listen to him and once he is finished react to what they heard. On purpose, the aesthetic of the film is that of Direct Cinema –filmed in 16mm to show grain, with no artificial lights and using violent zoom-ins and blurry images.

Dirección y guión Jean Eustache Producción Jean Eustache, Pierre Cottrell Fotografía Pierre Lhomme, Michel Cenet Edición Chantal Colomer Sonido Bernard Ortion

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LES PHOTOS D’ALIX | LAS FOTOS DE ALIX

La fotógrafa Alix Cléo-Roubaud, amiga de Eustache, explica a un joven las fotografías que ha tomado. Poco a poco, la concordancia entre las fotos mostradas y los comentarios de Alix se van desvaneciendo. El espectador pierde toda esperanza de establecer una relación entre lo que escucha y lo que ve. Cada vez que se propone una clave, inmediatamente se desmiente. Alix Cléo-Roubaud, photographer and friend of Eustache’s, talks to a young person about the photos she’s taken. Little by little, concordance between the images and Alix’s comment begins to fade. The viewer looses all hope of establishing a relation between what is being seen and what is heard. Every time there seems to appear a key to decipher the code, it is immediately proven wrong.

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NUMÉRO ZÉRO | NÚMERO CERO

Francia 1980

18’ 35mm color

110’ 35mm color

Dirección Jean Eustache Compañía productora Mediane Films Fotografía Robert Alazraki Edición Jean Eustache, Chantal Colomer Sonido Bruno Charier Reparto Alix Cléo-Roubaud, Boris Eustache

Numéro zéro es una cinta de dos horas, filmada con dos cámaras que se alternaban para seguir un relato sin cortes. Esencialmente es una conversación entre Eustache y su abuela, Odette Robert, que mientras narra su vida, amalgama seis generaciones de la historia de Francia. La película incluso inspiró una serie de televisión, Grandsmères, sobre las abuelas. En 1980, por razones económicas, se decidió editar una versión de 54 minutos para ser exhibida por televisión, llamada Odette Robert. A two-hour feature, Numéro zéro was filmed with two alternating cameras to follow the narrative without cuts. Essentially, it shows a conversation between Eustache and his mother, Odette Robert, who talks about her life, comprising six generations in the history of France. This film inspired a TV series about grandmothers, Grandsmères. In 1980, due to financial reasons, a 54-minute version was cut to be shown in TV, under the title of Odette Robert.

Dirección Jean Eustache Producción Jean Eustache Fotografía Philippe Théaudière, Adolfo Arrietta Edición Jean Eustache Sonido Jean-Pierre Ruh Reparto Odette Robert (entrevistada), Jean Eustache (entrevistador), Boris Eustache

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OFFRE D’EMPLOI | OFERTA DE EMPLEO

Francia 1980 19’ 16mm color

El último cortometraje de Eustache rodado con un presupuesto mínimo. Offre d’emploi forma parte de la serie para televisión Contes modernes: À propos du travail (Cuentos modernos: a propósito del trabajo). Es un examen minucioso acerca de los mecanismos de selección de empleo, del tipo de entrevistas, de las salas de espera, así como tambien de las palabras y acciones, profundamente mecanizadas en nuestras prácticas laborales. Eustache expone en la cinta su malestar ante una nueva sociedad, la del capitalismo actual. The last film by Eustache, it was filmed with a minimal budget. Offre d’emploi is part of the TV series Contes modernes: À propos du travail (Modern Tales: Regarding Labor). A close examination to the mechanisms for job selection with its interviews, waiting rooms, as well as its words and actions regulated to the point of mechanization. In this film, Eustache shows his discontent in face of a new society –today’s Capitalism.

124 RETROSPECTIVA JEAN EUSTACHE

Dirección y guión Jean Eustache Producción Pascal Breugnot y Marcel Teulade para Antena 2, dentro de la serie Cuentos modernos Fotografía Philippe Théaudière Edición Jean Eustache Sonido Jean-Claude Brisson Reparto Michel Delahaye, Michèle Moretti, Rosine Young, Bertrand van Effenterre, Jean Douchet, Noël Simsolo

RETROSPECTIVA FJ OSSANG

RETROSPECTIVE FJ OSSANG

RETROSPECTIVA FJ OSSANG

RETROSPECTIVE FJ OSSANG

Escritor, músico y cineasta francés nacido en 1956. Antes de su debut en el cine con el cortometraje La Dernière énigme en 1982, FJ Ossang llevaba alrededor de una década enfocado en la creación artística, particularmente escribiendo poesía. Su banda Messageros Killers Boys (MKB) Fraction Provisoire, una suerte de amalgama de post-punk, industrial y techno-rock, vio la luz a finales de los años 70 como una de las expresiones más sugerentes de la escena musical francesa. Desde entonces, además de publicar 9 álbumes, MKB se coló como nombre recurrente en la cinta de créditos –música original– de prácticamente toda la obra fílmica de Ossang, que incluye 4 largometrajes y 5 cortometrajes. Este compacto cuerpo de trabajo, turbadamente expresionista, oscuro y estridente, ha posicionado a Ossang como un realizador de culto que, en paralelo a su quehacer cinematográfico y musical, ha alimentado con soltura una vena literaria volcada en una docena de libros publicados hasta la fecha, incluyendo Génération néant (1993), Les 59 jours (1999) y W.S. Burroughs (2007).

A French writer, musician and filmmaker born in 1956, before his 1982 cinema debut with La Dernière énigme FJ Ossang had been creating art for over a decade, mainly writing poetry. His band Messageros Killers Boys (MKB) Fraction Provisoire, a mixture of post-punk, industrial and techno-rock, began playing in the late 70’s and became one of the most interesting expressions in French music circles. From then on, besides releasing nine albums, MKB was recurrently present in the credits —original music score— of practically all films by Ossang: 4 features and 5 short films. His compact film work —disturbingly expressionistic, dark and loud— has placed Ossang as a cult filmmaker who besides his film and musical efforts has cultivated literature with a dozen books published so far, including Génération néant (1993), Les 59 jours (1999) and W.S. Burroughs (2007).

Las películas de Ossang soportan a Killing Joke, Tuxedomoon y Throbbing Gristle como referentes musicales. Vienen empapadas de humores propios del thriller, la sci-fi y cierta estética neo-punk. Se han estrenado en las selecciones oficiales de festivales de primera línea como Venecia y Locarno. Entre los galardones y tributos recibidos, se ubica el prestigioso Prix Jean Vigo, por su cortometraje Silêncio (2007). Retrospectivas se le han ofrecido en varios continentes, entre las que se cuentan: La Rochelle (1998), Bruselas (1998), Kiev (1998), Puchon (1998), Budapest (1999), Fukuoka (1999), Lisboa (2004), Musée du Jeu de Paume (France, 2006), Filmoteca de Madrid (2008), BAFICI (2009) y más recientemente en el Film Festival Rotterdam (2011). Toda esta actividad no le impide cantar con la Baader Meinhof Wagen!, banda creada en colaboración con Mr. Nasti. En sus películas figuran presencias de gran calado como Joe Strummer, líder de la banda The Clash, que actúa en su segundo largometraje y frenético road-movie Docteur Chance (1997). Pero quizás el papel más importante en la obra de Ossang lo juegue Elvire, nombre de su compañera de corazón y creación, sin quien su obra no sería lo que es hoy día. Por ello, además de esta retrospectiva integral, FICUNAM trae como invitados especiales a FJ Ossang y a Elvire, para dar contexto a una de las cinematografías más provocativas del cine contemporáneo. Maximiliano Cruz 128

Ossang’s films have the support of Killing Joke, Tuxedomoon and Throbbing Gristle as musical references, they are soaked in the mood of thriller, sci-fi and some sort of neo-punk aesthetic, and they have been premiered in the official selections of such first-category festivals as Venice and Locarno. Among the awards and tributes his films have received we find the prestigious Prix Jean Vigo, awarded to his short film Silêncio (2007). He has been the object of retrospectives in various continents: La Rochelle (1998), Brussels (1998), Kiev (1998), Puchon (1998), Budapest (1999), Fukuoka (1999), Lisbon (2004), Musée du Jeu de Paume (France, 2006), Filmoteca de Madrid (2008), BAFICI (2009) and, more recently, at the Film Festival Rotterdam (2011). All these activities are no impediment for him to sing with Baader Meinhof Wagen!, a band created in collaboration with Mr. Nasti. His films have featured such important figures as Joe Strummer, leader of The Clash, who acts in his second, and frenetic, roadmovie Docteur Chance (1997). But maybe the most important role in Ossang’s work is played by Elvire, name of her creative and sentimental partner, without whom his work wouldn’t be what it is today. Therefore, besides a comprehensive retrospective, FICUNAM brings FJ Ossang and Elvire as special guests to offer the context of one of the most provocative film works in contemporary cinema. Maximiliano Cruz 129

L’AFFAIRE DES DIVISIONS MORITURI | EL CASO DE LOS DOMINIOS MORITURI

LE TRÉSOR DES ÎLES CHIENNES | EL TESORO DE LAS ISLAS CHIENNES | TREASURE OF THE CHIENNES ISLANDS

Francia 1984

Francia Portugal 1990

81’ 35mm color

Una historia de gladiadores con Alemania como fondo. Uno de ellos, Ettore, se ha convertido en una estrella de los bajos fondos. Termina viniéndose abajo, atrapado en un rol que ya no puede desempeñar. Su última traición es soltar la sopa ante la prensa. Una cinta punk, provocadora. This is a story about gladiators against a German background. One of them, Ettore, has become a star of the underworld. He ends up breaking down, caught in a role he can no longer fulfill. His last betrayal is to spill the beans to the press. A provoking, punk movie.

Dirección, guión, producción y edición FJ Ossang Fotografía Maurice Ferlet Sonido Jean-Marc Baudoin, Nicolas Naegelen, Pierre Tucat Reparto Gina Lola Benzina, Philippe Sfez, Lionel Tua, Frankie Tavezzano, Hell-Now, Philippe Synodinos, Joël Barbouth, Daniel Léger, Baxter, Raoul Gaboni, Gilles Cohen, Philippe Dubuquoy, Gérard Courant Filmografía Dharma Guns • 2010, Ciel éteint! (Sky’s Black Out!) • 2008, Vladivostok • 2008, Silêncio • 2007, Docteur Chance • 1997, Le Trésor des îles Chiennes • 1990, L’Affaire des divisions Morituri • 1985, Zona Inquinata ou la vie n’est qu’une sale histoire de cow-boys • 1983, La Dernière enigme • 1982

130 RETROSPECTIVA FJ OSSANG

108’ byn

Aldellio es un ingeniero que ha descubierto la síntesis artificial de dos sustancias fundamentales, Stelin y Skali, que permiten la producción ilimitada de energía Oreón. Este descubrimiento altera el equilibrio del poder en el mundo. Pero Aldellio ha desaparecido con el secreto de la transformación y la Corporación Kryo’Corp, que produce Oreón, está al borde del colapso, mientras el mundo está en la frontera del caos. Aldellio is an engineer that has discovered the artificial synthesis of two fundamental substances, Stelin and Skali, which allows an unlimited production of Oréon energy. This discovery alters the balance of international power. But Aldellio has disappeared with the secret of the transformation and the Kryo’Corp Corporation, which produces Oréon, is close to collapse. The world is on the borderline of chaos. Festivales y premios Festival Internacional de Cine de Belfort, 1990 Gran Premio del Jurado

Dirección y guión FJ Ossang Producción Paulo Branco, Oskar Leventon, FJ Ossang Fotografía Darius Khondji Edición Nathalie Perrey Música Messagero Killer Boy, FJ Ossang Sonido Gita Cerveira Reparto Stéphane Ferrara, Diogo Dória, José Wallenstein, Mapi Galán, Michel Albertini, Serge Avédikian, Clovis Cornillac, Pedro Hestnes, Lionel Tua

RETROSPECTIVA FJ OSSANG 131

DOCTEUR CHANCE | DOCTOR CHANCE

La novia de Angstel lo deja plantado por última vez. Joven e impulsivo, compra –con fajos de dinero falsificado recientemente adquirido–, el afecto de Ancetta, una sensual bailarina exótica. Juntos escapan en un coche deportivo con un cargamento de armas de fuego para vivir una aventura salvaje por los caminos de América del Sur. Angstel’s girlfriend has stood him up for the last time. Young and hotheaded, he buys —with newly-acquired bundles of counterfeit cash— the affections of Ancetta, a sultry exotic dancer. Together, they escape in a sports car with a load of guns into a wild highway adventure on the roads of South America.

132 RETROSPECTIVA FJ OSSANG

SILÊNCIO | SILENCIO | SILENCE

Francia Chile 1997

Francia Portugal 2007

100’ 35mm color

20’ 35mm byn

Dirección y guión FJ Ossang Producción Jacky Ouaknine, France Berthou, Carlo Bertin, Louis Bronsard Fotografía Rémy Chevrin Edición Thierry Rouden Música Messagero Killer Boy Sonido Stéphane Brunclair, Julien Cloquet Reparto Pedro Hestnes, Joe Strummer, Elvire, Marisa Paredes, Stéphane Ferrara, Féodor Atkine, Lionel Tua, Francisco Reyes

Filmada en la costa portuguesa, Silêncio muestra imágenes sin época: arboles, mar, megalitos, un puente de hierro, una mujer misteriosa, Elvire –la compañera y musa de Ossang– caminando en las primeras horas de la mañana. La película examina los elementos básicos del cine y del mundo: agua, viento, tierra, sol… con fondo musical industrial de Throbbing Gristle. Filmed at the Portuguese coast, it shows timeless images —trees, the sea, megaliths, an iron bridge, a mysterious woman, Elvire (Ossang’s couple and muse) walking in the early morning. Silêncio examines the basic elements of cinema and the world: water, air, earth, sun… With an industrial music score by Throbbing Gristle. Festivales y premios Premio Jean Vigo al Mejor Cortometraje de Francia, 2007 Festival de Cannes, 2007 Quincena de Realizadores

Dirección y guión FJ Ossang Producción FJ Ossang, Serge Catoire Fotografía Denis Gaubert Edición FJ Ossang, Jean-Christophe Sanchez Música Throbbing Gristle Sonido FJ Ossang, Jean-Christophe Sanchez, Julien Cloquet Reparto Elvire, Antonio da Camara

RETROSPECTIVA FJ OSSANG 133

CIEL ÉTEINT | CIELO APAGADO | SKY’S BLACK OUT!

El viaje de una “pareja maldita en el fin del mundo”, entre el mar que parece un campo de astillas grises, islas borroneadas por la bruma y habitaciones lluviosas. Mares, cielos, incendios se sobreimprimen y se confunden, mientras Guy McKnight –vocalista de The 80’s Matchbox BLine Disaster–, dice a cámara: La vida, la muerte, el pensamiento, el sexo, los insectos, es todo lo mismo: ¡Suelta todo y salta! ¡Suelta todo y salta! The journey of a “coursed couple at the end of the world,” amidst a sea which resembles a field of grey wood chips, with islands blurred by the mist and rainy rooms. Sea, sky and fire are superimposed and get muddled up, as Guy McKnight –singer of The 80’s Matchbox B-Line Disaster– says to the camera: Life, death, Thought, Sex, insects, It’s all the same: Let it all go and jump! Let it all go and jump!

VLADIVOSTOK

Francia Rusia 2008

23’ 35mm byn

5’ 35mm byn

Dirección y guión FJ Ossang Producción Alexandr Doluda, Pascal Metge Fotografía Gleb Teleshov Edición FJ Ossang, Jean-Christophe Sanchez Sonido Stéphane Brunclair, Julien Cloquet, Anton Shepshelevitch Reparto Elvire, Guy McKnight

Último panel del “Tríptico del Paisaje” que reúne Silêncio, Ciel éteint! y Vladivostok: el más sucinto, anclado en las tradiciones del cine mudo (percibido y reformulado por Ossang). Quizá el más lúdico, como sugiere el intertítulo “¿L’Eden?” sobre el busto de Lenin. El dudoso paraíso es Vladivostok. Antes de llegar hay una separación, un viaje, la posibilidad de una vida nueva que, como la música de Jack Belsen, parece comenzar sin decidirse a arrancar. Pero al final del viaje, que es su inicio, hay abrazos y trenes en marcha y es, a su manera, feliz. ¿O no? Last panel of the “Landscape Triptych,” which comprises Silêncio, Ciel éteint! and Vladivostok, this is the most concise one. Rooted in the traditions of silent cinema (as perceived and reformulated by Ossang), it might also be the most playful one as it is suggested by the title “¿L’Eden?” over Lenin’s bust. The dubious paradise is Vladivostok. Before the arrival, there is a separation, a trip, the possibility of a new life which, alike Jack Belsen’s music, never seems to quite start. But at the end of the journey, which is also its beginning, there are hugs and running trains. In its own way, it is a happy ending, or isn’t it?

Dirección y guión FJ Ossang Producción FJ Ossang, Sacha Doluda Fotografía Gleb Teleshov Edición FJ Ossang, Jean-Christophe Sanchez, Thierry Rouden Música Jack Belsen-Hautmont Sonido Julien Cloquet Reparto Paul Cox, Tatyana Kozhevnikovaa

Festivales y premios Festival Internacional de Cine de Villa de Conde, en Portugal, 2009 Mejor Corto Experimental

Festivales y premios Festival de Cannes, 2008 Quincena de Realizadores

134 RETROSPECTIVA FJ OSSANG

RETROSPECTIVA FJ OSSANG 135

DHARMA GUNS (LA SUCCESSION STARKOV) | PISTOLAS DHARMA (LA SUCESIÓN STARKOV) Francia Portugal 2010 93’ 35mm byn

La película comienza con un fatal accidente de esquí acuático. Délie conduce a toda velocidad una lancha que jala a su novio Stan van der Daeken. Ambos se desafían hasta que pierden el control… Stan sale del coma para descubrirse heredero del profesor Starkov. Sin averiguar más sobre la herencia, Stan la acepta y se embarca al país de Las Estrellas donde es recibido por Jon y por el doctor Lisandro Ewers. Allí se entera de que el profesor Starkov (quizá padre de Délie) creó un método llamado “Doble genético”. The film opens on a fatal water-skiing accident. Délie drives —at full speed— a boat pulling her boyfriend, Stan van der Daeken. Both challenge each other until control is lost… Stan comes out of his comma to find he is the heir to Professor Starkov. Without any further information on the inheritance, Stan accepts it and embarks to the country of Las Estrellas, where he is received by Jon and Dr. Lisandro Ewers. Once there, he finds that Professor Starkov (who might be Délie’s father) created a method known as “The Genetic Double.” Festivales y premios Festival de Venecia, 2010 Sección Horizontes

136 RETROSPECTIVA FJ OSSANG

Dirección y guión FJ Ossang Compañías Productoras OSS/100 Films & Documents, Love Streams Agnès B. Productions, Cinemate Fotografía Gleb Teleshov Edición FJ Ossang, Jean-Christophe Sanchez Música Jack Belsen, Little Drake Sonido Julien Cloquet Reparto Guy McKnight, Elvire, Lionel Tua, Diogo Doria

TERRITORIOS: APICHATPONG WEERASETHAKUL TERRITORIES: APICHATPONG WEERASETHAKUL

APICHATPONG WEERASETHAKUL

A la crueldad del documental, el crítico francés Serge Daney opuso el sufrimiento, y éste pertenecería sólo a la ficción. A la observación impasible, a su mirada fatalista, al sadismo del encierro en la trampa de lo real, la ficción respondería con otro tratamiento del dolor. Utilizar el tiempo, no como testigo obtuso, sino como una oportunidad: permitirle desplegarse, domesticarse, y mezclarse a lo que desgarra. Si no se puede sanar, por lo menos aliviar: ese es el proyecto de la ficción. Y sin duda condensa, lo más cerca posible, una buena parte de los seis largometrajes y los treinta y cinco cortos de Apichatpong Weerasethakul. Quien habla de aliviar, habla de enfermos, y son múltiples los que pueblan las películas del tailandés. Los títulos Tropical Malady (2004) y Syndroms and a Century (2006) insisten en la resonancia clínica. Pero en toda la obra los síntomas se desplazan generosamente para decir cuánto duele una oreja, las piernas y el crecimiento (Mysterious Object at Noon, 2000), la piel (Blissfully Yours, 2002), la opresión, la colonización, la aflicción del recuerdo (Emerald, Phantoms of Nabua, Uncle Boonmee), etc. Todo sufrimiento aloja en una física estricta, y es por ello que nada de la opacidad de los cuerpos, de su peso, ni de su voluptuosidad, es ocultado. Aunque a veces esos pacientes graves estén destinados a metamorfosearse en figuras fantásticas, en animales o, más endebles aún, en espectros.

