Fortissimo 2015 | Maio by Orquestra Filarmônica de Minas Gerais

FORTISSIMO Nº 3 — 2015

MAIO

Ministério da Cultura e Governo de Minas Gerais

apresentam

SUMÁRIO p. 8

ALLEGRO

V I VA C E

Quinta

Sexta

07/05

08/05

Marcos Arakaki, regente Anna Vinnitskaya, piano

PROKOFIEV PROKOFIEV BRAHMS

Sinfonia nº 1 em Ré maior, op. 25, “Clássica” Concerto para piano nº 2 em sol menor, op. 16 Sinfonia nº 2 em Ré maior, op. 73

p. 22

PRESTO

VELOCE

Quinta

Sexta

14/05

15/05

Michal Nesterowicz, regente convidado Amit Peled, violoncelo

SIBELIUS HERBERT FAURÉ SIBELIUS SIBELIUS

Finlândia, op. 26 Concerto para violoncelo nº 2 em mi menor, op. 30 Pelléas e Mélisande, op. 80: Suíte Sinfonia nº 7 em Dó maior, op. 105 Valse triste, op. 44, nº 1

p. 40

ALLEGRO

V I VA C E

Quinta

Sexta

28/05

29/05

Fabio Mechetti, regente Duo Binelli-Ferman Daniel Binelli, bandoneon Polly Ferman, piano

CHÁVEZ

Sinfonia nº 2, “Índia”

BINELLI ALBENIZ / Arbós FALLA

Homenagem ao tango Suíte Ibéria O Sombreiro de Três Picos: Suíte nº 2

FOTO: RAFAEL MOTTA

CAROS AMIGOS E AMIGAS, Vários solistas internacionais se apresentam pela primeira vez com a Filarmônica neste mês. A pianista russa Anna Vinnitskaya traz ao nosso palco um dos mais desafiadores concertos para piano, o Segundo de Prokofiev. Dotada de extraordinário talento, ela certamente irá atender a todas as expectativas de nosso público. Neste concerto, Marcos Arakaki traz a belíssima Sinfonia nº 2 de Brahms e a charmosa Sinfonia Clássica, também de Prokofiev. As comemorações dos 150 anos de Sibelius continuam com um concerto onde não menos que três de suas mais importantes obras serão apresentadas: sua última sinfonia, o poema sinfônico Finlândia, retratando sua terra natal, e a pungente e preciosa Valse triste. Dirigindo nossa Filarmônica pela primeira vez, o regente polonês Michal Nesterowicz, com o violoncelista israelita-americano Amit Peled, fará desta uma das noites mais memoráveis da temporada.

de impressionante musicalidade, ela promete uma experiência marcante. A exploração da música de Beethoven continua com sua revolucionária Sinfonia Eroica, uma das obras mais significativas do gênio de Bonn, responsável por uma nova visão da sinfonia enquanto forma musical. O mês se encerra com o retorno do simpático bandoneonista Daniel Binelli, desta vez em parceria com a pianista Polly Ferman, numa Homenagem ao tango, obra escrita pelo artista argentino. Essa noite latina mostrará ainda a energia quase primitiva da Sinfonia Índia do mexicano Carlos Chávez, o lirismo e inegável sabor ibérico da música de Isaac Albéniz e o colorido inigualável de Manuel de Falla. Finalmente, a Filarmônica faz sua primeira apresentação ao ar livre e oferece um concerto a toda a população belo-horizontina, na Praça da Liberdade, no dia 10 de maio.

A jovem pianista Natasha Paremski também estreia com a Filarmônica ao interpretar o Terceiro Concerto de Beethoven na série Fora de

Com vocês, esperamos fazer dos concertos da Filarmônica atividades imperdíveis na vida cultural da cidade e do estado.

Série. Vencedora de importantes concursos internacionais e dotada

Tenham todos um grande concerto.

FABIO MECHETTI Diretor Artístico e Regente Titular

FOTO: RAFAEL MOTTA

FOTO: ALEXA NDRE REZEN DE

Natural de São Paulo, Fabio Mechetti é Diretor Artístico e Regente Titular da Orquestra Filarmônica de Minas Gerais desde sua criação, em 2008. Por esse trabalho, recebeu o XII Prêmio Carlos Gomes/2009 na categoria Melhor Regente brasileiro. Recentemente, tornou-se o primeiro brasileiro a ser convidado a dirigir uma orquestra asiática, sendo

FABIO MECHETTI

nomeado Regente Principal da Orquestra Filarmônica da Malásia. Foi Regente Titular da Orquestra Sinfônica de Syracuse, da Orquestra Sinfônica de Spokane e da Orquestra Sinfônica de

Jacksonville, sendo, agora, Regente Emérito destas duas últimas. Foi regente associado de Mstislav Rostropovich na Orquestra Sinfônica Nacional de Washington e com ela dirigiu concertos no Kennedy Center e no Capitólio norte-americano. Da Orquestra Sinfônica de San Diego foi Regente Residente. Fez sua estreia no Carnegie Hall de Nova York conduzindo a Orquestra Sinfônica de Nova Jersey e tem dirigido inúmeras orquestras norte-americanas, como as de Seattle, Buffalo, Utah, Rochester, Phoenix, Columbus, entre outras. É convidado frequente dos festivais de verão nos Estados Unidos, entre eles os de Grant Park em Chicago e Chautauqua em Nova York.

Dinamarca, Mechetti dirige regularmente na Escandinávia, particularmente a Orquestra da Rádio Dinamarquesa e a de Helsingborg, Suécia. Recentemente, estreou na Itália conduzindo a Orquestra Sinfônica de Roma. Em 2015 dirigirá a Orquestra Sinfônica de Odense, também na Dinamarca. No Brasil foi convidado a dirigir a Sinfônica Brasileira, a Estadual de São Paulo, as orquestras de Porto Alegre, Brasília e Paraná e as municipais de São Paulo e do Rio de Janeiro. Trabalhou com artistas como Alicia de Larrocha, Thomas Hampson, Frederica von Stade, Arnaldo Cohen, Nelson Freire, Emanuel Ax, Gil Shaham, Midori, Evelyn Glennie, Kathleen Battle, entre outros.

Realizou diversos concertos no México, Peru e Venezuela. No Japão dirigiu as Orquestras Sinfônicas de Tóquio, Sapporo e Hiroshima. Na Europa regeu a Orquestra Sinfônica da BBC da Escócia e a Orquestra da Radio e TV da Espanha. Dirigiu também a Filarmônica de Auckland,

Igualmente aclamado como regente de ópera, estreou nos Estados Unidos dirigindo a Ópera de Washington. No seu repertório destacam-se produções de Tosca, Turandot, Carmen, Don Giovanni, Cosi fan Tutte, Bohème, Butterfly, Barbeiro de Sevilha, La Traviata e

Nova Zelândia, a Orquestra Sinfônica de Quebec, Canadá, e a Filarmônica de Tampere, na Finlândia.

As Alegres Comadres de Windsor.

Vencedor do Concurso Internacional de Regência Nicolai Malko, na

Fabio Mechetti recebeu títulos de Mestrado em Regência e em Composição pela prestigiosa Juilliard School de Nova York.

ALLEGRO Quinta

07/05 V I VA C E Sexta

08/05

PATROCÍNIO

MARCOS ARAKAKI regente ANNA VINNITSKAYA piano

PROGRAMA

Sergei PROKOFIEV Sinfonia nº 1 em Ré maior, op. 25, “Clássica” • Allegro • Larghetto • Gavotte: Non troppo allegro • Finale: Molto vivace

Sergei PROKOFIEV Concerto para piano nº 2 em sol menor, op. 16 • Andantino – Allegretto

ANNA VINNITSKAYA piano

• Scherzo: Vivace • Intermezzo: Allegro moderato • Finale: Allegro tempestoso – I N T E RVA L O –

Johannes BRAHMS Sinfonia nº 2 em Ré maior, op. 73 • Allegro non troppo • Adagio non troppo • Allegretto grazioso (quasi andantino) • Allegro con spirito

ALLEGRO E VIVACE

F OTO: RAFAEL MOTTA

Marcos Arakaki é o Regente Associado da Orquestra Filarmônica de Minas Gerais e tem colaborado com a Filarmônica desde a Temporada 2011.

MARCOS ARAKAKI

Arakaki tem dirigido importantes orquestras no Brasil e no exterior. Dentre elas a Orquestra Sinfônica do Estado de São Paulo, a Orquestra Sinfônica Brasileira, as sinfônicas de Minas Gerais, do Paraná, da Paraíba, de Campinas e da Universidade de São Paulo, a Petrobras Sinfônica, Orquestra do Teatro Nacional Claudio Santoro, a Orquestra Experimental de Repertório, a Camerata Fukuda, a Orquestra Filarmônica de Buenos Aires, Orquestra Filarmônica da

Universidade Nacional Autônoma do México, Sinfônica de Xalapa (México), a Kharkov Philharmonic (Ucrânia) e a Bohuslav Martinu Philharmonic (República Tcheca). Sua trajetória artística é marcada por diversos prêmios. Vencedor do 1º Concurso Eleazar de Carvalho para Jovens Regentes, promovido pela Orquestra Petrobras Sinfônica (2001), e do 1º Prêmio Camargo Guarnieri, realizado pelo Festival Internacional de Campos do Jordão (2009), Arakaki também foi finalista do 1º Concurso Latinoamericano de Regência Orquestral da Osesp (2005) e semifinalista no 3º Concurso Internacional Eduardo Mata, realizado na Cidade do México (2007). Em 2005, foi o principal regente da Orquestra Sinfônica de Ribeirão Preto. Entre 2007 e 2010, trabalhou como titular da Orquestra Sinfônica da Paraíba e assistente da Orquestra Sinfônica Brasileira. Como regente titular, Arakaki promoveu a reestruturação da Orquestra Sinfônica Brasileira Jovem entre os anos de 2008 e 2010, recebendo grande reconhecimento da crítica especializada e do público na cidade do Rio de Janeiro. Gravou em 2010 a trilha sonora do filme Nosso Lar, composta por Philip

Glass, juntamente com a Orquestra Sinfônica Brasileira. Arakaki já fez a estreia mundial de mais de quarenta obras para orquestra. Paralelamente, tem desenvolvido atividades como coordenador pedagógico, professor e palestrante em diversos projetos culturais e em importantes instituições, como Música na Estrada, Casa do Saber do Rio de Janeiro, Universidade Federal da Paraíba e Universidade Federal do Rio Grande do Norte. Marcos Arakaki é bacharel em Música pela Universidade Estadual Paulista (Unesp, 1998), concluindo seu mestrado em Regência Orquestral pela Universidade de Massachusetts em 2004, com apoio da Fundação Vitae. Participou de masterclasses com os maestros Kurt Masur, Charles Dutoit, Alan Hazendine, Kirk Trevor, Dante Anzolini, Fabio Mechetti, John Neschling, Roberto Minczuk, Roberto Tibiriçá, Nelson Nirenberg e Lanfranco Marcelletti. Em 2005 participou do Aspen Music Festival and School, tendo aulas com David Zinman na American Academy of Conducting at Aspen, nos Estados Unidos. Desde 2013, Arakaki também é professor de Regência na Universidade Federal da Paraíba e Regente Titular da Orquestra Sinfônica da mesma instituição.

