Librillo VII Festivalde Orquestas Sinfónicasdel Mundo - Rusia by Orquesta Filarmónica de Bogotá

VII Festival

de Orquestas Sinf贸nicas del Mundo Mosc煤, 5 y 6 de junio de 2012

Alcaldía Mayor de Bogotá Secretaría de cultura, recreación y deporte Gustavo Petro Alcalde Mayor de Bogotá D.C.

Junta Directiva clarisa Ruiz Correal Secretaria de Cultura, Recreación y Deporte GUILLERMO aSPRILLA cORONADO Secretario de Gobierno HolLman Morris Gerente Canal Capital lorenzo kling mazuera Miembro Honorario fernando toledo Miembro Honorario

Planta Administrativa maría claudia parias durán Directora General álvaro Jaramillo Quintero Subdirector Sinfónico lUZ pATRICIA cAMELO uRREGO Subdirectora Administrativa y Financiera Raúl Rojas Devia Jefe Control Interno (E) Juan David Vargas Manzanera Jefe Oficina Asesora Jurídica Luz Mery Pongutá Montañez Jefe Oficina Asesesora de Planeación marisol Contreras Gamboa Jefe Oficina Asesora de Comunicaciones Mario Fernando López gallego Coordinador de gira a Moscú Con la colaboración del Ministerio de Relaciones Exteriores de Colombia María Ángela Holguín Cuéllar Ministra de Relaciones Exteriores Rafael Amador Campos Embajador de Colombia en Rusia

Orquesta filarm贸nica de Bogot谩

a música aparece espontáneamente en los lugares y grupos humanos más disímiles, se extiende en el tiempo y el espacio, creando puentes, rompiendo distancias, barreras, prejuicios, llenando los espacios sociales y alojándose finalmente en lo más íntimo de cada individuo. Esta dimensión humana y universal de la música nos permite conocer las fuerzas vitales que están en la base de las culturas y las comunidades. Bogotá es un crisol de pueblos que reunió los habitantes ancestrales América con los inmigrantes europeos y los africanos que conformaron el otro pilar de la población del continente. Por eso, nuestra ciudad, que ha enfrentado la desigualdad, la segregación y la pobreza, reconoce la cultura como instrumento fundamental para entenderse, reconocerse y transformarse. Sienta sus bases en el respeto de la dignidad humana, de la diversidad, y de la libertad solidaria, en armonía con su privilegiado entorno natural. Bogotá tiene las más ricas y diversas expresiones musicales, que se convierten en su voz propia, libre y distintiva. La Orquesta Filarmónica de Bogotá es la orgullosa mensajera de una ciudad que tiene como herencia viva el universo sonoro de las diferentes culturas que le dieron origen, y que en el lenguaje universal de la música entrega a los pueblos del mundo la expresión más profunda de su naturaleza humana. Gustavo Petro Alcalde Mayor Bogotá, Distrito Capital Colombia

eseo agradecer al Gobierno de la Federación de Rusia por acoger a Colombia y a su cultura. Colombia es un país con atractivos naturales, con grandes perspectivas de crecimiento económico, con un acervo cultural reconocido y, sobre todo, con una gran diversidad de expresiones culturales. Los artistas colombianos despliegan su potencial con profesionalismo en los grandes escenarios del mundo. En este magno escenario, con gratitud y orgullo presentamos a la Orquesta Filarmónica de Bogotá fundada en 1967 y galardonada con un Grammy Latino. Para la Filarmónica es una gran oportunidad exponer la música sinfónica colombiana en Rusia, cuna de auténticos portentos de la música clásica. Aún más, la presencia de la Filarmónica de Bogotá en Rusia es una muestra del alta estima en la que se tiene la música clásica rusa en Colombia, pues el repertorio de nuestras orquestas de música sinfónica incluye las más notables composiciones rusas, sin olvidar la importante presencia de directores y solistas rusos en las orquestas nacionales, quienes con sus conocimientos contribuyen al enriquecimiento de las artes musicales en el país. Este intercambio representa nuestro interés por estrechar los lazos de amistad y cooperación con la Federación de Rusia, no solo a través de la cultura, sino en múltiples ámbitos. Colombia espera que los vínculos bilaterales se estrechen y se dinamicen, lo cual, estoy segura, redundará en aprendizajes compartidos, prosperidad y, por ende, bienestar para los pueblos ruso y colombiano. Quisiera presentar a la Orquesta Filarmónica de Bogotá, con un mensaje de amistad y aprecio por el acercamiento cultural entre nuestras naciones. María Ángela Holguín Cuellar Ministra de Relaciones Exteriores de Colombia

a ciudad de Bogotá ha sido modelo de transformación social y política incorporando la cultura como eje de la sostenibilidad de su desarrollo humano. Las acciones de los gobiernos locales para el fortalecimiento de una ciudadanía colectiva, diversa, en la construcción de un espacio público real y simbólico, han tenido efecto en el mejoramiento de la calidad de vida de sus habitantes, en la reducción de sus condiciones de desigualdad. La transformación de los hábitos, actitudes y percepciones de los habitantes de la ciudad, con antecedentes culturales muy diversos y circunstancias de inmigración que incluyen la violencia y el desplazamiento forzado, ha permitido consolidar una comunidad con identidad, con aumento de participación en la formulación de sus políticas públicas, y ha generado para Bogotá una posición de liderazgo nacional y regional. Los programas de apropiación del espacio público a través de actividades musicales masivas y gratuitas, los Festivales Al Parque, son una marca internacional de la ciudad, y convocan anualmente cerca de medio millón de

personas en actividades que dan libre acceso a las más diversas formas de música, desde la música sinfónica y la ópera, percibidas antes como música para la élite, hasta el Hip Hop, que era percibido como expresión marginal. El esfuerzo estatal se complementa con el aumento de programas educativos de nivel superior, de la capacidad instalada para la producción musical, para la industria fonográfica, cinematográfica y audiovisual, y con la inclusión de la ciudad en los circuitos internacionales de espectáculos musicales masivos de todos los géneros musicales. La música es símbolo de la transformación de una ciudad que convirtió la diferencia en fortaleza, y es la principal fuerza dinamizadora de las artes y la cultura bogotana. La Orquesta Filarmónica de Bogotá es a su vez el símbolo visible de la música bogotana, y se presenta como embajadora de la ciudad en su iniciativa de proyección internacional y creación de vínculos culturales. Clarisa Ruiz Correal Secretaria de Cultura, recreación y Deporte Bogotá, Distrito Capital

ara la Orquesta Filarmónica de Bogotá es un verdadero honor participar en el VII Festival de Orquestas Sinfónicas del Mundo en Moscú, ocasión que nos permite exaltar la labor fundamental que ha cumplido la OFB en la difusión de la música en nuestra ciudad y que nos ubica como una de las más destacadas agrupaciones de música sinfónica del continente americano. Gracias a los 45 años de trabajo ininterrumpido de la Orquesta en Bogotá, miles de ciudadanos y ciudadanas se han acercado a los grandes compositores de todos los tiempos y han hallado en sus interpretaciones, un valioso especio de conexión espiritual con las artes y una de sus más gratificantes expresiones: la música universal. Y lo han hecho, no solamente en los auditorios habituales de la Orquesta sino en los parques, en las iglesias y en los rincones más alejados y habitualmente excluidos de la oferta cultural formal, gracias a la estrategia que se trazó la OFB desde su creación en 1967: llegar a todas y todos los bogotanos visitando los barrios de las 20 localidades que conforman la geografía de Bogotá. La Orquesta Filarmónica de Bogotá, en su condición de orquesta pública, es un símbolo cultural de la ciudad que

ha cumplido su misión de difundir el repertorio sinfónico universal y ha creado una memoria musical colombiana mediante el encargo y grabación permanente de arreglos de la música popular del país. De igual forma, ha jugado un destacado papel en la interpretación del repertorio latinoamericano y colombiano, fomentando, de esta manera, la creación, la composición y la circulación de la música de nuestro continente. Por su alto nivel artístico, interpretativo y musical, la OFB es un símbolo fundamental en el proceso de posicionamiento internacional de Bogotá, estrategia que busca fortalecer las inter-relaciones de la ciudad con otras ciudades y gobiernos locales, generar sinergias, intercambios solidarios y re-conocimientos creativos. Celebramos esta invitación que nos permite conectar a Bogotá con el mundo a través de la música interpretada por la Orquesta Filarmónica, y con una de sus ciudades hermanas, Moscú, capital de la Federación de Rusia y madre de buena parte de la música que hoy en día interpretan todos las orquestas en un universo globalizado. María Claudia Parias Durán Directora General Orquesta Filarmónica de Bogotá

Bogotá y su variedad de encantos turísticos Quienes visiten Bogotá, la capital de Colombia, encontrarán una ciudad histórica y contemporánea, culta y sofisticada, que se distingue por la calidad de su gente y selecta oferta de hospitalidad. Parte de esta transformación se debe en gran medida a que la ciudad ha recibido, desde mediados del siglo XX, habitantes provenientes de todas las regiones del país, lo que le ha permitido edificar una sociedad multicultural, creativa, incluyente, diversa y a la vanguardia de las grandes capitales del mundo. Hoy Bogotá es el primer destino turístico de Colombia y ocupa el sexto lugar en realización de eventos en Latinoamérica. Las cifras oficiales señalan que durante el año 2010 la ciudad recibió cerca de 8 millones de turistas nacionales e internacionales, cifra superior a la población residente en la ciudad. El incremento en el número de turistas internacionales, ha producido una dinámica económica en la ciudad que se refleja en el consumo de servicios hoteleros, restaurantes, compras, entre otras. Bogotá como capital y ciudad referente le ha venido apostando al turismo como motor de su desarrollo económico e inspirador de una mejor imagen de ciudad joven, moderna, cosmopolita y creativa que ofrece múltiples posibilidades. Es así como la ciudad cuenta con una excelente ubicación geográfica, aérea y terrestre que facilita el acceso desde los diferentes mercados regionales e internacionales. Bogotá se conecta con el mundo gracias al Aeropuerto Internacional Eldorado, líder en transporte de carga en América Latina y el tercero en movimiento de pasajeros de la región. Su excelente conectividad aérea permite llegar en 5 horas a Nueva York, Ciudad de México o Sao Paulo; del Aeropuerto Internacional salen vuelos directos a 27 destinos internacionales.

Bogotá es turismo en grande Bogotá cuenta con más de 1.000 agencias de viajes, cerca de 500 establecimientos de alojamiento turístico, 332 establecimientos de gastronomía, bares y entretenimiento, 439 guías de turismo, 111 operadores profesionales de congresos, ferias y convenciones, y 111 agencias de viajes mayoristas. ¿Qué hacer en Bogotá? los visitantes y residentes, pueden disfrutar y desarrollar diversas actividades conociendo o recorriendo distintas temáticas y ambientes: Cultura: la capital colombiana tiene 70 museos y colecciones de arte importantes como la del Museo del Oro, una de las más valiosas colecciones de su género en el mundo; 90 galerías, 45 teatros, 29 templos de interés patrimonial, 132 monumentos nacionales y 5.256 parques. Gastronomía: cuenta con una variada oferta gastronómica distribuida en seis zonas de la ciudad de talla internacional. Hoy han florecido en la ciudad reconocidas zonas gastronómicas como son la Zona G, entre calles 68 y 71 y carreras 7 a 4; la Zona C, ubicada en el Centro Histórico; la Zona T entre calles 83 y 84 con carrera 12ª; el entorno del parque de Usaquén, la Zona M en el barrio La Macarena, el Parque de la 93, los alrededores de la ciudad y la vía a La Calera; además de los restaurantes ubicados en otros puntos de Bogotá. Rumba y diversión: la vida nocturna en Bogotá es intensa y permanente, ofrece múltiples opciones para todos los gustos en diferentes zonas de la ciudad. Compras: hay alrededor de 50 centros comerciales, corredores dedicados al comercio en tradicionales calles o avenidas, boutiques de diseñadores importantes y outlets en sectores industriales con promociones atractivas.