French critic Serge Deney opposed suffering —which could only be treated in fiction—to the cruelty of documentaries. To an impassive point of view and a fatalist glance, to the sadistic lockup within reality’s trap, fiction responds with a different approach to pain. Fiction uses time not as a dull witness, but as an opportunity to spread out, to be tamed by and embrace that which is pulling you apart. If you can’t heal, at least you can improve your condition, and that’s what fiction aims for. And that is also as close as one can get to define the 6 feature films and 35 short films by Apichatpong Weerasethakul. He talks about healing, about diseased people who always seem to be present in this Thai director’s films. Titles such as Tropical Malady (2004) and Syndromes and a Century (2006) also show clinical undertones. Throughout his work, symptoms give place to talk about a pain felt in the ear, the legs, or because of growing (Mysterious Object at Noon, 2000); a pain felt in the skin (Blissfully Yours, 2002), and the one felt because of oppression, colonization, and memories (Emerald, Phantoms of Nabua, Uncle Boonmee). All suffering takes a physical shape and thus bodies cannot hide their opacity, their weight, their voluptuousness. Sometimes, though, this terminal patients’ destiny is to metamorphose into fantastic creatures, animals, or even feeble specters.

Pero si la enfermedad se revela como la firma discreta de estos personajes, y toca al mismo tiempo a quienes los rodean, parientes, amigos, amantes, médicos, en realidad el mal desdibuja todas las fronteras. Una epidemia envenena el aire. Es la jungla cuya luz y colores hacen vibrar una respiración dificultosa, es un árbol que ofrece en la punta de sus ramas la marca de un malestar, es el agua de cuyas profundidades nadie es dueño, es un búfalo de comportamiento trastornado, etc. Ya no hay naturaleza, en el sentido de una entidad que ha preservado su inocencia; aquí se convierte en el país donde se dispersan la postración, el marchitamiento, una corrupción tranquila pero segura. Porque enfermedad significa mutación: en dirección a la muerte o hacia algún otro suspenso. Es hacia aquellos rumbos, ese otro lugar, que todo progresa con paciencia, que todo se abandona apaciblemente. Sobra decir que esto exige un arte muy particular del relato (una narración terapéutica, en suma), un arte libre puesto que obligado a inventar sus propios asilos para acoger lo que, precisamente, es difícil contar. No porque sería indecible, o demasiado pesado, sino porque no lograría rendir justicia a la fragilidad, al nacimiento o a la desaparición en curso. Su manejo del plano secuencia, del jump cut, de los créditos que irrumpen en medio de una película, momento en que su necesidad ha sido olvidada, el uso del artificio más evidente al servicio de actores aficionados, todo esto es prueba de un método de trabajo fuera de normas. Diplomado en arquitectura, familiarizado con las prácticas del arte contemporáneo, Weerasethakul decidió aligerar la maquinaria del cine para convertirla en un instrumento que se sumerge en cada circunstancia, hasta su disolución. Sin jamás recurrir a una épica impracticable hoy en día, su apuesta es abarcar un espectro amplio, mezclando mitología y documento bruto, cuento popular y actualidad política, la memoria de un pasado que se deja abierto al presente, insistente y misterioso. Intrincar las alternativas demasiado simples, glorificar con alegría la bruma ligera de nuestras existencias, eso es a lo que se dedica este cineasta, con una gracia que se ha vuelto rápidamente necesaria para bendecir todos nuestros estremecimientos.

And though illness is revealed as the discrete signature of all these characters, and at the same time it touches everyone around them —relatives, friends, lovers, doctors; disease tends to make distinctions blurry. An epidemic is poisoning the air. And it is the jungle with its light and vibrating colors which make it hard to breathe; it is a tree showing decay in the tips of its branches and the water depths, which nobody owns; it is a buffalo behaving oddly, and so on. There is no more nature —in the sense of an entity where innocence has been preserved— but a country where prostration, shriveling and slow but steady corruption have taken hold. And illness means mutating towards death, or other thrills. It is in that direction everything moves on steadily. And to show this a peculiar narrating art is required, a therapeutic narration, a free art capable of inventing its own asylums to give place to those things which are hard to express not because they are beyond words or too heavy, but because words could never give justice to fragility, to the process of birth or the ongoing disappearance of things. The way he uses sequence shots and jump shots, the credits irrupting in the middle of a film when their necessity was forgotten, the use of the most-evident artifice to help aficionado actors; all of these are proofs of a work method beyond boundary. With an Architecture diploma and familiarized with contemporary art, Weerasethakul took the decision of making the machinery of cinema lighter and transforming it into an instrument to reach into the depths of each particular situation and go inside it until its dissolution. Without resorting to an impracticable epic tone, he gives voice to everything from mythology to stock film, from popular tales to current politics and the memory of an unrelenting and mysterious past which remains open in the present. An expert at complicating easy choices and at joyfully glorifying the light breeze of our existence, this filmmaker shows a gracefulness which has become a necessity for us, to bless our shuddering. Jean-Pierre Rehm

Jean-Pierre Rehm 140

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DOKFA NAI MEUMAN | OBJETO MISTERIOSO AL MEDIO DÍA | MYSTERIOUS OBJECT AT NOON

Tailandia 2000

Apichatpong Weerasethakul | Tailandia, 1970 Originario de Bangkok, a sus 24 años Weerasethakul había concluido su segundo cortometraje, tal precocidad lo colocó en pocos años en la escena experimental tailandesa. Tras su primer largometraje documental Mysterious Object at Noon (2000) y el corto Boys at Noon, competiría en Cannes con Blissfully Yours (2002). En su cine Weerasethakul fue más allá del rígido Thai Studio System, explorando las barreras difusas entre el documental y el filme de ficción, pues utiliza actores no profesionales, diálogos improvisados, además de inspirarse en la tradición televisiva, radiofónica y de cómics de Tailandia. Su empresa Kick the Machine promueve el trabajo experimental.

83’ 35mm byn

Born in Bangkok, by age 24 Weerasethakul had already finished his second feature. Such precocity made him, in just a few years, a part of Thai experimental scene. After his first documentary feature, Mysterious Object at Noon (2000), and his short film Boys at Noon, he presented Blissfully Yours (2002) at Cannes. In his work, Weerasethakul has gone beyond the rigid Thai Studio System to explore the diffuse barriers between documentary and fiction, using non-professional actors, improvised dialogues, and getting his inspiration from the Thai tradition of TV, radio broadcasts and comics. His company, Kick the Machine, promotes experimental work. Dirección Apichatpong Weerasethakul Fotografía Prasong Klimborron, Sayombhu Mukdeeprom

La cinta está construida bajo el principio del “cadáver exquisito”. El equipo de rodaje viaja por Tailandia y pide a las personas que encuentra en la construcción de la película que prosigan la narración de una historia. “¿Puedes contarnos otra historia, real o de ficción?” Es el tipo de preguntas con las que interpela el realizador a los entrevistados, y donde la ficción, el documental y la tradición oral tailandesa se yuxtaponen para ofrecernos un relato colectivo de enorme riqueza. This film is structured around the surrealist technique of the “Exquisite Corpse”. The film crew travels throughout Thailand asking people to continue with the narration of a story —“can you tell us another story, whether is real or not?” That is the kind of question the director asks to his interviewees, achieving a juxtaposition of fiction, documentary and Thai oral tradition which offers a collective portrait of enormous complexity.

142 TERRITORIOS: APICHATPONG WEERASETHAKUL

Filmografía selecta Loong Boonmee raleuk chat | Uncle Boonmee Who Can Recall His Past Lives • 2010, Phantoms of Nabua • 2009, A Letter to Uncle Boonmee • 2009, Vampire | 2008, Mobile Men | 2008, Emerald • 2007, Sang sattawat | Syndromes and a Century • 2006, Worldly Desires • 2005, Sud pralad | Tropical Malady • 2004, Sud sanaeha | Blissfully Yours • 2002, Haunted Houses | 2001, Kitchen and Bedroom • 1994, Bullet | 1993 Festivales y premios Festival Internacional de Cine de JeonJu, Corea, 2001 Premio Woosuk–Gran Premio

TERRITORIOS: APICHATPONG WEERASETHAKUL 143

SUD SANAEHA | FELIZMENTE TUYO | BLISSFULLY YOURS

HUA JAI TOR RA NONG | LA AVENTURA DE IRON PUSSY | THE ADVENTURE OF IRON PUSSY

Tailandia Francia 2002

Tailandia 2003 90’ 35mm color

125’ 35mm color

Min tiene una enfermedad en la piel. Roong, una joven obrera enamorada de él y Orn, una mujer mayor lo llevan a un dispensario médico donde Min debe fingir que está impedido para hablar a causa de un severo mal en la garganta. En realidad, Min no debe hablar para no ser descubierto como inmigrante ilegal de Myanmar –antes Birmania–. El verdadero propósito es conseguir a toda costa un certificado médico para que Min pueda obtener un permiso de trabajo. Mientras tanto, la pareja se aventura en el campo para amarse. Min has a rash, so Roong —a young female worker in love with him— and Orn — an elderly woman— take him to the doctor. There, Min must pretend he is unable to talk due to a severe sore throat. In fact, the reason Min mustn’t speak is in order for him not to be discovered as an illegal alien from Myanmar —formerly Burma. The actual purpose of the visit to the doctor is to get a note so Min can apply for a work permit. Meanwhile, the couple ventures into the forest to fulfill their love. Festivales y premios Festival de Cannes, 2002 Una Cierta Mirada, Mejor Director Images Festival, Canadá, 2003 Mejor Película Internacional Tokio Filmex, Japón, 2002 Gran Premio Festival Internacional de Cine de Singapur, 2003 Premio Pantalla de Plata: Premio de Cine Joven

144 TERRITORIOS: APICHATPONG WEERASETHAKUL

Dirección y guión Apichatpong Weerasethakul Producción Eric Chan, Charles de Meaux Fotografía Sayombhu Mukdeeprom Edición Lee Chatametikool Sonido Teeekadet Vucharadhanin, Lee Chatametikool Reparto Kanokporm Tongaram, Min Oo, Jenjira Jansuda, Sa-gnad Chaiyapan, Kanitpat Premkij, Jaruwan Techasatiern

Película de culto presentada en numerosos festivales de cine gay y lésbico, este filme musical, cómico y de acción, tiene como protagonista principal a un agente secreto tailandés travesti, cuyo alter ego es un hombre gay que trabaja como cajero en un 7-Eleven. Este homenaje y parodia de las películas de acción, musicales y melodramas tailandeses de los años ‘70, fue estrenada en el Festival Internacional de Tokio 2003. A cult film screened at several gay and lesbian film festivals, this musical-action-comedy film stars a transvestite Thai secret agent whose alter ego is a gay male 7-Eleven clerk. A homage and parody of the 1970s Thai action, musical and melodrama films, the movie was premiered at the 2003 Tokyo International Film Festival.

Dirección y guión Apichatpong Weerasethakul, Michael Shaowanasai Producción Choophong Ratanabanthoon, Hasskun Chanklom Fotografía Surachet Thongmee Edición Panutat Wisotwong Música Animal Farm Sonido Teekhadet Vacharadhanin Reparto Michael Shaowanasai, Krissada Terrence, Siriyakorn Pukkavesh, Theerawat Thongjitti, Darunee Khrittabhunyalai, Jutharat Attakorn, Varin Sachdev

TERRITORIOS: APICHATPONG WEERASETHAKUL 145

SUD PRALAD | MALESTAR TROPICAL | TROPICAL MALADY

La leyenda dice que un hombre puede transformase en una criatura salvaje... Keng, un joven soldado, y Tong, un muchacho del campo, disfrutan y comparten su vida a la vera de la jungla donde impera el mito. Su vida que transcurre entre paseos por la aldea, partidos de futbol y tardes calurosas con la familia de Tong se ve interrumpida. De pronto varias vacas aparecen degolladas por un animal, entonces Keng le dispara y esa transgresión reactiva la leyenda. El soldado se entregará al corazón de la selva donde en ocasiones el mito y la realidad se reencuentran. According to a legend, there is a man who can become a wild beast… Keng, a young soldier, and Tong, a country boy, enjoy life sharing their time on the edge of the forest where that myth is set. Their everyday life of strolling through the village, playing soccer and spending hot evenings with Tong’s family is interrupted when several cows show up with their throats slit by an animal. Keng shoots at it and this transgression reactivates the legend. The soldier goes into the heart of the jungle, where sometimes myth and reality meet. Festivales y premios Festival de Cannes, 2004 Premio del Jurado

146 TERRITORIOS: APICHATPONG WEERASETHAKUL

SANG SATTAWAT | SÍNDROMES Y UN SIGLO | SYNDROMES AND A CENTURY

Tailandia 2004

118’ 35mm color

Dirección y guión Apichatpong Weerasethakul Producción Charles de Meaux, Alex Moebius Fotografía Vichit Tanapanitch, Jarin Pengpanitch, Jean-Louis Vialard Edición Lee Chatametikool Sonido Akritchalerm Kalayanamitr Reparto Banlop Lomnoi, Sakda Kaewbuadee, Sirivech Jareonchon, Udom Promma, Huai Deesom

Película en dos partes donde una hace eco de la otra. Los dos personajes principales están inspirados en los padres del director que fueron médicos, antes de que se convirtieran en amantes. La primera parte se centra en una joven médico y la historia evoca un espacio similar al del nacimiento y crecimiento de Weerasethakul. La segunda se centra en la historia de un médico y se desarrolla en un espacio contemporáneo, más cercano al mundo donde se desenvuelve el realizador actualmente. A two-part film each echoing the other. The two main characters are inspired by the director’s parents, who were physicians before becoming lovers. The first part evolves around a young woman doctor and the story is set in a space reminiscent of that where Weerasethakul was born and raised. The second part focuses on a male doctor and is set in a contemporary space, closer to the world where the director currently lives. Festivales y premios Festival de Cine Asiático de Deauville, Francia, 2007 Mejor Película Premio del Cine Asiático, Hong Kong, 2007 Mejor Edición

Dirección, guión y producción Apichatpong Weerasethakul Fotografía Sayombhu Mukdeeprom Edición Lee Chatametikool Sonido Koichi Shimizu, Akritchalerm Kalayanamitr Reparto Nantarat Sawaddikul, Jaruchai Iamaram, Nu Nimsomboon, Sophon Pukanok, Jenjira Pongpas, Arkanae Cherkam, Sakda Kaewbuadee Narración Lee Chatametikool

TERRITORIOS: APICHATPONG WEERASETHAKUL 147

LUNG BOONMEE RALUEK CHAT | LA LEYENDA DEL TÍO BOONMEE | UNCLE BOONMEE WHO CAN RECALL HIS PAST LIVES

HAUNTED HOUSES | CASAS EMBRUJADAS

Tailandia Reino Unido Francia Alemania España 2010

Tailandia 2001 60’ hdcam color

113’ 35mm color

Víctima de una insuficiencia renal, el tío Boonmee ha decidido pasar los últimos días de su existencia rodeado de sus seres queridos en el campo. Para su propio asombro, el fantasma de su fallecida esposa aparece para cuidarlo, y su hijo desparecido regresa bajo una peculiar forma. A partir de entonces Boonmee explora sus vidas pasadas, y aprovecha la ocasión para reflexionar acerca de las razones de la enfermedad que lo aqueja. Suffering from kidney deficiency, Uncle Boonmee has decided to spend his last days together with his loved ones in the countryside. To his surprise, the ghost of his deceased wife appears to take care of him, and his lost son returns in a non-human form. From that time on, Boonmee explores his past lives, and reflects on the reasons for his illness. Festivales y premios Festival de Cannes, 2010 Palma de Oro

148 TERRITORIOS: APICHATPONG WEERASETHAKUL

Dirección y guión Apichatpong Weerasethakul Producción Keith Griffiths, Simon Field, Charles de Meaux, Apichatpong Weerasethakul Fotografía Sayombhu Mukdeeprom, Yukontorn Mingmongkon, Charin Pengpanich Edición Lee Chatametikool Sonido Akritchalerm Kalayanamitr, Koichi Shimizu Reparto Thanapat Saisaymar, Sakda Kaewbuadee, Kulhong, Jenjira Pongpas

Una de las cuatro obras donde Weerasethakul aborda distintas formas de adicción mediática en el panorama cultural tailandés. El video Casas embrujadas es parte del Proyecto Casas Embrujadas, en el que explora la representación en las telenovelas. La narrativa de la película parte directamente de dos episodios de un popular canal militar tailandés llamado Tong Prakaisad. La serie aborda principalmente temas de amor y los problemas de las personas adineradas. El cineasta viajó a los pueblos cercanos a su casa y pidió a la gente de esas localidades que participaran actuando según el guión transcrito. One out four works in which Weerasethakul deals with various forms of media addiction in the Thai cultural landscape, this one-hour Haunted Houses video is part of the larger Haunted Houses Project, exploring representation in TV soap operas. The narrative of the film was directly scripted from two episodes of a popular Thai military television channel called Tong Prakaisad. The series mainly deals with love and the problems of the wealthy. The filmmaker traveled to the villages near his home and asked villagers to participate by acting, according to the script. Festivales y premios Bienal de Estambul, 2001

Dirección, fotografía y edición Apichatpong Weerasethakul Compañías productoras Kick the Machine, La-Ong Dao Company Limited Sonido Soontara Pinwisai Reparto Toy Luangjan, Suriyon Luangjan, Pratom Buranrom, Nim Janmo, Chaiwat Yahuadong, Supatra Sanmeung, Prapaijitr Kotmool, Sopa Yahuadong, Pranee Kamnerdsingha, Duang Malad, Jitlada Poontegong, Nooklai Senbee, Noodang Dungchaiyapoom, Anong Chaiyadech

TERRITORIOS: APICHATPONG WEERASETHAKUL 149

MAE YA NANG | COMO LA FURIA INCESANTE DEL EMBATE DE LAS OLAS | LIKE THE RELENTLESS FURY OF THE POUNDING WAVES

Un día caluroso en un pequeño poblado de Tailandia donde una radio mística ocupa el aire y las voces que transmiten se confunden con las de quienes escuchan, en una mezcla de ficción y realidad en donde se hace imposible distinguir si las palabras pertenecen al mundo real o al de ficción. Todos parecen atrapados tanto en el tiempo de la emisión radiofónica, que transmite una obra melodramática, como en el de la película misma. A hot day at a small town in Thailand, a mystic radio fills the air and the voices in the airwaves get confused with those of the listeners in a mixture of fiction and reality where it is sometimes impossible to know if the words are part of the fiction or the real world. Everyone seems trapped both in the time of the radio play —transmitting a melodrama— and that of the film itself.

0116643225059

Tailandia Estados Unidos 1994

23’ 16mm byn

5’ 19” 16mm byn

Dirección, fotografía y edición Apichatpong Weerasethakul Producción School of the Art Institute of Chicago Reparto Piyaporn Tananupappisal, Juthamanee Tananupappisal, Noppadol Tungsakul, Tawin Jaidee, Chatsakkarin Pahukul, Tawat Jareonwuttitum

En esta cinta, el director une dos mundos distantes mediante una conversación telefónica entre su departamento en Chicago y su casa familiar en la provincia de Khon Kaen en Tailandia. “…me di cuenta, a través de la voz de mi madre en el teléfono, de cómo había envejecido. Una foto en blanco y negro de su niñez y el teléfono son todo lo que me relaciona con ella aquí“.

Dirección, fotografía y edición Apichatpong Weerasethakul Producción Escuela de Arte del Instituto de Chicago Asesoría Shellie Fleming

Apitchapong Weerasethakul In this film, the director links the two faraway worlds of his apartment in Chicago and his family home in Khon Kaen province, Thailand, through a telephone conversation. “…I realized how aging my mother sounded on the phone. Her childhood’s black and white picture and the telephone were all I could relate to her in here”. Apitchapong Weerasethakul.

150 TERRITORIOS: APICHATPONG WEERASETHAKUL

TERRITORIOS: APICHATPONG WEERASETHAKUL 151

GOH GAYASIT | TERCER MUNDO | THIRDWORLD

MALEE AND THE BOY | MALEE Y EL NIÑO

Tailandia Estados Unidos 1997

Tailandia 1999 27’ hdcam color

16’ 16mm byn

Esta obra podría denominarse un documental reconstruido. El título pretende ser una parodia del término utilizado por Occidente para describir a Tailandia u otros paisajes “exóticos”. La película es la voz de los individuos que habitan tal contexto. La cinta presenta una calidad burda y rudimentaria, producto de los incivilizados. This piece could be called a re-constructed documentary. The title is intended as a parody of the term used in the West to describe Thailand or other “exotic” landscapes. This film is the voice from of individuals who reside in such environment. The quality of the film is crude and rugged, as it is a product from the uncivilized.

152 TERRITORIOS: APICHATPONG WEERASETHAKUL

Dirección, fotografía y edición Apichatpong Weerasethakul Producción School of the Art Institute of Chicago Sonido Paisit Phanpruksachat, Adhinan Adulayasis Reparto Chumnan Boonyaputhipong, Paisit Phanpruksachat, Apichatpong Weerasethakul, Nappaporn Kongkirati

Una película sobre el diálogo entre la imagen y el sonido. La historia gira en torno a un niño de diez años que tiene que capturar sonidos para un video con un micrófono mientras recorre lugares de Bangkok. El sonido de las pistas que el niño registró durante el rodaje son los sitios que llamaron su atención. El director, quien es responsable de las imágenes, filma atropelladamente las locaciones del niño. La narración de la película, presentada en textos, proviene de un cómic tailandés, el que puede verse como un diario de una tarde en Bangkok.