F OTO: GELA MEGRELI DZE

ALLEGRO E VIVACE

Aclamada pelo Washington Post como uma “leoa ao teclado,” Anna Vinnitskaya se destaca como uma das pianistas mais emocionantes de sua geração. Nascida na Rússia, fez sua estreia com orquestra aos oito anos e o primeiro recital aos nove. Estudou na Rússia com Sergej Osipenko e em seguida com Evgeni Koroliov na Universidade de Hamburgo de Música e Teatro, onde depois foi nomeada professora de Piano.

ANNA VINNITSKAYA

Já estabelecida no cenário internacional, seus próximos compromissos são com a Orquestra do Estado de Atenas, Filarmônica de

Borusan, Brno Philharmonic, estreia nos Estados Unidos com a Sinfônica de Indianápolis, apresentações com a Orquestra Filarmônica de Minas Gerais, Filarmônica de Oslo e Sinfônica WDR de Colônia. Após uma bem-sucedida estreia no The Frick Collection de Nova York, os recitais desta temporada incluem Berlim, Bruxelas, Hasselt e Kiel. Outras orquestras com as quais Vinnitskaya tem se apresentado incluem a Sinfônica da Cidade de Birmingham, Câmara Filarmônica Alemã de Bremen, Konzerthausorchester de Berlim, Filarmônica de Munique, Orquestra Nacional da Rússia, as sinfônicas de rádio de Hamburgo, Stuttgart e Berlim; New Japan Philharmonic, Orchestre de la Suisse Romande, Filarmônica de Israel, KBS Orquestra Sinfônica de Seul, Sinfônica Tchaikovsky e no Festival de Lucerna. A pianista colabora regularmente com maestros como Andrey Boreyko, Alan Buribayev, Charles Dutoit, Vladimir Fedoseyev, Reinhard Goebel, Pietari Inkinen, Marek Janowski, Dimitri Jurowski, Emmanuel Krivine, Louis Langree, Yoel Levi, Andris Nelsons,

Kyrill Petrenko, Helmut Rilling, Krzysztof Urbański, Juraj Valcuha e Gilbert Varga. Na música de câmara, Vinnitskaya se apresenta em um trio com o violinista Erik Schumann e o violoncelista Nicolas Altstaedt. Anna Vinnitskaya venceu vários concursos internacionais de piano e recebeu, entre outros, o primeiro prêmio no Concurso Rainha Elisabeth 2007 e o Prêmio Leonard Bernstein no Festival de Música de Schleswig-Holstein 2008. Há três anos participa da série de concertos Junge Wilde para jovens artistas, no Konzerthaus de Dortmund. Sua pimeira gravação, pelo selo Naïve, com obras de Rachmaninov, Gubaidulina, Medtner e Prokofiev, recebeu o Diapason d’Or e o Choc du Mois, pela Classica Magazine. Seu primeiro CD orquestral, com o Concerto nº 2 de Prokofiev e o Concerto em Sol de Ravel, com a Deutsches Sinfonieorchester de Berlim sob direção de Gilbert Varga, lhe rendeu o prêmio Echo Klassik. O CD mais recente, com obras de Ravel, também recebeu o prêmio Diapason d’Or.

ALLEGRO E VIVACE

Sergei Prokofiev |

Império Russo, atual Ucrânia, 1891 – Rússia, 1953

SINFONIA Nº 1 EM RÉ MAIOR, OP. 25, “CLÁSSICA” (1916/1917) 13 min

A trajetória musical de Prokofiev, com suas implicações estéticas, relaciona-se diretamente com a história de seu país. Sob essa perspectiva, divide-se em três períodos bem distintos – a fase russa, a ocidental e a soviética. A fase russa compreende os anos de aprendizado e afirmação no cenário musical da Rússia czarista. O período ocidental inicia-se após a Revolução, quando, em 1918, o compositor abandona a Rússia leninista para viver por muitos anos entre a França, os Estados Unidos e a Alemanha. A partir de 1927, Prokofiev começa a reatar contatos com a URSS. Em 1936, escreve para o Teatro Infantil de Moscou o conto musical Pedro e o Lobo e volta definitivamente à Rússia, iniciando sua fase soviética, durante os mais rigorosos anos dos expurgos stalinistas. Prokofiev morreu a 5 de março de 1953, coincidentemente o mesmo dia da morte de Stalin. A Sinfonia op. 25 pertence ao final da fase russa. Desde seus últimos anos como estudante do Conservatório de São Petersburgo, Prokofiev frequentava as Noites de Música Contemporânea, quando entrou em contato com a obra inovadora de Debussy e Schoenberg. Intuitivamente,

sua música se associava à estética da época, à pintura de Kandinsky e à literatura de Maiakovski. Aos vinte e cinco anos era bastante conhecido, e algumas de suas recentes composições (entre elas, o Concerto para piano nº 2) causavam espanto pela aspereza harmônica e rítmica. Alguns críticos o acusavam de “maquinismo” futurista e de iconoclastia revolucionária. A Sinfonia Clássica, concebida segundo os processos formais de Haydn, pareceu uma resposta do compositor, quando ele a regeu, a 21 de abril de 1918 em São Petersburgo. Na verdade, a motivação de Prokofiev era bem mais prosaica: tratava-se de compor uma sinfonia sem o auxílio do piano. O primeiro movimento é um Allegro em forma sonata. O animado primeiro tema começa com um acorde forte seguido de figurações de escalas em piano (procedimento recorrente entre os clássicos vienenses). O segundo tema, mais dançante, caracteriza-se pelo acompanhamento staccato do fagote e grandes saltos melódicos nos violinos. No Larghetto, apesar dessa indicação para o andamento, trata-se de um delicado minueto, com seu ritmo ternário e um lirismo muito

INSTRUMENTAÇÃO 2 flautas, 2 oboés, 2 clarinetes, 2 fagotes, 2 trompas,

2 trompetes, tímpanos, cordas.

particular de Prokofiev. O tema é apresentado pelos violinos nos registros mais altos e reaparece, alternando-se com dois episódios. O primeiro episódio é particularmente interessante, pela união do fagote e de todas as cordas em pizzicati. A pequena Gavotte foi composta em 1916, antes do resto da Sinfonia, dentro da forma A-B-A usual. A parte central tornou-se célebre, apresentando uma canção popular russa nas madeiras sobre os acordes de quinta das cordas. O Finale é um efervescente rondósonata que utiliza motivos do

Allegro inicial em três temas curtos. O primeiro aparece nas cordas, marcado pelos tímpanos. As madeiras desenham o segundo tema sobre tradicionais baixos d’Alberti (acompanhamento da melodia com acordes arpejados). O terceiro tema, confiado à flauta e depois aos violinos, contém a ideia melódica dominante desse final repleto de espírito bem russo e popular.

PAULO SÉRGIO MALHEIROS DOS SANTOS Pianista, Doutor em Letras, professor na UEMG, autor dos livros Músico, doce músico e O grão perfumado – Mário de Andrade e a arte do inacabado. Apresenta o programa semanal Recitais Brasileiros, pela Rádio Inconfidência.

PARA OUVIR CD Prokofiev – Pierre et le loup; Symphonie classique; Ouverture sur des thèmes juifs; Marche – The Chamber Orchestra of Europe – Claudio Abbado, regente – Deutsche Grammophon – 1990 PARA LER Claude Samuel – Prokofiev – Éditions du Seuil, Solfèges – 1995 Paul Griffiths – A Música Moderna – Clóvis Marques, tradução – Jorge Zahar Editor – 1998 PARA ASSISTIR Orquestra Filarmônica de Munique – Sergiu Celibidache, regente | Acesse: fil.mg/psinfclassica

ALLEGRO E VIVACE

Sergei Prokofiev |

Império Russo, atual Ucrânia, 1891 – Rússia, 1953

CONCERTO PARA PIANO Nº 2 EM SOL MENOR, OP. 16 ( Versão original, 1913 – Versão definitiva, 1923) 31 min Pela qualidade de sua vultosa obra, Prokofiev certamente encontra-se entre os compositores mais relevantes da primeira metade do século XX. Entretanto, diferentemente de Debussy, Stravinsky, Bartók, Schoenberg ou Webern, ele nunca pretendeu renovar a linguagem musical ou criar uma nova técnica de composição. Em linhas gerais, manteve-se fiel à tonalidade, e suas inovações se referem mais aos efeitos do que às estruturas musicais. A originalidade da música de Prokofiev emerge diretamente de sua destreza de exímio pianista, na busca de recursos inéditos para a técnica do instrumento. Foi primordialmente para seus dedos ávidos de novidades que ele a compôs. Aos seis anos, já usava o piano para criar pequenos esboços musicais, como um curioso Galope hindu (escrito no modo lídio de fá, para evitar as teclas pretas). Quando estreou a primeira versão do Concerto nº 2, era ainda aluno do Conservatório. Parte do público abandonou o teatro durante a apresentação, protestando contra o caráter inusitado da obra. Prokofiev ficou encantado com o escândalo e concedeu vários extras.