Festivales: durante todo el año, Bogotá cuenta con exposiciones permanentes e itinerantes, además, son ya famosos el Festival Iberoamericano de Teatro y los Festivales Rock al Parque, Jazz al Parque, Hip Hop al Parque, Salsa al Parque, Ópera al Parque y Colombia al Parque. Más para leer: Bogotá es un importante nodo cultural de talla mundial. La Feria Internacional del Libro, junto con la de Guadalajara y Buenos Aires, son consideradas las de mayor trascendencia en el continente. La Red Capital de Bibliotecas Públicas mantiene 19 bibliotecas conectadas en red. Atención al turista: con una red de 23 Puntos de Información Turística (PIT). Doce puntos fijos, cinco PIT virtuales, cinco informadores turísticos itinerantes y un PIT móvil, y una Línea de Atención al Turista las 24 horas del día: 018000 127400. Además creó un aplicativo para teléfonos inteligentes que permite acceder de manera ágil y sencilla a toda la información georreferenciada de los atractivos turísticos y a la agenda de la ciudad. Turismo accesible: la capital es pionera en el desarrollo de programas de turismo accesible para jóvenes, adultos mayores y personas con discapacidad para que estos sectores de la población también disfruten de los atractivos turísticos de la ciudad. Así es la Bogotá de hoy, con sus atractivos culturales y su oferta de entretenimiento y diversión, que invitan a los habitantes de todo el mundo a conocerla y recorrerla. Los esperamos. Instituto Distrital de Turismo

45 años de historia La historia de la Orquesta Filarmónica de Bogotá se remonta al año de 1967. Tuvo su origen en la Fundación Filarmónica Colombiana, agrupación de músicos sin ánimo de lucro que tenía entre sus objetivos formar una nueva orquesta. Melómanos, intelectuales y empresarios privados recogieron el sentir de algunos músicos, en cuanto a las muy restringidas posibilidades de ingreso de nuevos músicos a la Orquesta Sinfónica de Colombia y la necesidad de una creciente cultura musical que en especial respondiera también al crecimiento de la ciudad. Mediante el Acuerdo 71 de 1967, el Concejo de Bogotá acogió a la Fundación Filarmónica y dio vida a la Orquesta Filarmónica de Bogotá. El 19 de agosto se llevó a cabo en el Teatro Colón el primer concierto que dio a conocer a la Orquesta Filarmónica de Bogotá, bajo la batuta del director Melvin Strauss y con la participación del violinista Frank Preuss, y la soprano Julia Ballesteros como solistas.

En todos estos años, la Orquesta ha interpretado las grandes obras del repertorio musical universal y ha sido el espacio por excelencia que ha permitido desarrollar la carrera de diversos directores, compositores y, por supuesto, intérpretes. Por ella han pasado directores nacionales y extranjeros de la talla de Jaime León, Dimitar Manolov, Eduardo Carrizoza, Carmen Moral, Francisco Rettig, Irwin Hoffman, Lior Shambadal, entre otros. Compositores como Luis Antonio Escobar, Jesús Pinzón Urrea, Blas Emilio Atehortúa, Luis Pulido y Francisco Zumaqué han trabajado estrechamente con ella. Así mismo, una gran variedad de solistas nacionales e internacionales han participado de la programación de la Orquesta y han permitido que el público bogotano conozca el repertorio y disfrute de las grandes composiciones de la música sinfónica a lo largo de sus 45 años de historia.

La Orquesta Filarmónica de Bogotá es una de las pocas orquestas en Latinoamérica que ha realizado, casi en su totalidad, los ciclos de compositores como Mahler, Bruckner y Bartok. Gracias a su programación, Bogotá ha conocido la obra de compositores como Stravinsky, Debussy, Poulenc, Orff, Pinzón Urrea, Hindemith, Copland, Turina, Kodály, Brouwer, Lutoslawski, Borda, Ravel, Kachaturián, Gershwin, Kabalevsky, Delius, Villa Lobos, Ginastera, Elgar, Bernstein, Britten, De Falla, Sibelius, Pulido, Respighi, Nielsen, Milhaud, Górecki, Holst, Gómez-Vignes, Moncayo, Enesco, Mejía, Barber, Messiaen, por citar algunos ejemplos. Adicionalmente, la Orquesta Filarmónica de Bogotá desarrolla otras actividades entre las cuales están los conciertos en vivo en parques e iglesias de toda la ciudad, los programas de radio y televisión, programas didácticos, concursos para jóvenes intérpretes, producciones fonográficas y un variado material audiovisual. La OFB cuenta, adicionalmente, con un Banco de partituras que presta servicios al medio musical a nivel nacional, y una cintoteca de servicio al público, conformada con los conciertos grabados y emitidos en más de treinta años de actividad. De esta forma, la Orquesta Filarmónica de Bogotá cumple su misión relativa al fomento y difusión del repertorio sinfónico universal y colombiano y la apropiación de la música sinfónica en el país, con un marcado énfasis en la ciudad capital, Bogotá. La Filarmónica está conformada por una planta artística de 97 músicos y el maestro Enrique Arturo Diemecke como Director Titular. La OFB es una entidad pública gubernamental y, al mismo tiempo, por su labor artística y social, es un ícono cultural, un patrimonio vivo de los colombianos.

Enrique Arturo Diemecke Director Titular de la Orquesta Filarmónica de Bogotá

Desde 2007, el maestro Enrique Diemecke es director artístico y director musical principal de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires del Teatro Colón, Argentina. También es director musical de la Orquesta Sinfónica de Long Beach, California, desde 2001, y conserva el título de director artístico de la Orquesta Sinfónica de Flint, Michigan, desde 1990. Fue director artístico, durante 17 años, de la Orquesta Sinfónica Nacional de México (OSN), agrupación a la que imprimió un fuerte sello de liderazgo y vanguardia. En mayo de 2010, el maestro Diemecke fue galardonado con el Grand Prix de la Académie du Disque Lyrique de Francia, por el CD de la ópera ‘Le Jongleur de Notre-Dame’, de Jules Massenet, con el tenor Roberto Alagna, y la Orquesta Nacional de Montpellier, para el sello Deutsche Grammophon. Asimismo, en junio de 2007 dirigió con gran éxito a la compañía del Teatro de la Zarzuela de Madrid con la Orquesta de Conciertos de la Comunidad de Madrid. También, concertó la ópera ‘Werther’, de Massenet para el Teatro Colón, de Argentina, y en noviembre regresó a Londres a dirigir la BBC Symphony Orchestra. Ese mismo año recibió, del Instituto Nacional de Bellas Artes de México, la Medalla de Oro por su trayectoria artística y su aporte musical de excelencia en todo el mundo. En el 2002, el maestro Diemecke fue nominado al Grammy Latino en la categoría, Mejor álbum clásico, por el CD ‘Los conciertos para violín y piano’ de Carlos Chávez. Ese mismo año fue galardonado por la Académie du Disque Lyrique de Francia con el premio ‘Bruno Walter’, Orfeo de Oro, como el mejor Director de Ópera. Asimismo recibió los premios ‘Jean Fontaine’, Orfeo de Oro y el ‘Fanny Eldie’, Orfeo de Oro por la misma Academia en el 2002. 20

Recibió la Medalla Mozart en su primera edición, de parte de los gobiernos de Austria y México. Destaca su grabación con la Royal Philharmonic Orchestra de Londres, con música latinoamericana. Además ha grabado música de Villa-Lobos, Chávez, Moncayo y Revueltas con la compañía Sony. Otras grabaciones del maestro Diemecke incluyen música de Villa-Lobos y de Revueltas con la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela. Diemecke ha colaborado con excelentes solistas de nuestro tiempo, entre los que destacan Mstislav Rostropovich, Plácido Domingo, Jessye Norman, Deborah Voigt, Itzak Perlman, Joshua Bell, Yo Yo Ma, Ravi Shankar, Ivo Pogorelich, Henryk Szeryng, Frederica von Stade, Marilyn Horne, Kathleen Battle, Francisco Araiza, Hermann Baumann, Nicanor Zabaleta, Julia Migenes, Fazil Say, Pascal Rogé, Pepe Romero, Misha Dichter, y Boris Berezovski, entre otros. Como director invitado, trabaja habitualmente con las orquestas: Los Angeles Philharmonic, San Francisco Symphony, National Symphony de Washington, Royal Philharmonic, Orchestre National de France, Orchestre Philharmonique de Radio France, BBC Symphony Orchestra de Londres, Columbus Symphony, Comunidad de Conciertos de Madrid y Orquesta de Bilbao; Filarmónica de la UNAM, Filarmónica de la Ciudad de México y de Cámara de Bellas Artes, México, además de la Simón Bolívar de Venezuela. A partir del mes de enero de 2011 es Director Titular de la Orquesta Filarmónica de Bogotá.

Programa No. 1

Moscú, junio 5 de 2012

Adolfo Mejía (1905-1973) Íntima, poema sinfónico José Rozo Contreras (1894-1976) Suite tierra colombiana (1930) Obertura Intermezzo Vals

Enrique Arturo Diemecke (1952) Chacona a Chávez (1999) Alberto Ginastera (1916-1983) Variaciones concertantes para orquesta (1953) Inocente Carreño (1919) Margariteña, glosa sinfónica (1954) Alex Tobar (1908-1975) Kalamary, paráfrasis sobre temas de Lucho Bermúdez

Programa No. 2

Moscú, junio 6 de 2012

Ottorino Respighi (1879-1936) Gli Uccelli (Las aves), suite orquestal (1927) Preludio La colomba (La paloma) La gallina L´usignuolo (El ruiseñor) Il cucù (El cuclilo)

Gustav Mahler (1860-1911) Sinfonía No. 5 en do sostenido menor (1902) I. Marcha fúnebre. En tiempo mesurado. Como un cortejo. II. Tempestuosamente movido. Con la mayor vehemencia. III. Scherzo. Vigoroso, no muy rápido IV. Adagietto. Muy lento V. Rondo - Finale. Allegro Corno obbligato)

Repertorio latinoamericano Adolfo Mejía Navarro

(n. en 1905 en Sincé, hoy departamento de Sucre, Colombia – m. en 1973 en Cartagena, Colombia)

La variedad de la obra de Adolfo Mejía hace que aún hoy en día sea considerado como uno de los compositores colombianos más versátiles del siglo XX. Con la misma inspiración y cuidado componía canciones de índole popular y obras sinfónicas y con la misma dedicación interpretaba un aire típico en la guitarra o dirigía los conjuntos a su cargo. Mejía nació en Sincé y de niño fue llevado por sus padres a Cartagena. Su mundo de niño y adolescente se desarrolló en el barrio amurallado de San Diego y su amor por la ciudad quedó evocadoramente retratado en la canción Cartagena. El nombre de Mejía es mencionado en todos libros sobre música colombiana, ya se trate de música popular o de música clásica. Los pianistas colombianos aún ejecutan con gusto y cariño sus piezas para piano, editadas en 1990 por el Patronato Colombiano de Artes y Ciencias, en donde reposa la mayor parte de su obra. Sus dos primeras estadías en el exterior fueron grandes aventuras, de las cuales adquirió una visión más amplia del mundo y el quehacer musical, y adquirió el gusto por los pasodobles españoles, el tango y la zamba argentina, aires representados en su obra. Mejía ocupa un lugar importante en la historia de la música colombiana, gracias a sus creaciones en el medio orquestal. Se destacan entre sus obras los poemas sinfónicos América, Íntima, los Homenajes a Antonio Gómez Restrepo y Luis López de Mesa, y el Capricho español para arpa y orquesta. En el campo de la música de cámara legó dos obras de interés, el de melodías, ritmos y armonías contrastantes que tiene en común un tratamiento Trío en mi menor y la Lopezca para violín y piano. En el ámbito de

la canción, continúan ejecutándose, con acompañamiento de piano, Tú vives en mí y Te quiero. Con el éxito de su Pequeña suite para orquesta, pudo hacerse a una beca de estudios en la Escuela Normal de París en donde trabajó bajo la tutela de Henry Koechlin. No se entregó a las imitaciones del estilo francés posromántico, como sucediera con un gran número de compositores latinoamericanos en contacto con la música francesa durante la primera mitad del siglo XX, sino que en su obra se observa una original adaptación del colorido armónico impresionista a su sentir individual y nacional. Íntima es un poema sinfónico basado en un programa personal, como lo indica su nombre. El aspecto más llamativo del poema es su rica instrumentación y la discreción de los temas melódicos. Se insinúan melodías sobre un rico y variado ambiente armónico. El solo de la flauta da finalmente un sentido completo a los gestos melódicos anteriormente esbozados.