Dirección y edición Apichatpong Weerasethakul Fotografía Sirithorn Teerakulchanyut, Apichatpong Weerasethakul Sonido Atithaya Kongwichayakup

A work on the dialogue between image and sound, this is the story of a ten-year-old boy who goes over Bangkok to capture sounds with a microphone for a video. The sounds were taken by the boy during the shooting and they give clues of the places which were his points of interest. The director, in charge of the images, shoots roughly along the boy’s locations. The narrative of the film, presented in texts, is taken from a Thai comic. This film can be seen as the diary of an afternoon in Bangkok.

TERRITORIOS: APICHATPONG WEERASETHAKUL 153

WINDOWS | VENTANAS

Windows es una improvisación al hacer un pequeño movimiento físico para captar un fenómeno natural mediante el mecanismo del ojo de la cámara. Weerasethakul confiesa que mientras grababa, y viendo después el material, sintió que este fragmento era el más redondo y que encerraba muchas historias en él.

THIS IS AND A MILLION MORE LIGHTS | ESTO ES Y UN MILLÓN MÁS DE LUCES Tailandia 1999

Tailandia 2003

11’56” hdcam color

1’ hdcam color

Dirección, fotografía y edición Apichatpong Weerasethakul

Este corto es uno de los cineminutos realizados por varios artistas para la Fundación Nelson Mandela 46664, que tiene entre sus objetivos una campaña global de sensibilización del Sida para incrementar la participación y los esfuerzos de los gobiernos. En la campaña: “Da 1 Minuto de Arte al SIDA”, colaboraron varios artistas invitados como Matthew Barney, Seydou Keita, David Krippendorff y el mismo Apichatpong Weerasethakul.

Windows is an improvisation using a little physical movement to capture natural phenomena through the camera eye’s mechanism. Weerasethakul admits that while he was filming, and afterwards viewing what he had shot, he felt this segment was the most complete and had many stories in it.

NOKIA SHORT | CORTO NOKIA Tailandia 2003

Dirección, fotografía y edición Apichatpong Weerasethakul Sonido Masato Hatanaka

This short film is one of several one-minute pieces made for the Nelson Mandela Foundation 46664, which has as one of its goals to develop a global AIDS-awareness campaign to increase governments’ participation and efforts. Several artists such as Matthew Barney, Seydou Keita, David Krippendorff and Apichatpong Weerasethakul were part of the campaign “Give 1 Minute of Art to Aids.”

2’ Nokia video phone color

Un cuerpo en primer plano, imágenes eróticas de la televisión, un nadador en una piscina, son los aportes visuales del director para los experimentos que Nokia Shorts realizó para promover el primer teléfono móvil con cámara integrada.

Dirección, fotografía y edición Apichatpong Weerasethakul Sonido Masato Hatanaka

A body in close-up, erotic images on television, a swimmer in a pool: that is the director’s contribution to the experiments of Nokia Shorts to promote the first mobile phone with an integrated camera.

154 TERRITORIOS: APICHATPONG WEERASETHAKUL

TERRITORIOS: APICHATPONG WEERASETHAKUL 155

WORDLY DESIRES | DESEOS MUNDANOS

GHOST OF ASIA | EL FANTASMA DE ASIA

La video instalación El fantasma de Asia (2005) es una colaboración que toma como punto de partida el reciente tsunami ocurrido en Asia. Los directores usaron la idea de un fantasma visto en la costa de una isla tailandesa e invitaron a niños locales para que dirigieran la película, sugiriendo y filmando los movimientos del actor-fantasma. Al proyectar sus ideas en esta criatura fantasmal, las fantasías de los niños adquieren sustancia y su juego infantil es mediado por el “juego” adulto de dirigir una película. The video installation Ghost of Asia (2005) is a collaboration which takes the recent tsunami in Asia as its starting point. The directors have used the idea of a ghost seen wandering along the coastline of a Thai island and invited some local children to direct the film for them, suggesting and filming the movements of the actor-ghost. By projecting their own ideas on to this ghostly creature the children’s fantasies are given real substance, their childish game mediated by the adult ‘game’ of shooting a film.

156 TERRITORIOS: APICHATPONG WEERASETHAKUL

Tailandia Francia 2005

Tailandia Corea del Sur 2005

9’ hdcam color

42’ digibeta color

Dirección Apichatpong Weerasethakul, Christelle Lheureux Guión Jantrakansorn Sukkrajang, Sakda Poka, Nantawat Poonpeum Fotografía Apichatpong Weerasethakul, Christelle Lheureux Música Gandhi Anantagant, Decha Woongon, Boyd Kosiyabong Sonido Akritchalerm Kalayanamitr Reparto Sakda Kaewbuadee

Comisionada por el Festival Internacional de Cine de Jeonju, como parte de su serie Digital Project, esta película inicia como un acercamiento “detrás de cámaras” a la producción en la selva de una telenovela y un video musical tailandeses, pero muy pronto es subyugada por el hechizo de la selva tropical. Las dos filmaciones se fusionan con la realidad de la producción detrás de cámara, mezclándose con llamativos números de canto y baile pop, además de imágenes de la exuberante maleza. Commissioned by the Jeonju International Film Festival as part of their Digital Project series, the film begins as a behind-the-scenes look at the jungle production of a Thai soap opera and a music video but soon falls under the verdant spell of the rain forest. The two shootings blend into one another and into the reality of the backstage production, punctuated by shimmering pop song-and-dance numbers and overgrown with images of the verdant backdrop. Festivales y premios Festival Internacional de Cine de Jeonju, 2005

Dirección Apichatpong Weerasethakul Fotografía Apichatpong Weerasethakul, Sivaroj Kongsagul Edición Apichatpong Weerasethakul, Sompot Chidgasornpongse Sonido Akritchalerm Kalayanamitr Reparto Chanchai Amonthat, Thanatporn Vejchayom, Priya Wongrabeab, Sirapa Theansuwan, Siriporn Chernjit, Atjimarak Songsangjan, Utchalaluk Songsangjan

TERRITORIOS: APICHATPONG WEERASETHAKUL 157

SUD VIKAL | VAMPIRO | VAMPIRE

En algún sitio de la frontera entre Tailandia y Birmania vive una criatura llamada Nok Phii (pájaro fantasma). De existir, sería la única ave, aparte del pinzón vampiro de las Galápagos, que se alimenta de la sangre de otros animales. Sin evidencia concreta de su existencia, esta ave puede ser tan sólo una criatura imaginaria asociada con la atracción del peligro y un aura mítica. Vampiro es el sueño de esta extraña ave y su hábitat, la recreación de un viaje para capturar en película este particular tesoro. Somewhere along the border of Thailand and Burma lives a creature called Nok Phii (ghost bird). If it exists, apart from the Vampire Finch of the Galápagos Islands, Nok Phii would be the only species of bird that feeds on other animals’ blood. Without concrete evidence of its existence, this bird might only be an imaginary animal associated with alluring danger and mythical aura. Vampire is a dream of the strange avian and its habitat, an impression of a voyage to capture this unusual treasure on film.

158 TERRITORIOS: APICHATPONG WEERASETHAKUL

THE ANTHEM | EL HIMNO

Tailandia Francia 2005

Tailandia Reino Unido 2006

9’ hdcam color

5’ 35mm color

Dirección, fotografía y edición Apichatpong Weerasethakul Sonido Chalermrat Kaweewattana

Uno de los rituales arraigados en la sociedad tailandesa es la presentación del Himno Real, antes de ciertas ceremonias o exhibición de una película en los cines. Esta práctica es una forma de bendición previa y su propósito es honrar al Rey. Weerasethakul realizó este corto denominado “Himno del Cine”, que cómicamente alaba y bendice la película que se va a proyectar, y donde una anciana realiza un rito encauzando energía hacia el público para brindarles una mente clara y la seguridad de que al término de la película, la vida y el mundo exterior serán mejores. One of the rituals imbedded in Thai society is the playing of the Royal Anthem before certain ceremonies or the exhibition of a feature. This is done as a previous blessing with the purpose of honoring the King. Weerasethakul made this short film, entitled “Cinema Anthem”, to humorously praise and bless the following film. An old lady performs a ritual channeling energy towards the audience to bring them a clear mind, assuring after the film life will be better and so will be the world outside the theater.

Dirección Apichatpong Weerasethakul Fotografía Sayombhu Mukdeeprom Edición Lee Chatametikool Sonido Akritchalerm Kalayanamitr Reparto Donruedee Chana, Garuna Luktoomtong, Jenjira Pongpas, Sakda Kaewbuadee, Nantarat Sawaddikul

TERRITORIOS: APICHATPONG WEERASETHAKUL 159

TEEM (NOVEMBER 20, NOVEMBER 21, NOVEMBER 22) | TEEM (NOVIEMBRE 20, NOVIEMBRE 21, NOVIEMBRE 22)

El título de este registro se refiere a tres cortos grabados con un teléfono móvil. Cada video corresponde a cada mañana de un retrato de Teem, el compañero de Apitchapong. A medida que el invierno se aproximaba en Tailandia, Teem le dijo a Apichatpong que empezaría a hibernar hasta el mes de febrero de 2008. Como resultado de este comunicado, el joven durmió profusamente durante ese lapso. El director observaba a Teem y, en algunas ocasiones, interrumpió su misión grabándolo con el teléfono. The title of this visual register makes reference to three short pieces recorded with a mobile phone. Each video corresponds to a morning portrait of Teem, Apitchapong’s partner. As winter is about to begin in Thailand, Teem tells Apichatpong he is going to hibernate until February, 2008. As a result of this, the young man sleeps profusely during the period. The director watches Teem while occasionally interrupting his mission as he records him with the telephone.

MORAKOT | ESMERALDA | EMERALD

Tailandia Japón 2007

10’ digital grabado en teléfono móvil color

11’ hdcam color

Dirección, fotografía y edición Apichatpong Weerasethakul Producción Tomo Suzuki Reparto Chaisiri Jiwarangsan

En El peregrino Kamanita, una novela escrita en 1906, los protagonistas renacen como estrellas y tardan siglos en recitarse sus historias, hasta que dejan de existir. Morakot es un hotel abandonado y en ruinas en el corazón de Bangkok, que abrió sus puertas en un momento en el cual Tailandia avanzaba hacia una industrialización económica acelerada. Al igual que Kamanita, Morakot es una estrella atormentada (y alimentada) por los recuerdos. Weerasethakul colaboró con sus tres actores de planta para volver a llenar de recuerdos este hotel.

Dirección, fotografía y edición Apichatpong Weerasethakul Sonido Akritchalerm Kalayanamitr, Narathip Tungkaseranee Reparto Jenjira Pongpas, Sakda Kaewbuadee, Nitipong Thinthupthai

In The Pilgrim Kamanita, a novel written in 1906, the protagonists are reborn as two stars and take centuries to recite their stories to each other, until they no longer exist. Morakot is a derelict hotel in the heart of Bangkok that opened its doors in a time when Thailand shifted gears into accelerated economic industrialization. Like Kamanita, Morakot is a star burdened (and fueled) by memories. Weerasethakul collaborated with his three regular actors to re-supply the hotel with new memories.

Festivales y premios Festival Internacional de Cine Pocket Film de Tokio, 2007

160 TERRITORIOS: APICHATPONG WEERASETHAKUL

TERRITORIOS: APICHATPONG WEERASETHAKUL 161

MY MOTHER’S GARDEN | EL JARDÍN DE MI MADRE

LUMINOUS PEOPLE | GENTE LUMINOSA

Tailandia 2007

Tailandia Portugal 2007

7’ hdcam color

Esta obra muestra una colección de joyería hecha por Victoire de Castellane. Las piezas de la colección están inspiradas en varios tipos de flores peligrosas y plantas carnívoras. Cada pieza cuenta con un movimiento mecánico oculto. La mayor parte de las imágenes de la película consta de primeros planos a las joyas y es, también, un homenaje al jardín de la madre del realizador, con sus raíces de orquídeas salvajes, insectos y otros organismos. The film is an impression of a Jewelry collection by Victoire de Castellane. The pieces in the collection are inspired by various types of dangerous flowers and carnivorous plants. Each piece has a hidden mechanical movement. Most of the film’s images comprise of extreme close-up shots of the jewelries. The film is also a tribute to the garden of the filmmaker’s mother, with its wild orchid’s roots, bugs and various organisms.

Dirección y edición Apichatpong Weerasethakul Producción Charles de Meaux, Tiana Mille, Eric Troncy Fotografía Renaud Chassaing, Apichatpong Weerasethakul Reparto Sakda Kaewbuadee, Jenjira Pongpas

15’ súper 8 color

Weerasethakul y su equipo de rodaje viajan a un pequeño poblado cercano al Río Mekong donde reclutan a varios lugareños para participar en un proyecto. Navegan en un bote durante dos días para reconstruir una ceremonia falsa que conmemora la presencia de los muertos. El equipo y el reparto se abandonan en el cauce de la simulación. El documental muestra también el deterioro de los recuerdos de los vivos en una filmación. Luminous People forma parte del filme O estado do mundo en el que participaron varios directores como Chantal Akerman y Pedro Costa. Apichatpong and his film crew travel to a small town near Mekong River to recruit local villagers to participate in a project. They sail for two days to reconstruct a fake ceremony to commemorate the presence of the dead. The crew and the cast wander off in the river of simulation. The documentary also shows the deterioration of the memories of the living while shooting a movie. Luminous People is part of the film O estado do mundo, which united directors such as Chantal Akermann and Pedro Costa. Festivales y premios Festival de Cannes, 2007 Quincena de Realizadores

162 TERRITORIOS: APICHATPONG WEERASETHAKUL

Dirección, fotografía y edición Apichatpong Weerasethakul Producción Luis Correia Compañías productoras Lx Filmes, Lisboa; Kick the Machine, Bangkok Sonido Akaritchalerm Kalayanamitr Voces Akekarat Homlaor, Nitipong Thinthupthai, Chadil Yuenying Reparto Sakda Kaewbuadee, Jenjira Pongpas, Nophakraw Ngawvichai, Prasit Donsung, Somchai Matimata, Garuna Luktoomtong, Somchat Aksornsiri, Surasak Krotchaompu, Sudsakorn Ngawvichai

TERRITORIOS: APICHATPONG WEERASETHAKUL 163

MOBILE MEN | HOMBRES MÓVILES

Hombres móviles presenta al realizador operando la cámara, montado en la parte de atrás de una camioneta junto a otros dos hombres mientras avanzan por la carretera. Uno de ellos señala sus tenis Converse y otras piezas de su ropa. Después, el otro, toma la cámara y acapara la atención presumiendo sus tatuajes mientras grita para mostrar lo doloroso que fue hacérselos. Pero lo único que se escucha es el viento. Mobile Men features the filmmaker operating the camera himself, riding in the back of a pickup truck as it speeds down the highway with two other men. One of the men points to his Converse canvas shoes and other articles of clothing. Then another man grabs the lens of the camera and steals the show showing off his tattoos while he screams to illustrate how painful it was. But all you can hear is the wind whipping past.

A LETTER TO UNCLE BOONMEE | UNA CARTA PARA EL TÍO BOONMEE Tailandia 2008

Tailandia 2009

3’ hdcam color

17’ digibeta color

Dirección, fotografía y edición Apichatpong Weerasethakul Sonido Chalermrat Kaweewattana, Akritchalerm Kalayanamitr Reparto Jaai Loongsu, Nitipong Thinthupthai

La cámara, que se mueve muy lentamente, captura a un grupo de soldados excavando. Se escuchan las voces de tres jóvenes, repitiendo una carta escrita a un hombre llamado Boonmee en la que le cuentan sobre Nabua, una comunidad donde los habitantes han abandonado sus casas. Una carta para el tío Boonmee es parte del Primitive Project, que se centra en el concepto de la remembranza y la extinción en el noreste de Tailandia. Boonme es el personaje principal del largometraje de este proyecto. A slowly moving camera captures a group of soldiers digging the ground. The voices of three young men are heard. They repeat a letter to a man named Boonmee. They tell him about a small community called Nabua where the inhabitants have abandoned their homes. A Letter to Uncle Boonmee is part of the Primitive Project which focuses on the concept of remembrance and extinction in the northeast of Thailand. Boonmee is the main character of the feature film of the project. Festivales y premios Festival Internacional de Cortometrajes de Cine de Oberhausen, 2010 Gran Premio de la Ciudad Premio del Jurado del Ministro Presidente Festival de Cine de Ann Arbor, Estados Unidos, 2010 Premio del Jurado de Memoria y Magia

164 TERRITORIOS: APICHATPONG WEERASETHAKUL

Dirección y guión Apichatpong Weerasethakul Producción Simon Field, Keith Griffiths Fotografía Sayombhu Mukdeeprom Edición Lee Chatametikool, Apichatpong Weerasethakul Sonido Chalermrat Kaweewattana, Akritcharlerm Kalayanamitr Reparto Kumgieng Jittamaat, Miti Jittamaat, Phetmongkol Chantawong, Nuttapon Kemthong, Atapon Wernziw, Tongsit Rachasin

TERRITORIOS: APICHATPONG WEERASETHAKUL 165

INSTALACIÓN PRIMITIVO

Hace algunos años, durante una visita a un templo cercano a mi casa, un monje me obsequió un pequeño libro de su autoría titulado El hombre capaz de recordar sus vidas pasadas. El relato se centra en Boonmee y su capacidad de recordar sus numerosas vidas transcurridas en ciudades del noreste. En 2008 escribí un guión inspirado en la reencarnación de Boonmee e inicié un viaje a través de la región en busca de los descendientes y parientes que le sobrevivieran. Visité muchas aldeas, una de ellas se llama Nabua. Letárgica y ubicada en la provincia de Nakhon Panom, Nabua fue uno de los poblados sometidos a la ocupación del ejército tailandés entre la década de 1960 y los inicios de los años ochenta a fin de replegar a los grupos insurgentes de filiación comunista. No encontré vínculo alguno con Boonmee en Nabua, excepto por el hecho de que la aldea también está llena de recuerdos reprimidos… y decidí trabajar ahí, investigar la historia de Nabua y documentar su paisaje. En los sesenta los soldados construyeron una base militar en Nabua a fin de administrar las actividades cotidianas de una población sujeta a agresiones físicas y psicológicas por ocultar información. Los aldeanos, en su mayoría campesinos a los que se acusaba de comunistas a pesar de no entender el significado de la palabra, huyeron adentrándose en la selva. Nabua llegó a ser conocida en todo el país tras la mañana del 7 de agosto de 1965, fecha en que se registró el primer enfrentamiento armado entre campesinos comunistas y soldados del gobierno totalitario en pleno arrozal. La ocupación y el control militar de la aldea se recrudecieron a raíz del combate, se intensificaron las torturas, proliferó el miedo y más pobladores huyeron a la selva. El cielo nocturno se iluminaba con las bengalas y en Nabua solo quedaron mujeres y niños. Irónicamente, el poblado se encuentra en el distrito de Renu Nakhon, donde se cuenta una ancestral leyenda sobre una ‘viuda fantasma’ que rapta a todo hombre que ose entrar en su imperio y lo lleva con el resto de sus esposos a una tierra invisible; según la leyenda, en Renu Nakhon no hay hombres. El sobrenombre de este distrito es ‘el pueblo de la viuda’. La presencia y los abusos del ejército se prolongaron durante veinte años. Una vez apagada la intensidad de la Guerra Fría entre Estados Unidos y la Unión Soviética, el Estado aplicó un método pacífico de reconciliación con los “subversivos”: a cambio de entregar las armas les ofrecieron tierras y dinero en efectivo. Hasta ahora, el gobierno ha restado importancia a la violencia infligida en las aldeas del país. La gente olvida. Los más jóvenes no reconocen la existencia de Nabua. 166

Indudablemente, la historia de Nabua encierra ecos del actual laberinto político en Tailandia. Las instituciones implicadas en los hechos del pasado y las instituciones nuevas son actores clave en el caos que reina en el país. Al igual que antes, manipulan la conciencia colectiva al infundirle dosis de fe y miedo. El proyecto Primitive propone reimaginar ese trocito de Tailandia llamado Nabua, un lugar donde los recuerdos y las ideologías se extinguieron. Primitive es un retrato de los varones adolescentes que descienden de los campesinos comunistas, liberados del imperio de la viuda fantasma. Los diversos videos que realicé en Nabua, como mis películas, son impresiones de luz y memoria. Contienen iluminación natural del sol y del fuego. Las luces se cuelan por puertas y ventanas y queman los arrozales. Hay también luces artificiales creadas con focos fluorescentes y destellos LED como concentraciones de recuerdos. Además, hay relámpagos simulados que rompen con el apacible paisaje y desentierran a los espíritus. Al igual que en el libro El hombre capaz de recordar sus vidas pasadas, Primitive aborda la reencarnación y la transformación en una fiesta para celebrar el ímpetu destructivo en la naturaleza y en nuestro interior que se inflama para mutar y volver a nacer. Apichatpong Weerasethakul | enero de 2009

La instalación Primitive fue comisionada por Haus der Kunst (Munich), FACT (Foundation for Art and Creative Technology, Liverpool) y Animate Projects (Londres), y es una producción de Illuminations Films (Londres) y Kick the Machine Films (Bangkok). Créditos de todos los videos: Kick the Machine Films, Bangkok. La totalidad de videos y fotografías es cortesía de Apichatpong Weerasethakul e Illumination Films.