O Concerto op. 16 divide-se em quatro movimentos. O primeiro, Andantino, começa pianíssimo, com o primeiro tema cantabile, muito russo, confiado ao solo do clarinete. A intervenção orquestral é bem equilibrada e muito expressiva. O segundo tema, Allegretto, tem caráter dançante e apresenta algumas novas ideias, submetidas a transformações engenhosas. Em um procedimento formal inédito, Prokofiev substitui o tradicional desenvolvimento por uma dilatada cadenza que, sozinha, ocupa quase a metade do movimento, exigindo do solista verdadeira acrobacia técnica, resistência física e gestual vigoroso. Audaciosa em sua linguagem harmônica, repleta de acordes tumultuosos e arpejos inusitados, essa assombrosa passagem culmina na volta em fortíssimo da orquestra com todo o peso dos metais. É o começo da coda, cujo diminuendo traz de volta a atmosfera nostálgica inicial. O Scherzo (Vivace) é um perpetuum mobile. O pianista tece arabescos fantasiosos com imutáveis e rápidas semicolcheias articuladas paralelamente nas duas mãos. A orquestra trabalha um material disperso criando

INSTRUMENTAÇÃO 2 flautas, 2 oboés, 2 clarinetes, 2 fagotes, 4 trompas, 2 trompetes,

3 trombones, tuba, tímpanos, percussão, cordas.

harmonias surpreendentes e a curiosa interferência rítmica de agudos pizzicati nos sopros. O Intermezzo (Allegro moderato) começa com ameaçadores saltos retumbantes nos graves sobre os quais os metais anunciam suas fanfarras. O piano enriquece o quadro com um colorido novo, dinâmicos contrastes, elaboradas estruturas rítmicas e cintilantes arroubos virtuosísticos. Episodicamente, o movimento é suavizado pelo relevo das melodias; mas no todo domina o acento bárbaro. O Finale (Allegro tempestoso) tem dimensões imponentes e uma

lógica formal que tira partido das vivas alternâncias de atmosferas. No início, o piano exibe seu vigor em acordes robustos e saltos de oitava por todo o teclado. Um dos momentos contrastantes mais líricos acontece quando o solista canta uma melodiosa berceuse, repleta de ternura. Após as ousadas dissonâncias da coda, o concerto culmina em altivo clima de vitória.

PARA OUVIR CD Prokofiev – Os Cinco Concertos para Piano – Orquestra da Gewandhaus de Leipzig – Kurt Masur, regente – Michel Beroff, piano – EMI Classics, França – 1988 PARA ASSISTIR deFilharmonie – Edo de Waart, regente – Boris Giltburg, piano | Acesse: fil.mg/ppiano2

ALLEGRO E VIVACE

Johannes Brahms |

Alemanha, 1833 – Áustria, 1897

SINFONIA Nº 2 EM RÉ MAIOR, OP. 73 (1877) 40 min “Em Wagner a harmonia possui um significado muito abrangente, mas, no que se refere às relações harmônicas, Brahms é mais rico”. Essa afirmação do compositor austríaco Anton Webern, uma das figuras emblemáticas da vanguarda do século XX, se choca com a visão do século XIX sobre o compositor. Ao contrário de Wagner, considerado revolucionário, Brahms era visto como conservador. Sua revalorização no início do século XX, notadamente por Schoenberg, que aponta sua liberdade rítmica e ousadia harmônica, representou significativa mudança na apreciação de sua obra. Um olhar atual nos mostra que as diferenças entre Wagner e Brahms são, antes, complementares. O primeiro compõe essencialmente ópera; Brahms dedicou-se a todos os gêneros, exceto balé e ópera.

A mistura entre aspectos formais herdados da tradição clássica, particularmente Beethoven, a canção popular alemã e a polifonia dos antigos mestres apresenta-se em sua música com cores e nuances originais. A Segunda Sinfonia, escrita no verão de 1877, talvez seja a mais lírica e luminosa das quatro escritas pelo compositor. Seu tom primaveril contrasta com o caráter sombrio da Primeira. Na Segunda, a harmonia é cheia de matizes e reflete a mistura de luz e sombra resultante de um cromatismo sutil mesclado com elementos diatônicos.

Jovem, Brahms estuda com profundidade os mestres antigos Bach, Lassus e Palestrina, ampliando o colorido harmônico e a presença do contraponto em sua obra. A imagem de Brahms como criador voltado para

O Allegro non troppo, em Ré maior, escrito em compasso ternário como uma espécie de valsa sinfônica, é uma forma sonata típica, com um primeiro tema apresentado como diálogo entre cordas graves e trompas e madeiras, culminando em extrovertida melodia nos violinos, repetida nas flautas. O segundo tema, em Fá sustenido menor, surge nas violas e violoncelos quase como uma

o passado deriva desse seu apreço pela polifonia e procedimentos harmônicos praticados por aqueles mestres. O notável é que exatamente essa influência é que vai enriquecer sua música, como apontou Webern.

canção de ninar. O desenvolvimento é amplo e agitado, com os motivos iniciais trabalhados em polifonia densa e complexa. Finalmente, a reexposição do tema, transformada, retoma a atmosfera serena do início.

INSTRUMENTAÇÃO 2 flautas, 2 oboés, 2 clarinetes, 2 fagotes, 4 trompas, 2 trompetes,

3 trombones, tuba, tímpanos, cordas.

No Adagio non troppo, em Si maior, de caráter melancólico, Brahms utiliza uma harmonia mais tensa e explora o expressivo cantabile das cordas. A melodia inicial, nos violoncelos, é repetida com variações ao longo do movimento, possibilitando um colorido orquestral cheio de sutilezas harmônicas e contrapontísticas. O Allegretto grazioso (quasi andantino), em Sol maior, é o movimento mais curto e jovial. Em forma de rondó, suas mudanças de caráter e tempo sugerem danças com diferentes características rítmicas e métricas, como numa suíte barroca.

No Allegro con spirito, último movimento, brilhante e rápido, Brahms utiliza a forma sonata ampliada, com tratamento temático complexo. A ampla utilização da orquestra e o material temático, submetido a transformações e deslocamentos rítmicos, acentuam o brilho e o vigor desse movimento, conduzindo a uma conclusão grandiosa da obra.

RUBNER DE ABREU Músico, professor e coordenador pedagógico da Fundação de Educação Artística, fundador e diretor do grupo Oficina Música Viva.

PARA OUVIR CD Brahms – The Symphonies – Chicago Simphony Orchestra – Sir Georg Solti, regente – Decca, Londres – 1996 PARA LER Arnold Schoenberg – Style and idea: selected writings – University of California Press – 2010 PARA ASSISTIR Orquestra Filarmônica de Viena – Carlos Kleiber, regente | Acesse: fil.mg/bsinf2

FOTO: AN DRÉ FO SSATI

PRESTO Quinta

14/05 VELOCE Sexta

15/05

PATROCÍNIO

MICHAL NESTEROWICZ regente convidado AMIT PELED violoncelo

PROGRAMA

Jean SIBELIUS Finlândia, op. 26

Victor HERBERT Concerto para violoncelo nº 2 em mi menor, op. 30 • Allegro impetuoso

AMIT PELED violoncelo

• Andante tranquillo • Allegro – I N T E RVA L O –

Gabriel FAURÉ Pelléas e Mélisande, op. 80: Suíte • Prelúdio: Quasi adagio • Fiandeira: Andantino quasi allegretto • Siciliana: Allegretto molto moderato • Morte de Mélisande: Molto adagio

Jean SIBELIUS Sinfonia nº 7 em Dó maior, op. 105

Jean SIBELIUS Valse triste, op. 44, nº 1

PRESTO E VELOCE

FOTO: MIREK PIETRUSZ YN SKI

Desde que venceu o Concurso de Regência de Cadaques, na Espanha, em 2008, Michal Nesterowicz passou a conduzir muitas das principais orquestras da Espanha, Suíça, Itália, Polônia e Reino Unido, bem como inúmeros outros conjuntos europeus de destaque.

MICHAL NESTEROWICZ

Na atual temporada, Nesterowicz faz sua estreia com a Orquestra Filarmônica de Munique, as sinfônicas das rádios de Colônia (WDR) e de Hamburgo (NDR), a Orquestra Sinfônica de Bilbao, Orquestra Filarmônica de

Luxemburgo, Filarmônica de Tampere, Orquestra Filarmônica de Nice e Filarmônica de Minas Gerais. O maestro também retorna à Orquestra Sinfônica de Barcelona, Orquestra Sinfônica da Galícia, na Espanha, Sinfonieorchester Basel, na Suíça, e à Orquestra Real Filarmônica, no Reino Unido.

Em sua terceira temporada como diretor artístico da Orquestra de Tenerife, Espanha, Nesterowicz continuará com os ciclos sinfônicos de Mahler, Brahms e Schumann. As últimas sinfonias de Dvorák e o Concerto para Orquestra de Lutoslawski também serão atrações desta temporada.

Na temporada passada o maestro Nesterowicz fez estreias de sucesso com a Orquestra Nacional Real Escocesa, Orquestra Nacional Bordeaux Aquitaine, Orchestra della Svizzera Italiana

Michal Nesterowicz estudou na Academia de Música de Wroclaw, Polônia, seu país natal, e graduou-se na classe de Marek Pijarowski em 1997. Ele foi um dos vencedores do 6º Concurso Internacional de

e Orquestra Sinfônica Nacional de Taiwan. Outros compromissos recentes incluíram a Orquestra Tonhalle de Zurique e a Orquestra Filarmônica Real de Liverpool.

Regência Grzegorz Fitelborg em Katowice, Polônia. Ocupou os cargos de diretor artístico da Orquestra Filarmônica Polaca Báltica, em Gdańsk, Polônia, e regente principal da Orquestra Sinfônica do Chile.

PRESTO E VELOCE

F OTO: J. HENRY FAIR

Dos Estados Unidos e Europa ao Oriente Médio e Ásia, o violoncelista israelense Amit Peled, um músico de profundo talento e carismática presença de palco, é aclamado como um dos instrumentistas mais fascinantes no mundo dos concertos atualmente. É um forte defensor do rompimento das fronteiras entre artistas e público, sempre tentando promover e compartilhar a música clássica com um público cada vez mais amplo.

AMIT PELED

Durante a temporada 2012/2013, Peled teve a honra de receber o violoncelo que pertenceu ao lendário Pablo Casals,

entregue a ele por sua viúva, Marta Casals Istomin. Com o instrumento, Peled fez a abertura do Festival Casals na Espanha, participou de homenagem ao músico no Festival Pablo Casals em Porto Rico e gravou seu quarto CD com a Centauro Records. Peled tem se apresentado com várias orquestras e nas principais salas de concerto do mundo, tais como Carnegie Hall e Alice Tully Hall, Kennedy Center, Salle Gaveau, Wigmore Hall, Konzerthaus e Mann Auditorium. Recentemente, Peled embarcou em uma extensa turnê de estreia nos Estados Unidos e Alemanha, com a Nordwest Philharmonie, executando o Concerto nº 1 de Shostakovich e o Concerto para violoncelo de Victor Herbert. Além disso, juntou-se ao lendário Krzysztof Penderecki em seu Concerto para violoncelo no Chicago Millennium Park; apresentou os concertos de Elgar e de Shostakovich com o maestro Michael Stern e a Orquestra IRIS; o Concerto em Dó maior de Haydn com Nicola Luisotti e a Orquestra da Ópera de San Francisco; e o Concerto de Schumann com a Orquestra de Câmara de Israel.

