Aktuell Kunst 08/2007 by Fineart AS

A KT U E L L

løssalg kr 66,-

N R 8 2 0 07 5 4 Å RGA N G

Silvia Papas – politisk og glamorøst Christophe Hohler – naturtro gjengivelser av den nakne kropp «God gammel moderne kunst» av Victor Vasarely Surrealistiske, absurde og koloristisk vakre bilder fra Ulf Valde Jensen

Leder

Innhold

Kjære medlem Hva er det vi ser etter i kunsten? Fargene, lyset, stemningen? Skal den dekorere eller få oss til å tenke? Det er mange kunstelskere der ute, og omtrent like mange smaker. I denne utgivelsen håper vi å ha fanget så mange forskjeller som mulig i ønskene, behovene, kunstsynet og smaken til dere medlemmer. Skal du kjøpe kunst i julegave anbefaler vi deg i stor grad å følge din egen smak. Aktuell Kunst har snakket med en som alltid har fulgt magefølelsen når han har kjøpt kunst. Som resultat sitter radioimportøren Erling Neby i dag på en av Nord-Europas viktigste samlinger av etterkrigstidens konkrete kunst. En av hans favoritter er Victor Vasarely, som vi gir deg et meget godt tilbud på i dette nummeret. Neby har møtt Vasarely personlig, og han kan avsløre ny kunnskap om kunstneren. Vasarely regnes som en av grunnleggerne av kunstretningen Op Art, optisk kunst, og vi gir deg en innføring i retningen i vår faste spalte Verdt å vite. Political – little bit, glamour – little bit, svarte italienske Silvia Papas da hun ble spurt om hun er politisk i sin kunst. Den skal være ironisk og bitende, men også harmonisk for øyet. Silvia Papas’ hyperrealistiske storbyglamour er intenst dekorativ og samtidig tankevekkende. I sin minimalisme står den i kontrast til Ulf Valde Jensens surrealistiske og fabulerende bilder, som skapte furore i det norske grafikkmarkedet på 1970-tallet. Kunstneren kan med rette kalles en pioner for grafikkbølgen på 1970-tallet, og et av hans trykk fra 1975 presenteres i denne utgaven av Aktuell Kunst. Vi ønsker våre medlemmer en strålende førjulstid, og oppfordrer alle til å innta julestria med kakaokoppen i den ene hånda og Aktuell Kunst i den andre.

Erling Neby – En kunstsamling i verdensklasse

4-5

Victor Vasarely – Optisk bedrag 1 serigrafi

Verdt å vite: Om Op Art

7-13

Silvia Papas – Glamorøs samfunnskritiker 6 serigrafier

Vennlig hilsen Redaksjonen

14-21 Christophe Hohler – En ærlig historieforteller 8 etsninger 22-24 Ingri Egeberg – En tegning med til himmelen 6 serigrafier Spotlight

26-29 Ulf Valde Jensen – En veteran 4 etsninger 30-33 Ruth Roland – Jobber i en organisk formverden 4 tresnitt 34-37 Nico Widerberg – Tidløse fragmenter 3 litografier

AKTUELL KUNST 8:2007 54. årgang Opplag: 12.000 | Ansvarlig utgiver: fineArt // Kunstklubben AS | Abonnement: galleri@kunstklubben.no Årsabonnement: 450 kroner | Abonnementet løper til det sies opp skriftlig Web: www.kunstklubben.no | Layout / trykk: Lobo Media AS | Foto av kunst: Dag Ivarsøy

38-39 Medlemssider

Forsidebilde: Teenagers, Silvia Papas Telefon: 22 99 54 00 | Telefax: 22 99 54 20 | Bestilling e-post: galleri@kunstklubben.no Maridalsveien 33 P, 0175 Oslo

2 www. k unst k l ubben. no

Gaveabonnement

En kunstsamling i verdensklasse Bak importen av design- og lydsuksessen Tivoli står en mann med god nese. Erling Neby er ikke bare forretningsmann, hi-fi connoisseur og radio importør, men også en lidenskapelig og selektiv kunstsamler.

Tekst Signy Norendal

En av Nord-Europas flotteste privatsamlinger av etterkrigstidens geometriske og konstruktivistiske abstrakte kunst, besittes av Tivoli-radio-importøren Erling Neby. Samleren er stor tilhenger av Victor Vasarely, som var sentral i denne kunstretningen som gjerne kalles konkret kunst. Utover i 50-årene ble «konkretistene» stadig mer opptatte av optiske virkemidler; derav navnet Op Art. Følger magefølelsen Erling Neby er kjent for å følge magefølelsen sin når han handler kunst, og satse hardt på det han liker best selv. – Jeg er så heldig at jeg har hatt muligheten til å kjøpe den kunsten jeg liker, uten at noen har krav på intellektuelle begrunnelser for valgene jeg tar, sier Neby. Et solid utvalg av Vasarelys verk har funnet sin plass i samlingen hans. Da kunstneren fikk høre om den, tok han kontakt, og inviterte Neby til å møtes. – Visste du at Vasarely var født i 1906 og ikke i 1908? Det er helt sant. Jeg har kontakt med svigerdatteren hans, som stadig prøver å få ordnet opp i det. Det står 1908 over alt, i alle CVer og all litteratur. Mannen løy om alderen hele sitt liv. – Hvordan var han? – Nei, du vet – kommunikasjonen var ikke helt på topp. Jeg kan ikke særlig mye fransk og han kunne ikke engelsk. Dessuten var han veldig gammel. Men han var helt klar i hodet, og som den dannede parisiske ungareren han var, alltid proper og velkledd, strak i ryggen med hevet hode. Han var en voldsomt forfengelig mann, og fullstendig jentegal helt til det siste, ler samleren.

Kunstsamleren og Tivoli-radio-importøren Erling Neby, foran et maleri av Victor Vasarely. Foto Jan Ung. de forskjellige kunstnerne i denne kretsen har utviklet seg. Hvordan kom de dit de kom? Egentlig mener jeg at man trenger minst tre bilder av hver kunstner for å kunne forstå hva de holder på med. God gammel moderne kunst Erling Nebys samling av konkret kunst går for å være en av Nord-Europas største og viktigste. – Jeg har stadig verk som er på turne. Snart skal Joseph Albers på utlån til Moderna Museet i Stockholm, og Vasarely-maleriet som henger her oppe i loftsetasjen skal til Sydney. I 2006 hadde Haugar Vestfold kunstmuseum en stor utstilling, hvor et bredt utvalg av samlingen ble presentert med over 70 kunstnere. Foruten sju verk av Vasarely og fem av Josef Albers finner vi navn som Jean Dewasne, Richard Mortensen, Olle Bærtling samt vår egen Gunnar S. Gundersen i utstillingskatalogen. Alle disse er navn som kan knyttes til konkretismen og Op Artbevegelsen. Men i oppgangen til Nebys hi-fi-firma henger det store Tom Sandbergportretter på hver avsats. Det gigantiske loftsrommet hvor han oppbevarer hyllemeter på hyllemeter med gammelt hi-fi utstyr, som Teknisk Museum ville grått for, dekker en Jan Groth à la sceneteppet på Det Norske Teatret den ene kortveggen. – Jeg har jo ikke bare konkret kunst, sier Neby. – Min avgrensning er perioden mellom andre verdenskrig og nå. Men det er nå en gang det jeg liker å kalle god gammel moderne kunst som ligger mitt hjerte nærmest. Og her var Vasarely antakelig den tyngste intellektuelle drivkraften, forteller samleren entusiastisk.

«Slutar som jeg började med ett citat från Olle Bærtling, med ett uttryck som han använde ytterst sparsamt någon sällsynt gång om någon kollegas arbete, men som för mig sammanfattar vad gäller Erling Neby’s samling – «Världsklass!» – Sune Nordgren i utstillingskatalogen Erling Nebys samling, Haugar Vestfold kunstmuseum, 2006. Konkret og optisk kunst For Erling Neby begynte det hele med en tur til Paris tidlig på 70-tallet. Her havnet han på en utstilling på berømte Galerie Denise René, nettopp hoved galleriet til Vasarely og kretsen av konkrete kunstnere. – Denise René og Vasarely var kjærester på 1930-tallet, og de startet galleriet sammen. At de senere visstnok ble uvenner, er en annen sak. Denise René lever ennå, hun må da være omtrent 100 år gammel, sier Neby som begynner å regne på alderen hennes før han henter seg inn igjen. – Uansett, på den utstillingen fikk jeg se noe jeg aldri hadde sett før, og ble forferdelig fascinert. Jeg begynte å undersøke, lese og fikk etter hvert råd til å kjøpe noe grafikk. Siden har jeg fortsatt. Det er veldig interessant å se hvordan 3

www. k unst k l ubben. no

Samlerobjekt

Victor Vasarely

– Optisk bedrag Victor Vasarely regnes som grunnleggeren av retningen og metoden Op Art, etter Optical Art, og er en av de viktigste kunstnerne i det 20. århundre.

Victor Vasarely ved et av sine malerier, januar 1972, Frankrike. Foto: AP/Scanpix. Tekst Signy Norendal

Victor Vasarely ble født i Ungarn i 1906 og døde i Paris i 1997, og var noe så komplisert som en ungarsk-født fransk abstrakt maler. Vasarelys prosjekt handlet kort fortalt om to ting: Å skape kunst som alle kan forstå uten spesielle forklaringer, og å studere hvordan øyet og hjernen jobber sammen gjennom å skape optiske illusjoner, altså å forsøke å lure betrakteren til å se noe som egentlig ikke er der. Vasarelys modne stil er fra midten av 1950- og 60-årene. De fullt utviklede geometriske abstraksjonene til Vasarely er nærmest hallusinerende. Ved manipulasjon med forkortninger og perspektiveffekter kan for eksempel senteret i bildet bule ut som en ballong mot betrakteren, som et nett der en fotball akkurat har blitt sparket. Andre komposisjoner leder øyet inn i en illusjon av en tunnel eller en korridor som forsvinner i dypet av lerretet. Selv kalte Vasarely disse effektene teknisk kinetisme. Det er ikke så rart at man glemmer at et lerret alltid er flatt i møte med Vasarelys kunst. Vasarelys kunst og Op Art blir dermed både en eksakt vitenskap om den menneskelige persepsjonsevnen, og en dekorativ og estetisk opplevelse som trigger vår fornuft og jakt etter logikk i et vibrerende fargemønster som buler ut og inn; beveger og bølger seg mens vi står stille og stirrer. Selv drømte Vasarely om å fylle hele byer med bygninger med vegger som kunne vibrere med hans mønster, et ekko av den rene abstrakte dynamikken han forbandt

med det moderne urbane livet. Vasarelys kunst hyllet maskinalderen og de tekniske fremskrittene, masseproduksjonen der mannen bak verkene er anonym og fraværende. Vasarely debuterte i Paris på Galerie Denise René i 1944, og ble samtidig en av lederkunstnerne ved avantgruppen tilknyttet galleriet. I 1947 kom han opp med sin konklusjon om at en indre geometri kunne sees under overflaten til alt som befant seg i verden. Naturen hadde en indre geometri. Han erklærte at form og farge var umulig å separere: «Every form is a base for colour, every colour is the attribute of a form.» Slik overførte han former fra naturen til rene, abstrakte elementer i sine malerier. I dag finnes Vasarelys kunst i nesten alle store moderne museer i verden. Store museer som i Aix-en Provence (Frankrike), Pecs (Ungarn) og en fløy av Zichy Palace i hjemlandet er eksklusivt forbeholdt hans arbeider. Det meste av hans verker er å finne i Musee Vasarely i Chateau de Gourdes i Vancluse i sør-Franrike, som Vasarely selv åpnet i 1970. Det samme året grunnla han også Vasarely-stiftelsen i Aix-en-Provence som flyttet til i en bygning han selv hadde tegnet i 1976.