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PRIMITIVE INSTALLATION

A few years ago I visited a temple near my home and a monk there gave me a little book called A Man Who Can Recall His Past Lives. In it, the monk wrote about Boonmee, who could recall his multiple lives in the cities of the northeast. In 2008, I wrote a screenplay inspired by the reincarnation of Boonmee, and started to travel in the region in search of his surviving offspring and relatives. Among several villages we visited there was one called Nabua. This sleepy village in the province of Nakhon Panom was one of the places the Thai army occupied from the 60s to the early 80s in order to curb the communist insurgents. There was no link to Boonmee here except that the village is also full of repressed memories. I decided to work there, investigating its history and documenting its landscape. In the 60s the soldiers erected a base in Nabua to administer the villagers’ daily activities. The locals were psychologically and physically abused on the grounds of withholding information. Consequently, the villagers, mostly farmers, fled into the jungle. Most of them didn’t understand the word Communism though they were accused of being communists. In the morning of August 7, 1965, Nabua earned its reputation nationwide when the first gun battle between the farmer communists and the totalitarian government broke out in the rice field. As a result, Nabua was heavily occupied and controlled by the military. The torture intensified. Fear proliferated. More people escaped into the jungle. The night sky was illuminated with military flares. The village was left with mostly women and children. Ironically, Nabua is situated in Renu Nakhon district, where there is an ancient legend about a ‘widow ghost’ who abducts any man who enters her empire. She takes them to join her other husbands in an invisible land. Thus in the legend, Renu Nakhon is devoid of men. The district’s nickname is ‘widow town’. The army’s presence and abuses continued in the village for two decades. After the temperature of the US and Soviet Union’s cold war had fallen, the government employed a peaceful method of reconciliation with the “deflected”. Cash and land were offered in exchange for weapons. Until now, the government has down played the violence that took place in various villages around the country. The public forgets. The young generation doesn’t recognize the existence of Nabua.

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The story of Nabua undeniably has echoes of the current political turmoil in Thailand. Institutions involved in those events of the past, along with new ones, are the key players on the ongoing chaos. Just as in the past, they manipulate the public psyche instilling it with faith and fear. The Primitive project is about re-imagining this little terrain of Thailand called Nabua, a place where memories and ideologies are extinct. Primitive is a portrait of the teenage male descendants of the farmer communists, freed from the widow ghost’s empire. The various videos I made at Nabua, like my feature films, are impressions of light and memory. There are natural illuminations from the sun and from fire. The lights seep through the doors and windows and burn the rice fields. There are artificial ones like fluorescent tubes and LED lights like dots of recollections. And there are simulated bolts of lightning that destroy the peaceful landscape and unearth the spirits. As in the book A Man Who Can Recall His Past Lives, Primitive is about reincarnation and transformation. It’s a celebration of destructive force in nature and in us that burns in order to be reborn and mutate. Apichatpong Weerasethakul | January 2009

Installation Primitive was commissioned by the Haus der Kunst (Munich), FACT (Foundation for Art and Creative Technology, Liverpool) and Animate Projects (London) and produced by Illuminations Films (London) and Kick the Machine Films (Bangkok). Credits for all videos: Kick the Machine Films, Bangkok. Courtesy for all videos and photographs: Apichatpong Weerasethakul and Illumination Films

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AHORA MÃ&#x2030;XICO MEXICO RIGHT NOW!

AHORA MÉXICO

Pensada para celebrar el cine de espíritu independiente y propositivo hecho en nuestro país, “Ahora México” reúne diversas voces que dan fe del estado actual de la cinematografía nacional, a cargo de jóvenes cineastas con inquietudes formales y temáticas pertinentes. “Ahora México” se compone de 9 títulos elegidos entre lo más representativo de la producción mexicana reciente, priorizando el cine de sesgo autoral, en algunos casos con reconocimiento internacional notable.

A TIRO DE PIEDRA | A STONE’S THROW AWAY

México 2010

FICUNAM, en su primera edición, ofrece un repertorio de 15 producciones mexicanas entre largometrajes de ficción, documentales y cortometrajes, repartidos entre las siguientes secciones:

97’ 35mm color

• Competencia Internacional de Largometraje • Aciertos: Encuentro Internacional de Escuelas de Cine (competencia) • Ahora México De la selección completa de cine mexicano, sobresalen 5 estrenos mundiales (Cesado de Daniela Schneider, Reise nach Tulum (Viaje a Tulum) de Eduardo Villanueva, Tres rocas de Emiliano Fernández, Lecciones para Zafirah de Carolina Rivas y Daoud Sarhandi, Graniceros de Gustavo Gamou). Maximiliano Cruz Jacinto Medina, joven de 21 años, está aburrido de su vida como pastor en el norte de México. Un día encuentra un llavero en el suelo y lo ve como una señal al tiempo que, guiándose por sus sueños, emprenderá un viaje que lo hará recorrer miles de kilómetros. Jacinto Medina is 21 years old and bored with his life as a shepherd in northern Mexico. One day, he finds a keychain on the ground and sees it as a sign, envisioned in his dreams, that he will go on a trip that will take him hundreds of miles away.

MEXICO RIGHT NOW!

Conceived as a celebration of Mexican films with an independent and innovative spirit, ‘Mexico Right Now’ unites various voices —of young filmmakers in search of new formal expressions and pertinent subject matters— which testify the current state of cinema in our country. ‘And Now, Mexico’ is formed by 9 titles chosen among the most representative recent Mexican productions, prioritizing auteur films which in some cases have received significant international recognition. In its First Edition, FICUNAM offers a catalogue of 15 Mexican productions —including fiction features, documentaries and short films— divided in the following sections: • International Feature Films Competition • Feats. International Film Schools Meeting • Mexico Right Now! From the complete selection of Mexican cinema, 5 world premiers stand out: Cesado, by Daniela Schneider; Reise nach Tulum (Viaje a Tulum), by Eduardo Villanueva; Tres Rocas, by Emiliano Fernández; Lecciones para Zafirah, by Carolina Rivas and Daoud Sarhandi; Graniceros, by Gustavo Gamou; and the international premiere of Paraísos artificiales, by Yulene Olaizola.

Sebastián Hiriart | México, 1983 Cineasta autodidacta. Ha trabajado como director, actor, fotógrafo, asistente y operador de cámara en quince largometrajes, televisión y cortometrajes. A tiro de piedra es su ópera prima como director. Self-taught filmmaker. He has worked as a director, actor, cinematographer, camera assistant and cameraman in fifteen feature films, shorts and television productions. A Stone’s Throw Away is his film feature debut as a director. Festivales y premios Festival Internacional de Cine de San Sebastián, 2010 Premio Horizontes, Mención Especial

Dirección Sebastián Hiriart Guión Sebastián Hiriart, Gabino Rodríguez Producción Ximena Hiriart, Sebastián Hiriart, Gustavo Bellon, Canek Kelly, Randy Watkins Fotografía Sebastián Hiriart Edición Pedro G. García Sonido Gustavo Bellon, Matías Barbieris, John Camino Música Emiliano Motta, Emiliano González de León Reparto Gabino Rodríguez, Monserrat Ángeles, Alejandra España, Julián Silva Filmografía A tiro de piedra • 2010

Maximiliano Cruz 172

AHORA MÉXICO 173

ALAMAR | TO THE SEA

Una pareja lleva años separada. Jorge es mexicano y le gusta la vida silvestre, sin complicaciones, mientras que Roberta es italiana y prefiere la vida urbana. Ella ha decidido regresar a Roma con el hijo de ambos, Natan de cinco años. Previo a la inevitable separación, Jorge desea que su hijo lo acompañe al lugar donde vive, un arrecife coralino en el mar Caribe. Lo insólito de esta experiencia hará que padre e hijo tengan un encuentro único al regresar al origen y llevar una vida pacífica y elemental que Natan jamás olvidará. A couple has been separated for years. Jorge is Mexican and enjoys an uncomplicated life in the wilderness, while Italian Roberta prefers a more urban existence. She has decided to return to Rome with their five-year-old son, Natan. Before their inevitable breakup, Jorge wishes to take young Natan to the place he lives at by a coral reef in the Caribbean. The unusual experience of going back to the origin and living a peaceful and elementary existence is one Natan will never forget and it will tie unique bonds between father and son. Pedro González-Rubio | Bélgica, 1976 Aunque de nacionalidad mexicana, Pedro González Rubio nació en Bruselas. Estudió comunicación en México antes de matricularse en la London Film School. Su primer documental Toro negro (2005), codirigido por Carlos Armella, se presentó en varios festivales y fue ganador de diversos premios. Alamar es su ópera prima. Though he is a Mexican citizen, Pedro González Rubio was born in Brussels. He studied Communication Science in Mexico before enrolling into the London Film School. His first documentary, Toro Negro (2005), co-directed by Carlos Armella, was shown in several festivals receiving various awards. Alamar is his first fiction feature. Festivales y premios BAFICI (Buenos Aires Festival de Cine Independiente), 2010 Mejor Largometraje Festival Internacional de Cine de Rotterdam, 2010 Mejor Largometraje 174 AHORA MÉXICO

GRANICEROS | HEIL MASTERS

México 2010

México 2011

73’ hdcam color

52’ hd color

Dirección, guión, fotografía y edición Pedro González-Rubio Producción Jaime Romandía, Pedro González-Rubio Música Fausto Palma, Juan Andrés Vergara, Diego Benlliure, Uriel Esquenazi, Salvador Zepeda Mendoza Sonido Manuel Carranza, Paulina Márquez, Emmanuel Romero, Rodolfo Romero Reparto Jorge Machado, Roberta Palombini, Natan Machado Palombini, Néstor Marín “Matraca” Filmografía Alamar • 2009, Toro negro (codirección) • 2005

La vida de Noé se ve sacudida por el impacto de un rayo, esto ocasiona el inicio de una búsqueda espiritual por medio de un “granicero”, personaje importante en la agricultura que mantiene la tradición prehispánica de controlar los fenómenos metereológicos. El granicero Timoteo, quien también fue tocado por un meteoro, será el encargado de curar a Noé mediante un ritual al dios Tláloc en lo alto de una montaña para estar en contacto con las nubes y de esta manera, Noé pueda tener control sobre ellas. Noé’s life is upset after he is hit by a bolt of lightning which has the effect of making him begin a spiritual search with the help of a “granicero” —an important character in central Mexico rural world who keeps the Pre-Hispanic tradition of controlling meteorological phenomena. Timoteo, the granicero, was also hit by a lightning and he will take the responsibility of curing Noé through a ritual —dedicated to the Aztec god Tlaloc— at the top of a mountain, with the aim of getting Noé in touch with the clouds so he can control them.

Dirección y fotografía Gustavo Gamou Producción Jacaranda Correa Edición Lenz Claure, Música Gustavo Antuña, Jorge Rodríguez, Marcelo Fernández Sonido Cristina Velasco Filmografía Graniceros • 2011, La palomilla salvaje • 2006

Gustavo Gamou | México, 1977 Hijo de madre mexicana y padre uruguayo, Gustavo Gamou estudió fotografía en el Laboratorio Experimental Súper 8 (Montevideo). En 1997 estudia en la UNAM física y astronomía hasta 1999. En el año 2000 ingresa a la carrera de dirección cinematográfica del Centro de Capacitación Cinematográfica. Su documental La palomilla salvaje (2006) obtuvo el premio al Mejor Documental Latinoamericano Kodak en el FICCO y ganó como Mejor Documental en el Festival Internacioanal de Cine de Morelia, que le dio el pase para su exhibición en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes. The son of a Mexican mother and a Uruguayan father, Gustavo Gamou studied photo at the Laboratorio Experimental Super 8 (Montevideo). From 1997 to 1999 he studied Physics and Astronomy at UNAM and enrolled at the Centro de Capacitación Cinematográfica to study film direction in 2000. His documentary La palomilla salvaje (2006) was awarded as the Kodak Best Latin American Documentary in FICCO and also received the Best Documentary Award at the Morelia International Film Festival, allowing it to be exhibited during the Critic’s Week at Cannes. AHORA MÉXICO 175

INTERNO | INMATE

En abril del 2003, Ann Moxey, psicóloga especialista en adicciones, maestra de yoga, y ex corresponsal de guerra, creó un proyecto pionero para enseñar yoga en un centro penitenciario de Morelos. El interés de Ann era llevar la experiencia de libertad a los que viven en una doble prisión, la de las adicciones y la física en el penal. Basado en esta premisa, el documental pretende abordar como eje central la metáfora del encierro, la libertad y el camino de la transformación. In April 2003, Ann Moxey, a psychologist specialized in addictions, yoga instructor and former war correspondent, created a groundbreaking project to teach yoga at a correctional center in Morelos. Ann’s interest was to take the experience of freedom to those that live in a double prison: one due to their addictions, and the other due to the correctional center. Based on this premise, the documentary revolves around the metaphor of confinement, freedom and the path to transformation. Festivales y premios Festival Internacional de Cine Documental DOCSDF del Distrito Federal, 2010 Mención Especial

176 AHORA MÉXICO

LECCIONES PARA ZAFIRAH | LESSONS FOR ZAFIRAH

México 2010

México 2011

82’ hd color

74’ digibeta color

Dirección Andrea Borbolla Guión Andrea Borbolla, Juan Pablo Cortés Producción Armando Casas, Karl Lenin González, Roberto Fiesco Fotografía José Antonio Lendo, Andrea Borbolla Edición Juan Pablo Cortés, Vanessa Miklos Música Uriel Villalobos, Abigail Vázquez Duarte Sonido Galileo Galáz, Daniel Hidalgo Reparto Ann Moxey, Jesús Berriel, Ignacio Carpinteiro, Jhonatan Covarrubias

Una metáfora del Diluvio en la época actual. “El Diluvio” es la lluvia de violencia que cae sobre nosotros; “El Arca de Noé” es el tren que recorre México rumbo a los Estados Unidos donde los migrantes son las especies que buscan salvar sus vidas. Para los directores, el cine no conmueve sólo por denunciar sino por confrontar y fomentar emociones que iluminen pensamientos nuevos y constructivos. El documental se convirtió en un diario cinematográfico para quien es su primera espectadora, su hija de tres años, llamada Zafirah.

Filmografía Interno • 2010, Con devoción • 2006

Daoud Sarhandi | Reino Unido Estudió cine y fotografía en Londres. Trabajó como editor de películas para Channel 4 y la BBC. En México ha sido colaborador de la revista londinense Eye y Proceso. Es director general de Creadores Contemporáneos. He studied cinema and photography in London and worked as editor for films produced by Channel 4 and the BBC. Since 2002, he collaborates in Mexico for the London magazine Eye and for Proceso. He is currently the General Director of Creadores Contemporáneos.

A metaphor of the Flood in our times. ‘The Flood’ is the rain of violence that washes over us; ‘Noah’s Arc’ is the train that runs through Mexico toward the United States and migrants are ‘the species’ attempting to save their lives. For the directors, cinema moves people not just by condemnation, but by confronting and fostering emotions which lead to new, constructive ideas. This documentary became a cinematographic diary for their first viewer, their three-year-old daughter, Zafirah. Carolina Rivas | México Estudió dirección y guionismo en el CUEC. Su cortometraje Zona cero participó en la sección Cinéfondation del Festival de Cannes (2003). Posteriormente el documental El color de los olivos (2006) fue merecedor de siete premios. Es miembro fundador de Creadores Contemporáneos. She studied film direction and scriptwriting at CUEC (University Centre of Cinematographic Studies). Her short film Zona Cero was selected at the Cinéfondation section of Cannes Festival (2003). Her documentary El color de los olivos (2006) received seven awards. She is a founding member of Creadores Contemporáneos.

Dirección Carolina Rivas, Daoud Sarhandi Producción Daoud Sarhandi Guión Carolina Rivas Fotografía Daoud Sarhandi Edición Daoud Sarhandi Música Daoud Sarhandi, Hector Berlioz, Andrés López Sonido Daoud Sarhandi, Jacobo Martínez Filmografía en conjunto Lecciones para Zafirah • 2011, El color de los olivos • 2006

AHORA MÉXICO 177

LAS MARIMBAS DEL INFIERNO | MARIMBAS FROM HELL

REISE NACH TULUM | VIAJE A TULUM | TRAVEL TO TULUM

México Guatemala Francia 2010

México 2011 66’ 16mm color y byn

72’ 35mm color

Don Alfonso es un mensajero que se dedica a tocar la marimba. Acostumbrado a presentar su espectáculo en uno de los hoteles más elegantes de la ciudad de Guatemala, Alfonso ve con tristeza que la marimba ha perdido interés en el público, al considerarla un instrumento anacrónico. Providencialmente tiene un encuentro con Blacko, médico de profesión y pionero del Heavy Metal underground. Los dos deciden juntar sus talentos y crean Las Marimbas del Infierno que provocarán variadas reacciones entre la gente. Don Alfonso is a courier and also plays the marimba. Accustomed to presenting his folkloric show at the fanciest hotels in Guatemala City, he begins to see people losing interest in the marimba which they consider an old-fashioned instrument. He meets Blacko a doctor and pioneer of underground Heavy Metal, and the two decide to combine their talents and create “Las Marimbas del Infierno” that provokes diverse reactions among the people. Julio Hernández Cordón | Estados Unidos,1975 Hijo de padre mexicano y madre guatemalteca, Julio Hernández inició estudios en comunicación y periodismo en la Universidad Rafael Landívar de Guatemala. Posteriormente ingresó al Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC) en la ciudad de México. The son of a Mexican father and Guatemalan mother, Julio Hernández studied Communications and Journalism at Rafael Landivar University in Guatemala. He later went to the Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC) in Mexico. Festivales y premios Festival Internacional de Cine de Morelia, 2010 Premio Ojo al Mejor Largometraje Festival Ícaro de Cine y Vídeo de Centroamérica, Guatemala, 2010 Mejor Largometraje Ficción de Centroamérica Festival Internacional de Cine de Valdivia, 2010 Premio Especial Compartido del Jurado Premio del Público 178 AHORA MÉXICO

Dirección y guión Julio Hernández Cordón Producción Cyriac Auriol, Julio Guillermo Bárcenas Sánchez, Pamela Guinea, Michel Lipkes Compañía productora Figa Films Fotografía María Secco Edición: Lenz Claure Sonido Antoine Brochu, Olivier Peria Música Guerreros del Metal, Bacteria Sound System Reparto Alfonso Tuche, Roberto González Arévalo, Víctor Hugo Monterroso Filmografía Las Marimbas del Infierno • 2010 Gasolina • 2007

La película es filmada casi enteramente desde la perspectiva del personaje principal, Adan Neumann, un judío alemán de 33 años que trabaja para la compañia de construcción de su familia en Berlín. Aunque tiene todo para llevar una vida feliz, Adan se siente profundamente insatisfecho, y se embarca en un cuestionamiento de profundidad espiritual Un dia Adan ve un anuncio publicitario de las playas de Yucatán en el caribe mexicano que dice: “Viaje a Tulum, conozca el paraíso”. ¿Logrará Adan encontrar lo que tanto busca? This is a film almost entirely shot from the point of view of its main character, Adan Neumann, a German 33-year-old Jew who works for his family’s construction company in Berlin. Although he’s got everything he could need to be happy, Adan is profoundly unsatisfied and roams into deep spiritual questions. One day, Adan sees a publicity ad for Yucatan beaches on the Mexican Caribbean coast —“Travel to Tulum and discover Paradise.” Will Adan find what he is looking for? Eduardo Villanueva | México, 1970 Graduado en composición musical por la Escuela Superior de Música de la Universidad de Guadalajara, Eduardo Villanueva prosiguió sus estudios en Arquitectura y tomó clases de Tarot con el director de cine, Alejandro Jodorowsky. Reise nach Tulum es su debut como realizador. After graduating in music composition at the Superior Music School of Guadalajara University, Eduardo Villanueva studied Architecture and took Tarot lessons with film director Alejandro Jodorowsky. Reise nach Tulum is his first feature.