Possui quatro álbuns pelo selo Centauro Records e um pela Naxos, este com seu trio de piano The Tempest Trio, todos recebidos com entusiasmo. Convidado frequente, Pellet se apresenta e ministra masterclasses em prestigiados festivais de verão, como Marlboro e Newport, Música de Câmara de Seattle, Instituto Internacional de Música Heifetz, festivais Schleswig Holstein e Euro Arts na Alemanha, Festival Gotland na Suécia, Prussia Cove na Inglaterra, The Violoncello Forum na Espanha, Festival e Academia Internacional Mizra, em Israel. Amit Peled tem sido destaque na televisão e estações de rádio em todo o mundo, inclusive no Performance Today da NPR; na rádio WGBH de Boston, WQXR de Nova York, WFMT de Chicago, Deutschland Radio de Berlim, Radio France, Swedish National Radio & TV e a Rádio & TV Nacional israelense. Um dos professores de violoncelo mais procurados, Peled é docente do Conservatório Peabody de Música da Universidade Johns Hopkins.

PRESTO E VELOCE

Jean Sibelius |

Finlândia, 1865 – 1957

FINLÂNDIA, OP. 26 (1899/1900) 8 min

VALSE TRISTE, OP. 44, Nº 1 (1903) 6 min

O musicólogo e historiador da música Roland de Candé demarca cartesianamente o início do declínio do espírito romântico a partir de 1840. No entanto, ele salienta que esse declínio não gera movimentos capazes de suscitar uma estética musical nova. Diz Candé que “separado de sua fonte, o romantismo musical prossegue na velocidade adquirida. Berlioz, Liszt, Wagner, Verdi, Gounod prolongaram, até tarde no século, a despeito do racionalismo ambiente, uma estética baseada na intuição, à qual se vinculam Bruckner, Tchaikovsky, Mahler, Sibelius...” (História Universal da Música). Nesse contexto é que surgem as ditas escolas nacionais, como heranças do Romantismo, em que Sibelius deve ser situado. Note-se, porém, que esse tipo de classificação não deve ser tomado à risca, mas sim como movimentos oriundos de centros culturais distantes do polo original em que nasceu o Romantismo e que, esteticamente, buscam materiais musicais arraigados em tradições regionais. Assim, pode-se dizer de uma escola francesa, de uma

escola espanhola, de uma escola russa, de uma escola tcheca e de uma escola escandinava, na qual despontam os nomes de Edvard Grieg, Carl Nielsen e Jean Sibelius. A Finlândia de 1899 ainda estava sob domínio russo. Solitária e ameaçada, lutando por sua cultura recôndita em seus lagos e florestas, fará de Jean Sibelius o símbolo de seu nacionalismo. Assim, cada obra sua parece inspirar-se nos poetas de sua terra, em suas epopeias nacionais e em seu folclore. Daí seus poemas sinfônicos, dentre os quais se destaca sua obra-prima, O Cisne de Tuonela, além de outras obras de relevo inegável: o Concerto para Violoncelo, a Quinta Sinfonia, a Valsa triste e outros poemas sinfônicos como Tapiola e principalmente Finlândia. Embora Tapiola apresente um modelo bem próximo dos poemas sinfônicos de Liszt e Strauss, Finlândia a ele escapa. Composta em 1899, sob o jugo czarista, esta obra relativamente breve parece ter apenas um único propósito: entoar um hino de amor à terra finlandesa. Esse hino aparece explicitamente na seção final da obra.

INSTRUMENTAÇÃO FINLÂNDIA 2 flautas, 2 oboés, 2 clarinetes, 2 fagotes, 4 trompas,

3 trompetes, 3 trombones, tuba, tímpanos, percussão, cordas. INSTRUMENTAÇÃO VALSE TRISTE flauta, clarinete, 2 trompas, tímpanos, cordas.

Embora seja invenção original do compositor, não deixa de apresentar traços do folclore nórdico. Talvez daí o fato de ele ter se tornado uma das melodias mais representativas da cultura musical da Finlândia, concorrendo, entre seus patrícios, com seu próprio hino nacional. Estreada em 1900, em Helsinki, pela Sociedade Filarmônica daquela cidade, sob a regência de Robert Kajanus, em uma Finlândia ainda sob domínio russo, a peça teve que adotar diversos codinomes para que pudesse ser executada sem o veto da censura.

A Valsa triste, célebre por sua beleza e concisão, apresenta traços sintéticos do poema sinfônico. Composta para música de cena de uma peça de teatro do cunhado de Sibelius, Arvid Järnfelt, intitulada Kuolema (Morte), ela acompanha uma cena em que a própria Morte aparece a uma mulher moribunda e com ela dança antes de levá-la consigo. A Valsa triste foi composta em 1903 e revisada um ano depois para publicação.

MOACYR LATERZA FILHO Pianista e cravista, Doutor em Literaturas de Língua Portuguesa, professor da Universidade do Estado de Minas Gerais e da Fundação de Educação Artística.

PARA OUVIR CD Jean Sibelius – Finlandia; Valse triste; Tapiola; Der Schwan Von Tuonela – Berliner Philamorniker – Herbert von Karajan, regente – Deutsche Grammophon – 1984 PARA LER Roland de Candé – História Universal da Música – vol. 2 – Eduardo Brandão, tradução – Martins Fontes – 1994 PARA ASSISTIR Finlândia: Orquestra Sinfônica da Rádio Finlandesa e Orquestra Filarmônica de Helsinque – Jukka-Pekka Saraste, regente | Acesse: fil.mg/sfinlandia Valse triste: Orquestra Sinfônica Nacional Dinamarquesa – Rafael Frühbeck de Burgos, regente | Acesse: fil.mg/svalsetriste

PRESTO E VELOCE

Victor Herbert |

Irlanda, 1859 – Estados Unidos, 1924

CONCERTO PARA VIOLONCELO Nº 2 EM MI MENOR, OP. 30 (1894) 23 min

Victor Herbert vive sua primeira infância em Londres aos cuidados de sua mãe viúva e de seu avô Samuel Lover, célebre poeta, novelista e compositor irlandês. Por conta do segundo casamento de sua mãe com um médico alemão, Herbert muda-se em 1866 para Stuttgart, onde faz seus estudos musicais e inicia sua carreira profissional. Em 1881 é contratado pela orquestra da corte de Stuttgart e ali conhece a soprano Therese Förster, que viria a ser sua esposa. Nos cinco anos que se seguem, Herbert lança suas próprias obras orquestrais e dá início a uma carreira de violoncelista em Viena e Stuttgart, solando sua Suíte para violoncelo e orquestra, op. 3 e seu Primeiro Concerto para Violoncelo e Orquestra, op. 8. Contratados pelo Metropolitan Opera House de Nova York, Herbert e sua esposa mudam-se para os Estados Unidos em 1886.

desfrutando de enorme popularidade até a Primeira Guerra Mundial. Com inúmeros sucessos e estreias na Broadway – The Serenade, The Fortune Teller, Babes in Toyland, Mlle. Modiste, The Red Mill, Naughty Marietta, Sweethearts e sua tão desejada opereta sobre um tema irlandês, Eileen –, torna-se uma das figuras mais respeitadas do Tin Pan Alley – grupo de compositores, autores e editores musicais que se estabeleceram no final do século XIX em certa região de Manhattan e dominaram o cenário de música popular nos Estados Unidos da época. Herbert foi ainda um dos principais advogados que lutaram pelos direitos de cópia e gravação nos Estados Unidos, influenciando a decisão de 1909, do Congresso, que garantia aos compositores direitos sobre venda, e fundando a Sociedade Americana de Compositores, Autores e Editores (Ascap).

Em Nova York, além de primeiro violoncelista do Metropolitan,

No mesmo ano em que se lança no mundo das operetas, Herbert

Herbert torna-se membro do New York String Quartet, regente assistente de Anton Seidl e membro do National Conservatory of Music. Em 1894, a partir de Prince Ananias, passa a compor operetas,

finaliza seu Segundo Concerto para Violoncelo e Orquestra e o estreia à frente da New York Philharmonic Orchestra conduzida por Seidl. Os três movimentos – allegro impetuoso, andante tranquillo,

INSTRUMENTAÇÃO 2 flautas, 2 oboés, 2 clarinetes, 2 fagotes, 4 trompas, 2 trompetes,

3 trombones, tímpanos, percussão, cordas.

allegro – apresentam e reapresentam temas que são modificados segundo influência formal de Franz Liszt. A coesão e fluência alcançadas agradam o público da época, e a obra torna-se seu maior sucesso orquestral. Antonín Dvorák, que conhecera Herbert no National Conservatory of Music, encontra nessa obra inspiração para o seu próprio concerto. Com o final da Grande Guerra, os ouvintes norte-americanos abandonam o gosto pelas operetas

de influência europeia e voltam suas atenções para os musicais de partes vocais mais simples. Victor Herbert vê-se marginalizado, e sua música, após sua morte, foge à moda. O Segundo Concerto para Violoncelo, contudo, preserva-se, como parte do cânone, das flutuações constantes do gosto popular.

IGOR REYNER Pianista, Mestre em Música pela UFMG, doutorando de Francês no King’s College London e colaborador do ARIAS/ Sorbonne Nouvelle Paris 3.

PARA OUVIR CD Concertos From The New World – Dvorak & Herbert – Cello Concerto in B Minor op. 104; Cello Concerto in E Minor op. 30 – New York Philharmonic – Kurt Masur, regente – Yo-Yo Ma, violoncelo – Sony Classical – 884977955637 PARA ASSISTIR Orquestra Sinfônica de Córdoba – Carlos Riazuelo, regente – Marcelo Montes, violoncelo | Acesse: fil.mg/hvioloncelo2

PRESTO E VELOCE

Gabriel Fauré |

França, 1845 – 1924

PELLÉAS E MÉLISANDE, OP. 80: SUÍTE (1898) 16 min

A peça Pelléas e Mélisande do escritor simbolista belga Maurice Maeterlinck, desde sua estreia em Paris, motivou a criação de importantes obras musicais. Para ela, Sibelius compôs uma suíte orquestral. Debussy transformou-a em sua única ópera completa, e Schoenberg converteu o argumento em longo poema sinfônico. Mas Fauré antecedeu a todos, quando aceitou escrever a música incidental para a apresentação inglesa do drama. Pressionado pelo exíguo prazo de um mês e meio para elaborar a partitura, o compositor acrescentou ao novo trabalho uma Siciliana, publicada anteriormente para violoncelo e piano. E confiou a orquestração a seu aluno Charles Koechlin. Após o sucesso dessa estreia londrina, Fauré filtrou da música de cena uma suíte de quatro peças que ele próprio reorquestrou para formação sinfônica mais ampla. Aluno de Saint-Saëns e professor de Ravel, Fauré foi igualmente músico de tradição e inovador, jamais um conservador ou revolucionário. Sem romper com o passado, procurou expressar-se de maneira sempre nova. Além de compositor, exerceu múltiplas atividades musicais – redator musical de Le Figaro, organista na igreja da Madeleine,

professor de composição e diretor do Conservatório de Paris. Mesmo surdo (desde 1903), continuou compondo. Dedicou-se principalmente ao piano solo e às obras camerísticas, incluindo o gênero da canção, tão importante para ele. Avesso a qualquer efeito exterior ou gesto grandiloquente, seu gênio encontrou, nesses domínios mais intimistas, espaço adequado para requintadas indagações formais, sobretudo no campo da harmonia. A postura escrupulosa em relação à orquestra explica a relativa escassez de sua produção sinfônica, na qual, entretanto, Fauré soube preservar aristocrática discrição, originalidade e sensibilidade refinadas. O Prelúdio (Quasi adagio) da Suíte op. 80 inicia-se com o delicado tema de Mélisande, nas cordas. Paulatinamente, com tratamento contrapontístico e em crescendo, ele se liga a um motivo mais trágico, no agudo das flautas. No desenvolvimento dessas duas ideias, o oboé e o clarinete intervêm conduzindo a um fortissimo e allargando. Uma descida, notável por seus cromatismos, antecede a coda, cujos insistentes toques de trompa sugerem o chamado de Golaud, irmão de Pelléas e marido de Mélisande.

