Memorias Festival Internacional de Teatro Cali 2016

FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO CALI

MEMORIAS

ISSN: 2539-2794 Número 1. Año 2016

FITCali2016 1Memorias de un festival inolvidable. (9)

Por Fernando Vidal.

Historia y presente. (11)

ISSN: 2539-2794 Derechos reservados. Esta publicación no puede reproducirse parcial o totalmente, archivada en un sistema de recuperación o transmitida por medios electrónicos, mecánicos, de grabación u otros, sin el permiso previo del propietario de los derechos de autor.

Esta publicación no se hace responsable de la opinión vertida por los distintos autores.

Firmas 2Memoria de Cali.

Por Arístides Vargas. (15) La escritura de Noche y Niebla.

Por Jaime Chabaud Magnus. (17) Festival Internacional de Teatro Cali 2016.

Por Alberto Bolaños (19).

de saberes 3MesaEncuentro temática: Teatro y postconflicto.

Notas de Lida Fernanda Cardona. (21) Mesa temática: Nuevas tendencias de la dramaturgia.

Por Genny Cuervo. (24) Mesa temática: Dirección y puesta en escena.

Por Diego Fernando Montoya. (26) Mesa temática: Producción y gestión teatral.

Por Wendy Betancourt. (28) Conferencias: Encuentro de teatro de calle: cultura popular.

Por Wilmarck Arango. (31) Conferencias: Homenaje a maestro Enrique Buenaventuara.

Por Doris Sarria. (34) Conferencia: Censura y afirmación en el teatro caleño entre 1967 y 1988 .

Por Gabriel Uribe. (36)

Homenajes 4Legado maestro: homenaje a Enrique Buenaventura.

Discurso leído por Jacqueline Vidal. (41) Enrique Buenaventura. (43) Homenaje a Toda una vida: Lucy Bolaños.

Discurso de Pilar Restrepo. (47) Homenaje a Personaje destacado: Enrique Lozano.

Discurso de Ariel Martínez. (49) Homenaje a 50 años de vida artística: La Candelaria.

Discurso de Gabriel Uribe. (52)

Grupos invitados 5Grupos invitados. (73) Directorio de artistas. (96)

Índice

Dirección General Fernando Vidal Dirección Editorial Secretaría de Cultura y Turismo de Cali Diseño, diagramación y edición Óscar M. Cuevas Diseño de imagen de portada Julián Ojeda Duarte y Leidy Silva Pérez, basada en un dibujo de Enrique Buenaventura Coordinación de fotografía Leonardo Linares Impresión Impresos Richard LTDA.

Saludo institucional. (5) Por Luz Adriana Betancourt Lorza.

Sra. Luz Adriana Betancourt Lorza Teatro Municipal Enrique Buenaventura Discurso inaugural del FITCali2016.

F: Leonardo Linares

SRA. LUZ ADRIANA BETANCOURT LORZA *

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l Festival Internacional de Teatro de Cali 2016 fue un compromiso que la Secretaría de Cultura y Turismo tenía con el sector teatral, para reunirlos alrededor de un proyecto que pudiera reflejar lo que es Cali en su producción teatral, y así congregar a un público al cual presentarle montajes de todos los géneros, evidenciando la variedad de manifestaciones que existen en torno a este arte y facilitar el encuentro con productores nacionales e internacionales.

Finalmente doy gracias a todos los que participaron.

A los equipos creativos, actorales, técnicos, logísticos, administrativos y financieros. También al alcalde de Cali Maurice Armitage por haber respaldado este proyecto, y sobre todo por habernos dado vía libre asegurando nuevamente el recurso para que en 2017 continuemos con el Festival de Teatro.

Y al público que esta vez, con su masiva asistencia sobrepasó la capacidad de las salas, le prometemos que el próximo año tendremos la misma o mejor calidad de espectáculos, y le garantizamos que diseñaremos una estrategia a través de la cual los espectadores puedan ingresar a las salas de tal manera que todos tengan asegurada su silla y puedan planificar de manera óptima el disfrute de la programación de las obras.