José Rozo Contreras

(n. 1894 en Bochalema, Santander, Colombia – m. 1976 en Bogotá, Colombia)

A lo largo de su vida José Rozo Contreras hizo presencia en el rico mundo colombiano de las bandas. Flautista y clarinetista de la banda de su Bochalema natal pasó a desempeñarse como músico del Regimiento Santander de Pamplona, de allí a Bucaramanga, luego a Cúcuta, y por entre estos vericuetos, llegó a la Banda Nacional en Bogotá (desaparecida en diciembre de 2002) para ser uno de sus directores más ilustres. En 1924, y dotado de un inquieto talento, se dirigió a Roma, al Conservatorio de Santa Cecilia para adquirir una formación más amplia en composición y dirección. También estudió en Viena y allí compuso la Suite tierra colombiana, una partitura alegre, reflejo de la personalidad optimista, amable y generosa del autor. Compuso además una graciosa obra para orquesta titulada Burlesca, un Capricho sobre temas 25

colombianos, las canciones orquestadas A ti, Victoria, En el brocal y Día de diciembre, y realizó la instrumentación adoptada como oficial del Himno Nacional. Tuvo un desempeño importante el campo pedagógico y su labor de 40 años con la Banda Nacional en Bogotá aún es recordada con admiración. Durante su larga permanencia en el Conservatorio de Música de la Universidad Nacional de Colombia, tuvo a su cargo las cátedras de instrumentación y dirección de banda. La Suite es de carácter más evocador que descriptivo. Fue estrenada en la capital austríaca por la Orquesta Sinfónica de Viena bajo la dirección de Anton Konrad en diciembre de 1930. Consta de tres secciones: Obertura, Intermezzo y Vals. En ellas hay un constante juego entre las tensiones cromáticas y las resoluciones melódicas apacibles de claro contenido tonal. Hay una cita textual del Bolero de Ravel en el segundo movimiento, cuya cadencia repetitiva se adapta bien al espíritu del movimiento. El vals es una simbiosis entre la danza vienesa y el pasillo. La obra se enmarca dentro del espíritu nacionalista de las décadas de los años 20 a 40 en Colombia cuando se buscó afanosamente la creación de un estilo “colombiano” que se adecuara al medio sinfónico. Surgieron sinfonías, rapsodias, fantasías, suites y un gran número de obras que hicieron uso de aires tradicionales como materia prima de la composición. La Suite de Rozo Contreras figura entre los mejores logros nacionalistas de su generación.

Enrique Arturo Diemecke

(n. 1952 en Ciudad de México, México)

El reconocido director de orquesta, Enrique Arturo Diemecke, se ha destacado en los últimos años, por ser el receptor de una serie de prestigiosos reconocimientos tales como, cuatro medallas de oro del premio Orfeo de Oro, otorgado por la Academia Francesa de Grabaciones Líricas, una de ellas, por la grabación de la ópera Le Jongleur de Notre Dame de Jules Massenet. Por su grabación de la 26

música del mexicano Silvestre Revueltas le fue conferido un Golden Record Award, y ha sido nominado a los premios Grammy en la categoría de mejor álbum clásico por su grabación de los conciertos para piano y violín de Carlos Chávez, también reconocido compositor mexicano. En el campo de la composición, Diemecke ha iniciado una interesante carrera con obras que reúnen diversas tradiciones culturales. La Chacona a Chávez, es un homenaje al célebre compositor mexicano Carlos Chávez (1899-1978), y parte del gusto del mismo Chávez por las obras de inspiración barroca, tales como su Sarabanda y la Toccata. La obra fue encargada por la Orquesta Sinfónica Nacional de México con motivo del centenario del nacimiento de Chávez. Diemecke, basa su obra en La Chacona en sol mayor de Georg F. Handel. Esta obra se ha presentado tanto en Estado Unidos, como en Europa. Es una obra muy fiel al contexto armónico de la obra original, con un conjunto de variaciones continuas y de ánimos contrastantes en las que se despliega un gran colorido orquestal y un acompañamiento percusivo del “nuevo mundo”. A medida que proceden las variaciones, la obra se va tornando más mexicana en sus ritmos y espíritu, hasta que se construye un gran final. Al respecto, el compositor comenta: “…poco a poco la obra fue tomando un tono más individual con motivos de los nativos mexicanos y de un sabor más latino. Al registrar la obra en la computadora ésta advierte que el nombre está muy largo (Chacona a Chávez) y que debo de modificarlo y de ahí nace lo de Cha a Cha. Es aquí en donde torné a un giro de cha cha cha dentro del Preludio de Handel. Y se oyen citas de uno muy famoso llamado Los marcianos llegaron ya (bailando el cha cha cha!). La obra está dedicada al periodista, crítico, escritor, músico y director de escena de teatro y ópera, José Antonio Alcaraz”. En el 2002 escribió la obra sinfónica concertada Camino y visión, inspirado en la figura de Don Quijote; para su obra de cámara Libertad bajo palabra, se inspiró en la 27

fecha patria mexicana del Cinco de Mayo; en honor a la familia Romero, concibió el Concierto a Celedonio, pieza para guitarra solista y orquesta; con motivo del concierto para la final de la Copa Mundo celebrada en Francia en 1998, escribió la obra Die-Sir-E,(Muere, señor E, o mejor, Dies irae…) por comisión de la Radio Francia. De su más reciente inspiración, es el Concierto para marimba y orquesta, cuyo estreno latinoamericano ocurrió recientemente en el mes de mayo en concierto con la Sinfónica de Buenos Aires. Diemecke refleja en sus composiciones su amplia experiencia musical y dominio instrumental. Se formó tempranamente como violinista y también estudió corno francés, piano y percusión. A partir de 1983, año en que ganó un concurso en el ramo de la dirección, se dedicó a la dirección orquestal. Actualmente, como es sabido, se desempeña como director titular de la Orquesta Filarmónica de Bogotá. Pero tiene una extensa historia de trabajo frente a la Orquesta de Long Beach en California y la Orquesta Sinfónica Nacional de México. Actúa como invitado con la Orquesta Sinfónica de Montpelier y la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires. Su amplio dominio del medio operático, le ha permitido incursionar como director de ópera en México y Buenos Aires. Hoy en día ostenta una rica producción discográfica con los sellos Sony y Dorian, entre otros.

Inocente Carreño

(n. 1919 en Porlamar, Isla Margarita, Venezuela)

Con la partitura sinfónica Margariteña, Inocente Carreño rinde homenaje a su tierra natal, Porlamar, en la Isla Margarita. La obra predominante de este compositor venezolano, se basa en su profunda experiencia con la música popular. Intérprete de varios instrumentos, es autor de conocidas canciones de corte popular, como por ejemplo, Mañanita pueblerina, Ha salido el sol, Alba campesina, y Rocío del recuerdo. En Caracas estudió los rudimentos de 28

composición con el renombrado maestro, Vicente Emilio Sojo. Junto con Pedro Palva y Luis Villasana conformó el Trío Caribe. Su labor de director frente a la Coral Lamas y la Orquesta Sinfónica de Venezuela, lo inspiró a crear obras de corte académico, como el Concierto para corno y orquesta, la Suite para cuerdas en tres movimientos, y la Sinfonieta satírica para once instrumentos. A sus 91 años, Carreño aún ejerce una permanente actividad musical: del año 2010 datan sus más recientes estrenos, Elegía para cuerdas y Cuatro canciones para tenor y orquesta de cámara. Margariteña es un trozo en un solo movimiento pero con tiempos contrastantes, que hacen uso de ritmos populares. Un Andantino actúa como introducción para desembocar luego en un Allegretto, en tiempo ternario y con una densa textura sonora. Se escuchan temas melodiosos que aportan aún más contraste entre las secciones. Finalmente, se llega a un Allegretto en 3/8 de gran viveza rítmica y con los sincopados acentos desplazados del polo y la gaita margariteña. Con un Allegro assai se inician los gestos finales de la pieza.

Alberto Ginastera

(n. 1916 en Buenos Aires, Argentina – m. 1983 en Ginebra, Suiza)

La trayectoria artística de Alberto Ginastera es una visión condensada de la historia y problemática musical latinoamericana del siglo XX. En sus primeros años fue receptor pasivo de las formas musicales europeas; de los años 1930 a 1945 combinó la búsqueda de su expresión personal junto con la de una estética musical auténticamente argentina. Con la madurez musical su estilo se tornó cada día más innovador, sugestivo y de carácter internacional. Estancia, Panambí, Fausto Criollo y Pampeanas fueron obras que sirvieron como modelo para mucha música latinoamericana de tendencias nacionalistas en donde prima la elaboración de danzas y canciones tradicionales.

La etapa más nacionalista de la obra de Ginastera, en donde hay cierta fidelidad a los ritmos y algunos elementos melódicos de la tradición argentina, culmina con la primera de las Pampeanas, una rapsodia para violín y piano. El mismo compositor describió esta época como la de su “nacionalismo objetivo”. En los temas musicales empleados hay elementos aún tonales inspirados en la música criolla. Sin embargo, a partir de la tercera Pampeana el compositor incursiona en el ámbito de lo atonal y lo dodecafónico sin perder de vista la referencia tradicional, lo que Ginastera llamaría su etapa de “nacionalismo subjetivo”. Sin embargo, el dodecafonismo de Ginastera es muy libre, apenas un marco para el enriquecimiento de su imaginación armónica que al unirse con la gran fuerza rítmica de su estilo, produce una obra de fuerte colorido e impacto sonoro. Las Variaciones concertantes fueron comisionadas por la Asociación de Amigos de la Música de Buenos Aires y estrenadas en esa misma ciudad el 2 de Junio de 1953, bajo la dirección de Igor Markevich. Data de una época en la cual el estilo musical de Ginastera se había “internacionalizado”, y su nacionalismo era más personal e introspectivo. El mismo compositor aseguró que “la obra tiene un carácter argentino subjetivo. En vez de emplear material folklórico, se obtiene una atmósfera argentina con el uso de melodías y ritmos originales”. La obra consta de un tema con once variaciones. Como su nombre lo indica se destacan diversos instrumentos en calidad de solistas y de allí su carácter concertante. Algunas variaciones siguen la tradición del enriquecimiento y la ornamentación del tema original; otras son metamorfosis que extraen motivos del tema principal y construyen con ellos nuevos motivos y temas. El tema, presentado por el chelo, establece un ambiente muy lírico, mientras que el arpa en su acompañamiento, recuerda la guitarra. Sin embargo, la línea melódica hace uso de motivos muy 30

abstractos fácilmente aislados. En cada variación se establece un ambiente sicológico que refuerza las características que se asocian con el colorido y las capacidades de cada instrumento. Las secciones de las Variaciones se interpretan de manera continua y son: Tema (para chelo y arpa), Interludio (cuerdas), Variazione giocosa (flauta), Variazione in modo di scherzo (clarinete), Variazione drammatica (viola), Variazione canonica (oboe y fagot), Variazione ritmica (trompeta y trombón), Variazione in modo di moto perpetuo (violín), Variazione pastorale (corno), Interludio (vientos), Tema (contrabajo) y Final.