Kilde: Kunstsenteret på www.kunstklubben.no

«God investering – Det er stor etterspørsel etter Vasarelys kunst på det internasjonale markedet. Prisene har steget markant de siste årene og de er fortsatt på vei oppover.»

4 www. k unst k l ubben. no

tittel: UTEN TITTEL teknikk: SERIGRAFI opplag: 200 EKS motivformat: 60 x 60 CM rammeformat: 83,5 x 80,5 CM galleripris inkl. ramme: KR. 11.505,-

Sølv blank metallist 2,5 cm høy og 1 cm bred. B23 1 cm 2,5 cm

medlemspris inkl ramme: KR. 7.855,-

5 www. k unst k l ubben. no

M E D L E M S T I L B U D V i c t o r Va s a r e l y

Vibrerende og fargesterkt fra en av 1900-tallets største navn Overbevisende synsbedrag fra grunnleggeren av Op Art-bevegelsen

Vasarely-stiftelsen i Aix-en-Provence, Frankrike, tegnet av Vasarely selv og bygd i 1976. Vasarely drømte om å fylle hele byer med bygninger hvis vegger kunne vibrere med hans mønster. Vasarely-stiftelsen er et kunstmuseum der det holdes skiftende utstillinger med kjente kunstnere, samtidig som det har et eget rom dedikert til Op Art. Foto: Corbis/Scanpix.

Verdt å vite om Op Art I Op Art er det samspillet som skjer mellom hjernen og øynene når vi ser på et verk, som er selve kunstverket. Tekst Signy Norendal

Begrepet Op Art, også kjent som optisk kunst, blir brukt for å beskrive kunstverk som benytter seg av optiske illusjoner. Optisk kunst kalles ofte geometriske abstraksjoner, «hard-edge» abstraksjoner eller perseptuelle abstraksjoner. Optisk kunst dreier seg om samspillet mellom illusjon og billedplan, mellom det å forstå og det å se. Op-kunstverkene er abstrakte, og gir betrakteren et inntrykk av mønstre i bevegelse, vibrering, buling og fordreiing. Sammen med engelske Bridget Riley regnes Victor Vasarely som en av grunnleggerne av retningen Op Art. Termen ble første gang brukt i Time Magazine i 1964, selv om Op-verk hadde blitt stilt ut i Paris så tidlig som i 1955. I 1965 ble det holdt en utstilling i Museum of Modern Art i New York kalt «The Responsive Eye», med blant andre Vasarely og Riley. Utstillingen ble en stor publikumssuksess, men ble heller lunkent mottatt av kritikerne som mente at den ikke viste noe annet enn «trompe l’oeil»; triks som lurer øyet.

sammen med Vasarelys kunst og retningen Op Art, fikk stor innvirkning på en gruppe yngre kunstnere, som formet Groupe de Recherche d’Art Visuel in Paris for å utforske lignende ideer. Teknikk Hvordan få et flatt bilde til å ligne et 3-dimensjonalt rom slik at vår persepsjonsevne tror på det? Siden renessansen har kunstnere skapt perspektiv og dybde ved hjelp av sentralperspektiv og luftperspektiv, henholdsvis etter geometriske og koloristiske prinsipper. Op Art førte renessansekunstnernes geometri og perspektivregler enda lenger. Grunnlaget er tre enkle komponenter, linje, farge og form, sammensatt på ulike måter. For at for eksempel lerretet skal bule ut fra en kube er de to hovedlinjene, en fra toppen av bildet til bunnen og en fra høyre til venstre, perfekt rette. De andre linjene kurver skarpere og skarpere litt etter litt fra midten og ut til kantene av kuben. De største formene vil alltid være i senteret når formen kommer ut mot oss, og bli smalere og mindre jo nærmere kanten de kommer. Motsatt om formen skal suges inn i bildet. Slik tror vi at disse delene av kuben er lenger bak og lenger fra øynene våre, eller nærmere der vi står. De klareste fargene vil også skape en følelse av at noe er lenger foran.

Persepsjonspsykologi Bakgrunnen for kunstretningen finner man i den tyske Bauhaus-skolen, De Stijl, konstruktivismen og vitenskapen om perseptuell psykologi. I løpet av 1950årene skrev Victor Vasarely en rekke manifester om sine teorier om bruken av optiske fenomener til kunstneriske formål: Kan former benyttet i vitenskapen om perseptuell psykologi også kunne forsvares som kunst? Manifestene,

Kilde: Kunstsenteret på www.kunstklubben.no 6

www. k unst k l ubben. no

Internasjonal kunst – Italia

Silvia Papas – Glamorøs samfunnskritiker Silvia Papas’ studier i moderne kvinnelivs glamorøse overflatiskhet er blant Europas mest populære. Hennes ønske er at folk skal kunne se på bildene om 50 år og forstå samfunnet hun har levd i. Tekst Signy Norendal / Foto Therese Borge

Selv er Papas litt glamorøs, på den måten italienske kvinner nesten alltid er det. Og hun innrømmer gjerne at hun er tiltrukket av glamour. – Jeg tror alle er det, sier hun. – Jeg er et barn av min tid, og glamouren er en del av vår verden. Før jeg begynte med kunst jobbet jeg som motedesigner, og med reklame og scenedesign. Det er ingen tvil om at arbeidet i moteverdenen har påvirket meg. Moten påvirker alle jenter, vi prøver å se ut som modellene. Silvia Papas, fra Padova i den nordøstlige delen av Italia, liker å kalle seg en reporter. Hun maler det hun ser. Påvirkningen fra reklame og motebransje, der det å holde seg slank, ung og se fantastisk ut til enhver tid er noe av det hun ønsker å rapportere om i bildene sine. – Inspirasjonen finner jeg i gatene, når jeg ser på tv eller leser magasiner. Massemediene er svært viktige for meg som inspirasjonskilder. Samtidig liker hun dårlig de kvinnetypene som framstilles i massemediene. Hun mener at kvinner har forandret seg svært mye de siste 10 årene, mens menne-

ne er forblitt uforandret. Nå er det mennenes tur til å forandre seg, tror Papas. – Mitt neste prosjekt er å male menn. Jeg har malt kvinner i 15 år nå, og føler meg klar for å ta fatt på mennene. Det blir veldig interessant, jeg er nysgjerrig og spent på hvordan de vil bli, sier Papas og ler sin lett fnisete latter. Kritikk og ironi Vi møtes på Galleri Pingvin i Oslo, her har hun nettopp levert sine nyeste malerier. Fotografen ser potensialet i å sette Papas opp mot sine kvinner, og kunstneren blir villig med på en krevende fotosesjon. Papas selv har et blikk og en tilstedeværelse som på ingen måte tilsvarer motivene hennes. Men er det likevel noe av seg selv hun maler? – Kanskje litt, jeg er også et offer, ler Papas. – Vi vil alltid ha mer. For mye er ikke nok, siterer hun seg selv: «Too much is not enough» er graffitibudskapet i ett av maleriene. De vakre og glamorøse kvinnene framstilles i en verden av overflod og statussymboler. Glatte, sensuelle og forførende bilder med knall røde lepper og skinnende biler signaliserer «det gode liv», mens en beskjed i graffiti på en husvegg eller en sammenkrøllet boks med colalight, minner oss om at det kanskje ikke er så enkelt likevel. Og bak masken, gjennom de tomme øynene til kvinnene, skjønner vi at det er det absolutt ikke. Blikkene er uten glede eller entusiasme, og det er meningsløshet og livslede som slår oss i møtet med dem. På spørsmål om hun oppfatter seg som en politisk kunstner, svarer hun på sitt sjarmerende gebrokne engelsk: «political – little bit, glamour - little bit». – Det skal ikke være for tungt, jeg ønsker å være samfunnskritisk med ironi. Jeg er kritisk fordi mange ikke ser inn i andre mennesker. De ser bare på statussymbolene – på det som ikke er så viktig. Jeg tror vi er nødt til å forandre noe i samfunnet, og jeg håper at jeg kanskje kan forandre litt med mine bilder. Verdens beste tegner? Og kanskje kan Silvia Papas klare å forandre noe; kanskje har hun muligheten til å påvirke i kraft av at hun er populær blant så mange i så mange land? Det er viktig for henne å være en internasjonal kunstner, og hun drømmer om å ha hatt minst én utstilling i hvert eneste land i verden. I en alder av 39 har hun oppnådd å bli svært populær i USA, i store deler av Europa og Skandinavia i tillegg til i hjemlandet, og hun har en rekke større utsmykningsprosjekter og flere kommersielle oppdrag bak seg. Eksempelvis har hun utsmykket et helt hotell i Gøteborg, First Hotel G, samt at hun her i Norge har levert et spesialdesignet bestillingsverk for bysykler til reklamefirmaet Clear Channel Norway. I følge gallerist Bjørn Mathiesen på Galleri Pingvin, er Papas sannsynligvis en av verdens aller beste tegnere. Til det har Papas ingen kommentarer utenom et hjertelig latteranfall, og en liten innrømmelse: – Jeg er nok en perfeksjonist. Og det gjelder i alle deler av livet, både tegning, maling og matlaging. Silvia Papas blir ofte kalt popkunstner, og hun bruker gjerne det begrepet selv også. Warhol og andre popkunstnere fra 60-tallet har vært viktige inspirasjonskilder, men det er likevel mye som skiller henne fra dem. – Da jeg var ung så jeg mye pop, og er veldig inspirert av det. Samtidig er min kunst annerledes. Den er mer politisk og glamorøs, og jeg maler med et annet blikk enn det man gjorde på 60-tallet. Det ligger i sakens natur: Jeg maler min tid, Warhol malte sin. Dessuten bruker jeg færre farger. Mine farger er stort sett forskjellige gradienter av grått, og så én sterk farge, som rødt eller rosa. Motivene blir bygd opp i felter. Hvitt blir brukt for å vise refleksjoner av lys, og rødt eller rosa for å få menneskefigurene til å tre fram i bildet. Bakgrunnen er monokrome, og gjengis i 16 forskjellige gråtoner. 7

www. k unst k l ubben. no

Internasjonal kunst – Italia

– Det er fordi jeg mener at omgivelsene våre er monokrome. Mens individene må være viktigere, derfor framheves de i rødt eller rosa, forklarer hun ivrig. Direkte og forståelig Den realistiske og figurative malemåten begrunner hun med at hun er italiensk. Malestilen er hyperrealistisk, enda mer figurativt enn i den klassiske popkunsten. – Jeg vil at maleriene skal være veldig direkte, slik at absolutt alle skal forstå kunsten min. Mitt ønske er at folk skal kunne se på bildene mine om 50 år og forstå samfunnet jeg lever i i dag. – I kunsten har vi laget alt mulig fra før, fortsetter Papas. – Det er nesten umulig å oppfinne et helt nytt uttrykk uansett. For meg er harmoni og farge viktigere enn å finne opp noe nytt, samt det at folk forstår det jeg gjør. Jeg er nok ikke så glad i eksperimentell kunst. Den mangler ofte harmoni. Kanskje er jeg bare tradisjonell. Eller kanskje det er fordi jeg er italiensk – der er det kunst over alt, og øyet venner seg til harmonien i klassisk kunst. Men bildene til Papas står ikke i fare for å være tradisjonelle. Uten moralisering, med ironisk distanse og samtidig en innrømmet tilstedeværelse rapporterer hun om dagens storbysamfunn. Graffitien vi finner i mange av bildene er vitner om tiden hun rapporterer fra, samtidig som de fungerer dekorativt. – Men - jeg vet ikke - dere har kanskje ikke graffiti her i Norge, kommer hun på. Hun blir forsikret om at jo da, vi vet godt hva det er, så hun fortsetter. – Jeg bruker altså graffitien fordi jeg noen ganger ønsker å gi en beskjed. «Capitalism» er tagget på en vegg. «Nothing compare to you» på en annen. Gjennom motsetninger og antydninger fanger Papas det moderne storbylivets kompleksitet.