Dirección y guión Eduardo Villanueva Producción Eduardo Villanueva, Anri Sala, Cristian Manzutto, Pablo Aldrete Fotografía Uwe Teske Edición León Felipe González, Eduardo Villanueva, Cristian Manzutto Música Giancarlo Vulcano Sonido Klaus Baum, Cristian Manzutto Reparto Hannes Stelzer, Carola Regnier, Eduardo Villanueva, Hilmar Baumann, Jakob Laas, Catherine Bodem Sasha Polloc

Filmografía Reise nach Tulum | Viaje a Tulum • 2011

AHORA MÉXICO 179

TODO, EN FIN, EL SILENCIO LO OCUPABA | ALL THINGS WERE NOW OVERTAKEN BY SILENCE

TRES ROCAS | THREE ROCKS

México Canadá 2010

México 2011 166’ digibeta color

61’ hdcam byn

Todo, en fin, el silencio lo ocupaba es una película contemplativa sobre la filmación de una obra peculiar, un monólogo basado en el poema autobiográfico de Sor Juana Inés de la Cruz, Primero Sueño. Vemos a la actriz Jesusa Rodríguez esperando pacientemente entre tomas y al director y su equipo decidiendo sobre los encuadres, moviendo luces y colocando la cámara. Esta película es una meditación no sólo sobre el proceso de creación cinematográfica, sino sobre la “estética del silencio”. All things where now overtaken by silence is a contemplative film about the shooting of a rather strange play, a monologue based on Sor Juana Ines de la Cruz’s biographical poem First I Dream. We see actress Jesusa Rodriguez patiently waiting between shots and the director and crew deciding on angles, moving lights and placing the camera. The film is a meditation not only on filmmaking and its process, but on the “aesthetics of silence.” Nicolás Pereda | México, 1982 Ha realizado cine de ficción, cine experimental, y documentales. Su obra ha participado en los festivales de Cannes, Rotterdam y San Sebastián. Estudió cine en la Universidad de York, en Canadá. Ha hecho también películas y videos para proyectos interdisciplinarios de teatro, danza y ópera. He has made fiction, experimental and documentary films. His work has participated in the Cannes, Rotterdam and San Sebastián film festivals. He studied film at York University in Canada. He has also made films and videos for interdisciplinary projects involving theater, dance and opera.

180 AHORA MÉXICO

Dirección, producción, edición y sonido Nicolás Pereda Fotografía Gerardo Barroso, Lisa Tillinger, Alejandro Coronado Reparto Jesusa Rodríguez Filmografía Verano de Goliat | Summer of Goliath • 2010, Todo, en fin, el silencio lo ocupaba • 2010, Perpetuum Mobile • 2009, Juntos • 2009, Entrevista con la Tierra • 2008, ¿Dónde están sus historias? • 2007

El director documenta tres relatos acerca de la escalada en roca para adentrarnos en el mundo del escalador: Carlos García nos lleva a una aventura en la Cordillera Blanca en estilo de gran pared. Diego López, quien vive para escalar, pasa meses intentando bloques de hasta diez metros de altura en el desierto y, un grupo de escaladores trabajan en el armado de una nueva ruta, en una pared de 1000 metros, buscando alto grado de dificultad.

Dirección, producción, fotografía y edición Emiliano Fernández Hurtado Música Santiago Rodríguez Sonido Félix Cobos

The director documents three accounts on rock climbing to present an introduction to the world of climbers. Carlos García takes us into an adventure at Cordillera Blanca with great-wall style. Diego López, who lives to climb, spends entire months climbing ten-meter blocks at the middle of the desert. A group of climbers work at setting a new highdifficulty route at a 1,000-meter wall.

Filmografía del director Tres rocas • 2011

Emiliano Fernández Hurtado | México, 1980 Fotógrafo de diversos documentales y cortometrajes de ficción, Fernández Hurtado es escalador profesional con 15 años de experiencia. Estudió en la Escuela Activa de Fotografía donde practicó diversas técnicas. Su inquietud por contar historias mediante las imágenes lo hizo convertirse en asistente de cámara, para después ingresar al CCC (Centro de Capacitación Cinematográfica). Actualmente se desempeña como fotógrafo. Cinematographer for several documentaries and fiction short films, Fernández Hurtado is a professional climber with 15 years of experience. He studied at the Escuela Activa de Fotografía, where he practiced diverse techniques. His desire to tell stories through images made him become a camera assistant and, later, to enroll at the Centro de Capacitación Cinematográfica. He currently works as a photographer.

AHORA MÉXICO 181

ACIERTOS:

ENCUENTRO INTERNACIONAL DE ESCUELAS DE CINE FEATS: INTERNATIONAL FILM SCHOOLS MEETING

ACIERTOS: ENCUENTRO INTERNACIONAL DE ESCUELAS DE CINE

FEATS: INTERNATIONAL FILM SCHOOLS MEETING

Por su carácter universitario, el Festival Internacional de Cine de la UNAM quiere poner especial atención en los estudiantes y en las escuelas de cine, en las nuevas generaciones de creadores y en la formación de nuevos talentos. Es por esto que ha creado el “Aciertos: Encuentro Internacional de Escuelas de Cine.” El Encuentro busca establecer un espacio de análisis para la exhibición de los trabajos de los jóvenes estudiantes de cine, en el que se fomente el debate y la reflexión sobre las nuevas formas narrativas, los cambios en la enseñanza del cine, la incorporación de las nuevas tecnologías y, de manera muy relevante, el conocimiento de la cultura audiovisual iberoamericana. Los estudiantes y las escuelas tienen la oportunidad de mostrar una selección de sus mejores trabajos y de presentarlos en un festival internacional, en el marco de una de las universidades más prestigiosas de Iberoamérica, que se establece como punto de encuentro, investigación y discusión. Será esta una ocasión de reflexión teórica, pedagógica y una experiencia formativa y personal con énfasis en el intercambio de experiencias de quienes se encuentran en proceso de formación en el campo del audiovisual.

Being a university festival, UNAM International Film Festival pays particular attention to students and film schools, new generations of filmmakers and training of new talents. It is because of this that the ‘Feats. International Film Schools Meeting’ was created. This Meeting aims to establish a space for analyzing the work of young film students and to promote debate and reflection on new narrative forms, the developments in film teaching, the inclusion of new technologies and, particularly, to know more about audiovisual culture in Latin America and the Iberian Peninsula. Students and schools get the opportunity to show a selection of their best work and to screen it at an international festival organized by one of the most prestigious universities in Latin America and the Iberian Peninsula, a place of reunion, research and debating. This will be a site for theoretic and pedagogical reflection, a space for personal and academic experience, stressing the exchange of knowledge of those in a formative process within the audiovisual field.

Para su primera edición, el Encuentro se concentra en Iberoamérica, a través de la selección de 12 escuelas de los países más representativos de la región: Brasil, Chile, Colombia, Cuba, España, Venezuela y, por supuesto, México. El Festival otorgará un premio a la mejor obra a través de un jurado conformado por personalidades destacadas en diversas disciplinas del medio cinematográfico nacional e internacional. Cada año, el Encuentro invitará a una escuela de cine que, por su trayectoria, pueda ser reconocida con una retrospectiva especial. En su primera emisión, la escuela invitada será la Escuela Internacional de Cine y Televisión (EICTV), ubicada en San Antonio de los Baños, Cuba, que en el 2011 cumple 25 años. Se planean dos días de encuentro e intercambio entre los estudiantes y representantes de las escuelas en los que se mostrarán los trabajos participantes. Destaca la conferencia magistral que impartirá a los asistentes al Encuentro el director armenio Artavazd Peleshyan, cuyo trabajo es desconocido en Latinoamérica, aunque cuente con la consideración de la crítica internacional. Asimismo, se presentará parte de la obra escrita, inédita en español, de este reconocido cineasta con la edición del libro Teoría del montaje a distancia, primera publicación de la colección Cuadernos FICUNAM. Como la escuela de cine de la UNAM, la más antigua de América Latina, el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos se enorgullece de abrir un punto de encuentro a las escuelas de cine que comparten un mismo objetivo: la formación de profesionales del audiovisual con una visión crítica y compromiso social.

In its First Edition, the Meeting focuses on Latin America and the Iberian Peninsula through the selection of 12 schools from the most representative countries of the region: Brazil, Chile, Colombia, Cuba, Spain, Venezuela, and of course, Mexico. The Festival will give an award to the best film through a jury made up by renowned personalities from diverse disciplines within the national and international film circles. Each year, the Meeting will invite a film school —recognized by its trajectory— to offer a special retrospective. In its First Edition, the invited school will be the International Film & TV School (EICTV) of San Antonio de los Baños, Cuba, which will celebrate its 25th anniversary in 2011. Students and school representatives will participate in two days of reunion and exchange where the selected films will be shown. Armenian director Artavazd Peleshyan —whose work is not widely known in Latin America, though it has been highly appraised by international critics— will give a master class for those participating at the Meeting. Also, part of the work written by this renowned filmmaker —never before published in Spanish— will be presented in the book Teoría del montaje a distancia, first publication of the collection Cuadernos FICUNAM. The University Centre of Cinematographic Studies, the film school of UNAM and the oldest in Latin America, is proud to open a place for the meeting of film schools with a same goal: to form audiovisual professionals with a critical view and social commitment. Armando Casas

Armando Casas 184

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EL AÑO DEL CERDO | THE YEAR OF THE PIG

LA CHIROLA | THE SLAMMER

Homenaje a la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños

El año del cerdo cuenta la historia colectiva de un solar del pintoresco Barrio Chino de La Habana, donde conviven una joven obsesionada con coleccionar manuales, una ex cantante de ópera cantonesa y un luchador de Wu-Shu. Todos se ven conectados por el repartidor del restaurante chino de la primera planta, Chang Rodríguez. The Year of the Pig shows a collective story at a colorful yard in Habana’s Chinese Town, where a young woman obsessed with her handbook collection coexists with an ex-singer for the Cantonese Opera and a Wu-Shu fighter. They all connect through Chang Rodríguez, the delivery boy for the Chinese restaurant on the first floor of the building. Claudia Calderón | Puerto Rico, 1981 Estudió la licenciatura en la Escuela de Comunicación de la Universidad de Puerto Rico. Con su cortometraje El año del cerdo se graduó de la Escuela Internacional de Cine y Televisión en San Antonio de los Baños. Ha trabajado como productora, asistente de realización, fotógrafa, editora en varios cortos. She studied her Bachelor in Communication at the University of Puerto Rico. Her short film The Year of the Pig was her graduating piece for the International Film & TV School of San Antonio de los Baños, Cuba. She has worked in several short films as producer, direction assistant, cinematographer, and editor. Festivales y premios Festival de Viña del Mar, 2007 Mejor Cortometraje Festival Internacional de Cine de San Sebastián, 2008 Mención Especial del Encuentro de Escuelas de Cine

186 ACIERTOS: ENCUENTRO INTERNACIONAL DE ESCUELAS DE CINE

Cuba Puerto Rico 2007

Cuba Bolivia 2008

10’ 35mm color

26’ minidv byn

Dirección Claudia Calderón Producción Encarnación Martínez Guión Claudia Calderón, Leopoldo Joe Nakata, Fernando de Peña Fotografía Leonardo Cubillos Edición Leopoldo Joe Nakata Sonido Gustavo Fioravante Ramos Reparto José Antonio Rodríguez, Antulio Marín, Annia Bu, Caridad Amarán Filmografía selecta El año del cerdo • 2007, Maletas • 2007, El susto • 2003, Aprietos • 2002

El ex guerrillero boliviano Pedro Cajías de la Vega hace un recuento de sus experiencias vividas en la chirola (cárcel) en este retrato documental basado en un largo monólogo del protagonista, que alterna comentarios a cámara, reconstrucción de ciertas situaciones y una profunda confesión acerca de heridas que aún no han cicatrizado. La película muestra una destacada reflexión en torno al valor de la libertad y la condición humana. Former guerrilla fighter Pedro Cajías de la Vega remembers the ex periences he lived while in “chirola” (jail). This is a documentary portrait based on a long monologue by the protagonist, intercalating on-camera commentaries with the reconstruction of some situations and a deep confession on wounds not yet healed. The film shows an important reflection on the value of freedom and the human condition. Diego Antonio Mondaca Gutiérrez | Bolivia, 1980 Realizó sus primeros trabajos con la Fundación Grupo UKAMAU junto con el prestigioso cineasta boliviano Jorge Sanjinés. Prosiguió sus estudios en la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de Los Baños, Cuba, obteniendo la especialización en cine documental. Es corresponsal de la revista Rebelión.

Dirección, guión y producción Diego Antonio Mondaca Gutiérrez Fotografía Andrés Boero Edición Aldo Álvarez Morales Sonido Rubén Valdés Música Canela Palacios Reparto Pedro Cajías de la Vega Filmografía Fuera de lugar • 2010, La chirola • 2008, En el corazón de La Habana • 2007, Sierra de aire • 2007, Cuenta y tantos • 2006, Mateamos et cogemus • 2006

After doing his early work in the Fundacion Grupo UKAMAU, together with renowned Bolivian filmmaker Jorge Sanjinés, he studied at the International Film & TV School of San Antonio de los Baños, Cuba, where he specialized in documentary films. He is a correspondent for the magazine Rebelión. Festivales y premios Festival de Cine Pobre de Gibara en Cuba, 2009 Mejor Documental Latinoamericano Festival de Cine Documental Documenta de Madrid, 2009 Mejor Cortometraje Documental Premio del Público Festival Internacional de Cine de Mar del Plata, 2009 Mejor Cortometraje Latinoamericano ACIERTOS: ENCUENTRO INTERNACIONAL DE ESCUELAS DE CINE 187

CUERPO DE MUJER | BODY OF A WOMAN

FILIBERTO

Homenaje a la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños

La historia trata de una relación de amor y deseo entre dos mujeres que habitan un espacio de contención, silencios y voces interiores. Entre ellas establecen un flujo oscuro de miedos y deseos que nunca logran satisfacer totalmente. This story deals with the love-and-desire relation between two women who inhabit a space of contention, silence, and inner voices. A flow of fears and desire is established between them, without ever being completely satisfied. Clara Albinati | Brasil, 1983 Se graduó en pintura por la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Federal de Minas Gerais. En 2007 ingresó a la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños en Cuba donde estudió dirección de cine. Graduate from the painting faculty of the School of Fine Arts of the Federal University of Minas Gerais, in 2007 she enrolled at the International Film & TV School of San Antonio de los Baños, Cuba, where she studied film direction.

188 ACIERTOS: ENCUENTRO INTERNACIONAL DE ESCUELAS DE CINE

Cuba Brasil 2010

Cuba México 2008

10’ dvcam color

11’ 35mm color

Dirección y guión Clara Albinati Producción Nandaime Rodríguez Ruiz Fotografía Román Lechapelier Edición Sergio Luís Caraballo Malave Sonido Sergio Fernández Borras Reparto Nuri Duart, Mariela Brito Filmografía Cuerpo de mujer • 2010, La pasión según • 2008

Filiberto está a punto de cumplir 50 años, ha llevado una vida monótona y sin sentido resignado a trabajar como vigilante de un cine abandonado. Un día entra en un bar que lo hace reflexionar sobre el rumbo de su existencia y pensar que realmente existe la posibilidad de cambiar su vida por sus propios medios. About to turn 50, Filiberto has lived a monotonous, meaningless life and is resigned to work as a security guard at an abandoned cinema. One day, he walks into a bar and begins to think on the course of his existence, thinking it might actually be a way to change his life through his own means. Julia Amanda García Saldaña | Suecia, 1981-2009 Nació en Uppsala, Suecia, de padre boliviano y madre mexicana. Falleció en 2009 en un accidente. Estudió comunicación audiovisual en Bolivia, luego realizó dos años de cine en México DF. Terminó su carrera en la especialidad de dirección de cine en la Escuela Internacional de Cine y Televisión (EICTV) de San Antonio de los Baños, Cuba.

Dirección y guión Julia Amanda García Saldaña Producción Ángela Rubiano Fotografía Javier Hernández Edición Mariana Barioni Sonido José Tuñón

Filmografía Filiberto • 2008, Una vez Julia • 2007, Las cosas • 2006, Esperanza • 2004, Afrodita • 2000, El morador de sueños • 1999

Born in Uppsala, Sweden, from a Bolivian father and a Mexican mother, she died in an accident in 2009. After studying Audiovisual Communication in Bolivia, she studied Cinema in Mexico City for two years. She finished her major specializing in Film Direction at the International Film & TV School of San Antonio de los Baños, Cuba.

ACIERTOS: ENCUENTRO INTERNACIONAL DE ESCUELAS DE CINE 189

THE ILLUSION | LA ILUSIÓN

LA MAREA | THE TIDE

Homenaje a la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños

Susana lleva 26 años imaginando a su papá, es entonces que viaja a Londres para verlo, un exiliado que dejó Cuba cuando ella era muy chica y que no ha tenido con ella más que un aislado contacto epistolar. Susana llega a la casa de su padre y, sin que éste lo advierta, enciende la cámara. Lo que sigue es absolutamente devastador. El hombre es un paranoico que llega a pedirle el pasaporte y sospecha que su hija sea un agente del gobierno cubano. For 26 years, Susana has lived imagining her father. She decides to travel to London to meet him, a man living in exile who left Cuba when she was very young and with whom she has kept a sporadic relation through letters. Susana gets to his father’s house and turns on her camera without his knowledge. What comes after is absolutely devastating —the man is a paranoid who even asks to check her passport, suspicious of her daughter being an agent for the Cuban government. Susana Barriga Rodríguez | Cuba, 1981 Ha trabajado como periodista en la radio y la televisión cubanas, y en 2008 completó su formación como directora en la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños. Se graduó con la película La ilusión. She has worked for Cuban radio and television. In 2008 she finished her film-direction studies at the International Film & TV School of San Antonio de los Baños, Cuba. The Illusion was her graduating film.

Cuba 2008

Cuba 2009

24’ hdv color

26’ video color

Dirección y guión Susana Barriga Rodríguez Producción Lloyd Peters, André Leao, Susana Barriga, Caterina Da Via, Dave Rigby Fotografía Susana Barriga Rodríguez, Fabio Meira Edición Susana Barriga Rodríguez, Fabio Meira Sonido Nicolás Tsabertidis, Angie Hernandez, Eduardo Cáceres, Ruben Valdes Reparto Susana Barriga Rodríguez Filmografía The Illusion • 2008, La tierra gira • 2007, Patria • 2007, Cómo construir un barco • 2006, Padres • 2005, La ventana • 2005

Un hombre rechazado por la sociedad vive en un viejo barco abandonado anclado en un lugar olvidado de la bahía de Santiago de Cuba. Un día recibe un misterioso llamado que le provoca la necesidad de relacionarse con otros. A man, rejected by society, lives in an old wreck anchored somewhere in the bay of Santiago de Cuba. One day, he receives a mysterious call that makes him eager to get in touch with other people again. Armando Capó Ramos | Cuba, 1979) Graduado en la Escuela Profesional de Artes Plásticas de Holguín en 1998. Prosiguió sus estudios en la Facultad de Medios Audiovisuales en el ISA donde cursó la especialidad de dirección de radio, cine y televisión. Terminó sus estudios en la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños en el 2009. After graduating from the Professional School of Plastic Arts in Holguín, in 1998, he continued his studies at the Faculty of Audiovisual Media at the ISA, where he studied Radio, Film & TV direction. In 2009 he completed his studies at the International Film & TV School of San Antonio de los Baños, Cuba.

Dirección y guión Armando Capó Ramos Producción Alberto Valhondo Herrera Fotografía Germán R. Peters Sánchez Edición Ilka Miriam Valdés Carrillo Sonido Nicolas Tsabertidis Filmografía selecta La ausencia • 2010, La marea • 2009, La Revolución es un automóvil que avanza siempre • 2009, Entre la Luz y la Fe • 2008, Revelación • 2008, La inercia, todos los pantógrafos van al cielo • 2008

Festivales y premios Festival de Nuevo Cine Lationamericano de La Habana, 2009 Mención Especial del Jurado Documental

Festivales y premios Festival de Berlín, 2009 Premio DAAD de Cortometrajes Festival Internacional de Cine de Chicago, 2009 Mejor Cortometraje Festival Internacional del Nuevo Cine Lationamericano de La Habana, 2008 Premio Caracol Mención Especial del Jurado 190 ACIERTOS: ENCUENTRO INTERNACIONAL DE ESCUELAS DE CINE

ACIERTOS: ENCUENTRO INTERNACIONAL DE ESCUELAS DE CINE 191

MANIOBRA | MANEUVER

LOS MINUTOS, LAS HORAS | THE MINUTES, THE HOURS

Homenaje a la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños

Torres, un novato y solitario soldado, teme enfrentarse a la maniobra de esa noche. Un cínico teniente se aprovecha de la situación y lo manda a acompañar en un viaje urgente al sargento Cairo, joven y simpático chofer del jeep de la Unidad. En el recorrido, Torres irá haciendo confianza con Cairo, pero también, descubrirá que el teniente tendió una trampa para ambos y que para esa noche le espera algo mucho peor que la maniobra temida. Torres, a young and lonely soldier, is afraid of the maneuver they have to do that night. A cynical Lieutenant takes advantage of the situation and tells him to go with Sgt. Cairo —the young and likable driver of the unit’s jeep—in an urgent trip. During their journey, Torres develops trust in Cairo, but he also discovers the Lieutenant set them both in a trap and that night they will face something much worst than the feared maneuver. Ricardo Fontana | Uruguay Egresado con la especialidad en dirección de ficción de la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños, Cuba. Es cofundador de la productora audiovisual Tucutucu Producciones en Red. Su cortometraje De pie (2009) fue premiado en la 9ª Muestra de Jóvenes Realizadores de Cuba en la categoría La Mirada del Otro. Actualmente trabaja realizando documentales. Graduate from the International Film & TV School of San Antonio de los Baños, Cuba, he is one of the cofounders of the audiovisual production company Tucutucu Producciones en Red. His short film De pie (2009) was awarded at the 9th Young Directors Festival in Cuba, within the category La Mirada del Otro. He currently directs documentaries.