Alex Tobar

(n. 1907 en Bogotá, Colombia - m. 1975 en Bogotá, Colombia)

Es muy poca la información que se tiene a mano sobre este versátil músico colombiano. Por una parte rehuyó a cualquier entrevista y según cuentan, mantuvo los detalles sobre su vida íntima y su sentir musical dentro de una reserva excéntrica. Sin embargo, su música lo señala como un inspirado creador, auténticamente nacional y dueño de un genio artístico que le permitió hacer una simbiosis de la música popular en Colombia con técnicas más elaboradas de composición. Se destacó como arreglista de los conjuntos que en la década entre 1930 y 1940 amenizaron los salones de té y se encargaron de las presentaciones en vivo en la radio bogotana. La variedad de sus intereses musicales se observa a través de las partituras de su rica biblioteca, la cual reposa hoy en el Centro de Documentación Musical del Ministerio de Cultura. Entre sus creaciones orquestales se destacan Kalamary (paráfrasis musical sobre temas originales de Lucho Bermúdez), Serenata en Málaga, Serenata en Chocontá (para orquesta de cuerdas) y Atardecer en Patiasao. Entre sus obras de carácter popular se recuerdan aún Pachito Eché, Impuesto de soltería, Romanza de amor y Pequeñín. En31

tre los conjuntos dirigidos por Tobar, figura la orquesta del desaparecido Hotel Granada de Bogotá. Allí compuso su inmortal Pachito Eché, dedicado a Francisco Echeverri Duque, propietario del hotel. El porro que popularizó Luis Eduardo “Lucho” Bermúdez es un aire que se adaptó a las exigencias de las big bands de la costa atlántica, tan populares a partir de 1940. A diferencia del porro tradicional, el porro de Lucho Bermúdez es cantado, si bien guarda el ritmo pausado de sus modelos originales. Kalamary es una fantasía sobre temas tomados de los siguientes porros originales de Lucho Bermúdez: Kalamary, Fantasía tropical, Carmen de Bolívar, Caprichito y La gaita. Cada uno de los temas es tratado en secciones individuales con ritmos y colorido orquestal contrastantes. Notas por Ellie Anne Duque, musicóloga, Universidad Nacional de Colombia

Repertorio sinfónico universal Ottorino Respighi

(n. en 1879 en Bologna, Italia – m. en 1936 en Roma, Italia)

Si Puccini fue, sin duda, uno de los compositores italianos de ópera más reconocidos de la primera mitad del siglo XX, fue Respighi el más aplaudido en el campo de la música orquestal. Se formó tempranamente en su ciudad natal de Bologna en la ejecución del violín, la viola y el piano. Su primer empleo importante en la orquesta del Teatro Imperial de San Petersburgo fue crucial para su carrera como compositor, pues allí conoció a Rimsky Korsakov, un instrumentador brillante. Los estudios de Respighi con Rimsky-Krosakov duraron sólo medio año, pero en ese corto periodo absorbió los conceptos originales y novedosos de su maestro acerca del sonido de los instrumentos y los secretos de su combinación. El interés por este tema marcó un gran número de sus 32

composiciones, desde las más originales como los tres poemas sinfónicos sobre Roma (Las fuentes, Los pinos y Las fiestas) hasta las transcripciones orquestadas de composiciones de Monteverdi, Vitali, Vivaldi, Rossini y muchos otros. Fue tal su prestigio como instrumentador que hasta Rachmaninov le encargo versiones orquestadas de cinco de sus Études Tableaux, originales para piano. En cuanto a los procesos de composición mismos, Respighi se vio influenciado por el neoclasicismo teñido de romanticismo de Max Bruch, quien fuera su profesor por algún tiempo en Berlín. La primera obra orquestal de Respighi data de sus años de estudiante, un conjunto de Variaciones sinfónicas. La música antigua (Medioevo, Renacimiento y Barroco) fue también una importante fuente de inspiración para Respighi. A partir del estudio del canto gregoriano, aplicó a su obra las modalidades de las escalas eclesiásticas y orquestó un buen número de obras de los siglos XVI y XVII tomadas de colecciones de época. A partir de su traslado a Roma, la música de Respighi ganó mayor reconocimiento y fue nombrado profesor de composición de la célebre Academia de Santa Cecilia. Respighi escribió tres suites, o conjuntos de danzas y arias, tomadas de colecciones de piezas originales para el laúd de los siglos XVI y XVII. La primera data de 1917 y contiene obras de Simone Molinaro y Vincenzo Galilei (padre de Galileo Galilei). La segunda, con obras de Caroso, Besard y Gianconcelli, data de 1924. La tercera, de 1932, se diferencia de las dos primeras por haber sido escrita para instrumentos de cuerda; inclusive el mismo autor indica que se puede tocar en cuarteto de cuerdas (dos violines, viola y violonchelo) si se omite la parte del contrabajo. En ésta última suite incluye dos obras anónimas del siglo XVI, un aire de corte de Jean Baptiste Besard y una passacaglia de Lodovico Roncalli. Besard (c.1567 – 1617) fue un laudista y compositor francés oriun33

do de Besançon, en tanto que Roncalli fue un cortesano de Bérgamo que vivió en la segunda parte del siglo XVII y compuso obras para la guitarra barroca. La Suite No.3 fue estrenada en Milán, bajo la dirección del mismo Respighi. En esta Suite de Las Aves, Ottorino respighi hizo una instrumentación de obras del siglo XVIII y las decoró con pasajes que imitan diversos cantos de aves. A continuación se describen las diversas secciones de Las Aves. Preludio: consta de tres partes, las dos externas con una música elegante e imponente, tomada de una pieza de Bernardo Pasquini (1637-1710); la sección media es una pequeña síntesis de lo que será el canto de las diversas aves a lo largo de la suite. La paloma: parte de una composición para laúd de Jacques Gallot (muerto en 1690). La calidad sonora del canto de las palomas es representada por el oboe solista con acompañamiento arpa y cuerdas. Una melodía pausada y evocadora suena en medio de mordentes que imitan el sonido emitido por las palomas. Luego de una breve sección de desarrollo, la melodía central se escucha a cargo del violín. La gallina: es una de las secciones más conocidas de la suite. Se trata de una pasaje de actividad rítmica marcada e incesante, característica de la música de la primera mitad del siglo XVIII; para esta sección, Respighi se basó en una conocida pieza de Jean Philip Rameau. La ornamentación, en este caso, una figura ascendente glisada, se encarga de despertar en nuestra mente el cacareo de la gallina. El ruiseñor: basada en una pieza de autor inglés anónimo. La flauta es, lógicamente, el instrumento indicado para representar el canto del ruiseñor. Participan en esta recreación el piccolo y la celesta para enfatizar la ligereza del canto del ruiseñor. A manera de acompaña34

miento y contrapunto también participan las cuerdas, el fagot y el corno. El cuclillo: otra obra de B. Pasquini sirve de base para la última sección de la suite. En diversas partes y musicalmente, de manera casi descontextualizada, se escucha el intervalo descendente de dos notas que retrata de manera fiel el canto del cuco. La obra finaliza con los compases del Preludio inicial.

Gustav Mahler

(n. en 1860 en Kalischt, Bohemia, en 1860 - m. en 1911 en Viena, Austria).

Mahler comenzó a componer su Quinta sinfonía en el verano de 1901 durante sus vacaciones veraniegas en el lago Worthsee en Maiernigg, año en el cual inició las Canciones sobre niños muertos. La sinfonía se estreno en Colonia en 1904. Acerca del horario y el método de trabajo practicado por el compositor durante la escritura de la sinfonía, Alma Mahler su esposa y biógrafa, comenta con humor y detalle: “Se levantaba a las seis o seis y media y llamaba a la cocinera para que preparara el desayuno y lo llevara por un sendero empinado y resbaloso a su cabaña, hecha de madera y situada a unos doscientos pies más de altura que la villa. A la cocinera no le era permitido tomar el camino normal, ya que no resistía encontrársela, o a cualquier otra persona antes de iniciar su trabajo; y así, arriesgando el desayuno, tenía que ascender por el camino más tortuoso. Su desayuno consistía en café (recién tostado y molido), pan, mantequilla y una mermelada diferente cada día. La cocinera debía colocar la leche sobre un reverbero, junto con los fósforos y retirarse rápidamente por el mismo camino del ascenso para no encontrarse con Mahler. No se demoraba en llegar; todo lo que hacía lo hacía con rapidez. Primero prendía el reverbero y casi siempre se quemaba los dedos, no tanto por torpeza, sino por distracción. Luego se acomodaba 35

ante una mesa frente a la cabaña. Siempre pensé que no era saludable que se hiciera allí, porque el sitio estaba rodeado de árboles, sin escape para la humedad; pero le gustaba tanto su retiro que no podía hacer nada. Tenía allí un piano y una colección de las obras de Goethe y Kant; de música, sólo Bach. Al mediodía, llegaba a la villa, sin hacer ruido y se vestía. En el bosque se deleitaba usando la ropa más vieja. Después de vestirse se dirigía al muelle en donde teníamos dos lindos botes. A cada lado del muelle había dos cabañas con plataformas. Lo primero que hacía era nadar lago adentro y luego silbar. Esta era la señal para que bajara y le hiciera compañía.” (Alma Mahler. Gustav Mahler, Memories and Letters. Seattle: University of Washington Press, 1979, pp. 45-46.) La Quinta sinfonía no es programática en el sentido romántico de la palabra, pues no describe hechos literarios, no contiene partes cantadas y no se inspira en un poema. Pero, en cierto sentido, sí puede considerarse descriptiva, pues refleja con fidelidad el mundo interno de su compositor, lleno de cuestionamientos constantes, obsesión con la muerte (la sinfonía se inicia con una marcha fúnebre), alegrías sublimes y sentimientos arremolinados. La vida del compositor, aunque coronada de éxitos profesionales transcurrió como esta sinfonía, entre la duda y la decisión, la meditación profunda y el instante pasajero, la muerte y la esperanza de la vida eterna junto a Dios. Consta de cinco movimientos que se agrupan en tres secciones indicadas por el compositor: la primera reúne los dos primeros movimientos, temáticamente relacionados. La segunda, conformada por el Scherzo monumental y la tercera, por el Adagietto y el Rondo Finale. La relación temática de los dos primeros movimientos está acompañada de una cierta unidad espiritual, marcada por un signo trágico y agitado. A partir de la segunda sección, la intensidad anímica comienza a relajarse y a dar paso a momentos francamente sublimes.

La sinfonía se inicia con un pasaje de la trompeta, inolvidable por su carácter marcial revestido de un ropaje fúnebre que inmediatamente nos ubica en el medio de un cortejo. Un gesto muy mahleriano interrumpe sorpresivamente para escuchar un nuevo tema de ambiente poético presentado por los violines. Los dos temas constituyen el germen temático de todo el movimiento. Son un núcleo-motivo del cual parte el discurso musical central y que a través de múltiples repeticiones y transformaciones adquirirá su personalidad madura. Este sistema de composición es el más frecuente en Mahler y la característica fundamental de cada uno de los movimientos de la sinfonía: presentar el material básico en forma directa, casi telegráfica y de allí desarrollar la obra. El segundo tema del primer movimiento adquiere con cada presentación un sabor popular, muy obvio cuando lo acompaña la tuba, al estilo de una banda de pueblo. Sin embargo, en esta sucesión de temas y variaciones se distinguen las raíces de la forma sonata clásica en tres partes: exposición, desarrollo (en donde se da una gran tensión armónica y contrapuntística) y recapitulación. En la última sección se llega a cierto punto de tranquilidad con la resolución de las tensiones anteriores. La agitación emotiva del primer movimiento continúa en el segundo que se inicia con una conversación entre contrabajos y cobres, agresiva y disonante. Nuevamente y como elemento de gran contraste aparece en los chelos el segundo tema del primer movimiento. En esta ocasión viene acompañado por unas figuras rítmicas de importancia temática que se escuchan en primera instancia en las flautas. Al igual que en el primer movimiento, las ideas se turnan y se mezclan para generar así la forma total. Uno de los retornos del segundo tema viene precedido por un recitativo del chelo que ilustra cabalmente el sentido melódico de Mahler: fraseo suelto, gestos ampulosos y sentir romántico. Hasta el final del movimiento se escuchan de manera prácticamente simultánea todos 37

los temas, mientras que se avecina un final con un gran coral en los cobres y la participación del timbal como solista enigmático. Sobre el Scherzo se podría escribir un tratado de orquestación. Por una parte, se destacan los cornos y entre ellos, un corno obligado, solista a lo largo del todo el movimiento y protagonista de un diálogo pausado y espiritual en la sección media del movimiento. Cada instrumento ha sido tomado en cuenta y cada grupo recibe instrucciones precisas y diferentes sobre los matices: unos ejecutan un crescendo mientras otros van en diminuendo. Se inicia el Scherzo con un tema ejecutado por la sección de cornos, expandido luego por el solista que debe imitar el vaivén gracioso pero enfático del laendler (vals austríaco de carácter rústico). Se suceden diversos temas y toda esta actividad en torno a la danza se suspende momentáneamente cuando las cuerdas inician una fuga de estilo barroco, construida con trozos del segundo tema y que desemboca en una sección de ritmo pausado que sirve para impulsar una nueva actividad, Con reminiscencias de Mendelssohn, Mahler desarrolla sus temas, evocando las Romanzas sin palabras. Después de esta sección media, regresa el Scherzo con todo su colorido orquestal. Un coral y una coda galopante ponen final a tres movimientos de gran conmoción afectiva. El contraste más grande y mejor calculado de la sinfonía lo produce el Adagietto para cuerdas y arpa. La reducción en el volumen de sonido es obvia, pero también deben destacarse los cambios de intención y de comportamiento formal. El movimiento gira en torno de dos melodías cromáticas y expresivas. Predomina el movimiento descendente lleno de implicaciones líricas, teñidas por la añoranza del suspiro. En la sección media, desaparece momentáneamente el arpa, que retorna con su aura cristalina al final del movimiento. La paz que logra Mahler es sorprendida por el ataque del movimiento 38

final. El Adagietto sirve de preludio al final y a la tercera parte de la sinfonía. Fue escrito en 1902 a manera de “carta de amor musical” para Alma Mahler, con quien se casara en ese mismo año. Para el cierre de la sinfonía, Mahler eligió una de las formas finales favoritas de Haydn: el rondó. Con él se da la libertad de variar a gusto los temas centrales sin perder de vista el elemento reiterativo que le da cohesión a todo el movimiento. En la introducción que entonan las maderas y el corno se hallan las semillas de cada uno de los temas y motivos que cobrarán importancia más adelante. Uno de ellos, hace alusión al Lied Alabanza al alto entendimiento, tomado del ciclo de canciones El corno mágico del mancebo. Sin embargo, esta cita no permite concluir que la sinfonía se base en la mencionada canción y contenga mensajes literarios. Los cornos desarrollan el primero de ellos y sobre una fuga en las cuerdas aparecen dos temas adicionales que sufrirán incontables variaciones y modificaciones. En ninguno de los movimientos anteriores se había atrevido Mahler a ser tan audaz en la mezcla de los temas y en la simultaneidad de melodías, acompañamientos y comentarios diversos. El contrapunto en el Rondo es una constante que actúa como una oleada sonora de inconfundible carácter conclusivo. Notas por Ellie Anne Duque, musicóloga, Universidad Nacional de Colombia