Ved kjøp av ett eller flere bilder er en bok om Silvia Papas inkludert i medlemsprisen. Boka er på 127 sider og har en verdi på 300 kroner.

tittel: TAKE IT EASY teknikk: SERIGRAFI opplag: 150 EKS motivformat: 66 x 100 CM rammeformat: 72,5 x 105,5 CM galleripris inkl. ramme: KR. 8.205,-

Bredt og høyt Papas foretrekker å jobbe med store formater, de fleste maleriene er flere kvadratmeter store. – Det har med måten jeg maler på å gjøre. Med min teknikk kan en bare legge et fjes inn i et lite bilde. For å få med omgivelsene og detaljene må jeg ha store formater. Mitt nye prosjekt er å male enda større, slik at jeg kan male mer av byen. Lenge malte jeg bare mennesker. Nå er jeg mer interessert i mennesket i byen; mennesket med byen rundt seg. Også silketrykkene på 66 ganger 100 cm er ganske store. Men Papas vil ha dem større. Hennes planer for framtiden inkluderer mer grafikk, i større formater og med nye teknikker. – Men aller først må jeg etablere mitt planlagte atelier i Miami i USA. Jeg kommer fortsatt til å jobbe i Padova, men jeg tror det vil være bra for meg, både personlig og som kunstner, å ha atelier to steder. Jeg føler at mentaliteten i USA er mer internasjonal, og jeg blir gal hvis jeg er for lenge på samme sted. Dessuten elsker jeg USA, og Miami passer til livsstilen min, ler italienerinnen som i fritiden kjører motorsykkel og spiller strandvolleyball.

medlemspris inkl. ramme: KR. 6.755,-

tittel: TEENAGERS teknikk: SERIGRAFI opplag: 150 EKS motivformat: 66 x 100 CM rammeformat: 72,5 x 105,5 CM galleripris inkl. ramme: KR. 8.205,-

Silvia Papas ble født i Conegliano i 1969 og flyttet til Padova i 1974. Etter universitetsutdannelsen jobbet hun som motedesigner fra 1988 til 1989, og fra 1990 til 1992 som reklamedesigner og scenograf i Italia og Hellas. I 1993 returnerte hun til Padova, der hun kun jobbet med sine malerier som hun viste fram i en rekke separatutstillinger og kollektivutstillinger. Siden 1996 har Papas hatt en lang rekke utstillinger i Europa og USA med stor suksess. Eksempler er Stendhal Gallery og Westeood Gallery i New York, Gallery IN i Miami, Galleria Akropolis i Brescia i Italia, Galleri Casteel i Tyskland og Galleri B.A./Galleri Pingvin i Oslo. I tillegg har hun deltatt på kollektivutstillinger i Italia, USA, Portugal, Spania, Sveits,Tyskland og Norge. I desember skal hun delta på Art Basel i Miami, og i Gøteborg skal hun ha en retrospektiv utstilling en gang før jul. Hun går også med planer om utstillinger i Milano og Wien i nær framtid.

medlemspris inkl. ramme: KR. 6.755,-

3,5 cm 3,5 cm

8 www. k unst k l ubben. no

Sort matt trelist 3,5 cm høy og 3,5 cm bred. Motivet er innrammet med 10 mm avstandlist og uten passepartout. C74

9 www. www. k unst fi nea k l ubben. r t . no no

MEDLEMSTILBUD Silvia Papas

Hyperrealistiske samtidskommentarer i serigrafi

MEDLEMSTILBUD Silvia Papas

GlamorĂ¸s popkunst med brodd

10 www. k unst k l ubben. no

MEDLEMSTILBUD Silvia Papas

tittel: RED PASSION teknikk: SERIGRAFI opplag: 150 EKS motivformat: 100 x 66 CM rammeformat: 105,5 x 72,5 CM galleripris inkl. ramme: KR. 8.205,-

tittel: DIET teknikk: SERIGRAFI opplag: 150 EKS motivformat: 66 x 100 CM rammeformat: 72,5 x 105,5 CM galleripris inkl. ramme: KR. 8.205,-

medlemspris inkl. ramme: KR. 6.755,-

Aktuell Kunst har etter tre års innsats endelig klart å hale i land en avtale med en av Italias mest populære samtidskunstnere. Silvia Papas har kun laget syv grafiske verk, og Aktuell Kunst er stolte over å kunne presentere seks av de syv for en god pris. Restauranten Alex Sushi i Oslo er blant de som har malerier av Papas hengende på veg gen, First Hotel G i Gøteborg har utsmykket hele hotellet med kunstnerens bilder. Med sin personlige vri på popkunsten er italieneren kjent og elsket for sine lekre, moteblad inspirerte motiver med dobbel bunn. 11 www. k unst k l ubben. no

3,5 cm 3,5 cm

Sort matt trelist 3,5 cm høy og 3,5 cm bred. Motivet er innrammet med 10 mm avstandlist og uten passepartout. C74

MEDLEMSTILBUD Silvia Papas tittel: SINGLE MOTHER teknikk: SERIGRAFI opplag: 150 EKS motivformat: 100 x 66 CM rammeformat: 105,5 x 72,5 CM galleripris inkl. ramme: KR. 8.205,medlemspris inkl. ramme: KR. 6.755,-

12 www. k unst k l ubben. no

3,5 cm 3,5 cm

Sort matt trelist 3,5 cm hĂ¸y og 3,5 cm bred. Motivet er innrammet med 10 mm avstandlist og uten passepartout. C74

tittel: METROPOLIS teknikk: SERIGRAFI opplag: 150 EKS motivformat: 100 x 66 CM rammeformat: 105,5 x 72,5 CM galleripris inkl. ramme: KR. 8.205,medlemspris inkl. ramme: KR. 6.755,-

13 www. k unst k l ubben. no

MEDLEMSTILBUD Silvia Papas

Garantert julegavesuksess til den yngre garde

Månedens ekspresjonist

Christophe Hohler

– En ærlig historieforteller Tekst Signy Norendal / Egne foto

Christophe Hohlers menneskefigurer slår oss med en veldig maskulin kraft. Ansiktstrekkene er visket ut, det er dramaet som utspilles i de nakne figurene som er det sentrale. Hohler er kjent for sine ekspressive figurer, samtidig som de har en nesten klassisk plastisitet; en naturtro gjengivelse av den nakne kroppen. Noen av figurene er i bevegelse. Andre står stille, og da veldig stille. Felles for de alle er at det er menn som portretteres. Det er mennenes følelsesliv som gjengis i stort spekter, fra desperasjon og raseri, via lengsel til apati. Men selv den apatiske er intenst til stede, og fyller billedrommet med maskulinitet. – Det er ikke om å gjøre for meg å framstille enten kvinner eller menn, det er menneskeheten generelt jeg er opptatt av, forteller Hohler. Samtidig utgjør kvinnekroppen et problem for ham; den mangler de formene han trenger for å skape et sterkt og kraftfullt bilde. Hohler tenker ikke på seg selv som noen spesialist på menneskekroppen. – Jeg tror man kan male eller tegne hva som helst, og en dag maler jeg kanskje blomster eller landskap. Men jeg er ikke klar for å gjøre det nå, sier han. Kunstneren er ikke opptatt av hvor han plasserer seg i kunsthistorien, eller om han bringer noe nytt inn i kunsten. – Det som er viktig er at det er et ærlig bilde, at det kommer fra meg. Jeg ønsker et intuitivt, levende og ekte maleri. Mange av maleriene til Hohler hører på en måte sammen. Han liker å male serier av bilder i samme størrelse og vise dem ved siden av hverandre. – Jeg liker å fortelle historier. Figurenes positurer framstiller øyeblikk fra livet, nesten som et filmutsnitt. Anstrengelse, hvile, urolighet og latter er alle elementer i en sekvens. Hvert maleri avhenger av et annet, og når de settes sammen fungerer helheten litt som en tegneseriestripe. 14 www. k unst k l ubben. no

tittel: HOMME SANS TITRE 1 teknikk: ETSNING opplag: 40 EKS motivformat: 76 x 39,5 CM rammeformat: 77 x 57 CM galleripris inkl. ramme: KR. 6.030,medlemspris inkl. ramme: KR. 4.927,-

1 cm

Valnøtt farget metallist. 2,5 cm høy og 1 cm bred. Motivet er 2,5 cm innrammet uten passepartout. B41

Christophe Hohler er født i Basel i Sveits i 1962 og er bosatt i Alsace, Frankrike. Hohler har hatt utstillinger i Oslo (Galleri Nobel) og Kristiansand (Galleri bi-z) flere ganger. – De nordiske landene verdsetter mitt arbeid, så jeg har vært heldig å få ha flere utstillinger her, sier Hohler som forklaring på hva slags tilknytning han har til Norge. – Man kan si det sånn at det er ikke jeg som velger et land, det er landet som velger meg. Sin kunstneriske utdannelse har Hohler fra Kunstgewerbeschule i Basel og Ecole Arts Décoratifs i Strasbourg. Siden 1987 har han hatt en lang rekke separatutstillinger i Sveits, Frankrike, Tyskland, Belgia og Norge samt i Storbritannia, USA og Canada. Fra de senere årene kan vi nevne mønstringer i Paris, Frankfurt, Lausanne og i Strasbourg. Han har også deltatt på en mengde kollektive utstillinger, bl.a. i Frankrike, Sveits og Kina. Hohler har mange bokillustrasjonsoppgaver bak seg, og har vunnet en pris for et samarbeidsprosjekt med pianisten Michel Petrucciani. 15 www. k unst k l ubben. no

MEDLEMSTILBUD Christophe Hohler

Ekspressivt, maskulint og ærlig

MEDLEMSTILBUD Christophe Hohler

«Jeg ønsker et intuitivt, levende og ekte maleri» 16 www. k unst k l ubben. no

MEDLEMSTILBUD Christophe Hohler

1 cm 2,5 cm

tittel: Composition movement I teknikk: ETSNING opplag: 50 EKS motivformat: 60 x 35 CM rammeformat: 73 x 55 CM galleripris inkl. ramme: KR. 5.680,-

tittel: Composition movement II teknikk: ETSNING opplag: 50 EKS motivformat: 50 x 35 CM rammeformat: 73 x 55 CM galleripris inkl. ramme: KR. 6.180,-

tittel: AUTOPROTECTION teknikk: ETSNING opplag: 50 EKS motivformat: 76 x 56,5 CM rammeformat: 77 x 57 CM galleripris inkl. ramme: KR. 6.030,-

medlemspris inkl. ramme: KR. 4.662,-

medlemspris inkl. ramme: KR. 5.062,-

medlemspris inkl. ramme: KR. 4.927,-

17 www. k unst k l ubben. no

ValnĂ¸tt farget metallist. 2,5 cm hĂ¸y og 1 cm bred. B41

MEDLEMSTILBUD Christophe Hohler tittel: LE SOMMEIL II teknikk: ETSNING opplag: 30 EKS motivformat: 35 x 50 CM rammeformat: 62 x 73 CM galleripris inkl. ramme: KR. 5.737,medlemspris inkl. ramme: KR. 4.714,-