INSTRUMENTAÇÃO 2 flautas, 2 oboés, 2 clarinetes, 2 fagotes, 4 trompas, 2 trompetes,

tímpanos, harpa, cordas.

Fileuse (Andantino quasi allegretto) tem caráter descritivo, com o torvelinho das cordas em surdina evocando Mélisande à roca. O primeiro tema, apresentado pelo oboé, está em Sol maior, e o segundo, mais amplo, em sol menor.

O Molto adagio final é uma marcha fúnebre de ritmo obsessivo, sobre um desenho de quatro notas. Os sopros anunciam o triste tema. Um arpejo nas cordas divididas anuncia a morte de Mélisande e a música termina desolada, com o motivo da heroína no

A Sicilienne (Allegro molto moderato) prepara o encontro dos apaixonados junto à fonte abandonada. O sabor arcaizante e repleto de lirismo traz um pouco de serenidade à partitura, com a envolvente melodia da flauta, os reflexos da harpa e o murmúrio das cordas.

agudo das cordas, em surdina.

PARA OUVIR CD Fauré – Requiem; Pelléas et Mélisande; Masques et Bergamasques – L’Orchestre de la Suisse Romande – Ernest Ansermet, regente – Decca Eloquence, Reino Unido 450.131-2 – 2000 PARA LER François-René Tranchefort – Guia da Música Sinfônica – Nova Fronteira – 1990 PARA ASSISTIR Orquestra da Ópera Nacional de Lyon – John Eliot Gardiner, regente | Acesse: fil.mg/fpelleas

PRESTO E VELOCE

Jean Sibelius |

Finlândia, 1865 – 1957

SINFONIA Nº 7 EM DÓ MAIOR, OP. 105 (1918/1924) 21 min

Jean Sibelius é conhecido universalmente, hoje em dia, principalmente por suas sete sinfonias e pelo concerto para violino. Exageradamente considerado, pela crítica, como um compositor nacionalista, Sibelius foi, na verdade, um compositor cosmopolita, atento às transformações musicais de seu tempo, mas sempre fiel ao seu estilo. Sua obra tem sido vista, recentemente, como comparável à de Gustav Mahler, ambos responsáveis por uma grande ampliação do gênero sinfônico no início do século XX. A chave para se conhecer as sinfonias de Sibelius está exatamente onde elas diferem das de Mahler. Se para Mahler a sinfonia deveria expandirse ao ponto de abarcar o mundo, para Sibelius ela deveria conter apenas o essencial: a concentração máxima da forma com uma elevada economia de material.

Alemanha e Áustria. Porém, em dez anos essa mesma característica o condenaria ao rótulo de retrógrado. Sibelius não era nem moderno nem retrógrado, mas sabia tratar os elementos musicais, já assimilados de longa data, de maneira ímpar, dando-lhes um frescor inusitado. Era excepcional a sua capacidade de retrabalhar aspectos largamente conhecidos, tais como a melodia, a harmonia e a trama orquestral, e dar-lhes uma aparência nova. Nos anos 1920 sua popularidade – na França e nos países de língua germânica – havia declinado consideravelmente, enquanto, curiosamente, estava em franca ascensão nos países de língua inglesa. Enquanto França, Alemanha e Áustria travavam uma batalha política pela hegemonia da modernidade nas artes, os círculos mais conservadores dos Estados Unidos e Inglaterra viam a música de Jean Sibelius como uma

Assim que o século XX se iniciou, o estilo de Sibelius foi considerado como um prolongamento do Romantismo, o que fez com que sua música fosse vista como moderna pelo meio musical da França,

via de escape para as tendências modernistas que assolavam a Europa. A composição de sua Sétima Sinfonia se deu justamente nessa época. Terminada em 1924, foi estreada em Estocolmo, em 24 de

INSTRUMENTAÇÃO 2 piccolos, 2 flautas, 2 oboés, 2 clarinetes, 2 fagotes, 4 trompas,

3 trompetes, 3 trombones, tímpanos, cordas.

março do mesmo ano, sob a regência do compositor. Calorosamente recebida pelo público escandinavo e, mais tarde, pelo inglês e o norteamericano, foi praticamente ignorada pelos países da Europa central.

e acúmulo, ou subtração, de materiais. O resultado sonoro assemelha-se ao aparecimento de constantes flashbacks que se acumulam inusitadamente, como um passado que insiste em retornar constantemente, porém diferente.

Embora a primeira menção à Sétima Sinfonia tenha ocorrido em uma carta de Sibelius de 1818 – em que se descobre que o plano original da obra contemplava três movimentos –, fragmentos do material musical utilizado na Sinfonia podem ser encontrados em cadernos de rascunhos do compositor desde o ano de 1914. Em 1923 o compositor condensou os três movimentos em um único. O resultado, entretanto, está longe de parecer uma simples colagem. Sibelius conseguiu construir uma estrutura complexa ao utilizar aquilo que se convencionou chamar de forma rotacional ou forma cíclica. A forma rotacional opera por

A obra possui quatro seções intercaladas pelo tema do trombone. Na primeira seção (Adagio) Sibelius expõe o material principal: o rufo dos tímpanos, a escala ascendente das cordas e o motivo das flautas (respondido pelos clarinetes). Um curto momento em que as cordas tocam pequenos motivos, em imitação, culminará na primeira aparição do tema do trombone. Uma longa transição, com rotações livres dos materiais do início, acelera o tempo até chegarmos à próxima seção. Na segunda seção (Vivacissimo), com caráter de scherzo, os mesmos materiais reaparecem,

constantes reaparições variadas do mesmo material musical. Ou seja, cada vez que determinado trecho musical reaparece, ele traz consigo transformações (expansões, condensações, reordenações etc.)

novamente transformados. Em pouco tempo ouvimos o tema do trombone (Adagio), desta vez mais longo e funcionando, ele próprio, como transição. A terceira seção (Allegro molto moderato), a mais

PRESTO E VELOCE

longa de todas, possui também o caráter de scherzo; trata-se aqui, porém, de um scherzo mais leve e expansivo, recheado de transformações livres dos materiais do início. A terceira aparição do tema do trombone (Adagio) nos leva à quarta e última seção, onde os materiais são livremente reordenados em uma breve reexposição.

GUILHERME NASCIMENTO Compositor, Doutor em Música pela Unicamp, professor na Escola de Música da UEMG, autor dos livros Os sapatos floridos não voam e Música menor.

PARA OUVIR CD Sibelius – The 7 symphonies; Finlandia; Kullervo; Valse triste and more – London Symphony Orchestra – Sir Colin Davis, regente – RCA Red Seal – 2004 PARA LER David Burnett James – Sibelius: illustrated lives of the great composers – Omnibus Press – 1989 Andrew Barnett – Sibelius – Yale University Press – 2010 PARA ASSISTIR Orquestra Filarmônica de Viena – Leonard Bernstein, regente | Acesse: fil.mg/ssinf7

FOTO OU AD

FOTO: RAFAEL MOTTA

ALLEGRO Quinta

28/05 V I VA C E Sexta

29/05

PATROCÍNIO

FABIO MECHETTI regente DUO BINELLI-FERMAN

DANIEL BINELLI bandoneon

•

POLLY FERMAN piano

PROGRAMA

CARLOS CHÁVEZ Sinfonia nº 2, “Índia” DUO BINELLI-FERMAN

Daniel BINELLI Homenagem ao tango • El Grand Tango • Milonga-Candombe • Requiem – I N T E RVA L O –

Isaac ALBÉNIZ Suíte Ibéria (orquestração de E. F. Arbós) • Evocación • El Corpus en Sevilla • Triana • El puerto • El Albaicín

Manuel de FALLA O Sombreiro de Três Picos: Suíte nº 2 • Os vizinhos: Seguidilha • Dança do moleiro: Farruca • Dança final: Jota

ALLEGRO E VIVACE

F OTO: PET ER SCH AA F

Prestigiados em todo o mundo, os músicos Daniel Binelli e Polly Ferman uniram seus talentos para estimular a apreciação do tango, milonga, candombe e outros estilos musicais latino-americanos pela parceria rara do bandoneon com o piano. Suas apresentações refletem a elegância e a sutileza do tango tradicional, o atrevimento da milonga, o romance da valsa, o temperamento e o poder do tango contemporâneo.