Planta musical

Enrique Arturo Diemecke Director Titular U Jefe de Grupo e Asistente Jefe de Grupo f Comisión de estudios Violines I Luis Martín Niño Rodríguez (Concertino principal) Mauricio González Velásquez (Concertino alterno) Todor Ivanov Harizanov (Concertino alterno) Marilyn Louise Prasil Blanca Viviana Niño Rodríguez Luz Stella Rojas Robayo Julio C÷esar Guevara Díaz Martha Romero Sánchez Luis H. Rivera Bejarano Jorge A. Valencia Casasbuenas Rodrigo Cottier Arce Liliana Parra Puerto Ángela A. Sierra Ramírez Juan Carlos.Higuita Estrada Sergio A. Allendes T. Giuseppe Tejeiro

Violines II

Tzanko Vesselinov Dotchev U Olga C. Medina V. e Mariluz Monsalve Ospina Lenin L. Lozano Oviedo Víctor M. González Calcetero Daniel Luciano Herrera G. Esperanza Rosas Bernal Beatriz Arroyo Sanabria José F. Arroyo Sanabria Rocío Salas Escobar Óscar F. Avendaño Ramírez Carlos A. Benavides Salcedo Pablo Hurtado Taborda

Violas

Aníbal Dos Santos Pestana U Esperanza Mosquera E. e Johanna Gutiérrez Páez Guillermo Isaza Fisco Ricardo Hernández Mayorga Robinson J. Ávila Cardona Ligeia Ospina Linero Julián D. Linares Chaves Luz Helena Salazar Amézquita Olga L. Hernández Madrigal Sandra Liliana Arango

Violonchelos

Camilo Benavides Rey U Juan G. Monsalve Ospina e Victoria E. Delgado Montoya Olga L. Ospina Serrano Luis Fernando Varón Pérez Andrea Fajardo Moreno Petar Hristov Ivanov Leonor Preuss Latorre Cecilia Palma Román José Marco Giraldo

Contrabajos

Alexandr Sanko U Julio C. Rojas Cubillos e Mónica Suárez Quiceno Juan Miguel. Celis Fajardo Mauricio Daza Castillo Jorge S. Cadena Díaz Julián Gil Cuartas Andrés A. Sánchez Angarita

Flautas

Trompetas

Oboes

Trombones

Cristian M. Guerrero R. U Fabio Londoño Ramírez e Martha J. Rodas Blanco Luis Pulido Hurtado Orlín Petrov U Amílkar Villanueva Romero e Edna Barreto Soler

Oboe/Corno Inglés Luz del Pilar Salazar Echeverry

Clarinetes

Héctor Pinzón Malagón U Alcides Jáuregui Urbina e Ricardo Cañón García* (* Clarinete bajo) Edwin Rodríguez Sarmiento* (* Clarinete piccolo)

Fagotes

Pedro Alejandro Salcedo U Eber J. Barbosa Castro e Rossemarie Mosquera Escobar

Fagot / Contrafagot Sandra Duque f Cornos

Jorge A. Mejía Fernández U Manuel Francisco Rodríguez H. e Carlos F. Rubio R. Gerney Díaz Gómez Miguel Á. Enríquez B. Antonio M. Matallana

Georgi Nikolaev Penchev U Guillermo Samper Salazar e Lupercio Barbosa Parrado Leonardo Parra Ríos Néstor Gueorguiev Slavov U Luz A. Mosquera Varón e Virgilio González Barinas Nelson A. Rubio Herrera

Tuba

Fredy Romero Nieto f

Percusión

William León Rodríguez U Diana Alexandra Melo e Rossitza Serafimova Petrova Edgar Dennis López Jaramillo María Victoria Valencia Becker

Arpas Martha L. Bonilla Zabala

Piano Olga Nikolaevna Trouchina

узыка появляется непроизвольно в самых разнородных местах и человеческих группах, распространяется во время и пространство, строит мосты, уменьшает расстояния, разрушает барьеры, предубеждения, заполняет социальные пустоты и скрывается в глубине человеческой души. Именно это человеческая и универсальная составляющие музыки позволяет нам распознавать жизненные силы, лежащие на основе всех культур и обществ. Богота – место встречи древних народов Америки с европейскими иммигрантами и африканцами, вторая опора населения материка. Поэтому наш город, который противостоял неравенству, сегрегации и бедности способен признавать культуру как важный инструмент, позволяющий понимать друг друга и менять окружение. Основами города являются уважение человеческого достоинства, разнообразия, и солидарной свободы в гармонии с уникальной окружающей средой.

В Боготе наиболее богатые и различные музыкальные выражения. Эти выражения становятся его голос – свободный и характерный. Филармония Боготы гордо представляет его город, город с богатым музыкальным наследством от разных культур, которые сообщают через музыку народам мира их человеческую натуру. ГуставоПэтро Мэр г. Боготы г. Богота Колумбия

ыражаю свою благодарность Правительству Российской Федерации за то, что приняли Колумбию и её культуру. Колумбия это страна с природным богатством, большими перспективами экономического развития, признанным культурным наследием, и разновидностью культурных выражений. Колумбийские артисты раскрывают их потенциал с высоким профессионализмом на знаменитых площадках мира.

На этой великой площадке с благодарностью и гордостью представляем Филармонию Боготы, основана в 1967 году и обладательница премию «Грэмми Латино». Для Филармонии это уникальный шанс выставлять симфоническую колумбийскую музыку в России – место рождения настоящих чудесных исполнителей классической музыки. Присутствие Филармонии Боготы в России говорит о высоком значении русской классической музыки в Колумбии, так как в репертуар наших симфонических оркестров входят классики русской композиции. Нельзя забыть вклад русских директоров и солистов в государственных орхестрах, которых своими знаниями дополняют музыкальное искусство страны. Этот обмен проявляет наш интерес в укреплении дружеских отношений и сотрудничества между Российской Федерацией и Колумбией не только через музыку, а в разных областях. Колумбия надеется на усиление двухсторонних связей, что выскажетсяположительно наблагу и процветание российского и колумбийского народа. Хочется представить Филармонию Боготы словами дружбы и уважения в честь культурного взаимного сближения наших народов.

Мария Анхела Ольгин Министр Иностранных Дел Колумбии

ород Богота служит моделью социальной и политической эволюции, где культура играет основную роль в гуманном развитии общества. Действия местных правительств направлены на укрепление коллективного гражданства, разнообразного, на строение реального публичного символического пространства. Эти действия улучшили качества жизни жителей города и уменьшили признаки неравенства. Изменение в обычаях, отношений и восприятий жителей города, у которых многообразное культурное наследие и были вынуждены иммигрировать в условиях насилия, все это позволило укреплять общество с личностью и активно принимающее участие в народной политике, придавая Боготе национальный и местный авторитет. Программы по использованиюпубличного пространства включают музыкальные мероприятия бесплатно для всех, Фестивали «в Парке» и являются международным знаком города. Ежегодно собирают около полтора миллиона человек, в них можно слушать симфоническую музыку, оперу (в прошлом доступны только для элиты) и даже современные виды музыки как Хип-Хоп.

Эти государственные инициативы сопровождаются увеличением образовательных программ высшего образования, установленной мощности для звукозаписывающей, кинематографической и аудиовизуальной индустрии. В городе теперь доступны международные музыкальные спектакли всех жанров.

Музыка есть знак изменения города, который превратил разность в мощь. Музыка является основной движущей силой искусства и городской культуры Боготы. В свою очередь Филармония Боготы есть видимый символ городской музыки, представится посолом города в её инициативе международной проекции и с целью создания культурных связей. КларисаРуйзКорреаль Секретарь по Культуре, Отдыху и Спорту. Богота, городской округ.

ля Филармонии Боготы есть большая честь принимать участие в VII Фестивале симфонических оркестров мира в городе Москве. Это повод возвысить работу Филармонии Боготы в распространениимузыки в нашем городе. Этот труд позиционирует нас как один из выдающихся симфонических оркестров Америки.

Благодаря 45 лет непрерывной работы Филармонии Боготы тысячи горожанин приблизились к известным композиторам всех времён и обнаруживали в их исполнениях драгоценное пространство духовного объединения с искусством и одну из благоприятных выражений: универсальная музыка. Сделали они это не только в принятых аудиториях, но и в парках, церквях, в удаленных уголках обычно далеки от формальной культурной обстановки. Это был результат поставленной в 1967 году цели Филармонии Боготы: Доходить до всех боготанцев через визиты во все районы города Боготы.

Филармония Боготы в характере народного оркестра является символом культуры города. Она выполнила свою миссию распространять универсальный симфонический репертуар и создала музыкальную колумбийскую

память, записывая пьесы народной музыки страны. Филармония Боготы играла большую роль в исполнении латиноамериканского и колумбийского репертуара; помогала развитию сочинения, композиции и течения музыки в нашем континенте. Из-за высокого артистического уровня в исполнении и музыке Филармония Боготы является основным символом в процессе международного выдвижения Боготы. Эта стратегия стремится укреплять отношения города с другими городами и местными правительствами, развивать совместное действие, солидарные обмены и креативные признания. Радостно отмечаем это приглашение, которое позволит нам связать Боготу с миром с помощью музыки, исполняемой Филармонией Боготы. Соединить наш город с одним из братских городов – Москва, столица Российской Федерации и мать значительной части музыки в репертуарах всех оркестров в сегодняшний день в нашей глобальной вселенной.

Мария Клаудия ПариасДуран Генеральный Директор Филармония Боготы

Богота и её туристические достопримечательности

Кто посещают Боготы, столица Колумбия, находят исторический и современный город, с богатой культурой, отличающийся качеством народа и гостеприимством.

Часть этих изменений обусловлена иммиграцией жителей из всех уголков страны в средине ХХ века, что позволило построить многокультурное, креативное, разнообразное общество на уровне больших столиц мира. Сегодня Богота является главным туристическим направлением Колумбии,занимает шестое местов проведении мероприятий в латинской Америке. Официальные цифры показывают, что в 2010 году город посетили около 8 миллионов местных и международных туристов. Это число больше чем жителей города. В результате возрастания международных туристов экономия города динамично развивается, отражается это в потреблении гостиничных услуг, ресторанов, покупок, и т.д.

Богота в качестве столица и эталонный город ставит на туризм как двигатель экономического развития и вдохновение лучшего имиджа юного города, современного, космополита и креативного с огромным количеством возможностей.

Город имеет отличное географическое расположение, легко можно добраться авиа или наземным транспортом, что упрощает связь с региональными и международными рынками. Богота связывается с миром через Международный аэропорт «Эль Дорадо», первымпо перевозке груза в Латинской Америке и третьим по количеству пассажиров в районе. От Боготы до Ню-Йорка, Город Мексика или Сан-Паулу лететь всего 5 часов. В табло аэропорта числятся более 27 прямых международных рейсов.

Богота – это туризм поновому!