18 www. k unst k l ubben. no

MEDLEMSTILBUD Christophe Hohler

Kraftfulle figurer i intens bevegelse

1 cm 2,5 cm

Valnøtt farget metallist. 2,5 cm høy og 1 cm bred.B41

tittel: L’ATTENTION teknikk: ETSNING opplag: 40 EKS motivformat: 65 x 25 CM rammeformat: 88 x 46 CM galleripris inkl. ramme: KR. 5.737,medlemspris inkl. ramme: KR. 4.714,-

19 www. k unst k l ubben. no

MEDLEMSTILBUD Christophe Hohler tittel: LE BUVEUR teknikk: ETSNING opplag: 30 EKS motivformat: 76 x 25,5 CM rammeformat: 77 x 42 CM galleripris inkl. ramme: KR. 5.890,medlemspris inkl. ramme: KR. 4.801,20 www. k unst k l ubben. no

MEDLEMSTILBUD Christophe Hohler

1 cm 2,5 cm

Valnøtt farget metallist. 2,5 cm høy og 1 cm bred. Motivet er innrammet uten passepartout. B41

tittel: HOMME ET FEMME teknikk: ETSNING opplag: 50 EKS motivformat: 65 x 25 CM rammeformat: 88 x 46 CM galleripris inkl. ramme: KR. 6.237,medlemspris inkl. ramme: KR. 5.114,21 www. k unst k l ubben. no

Månedens tegner

Ingri Egeberg – En tegning med til himmelen Når Ingri Egeberg mister inspirasjonen kan hun finne på å bruke pisken for å få den tilbake. Å true seg selv med at hun må vaske gulvet, hvis kreativiteten ikke kommer fram igjen, fungerer bra. Tekst Signy Norendal / Eget foto

En annen metode er å legge fram blyanter og papir og bare sette i gang med å tegne hoder. – Jeg er veldig glad i å tegne hoder. Da dukker det kanskje opp noe, i en strek eller et blikk, som tar meg videre. Eller så hjelper det veldig å trekke seg litt tilbake. Slå av telefonen, ikke sjekke mailen, dra på hytta. På hytta er jeg utrolig kreativ.

tegning. Dessuten var jeg ung, hadde tatt en utdannelse og ble full av inntrykk. Jeg måtte prøve mange forskjellige ting. Vi tror nok ofte at ting ligger lenger borte enn det de gjør, at de løsningene som er innlysende og naturlige for oss ikke er de riktige. Men det er kanskje sånn det er, at man må gå en runde først, for så å komme tilbake.

Å finne formen Egebergs tegninger er minimalistiske og preget av enkle skisseaktige streker på ensfarget bakgrunn. – De er ganske gjenkjennelige? – Ja, heldigvis. Jeg er glad for at jeg trives med det grunnleggende uttrykket mitt; kloen min, som jeg kaller det. Slik er bildene i seg selv min signatur. Vi lager jo de bildene som ligger i erfaringen vår, og da er det veldig herlig at jeg har en form som er meg. Det er nemlig ikke alltid noe du bare kan jobbe frem. Du kan ha mye å si, men du trenger en form å si det i. Men hun brukte lang tid på å finne formen. Som 19-åring begynte hun på Kunst- og håndverksskolen i Bergen, og først som 38-åring skjønte hun at det var papiret og blyanten som var ekstasen. – Skulle jeg ta med ett bilde til himmelen måtte det vært en tegning, sier Egeberg. – Og den måtte vært i svart-hvitt. Men på 70-tallet var det grafikk som var det store, det var ingen som drev med

Spontanitet Egeberg liker ikke å kjede seg. Holder hun på for lenge med å trykke et bilde blir hun lei, og kreativiteten havner på nullpunktet. Derfor trykker hun sjelden store opplag, og hun trykker gjerne monotypier; trykk det bare finnes ett av. Det handler også om at spontanitet er mye av drivkraften i hennes arbeid. – Hvordan bevarer du tegningenes spontanitet i trykkene? – Det handler nok om hva man gjør ut av det og hvordan man ser på det. Skal trykkeprosessen være en avsluttende ting, eller skal det være noe som fører meg videre? Jeg må legge til rette for at spontaniteten nettopp kan være en del av trykkingen, slik at jeg hele tiden kan drive meg selv litt videre. Om jeg ikke kan være like spontan i selve den tegnede formen når jeg trykker så kan tegningen bli en del av et miljø. Ofte sosialiserer jeg motivet, for eksempel ved å legge på avispapir eller annet mate-

riale etter trykkingen. Det kan føre til nye ideer, og kanskje til og med lede til et helt nytt spor. Multikunstner Ingri Egeberg er en allsidig kunstner. I tillegg til tegning, maleri og grafikk har hun flere bokutgivelser og utsmykkingsoppdrag bak seg. Også tegnefilmer har hun lagd, basert på to av bøkene sine: Erin hoppejente og Erin badejente. – Jeg synes det er så utrolig spennende når flere uttrykk møtes. I utsmykkinger, for eksempel. Det å se at streken min utvider et rom til noe mer, og det å bruke tegningene til noe annet. Nå for tiden jobber hun med noen oppganger til et borettslag i Bergen. – Det er veldig spennende at et borettslag vil ha mine streker. Det er en fin måte å komme inn på folk på. Når man går forbi en vegg hver dag, og når uttrykket i bildene er såpass åpent, vil bildet kanskje forandre seg litt for hver gang man ser det. Hvis et bilde blir for konkret forteller det gjerne det meste selv. Som betrakter oppsøker vi det vi trenger, og mange av oss trenger bilder som vi kan reise i. Jeg tror for eksempel et hode med et blikk kan gi mange tanker gjennom lang tid, og at det kan forandre seg i takt med deg selv.

Ingri Egeberg er født i 1951 på Hamar, men har gjort bergenser av seg siden hun begynte på Kunst- og håndverksskolen i Bergen i 1970. Hun er en multikunstner som har jobbet mye både med grafikk og maleri ved siden av hovedmediet tegning. Hun har også laget to tegnefilmer og en serie for barne-tv, og hun har gitt ut 24 bøker med ansvar for tekst, bilder og form. Egeberg innehar flere verv, blant annet som leder i NBK, HKS og BKFH og styremedlem i Nasjonalgalleriet, Samtidsmuseet, Norske Grafikere, Bergen Kunsthall og Kunsthøyskolen i Bergen. Hun er også medlem av Stipendkomiteen. Blant en lang rekke separatutstillinger kan vi nevne Galleri Giga i 2006, Galleri Allmenningen og Galleri G Guddal i 2007. I 2008 skal hun ha utstillinger i Kunstgalleriet, Galleri Krane,Vandregalleriet, Galleri Voss og på Nils Aas Kunstverksted. I tillegg har hun deltatt på mange kollektivutstillinger: Høstutstillingen, Norske Bilder og Vestlandsutstillinga er noen. Ingri Egeberg er representert blant annet på Nasjonalgalleriet, Stortinget, i Bergen Billedgalleri, Haugesund Billedgalleri, på Lillehammer Kunstmuseum og Ciurlionis Museum of Modern Art. Av utsmykkingsoppdrag de senere år kan vi nevne Høgskulen i Sogn- og Fjordane og Stord Sjukeheim. Ingri Egeberg fikk Kulturdepartementets pris for Årets Billedbok i 1986, Grafillsølv for Årets Vakreste Billedbok i 1999 og er blitt nominert til Brageprisen to ganger. 22 www. k unst k l ubben. no

MOR & BARN

TO MED MUNN

1 cm 2,5 cm

Bilde-/rammeinfo: teknikk: SERIGARFI opplag: 10 EKS motivformat: 18 x 18 CM rammeformat: 36,5 x 34,5 CM galleripris inkl. ramme: KR. 2.152,-

ORCHID FEVER 2

medlemspris inkl. ramme: KR. 1.787,-

23 www. k unst k l ubben. no

Sølv blank metallist 2,5 cm høy og 1 cm bred. B23

MEDLEMSTILBUD Ingri Egeberg

Orkideer og mennesker i spontan utfoldelse

MEDLEMSTILBUD Ingri Egeberg

Særegen strek fra allsidig kunstner

BARN & MOR

ORCHID FEVER 1 Folk og orkideer Silketrykkene til Egeberg framstår umiddelbare, de ser raske og skisse aktige ut. Som oftest er de enkle streker på ensfarget bakgrunn, som fanger et menneske, et ansikt eller en kropp i en bevegelse eller tilstand. Alle motivene er kun laget i 20 eksemplarer. Barn & mor og Mor & barn er fra en serie med mor-barn-motiv, og Sirkel er fra en serie hun kaller Link, med mennesker som henger sammen i ulike mønstre. – Jeg har sånne temaer. Mor-barn-motivene henger sammen med at jeg har fått barnebarn, så det er jo litt gøy, da vet du. Men orkideene ble til i forbindelse med en utstilling jeg hadde i fjor, i Bergen og i Rosendal. Jeg ville lage ett tema til utstillingen. Men så var jeg skitlei både mennesker og dyr, og kreativiteten var på nullpunktet. Jeg hadde fått en orkidé av noen og begynte å tegne den, og fant ut at det var fryktelig fascinerende. Da kjøpte jeg inn masse forskjellige orkideer og fortsatte å tegne. Det var frigjørende å jobbe med blomster. De er mer et objekt, noe jeg kan vri og vende på, på en annen måte enn med mennesker. Jeg jobber med det at streken min kanskje er litt pyntelig noen ganger, og prøver å komme inn med ny energi. Med orkideene kunne jeg tegne på en annen måte, og ble nok litt frigjort.