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Con base en esto, la organización del Festival contó con una Mesa Conceptual ampliamente participativa y con la dirección de uno de los personajes más representativos, reconocidos y respetados de las artes escénicas como es el maestro Fernando Vidal. Juntos lograron una propuesta clara, con una gran selección de obras y escenarios que convocaron nutridamente a los espectadores, incluyendo desde niños y jóvenes de instituciones educativas, hasta público especializado que conoce y sabe vivir el teatro. Ese encuentro de actores, creadores, directores, dramaturgos e investigadores, unido a ese público tan diverso, dio como resultado este maravilloso festival que vivimos durante una semana en el que también pudimos honrar la memoria del inmortal Enrique Buenaventura, un maestro al que nunca nos cansaremos de rendirle tributo por lo que representa para el teatro caleño. * Secretaria de Cultura y Turismo de Santiago de Cali

Equipo de dirección y producción del FITCali2016 Teatro Municipal Enrique Buenaventura F: Leonardo Linares

Mesa Conceptual Beatriz Monsalve Trujillo Susana Uribe Bolaños Edgar Barrera Montenegro Gerson Andrade Ochoa John Jairo Perdomo Oswaldo Alfonso Hernández Wilmark Arango Toledo Jackeline Gómez Romero José Reinel Osorio Torres Edgar Builes León / Julián Correa

Secretaria de Cultura y Turismo de Cali Luz Adriana Betancourt Lorza Director Artístico Fernando Vidal Medina Coordinadora de Artes SCT Cali María Victoria Sierra Hurtado Gerente del Fondo Mixto para la promoción de las Artes y La Cultura del Valle del Cauca María Clemencia Ramírez de Fernández Gerente Administrativa Ángela María Castillo Cortés Productora Logística Margarita Casas Aragón Productora Técnica Adriana Bermúdez Fdez Comunicadora Támara Rentería Cortés Diseño e impresos Fabián Barreiro Macuacé Asistente de Dirección Stephanie Múnera Daza Asistente de Producción Logística Roberto Andrés Lozano Zamorano Asistente de Producción Técnica Gerson Andrade Ochoa

Diseño de imagen corporativa Julián Ojeda Duarte y Leidy Silva Pérez Diseño gráfico Diego Fernando Tabares Sanchez Diseño y edición de Memorias escritas Óscar M. Cuevas Grabación de Memorias audiovisuales Diana María Zuleta, Mónica María Mondragón, Carlos Andrés Sandoval, Juan Manuel Osorio y Juan David Paz Coordinación de registro fotográfico Leonardo Linares Olachica Registro fotográfico Leonardo Linares Olachica, Jaime Manrique, Juan Pablo Ulloa, Camilo Melo, Sebastian Cabuyales, Vanessa González, Carlos David Barona, Maryery Quintero, Gisell Sánchez, Derly Cabrera y Jaime Garzón Apoyo de comunicaciones Ana Milena Silva Coordinación de transporte Andrés Mauricio Díaz Arango Apoyo logístico Jessica Díaz Valencia, Ingrid Libreros Nieto, Jaime Victoria San Vicente y Yair Angulo Salazar Apoyo técnico Ana Martínez, Angélica Uribe, John Moreno y Karen Tovar Apoyo de programación académica Andrés Martínez y Johan Potdevin Franco Asistencia de gerencia administrativa Javier Giraldo Motato Apoyo de oficina Kevin Calderón Salazar Guías de grupos invitados Alejandra Grisales, Anderson Bedoya , Catalina Tafúr, Kimberly Martínez, Magally Albán Reyes, María José Salazar, Mayra Alejandra Montes, Sebastián Zuñiga Gómez, Skai Velásquez Logísticos de espacios Alejandra Trujillo, Alejandro Ovalle Rodríguez, Álex Piamonte, Alexis Carvajal, Angi Yulier Cardona, Braham Mera, Diego Fernando López, Eliana Cruz, Félix Ramírez, Gabriela Restrepo, Juan Carlos Osorio, María del Mar Carmona, Patheny Jhoanet Buitrago, Patricia Gómez