DUO BINELLI-FERMAN

A habilidade do Duo em se relacionar com o público torna suas apresentações uma experiência fantástica em todo o mundo. Desde

sua estreia em 2000, em Nova York, esteve em Tóquio, Pequim, Xangai, Roma, Paris, Munique, Berna, São Petersburgo, Chicago, Dallas, São Francisco e Miami para concertos e masterclasses. O Duo se apresenta como solista com orquestras sinfônicas e de câmara no projeto Orquestango, que destaca a música de Binelli, Piazzolla, Salgán, Ginastera e outros. Recentemente, esteve com as sinfônicas de São Francisco, Colorado e Vancouver, Orquestra de Câmara da Cidade de Hong Kong, Filarmônica de Montevidéu, Sinfônica de Concepción, Chile, sinfônicas de Mendoza e Parana, Argentina. O Duo gravou o álbum Imágenes de Buenos Aires para os selos Romeo Records e Epsa Music; Orquestango 1 e 2 para a Sondor Records com a Filarmônica de Montevidéu; New Tango Vision com o Trio Binelli-Ferman-Isaac, e Tango Reunion, gravado ao vivo na Polônia. Reconhecido internacionalmente como compositor, arranjador e mestre do bandoneon, o argentino Daniel Binelli fez parte da orquestra de Osvaldo Pugliese durante quatorze anos e integrou o New Tango Sexteto

de Astor Piazzolla. Apresentou-se como solista das melhores orquestras sinfônicas e foi dirigido por maestros como Charles Dutoit, Lalo Schiffrin, Franz Paul Decker, Robert Spano, JoAnn Faletta, Michael Christie, Lior Shambadal e Simon Blech. Binelli criou e arranjou música para instrumentos solistas, quinteto, orquestras de câmara e sinfônica, dança e trilhas de cinema, em todos os estilos do tango e na linguagem contemporânea. Gravou mais de cem registros com repertórios que denotam sua versatilidade. A pianista uruguaia Polly Ferman é uma das maiores intérpretes da música latino-americana. Por sua maestria nesse repertório, o jornal The Japan Times a distinguiu como “embaixadora da música das Américas”. Suas turnês como solista incluem atuações com importantes orquestras em todo o mundo. Em recitais, apresentou-se no Carnegie Hall, no Suntory Hall, Takemitsu Hall, Woolf Trapp, St. Martin in the Fields, Koncert Halle, Teatro Colon, entre outros. Ferman é autora, diretora musical e pianista de GlamourTango, espetáculo multimídia de música e dança. Suas gravações como solista constituem uma das mais vastas coleções de repertório de música latino-americana.

ALLEGRO E VIVACE

Carlos Chávez |

México, 1899 – 1978

SINFONIA Nº 2, “ÍNDIA” (1935/1936) 12 min

“A arte indígena do México é, em nossos dias, a única manifestação viva de um povo que representa cerca de quatro quintos da estrutura racial do país”, afirmou Carlos Chávez acerca de sua Sinfonia nº 2, também conhecida como Sinfonia Índia. A frase esclarece sobre a origem da obra e justifica o apelido, que não se refere ao país homônimo e nem a qualquer outro povo indígena: “índia” relaciona-se tão-somente com a cultura indígena mexicana. A valorização do folclore mexicano marca a produção musical de Carlos Chávez, cuja representatividade no México é semelhante à de Heitor Villa-Lobos no Brasil. Tal como Villa-Lobos fora influenciado por Mário de Andrade, Chávez seguiu os passos de seu mestre, Manuel Ponce. Sem ater-se à música contemporânea, Chávez ampliou sua pesquisa aos povos mesoamericanos do período pré-conquista ou pré-colombiano.

A Sagração da Primavera. Por serem raros tais instrumentos nativos, o compositor indica na partitura quais seriam os equivalentes mais próximos: o tambor de água, Jicara de agua ou xicallí, uma espécie de cabaça emborcada em outra, cheia de água, pode ser substituído pelo tambor surdo; o rústico tambor yaqui pode ser substituído pela tabla indiana; os tambores de madeira feitos com tronco de árvores escavadas, chamados teponaxtles, poderão ser substituídos pelo xilofone; o grande tambor de pele de pantera, de nome quase impronunciável, tlapanhuéhuetl, usado em cerimônias de convocação para a guerra, pelo bumbo; o tenábaris, feito de casulos secos de borboletas, por um chocalho, e assim por diante.

A característica mais marcante da Sinfonia Índia é a inclusão de instrumentos de origem nativa em sua orquestração, como o güiro, semelhante ao reco-reco brasileiro e já utilizado por Stravinsky em

índios Huicholes e Coras do estado de Nayarit, dos índios Seris da ilha do Tubarão e dos índios Yaquis do estado de Sonora. A energia tribal da primeira parte ou o canto cerimonial da seção intermediária

Pode-se dizer que a Sinfonia Índia foi inspirada nas grandes civilizações indígenas do antigo México, embora concebida a partir de temas dos

INSTRUMENTAÇÃO 2 piccolos, 3 flautas, 3 oboés, requinta, 2 clarinetes, clarone, 3 fagotes,

4 trompas, 2 trompetes, 2 trombones, tímpanos, percussão, harpa, cordas.

retratam a música daqueles antigos povos dotados de milenar conhecimento tecnológico, mas que sacrificavam virgens por temor ao deus Sol. Parte desse “primitivismo sofisticado” – o asteca, em especial – foi assolado pelo conquistador espanhol Hernán Cortés, e outra parte mantida pelos índios aliados a Cortés contra a dominação asteca. Daí a sobrevivência dos povos huicholes, yaquis e seris. Carlos Chávez, ao analisar a herança musical autóctone do período pós-conquista, admirou inclusive a capacidade de ter a cultura mexicana resistido

a quatro séculos de contato com expressões musicais europeias: “a música dos ancestrais imediatos da América é a forte música de um homem que constantemente se esforça em dominar seu entorno. Manifestações estrangeiras que se opõem ao sentimento de sua música têm sido incapazes de destruí-la, por não conseguirem alterar as condições éticas dos indivíduos”.

MARCELO CORRÊA Pianista, Mestre em Piano pela Universidade Federal de Minas Gerais, professor na Universidade do Estado de Minas Gerais.

PARA OUVIR CD Carlos Chávez conducts his Sinfonía India; Sinfonía de Antígona; Sinfonía Romántica – Stadium Symphony Orchestra (nome dado à New York Philharmonic Orchestra durante o festival de verão realizado no Lewisohn Stadium) – Carlos Chávez, regente – Everest Records – 1996 PARA LER Robert Parker – Carlos Chavez: A Guide to Research – Editora Garland Publishing – 1998 PARA ASSISTIR Orquestra Sinfônica Simón Bolívar – Eduardo Mata, regente | Acesse: fil.mg/cindia

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Daniel Binelli |

Argentina, 1946

HOMENAGEM AO TANGO (2008) 22 min

Homenagem ao tango é um concerto duplo para piano, bandoneon e orquestra. Foi comissionado pela Orquestra Sinfônica da Universidade de Utah, na figura do maestro Sergio Bernal, que dirigiu a estreia da obra em 2008, tendo Polly Ferman ao piano e o próprio compositor ao bandoneon. A obra consiste em três movimentos executados sem interrupção: El Gran Tango, Milonga-Candombe, Requiem. No primeiro movimento, é o piano quem conduz os passos iniciais da dança: a aparição do bandoneon é vibrante, porém efêmera. A primeira parte homenageia a alma revolta do tango nuevo de Astor Piazzolla. O ritmo, bem marcado e tenso, só é interrompido após o solo do piano, este, um recitativo sentimental que logo deflagrará um novo timbre do bandoneon, sussurrado em uma nota, pungente e distante, que se transforma em solo reluzente e pleno de nostalgia. Temos, então, a homenagem ao tango arrabalero, suburbano, imortalizado na voz de Gardel. Do tango canción retorna-se ao tango nuevo, estilo do qual Daniel Binelli é o representante vivo. O piano convida novamente seu parceiro à dança desafiadora,

marcha quaternária cheia de arrastres e acentos deslocados. Dois gêneros diferentes de dança se revezam no segundo movimento – milonga e candombe –, ambos trazidos dos povos africanos e incorporados à cultura argentina. A milonga é o único gênero de dança argentina capaz de ombrear com o tango. A estrutura rítmica da milonga é imutável, seja ela executada lenta como a habanera cubana, ou rápida como o maxixe brasileiro. A milonga lenta do segundo movimento introduz o ouvinte ao tango cabaretero, dos boêmios amargurados, dos cantores e das dançarinas. Bem diferente é o agitado candombe rioplatense, de origem afro-uruguaia, no qual a percussão orquestral é acrescida de tambores africanos. É um tributo à origem da palavra tango que, em línguas africanas – tangó ou tambó – designa uma espécie de tambor pequeno. O terceiro movimento, denominado Requiem, é uma homenagem à memória do pianista Osvaldo Pugliese e do bandoneonista Astor Piazzolla, dois famosos compositores argentinos representados pelos instrumentos solistas. Por inúmeras

INSTRUMENTAÇÃO piccolo, flauta, oboé, corne inglês, 2 clarinetes, 2 fagotes, 2 trompas,

2 trompetes, 2 trombones, tímpanos, percussão, harpa, cordas.

vezes Binelli teve o privilégio de dividir o palco com Pugliese e Piazzolla, em concertos e turnês internacionais. Requiem pode ser interpretado como uma elegia extensiva a outros grandes nomes do tango, tais como Anibal Troilo, Julio de Caro, Angel Villoldo, Juan D’Arienzo e Francisco Canaro. O título não deve confundir-se com o réquiem do tango, gênero que conforta os melancólicos e inspira os apaixonados: “de jeito nenhum é uma língua morta, eu vejo o tango forte, lúcido e revitalizado”,

defende o compositor Daniel Binelli. Homenagem ao tango é exemplo do tango avant-garde que continua a representar a música argentina. É também exemplo de um gênero recente – o tango orquestral ou sinfônico. Representa a almejada fusão do novo e do tradicional, reverenciando um nobre passado: isto sim é uma verdadeira homenagem ao tango. MARCELO CORRÊA Pianista, Mestre em Piano pela Universidade Federal de Minas Gerais, professor na Universidade do Estado de Minas Gerais.

PARA LER Hélio de Almeida Fernandes – Tango, uma possibilidade infinita – Editora Bom Texto – 2000 PARA ASSISTIR Daniel Binelli’s – Homage to Tango – La Plata Symphony Orchestra – Dante Anzolini, regente – Daniel Binelli, bandoneon – Polly Ferman, piano – 2008 | Acesse: fil.mg/btango

ALLEGRO E VIVACE

Isaac Albéniz |

Espanha, 1860 – França, 1909

SUÍTE IBÉRIA (orquestração E. F. Arbós) (1905/1909) 30 min Albéniz iniciou sua carreira de pianista como menino prodígio. Com apenas quatro anos, apresentou-se no Teatro Romea de Barcelona e, desde então, conquistou extraordinária fama mundial. Recebeu elogios e orientações de Liszt, em Weimar; e estudou com Paul Dukas, em Paris. Embora as longas turnês e viagens de estudos mantivessem-no afastado de seu país por grande parte de sua vida, Albéniz é considerado o iniciador da música espanhola moderna. Ele buscou uma simbiose perfeita entre as verdadeiras raízes da música popular ibérica e a virtuosidade do pianismo romântico. A Suíte Ibéria é o ponto culminante desse projeto. Suas doze peças se estruturam basicamente sobre os elementos populares do ritmo e da copla, ainda que os temas empregados sejam, quase na totalidade, criações originais do compositor. O ritmo identifica-se pelas síncopas e acentuações; a copla constitui a melodia ou tema principal. Após a morte de Albéniz, o violinista e regente Enrique Fernandez Arbós orquestrou algumas peças de Ibéria. Albéniz e Arbós se conheceram adolescentes, quando estudavam no Conservatório de Bruxelas e se tornaram amigos e parceiros, formando um célebre duo.