SIRKEL Bilde-/rammeinfo: teknikk: SERIGRAFI opplag: 20 EKS motivformat: 18 x 18 CM rammeformat: 36,5 x 34,5 CM galleripris inkl. ramme: KR. 2.152,-

Sølv blank metallist 2,5 cm høy og 1 cm bred. B23

1 cm 2,5 cm

medlemspris inkl. ramme: KR. 1.787,24 www. k unst k l ubben. no

SPOTlight VISSTE DU AT… ...du nå kan se den eksakt samme utsikten som Harald Sohlberg så da han malte Vinternatt i Rondane? Arkitekt MNAL Carl-Viggo Hølmebakk har tegnet en utsiktsplattform på stedet der kunstneren slo opp staffeliet sitt i 1901. Utsiktspunktet ligger ved parkeringsområdet ved riksvei 27 ved Atnasjoen mellom Enden og Folldal. Projeket er en del av Nasjonale turistveger, som ble startet i 1993. (Kilde: OBOS-bladet) ...Bergens kunstliv skal få et stort løft i årene som kommer? Et enstemmig bystyre i Bergen har gått inn for en ny kunstplan. I planen er det foreslått en budsjettmessig økning med 70 million kroner til det profesjonelle kunstlivet. Totalt vil man komme opp i 104 millioner kommunale kroner til kunstfeltet i 2017. Det vil også tildeles arrangementsstipender, pluss at Bergen kommune vil være den første kommunen i landet som deler ut arbeidsstipender som skal tilsvare de statlige stipendene. I planen er det også satt av poster for talentutvikling, kunstkritikk og kommentarvirksomhet. (Kilde: Billedkunst) ...rammen for den kunstneriske utsmykking på den nye operaen i Bjørvika er på 30 mill. kroner? Olafur Eliasson vant den internasjonale konkurransen om utsmykking av foajeen i det nye operahuset. Han tar utgangspunkt at operahuset er en isbre. Kunstneren er inspirert av hvordan rommet ser ut under isbreen. Hans vinnerforslag går derfor ut på å kle ytterveggene» med en struktur som likner iskrystaller. Pae White fra USA vant den internasjonale konkurransen om sceneteppet med forslaget MetaFoil. White har laget sceneteppet gjennom en digital prosess. En sammenkrøllet metallfolie skannes og en computer overfører bildeinformasjonen videre til veven. Det er millioner av lyselementer i teppet, og det er bomullstrådene som lager lyset. De to andre av operahusets viktigste kunstneriske utsmykkinger er det store steintaket og de metallkledde fasadene. Marmoren på taket og forplassen er kunstnerisk utformet. Gruppen som har ansvaret for denne bearbeidelsen består av billedhugger Kristian Blystad, tekstilkunstner Jorunn Sannes og billedkunstner Kalle Grude.Totalt vil rundt 9000 kvadratmeter av operahuset kles med aluminium. Platene danner et helhetlig mønster basert på gamle vevmønstre som spiller på lys og skygge slik at det gir liv til flatene. Det er tekstilkunstnerne Astrid Løvaas og Kirsten Wagle som har utformet denne kunstneriske delen av operahuset. (Kilde: www.statsbygg.no) ...at det skal opprettes et nytt nettsted for kunst og musikk i Bergen? Fem ulike museer kan nå oppleves på ett og samme nettsted: http://www.kunstmuseeneibergen.no. Her finnes aktuelle nyheter om billedkunst, design og musikk. - Vi er begeistret over å endelig se konsolideringen på nett. Siden de fem museene ikke er samlokalisert, er nettsidene stedet hvor vi viser oss frem samlet, sier Anniken Thue, direktør for Kunstmuseene i Bergen.

1 0 M A S E – desember END. Bomuldsfabriken kunsthall, Arendal. 17/11-31/12-07. Utstilling med 7 kunstnere fra England, Danmark samt norske Marit Tingleff. Alle arbeider i keramikk, men ikke på «tradisjonelt» vis. Leif Stangebye-Nielsen. Drammens museum, Nøstetangenrommet, 25/10-07-6/1-08. En av landets ledende representanter for samtidskunstens kunsthåndverk, med arbeider i sølv og stål. Hos Stangeby-Nielsen er formen til vaser, kaffekanner osv. banket ut til organiske, potente og meget vakre former. Krumning, overflateskinn og ikke minst gjenstandens mange profillinjer og silhuetter gir et personlig uttrykk. Også i samspillet mellom skinnende metall og mørke, edle tresorter til hanker og knotter, oppstår en visuell og kroppsnær skjønnhet. Samtidskunst fra Nordeas kunstsamling. Henie Onstad Kunstsenter, Bærum, 12/10-07-13/1-08. Nordea Bank Norge har bygget opp en kunstsamling som består av ca. 330 verk, fordelt på både norske og utenlandske kunstnere. Totalt er ca. 60 forskjellige kunstnere representert i samlingen, hvorav ca. en tredjedel er utenlandske. Av kunstnere som er representert i samlingen nevnes eksempelvis Mari Slaattelid, Arne Malmedal, Thorbjørn Sørensen, Tom Sandberg og Mette Tronvoll, samt Candida Höfer, Carroll Dunham og Alex Katz. Samlingen stilles ut i Storsalen og Prisma-salene. Arcimboldo. Musée du Luxembourg, Paris, Frankrike, til 13/1-08. Skal du på førjulstur eller nyttårstur til Paris? Arcimboldo-utstillingen på Luxembourg-museet skal for tiden være byens morsomste kulturelle begivenheten. Den noe mystiske maleren Guiseppe Arcimboldo (1526-1593) er berømt for sine hoder bestående av frukt, grønnsaker, dyr og planter. Dette er den første utstillingen noensinne som er dedikert denne kunstneren alene. Årstider - Landskap i forandring. Munch-museet, Oslo, 15/10-07-5/2-08. Utstillingen viser en bred presentasjon av Munchs landskaper fra samlingen. Den innledes med en serie skogsbilder fra Munchs eiendom på Ekely. Kunstneren malte motiver fra denne urskogen med gamle almetrær gjennom alle sesonger i flere år. Det bildene har til felles er en unik skildring av skogen. I tillegg til landskapsutstillingen vises en kronologisk presentasjon av Munchs hovedverk, blant annet en del legemsstore portretter som ikke er vist på flere år på grunn av konservering. Juleutstilling på Galleri Osebro, Porsgrunn, 1/12-07-6/1-08. Salgsutstilling med klassisk, figurativt fokus. Blant annet presenteres malerier og grafikk av Trine Folmoe, samt ni trykk av Odd Nerdrum. Blant Nerdrums trykk finner vi bilder både av nyere dato, og eldre trykk der Solen vender tilbake, Sommernatt og Selvportrett med pannebånd utgjør høydepunktene. Den ville natur: Sveitsisk og norsk romantikk, malerier fra Asbjørn Lundes samling. Nordnorsk kunstmuseum, Tromsø, 29/9-30/12-07. Det er mange likhetstrekk mellom sveitsisk og norsk landskapsmaleri fra romantikken, især i fokuset på en storslagen og vill fjellnatur. Både Sveits og Norge var relativt unge statsdannelser, og i begge land ble «oppdagelsen»av landskapet av stor betydning under utformingen av en nasjonal identitet. Navn som Alexandre Calame, Caspar Wolf, François Diday, J.C. Dahl, Thomas Fearnley og Peder Balke er blant kunstnerne som vises på utstillingen. Herdis Maria Siegert, Hommage. Haugar Vestfold Kunstmuseum, Tønsberg, 10/11-30/12-07. I Herdis Maria Siegerts svart-hvite fotografier er det landskapet og naturformene som i de siste 20 år har vært det dominerende motivet. Fascinasjonen for landskapets evne til å påvirke våre mentale stemninger og prosesser går som en rød tråd gjennom hele hennes produksjon, fra de storslagne hav- og kystlandskapene til de nærmest abstrakte nærstudiene av sandstrender, svaberg og vannspeilinger. Kunst og legevitenskap hånd i hånd. Kunstmuseene i Bergen, Permanenten, 3/11-07-13/1-08. Gjennom samarbeidet med legen Liz Lee, bruker Susie Freeman kunsten til å belyse vanskelige medisinske problemstillinger. I brudekjolen «Jubilee» er det strikket inn 25 års forbruk av p-piller. Punkt Kunst – lyd og bilde i dialog. Sørlandets kunstmuseum, 29/08-31/12-07. 13 musikere har satt lyd til hver sitt selvvalgte verk i museets faste samling. Dette vil garantert gi deg helt ny opplevelser av kjente kunstverk. Se www.punktfestival.no 25 www. k unst k l ubben. no

Månedens surrealist

Ulf Valde Jensen – En veteran Ulf Valde Jensen er en av få som har hatt stjernestatus i norsk kunstgrafikk. Da han hadde sin grafikkutstilling i Oslo i 1971 fikk han store oppslag i avisene, og så si alle verkene ble revet bort i løpet av få timer.

Tekst Signy Norendal / Foto Jan Ung

– Det hadde aldri skjedd før, at noen lagde sensasjon med en grafikkutstilling på denne måten. Jeg må ha truffet en nerve, og på en eller annen måte må jeg ha vært rett mann på rett sted og til rett tid, forteller Ulf Valde Jensen. Slik så tittel og ingress ut i Morgenbladets oppslag 8.oktober 1971: Ung grafiker gjør furore med provoserende stripemennesker. 300 bilder solgt på halvannen uke. Underlige bilder er det også; - gjennomgangsfigur er et stripemenneske som raner en bank. Sykler av gårde med dollaren, og danser tango med sin kone når han kommer hjem. (Kilde: Utstillingskatalogen til Henie Onstad Kunstsenter under Ulf Valde Jensens utstilling Paradigmer, februar-mai 2005) Pioner for grafikkbølgen Med sine surrealistiske, absurde og koloristisk vakre bilder var Valde Jensen en bestselger i norsk grafikk gjennom hele 70-tallet. Han kan med rette kalle seg en pioner for grafikkbølgen. – Til tross for at Norge har en sterk grafikktradisjon, med blant annet Munch som jeg holder som en av de største i verden, var det vi sekstiåtterne som bidro til at grafikken fikk den oppblomstringen den fikk. I denne perioden var Valde Jensen en celebritet i Norge, som stadig overrasket publikum og kritikere. Trykket For åpen scene fra 1975, som vi tilbyr våre medlemmer i dette bladet, skapte også furore i norsk kunstliv. – Det er nok første gang man ser noen tisse i norsk kunst, smiler Valde Jensen og referer til den grønne, djevelliknende figuren litt i bakgrunnen av bildet. I utgangspunktet tar han gjerne fatt i noe hverdagslig og kanskje småpussig. Valde Jensens figur- og fabelverden markerte starten på en ny generasjon kunstnere. Det hevdes gjerne at hans ekspressive figurasjon i fargeetsning og akvatint ble banebrytende for bruddet med det abstrakte maleriets dominans, representert senere på 80-tallet ved malere som Bjørn Carlsen og Kjell Erik Killi Olsen.

Fra grafikk til maleri Samtidig som han flyttet til Oslo begynte han å male mer, og lot grafikken ligge. – Maleriene er ganske annerledes enn grafikken. De er mer rå og direkte. Noen av maleriene er helt abstrakte. De preges av en spontan penselføring og monumentalitet. I 2005 hadde han en stor maleriutstilling i Henie Onstads kunstsenter, Paradigmer, med hovedvekt på maleriene. I tillegg ble det stilt ut grafikk i et eget rom. Ulf Valde Jensen har atelier på Berger ved Svelvik og et praktfullt atelier på sitt torp i Sverige. Han lager serier med bilder som er malt med 20 års mellomrom. Dette er karakteristisk for kunstneren. Han har stor variasjon og spennvidde i sine motiver, men streken er nesten alltid gjenkjennelig og han tar ofte opp igjen og jobber videre med tematikk han begynte med langt tilbake i tid. – Alt jeg har gjort prøver jeg å stå for, å fastholde. Det er ikke min oppgave å gi klare svar på hva bildene representerer. Hvert element er skapt for å få betrakteren til å fabulere. – Noe av det som er spennende med grafikken er motstanden i metallplaten, helt motsatt maleriet. Jeg har et så sterkt forhold til grafikken at det muligens kan virke hysterisk på andre. Det er nesten farlig å gå inn i et grafikkverksted. Bare lukten. Jeg går ikke inn der i utide. Fra 1980 til 2000 har Valde Jensen jobbet mest med maleri, men mener selv at det aller beste han har gjort ligger i grafikken. De siste årene har han gjenopptatt arbeidet med grafikken, og noen av de nye bildene stiller han ut i Galleri Briskeby i Oslo i april neste år.