192 ACIERTOS: ENCUENTRO INTERNACIONAL DE ESCUELAS DE CINE

Cuba Uruguay 2010

Cuba México 2008

11’ 35mm color

Dirección Ricardo Fontana Guión Ricardo Fontana, Abel Arcos Producción Claudia Oliveira Fotografía José Manuel Alguacil Edición José Román Música Barbarito Diez, Ciro Díaz Sonido Olivia Hernández Fernández Reparto Noslen Sánchez, Alejandro Cuervo, Luis Javiar, Rosalí Ribera, Marbiel Góngora, Fidel Rodríguez, Milagros Llanes, Arnaldo Álvarez , Roberto Naranjo, Amaury

Yoli siempre ha vivido con su madre en un barrio humilde de La Habana. Un día, un hombre la invita a salir y ella decide esperarlo, rechazando por primera vez la compañía de su madre. Yoli has always lived with her mother in a humble neighborhood of Havana. One day, a man invites her out and she decides to wait for him rejecting, for the first time, her mother’s company. Janaína Marques Ribeiro | Brasil, 1978 Es licenciada en periodismo por la Universidad Federal de Ceará. Trabajó escribiendo reportajes y artículos de cine, teatro, música y televisión. En 2006, ingresó en la Escuela Internacional de Cine y Televisión en Cuba. Los minutos, las horas se estrenó en Cannes y fue premiado en San Sebastián, Biarritz y Munich. With a major in Journalism from the Federal University at Ceará, she worked writing notes and articles on cinema, theater, music and TV. In 2006, she enrolled at the International Film & TV School in Cuba. The Minutes, the Hours was premiered at Cannes and received awards at San Sebastian, Biarritz and Munich.

Dirección Janaína Marques Ribeiro Producción Johanne Gómez Terrero Guión Janaína Marques Ribeiro, Pablo Arellano Tintó Fotografía Julio César Costantini Junior Edición Ariel Escalante Meza Sonido Raynier Hinojosa Reparto Laura de la Uz, Xiomara Palacio Filmografía Tambores de Corpos • 2001, Isla • 2007, Ecce Homo • 2008, Algo como volver • 2008, Los minutos, las horas • 2009

Filmografía Maniobra • 2010, De pie • 2009

ACIERTOS: ENCUENTRO INTERNACIONAL DE ESCUELAS DE CINE 193

ANDREA

A GUERRA DE ARTURO | LA GUERRA DE ARTURO | ARTURO’S WAR

Centro Universitario de Estudios Cinematográficos

Universidad de São Paulo

Andrea se despide de su infancia y antes de que su vida pueda cambiar, decide subirse a un último juego. Andrea says farewell to her childhood and just when her life is about to change, she decides to get into a last amusement-park attraction. Alicia Segovia Juárez | México Estudió ciencias de la comunicación en León, Guanajuato. Actualmente estudia en el CUEC (Centro Universitario de Estudios Cinematográficos). Born in Leon, Guanajuato, she studied Communication Science in that city. She is currently studying at the University Centre of Cinematographic Studies (CUEC).

México 2010

Brasil 2009

9’ 16mm color

19’ 16mm color

Dirección, guión y edición Alicia Segovia Juárez Producción Alejandro Murillo Fotografía Raúl Zendejas Sonido Alfonso Mendoza Reparto Danae Reynaud, Clarissa Malheiros Filmografía Andrea • 2010, Solitud • 2009

Arturo es un insignificante redactor de un gran diario. Sin embargo, su rutina se verá rota cuando, por un error de tecleo, provoca accidentalmente una guerra entre Brasil y Argentina. Ahora, sólo le resta tratar de enmendar su error y salvar al mundo. Arturo is an insignificant editor working at a big journal. However, his daily routine is shattered by a typo which accidentally provokes a war between Brazil and Argentina. Now, the only thing he can do is to mend his mistake and save the world. Pedro Arantes | Brasil Estudió cursos de audiovisual en la la Universidad de São Paulo. Se ha desempeñado como productor y director de cine en su productora Massa Real Filmes. He took audiovisual courses at the Sao Paolo University and has worked as a producer and director for his producing company, Massa Real Films. Júlio Taubkin | Brasil Estudió cursos de audiovisual en la la Universidad de São Paulo. Colaboró como asistente de cámara, producción y dirección de varios documentales para Paleo TV. Actualmente es director de fotografía de Massa Real Filmes. He took audiovisual courses at the Sao Paolo University and collaborated as Camera Assistant, Producer and Director of several documentaries for Paleo TV. He is currently the Cinematography Director of Massa Real Films.

Dirección Pedro Arantes, Júlio Taubkin Guión Cássio Koshikumo Producción Gustavo Chiapetta, Issis Velenzuela Fotografía Jorge Maia Edición Antônio Linhares, Vinícius Martins Sonido Gustavo Nascimento Música Carlos Bauzys Reparto André Frateschi, Renato Consorte, Eduardo Semerjian, Maíra Chasseraux Filmografía en conjunto A Guerra de Arturo • 2009

Festivales y premios Festival Internacional de Cine de Curtas de Sâo Paulo, 2010 Premio del Público Festival Internacional de Cine Latinoamericano de Huelva, 2010 Mención de Honor 194 ACIERTOS: ENCUENTRO INTERNACIONAL DE ESCUELAS DE CINE

ACIERTOS: ENCUENTRO INTERNACIONAL DE ESCUELAS DE CINE 195

BAJO EL MISMO TECHO | UNDER THE SAME ROOF

EL CUBO | THE CUBE

Escuela Internacional de San Antonio de los Baños

Escuela de Cine y Televisión

Un músico callejero con retardo y una madre refugiada en la religión. La convivencia distante con la vieja que los vio crecer y los crió. Todos obligados por la necesidad de vivir bajo un mismo techo. Los componentes de esta familia reclaman a gritos el afecto que por derecho les debería tocar. A mentally-challenged street musician and a mother who takes refuge in religion. The distant relation with the old woman who raised them and saw them grow. The necessity that forces them to live under the same roof. The members of this family furiously demand the affection which should be their right. Talia García Aach | México, 1981 Inició sus estudios de realización en el VGIK, en Moscú. En la actualidad continúa su especialización en la Escuela Internacional de Cine y Televisión, en San Antonio de los Baños, Cuba. Dentro de las dos escuelas ha tenido una vasta experiencia en la realización de cortometrajes de ficción, puesta en escena y, paralelamente a la formación académica, ha desarrollado algunos videos experimentales y videos clips.

Cuba 2009

Venezuela 2010

13’ dvcam color

5’ digibeta color

Dirección Talia García Aach Producción Roberto J. Sorokatin Guión Miguel Ángel Moulet Fotografía Lianed Marcoleta Edición Boris Villalaz Sonido Alexander Gutiérrez Filmografía La soledad del hormiguero • 2010, Bajo el mismo techo • 2009, Primer aliento • 2008, Ensayo sobre Raskolnikov • 2006, Pitia y Ana • 2005

El cubo representa la problemática social mundial que se vive actualmente. La violencia, las guerras, la desigualdad social, la injusticia y la desesperación. Estos males son una carga que lleva la humanidad y debe ser liberada antes de que sea demasiado tarde. The cube is a representation of today’s social problems —violence, war, social inequalities, injustice and despair; a burden over the shoulders of humanity, which must free from these evils before it’s too late. Luis Carlos Jaimes Sánchez | Venezuela

Dirección Luis Carlos Jaimes Sánchez Producción Roxibell Sánchez Fotografía Freddy Díaz, Luis Sánchez Edición Luis Miguel Reyna Reparto Fabián José Franco Falcón, Neohmar Duarte Filmografía El cubo • 2010

She began studying filmmaking at the VGIK, in Moscow. She is currently finishing her specialization at the International Film & TV School of San Antonio de los Baños, Cuba. At both these schools she has acquired a vast experience in the realization and production of fiction short films. Besides her academic formation, she has participated in some video clips and experimental videos.

196 ACIERTOS: ENCUENTRO INTERNACIONAL DE ESCUELAS DE CINE

ACIERTOS: ENCUENTRO INTERNACIONAL DE ESCUELAS DE CINE 197

DESIERTO | DESERT

FORMOL | FORMALDEHYDE

Centro de Capacitación Cinematográfica

Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid

Un novio busca a su novia en un desierto mágico. En ese lugar descubrirá que el camino recto no siempre es el más corto. Basado en un cuento de Michael Ende, esta magnífica historia es una combinación de stop motion y animación por computadora. A groom is searching for his bride amidst a magical desert, where he will learn that the shortest road is not always the fastest. Based in a short story by Michael Ende, this amazing story combines stop-motion and computer-based animation. Christian Rivera | México Estudió en el Centro de Capacitación Cinematográfica. Ha participado en series de televisión, cortometrajes, comerciales, videoclips, animaciones y filmes de ficción y documental. También ha trabajado como director de fotografía en España y Holanda. He studied at the Centro de Capacitación Cinematográfica and has participated in TV, short films, commercials, video clips, animations, as well as fiction and documentary films. He has also worked as a cinematography director in Spain and Holland.

México 2010

España 2010

12’ 35mm color

15’ 35mm color

Dirección, guión, producción y fotografía Christian Rivera Edición Francisco X. Rivera Filmografía Desierto • 2010, Gitta Marie Sten • 2007, El encuentro • 2005, El rito • 2003

En un pueblo abandonado, aparentemente desierto, pasado, presente y futuro se confunden y las huellas de cientos de vidas permanecen conservadas en el formol del tiempo. In a ghost village, apparently deserted, past, present and future blend and the traces of hundreds of lives remain preserved in the formaldehyde of time. Noelia Rodríguez Deza | España, 1983 Licenciada en comunicación audiovisual por la Universidad Complutense de Madrid y diplomada por la ECAM en la especialidad de montaje, Noelia estudió realización de documentales en la EICTV de Cuba. Dirigió dos cortometrajes de ficción, Desde tu armario y Mi cama, tu cama, y varias piezas de videoarte y series fotográficas. Formol es su tercer documental tras 7 paraguas y Flores de tango.

Dirección, guión y edición Noelia Rodríguez Deza Producción Noelia Rodríguez Deza, Alberto Martín Sanchidrián Fotografía Alberto Martín Sanchidrián Edición Noelia Rodríguez Deza Sonido Marcos Sánchez Vaquerizas Filmografía Formol • 2010

With a Bachelor’s degree from the Audiovisual Communications Faculty of the Complutense University of Madrid and a degree from the ECAM in the specialty of Editing, Noelia also studied Documentary Filmmaking at the EICTV of Cuba. She has directed two fiction short films, Desde tu armario and Mi cama, tu cama, and carried out several video-art works and photographic series. Formol is her third documentary, after 7 paraguas and Flores de Tango. Festivales y premios Palmarés Documenta Madrid, 2010 Premio del Público Festival Internacional de Cine de Estudiantes de Pune de la India, 2010 Mejor Cortometraje Premios Goya, 2011 Nominada a Mejor Cortometraje

198 ACIERTOS: ENCUENTRO INTERNACIONAL DE ESCUELAS DE CINE

ACIERTOS: ENCUENTRO INTERNACIONAL DE ESCUELAS DE CINE 199

JIPI KOGUI | HIPPY KOGUI

EL LADRÓN DE VIOLINES | THE VIOLIN THIEF

Universidad de Magdalena

Universidad Autónoma de Ciudad Juárez

A comienzos de la década de los setenta, en pleno boom de la cultura hippie en Colombia, Hernán y Jairo decidieron abandonar sus familias en Bogotá y Cali para irse en busca de la paz espiritual y a vivir como los indígenas kogui en la Sierra Nevada de Santa Marta para mantener viva su herencia espiritual. Luego, aparecieron más hippies, incluso de otras nacionalidades, y esa mezcla de culturas hizo que comenzaran a llamarlos ‘jipi kogui’. In the early 70’s, during the boom of hippy culture in Colombia, Hernán and Jairo left their families in the cities of Bogota and Cali to search for spiritual peace and live as the Kogui Indians in the Sierra Nevada, of the Santa Marta province, keeping their spiritual heritage alive. After some time more hippies —foreigners even— arrived and their blending of cultures made them known as the ‘Hippy Kogui.’ Sorany Marín Trejos | Colombia Es estudiante de grado con habilidades y conocimientos en arte y nuevas tecnologías, en dirección, montaje y documental. Recibió una beca de creación del Ministerio de Cultura para desarrollar su documental Jipi Kogui. A student with knowledge of art and new technologies, directing, production, and documentary filmmaking, she received a creative scholarship from the Minister of Culture for the development of her documentary Jipi Kogui.

Colombia 2009

México 2009

41’ hdv color

23’ 35mm color

Dirección Sorany Marín Trejos Producción Laura Morales, Fernando Tobón, Laura Marín Fotografía Juan David Alfaro, Edgar Deluque Edición Sorany Marín, Juan Alfaro Sonido Darwin Navarro Filmografía Jipi Kogui • 2009, Memorias del parque • 2008, Entre el cielo y la noche • 2007

Erasmo Palma es el primer hombre que puso letra a la música que por cientos de años ha acompañado a los Rarámuri en Chihuahua. Palma siendo parte de esa cultura ágrafa, escribió la cosmovisión de este pueblo indígena. El documental es la historia de cómo el equipo de filmación llegó a lo más alto de la sierra Tarahumara para encontrarse con Erasmo. Erasmo Palma is the first man to ever put lyrics to the music which has been present in Chihuahua, among the Rarámuri Indians, for hundreds of years. Being part of this culture without a writing system, he put down in words the world vision of this indigenous group. The documentary shows us the story of the filming crew on their way to the high of the Tarahumara Mountains to meet Erasmo. Ángel Estrada Soto | México Ángel Estrada Soto ha ganado varios premios y reconocimientos en México y en el extranjero. Su obra más reciente es Escenarios de guerra, una batalla constante entre el arte, la vida y este mundo hostil.

Dirección, guión, fotografía y edición Ángel Estrada Soto Producción Gustavo Palacio, Samantha Castillo, Ángel Estrada Soto Sonido Arturo Gutiérrez, Alberto Casiel Estrada Música Erasmo Palma Fernández Reparto Erasmo Palma Filmografía El ladrón de violines • 2009, Mago… el misterio de la vida • 2008

Angel Estrada Soto has received several awards and recognitions in Mexico and abroad. His most recent film, Escenarios de guerra, shows the constant struggle between art, life, and the hostile world we live in.

Festivales y premios Festival Intravenosa, Universidad Autónoma de Occidente, 2010 Mejor Documental

200 ACIERTOS: ENCUENTRO INTERNACIONAL DE ESCUELAS DE CINE

ACIERTOS: ENCUENTRO INTERNACIONAL DE ESCUELAS DE CINE 201

MIÉRCOLES 8/MARTES 7 | WEDNESDAY THE 8TH/TUESDAY THE 7TH

PABLO Escola Superior de Cinema i Audiovisuals de Catalunya

Instituto de la Comunicación e Imagen de la Universidad de Chile

Ana de 45 años debe impedir que la despidan de la imprenta en la que trabaja hace 20 años. Úrsula, su hija adolescente, vaga por Santiago junto a Bascuñán, huyendo de Alejandra. En medio del clima político presidencial, un candidato visita la imprenta prometiendo trabajo, mientras una marcha en el centro de Santiago protesta por los despidos. Madre e hija tratarán de encontrarse después de sobreponerse a dos días complicados de la semana. 45-year-old Ana has to avoid her being fired from the printing press she has worked at for the last 20 years. Running away from Alejandra, Ana’s teenage daughter, Ursula, roams all over Santiago together with Bascuñán. In the middle of the political campaign, a presidential candidate visits the printing press offering work, while in downtown Santiago there is a demonstration protesting the lay offs. Mother and daughter will try to find each other after passing through two complicate week days. Edison Cájas González | Chile, 1982 Licenciado en filosofía. En 2006 ingresa a la carrera de Cine y Televisión en la Universidad de Chile. Su documental El observador fue seleccionado en la 2da. Muestra de Escuelas de Cine de la Pontificia Universidad Católica de Chile. En 2008 organizó el Primer Festival de Cine Nuevo de la Universidad de Chile participando como director artístico. With a bachelor’s degree in Philosophy, he enrolled to study Film & TV at the University of Chile. His documentary film El observador was selected to participate in the 2nd Film Schools Presentation organized by the Pontifical Catholic University of Chile. In 2008, he organized the First Festival CineNuevo of the University of Chile, of which he was the artistic director. Festivales y premios Festival de Cine Latinoamericano Rencontres de Marsella, 2010 Mejor Cortometraje Festival Internacional de Cortometrajes de Santiago, 2010 Segundo Lugar, Mejor Guión, Mejor Actriz 202 ACIERTOS: ENCUENTRO INTERNACIONAL DE ESCUELAS DE CINE

Chile 2009

España 2009

26’ hdv color

13’ 35mm color

Dirección Edison Cájas Guión Edison Cájas, Carlos Molina Producción Nicolás Velma, José Urrutia Fotografía Boris López Edición Kristina Gómez Sonido Karla Díaz Reparto Paulina García, Melanie Roa, Daniela Reyes, Rosario Farías, Aníbal Labra, Flavia Ramírez, Josefina Guevara, Otilio Castro, Jean Rubilar Filmografía Miércoles 8/Martes 7 • 2009, El vigilante • 2008

Una padre acude, junto a su hija, a visitar a su hijo a la prisión. Por los pequeños detalles que desgrana la historia se puede intuir que la relación padre-hijo guarda algún secreto que la hace especialmente conflictiva. A father goes —together with his daughter— to visit his son in jail. Through little details offered throughout the story, it is hinted that the relation between father and son keeps a secret which makes it particularly conflictive. Nely Reguera | España, 1978 Graduada en la Escuela Superior de Cine y Audiovisuales de Cataluña (ESCAC) en la especialidad de dirección. Posteriormente empieza a trabajar en el equipo de dirección en publicidad y largometrajes, trabajo que combina con sus propios proyectos como directora y guionista de documental. After graduating from the Catalonia Superior School of Film & Audiovisual (ESCAC) in the specialty of direction, she began working in the direction team for publicity and feature films. She combines this work with her personal projects as a director and scriptwriter for documentary films.

Dirección y guión Nely Reguera Producción Aritz Cirbián Fotografía Aitor Echeverría Edición Francesc Sitges-Sardá Sonido Agost Alustiza Reparto José Ángel Egido, Pablo Derqui, Carla Pérez, Maria Teresa Urroz Filmografía Pablo • 2009, Muxía a ferid • 2005, Ausencias • 2002

Festivales y premios Concurso Iberoamericano de Cortometrajes Versión Española SGAE, 2010 Primer Premio Mejor Guión Premio Mejor Interpretación Masculina, Pablo Derqui Festival Internacional de Curtametraxes Bueu, 2010 Primer Premio Festival Internacional de Cine de Huesca, 2010 Mención Especial Festival de Cine de Alfàs del Pi, 2010 Primer Premio ACIERTOS: ENCUENTRO INTERNACIONAL DE ESCUELAS DE CINE 203

SREDNI VASHTAR

WALKING SHADOW

Universidad de Guadalajara

Centro de Estudios Ciudad de la Luz

Un niño huérfano es maltratado por su institutriz. Él buscara venganza con ayuda de un hurón disecado. An orphan little boy is mistreated by his governess and he takes revenge with the help of a stuffed ferret. Ana de Loera | México, 1988 Es estudiante de la licenciatura en artes audiovisuales en la Universidad de Guadalajara. Actualmente prepara su cortometraje de tesis titulado Vacaciones. Undergraduate student in Media Arts at the University of Guadalajara, she is currently preparing her thesis, a short film entitled Vacation.

México 2010

España 2010

12’ digibeta color

9’ 35mm color

Dirección y guión Ana de Loera Producción Aldonza Contreras Fotografía Octavio Arauz Edición Samuel Kishi Música Kenji Kishi Sonido Odín Acosta, César Zayas Reparto Emiliano Araúz, Guadalupe Ortiz Filmografía Sredni Vashtar • 2010

Las cartas del Tarot le dijeron a la chica Queen que su novio estaba destinado a la grandeza y él, sicario de la mafia de Edimburgo, no dudará en bañar la ciudad de sangre para conseguirlo. Pero una oscura premonición flota en el ambiente. Quizás las cartas no eran del todo claras acerca de su destino. Tarot cards tell Queen that her boyfriend is meant to great deeds and he, a hit man for Edinburgh Mob, will not hesitate to bath the town in blood to fulfill his fate. But a dark premonition floats in the air. Maybe the cards were not totally clear on the meaning of their prediction. Alejandro Cabrera | España Se licenció en Bellas Artes en la Universidad de Sevilla y completó sus estudios en artes visuales en la Norwich University College of the Arts. Antes de especializarse en dirección cinematográfica, realizó sus primeros cortometrajes utilizando la técnica de stopmotion y la animación de fotografías. Después ingresó en el Centro de Estudios Ciudad de la Luz, donde completó su formación. He graduated in Fine Arts at Sevilla’s University and completed his studies in Visual Arts at the Norwich University College of the Arts. Before specializing in film direction, he made his first short films using the stop-motion and photographic animation techniques. Then he enrolled at the Centro de Estudios Ciudad de la Luz to complete his formation.