В Боготе более 1000 туристических агентств, около 500 гостиничных учреждений для туристов, 332 ресторана, бары и места для развлечения, 439 туристических гидов, 111 организатора конгрессов, фестивалей и конвенций, и 111 крупных туристических оператора. Чем заниматься в Боготе? Посетители и жители могут заниматься разными видами тематического отдыха или наслаждаться окружающей средой: Культура: в столице Колумбии 70 музеев и известные коллекции искусства как в Музей Золота, одна из драгоценных в мире; 90 галереей, 45 театров, 29 храмов национального интереса, 132 национальных памятников и 5256 парков.

Гастрономия: богатое гастрономическое многообразие разделено на шесть зон города международного уровня, из которых можно назвать Зону G (между улицами 68 и 71 и проспектами 7 и 4), Зону С (в историческом центре города), Зону T(между улицами 83 и 84 на пересечении с проспектом 12), окружение парка Усакен, Зону М (в районе Ла Макарена), парк на улице 93, границы города и дорога в Ла Калера. Можно еще добавить рестораны, расположенные в других точках города. Танцы и развлечение: ночная жизнь в Боготе очень насыщенная и непрерывно ведётся в многочисленных местах на все вкусы и в разных районах города. Покупки: в городе около 50 торговых центров, торговые площадки на улицах и проспектов, бутики известных дизайнеров, магазины распродажа в промышленных зонах с затягивающими акциями. 52

Фестивали: в течение года в Боготе можно встречать постоянные и временные выставки. Известными стали Ибероамериканский Фестиваль Театра и Фестивали Рок в Парке, Джаз в Парке, Хип-Хоп в Парке, Сальса в Парке, Опера в Парке и Колумбия в Парке. Чтение: Богота – ценный международный культурный узел. Международная Выставка Книг, вместе с выставками Гвадалахары и Буэнос-Айреса считаются важнейшими выставками данного рода в Америке. Столичная Сеть Публичных Библиотек объединяет 19 библиотек.

Помощь туристу: 23 Пункта Туристической Информации (ПТИ). 12 фиксированных точек, 5 виртуальных ПТИ, пять передвижных туристических информаторов и один мобильный ПТИ, одна горячая линия службы поддержки туриста 24 часа в сутки: 018000 127400. Доступно приложение для смартфонов, которое позволяет легко и быстро иметь доступ к информации о местонахождении туристических достопримечательностей и к культурной программе города. Доступный туризм: наш город – новатор в развитии программ по доступному туризму для молодых, престарелых лиц и инвалидов с тем, чтобы они также наслаждались туристическими достопримечательностями города. Такая есть Богота на сегодняшний день, с культурным обаянием и большим выбором развлекательных программ, которые приглашают жителей из всего мира познавать её. Ждём вас!

Районный Институт Туризма

45 лет истории

История Филармония Боготы начинается в 1967 году. Все началось с Фонда Колумбийской Филармонии, группа музыкантов без корыстной цели, которые хотели создать новый оркестр.

Меломаны, интеллектуалы и частные предприниматели собирали чувство некоторых музыкантов по отношению к ограниченным возможностям поступления новых музыкантов в Симфонический Оркестр Колумбии инуждаемости в растущей музыкальной культуре в ответе на увеличение населения города. В результате было подписано Соглашение 71 от 1967 года, в силу которого Городской Совет Боготы поддерживал Фонда Филармонии для создания Филармонии Боготы. 19 августа впервые выступала Филармония Боготы в Театре Колон во главе директора Мельвин Страус с участием скрипача Франк Преус и сопрано Хулия Бальестерос в качестве солистов.

За все эти годы Филармония Боготы исполняла известные пьезы универсального музыкального репертуара и служила для профессионального развития многочисленных директоров, композиторов и, конечно же, исполнителей. Через неё проходили знаменитые директора, например Хаиме Леон, ДимитарМанолов, ЭдуардоКарриоза, Кармен Мораль, Франсиско Реттиг, ИргвинХоффман, ЛиорШамбадаль; из композиторов можно назвать Луис Антонио Эскобар, ХэсусПинсонУрреа, Блас Эмилио Атеортуа, Луис Пулидо и Франсиско Зумаке. Большое число национальных и международных солистов приняли участие в программах Филармонии и дали возможность боготанцам познавать репертуар и наслаждаться великими композициями симфонической музыки в протяжении 45 лет истории. 54

Филармония Боготы одна из малого числа оркестров Латинской Америки, которая исполнила почти в полном объеме циклы композиторов как Малер, Брукнер и Барток. Благодаря программам Филармонии Богота слушала произведение великих композиторов, среди них Стравинский, Дебюсси, Пуленк, Орф, ПинсонУрреа, Хиндемит, Копленд, Турина, Кодай, Брауэр, Лютославский, Борда, Равель, Хачатурян, Гершвин, Кабалевский, Делиус, Вилла Ловос, Хинастера, Элгар, Бернстайн, Бриттен, Де Фалья, Сибелиус, Пулидо, Респиги, Нильсен, Мийо, Гурецкий, Холст, Гомес-Вигнес, Монкайо, Энеско, Мехия, Барбер, Мессиан. Помимо этого, Филармония Богота играет в парках и церквях города, имеет собственную программу по радио и телевидению, познавательные программы, конкурсы для молодых исполнителей, фонографические продукции и разнообразный аудиовизуальный материал. Филармония Богота имеет собственный Банк партитур, оказывающий услуги для музыкальной среды на национальном уровне, так же имеет лентотека, доступна всем гражданам, в которой можно найти записанные концерты за более 30 лет деятельности. Таким образом, Филармония Боготы выполняет свою роль в развитии и распространении универсального и колумбийского симфонического репертуара в столичном городе Боготе.

В состав Филармонии входят 97 музыкантов и её дирижёр маэстро Энрике АртуроДиемеке. Филармония Богота – областное народное учреждение и благодаря артистичной и социальной деятельности является культурным знаком и живым наследием всех колумбийцев.

Энрике АртуроДиемеке Штатный Дирижёр Филармонии Богота

С 2007 года маэстро Энрике Диемеке является артистическим директором и основным музыкальным директором Филармонии Буэнос-Айреса в Театре Колон, Аргентина. С 2001 года является музыкальным директором Симфонического Оркестра Лонг Бич, Калифорния. С 1990 является артистическим директором Симфонического Оркестра Флинта, Мичиган. В протяжении 17 лет был артистическим директором Национального Симфонического Оркестра Мексика, где ставил свою печать лидера и новатора.

В мае 2010 года маэстро Диемеке получил премию Гранд При де ла Академиду Диск Лирик во Франции за работу в опере «ЛеДжонглу де Нотр-Дам» от ДжульсМассне где играл тенор Роберто Алагна с участием Национального Оркестра Монпелье. Был записан компактный диск для фирмы ДотчГрамофон. В июне 2007 года руководил с большим успехом компанию Театра Зарзула из Мадрида с участием Оркестра для Концертов Общества Мадрида. Поставил на сцену оперу «Вердер» от Массне в Театре Колон, Аргентина. В ноябре вернулся в Лондон руководить Симфоническим Оркестром ВВС. В том же году получил от Национального Института Художеств Мексика золотой медаль за художественную траекторию и музыкальный вклад вокруг мира.

В 2002 году маэстро Диемеке получил номинацию в Грэмми Латино в категории «Лучший классический альбом» за работу «Концерты для скрипки и пиано» от автора Карлос Чавес. В том году также получил номинацию Академией ду Диск Лирик из Франции премией «Бруно Вальтер», Золотой Орфей как лучший Дирижёр Оперы. Также получил премии «Джан Фонтан» Золотой Орфей и «Фанни Эльди» Золотой Орфей от той же Академии в 2002 году.

Получил Медаль имени Моцарта в первой церемонии от правительств Австрии и Мексика. Отличается его работа с RoyalPhilharmonicOrchestra из Лондона в исполнении латиноамериканской музыки. Диемеке записал композиции от Вилла-Лобос, Чавес, Монкайо и Ревуельтас с фирмой Сони. Можно добавить записи тем Вилла-Лобос и Ревуельтас с Симфоническим Оркестром имени Симон Боливар из Венесуэлы. Диемеке совместно работал с известными солистами нашего времени, среди которых выделяются Мстислав Ростропович, Пласидо Доминго, Джесси Норман, Дебора Войт, ИцакПерлман, Джощуа Белл, ЙоЙоМа, РавиШанкар, ИвоРогорелич, Генрик Шеринг, Фредерика фон Стаде, МарилинХорн, Катлин Баттл, Франсиско Араиза, Герман Бауман, Никанор Забалета, Джулия Михенес, Физил Сей, Паскал Роге, ПепеРомеро, Миша Дичтер и Борис Березовский.

В качестве приглашенного дирижёра работает на сегодняшний день с Филармонией Лос-Анджелеса, Симфонией Сан Франсиско, Национальной Симфонией Вашингтона, Королевским Филармоническим Оркестром, Национальным Оркестром Франции, Филармоническим Оркестром Радио де Франц, Симфоническим Оркестром ВВС из Лондона, Симфонией Колумбус, Обществом Концертов Мадрида и Оркестром Бильбао, Филармонией Государственного Автономного Университета Мексика, Филармонией Города Мексика, Камерой Художеств Мексика и Симфоническим Оркестром имени Симон Боливар из Венесуэлы. С января месяца 2011 года является Штатным Дирижёром Филармонии Боготы.

Программа № 1

г. Москва, 5 июня 2012 года

АдольфоМехия (1905-1973) Íntima - Интима, симфонический поэма

ХосеРосоКонтрерас (1894-1976) Suitetierracolombiana – Сюитаколумбийская земля (1930) Увертюра Интермеццо Вальс

Энрике АртуроДиемеке (1952) Чакона Чавесу (1999)

ИносентеКарреньо (1919) Margariteña – Маргаритенья, симфоническая вариация (1954)

Альберто Хинастера (1916-1983) Полифонические вариации для оркестра (1953) Алекс Тобар (1908-1975) Kalamry – Каламари, парафраза на темы ЛучоБермудеса

Программа № 2

г. Москва, 6 июня 2012 года

ОтториноРеспиги (1879-1936) GliUccelli (Птицы), оркестральная сюита (1927) Прелюдий Lacolomba(Голубь) Lagallina(Курица) L´usignuolo(Соловей) Ilcucù(Кукушка)

Густав Малер (1860-1911) Симфония № 5до диез минор(1902) I. Траурный марш. В умеренном темпе. Ухаживание. II. Бурное движение. С великой страстностью. III. Scherzo. Энергичный, не очень быстрый. IV. Adagietto. Медленный. V. Rondo – Конец. Аллегро.

Латиноамериканский репертуар АдольфоМехияНаварро

(Родился в 1905 году в Синсе, сегодня под названием Сукре, Колумбия.Умер в 1973 году в г. Картахене, Колумбия.)

АдольфоМехия является одним из известнейших композиторов ХХ века в Колумбии. Не важно было ли это популярная музыка или симфоническая он одним духом играл на гитаре или руководил группами под его ответственностью. Мехия родился в Синсе (сегодня под названием Сукре). Когда он еще был ребёнком родители отправили в г. Картахену. Детство и юность прожил в районе Сан Диего и его любовь к этому городу вечно посвящена в песни под названием Картахена. Имя Мехия встречается во всех книгах о колумбийской музыки народной или классической.Колумбийские пианисты до сих пор исполняют с большим удовольствием и любовью его композиции для пиано, изданные в 1990 году Колумбийским Покровительством Искусств и Наук. Там же находится основная часть его работы. Его две первых поездки за рубежом расширили его мировоззрение; полюбил испанский пасодобль , танго, самбу. Мехия занимает важное место в истории колумбийской музыки благодаря его творчеству в оркестральном мире. Отличаются его симфонические поэмы Америка, Интима, Память Антонию Гомесу Рестрепу и Луйсу Лопесу де Меса, Испанский каприз для арфы и оркестра. В области комнатной музыки выделяются две работы: Трио ми минориз-за мелодии, ритма и контрастных гармоний; и Ля Лопескадля скрипки и пиано. Из песней до сегодняшнего дня можно слушать в сопровождении пиано Tú vivesenmí - Ты живешь во мне и Tequiero - Люблю тебя.