Surrealistisk innflytelse Den franske surrealismen har vært viktig for billeduttrykket til Valde Jensen. Han studerte ved Ecole Nationale Superieure des Beaux Art i Paris fra 1966-1971. Da han slo gjennom ble han boende i byen, selv om han hele tiden hadde utstillinger både i Norden og Tyskland. I Paris var blant andre den surrealistiske kunstneren og dikteren Jean-Claude Silbermann viktig for Valde Jensen. – Her er en liten trefigur som Silbermann laget til meg, til en fødselsdag, var det vel, sier han og viser en figur som liksom kveiler seg over en annen og prøver å komme inn i hodet på den andre. Det framstiller den erfarne surrealisten Silbermann som jobber med å påvirke den yngre Valde Jensen. – Man sier gjerne at bildene mine har et fransk preg. Det har med koloritten og motivene å gjøre, og det faktum at surrealismens hovedsete var Paris. Mens i Frankrike kalte de bildene mine for nordiske, ler Ulf Valde Jensen. I løpet av 70-tallet ble han en etablert kunstner, og eide til og med sitt eget atelier i Paris, noe som var ganske spesielt. I 1980 flyttet han likevel hjem til Norge. – Jeg ønsket at min sønn, som da var sju år gammel, skulle få sin videre oppvekst i Norge. Dessuten hadde jeg vel begynt å forstå at jeg faktisk aldri ville kunne bli fransk. 26

www. k unst k l ubben. no

tittel: FRAGMENTER II teknikk: ETSNING opplag: 55 EKS motivformat: 49,5 x 59,5 CM rammeformat: 68 x 79 CM galleripris inkl. ramme: KR. 6.120,-

Sølv blank metall list. 2,5 cm høy og 1,5 cm bred. B23

1 cm 2,5 cm

medlemspris inkl. ramme: KR. 5.028,Ulf Valde Jensen er født i 1945 på Lillehammer, men er oppvokst i Oslo. Fra 1966 til 1981 var han bosatt i Paris, hvor man også kan spore veldig mye av hans inspirasjon som kunstner. Han har vært bosatt i Oslo siden 1981. Valde Jensen tok sin utdannelse ved Konstfackskolan i Stockholm fra 1965, og ved Ecole Nationale Superieure des Beaux Art i Paris fra 1966-71. Først var han tilknyttet Atelier 17 i Paris, men skiftet etter hvert til Atelier Friedlander. Ulf Valde Jensen har deltatt på et utall kollektivutstillinger og biennaler i inn- og utland siden debuten i 1970. Som eksempler kan vi nevne Nyervervelser i Nasjonalgalleriet i 1971 og 1974, Biennalen i Grenchen, Sveits i 1979, Grafikkbiennalen i Fredrikstad i 1986, Galleri Brandstrup i Moss i 1990 og Norske Bilder i Oslo fra 1990 til 2000. Blant hans mange separatutstillinger kan vi nevne Galleri God Konst i Gøteborg i 1974, Kunsthalle Lübeck i 1977, Galleri Riis i Trondheim i 1982, Gakkeri J.M. S. i Moss i 1989, 2000 og 2003, Kunstnerforbundet i Oslo i 1991, Galleri Brandstrup i Moss i 1990 og 1998, samt utstillingen Paradigmer ved Henie Onstad Kunstsenter i 2005. Kunstneren er innkjøpt av Victoria and Albert Museum i London, Bibliothèque Royale Albert i Brüssel, Centre Nationale d’Art Contemporaine i Paris, Nasjonalgalleriet i Oslo, Göteborgs Konstnämd, Riksgalleriet, Norsk Kulturråd, Karlstads Konnunes kulturnämd, Statoils samlinger i Stavanger, Oslo kommunes kunstsamlinger, Nordens Hus i Reykjavik på Island, Kunst på Arbeidsplassen, samt en rekke gallerier og kunstforeninger rundt i landet. Av utsmykkinger kan vi nevne Majorstua Sykehjem i Oslo, Porsangermoen Militærleir, Gulvutsmykning ved Preklinisk Fakultet på Gaustad i Oslo,Veggutsmykking Kommunegården i Sandvika, Norsk Hydro Brageplattformen, Østenstad Skole i Asker og Statoils Kårstøplattform. 27 www. k unst k l ubben. no

M E D L E M S T I L B U D U l f Va l d e J e n s e n

Figur- og fabelverden inspirert av surrealismen og l’art brut

M E D L E M S T I L B U D U l f Va l d e J e n s e n

tittel: SVERMERE IV teknikk: ETSNING opplag: 55 EKS motivformat: 32,5 x 43 CM rammeformat: 52 x 60 CM galleripris inkl. ramme: KR. 4.830,medlemspris inkl. ramme: KR. 3.967,-

tittel: KVINNEPORTRETT teknikk: ETSNING opplag: 55 EKS motivformat: 33,5 x 43 CM rammeformat: 52 x 60 CM galleripris inkl. ramme: KR. 4.830,medlemspris inkl. ramme: KR. 3.967,-

28 www. k unst k l ubben. no

medlemspris inkl. ramme: KR. 6.925,-

Ulf Valde Jensen blander koldnål og etsning, og benytter akvatint og sukker-akvatint for å oppnå bestemte effekter. Sukker-akvatint er en blanding av tusj, sukker og såpe, som han maler med. I Kvinneportrett har han brukt teknikken for å få til den blå sjatteringen rundt kantene. I bakgrunnen av For åpen scene er det brukt koldnål. Her ser vi noen steder den litt lodne streken som oppstår når en risser dype streker i kobberplaten i koldnål. – Normalt innebærer det at platen ikke kan trykkes så mange ganger, fordi furene som skaper det lodne i streken blir slitt. Men jeg har forstålet kobberplatene og gitt den en stål-overflate, og dermed tåler den flere trykk. Valde Jensen lager platene og gjør også prøvetrykkingen selv. Videre perfeksjoneres de av trykkeren i Paris, som også trykker opplagene. – Jeg lager alltid ganske små opplag, noe som blir forholdsvis dyrt. Men jeg foretrekker heller å begynne på et nytt motiv enn å bruke alt for mye ressurser på å trykke opp det samme bildet i det uendelige. Hvert trykk som fremstilles farges inn for hånden, og det ligger vanligvis tre forskjellige plater til grunn for hvert bilde. Unødvendig å si at det er arbeidskrevende.

Ulf Valde Jensen var en celebritet i norsk kunstliv gjennom 70-tallet, og overrasket stadig både publikum og kritikere. For åpen scene er fra 1975. – Det er nok første gang man ser noen tisse i norsk kunst, smiler Valde Jensen og referer til den grønne, djevel liknende figuren litt i bakgrunnen av bildet.

Sølv blank metall list. 2,5 cm høy og 1,5 cm bred. B23

1 cm 2,5 cm

29 www. k unst k l ubben. no

M E D L E M S T I L B U D U l f Va l d e J e n s e n

tittel: FOR ÅPEN SCENE teknikk: ETSNING opplag: 55 EKS motivformat: 33 x 43,5 CM rammeformat: 52 x 60 CM galleripris inkl. ramme: KR. 8.530,-

Tu r i a t e l i e r e t

Ruth Roland

– Jobber i en organisk formverden En dame er på vei bort, men snur seg mot en mann som står og ser på. Men hva har skjedd? Er det den ene som har funnet den andre? Eller har de funnet hverandre? Tekst / Foto Signy Norendal

Ruth Roland, kunstneren bak tresnittet Jeg har funnet deg, er ikke selv sikker på hva som skjer mellom de to personene i bildet. Det viser en kvinne i forgrunnen og en mann i bakgrunnen. Kvinnen ser bakover mot mannen, men ser ut som om hun er på vei ut av bildet. Mannen står rolig og ser på kvinnen. Begge er omgitt av fargefelter. – Jeg har brukt en puslespillteknikk for å lage disse fargefeltene, sånn at man kan leke seg med å forandre fargen og flatene og gjøre alt i en trykkeprosess. Det var faktisk Munch som begynte med det, tror jeg. Her har jeg tenkt at kvinnens farger, og fargene rundt henne, er veldig harmoniske og enhetlige. Mens mannen, han har komplementærfarge til kvinnen og omgivelsene, og skaper slik en forstyrrelse. – Så kvinnen har det harmonisk, helt til mannen kommer og komplementerer slik at harmonien ødelegges? – Haha, jeg vet ikke… kanskje? Nei, det får være opp til hver enkelt å avgjøre. Men det er i alle fall en kontrast mellom dem. Rølpete sirkler Vi befinner oss på Blakstad gård i Asker, hvor Ruth Roland driver Galleri Blakstad sammen med fire andre kunstnere, i samarbeid med Blakstad sykehus som eier gården. De fem kunstnerne har atelier på gården, og det idylliske galleriet finner vi i det over 100 år gamle stabburet, der Roland nå har separatutstilling. – Jeg synes det er nesten sakralt her med den høye himlingen. Dessuten liker jeg det når bildene mine henger på disse tømmerveggene. Utstillingen, som viser hennes siste monotypier, går over begge etasjene i stabburet. Monotypiene er mer abstrakte enn tresnittene og spenner seg over to hovedtemaer: Tre- og tanglignende former, og sirkelformasjoner à la Gunnar S. Gundersen. – Ja, men selv om vi har sirklene til felles så jobber jeg mer rølpete enn Gunnar S. Gundersen. Der Gundersens trykk er helt jevne og glatte består formene mine av en prikkete eller mønstrete overflate som blir synlig når du går nærme bildet, forklarer Roland. Metoden med prikker og mønstre kan føres tilbake til impresjonismen og pointilismen, men

Roland benytter seg av industrielle produkter for å oppnå effektene hun ønsker. Noen steder har hun brukt plastmatter med nupper, andre steder en trerist, for å få regelmessige hullmønstre. Så blandes fargene ved å legge de lag på lag, og forskyve mønstrene litt oppå hverandre. – Jeg tror prikkene provoserer øyet og får det til å jobbe litt. Jeg bruker også tynne plastark som jeg skjærer i med skalpell. Det fins mange løsninger. Samtidig er det viktig å ikke bli materialfetisjist. Jeg vil bruke det som er nødvendig for bildet, bemerker Roland. Organiske monotypier Tre- og tangformasjonene er en helt annen motivkrets enn sirklene, men alle bildene har et felles fargespekter, og noe organisk ved seg som gjør utstillingen helhetlig. – Jeg jobber i en organisk formverden. Selv om det er abstrakt, så blir det alltid organisk. Det er noe med måten hånden jobber på når jeg skjærer med skalpellen. Dessuten har disse formene, som kan ligne på trær eller tang og tare, utgangspunkt i en blodåre. Jeg fant den i en anatomibok en gang, forteller hun. Det organiske gjenspeiles også i måten hun jobber. Alt er en prosess. Noen av bildene i utstillingen begynte hun på i 2000, men alt er ferdig ganske nylig. – Jeg starter med en idé, og så begynner ideen å forandre seg etter hvert som jeg jobber. Det er en prosess som er i kontinuerlig endring. Lys og farger Både monotypiene og tresnittene til Roland har et egenartet lys og lyse, klare farger. Det framstår som både sart og intenst på samme tid. Hvordan får hun det til? – Det handler blant annet om lysintensiteten i fargene, forklarer hun. – Derfor bruker jeg blant annet mye rosa, ikke fordi rosa er en spesielt interessant farge i seg selv. Samtidig er det viktig å bruke lyset i det hvite i papiret. Inne på atelieret viser hun fram tresnittet Et lite kyss. På avstand virker det lille bildet nesten gullfarget, og ved nærmere øyesyn ser en at det skinner rosa gjennom det gule.