A Suíte Ibéria foi composta na França e inicia-se com Evocación, peça nostálgica em que Albéniz relembra a pátria distante. O caráter espanhol deixa-se impregnar pelo espírito da música francesa da época. O tema introdutório, Allegretto expressivo, se sobrepõe a um acompanhamento sincopado e termina em ritmo de dança. A copla, mais decididamente espanhola, aparece nas notas graves e mantém o mesmo ritmo do tema introdutório. El Corpus en Sevilla é bastante descritiva: inicia-se com os rufos de tambor que anunciam, a distância, a procissão. A seguir, usando diretamente o motivo popular La tarara, Albéniz sugere a aproximação dos fiéis. Apresentado em pianíssimo, esse tema vai crescendo pouco a pouco, juntando o rumor da multidão ao toque dos sinos. Todo o alvoroço festivo é interrompido pela atmosfera suave e meditativa da copla. Mas La tarara retorna com triunfante virtuosismo até ser interrompida por um longo e agudo acorde. Os penitentes se afastam, as ruas ficam vazias e os sinos tocam a distância... Triana homenageia o bairro cigano de Sevilha, domínio do flamenco. Um motivo graciosamente acentuado

INSTRUMENTAÇÃO piccolo, 2 flautas, 2 oboés, corne inglês, requinta, 2 clarinetes,

clarone, saxofone, 2 fagotes, contrafagote, 4 trompas, 4 trompetes, 3 trombones, tuba, tímpanos, percussão, 2 harpas, celesta, cordas.

impõe o ritmo da seguidilla, cuja alegria se alterna com a elegância da cantável copla central. El puerto é a peça mais curta da suíte. O título refere-se ao porto de Santa Maria, aldeia de pescadores em Cádiz. Um sapateado, sobre um ritmo constante, começa suavemente e vai se tornando mais forte, movimentado por uma figuração que sugere o bater de tacões. Desenvolve-se com poesia luminosa e cheia de vida até os delicados arpejos finais. El Albaicín (Allegro assai, ma melancolico) ambienta-se à noite, nesse

bairro cigano de Granada. A introdução cria um clima de mistério. Após um silêncio de expectativa, a copla, bastante contrastante, apresenta sua melodia dobrada na oitava inferior. Por várias vezes, como uma queixa, ela se alternará com os sobressaltos dos trechos rítmicos. Após a última recordação da copla na região grave, a peça termina de forma brusca e enérgica.

PARA OUVIR CD Viva España (The Music of Spain) – Falla: Threecornered Hat; El Amor Brujo; Albéniz / Arbós: Iberia – CSR Symphony Orchestra – Keeneth Jean, regente – Naxos Ddd 8550174 Orquestra Sinfônica de Cincinnati – Jesús López-Cobos, regente | Acesse: fil.mg/aiberia1 fil.mg/aiberia2 | fil.mg/aiberia3 PARA LER Otto Maria Carpeaux – O Livro de Ouro da História da Música – Ediouro – 2009

ALLEGRO E VIVACE

Manuel de Falla |

Espanha, 1876 – Argentina, 1946

O SOMBREIRO DE TRÊS PICOS: SUÍTE Nº 2 (1921) 12 min

Manuel de Falla nasceu em Cádiz, andaluz por parte de pai e catalão pelo lado materno. Desde cedo, familiarizou-se com a música folclórica andaluza na sua forma mais genuinamente popular e cotidiana. Estudou na Real Academia de Madrid com o grande musicólogo Felipe Pedrell (que também fora professor de Albéniz e Granados). Mas os rumos da carreira de Falla se definem em Paris, onde permanecerá de 1907 a 1914. Entusiasmado com seu talento, Paul Dukas dá-lhe aulas de instrumentação e o introduz no cenário vanguardista parisiense. Falla fez assim amizade com os compatriotas Picasso e Albéniz e com seus ídolos Ravel e Debussy. Apesar do temperamento discreto, da sincera modéstia e de extrema discrição, o jovem compositor se impôs pela originalidade e excelência de sua música. Falla celebra a Espanha com uma profusão de motivos e ritmos fulgurantes – o fandango andaluz, a seguidilla, boleros, toadas murcianas, sevillanas, a farruca e a jota. Ao mesmo tempo, sua abordagem do folclore revela-se comprometida e atualizada com as renovações musicais do começo do século XX.

Após a Primeira Guerra, o diretor dos Balés Russos, Sergei Diaghilev, propôs ao compositor uma obra tipicamente espanhola, à altura de suas produções mais famosas – entre elas, A Sagração da Primavera, de Stravinsky, que Falla conhecia de seus anos parisienses. Surge assim a versão definitiva de El Sombrero de Tres Picos, balé baseado na farsa popular do escritor Pedro de Alarcón, cujo enredo narra as desventuras de um velho Corregedor, o homem do sombrero. Enamorado de Frasquita, bela e inocente moleira, esse juiz frequenta assiduamente o Moinho, lugar de encontro dos moradores da aldeia. O moleiro Lucas Fernandez mostra-se a princípio ciumento; mas depois se torna cúmplice da mulher, e o casal inventa peripécias burlescas para ridicularizar o corregedor. Na dança final, os solidários vizinhos agarram o velho galanteador e o jogam, como um boneco, para o alto. A estreia do balé foi em Londres, em julho de 1919, com cenários e figurinos de Picasso, coreografia do russo Massine e direção musical de Ernest Ansermet. Toda a obra respira humor e vitalidade, com citações irônicas de melodias populares e de

INSTRUMENTAÇÃO 2 piccolos, 2 flautas, 2 oboés, corne inglês, 2 clarinetes, 2 fagotes,

4 trompas, 3 trompetes, 3 trombones, tuba, tímpanos, percussão, harpa, celesta, piano, cordas.

autores consagrados. A orquestração é, ao mesmo tempo, suntuosa e refinada e, em dois momentos estratégicos, utiliza a voz de contralto com singular propriedade. Para apresentações em concerto, Falla condensou o balé em duas suítes orquestrais, cada uma com três danças que seguem as peripécias do enredo. A Suíte nº 2 começa com a Dança dos vizinhos (Allegro non troppo), quando os aldeões se reúnem no moinho para festejar o dia de São João. Seu ritmo é o da seguidilla, evocando a vitalidade de uma festa andaluza.

A seguinte Dança do moleiro (Poco vivo) exibe a farruca característica do estilo flamenco. Toda a aldeia participa da Dança final (Poco mosso), triunfante jota de virtuosidade contagiante. A orquestra torna-se ainda mais colorida, concluindo com brilho essa partitura espanhola de irresistível apelo universal.

PARA OUVIR CD Viva España (The Music of Spain) – Falla: Threecornered Hat; El Amor Brujo; Albéniz/ Arbós: Iberia – CSR Symphony Orchestra – Keeneth Jean, regente – Naxos Ddd 8550174 PARA LER Manuel Orozco Diaz – Falla – Salvat Editores S. A. – 1985 PARA ASSISTIR Orquestra Sinfônica da Rádio e Televisão Espanhola – Antoni Ros-Marbà, regente Acesse: fil.mg/fsombreiro

FOTO: AN DRÉ FO SSAT1

ACOMPANHE A FILARMÔNICA EM OUTRAS SÉRIES DE CONCERTO CONCERTOS PARA A JUVENTUDE

LABORATÓRIO DE REGÊNCIA

Realizados em manhãs de domingo,

Atividade pioneira no Brasil, este

são concertos dedicados aos jovens

laboratório é uma oportunidade

e às famílias, buscando ampliar

para que jovens regentes brasileiros

e formar público para a música

possam praticar com uma orquestra

clássica. As apresentações têm

profissional. A cada ano, quinze

ingressos a preços populares.

maestros, quatro efetivos e onze ouvintes, têm aulas técnicas, teóricas e

CLÁSSICOS NA PRAÇA

ensaios com o regente Fabio Mechetti.

Realizados em praças da Região

O concerto final é aberto ao público.

Metropolitana de Belo Horizonte, os concertos proporcionam momentos

TURNÊS NACIONAIS E INTERNACIONAIS

de descontração e entretenimento,

Com essas turnês, a Orquestra

buscando democratizar o acesso da

Filarmônica de Minas Gerais

população em geral à música clássica.

busca colocar o estado de Minas dentro do circuito nacional e

CONCERTOS DIDÁTICOS

internacional da música clássica.

Concertos destinados a grupos de crianças e jovens da rede escolar

TURNÊS ESTADUAIS

e a instituições sociais, mediante

As turnês estaduais levam a música de

inscrição prévia. Seu formato busca

concerto a diferentes cidades e regiões de

apoiar o público em seus primeiros

Minas Gerais, possibilitando que o público

passos na música clássica.

do interior do Estado tenha contato direto com música sinfônica de excelência.

FESTIVAL TINTA FRESCA Com o objetivo de fomentar a criação

CONCERTOS DE CÂMARA

musical entre compositores brasileiros e

Realizados para estimular músicos

gerar oportunidade para que suas obras

e público na apreciação da música

sejam apresentadas em concerto, este

erudita para pequenos grupos. A

Festival é sempre uma aventura musical

Filarmônica conta com grupos de

inédita. Como prêmio, o vencedor recebe

Metais, Cordas, Sopros e Percussão.

a encomenda de outra obra sinfônica a ser estreada pela Filarmônica no ano seguinte, realimentando o ciclo da produção musical nos dias de hoje.