Получил стипендию за работу в Pequeñasuite – маленькая сюита и поступил в Нормальную Школу Парижа где занимался под руководством Генри Коечлин. Не поддавался имитациям французского пост романтического стиля, как происходило с многими латиноамериканскими композиторами в контакте с французской музыкой на первой половине ХХ века. В его работе наблюдается уникальную адаптацию гармонического колорита импрессионизма под национальным и личным чувствами. Интима – это симфоническая поэма основана на личной программе, о чём говорит само название. Отличается в этой поэме богатая оркестровка и скромность мелодических тем. Намыкаются мелодии с богатой и разнообразной гармонической средой. Соло на флейте даёт под конец более ясную картину о вышеуказанных мелодических жестах.

Хосе РосоКонтрерас

(Родился в 1894 году в Бочалема, Сантандерь, Колумбия - Умер в 1976 году в Боготе, Колумбия)

Хосе РосоКонтрерас провёл свою жизнь в богатом мире колумбийских бандас. Играл он на флейте и кларнете в группе его родного города Бочалема, затем играл в Полке Сантандер из Памплона, оттуда в Букарамангу, затем в Кукуту, и пришёл в Национальный Банд Боготы (существовал до декабря 2000 года) где стал одним из его лучших дирижёров.

В 1924 году отправился в Рим, в Консерваторию Санта Сесилии с целью усовершенствования навыков композиции и дирижёра. Учился в Вене, где написал Suitetierracolombiana - Сюита колумбийская земля – весёлая партитура, которая отражает оптимистическую и добрую личность автора. Среди его работ можно упомянуть весёлуюBurlesca – Бурлеску для оркестра, Caprichosobretemascolombianos–Капризы на колумбийские темы, оркестральныепесни Ati – Тебе, Victoria –

Виктория, Enelbrocalи Díadediciembre–Декабрьский день. Официальная инструментовка для Национального Гимна – его заслуга. Выдающийся педагог. Его 40-летная работа с Национальным Бандом Боготы до сих пор вспоминается с уважением.

Сюита имеет напоминающий характер. Впервые зазвучала в австрийской столице в инструментах Симфонического Оркестра Вены под руководством Антона Конрада в декабре 1930 года. Состоит из трёх частей: увертюра, интермеццо и вальс. В ней наблюдается постоянная игра между хроматической гаммой и мелодическими решениями ясного тонального содержания. Присутствует цитата из Болеро от Равел во втором движении, хорошо адаптирована под духом движения. Вальс – союз Венявской пляски и пасильо. Данная работа имеет националистические черты, характерны в 20 и 40 годах в Колумбии, когда искали новый «колумбийский» стиль для симфонической среды. Появились симфонии, рапсоды, фантазии, сюиты, и большое число работ на основе народных вдохновений в качестве сырья для композиции. Сюита от РосоКонтрерас считается одним из лучших националистических достижений его поколение.

Энрике АртуроДиемеке

(Родился в 1952 году в г. Мексике, Мексика)

Знаменитый дирижёр оркестра. Выделялся в последние годы за многочисленные премии, среди которых четыре золотых медалей премии Золотого Орфея, врученных Французской Академией Лирических Записей. Один из этих медалей он получил за запись оперы ЛеДжонглу де Нотр-Дам от автора ДжульсМассне. За записи музыки мексиканского композитора Сильвестре Ревуельтас получил Золотой Диск и был номинирован в премии Грэмми в категории «лучший классический альбом» за концерты для пиано и скрипки от автора Карлос Чавеса – известный мексиканский композитор.

В области композиции Диемеке начал интересную карьеру. Ла Чакона Чавесупосвящена памяти мексиканского композитора Карлос Чавес (1899-1978) с составляющими барочного стиля, как любил сам Чавес и показал это в «Сарабанда» и «Токата». Ла Чакона Чавесу создавал по заказу Национального Симфонического Оркестра Мексика к 100-летию рождения Чавеса. Диемеке взял в качестве основы для этой работы соль мажор от Георга Генделя. Это произведение представлялосьтак и в США как и в Европе. Произведение Диемеке очень похоже на оригинальное в гармоническом контексте, включает в себя набор постоянных вариаций и контрастов, что придает оркестральный колорит и ударное сопровождение так называемого «нового мира». По мере поступления вариаций, в произведении чаще встречается мексиканские ритмы и дух до доведения к прекрасному концу.

Имея в виду эту работу, композитор говорит «…шаг за шагом это произведение принимало все более индивидуальный характер и древние мексиканские мотивы, и более латиноамериканский вкус. Когда ввели название в компьютере, он предупредил что оно слишком длинное (Чакона Чавесу) и попросил изменить его, так и получилось название Ча а Ча. Это меня заводило добавить немножко чачача в Прелюдий Генделя. И слышать можно цитаты одного знаменитого под названием Марсиане уже пришли (танцуют чачача!). Произведение посвящено журналисту, критику, писателю, музыку и директору сцены театра и оперы Хосе Антонио Алкарас. В 2002 году написал симфоническое произведение Дорога и взгляд, основано в сюжете Дон Кихоте. Основой для комнатного произведения Освобождение под честное слово служил день независимости Пятого Мая. На память семьи Ромеро, Диемеке написал Концерт Селедонио – пьеса для соло гитары и оркестра. К концерту финала

Кубка Мира по футболу во Франции 1998 года он написал Die-Sir-E, (Умрите, господин Е, или Diesirae...) по заказу Радио Франция. Из последних произведений можно назвать Концерт для маримбы и оркестра, которое в мае этого года увидел свет для латиноамериканского публика в концерте Симфонического Оркестра БуэносАйреса.

Диемеке показывает в своих произведениях богатый музыкальный опыт и инструментальное владение. С ранних лет обучался скрипке, французскому рожку, пиано и ударным инструментам. В 1983 году выиграл конкурс для дирижёров и начал заниматься руководством оркестрами. Сегодня, как известно, является штатным дирижёром Филармонии Боготы. В его плечах большой опыт работы с Оркестром Лонг Бич в Калифорнии и Национальным Симфоническим Оркестром Мексика. Выступает в качестве гостя с Симфоническим Оркестром Монпельеи Филармоническим Оркестром Буэнос-Айреса. Владеет оперной средой, что давал ему возможность вступать как директор оперы в Мексике и Буэнос-Айресе. За его спиной богатая продукция дисков с фирмами Сони и Дориан.

ИносентеКарреньо

(Родился в 1919 году в городе Порламаре, остров Маргарита, Венесуэла)

Посветил его произведение Маргаритеньяродному городу Порламар, на островах Маргариты. Его работа характеризуется содержанием стиля популярной музыки. Играет на разных инструментах. Автор известных популярных песней, например Народное утро, Рассвет, Сельская заря, Роса вспоминания. В городе Каракасе обучался первооснове композиции у знаменитого маэстро Висенте Эмилио Сохо. Вместе с Педро Пальва и ЛуйсомВильясана создали Трио Карибе. Его работа директором КоралЛамас и Симфонического Оркестра Венесуэлы помог написать произведения

академического рода, например Концерт для рожка и оркестра, Сюита для струн в трёх движениях, и Сатирическая симфониетта для одиннадцатых инструментов. В его 91 год, Карреньо еще творит музыку: самые свежие премьеры выпускались в 2010 году Элегия для струн иЧетыре песней для тенора и комнатного оркестра. Маргаритенья – пьеса в одном движении с контрастным темпом и содержанием популярных ритмов. В качестве введения играет Андантино и затем Аллегретто в терцине с солидной звуковой текстурой. Встречаются мелодические темы, которые добавляют контраста между частями. В конце Аллегретто в 3/8 яркого ритма с синкопированным акцентом поло и дудки маргаритенья. Аллегро ассай начинаются финальные жестами пьесы.

Альберто Хинастера

(Родился в 1916 году в Буэнос-Айресе, Аргентина – Умер в 1983 году в Женеве, Швейцарии)

Художественная траектория Альберто Хинастерахарактеризуется проблематикой и состоянием латиноамериканской музыки в ХХ веке. В первые годы жизни пассивно принимал музыкальные европейские формы; с 1930 по 1945 гг. объединил его личную сущность с аргентиской музыкальной эстетикой. С возрастом его стиль стал более новаторским, привлекательным и международного характера. Эстанция, Панамби, ФаустоКриольо и Пампеанас были работы, которые служили моделью для многих латиноамериканских композиций национальной тендеции, где важными элементами считаются танец и народные песни. Самый националистический этап работы Хинастерра считается первой из Пампеанас, где находятся ритмы и мелодические элементы народности аргентины. Это произведение есть рапсодия для скрипки и пиано. Хинастерра определил ту эпоху как эпоха его

«объективного национализма». В музыкальных темах можно найти тональные элементы из креольской музыки. Однако, с третьей Пампеана, композитор входит в область атонального и додекафонии, сохранив традиционный ориентир. Этот период по его словам называется «субъективный национализм». Додекафония Хинастерра слишком свободная, но достаточно для того чтобы с его гармоническим воображением он сумел получить колоритное и сильное в звуке произведение.

Полифонические вариации были заказаны Ассоциацией Друзей Музыки Буэнос-Айреса и впервые озвучены 2 июня 1953 года в Буэнос-Айресе под руководством дирижёра Игорь Маркевич. Датируется из эпохи, когда стиль Хинастерра приобрёл «международный характер» и его национализм был личным и интроспективным. Сам композитор утверждал «моё произведение имеет аргентинский субъективный характер. На место применения фольклорного материала, получается аргентинская атмосфера с использованием мелодий и оригинальных ритмов».

Произведение состоит из одиннадцатых вариаций. Как видно из названия, выделяются несколько соло инструментов и отсюда его полифонический характер. Некоторые вариации следуют традицию обогащения и орнаментации оригинальной темы; другие являются метаморфозой, которые извлекают мотивы из оригинальной темы и создают новые мотивы и темы. Тема, которую играет виолончельустанавливает лирическую атмосферу пока арфа в сопровождении напоминает гитару. Однако, в мелодической линии применяются абстрактные модели легко изолированные. В каждой вариации присутствует психологическая обстановка, которая укрепляет характеристики, отношенные к колориту и возможности каждого инструмента. 66

Части Вариации называются Тема

выполняются непрерывно и (для виолончели и арфы),

Интерлюдия (струны), Вариационежиокоса(флейт), Вариационе ин мододишерзо(кларнет), Вариационедраматика(виола), Вариционе каноника (гобой и фагот), Вариационе ритмика (корнет и тромбон), Вариационе ин мододимотоперпетуо(скрипка), Вариационепасторале(рожок), Интерлюдия (духовые инструменты), Тема (контрабас), и Финаль-Конец.

Алекс Тобар

(Родился в 1907 году в Боготе, Колумбия – Умер в 1975 году в Боготе, Колумбия)

Нет достаточной информации об этом колумбийском музыканте. С одной стороны отказался давать интервью и слухи говорят, что всегда скрывал детали о своей личной жизни и музыкальных чувствах. Однако, из его музыки можно сказать, что он был вдохновенным создателем, настоящий националист и обладатель артистическую гениальность, которая позволила ему создать симбиозе популярной музыки в Колумбии с более совершенными техниками композиции. Отличался как аранжировщик ансамблей, которые играли в 1930-1940 годах в чайных салонах и участвовали в живых передачах радио станций города Боготы. Разновидность его музыкальных интересов наблюдается через партитуры в его богатой библиотеке, которая сегодня лежит в Музыкальном Центре Документации при Министерстве Культуры.

Выделяются из его оркестральных произведений Каламари(музыкальная парафраза на оригинальные темы ЛучоБермудеса), Серенада в Малаге, Серенада в Чоконта(для струнных оркестров) и Закат в Патясао. Можно упомянуть некоторые работы популярного характера как ПачитоЕче, Импуесто де солтерия, Романза де амор и Пекеньин. Руководил оркестром Гостиницы Гранада в Боготе, где написал бессмертныйПачитоЕче, на память владельца гостиницы.

Порро, популярность которого была заслуга Луис Эдуардо «Лучо» Бермудес есть стиль, который адаптировался к требованиям больших банд на карибском побережье, популярны с 1940 года. В отличие от традиционногопорро, стиль ЛучоБермудеса сопровождается голосом и сохраняет размеренный ритм исходных моделей. Каламари – это фантазия на темы, выбранные изследующихпорро от ЛучоБермудеса: Каламари, Тропическая фантазия, Кармен де Боливар, Капричито и Ла Гайта. Каждая из этих тем обсуждается в отдельных частях с контрастным ритмом и колоритом. Заметки от Эли Ань Дуке, музыковед, Государственный (Национальный) Университет Колумбии.