– I bunnen har jeg lagt en nesten babyrosa, som gradvis går over i en mørkere magenta oppover i bildet. Oppå ligger en ren gulfarge, som det rosa skinner gjennom. Det er det som skaper det gylne skjæret, forklarer hun. Tresnittene trykker hun selv for hånd, og derfor blir det noen små forskjeller i valør og farge fra et trykk til et annet. Utgangspunktet for Et lite kyss er et manieristisk maleri fra ca. 1540 av Agnolo Bronzino, en allegori som framstiller en mengde figurer, blant andre Cupido og Venus. – I slike malerier er alt så pågående. Det er så mye i dem at jeg får behov for å roe det ned litt, og fokusere på enkeltelementer. Her har jeg jobbet videre med de to i bildet som gir hverandre et kyss. Roland liker å hente inspirasjon og motiver fra kunsthistorien. De to ganske like tresnittene Vesle bror og Du er min bror, er inspirert av en manieristisk fresko fra 1521 av blant andre Jacopo Pontormo, som befinner seg på veggen i Villa Medicea di Poggio a Caiano. – Guttene i bildene endret seg veldig da jeg hadde jobbet dem fram. I freskoen er de yngre, litt blubbete og småfrekke. Mine gutter ble mer langstrakte. Når jeg ser på disse bildene tenker jeg på tryggheten og tillitsfullheten som barn har. Tenk hvordan det var å ha sommerferie og sorgløst sitte på en brygge slik som disse guttene.

Ruth Roland, født i 1960, har sin utdannelse fra Statens Kunstakademi og Statens Håndverks- og kunstindustriskole, med hovedfag i grafikk. Hun har fått en rekke stipend og har en svært aktiv utstillingsvirksomhet bak seg. Bare de siste to årene har hun stilt ut i Risør Kunstforening, Bærum Kulturhus, Galleri Blakstad og Galleri Gathe i Bergen. Av gruppe- og kollektivutstillinger kan nevnes Galleri 27 i Oslo, Galleri Vera i Drøbak, Hå Gamle Prestegård og Fredrikstad Kunstforening. Roland har vært representert på Høstutstillingen i 2005, 2004, 1994 og 1989, og er innkjøpt av blant andre Utenriksdepartementet, Borre kommune, Blakstad sykehus, Sykehuset Innlandet i Gjøvik og Asker kommune. Roland har undervist som høyskolelektor ved Institutt for rader og litografi ved SHKS i Oslo, hun har vært vikar ved Asker Kunstskole og undervist ved Høgskolen i Vestfold. Hun var medbestyrer av Galleri m3 i Oslo i 1997 og av Galleri Blakstad i Asker fra 2002. Roland har hatt en rekke styreverv, blant annet som styremedlem av Galleri Trafo i Asker og av KEM, begge fra 2003 til 2007. 30 www. k unst k l ubben. no

MEDLEMSTILBUD Ruth Roland

Jeg har funnet deg: Bildet framstiller en mann som står og ser på en dame. Men hva har skjedd? Er det den ene som har funnet den andre? Eller har de funnet hverandre? – Med fargene i dette bildet har jeg tenkt at kvinnens farger, og fargene rundt henne, er veldig harmoniske og enhetlige. Mannen står i kontrast til kvinnen, gjennom at fargene hans er komplementære til kvinnens. Slik skapes et rom for spørsmål.

tittel: JEG HAR FUNNET DEG teknikk: TRESNITT opplag: 100 EKS motivformat: 42 x 31,5 CM rammeformat: 63 x 51 CM galleripris inkl. ramme: KR. 3.303,medlemspris inkl. ramme: KR. 2.762,31 www. k unst k l ubben. no

2 cm 4 cm

Matt og hvitfarget trelist 4 cm høy og 2 cm bred. B3

MEDLEMSTILBUD Ruth Roland

tittel: DU ER MIN BROR teknikk: TRESNITT opplag: 100 EKS motivformat: 25 x 20 CM rammeformat: 46,5 x 40 CM galleripris inkl. ramme: KR. 2.293,medlemspris inkl. ramme: KR. 1.913,-

Veslebror og Du er min bror: – Når jeg ser på disse bildene tenker jeg på trygg heten og tillitsfullheten som barn har. Tenk hvordan det var å ha sommerferie og sorgløst sitte på en brygge slik som disse guttene.

tittel: VESLEBROR teknikk: TRESNITT opplag: 100 EKS motivformat: 25 x 20 CM rammeformat: 46,5 x 40 CM galleripris inkl. ramme: KR. 2.293,medlemspris inkl. ramme: KR. 1.913,32 www. k unst k l ubben. no

tittel: ET LITE KYSS teknikk: TRESNITT opplag: 100 EKS motivformat: 16 x 16 CM rammeformat: 37,5 x 36 CM galleripris inkl. ramme: KR. 1.375,medlemspris inkl. ramme: KR. 1.168,-

Et lite kyss: Ruth Roland liker å hente inspirasjon fra kunsthistorien. Utgangspunktet for Et lite kyss var et manieristisk maleri fra ca. 1540 av Agnolo Bronzino, en allegori som framstiller en mengde figurer. Roland har jobbet videre med de to i bildet som gir hverandre et kyss. – I slike malerier er alt så pågående. Det er så mye i dem at jeg får behov for å roe det ned litt, og fokusere på enkeltelementer. Her har jeg jobbet videre med de to i bildet som gir hverandre et kyss. 33 www. k unst k l ubben. no

2 cm 4 cm

Matt og hvitfarget trelist 4 cm høy og 2 cm bred. B34

MEDLEMSTILBUD Ruth Roland

Sjarmerende tresnitt med intens og sart koloritt

På staffeliet

Nico Widerberg – Tidløse fragmenter – Egentlig er jeg en arbeider, en som gjør ting, heller enn en idémaker. Jeg må kunne være deltakende i prosessen for å være skapende. Tekst Signy Norendal / Foto Jan Ung

Både i grafikken og skulpturen kan Nico Widerberg gjerne ta bort både armer, ben og hode fra kroppen på figurene han framstiller. – Det dreier seg om forenkling. Jeg jobber uansett bare med en del av virkeligheten; et utdrag. Det gir frihet til å lage en hel form og til å skape et rom. Når jeg jobber med stein må jeg uansett droppe noe. En gang lagde jeg en helt naturalistisk skulptur til et amerikansk prosjekt. Det viste seg at det ble alt for naturalistisk, så det ble ikke noe av. Amerikanere tåler jo ikke å se nakne mennesker. Og dette var et bestillingsverk, altså. Nå står skulpturen på Norneplattformen i Nordsjøen, ler Widerberg. Musikk er også en torso Widerbergs tidløse skulpturer i stein, bronse og glass leder tankene til arkeol ogien så vel som til den senere kunsthistorien. Hans torsoer, menneskefigurer uten armer og ben, minner om så ulike tradisjoner som både antikk skulptur og modernisten Giacomettis langstrakte figurer. – Du bodde jo en stund i Italia – henter torsoen inspirasjon fra klassisk skulptur? – Nei, den gjør faktisk ikke det. Jeg var i NordItalia et par måneder, men det var for å lære å hogge i stein. Menneskefigurene handler om det å finne sin form. Tenk på landskapsmalerne. Det er ikke sikkert det alltid er landskapet i seg selv de er så opptatte av, men at det heller er en måte å

uttrykke det å leve på. Det å være menneske. Det er det jeg er interessert i. Ta musikk, for eksempel. Musikk er også en torso; fordi det er et fragment eller et utdrag av virkeligheten. For Widerberg er det viktig at det han gjør er personlig. Han er primært opptatt av mennesker, og arbeidene hans handler om det å være menneske. – Man må finne noe man tror på, og det har jeg gjort. Det er ikke fordi noen har sagt at det er så bra, men fordi jeg selv tror på det jeg gjør. Likevel er det veldig moro å møte mennesker som finner noe i det jeg lager. Det er jo fantastisk at man kan være både personlig og ærlig, samtidig som man klarer å kommunisere med folk. Når det ærlige og personlige som legges i verket kommer fram, så vil det berøre flere, tror jeg. Det er ingen tilfeldighet at kunstneren til stadighet kommer med musikalske analogier. Det var musiker han hadde tenkt å bli, og han var på god vei, før han i stedet vendte seg mot den visuelle kunsten. – Musikken manglet en fysisk tilstedeværelse, eller en slags tilbakemelding. Jeg begynte å jobbe som snekker, og drev litt med oppussing. Snart begynte jeg på en hospiteringsordning på Kunst- og håndverkskolen, og etter det var det ingen vei utenom. Jeg lytter uansett veldig mye til musikk, og er kanskje mer inspirert av den enn av noen annen kunst. Lito = stein Kunstneren hogger sine egne skulpturer. Vi tar en runde i den store hallen som er verkstedet hans. Her er det svære steinblokker, halvferdige og ferdige skulpturer, samt en gigantisk kran i taket. Han kunne fått mer hjelp enn det han benytter seg av, 34 www. k unst k l ubben. no

men blant annet fordi han jobber med organiske former har han behov for å stå for selve formingen av steinen selv. – Steinhogging er et av de tøffeste yrkene du kan ha. Det er tungt, og det er mye støv og støy. Jeg bruker mest stein fra Norden, det går mye i larvikitt og iddefjordgranitt. Han viser fram en relieffsyklus, eller en frise i bronse som har fire nisjer. I tre av dem står det figurer, mens den fjerde er tom. De tre litografiene Frontal, vendt kvinne og vendt mann er løselig basert på disse figurene. Den fjerde og tomme nisjen gir assosiasjoner til livets flyktighet, og handler i følge Widerberg om mennesker og liv som kommer og går. Selv om Nico Widerberg kanskje er mest kjent for sine skulpturer i stein, bronse og glass, har han drevet med grafikk siden han gikk på Kunst- og håndverkskolen. Der hadde han grafikk og tegning som valgfag. Men sine aller første trykk lagde han i barndommen, da han bodde på Ekely og faren jobbet i Edvard Munchs atelier. Her trykket Nico alle julegavene sine. – Grafikk er mer tilgjengelig for folk enn skulptur. Den gjør at man kan kommunisere på flere plan. Dessuten har grafikk noe som skulptur ikke har, og noen er veldig glad i trykkene uten nødvendigvis å ha noe forhold til skulpturene. Widerberg beskriver litografi som noe han kaster seg uti, og ikke helt vet hvordan blir. Når han hogger i stein har han mer kontroll. Samtidig ser han flere likheter mellom steinhoggingen og litografiet. – Det er jo stein som er utgangspunktet i litografiet også. Ordet lito betyr faktisk stein. Og så har trykkingen en praktisk dimensjon der ting må løses, i likhet med skulpturen og delvis i motsetning til maleriet. Egentlig er jeg en arbeider, en som gjør ting, heller enn en idémaker. Jeg må kunne være deltakende i prosessen for å være skapende.

tittel: VENDT MANN teknikk: LITOGRAFI opplag: 130 EKS motivformat: 64 x 28 CM rammeformat: 48 x 86 CM galleripris inkl. ramme: KR. 5.265,medlemspris inkl. ramme: KR. 4.319,-

Multikunstneren Nicolaus Widerberg (f. 1960) bor og arbeider i Oslo og jobber med litografi, tresnitt, maleri og skulptur hovedsakelig i stein, glass og bronse. Han har alltid mange jern i ilden, og er blant annet aktuell i en konkurranse om utsmykkingen av luftetårnene til tunnelen i Bjørvika. Det siste året har han jobbet med flere utsmykninger i England, blant annet to skulpturgrupper til Universitetet i Newcastle. Han har også hatt en utstilling i USA nylig, i Paris i vår og neste år stiller han ut i et nytt galleri i London. Utsmykningsprosjekter har han hatt siden han var 27 år gammel, da han lagde en skulptur av Thor Heyerdahl til Larvik, i larvikitt, selvfølgelig. Siden har han laget utallige offentlige utsmykninger og monumenter. Nico Widerberg har sin utdannelse fra Statens Håndverk og Kunstindustriskole, og senere fra Statens Kunstakademi i Oslo. Etter uteksaminering fra Akademiet fortsatte han sine studier i Frankrike og Italia, og i 1991 mottok han Statens 3-årige arbeidsstipend. Han har deltatt i en lang rekke gruppeutstillinger og separatutstillinger i Norges viktigste offentlige og private gallerier, samt i utlandet. Hans arbeid er kjøpt inn av offentlige og private samlinger i Norge og Storbritannia. Blant offentlige oppdrag er et storskalaverk for Aker Maritime AS i Oslo, Gardermoen Lufthavn og University Gallery Newcastle.