204 ACIERTOS: ENCUENTRO INTERNACIONAL DE ESCUELAS DE CINE

Dirección y guión Alejandro Cabrera Fotografía Victor Sánchez Edición José M. Rocha, Martín J. Martínez Sonido José M. Rocha, Daniel Escolano, Nacho Pardo Música original Francisco J. Cabrera Reparto Tato Amador, Sara Barba, Fran Peris Filmografía Walking Shadow • 2010, Calipso • 2010, EVA 6.0 • 2010, Tres trozos • 2009, Psycho!! • 2009, Mivialáctea • 2008, Stitches • 2008

ACIERTOS: ENCUENTRO INTERNACIONAL DE ESCUELAS DE CINE 205

PRESENTACIONES ESPECIALES SPECIAL PRESENTATIONS

L’ILLUSIONNISTE | EL ILUSIONISTA | THE ILLUSIONIST

Francia 2010 80’ 35mm color

Los ilusionistas son una especie en extinción. Las estrellas emergentes de rock les han robado su esplendor. Tal es la situación del mago Tatischeff que se ha visto forzado a aceptar modestas participaciones en teatros de medio pelo, fiestas al aire libre, bares y cafés. Sin embargo, mientras actúa en un pub en la costa oeste de Escocia, el mago se encuentra con Alice, una inocente niña que cambiará su vida para siempre. Adaptación de un guión de Jacques Tati, esta magnífica animación es una historia de afecto, bondad y amistad. Illusionists are an endangered species since emerging rock stars stole their grandeur. Such is the situation of Tatischeff, a magician who has been forced to accept modest participations in decadent venues, openair parties, bars and cafes. However, as he performs at a pub in WestCoast Scotland, the magician finds Alice, an innocent girl who will forever change his life. An adaptation from a script written by Jacques Tati, this magnificent animation is a story of affection, kindness and friendship. Sylvain Chomet | Francia, 1963 Estudió en la Escuela Europea de Artes Visuales de Angulema. Se inicia en la animación en el estudio de Richard Purdum, en Londres y después se establece por su cuenta. Su corto La Vielle dame et les pigeons (1998), al igual que su primer largo, Les Triplettes de Belleville (2004) fueron nominados al Oscar®. Alumnus from the European School of Visual Arts in Angoulême. His beginnings in animation were at Richard Purdum’s studio, in London, after which he set up on his own. His short film La Vielle dame et les pigeons (1998) was nominated for an Oscar®, as was his first feature, Les Triplettes de Belleville (2004). Festivales y premios National Board of Review, 2010 Premio Spotlight Premios de Cine Europeo, 2010 Mejor Largometraje Animado

Dirección Sylvain Chomet Guión Sylvain Chomet, adaptación del guión original de Jacques Tati Producción Fiona Hall Dirección de arte Bjarne Hansen Edición Sylvain Chomet, Chris Dickens Sonido Jean Goudier Reparto Elvire, Guy McKnight Animación Laurent Kircher, Thierry Torres Rubio, Nic Debray, Victor Ens, Antonio Mengual Llobet, Charlotte Walton, Sandra Gaudi Voces Jean-Claude Donda, Elidh Rankin, Duncan MacNeil, Raymond Mearns, James T. Muir, Tom Urie, Paul Bandey Filmografía L’Illusionniste • 2010, Les Triplettes de Belleville • 2003

PRESENTACIONES ESPECIALES 209

V TEMNOTE | EN LA OSCURIDAD | IN THE DARK

Acercándose más a los núcleos urbanos de Rusia, Dvortsevoy enfoca su cámara en un anciano ciego quien vive a solas en los suburbios de Moscú. Su única compañía es un inteligente gato blanco que continuamente frustra su trabajo de tejer bolsas de red que después lleva a la calle para obsequiar a los transeúntes. Con mirada implacable y un acercamiento sencillo, In the Dark revela, con humanidad y ternura, el profundo patetismo de la soledad y el aislamiento. Moving closer to the urban centers of Russia, Dvortsevoy turns his camera on an elderly blind man living alone in the suburbs of Moscow. His one companion is a clever white cat who continually frustrates his work netting the string bags that he takes to the street to give away to passers-by. Unrelenting in its gaze and simple in its approach, In the Dark quietly reveals the profound pathos of solitude and isolation with humanity and tenderness.

CHLEBNYY DEN | EL DÍA DEL PAN | BREAD DAY

Rusia 2004

Rusia 1998

41’ 35mm color

55’ 35mm byn

Dirección Sergei Dvortsevoy

Bread Day muestra a una comunidad de jubilados en casi total aislamiento en las afueras de San Petersburgo. Cada semana realizan el ritual de traer y distribuir el pan que se les envía, dejado en un cruce de vías férreas a dos horas de distancia. Dvortsevoy documenta a estas personas mayores luchando por cumplir su ardua tarea y después reunirse en la tienda, donde las porciones son insatisfactorias y las interacciones suben de tono. El director captura la desolación de la pobreza rural y la vejez.

Dirección Sergei Dvortsevoy Filmografía Tulpan • 2008, V temnote | In the Dark• 2004, Highway • 1999, Chlebnyy den | Bread Day • 1998, Paradise • 1996

Bread Day depicts a community of pensioners living in near isolation outside of St. Petersburg as it enacts the weekly ritual of bringing a delivery of bread—left at a rail junction two hours away—into the village for distribution. Dvortsevoy documents the struggle as the elderly residents complete their arduous task and then gather in the store, where portions are unsatisfactory and interactions grow heated. Dvortsevoy captures the bleakness of rural poverty and old age. Sergei Dvortsevoy | Kasajistán,1962 Destacado documentalista, Dvortsevoy se licenció en la Escuela de Aviación de Ucrania y en el Radiotechnical-Instituten Novosibirsk. Como ingeniero de radio de Aeroflot, viajó por todo el país, hasta que vio un anuncio para estudios superiores en dirección y escritura de guiones en Moscú. Pronto, sus películas recibieron premios y reconocimiento en festivales alrededor del mundo. A renowned documentary director, Dvortsevoy studied at the Ukraine Aviation School and the Radiotechnical-Instituten Novosibirsk. As a radio engineer for Aeroflot, he travelled the whole country until he saw and add for studying film direction and scriptwriting in Moscow. His films soon received recognitions and awards throughout the world.

210 PRESENTACIONES ESPECIALES

PRESENTACIONES ESPECIALES 211

CINE AL AIRE LIBRE

OPEN-AIR SCREENINGS

WHEN YOU’RE STRANGE: A FILM ABOUT THE DOORS | WHEN YOU’RE STRANGE: UNA PELÍCULA SOBRE THE DOORS

BENDA BILILI!

Estados Unidos 2009

República Democrática de Congo Francia 2010

86’ 35mm color

Un retrato del cuarteto de rock emblemático de los años ‘60: The Doors. Narrado por Johnny Depp, el documental muestra material fílmico jamás dado a conocer y ofrece una nueva visión del impacto que dejó el legado musical de la banda. La película es un apasionante recuento de la historia del grupo, desde sus inicios en la escuela de cine de UCLA donde Manzarek y Morrison se conocieron hasta sus famosos y trepidantes conciertos de rock, y a partir, de una perspectiva íntima, descubre la faceta creativa de una de las bandas más influyentes de Estados Unidos en el mundo. A portrait of the iconic 1960s rock quartet, The Doors, this documentary —narrated by Johnny Depp— features previously unseen footage, and provides new insight into the impact of the band’s musical legacy. A fascinating view on the origins of this band, from their beginnings at the UCLA Film School, where Manzarek and Morrison met, to their now legendary live concerts, it offers an intimate perspective on the creative aspects of one of the most internationally-acclaimed American rock bands. Tom DiCillo | Estados Unidos, 1963 DiCillo estudió realización en la Universidad de Nueva York. En 1991, escribió y dirigió su primer largometraje, Johnny Suede (1991), que obtuvo el Gran Premio del Festival de Locarno. DiCillo studied filmmaking at the New York University and wrote and directed his first feature in 1991, Johny Suede (1991), which was awarded theGreat Prix at the Locarno Festival. Festivales y premios Festival de Berlín, 2010 Sección Panorama Premios Grammy, 2010 Nominada a Best Long Form Video Premios Emmy, 2010 Nominada a Mejor Serie de No-Ficción 214 CINE AL AIRE LIBRE

Dirección y guión Tom DiCillo Producción Peter Jankowski, John Beug, Jeff Jampol, Dick Wolf Fotografía Paul Ferrara Edición Micky Blythe, Kevin Krasny Música The Doors Reparto Johnny Depp (narrador), John Densmore, Robby Krieger, Ray Manzarek, Jim Morrison Filmografía When You’re Strange: A Film About The Doors • 2009, Delirious • 2006, Double Whammy • 2001, The Real Blonde • 1998, Box of Moonlight • 1996, Living In Oblivion • 1995, Johnny Suede • 1991

85’ 35mm color

Conmovedor documental que narra el asombroso ascenso de Stafff Benda Bilili –una banda musical de niños discapacitados de la calle–, a partir de sus inicios en las ruinosas calles de Kinshasa, en el Congo, hasta su éxito en Europa. Los directores de esta cinta, al escuchar por primera vez al grupo, empezaron a documentar sus actuaciones in situ y posteriormente cubrieron todas sus presentaciones en un vasto tour por Europa. A moving documentary that follows the unbelievable rise of Staff Benda Bilili —a band of disabled street children— from the poverty-stricken streets of Kinshasa, in Congo, to European acclaim. When the directors first heard of the band they began profiling them in situ, to later register all their shows during their European tour. Renaud Barret, Florent de La Tullaye | Francia Barret comenzó su carrera como diseñador gráfico y De La Tullaye como fotógrafo. Ambos decidieron unir fuerzas realizando documentales con un interés específico en las culturas urbanas de las capitales africanas. Simultáneamente, estos cineastas han producido a los músicos que han descubierto para darlos a conocer e impulsarlos con productores africanos. Barret began his career as a graphic designer and De La Tullaye as a photographer. They decided to work together to make documentaries, with a special interest in the urban cultures of African capitals. At the same time, these documentary filmmakers have produced the musicians they met to reveal new talents and to promote them with African producers. Festivales y premios Festival de Cannes, 2010 Quincena de Realizadores

Dirección y guión Renaud Barret, Florent de La Tullaye Producción Yves Chanvillard, Nadim Cheikrouha, Fotografía Florent de La Tullaye Edición Jean-Christophe Hym Sonido Renaud Barret Música Staff Benda Bilili Reparto Staff Benda Bilili: Roger Landu, Coco Ngambali, Djunana Tanga-Suele, Leon Likabu, Cubain Kabeya, Paulin Kiara-Maigi, Montana, Theo Nsituvuidi Filmografía en conjunto Benda Bilili! • 2010, Victoire terminus, Kinshasha • 2008, La Danse de Jupiter • 2007

CINE AL AIRE LIBRE 215

CLAUSURA CLOSING

LA HISTORIA EN LA MIRADA | HISTORY WITHIN A GLANCE

México 2010 78’ 35mm byn

Dirección y producción José Ramón Mikelajáuregui Investigación histórica, identificación de imágenes y guión inicial Carlos Martínez-Assad Tratamiento final y guión visual José Ramón Mikelajáuregui Producción ejecutiva Guadalupe Ferrer Andrade Producción UNAM Fotografía principal Hermanos Alva Edición Hugo Mendoza Cruz, José Ramón Mikelajáuregui Música Eduardo Gamboa Recomposición de cuadro Hugo Mendoza Cruz Archivo de imágenes Filmoteca de la UNAM

218 CLAUSURA

Película documental elaborada con imágenes rescatadas, preservadas y restauradas digitalmente por la Filmoteca de la UNAM, con el apoyo del Instituto Nacional de Antropología e Historia. El filme retrata la etapa previa al estallido de la Revolución Mexicana, desde el final del porfiriato, la efervescencia social y el efímero gobierno de Madero, la presencia de las clases populares con la figura de Villa y Zapata hasta la firma de la Constitución de 1917. Todo esto a través de imágenes en movimiento, registradas durante los acontecimientos, principalmente por los hermanos Alva, cine-fotógrafos del momento, con las cuales se percibe la mirada contradictoria y estremecida de los hombres de la época. A documentary made up with images digitally rescued, preserved and restored by the Central Office of Cinematographic Activities at UNAM (Filmoteca), with the help of the National Institute of Anthropology and History (INAH), it portraits times previous to the outbreak of the Mexican Revolution, the end of Porfirio Diaz’s rule, the social effervescency and the short-lived Madero’s government, the presence of the impoverished classes following Villa and Zapata, up to the signing of the 1917 Constitution. All this is seen through moving images registered at the time of those events mainly by the Alva Brothers —the main cinematographers at the moment— showing the contradictory and shaken glances of the men who lived through those times.

CONTACTO CON DISTRIBUIDORES

Inauguración Meek’s Cutoff Zoe Tobier Cinetic Media 555 West 25th Street / 4th floor New York, NY 10001 Tel: (212) 204-7979 Fax: (212) 204-7980 www.cineticmedia.com Competencia Internacional de Largometraje Aita Montse Pedrós Coordinadora Dpto. Cine EDDIE SAETA SA Pasaje Permanyer 14 08009 Barcelona / Spain Tlf 00.34.934677040 Fx:00.34.934677489 www.eddiesaeta.com

Im alter von Ellen Thania Dimitrakopoulou The Match Factory GmbH Balthasarstrasse 79-81 50670 Cologne Germany Tel.: +49 221 539 70 9 - 51 Fax: +49 221 539 70 9 - 10 www.the-match-factory.com Invernadero Gonzalo Castro entropia.gc@gmail.com

Ang ninanais John Torres johnotros@gmail.com

Last Buffalo Hunt, The Lee Anne Schmitt leeanne@leeanneschmitt.com

Attenberg Thania Dimitrakopoulou The Match Factory GmbH Balthasarstrasse 79-81 50670 Cologne Germany Tel.: +49 221 539 70 9 - 51 Fax: +49 221 539 70 9 - 10 www.the-match-factory.com

lisière, La Thania Dimitrakopoulou The Match Factory GmbH Balthasarstrasse 79-81 50670 Cologne Germany Tel.: +49 221 539 70 9 - 51 Fax: +49 221 539 70 9 - 10 www.the-match-factory.com

Bangdokpi Doo Entertainment 143-221, 2F, 645-7 Junggok-dong, Gwangjin-gi, Seoul, KOREA Tel: +82-2-2274-7536 Fax: +82-2-2274-7578 filmdoo@naver.com Cesado Paola Herrera Productora Cel:044 55 37 22 37 36 paola@unacomunion.com En el futuro, Mono Films 220

Production company Achaval 221, 1st Floor 1406 Buenos Aires Tel +54 11 35270059 Fax +54 1135270059 www.monofilms.com Mauro Andrizzi, director mauroandrizzi@gmail.com

Paraísos artificiales Interior13 Cine Durango 68-A3 Col. Roma Norte CP 06700, México D.F. +52 55 4753 6795 Sandra Gómez sandra@int13cine.com Portretul luptatorului la tinerete Verónica Zerpa Marketing & Festivals COACH 14 36, Calle Mandri. Principal 2 08022 Barcelona

+34 93 280 57 52 v.zerpa@coach14.com www.coach14.com Tag des Spatzen, Der Contact: Gesa Knolle Arsenal Distribution Arsenal - Institut für Film und Videokunst e.V. Potsdamer Str. 2 D-10785 Berlin www.arsenal-berlin.de Tel.: (49-30) 26955 158 Fax: (49-30) 26955 111 Tilva Ros Aida LiPera | Director of Acquisitions Visit Films 89 5th Ave. Suite 806 New York, NY 10003 Tel: +1.718.312.8210 al@visitfilms.com www.visitfilms.com Todos vós sodes capitáns Felipe Lage Coro Zeitun Films tel: +34 662 04 64 54 email: felipe.lage@zeitunfilms.com www.zeitunfilms.com vida útil, La Cristina Garza FiGa Films kid sister distribution oficina: + 5255 53351811 mobile: + 52155 31206624 www.figafilms.com Trazos belle endormie, La Paul Richer, Festival Manager pricher@pyramidefilms.com Pyramide International 5, rue du Chevalier de Saint George 75008 Paris Tel +33 142960220 Fax + 33 140200551 www.pyramidefilms.com

Boxing Gym Hwa-Seon Choi (Festival coordinator) hs.choi@docandfilm.com] Doc & Film International www.docandfilm.com Tel: +33 (0)1 42 77 89 66 Cel: +33 (0)6 59 21 70 00 Hai shang chuan qi Clémence Perrier-Latour Marketing and Festival Manager clemence.perrier-latour@mk2.com 55 rue Traversière 75012 Paris FRANCE Tel: +33 1 44 67 30 11 Fax: +33 1 43 07 29 63 www.mk2-catalogue.com Prezít svuj zivot (teorie a praxe) Pavla Kallistova Office manager ATHANOR,Film Production Company Ltd. Jaromir Kallista & Jan Svankmajer U 5.baterie 21 162 00 Praha 6 Czech Republicphone: +420 233 322 905 e-mail: athanor@nextra.cz Shekarchi Thania Dimitrakopoulou The Match Factory GmbH Balthasarstrasse 79-81 50670 Cologne Germany Tel.: +49 221 539 70 9 - 51 Fax: +49 221 539 70 9 - 10 www.the-match-factory.com Shi Yura KWON Director of Festival & Marketing FINECUT CO., LTD. 4F Incline Bldg., 891-37 Daechi-dong, Gangnam-gu, Seoul 135-280, Korea Tel: +82 2 569 6266 Fax: +82 2 569 9466 yura@finecut.co.kr www.finecut.co.kr

Trazos cortos Nem Marcha nem Chouta Helvécio Marins Jr. helvecio@teia.art.br www.teia.art.br Marina Sandim +55 31 8712-1907 Tales Independencia distribution Antoine Thirion antoinethirion@gmail.com Valentina Novati vnovati@gmail.com Ken Jacobs Another Occupation Capitalism: Child Labor Capitalism: Slavery Day Was a Scorcher Loft, A Pushcarts Leave Eternity Street, The Ron Gonzalez, Sculptor Whirled, The Two Wrenching Departures Kenneth Jacobs Tel: 212-227-3144 Nervousken@aol.com Gennevilliers Avant les mots Return to the Dogs Where the Boys Are Aurélien Deseez aurelien@lesfilmsdubelier.fr Les Films du Bélier 54, rue René Boulanger Paris 75010 France Tel: + 331 41 32 26 10 Fax: +331 44 52 15 01

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Jeonju Digital Project lignes ennemies, Les Pig Iron Rosalinda BAK Ildong Jeonju Digital Project Line Producer / Sales and Acquisition Tel: +82 2 2285 0562 Fax: +82 2 2285 0560 program7@jiff.or.kr 4F, Korea Stationery Centre, Jangchung-dong 2-ga 186-33, Jung-gu, Seoul 100-855, KOREA Retrospectiva: Artavazd Peleshyan Mer dare Obitateli Skizbe Kyanq Menq Verj Vremena goda Contacto: Artavazd Peleshyan Retrospectiva: Jean Eustache cochon, Le côté de Robinson, Du maman et la putain, La Mes petites amoureuses Numéro zéro Père Noël a les yeux bleus, Le photos d´Alix, Les rosière de Pessac ‘68, La rosière de Pessac ‘79, La sale histoire – Volet document, Une sale histoire – Volet fiction, Une Tamasa Distribution Camille Calcagno 122 rue La Boétie 75008 Paris Tel. : +33 (0) 1 43 59 01 01 Fax : +33 (0) 1 43 59 64 41 contact@tamasadiffusion.com jardin des délices de Jérôme Bosch, Le Offre d’emploi Brigitte Dieu bdieu@ina.fr Educational and cultural development 222

department Tel: +33 1 44 23 11 23 Fax: +33 1 44 23 11 71 www.ina.fr Postface: La petite marchande d’allumettes Postface: Le dernier des hommes Maxime Bissonnet Division des affaires juridiques SCÉRÉN – [CNDP] Téléport 1 - @4 86961 Futuroscope cedex Tel: (+33) 5 49 49 75 60 Fax: (+33) 5 49 49 79 41 Retrospectiva: FJ Ossang affaire des divisions Morituri, L’ Ciel éteint! Dharma Guns Docteur Chance Silêncio trésor des îles Chiennes, Le Vladivostok UMEDIA Margherita Mangione Tel: +33 1 48 70 46 55 Fax: +33 1 49 72 04 21 www.umedia.fr 14 rue du 18 Août | F-93100 | Montreuil sous Bois | FRANCE Territorios: Apichatpong Weerasethakul 16643225059 Emerald Ghost of Asia Haunted Houses Hua jai tor ra nong Is and a Million More Lights, This Like the Relentless Fury of the Pounding Waves Malee and the Boy Mobile Men Mother’s Garden, My Nokia Short Sud sanaeha Teem (November 20) Teem (November 21)