PRÓXIMOS CONCERTOS

Maio

Junho

DIA 10, CLÁSSICOS NA PRAÇA

DIA 3, FESTIVAL TINTA FRESCA

domingo, 11h, Praça da Liberdade

CONCERTO DE ENCERRAMENTO

Marcos Arakaki, regente

quarta, 20h30, Sala Minas Gerais

TCHAIKOVSKY / DVORÁK / SANTORO / MOZART /

Marcos Arakaki, regente

ROSSINI / LISZT / KETÈLBEY / MONCAYO

DIA 7, CONCERTOS PARA A JUVENTUDE 3 DIAS 14 E 15, PRESTO 3, VELOCE 3

ENCONTRO COM BRAHMS

quinta e sexta, 20h30, Sala Minas Gerais

domingo, 11h, Sala Minas Gerais

Michal Nesterowicz, regente convidado

BRAHMS

Marcos Arakaki, regente

Amit Peled, violoncelo SIBELIUS / HERBERT / FAURÉ

DIAS 11, 12 E 13, TURNÊ ESTADUAL

DIA 23, FORA DE SÉRIE 3

quinta, sexta e sábado, 20h, Divinópolis, Araxá e Uberlândia

sábado, 18h, Sala Minas Gerais

Marcos Arakaki, regente

Fabio Mechetti, regente

TCHAIKOVSKY / DVORÁK / PROKOFIEV /

Natasha Paremski, piano

VAUGHAN-WILLIAMS / WAGNER / GOMES

BEETHOVEN

DIA 20, FORA DE SÉRIE 4 DIAS 28 E 29, ALLEGRO 4, VIVACE 4

sábado, 18h, Sala Minas Gerais

quinta e sexta, 20h30, Sala Minas Gerais

Roberto Tibiriçá, regente convidado

Fabio Mechetti, regente

BEETHOVEN

Cristina Ortiz, piano

Duo Binelli-Ferman Daniel Binelli, bandoneon

DIAS 25 E 26, PRESTO 4, VELOCE 4

Polly Ferman, piano

quinta e sexta, 20h30, Sala Minas Gerais

CHÁVEZ / BINELLI / ALBÉNIZ/Arbós / FALLA

Yoav Talmi, regente convidado Liza Ferschtman, violino BERLIOZ / SAINT-SAËNS / FRANCK

Orquestra Filarmônica de Minas Gerais

DIRETOR ARTÍSTICO E REGENTE TITULAR

Fabio Mechetti REGENTE ASSOCIADO

Marcos Arakaki PRIMEIROS VIOLINOS

VIOLONCELOS

TROMPAS

GERENTE

Anthony Flint – Spalla

Robson Fonseca ****

Alma Maria Liebrecht *

Jussan Fernandes

Rommel Fernandes –

Elise Pittenger ***

Evgueni Gerassimov ***

Spalla Associado

Camila Pacífico

Gustavo Garcia Trindade

INSPETORA

Ara Harutyunyan –

Camilla Ribeiro

José Francisco dos Santos

Karolina Lima

Spalla Assistente

Eduardo Swerts

Lucas Filho

Ana Zivkovic

Emilia Neves

Fabio Ogata

Arthur Vieira Terto

Eneko Aizpurua Pablo

Baptiste Rodrigues

Lina Radovanovic

TROMPETES

Bojana Pantovic

Lucas Barros *****

Marlon Humphreys *

Dante Bertolino

ASSISTENTE ADMINISTRATIVA

Débora Vieira

Érico Fonseca **

ARQUIVISTA

Marcio Cecconello

CONTRABAIXOS

Daniel Leal ***

Sergio Almeida

Mateus Freire

Colin Chatfield *

Tássio Furtado

Rodrigo Bustamante

Nilson Bellotto ***

Rodrigo Monteiro Braga

Brian Fountain

TROMBONES

Ana Lúcia Kobayashi

Rodrigo de Oliveira

Marcelo Cunha

Mark John Mulley *

Claudio Starlino

Pablo Guiñez

Diego Ribeiro **

Jônatas Reis

William Brichetto

Wagner Mayer ***

SEGUNDOS VIOLINOS

Frank Haemmer *

ASSISTENTES

Renato Lisboa

Leonidas Cáceres ***

FLAUTAS

Hyu-Kyung Jung

Cássia Lima*

TUBA

Jovana Trifunovic

Renata Xavier ***

Eleilton Cruz *

Leonardo Ottoni

Alexandre Braga

Luka Milanovic

Elena Suchkova

Marija Mihajlovic

MONTAGEM

Rodrigo Castro MONTADORES

TÍMPANOS

André Barbosa

Patricio Hernández

Hélio Sardinha

Pradenas *

Jeferson Silva

Martha de Moura

OBOÉS

Pacífico

Alexandre Barros *

Radmila Bocev

Ravi Shankar ***

PERCUSSÃO

Rodolfo Toffolo

Israel Muniz

Rafael Alberto *

Tiago Ellwanger

Moisés Pena

Daniel Lemos ***

Valentina Gostilovitch

SUPERVISOR DE

Klênio Carvalho Risbleiz Aguiar

Sérgio Aluotto CLARINETES

Werner Silveira

VIOLAS

Marcus Julius Lander *

João Carlos Ferreira *

Jonatas Bueno ***

HARPA

Roberto Papi ***

Ney Campos Franco

Giselle Boeters *

Flávia Motta

Alexandre Silva

Gerry Varona

TECLADOS

Gilberto Paganini

FAGOTES

Juan Castillo

Catherine Carignan *

Katarzyna Druzd

Andrew Huntriss

Luciano Gatelli

Cláudio de Freitas

Ayumi Shigeta *

Marcelo Nébias Nathan Medina

* principal ** principal associado *** principal assistente **** principal / assistente substituto ***** convidado

Instituto Cultural Filarmônica

FORTISSIMO

maio

nº 3 / 2015 ISSN 2357-7258 EDITORA Merrina

Godinho Delgado EDIÇÃO DE TEXTO

Berenice Menegale

Conselho Administrativo PRESIDENTE EMÉRITO

Jacques Schwartzman PRESIDENTE

Roberto Mário Soares CONSELHEIROS

Angela Gutierrez Berenice Menegale Bruno Volpini Celina Szrvinsk Fernando de Almeida Ítalo Gaetani Marco Antônio Pepino Marcus Vinícius Salum Mauricio Freire Mauro Borges Octávio Elísio Paulo Brant Sérgio Pena

Diretoria Executiva DIRETOR PRESIDENTE

Diomar Silveira DIRETOR ADMINISTRATIVOFINANCEIRO

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OPERAÇÕES

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ADMINISTRATIVOS

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COMUNICAÇÃO

MARKETING DE

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Merrina Godinho

RELACIONAMENTO

Delgado

Eularino Pereira

MENSAGEIROS

Rildo Lopez

Lucas Lima

GERENTE DE PRODUÇÃO MUSICAL

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Equipe Administrativa

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GERENTE

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ASSESSORA DE

ADMINISTRATIVO-

PROGRAMAÇÃO

FINANCEIRA

MUSICAL

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Sala Minas Gerais

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ILUMINAÇÃO E ÁUDIO

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Mônica Moreira

FOTO DA CAPA: ALEXANDRE REZENDE

ILUSTRAÇÕES: MARIANA SIMÕES

PARA APRECIAR UM CONCERTO

PONTUALIDADE Uma vez iniciado um concerto, qualquer movimentação perturba a execução da obra. Seja pontual e respeite o fechamento das portas após o terceiro sinal. Se tiver que trocar de lugar ou sair antes do final da apresentação, aguarde o término de uma peça.

CUIDE DO SEU PROGRAMA DE CONCERTOS Fortissimo, além de seu programa mensal de concertos, é uma publicação indexada aos sistemas nacionais e internacionais de catalogação. Elaborado com a participação de especialistas, ele oferece uma oportunidade a mais para se conhecer música. Desfrute da leitura e estudo. Para evitar o desperdício, pegue apenas um exemplar ao mês. Caso não precise dele após o concerto, devolva-o nas caixas receptoras. O programa se encontra também disponível em nosso site, na agenda de concertos. www.filarmonica.art.br

APLAUSOS Aplauda apenas no final das obras. Veja no programa o número de

CONVERSA

movimentos de cada uma e fique de

A experiência do concerto inclui o

olho na atitude e gestos do regente.

encontro com outras pessoas. Aproveite essa troca antes da apresentação e no seu intervalo, mas nunca converse

TOSSE

ou faça comentários durante a

Perturba a concentração dos músicos

execução das obras. Lembre-se de

e da plateia. Tente controlá-la com

que o silêncio é o espaço da música.

a ajuda de um lenço ou pastilha.

CRIANÇAS APARELHOS CELULARES

Caso esteja acompanhado por

Confira e não se esqueça, por

criança, escolha assentos próximos

favor, de desligar o seu celular ou

aos corredores. Assim, você

qualquer outro aparelho sonoro.

consegue sair rapidamente se ela se sentir desconfortável.

FOTOS E GRAVAÇÕES EM ÁUDIO E VÍDEO

COMIDAS E BEBIDAS

Não são permitidas na

Seu consumo não é permitido no

sala de concertos.

interior da sala de concertos.

OLÁ, ASSINANTE Veja algumas dicas para que os concertos na Sala Minas Gerais sejam uma ótima experiência para você.

ACESSO A Sala Minas Gerais possui 3 andares

• Térreo

Plateia Central

• 2º piso

Balcão Principal, Camarote, Balcão Lateral,

Balcão Palco e Coro

• 3º piso

Mezanino

HORÁRIOS (concertos de quinta e sexta)

19h

ler o programa, tomar um café ou encontrar amigos.

20h

Abertura da Sala Minas Gerais.

20h30

Fechamento das portas e início do concerto.

É a hora da música. Aproveite este momento. Esqueça a conversa, o celular e a câmera fotográfica.

E-TICKET Ao comprar ingressos para concertos fora da sua série de assinatura, você já pode imprimi-los em casa e apresentá-los diretamente no acesso à Sala Minas Gerais. Basta fazer essa escolha no momento da compra.

ASSESSORIA DE RELACIONAMENTO assinatura@filarmonica.art.br 3219-9009 (segunda a sexta, 9h a 18h)

www.filarmonica.art.br

FOTO: ANDRÉ FOSSATI

Abertura da entrada principal. Nos foyers, você pode

SALA MINAS GERAIS

Difusor de teto Muitos elementos participam do resultado acústico da Sala Minas Gerais. Como um instrumento musical, a Sala precisa ser afinada. Isso é feito a cada concerto, de acordo com a obra, o tamanho da

FOTO: RAFAEL MOTTA

orquestra e a ocupação das plateias. Mas também ao longo de muitos meses e com base nas experiências das diferentes músicas e das exigências que elas fazem ao espaço. Já falamos aqui das cadeiras, que fazem a absorção fixa do som. Para a absorção móvel do som, há outros recursos, entre eles o difusor de teto. Ele pode ser ajustado em alturas variadas e resultar em sonoridades diferentes no palco e na plateia. Para o arquiteto e acústico da Sala Minas Gerais, José Augusto Nepomuceno, todos os elementos de afinação acústica da Sala são importantes e não há um que se sobreponha ao outro. “Entendemos a sala como um instrumento musical no qual todas as partes trabalham conjuntamente a favor da sonoridade”, diz ele.

FOTO: ALEXANDRE REZ ENDE

FOTO: RAFAEL MOTTA

CA: 0230/001/2013

DIVULGAÇÃO

APOIO INSTITUCIONAL

INCENTIVO

w w w. i n c o n f i d e n c i a . c o m . b r

Projeto executado por meio da Lei Estadual de Incentivo à Cultura de Minas Gerais

REALIZAÇÃO

SALA MINAS GERAIS Rua Tenente Brito Melo, 1.090 | Barro Preto | CEP 30.180-070 | Belo Horizonte - MG (31) 3219.9000 | Fax (31) 3219.9030

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