Универсальный симфонический репертуар Оторино Респиги

(Родился в 1879 году в Болонье, Италия – Умер в 1936 году в Риме, Италия)

Если Пуччини, бесспорно, был одним из известнейших итальянских композиторов оперы в первой половине ХХ века, то Респиги был самым знаменитым в области оркестровой музыки. С ранних лет он начал заниматься скрипкой, виолой и пианино в родном городе Болонье. Первая его работа в Имперском Театре Санкт-Петербурга была крайне важна для его карьеры композитора. Именно там он познакомился с РимскимКорсаковым – замечательным инструментатором. Учёба Респиги у Римского-Корсакова длилась полгода, за это короткое время он научился у своего маэстро новаторским и оригинальным понятиям о звуках инструментов и секретах их комбинации. Интерес к этой теме отразился в большом числе его композиций, например, в симфонических поэмах о Риме (Фонтаны, Сосны, Праздники) и в транскрипциях своих оркестровых

композиций, таких как Монтеверди, Витали, Вивальди, Россини и другие. Респиги стал столь престижным инструментатором, что сам Рахманинов заказал ему оркестровые версии пяти своих Этудов Табло, изначально написанных для фортепьяно. Что касается самого процесса композиции, Респиги был под влиянием неоклассицизма и романтизма Макса Брача, бывшего некоторое время его преподавателем в Берлине. Первое оркестровое произведение Респиги – Симфонические вариации – создано было еще во времёна студенчества. Древняя музыка (Средневековье, Ренессанс, Барокко) служила важным источником вдохновения для Респиги. Благодаря изучению грегорианского пения, он смог передать в своем творчестве тональность церковных школ и оркестровал большое число произведений XVI и XVII веков, взятых из коллекции той эпохи. После его переезда в Рим, музыка Респиги оценивалась высоко. Его назначили профессором композиции в известной Академии Санта Сесили. Респиги написал три сюиты, или объединение танцев и арии, взятых из коллекций оригинальных пьес для лютни XVI и XVII веков. Первая сюита появилась в 1917 году и содержит произведения Симоне Молинаро и Виченсо Галилея (отца Галилео Галилея). Вторая содержит произведения Кароса, Безара и Гианкончели и появилась в 1924. Третья сюита 1932 года отличается от двух первых тем, что была написана для струнных инструментов. Автор указывает, что можно её исполнять в квартете струн (две скрипки, виола и виолончель), если пропускать часть с контрабасом. В этой последней сюите содержатся два анонимных произведения из XVI века, сходных с работами Жана Батиста Безара и пассакалье от Лодовика Ронкал. Безар (1567-1617 гг.) был лютнистом и французским композитором родом из Бесансона. Ронкали родился в Бергамо во второй половине XVII века; написал пьесы для гитары в стиле

барокко. Сюита № 3 впервые была прослушана в Милане под руководством самого Респиги.

В сюите Птицы, Оторино Респиги инструментировал пьесы XVIII века и украсил их пассажами, имитирующими песни разных видов птиц. Ниже описываются разные части Птиц. Прелюдия: состоит из трёх частей, двух внешних с мелодичной и импозантной музыкой, взятой из пьесы от Бернардо Паскини (1637-1710 гг.); средняя часть – небольшой синтез последующих песней разных видов птиц в продолжение сюиты.

Голубь: эта часть имеет своё происхождение в композиции для лютни Жакса Галлота (умер в 1690 году). Сонорное качество песней голубей воспроизводится солистом гобоем в сопровождении арфы и струн. Размеренная и вызывающая мелодия звучит среди мордентов, имитирующих звук голубей. После краткого развития основную мелодию ведут скрипки. Курица: одна из наиболее известных частей сюиты. Это пассаж с умеренной непрерывной ритмичной активностью, характерной для музыки первой половины XVIII века. Эту часть Респиги основал на известной пьесе Жана-Филиппа Рамо. Орнаментация, в этом случае – растущая фигура глиссадно, вызывает представление в нашем голове о кудахтанье куриц. Соловей: эта часть основана на пьесе анонимного британского автора. Автором выбрана флейта для изображения песни соловья в этой части. Участвуют и другие инструменты, такие как пикколо и челеста, которые передают ловкость песни соловья. В качестве сопровождения и контрапункта участвуют струны, фагот и рожок.

Кукушка: одно произведение автора Б. Паскини служит основой для последней части сюиты. В разных секциях и музыкально вне контекста, прослушиваются в убывающем интервале две ноты, верно изображающие

песню кукушки. Сюита начальной Прелюдии.

Густав Малер

заканчивается

компасами

(Родился в 1860 году в Калиште, Богемия – Умер в 1911 в Вене, Австрия)

Малер начал писать свою Пятую симфонию летом 1901 года в период летных каникул на озере Вёртзее в МарииВёрт. В этом самом году он написал Песни о мертвых детях. Его пятая симфония впервые была исполнена в Колони в 1904 году. О расписании и порядке работы автора композиции во время создания симфонии, жена и автор его биографии Альма Малер, с юмором комментирует:

«Вставал в шесть или шесть тридцать и просил кухарку приготовить завтрак и принести ему через высокую тропу в деревянный домик, расположенный в 200 метрах от виллы. Кухарке было запрещено идти по нормальной дороге, и она, рискуя завтраком, поднималась по скользкой дороге. Завтрак состоял из кофе (жаренного и молотого кофе), хлеба, масла и варенья, каждый день разного. Кухарка ставила молоко над керосиновой лампой, клала спички и быстро уходила, избегая встречи с Малером, по той же сложной дорожке. Малер приходил и делал все быстро: сначала зажигал керосиновую лампу, обычно поджигая себе пальцы, не из-за глупости, а изза невнимательности. Затем садился за стол напротив домика. Я всегда думала, что это не было хорошо для его здоровья, потому что вокруг этого места располагались дерева, которые не давали влаге уходить, но ему так нравилось находиться в том месте, что я не могла ничего поделать. В домике они имел пианино и коллекцию книг от Гёте и Канта; из музыки - только Баха. В полдень бесшумно приходил в виллу и переодевался. В лесу носил самую старую одежду. В этой одежде направлялся в пристань, где у нас были две красивые лодки. 71

У обеих сторон пристани были два домика с платформами. Первым делом уплывал далеко от берега и затем свистел. Это был сигнал для меня – я должна была спуститься и составить ему компанию». (Альма Малер. Густав Малер. Мемуары и Письма. Сиэтл: Университет Вашингтона Пресс, 1979 г., стр. 45-46).

Пятая симфония - не есть программная в романтическом смысле слова, так как не описывает литературные факты, не содержит песнопения, и её основа не поэма. В других словах можно её считать описательной, так как она верно отражает внутренний мир композитора, наполненный постоянными допросами, одержимостью смертью (симфония начинается траурным маршем), возвышенной радостью и турбулентными чувствами. Жизнь Малера, хотя была наполнена профессиональным успехов, проходила именно как эта симфония – между сомнением и решением, глубокой медитацией и временным мгновением, смертью и надеждой вечной жизни рядом с Богом. Она состоит из пяти движений, объединенных по группам в трёх секциях, указанных композитором: первая – объединяет два первых движения, связанных по тематике; вторая – состоит из монументального Скерцо; третья – состоит из Adagietto и Рондо финал. Тематическая связь между двумя первыми движениями сопровождается неким духовным единением с трагическим и возбужденным знаком. Со второй секции духовная интенсивность постепенно исчезает, и появляются возвышенные моменты.

Симфония начинается пассажем корнета, незабываемым за воинственный характер с элементами траурной мелодии, которая указывает на кортеж. Новая тема с поэтической атмосферой прерывается внезапно за счёт скрипок, что характерно для Малера. Обе темы определяют тематическую натуру всего движения. Эти темы являются лейтмотивом, из которого вытекает центральная музыкальная речь, которая через множество

репетиций и преобразований набирает свою зрелую личность. Эта схема композиции часто встречается у Малера. Главная характеристика каждого из движений симфонии – представлять материал в прямом виде, лаконично и затем развивать все действия. Вторая тема первого движения приобретает с каждым представлением популярный дух, что заметно, когда играет туба в стиле народного ансамбля. Однако в последовательности тем и вариаций проявляются корни классической сонатной формы в трёх частях: экспозиция, развитие (присутствует сильное гармоническое и контрапунктное напряжение) и реприза. В последней секции достигается спокойствие после разрешения предыдущих напряжений. Эмотивное возбуждение первого движения продолжается во втором, который начинается агрессивным и диссонирующим диалогом между контрабасами и медными духовыми инструментами. Снова в качестве контрастного элемента появляется в виолончелях вторая тема из первого движения. В этот раз сопровождается ритмическими фигурами тематической важности, исполняемыми в первую очередь флейтами. Как и в первом движении идеи чередуются и смешиваются, чтобы создать, таким образом, конечную форму. Один возврат из второй темы предшествует речитатив виолончели, который отражает полностью мелодическое чувство Малера: свободная фраза, высокопарные движения и романтическое чувство. До конца движения встречаются почти одновременно все темы, пока не наступает финал с большим хоралом медных духовых инструментов и участием литавры, как загадочного солиста. О Скерцо можно написать оркестровое соглашение. С одной стороны, выделяются рожки, среди них, рожок облигато солирует в продолжение всего движения как главное действующее лицо в размеренном и духовном диалоге в средней части движения. Каждый инструмент

принимается во внимание. Каждая группа получает разные и точные инструкции по нюансам: некоторые исполняют крешендо пока другие диминуэндо. Начинается Скерцо темой, исполняемой секцией рожков, расширенной затем солистом, который должен имитировать грациозное качание лендлера (народный австрийский танец сельского характера). Вступают разные темы, и все действия вокруг танца моментально прекращаются, когда струнные начинают фугу в стиле барокко, состоящую из фрагментов второй темы и заканчивающуюся в секции размеренным ритмом начала нового действия. С реминисценциями Мендельсона, Малер развивает свои темы, вспоминая Романсы без слов. После этой средней секции в Скерцо возвращается его оркестровый колорит. Хорал и галопирующая кода передают в конце этих трёх движений большое эмоциональное потрясение.

Самый большой и точный контраст в симфонии создаёт Adagietto для струн и арфы. Убывание громкости звука очевидное. Выделяются изменения в интенсивности и формальном поведении. Движение вращается вокруг двух хроматических и выразительных мелодий. Преобладает убывающее движение полное лирических противоречий, окрашенных печалью в короткой паузе. В средней части исчезает моментально арфа, которая вернётся под конец движения со своим прозрачным духом. Состояние покоя, которого добивается Малер в своём произведении, нарушается ударом последнего движения. Adagietto звучит в качестве финальной прелюдии и в третьей части симфонии. Произведение было написано в 1902 году в стиле «любовного музыкального письма» к Альме Малер, на которой он женился в том же году.

Для конца симфонии Малер выбрал одну ил любимых финальных форм Гайдна: рондо. С его применением свободно варьируют на свое усмотрение центральные

темы, не спуская глаз с повторного элемента, который придаёт силу всему движению. В интродукции, которую исполняют деревянные инструменты и рожок можно найти корни каждой из тем и мотивов, которые приобретают важность в дальнейшем. Одни из них напоминают пьесу Лиеда Хвала высокому пониманию, взятую из цикла песней Волшебный рожок холостяка. Однако нельзя утверждать, что симфония основана на упомянутой пьесе и содержит литературные сообщения. Рожки развивают первую тему и через фугу в струнах появляются две дополнительные темы, подвергающиеся множеству вариаций и преобразований. Ни в одном из предыдущих движениях Малер не осмеливался быть таким решительным по отношению к смешиванию тем и одновременности мелодий, сопровождений и разных комментариев. Контрапункт в Рондо – постоянный, который действует как звуковая волна своеобразного заключительного характера. Заметки от Эли Ань Дуке, музыковед, Государственный (Национальный) Университет Колумбии.

Tr a ducción Néstor A. Calvo B. Fotogr a fí a Archivo del Instituto Distrital de Turismo (IDT) Carlos Mario Lema Diseño gr á fico y a r m a da Carolina Camelo Cardozo impr esión Subdirección Imprenta Distrital DDDI Impreso en Colombia / Printed in Colombia

Перевод Нестор А. Кальво B.

Фотография Архив районе института туризма (IDT) Карлос Марио Девиз

Графический дизайн и Военно-Морского Флота Камело Каролина Кардосо Печать Печать отделения округа – DDDI

Отпечатано в Колумбии