Teem (November 22) Thirdworld Vampire Windows Sawit Prasertphan Assistant to Apichatpong Kick the Machine Office [kickthemachineoffice@gmail.com] Kick the Machine Films 44/17 Ladprao 15/ Jatujak, Bangkok 10900/ Thailand/ Fax: +662.938.5646 Anthem, The Gil Leung Distribution Manager LUX 3rd Floor Shacklewell Studios 18 Shacklewell Lane London E8 2EZ UK Tel: +44 (0)20 7503 3980 Fax: +44 (0)20 7503 1606 email: gil@lux.org.uk web www.lux.org.uk Dokfa nai meuman HAMA Haruka [hama@tokyo.yidff.jp] International Documentary Film Festival (Yamagata Office) #201, 9-52 Kinomi-cho, Yamagata City 990-0044 JAPAN Tel: 81-23-666-4480 fax: 81-23-6254550 Letter to Uncle Boonmee, A Animate Projects distribution@animateprojects.org] Animate Projects, London. Jacqui Davies jacqui@animateprojects.org Loong Boonmee raluek chat Fiorella Moretti [fm@mantarraya.com] Tel: (+52 55) 5273 9307 / (+52 55) 5273 9307 Fax: (+52 55) 5273 0230 info@mantarraya.com ndm@mantarraya.com Luminous People UMEDIA Margherita Mangione

www.umedia.fr Tel +33 1 48 70 46 55 Fax +33 1 49 72 04 21 14 rue du 18 Août | F-93100 | Montreuil sous Bois | FRANCE Sang sattawat Carlos F. Sánchez Sosa Director General. carlossanchez@macondocine.com Cinematográfica Macondo, S.A. de C.V. Eje 10 Sur, Pedro Henríquez Ureña No. 395 Col. Pedregal de Sto. Domingo Delegación Coyoacán México, D.F. C.P. 04369 Tel: (+52 55) 5689 1142 Fax: 56891179 Sud pralad Tamasa Distribution Camille Calcagno 122 rue La Boétie 75008 Paris Tel. : +33 (0) 1 43 59 01 01 Fax : +33 (0) 1 43 59 64 41 contact@tamasadiffusion.com Worldly Desires BAK Ildong Jeonju Digital Project Line Producer / Sales and Acquisition Tel: +82 2 2285 0562 | Fax:. +82 2 2285 0560 | M. +82 10 5309 7070 | program7@ jiff.or.kr 4F, Korea Stationery Centre, Jangchung-dong 2-ga 186-33, Jung-gu, Seoul 100-855, KOREA Ahora México A tiro de piedra Galopando Cine Ximena Hiriart Tel: +5255 52867215 +5255 52867215 Cel: +52155 43937471 +52155 43937471 ximena.hiriart@gmail.com ximena@galopandocine.com Campeche #351 int. 403 Col. Condesa CP.06140, Cuauhtémoc, Distrito Federal

Alamar Fiorella Moretti Tel: (+52 55) 5273 9307 (+52 55) 5273 9307 Fax: (+52 55) 5273 0230 fm@mantarraya.com ndm@mantarraya.com Graniceros Cristina Velasco SIRENA FILMS S.C. Producer Cel: 044 55 44 12 81 33 Tel: 52 14 67442 Interno Adriana Chávez Castro Área de Promoción, Difusión y Distribución de Películas Centro Universitario de Estudios Cinematográficos Universidad Nacional Autónoma de México Tel. (+52 55) 5682-6195 Ext. 117 Lecciones para Zafirah CREADORES CONTEMPORANEOS DAOUD SARHANDI Director General Correo daoudsarhandi@gmail.com Dirección Postal Apartado Postal #70 Valle de Bravo C.P. 51200 Edo. Méx. MÉXICO creadorescontemporaneos@gmail.com marimbas del infierno, Las Interior13 Cine Durango 68-A3 Col. Roma Norte CP 06700, México D.F. Tel: +52 55 4753 6795 Jessy Vega jessy@int13cine.com Reise nach Tulum (Viaje a Tulum) Director: Eduardo villanueva vilas129@gmail.com

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CONTACTO CON DISTRIBUIDORES

Todo, en fin, el silencio lo ocupaba Interior13 Cine Durango 68-A3 Col. Roma Norte CP 06700, México D.F. +52 55 4753 6795 Jessy Vega jessy@int13cine.com Tres rocas Email del director: emilianofdz@gmail. com Boris Miramontes Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC) Calzada de Tlalpan 1670 Col. Country Club 04220, México DF, México Tel: +52 55 4155 0090 ext 1813 Fax: +52 55 4155 0092 boris@elccc.com.mx www.elccc.com.mx Aciertos: Encuentro Internacional de Escuelas de Cine Aciertos Homenaje EICTV año del cerdo, El Chirola , La Cuerpo de mujer Filiberto Illusion, The marea, La Maniobra minutos, las horas, Las Jorge Rey Promoción Internacional EICTV Fca San Tranquilino Km 4 1/2 San Antonio de los Baños Apdo 40/41 Provincia La Habana, CUBA Tel: +53-47-383152 al 56 ext. 557 promocioninternacional@eictv.co.cu promocioninternacional@eictv.org.cu www.eictv.org Aciertos Competencia Andrea Adriana Chávez Castro Área de Promoción, Difusión y Distribución de Películas 224

Centro Universitario de Estudios Cinematográficos Universidad Nacional Autónoma de México Tel. (+52 55) 5682-6195 Ext. 117 A Guerra de Arturo Joel Yamaji yamaji@usp.br Chefe do Depto de Cinema Rádio e TV Escola de Comunicações e Artes Universidade de São Paulo Tel: 55 11 3091 4332 Fax: 55 11 3032 2752 Bajo el mismo techo Jorge Rey Promoción Internacional EICTV Fca San Tranquilino Km 4 1/2 San Antonio de los Baños Apdo 40/41 Provincia La Habana, CUBA Tel: +53-47-383152 al 56 ext. 557 promocioninternacional@eictv.co.cu promocioninternacional@eictv.org.cu www.eictv.org Cubo, El María Cristina Capriles Directora General Escuela de Cine y Televisión 578 23 61- 576 23 93 Celular: 04 12 5 95 44 71 mcaprile@escinetv.org.ve mcapriles1@mac.com www.escinetv.org.ve Desierto Boris Miramontes Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC) Calzada de Tlalpan 1670 Col. Country Club 04220, México DF, México Tel: +52 55 4155 0090 ext 1813 Fax: +52 55 4155 0092 boris@elccc.com.mx www.elccc.com.mx

Formol Ismael Martin [ismael@ecam.es] ecam - madrid en corto c/ Juan de Orduña nº 3 28223 Pozuelo de Alarcón Madrid Tel: +34 915121060 Fax: +34 915121070 www.ecam.es www.madridencorto.es Jipi Kogui felipe edgar Solarte arciniegas [felipesolart@hotmail.com] Director de Programa Cine y Audiovisuales Universidad del Magdalena 3115800387 Ladrón de Violines, El Fausto Gomez-Tuena [faustotuena@ yahoo.com.mx] Jefe del Departamento de Arte Universidad Autónoma de Cd. Juárez Miércoles 8 / Martes 7 Carlos Flores Delpino Director Carrera de Cine y TV Instituto de la Comunicación e Imagen (ICEI) Universidad de Chile floresdelpino@hotmail.com http://www.icei.uchile.cl Teléfono (56-2) 9787992 http://somosloquemiramos.escuelacine.cl/ Pablo Gisela Casas Escándalo Films, S.L. www.escandalofilms.es Tel: +34 93 3248880 Ext: 20 gisela.casas@escandalofilms.com Sredni Vashtar L.A.T. Gabriela León Méndez gabriela.leon@cuaad.udg.mx Coordinación de Producción Departamento de Imagen y Sonido CUAAD UDGtel. 12023000 ext. 8639 y 36986613

Walking Shadow Verónica Cerdán Molina Coordinadora del Departamento de Desarrollo y Promoción Audiovisual -DDPAProfesora en la Licenciatura de Comunicación Audiovisual Centro de Estudios Ciudad de la Luz Avda Jean Claude Combaldieu s/n 03008 - Alicante - Spain Tel: +34 965 908 233 Fax: +34 965 908 222 vcerdan@ciudaddelaluz.es Presentaciones Especiales Benda Bilili! Kunal D’Souza Sales & Festivals Coordinator FUNNY BALLOONS 4 bis, rue Saint Sauveur 75002 Paris Tel.: +33 1 40 13 05 86 Mob.: +33 6 27 42 23 62 Fax: +33 1 42 33 34 99 www.funny-balloons.com

Illusionniste, L’ Cathetine Montouchet Catherine.Montouchet@pathe.com Pathe International PATHE DISTRIBUTION 2 rue Lamennais 75008 PARIS Fel : 33 1 71 72 33 05 Tax : 33 1 71 72 33 10 www.patheinternational.fr Clausura historia en la mirada, La Ignacio Molina Distribución 56 22 95 94 ditfilm@unam.mx Filmoteca UNAM www.filmoteca.unam.mx

When You´re Strange: A Film About the Doors Rebecca Berry| Marketing Manager | CONTENTFILM INTERNATIONAL Rebecca.Berry@contentfilm.com 19 Heddon Street, London, W1B 4BG, UK Tel: 44 20 7851 6500 Fax: 44 20 7851 6506 225 Arizona Ave, Suite 250, Santa Monica, CA 90401, USA t: 1 310 576 1059 | f: 1 310 576 1859 Chlebnyy den V temnote Jane Balfour [janebalfour@btconnect. com] Jane Balfour Services Flat 2 122 Elgin Crescent London W11 2JN Tel: +44 (0) 207 727 1528 Fax: +44 (0) 207 221 9007

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ÍNDICE POR PELÍCULAS

16643225059 A Loft | El loft A tiro de piedra L’affaire des divisions Morituri | El caso de los dominios Morituri Aita | Padre Alamar Andrea Ang ninanais | Los estribillos ocurren como las revoluciones en una canción Another Occupation | Otra ocupación The Anthem | El himno El año del cerdo Attenberg Avant les mots | Antes de las palabras Bajo el mismo techo Bangdokpi | Piel contra gas La belle endormie | La bella durmiente Benda Bilili! Boxing Gym | Gimnasio de box Capitalism: Child Labor | Capitalismo: Trabajo infantil Capitalism: Slavery | Capitalismo: Esclavitud Cesado La Chirola Chlebnyy den | El día del pan Ciel éteint! | Cielo apagado Le cochon | El cerdo Contes | Cuentos Du côté de Robinson (Les Mauvaises fréquentations) | Del lado de Robinson (Las malas compañías) El cubo Cuerpo de mujer The Day Was a Scorcher | Aquel día fue un horno Desierto Dharma Guns (La Succession Starkov) | Pistolas Dharma (La sucesión Starkov) Docteur Chance | Doctor Chance Dokfa nai meuman | Objeto misterioso al medio día Filiberto

226

151 82 173 130 26 174 176 28 81 159 186 34 91 196 12 60 215 62 77 78 32 187 211 134 186 74

110 197 188 79 181

136 132 142 189

Formol En el futuro Ghost of Asia | El fantasma de Asia Graniceros Hai shang chuan qi | Ojalá hubiera sabido Haunted Houses | Casas embrujadas La historia en la mirada Hua jai tor ra nong | La aventura de Iron Pussy The Illusion | La ilusión L’Illusionniste | El ilusionista Im alter von Ellen | A la edad de Ellen Interno Invernadero Le jardin des délices de Jérôme Bosch | El jardín de las delicias de Jerónimo Bosch Jipi Kogui Kyanq | Vida El ladrón de violines The Last Buffalo Hunt | La última cacería del búfalo Lecciones para Zafirah A Letter to Uncle Boonmee | Una carta para el tío Boonmee Les lignes ennemies | Las líneas enemigas La lisière | El límite Loong Boonmee raleuk chat | La leyenda del tío Boonmee Luminous People | Gente luminosa Mae Ya Nang | Como la furia incesante del embate de las olas Malee and the Boy | Malee y el niño La maman et la putain | La madre y la puta Maniobra La marea Las marimbas del infierno Meek’s Cutoff | El camino de Meek Menq | Nosotros Mer dare | Nuestro siglo Miércoles 8 | Martes 7 Los minutos, las horas Mobile Men | Hombres móviles

199 226 156 175 64 149 218 145 190 209 38 94 40 119 200 100 201 42 177 165 86 44 148 163 150 153 116 192 191 178 22 101 102 202 193 164

Morakot | Esmeralda My Mother’s Garden | El jardín de mi madre Nem Marcha nem Chouta | Ni a trote, ni a galope Nokia Short | Corto Nokia Numéro zéro | Número cero Obitateli | Los habitantes Offre d’emploi | Oferta de empleo Pablo Paraísos artificiales Le Père Noël a les yeux bleus | Papá Noel tiene los ojos azules Mes petites amoureuses | Mis pequeños amores Les photos d´Alix | Las fotos de Alix Pig Iron | Arrabio Portretul luptatorului la tinerete | Retrato del guerrillero adolescente Postface: La petite marchande d’allumettes | Epílogo: La pequeña vendedora de cerillos de Jean Eustache Postface: Le dernier des hommes | Epílogo: El último de los hombres de Jean Eustache Prez ít svuj zivot (teorie a praxe) | Sobreviviendo a la vida (Teoría y práctica) The Pushcarts Leave Eternity Street | Los vendedores ambulantes se van de Eternity Street Reise nach Tulum | Viaje a Tulum Return to the Dogs | Regreso a casa Ron Gonzalez, Sculptor | Ron González, escultor Rosalinda La Rosière de Pessac (I) 68 | La virgen de Pessaac (I) 68 La Rosière de Pessac (II) 79 | La virgen de Pessac (II) 79 Une Sale histoire volet II document | Una sucia historia II capítulo documental Une Sale histoire I volet fiction | Una sucia historia I capítulo ficción

161 162 94 154 123 101 124 203 46 111 117 122 87 48

112 113 66 83 179 92 80 88 114 118

147 68 70 133 100 204 146 144 158 50

160 152 155 52 180 181 131 76 210 103 56 135 102 205

214 93 74 154 157

121 120

227

ÍNDICE POR DIRECTORES

A Mauro Andrizzi B Géraldine Bajard Jean-Michel Barjol Renaud Barret James Benning Bertrand Bonello Andrea Borbolla Catherine Breillat

44 115 215 87 93 176 60

C Alejandro Cabrera Edison Cájas Gonzalo Castro Lee Chang-dong Sylvain Chomet Denis Côté

205 202 40 70 209 86

D Tom Dicillo Sergei Dvortsevoy

214 210

E Ángel Estrada Soto Jean Eustache Emiliano Fernández

201 105-124 181

G Gustavo Gamou Talía García Aach Pedro González Rubio Saskia Gruyaert

175 196 174 96

H Julio Hernández Cordón Sebastián Hiriart

178 173

J Ken Jacobs Luis Carlos Jaimés Sánchez

228

72-83 197

K Lodge Kerrigan Gok Kim Sun Kim

92 30 30

L Joachim Lafosse Oliver Laxe Nikola Lezaic Ana de Loera

91 54 52 204

Lee Lynch M Pia Marais Sorany Marín Helvecio Marins Jr Raya Martin José Ramón Mikelajáuregui

42 38 200 94 95 218

O Yulene Olaizola José María de Orbe FJ Ossang

46 26 127-136

P Artavazd Peleshyan Nicolás Pereda Matías Piñeiro Rafi Pitts Constantin Popescu

97-104 180 88 68 48

Q Nely Reguera Kelly Reichardt Carolina Rivas Christian Rivera Noelia Rodríguez Desa

203 22 177 198 199

S Daoud Sarhandi Philip Scheffner Lee Anne Schmitt Daniela Schneider Alicia Segovia Juárez Michael Shaowanasai Jan Svankmajer

177 50 42 32 194 145 66

T Antoine Thirion John Torres Athina Rachel Tsangari, Florent de La Tuyalle V Federico Veiroj Eduardo Villanueva W Apichatpong Weerasethakul Frederick Wiseman Z Jia Zhangke

95 28 34 56 179 139-169 62 64

229

AGRADECIMIENTOS

Miguel Ángel Alba Andreina Aragonés Yazmín Araujo Paula Astorga Bernardo Baranda Marco Bargain Luciano Barisone Charles Barthe Diego Battle Mario Bellatin Constanza Bolaños Judith Bonfil Pablo Britos Gianluca Brocca Diana Bustamante Iván Cannau Nelson Carro Isaac Chertorivski Juan Ángel Córdoba Efraín Cruz Dan Defossey Martha Díaz Melina Díazmercado Agustín Estrada “Caly” Roberto Fiesco Ramón Flores José Luis Galicia Egnar García Rodrigo García Yervant Gianikian y Angela Ricci Lucchi Gerardo Gatica Ricardo Giraldo Quintín Sandra Gómez Gabriella Gómez-Mont Martín González Julio César González Cortés Claudia González Rubio Finella Halligan José Antonio Hernández García Mónica Hernández Paola Herrera Amelia Hinojosa Ernesto Ibarra Henkel Rubén Imaz Begoña Inchaurrandieta José Kuri Adriana Lara

María Lebedev Antonio Linares Mariana Linares Michel Lipkes Juan Lozoya Cristian Manzutto Mónica Manzutto Adrian Martin Ximena Molina Juanjo Mora Fiorella Moretti Pablo Moya Rossi Franciso Muñoz Gustavo Noriega Renato Ornelas Verónica Ortiz Cisneros Rosa Maria Patiño Juan Ignacio Pedroza Olimpia Pont Cristina Prado Arias Quintín Fernando del Razo Jean-Pierre Rehm Enrique Rivero Mariano Rodríguez Bores Ivonne Sabbagh Alejandro Saevich Apolinar Salgado Carlos Sánchez Eric Schnedecker Marina Stavenhagen Margarita Sepúlveda Amor Nurith Sil Martín Soto Climent Jessy Vega José Wolffer

CRÉDITOS

Universidad Nacional Autónoma de México

Equipo FICUNAM

Juan Hernández Enlaces académicos

Dr. José Narro Robles Rector

Eva Sangiorgi Directora

Buñuelos Comunidad Creativa Contenido audiovisual y redes sociales

Dr. Sergio M. Alcocer Martínez de Castro Secretario General

Claudia Curiel de Icaza Coordinadora general

Dalia Perlasca Coordinadora de invitados especiales

Lic. Enrique del Val Blanco Secretario Administrativo

Bianca Fontez Asistente de dirección

Pablo Torres Asistente de invitados especiales

Mtro. Javier de la Fuente Hernández Secretario de Desarrollo Institucional

Maximiliano Cruz Director de programación

Carlos Altamirano Jefe de transporte

M.C. Ramiro Jesús Sandoval Secretario de Servicios a la Comunidad

Roger Alan Koza Programador invitado

Georgina Cobos Coordinadora de Prensa

Lic. Luis Raúl González Pérez Abogado General

Jorge Ramírez Coordinador de programación

Sagrario Reyes Asistente de prensa

Coordinación de Difusión Cultural

Sébastien Blayac Asistente de programación

Imagen

Sealtiel Alatriste Coordinador de Difusión Cultural Javier Martínez Secretario Técnico de Administración y Finanzas Julieta Giménez Cacho Secretaria Técnica de Programación y Asuntos Internacionales Guadalupe Ferrer Directora General de Actividades Cinematográficas Armando Casas Pérez Director del Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (CUEC)

Yunuen Cuenca Coordinadora de difusión

Cítrico Gráfico Catálogo

María José López Romo Supervisora de contenido

Georgina Hernández Samaniego Edición

Mónica de la Mora Supervisora de material

Benjamín Burillo Vega Investigación

Verónica Pequis Coordinadora de desarrollo

Tiosha Bojórquez   Traductor

Alfredo Sánchez Coordinador comercial

Sabina Santana Diseño

Natalia Britos Productora general

Cineminuto

Grisela Iglesias Secretaria de Comunicación

Danahe Krinis Coordinadora de producción

Liliana Saldaña Coordinadora de Recintos Culturas

Maddy Vasallo Productora de salas

Traducción y subtitulaje Say The Same Subtitles Azucena Benavides / Francisco García Administración Marco Antonio Vázquez Administrador Eduardo Vázquez Asistente Estudiantes que cumplen su servicio social en FICUNAM María Fernanda Becerril Chávez Yazmín Bustamante Rodríguez Itzuri Magali Cabrera Caballero Óscar Gutiérrez Ortiz Consuelo Karina Hernández Mendoza César León Ernesto Mendoza Téllez Margarita Concepción Muñoz González Rocío Arlen Pimentel Canseco Zaira Yael Ramos Cisneros Carlos Alberto Rivera Olmos Xóchitl Yasmín Sánchez García Citlali Mayek Santos Toriz Abraham del Valle Cervantes Alexis Fernando Zavala Monroy

Estudio de Producción Cristian Manzutto Sitio Web Cítrico Gráfico

Bruno Oseguera Coordinador de recintos

232

233

color C=20 M=96 Y=93 K=6

C=97 M=90 Y=4 K=1

C=0 M=0 Y=0 K=100

Blanco / fondo negro

color C=0 M=0 Y=0 K=68

C=0 M=0 Y=0 K=80

C=0 M=0 Y=0 K=100

Negro / fondo blanco