35 www. k unst k l ubben. no

MEDLEMSTILBUD Nico Widerberg

– Skulpturelle figurer i abstrakte rom

MEDLEMSTILBUD Nico Widerberg

Grafikken, som jeg har arbeidet med hele veien, har også skulpturene i seg, slik som også skulpturene har bildene i seg. Jeg tror ikke vi har bare én egenskap, men mange, bare vi bringer de frem. (Nico Widerberg i 2006 om sin utsmykning DOMUS & MEDICUS. Kilde: www.dnms.no) 36 www. k unst k l ubben. no

2 cm

Sølv trelist. 2 cm høy og 2,5 cm bred. A38

tittel: FRONTAL teknikk: LITOGRAFI opplag: 130 EKS motivformat: 64 x 28 CM rammeformat: 48 x 86 CM galleripris inkl. ramme: KR. 5.265,medlemspris inkl. ramme: KR. 4.319,-

tittel: VENDT KVINNE teknikk: LITOGRAFI opplag: 130 EKS motivformat: 64 x 28 CM rammeformat: 46 x 86 CM galleripris inkl. ramme: KR. 5.265,medlemspris inkl. ramme: KR. 4.319,37 www. k unst k l ubben. no

MEDLEMSTILBUD Nico Widerberg

2,5 cm

Flotte vervepremier til deg som verver og velkomstgave til den du verver!! Vi i Kunstklubben vil gjerne belønne deg som verver ett eller flere medlemmer. Den / de du verver vil dessuten kunne velge mellom to motiver signert Tanja Thorjussen til en verdi av 450,- sammen med magasinet Aktuell Kunst. For innbetaling av medlemsavgiften vil den/de vervede motta en giro.

Verver du 1 medlem kan du velge mellom følgende to motiver og få bildet gratis:

JOCHEN KUBLIK tittel: UTEN TITTEL teknikk: ETSNING motivformat: 19,5 x 13,5 CM opplag: 150 EKS VERDI KR. 600,Jochen Kublik er født i Westfalen i Tyskland i 1962. Han er tegner og grafiker, og regnes som en av Tysklands dyktigste kobbergrafikere. Kublik har sin utdanning fra Fachhochschule für Design i Münster hvor han ble uteksaminert i 1990, og har dessuten hatt en rekke studiereiser til Toscana, Oslo og Lofoten. I 1996 startet han opp sitt eget verksted i Münster. Siden 1988 har han hatt et 40-talls separatutstillinger og like mange gruppeutstillinger, og han har deltatt i flere internasjonale grafikkbiennaler. Det er gitt ut tre bøker om Kubliks tegninger og grafikk.

Verver du 3 medlemmer får du bildet gratis:

LASSE KOLSRUD / GUNHILD VEGGE tittel: REVETOKT teknikk: TRESNITT motivformat: 13,5 x 21 CM opplag: 50 EKS VERDI KR. 650,-

Gunhild Vegge er født i Farsund i 1960. Hun er illustratør og grafiker, og er utdannet ved kunstog håndverkskolen i Oslo, grafisk linje. Hun har illustrert flere bøker, men mest har hun drevet med billedkunst. I tillegg til sitt virke som billedkunstner underviser Gunhild Vegge i tegning og maling ved Rælingen Kulturskole. Lasse Kolsrud er født i 1959. Han er utdannet ved tegnerlinjen på Statens Håndverksog Kunstindustriskole. Han har deltatt på en rekke kollektivutstillinger, bl.a. Østlandsutstillingen, på Galleri Norske Grafikere og i Tegnerforbundet. Han har også mottatt flere større stipend. Ekteparet Kolsrud og Vegge har samarbeidet om en rekke fargetresnitt med stiliserte og humoristiske motiver. Sammen er de innkjøpt av blant annet Nasjonalmuseet, Norsk Kulturråd, Nord-Trøndelag Fylkesgalleri og Haugesund Billedaglleri.

KJELL THORJUSSEN tittel: VALMUE FORBI teknikk: LITOGRAFI opplag: 120 EKS motivformat: 21,5 x 39 CM VERDI KR. 2.400,-

Kjell Thorjussen er født i Porsgrunn i 1942. Han er en av vår tids mest folkekjære norske billedkunstnere. Thorjussen er utdannet ved Statens Håndverks- og Kunstindustriskole og Kunstakademiet. Siden 1970 har han hatt en lang rekke separat- og kollektivutstillinger i kunstforeninger, gallerier samt deltakelse på Høstutstillingen, Østlandsutstillingen og UKS vårutstilling. Han er representert i Nasjonalgalleriet og innkjøpt av flere kunstforeninger; Värmlands läns Landsting, Karlstad kommune og Statens Konstråd i Sverige. Thorjussen har i første rekke markert seg innen grafikken, der han utelukkende har arbeidet med litografi. Hovedmotivet er naturalistisk utførte landskapsskildringer og naturinntrykk fra forskjellige deler av Østlandet.

Ververegler: – Den du verver må ha godkjent vervingen. – Den du verver må ha betalt medlemskontigenten for at vervingen skal være gyldig. – Den du verver kan ikke komme fra egen husstand eller vært vervet tidligere. For å verve, se kupongen i midten av magasinet, eller skriv en e-post til galleri@kunstklubben.no. Du kan også spare din verving om ønskelig. 38 www. k unst k l ubben. no

Medlemsfordeler Siden 1953 har Kunstklubben vært et bindeledd mellom kunstnere og kunstinteresserte, og er Norges største kunstklubb med over 10.000 medlemmer. Kunstklubben er et klubbkonsept hvor medlemmene får svært fordelaktige kunsttilbud gjennom kunstmagasinet Aktuell Kunst. Magasinet gis ut opptil 10 ganger i året og kommer direkte i posten. I Kunstklubben blir du en del av et levende kunstmiljø, og får kvalitetskunst til priser som er eksklusive for medlemmer.

Konkurranse Vi deler ut 5 flotte premier pr. uke ut året! Kitsch fra Odd Nerdrum, eksklusive kunstbøker og grafikk av Eli Hovdenak er bare eksempler. Følg med på www.fineart.no, og bli med på konkurransene.

Det skal lønne seg å være medlem i Kunstklubben. For medlemskontigenten på 450 kroner per år får du: – ett års abonnement på kunstmagasinet Aktuell Kunst med eksklusive kunsttilbud og intervjuer med spennende kunstnere. Bladet inneholder også kunsttips, presentasjoner av aktuelle kulturpersonligheter og tips om gode utstillinger. – fast 20 % rabatt på bilder presentert i Aktuell Kunst – fast 10 % rabatt på innramming av høy kvalitet – rask, godt emballert forsendelse og valgfri leveringsmåte: Postoppkrav, levering på døren eller hente-selv-ordning – deltagelse i et spennende klubbkonsept som kontinuerlig videreutvikles med invitasjoner til spennende arrangementer Medlemskap uten forpliktelser! Det er ingen kjøps- eller avbestillingsforpliktelser knyttet til medlemskapet. Du bestiller selv den kunsten du ønsker fra magasinet Aktuell Kunst eller på www.kunstklubben.no. Medlemskapet er personlig og løper fra den dagen du melder deg inn til det sies opp skriftlig. Bli medlem Ønsker du å melde deg inn i Kunstklubben og motta en velkomstgave? Velkomstgaven er ett av disse flotte trykkene av Tanja Thorjussen:

TANJA THORJUSSEN tittel: UGLE 1 teknikk: LITOGRAFI opplag: 90 EKS motivformat: 15 x 10 CM VERDI kr. 450,-

TANJA THORJUSSEN tittel: UGLE 2 teknikk: LITOGRAFI opplag: 90 EKS motivformat: 15 x 10 CM VERDI kr. 450,-

Elsa Einarsdottir Mail: elsa@fineart.no Tlf 22995416

Tonje Buer Mail: tonje@fineart.no Tlf 22995415

Vi hjelper deg med dine ønsker og spørsmål! Leter du etter et spesielt bilde, kanskje til en spesiell anledning? Har du spørsmål ta kontakt med oss i galleriet.

Tanja Thorjussen, født i 1970, har sin utdannelse fra tekstillinjen på Kunsthåndverkskolen i Bergen og fra Parsons School of Design i New York hvor hun tok Bachelor i maleri. Thorjussen har deltatt på en rekke gruppeutstillinger, prosjekter og festivaler, blant annet New Paintings i The Anthroposophical Society i New York, Nordic Expo ved Martin Luther King Junior High School i New York og Stipendsøkernes Utstilling Kunstnernes Hus i Oslo. I tillegg til sitt virke som kunstner har Thorjussen også innehatt en rekke verv og vært kunstog håndverkslærer ved Rudolf Steinerskolen i New York fra 2001 til 2005.

Meld deg inn ved å sende en e-post til galleri@kunstklubben.no eller registrer deg på www.fineart.no. 39 www. k unst k l ubben. no

Våre åpningstider: Mandag, tirsdag og onsdag 9-17, torsdag 9-19 og fredag 9-16. Lørdag og søndag stengt, benytt vårt nettgalleri!

Avsender: Kunstklubben AS Maridalsveien 33 P, 0175 Oslo

Julegavetips

: DM N > E E

e¶llZe` dk //%&

G K 1 + ) )0 . - y K@: G @

Julegaven som varer i ett år! Du kan nå gjøre unna julehandelen i en fei, og gi bort ett års medlemskap i Kunstklubben Et medlemskap i Kunstklubben er en eksklusiv, spesiell og personlig julegave med mange fordeler, som varer et helt år;

LbeobZ IZiZl Æ ihebmbld h` èZfhk¶lm <akblmhia^ Ahae^k Æ gZmnkmkh `c^g`boêl^k Zo ]^g gZdg^ dkhii ½@h] `Zffê fh]^kg^ dnglm¾ Zo Ob\mhk OZlZkêr Lnkk^Zeblmbld^% Z[lnk]^ h` dhehkblmbld oZdk^ [be]^k _kZ Ne_ OZe]^ C^gl^g

Gaven inneholder: – Årsabonnement på Norges største Kunstmagasin, Aktuell Kunst – Egne medlemspriser på våre internettsider – 20% rabatt på kunst presentert i Aktuell Kunst – 10% rabatt på innramming – Egne medlemsauksjoner – Innpass i Norges mest spennende kunstmiljø – Velkomstlitografi verdi kr. 450,Et eksklusivt gavekort, siste utgave av bladet Aktuell Kunst, samt velkomst trykket sendes direkte til giver. Gaven er pent innpakket og klar til å gis bort.

Pris kun kr. 450,Bestill julegaven nå! Du kan bruke bestillingskupong vedlagt magasinet, eller gå inn på kunstklubben.no eller ringe 22995400