Aliados Centro Cultural Comfandi, Escuela Militar de Aviación Marco Fidel Suárez, Departamento de Artes Escénicas de la Universidad del Valle, Facultad de Artes Escénicas del Instituto departamental de Bellas Artes, Escuela de Teatro del Instituto Popular de Cultura, Sociedad de Mejoras Públicas, Festival Brújula al Sur, Museo La Tertulia, MetroCali/Cultura MIO, Periódico El País, Q`hubo, Posicionamos -Agencia de Comunicaciones Agradecimientos Backline S.A.S, Cali Teatro, Casa Comedia, Casa de los Títeres, Casa Naranja, Centro Cultural Comfandi, Centro Cultural Unión de Vivienda Popular Comuna 16, Centro de Emprendimiento Comuna 13, Cualquiera Producciones, Domus Teatro, Estudios Takeshima, Fondo Mixto de Promoción de la Cultura y las Artes del Valle del Cauca, Fundación Aescena, Fundación de Teatro y Artes Yolanda García Reina, Harold Ordoñez Producciones, Instituto Departamental de Bellas Artes, Instituto Popular de Cultura, Institución Educativa Juana de Caicedo y Cuero, Institución Educativa Nuevo Latir, Pontificia Universidad Javeriana Cali, RíoStudio, Teatro del Presagio, Teatro de Títeres Castillo Sol y Luna, Teatro Esquina Latina, Teatro Experimental de Cali TEC, Teatro La Concha, Teatro La Máscara, Teatro Municipal Enrique Buenaventura, Teatro Salamandra, Tecnocentro Somos Pacífico, Universidad del Valle, Universidad ICESI, Ana Lucía Raffo, Bruno Regnault, Diego Fernando Montoya, Genny Cuervo, Giovanni Grajales, Jorge Zabaraín, Lida Fernanda Cardona, Paola Arenas, Wendy Betancourth, William Ruano

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FITCali2016

Por Fernando Vidal*

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ntre el 1 y el 7 de noviembre se realizó el Festival Internacional de Teatro de Cali 2016, del cual ahora presentamos las Memorias, una publicación preparada para dejar un rastro de ese acontecimiento movilizador de diferentes públicos que colmaron los escenarios programados en 90 funciones, en las modalidades de teatro de calle, de espacios no convencionales, infantil, de títeres y de sala.

Con el lema de #Caliveníalteatro, 248 artistas locales, nacionales e internacionales, presentaron 45 espectáculos teatrales, con diversidad estética y temática, pero unidos por esa búsqueda imparable del arte escénico de explorar los vericuetos de la condición humana, las tensiones del poder y del vivir inmersos en los filtros de lo social, teatralidades unidas por el desciframiento del convivio en la memoria individual y colectiva, sus procesos de simbolización y la construcción en la escena de ironías, paradojas y metáforas de este ejercicio intenso del habitar.

Es por este motivo que la gente desbordó los aforos de los teatros. Porque el teatro convoca. Es un espacio para el encuentro ciudadano, para el intercambio de miradas, de experiencias, de puntos de vista en torno a los espectáculos que han sido creados por agrupaciones y compañías profesionales, que dedican su plena capacidad en la

construccion de lenguajes vigorosos y contrastados que invitan a un viaje por el tiempo de la imaginación, por el discurrir de un presente expandido que ofrece otras experiencias para fugarnos creativamente de los rigores de la realidad cotidiana: nos distrae y nos divierte, es decir, nos saca de la versión oficial para llevarnos a mundos posibles, a otras versiones de esa realidad a secas.

Estas Memorias, son el recuento, quizás un poco esquemático, de lo que fueron esos siete días intensos de compartir los espacios artísticos y pedagógicos del

“(...) unidos por esa búsqueda imparable del arte escénico de explorar los vericuetos de la condición humana.

“

MEMORIAS DE UN FESTIVAL INOLVIDABLE

Festival, un evento de ciudad organizado por la Secretaría de Cultura y Turismo de la ciudad en concertación con el sector teatral, que tuvo la iniciativa y logró contar con la voluntad institucional, para diseñar, planificar y ejecutar durante una semana esta primera versión.

Cabe destacar el papel de la Mesa Conceptual, como el espacio idóneo de representatividad de los diferentes actores del sector teatral reunidos con delegados de la Institucionalidad cultural de la Secretaría de Cultura y

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Turismo, para diseñar, planificar y asesorar el desarrollo de la programación, así como, la convocatoria y selección de las propuestas locales, y la curaduría de las nacionales e internacionales. Un aprendizaje que ha arrojado sus logros y debilidades, y del cual se extraerán las enseñanzas para ir mejorando cada vez este querido proyecto de consolidación del sector hacia la ciudad y el País cultural.

También, destacar al pequeño pero contundente y apasionado equipo básico de ejecución del Festival, que en un tiempo record consiguió materializar el sueño, con el acompañamiento de la Entidad operadora, y el decidido apoyo de las entidades académicas del teatro y algunas de la cultura, que estaremos reconociendo en estas mismas páginas, con nombres propios.

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Y, desde luego, a los 38 grupos y compañías participantes, que nos dieron lo mejor de cada uno, soltaron las riendas de la expresión a su máxima intensidad, para darnos con generosidad y profesionalismo, unas memorables experiencias estéticas, que nos permitieron compartir momentos realmente inolvidables.

A los maestros que nos compartieron sus conocimientos y reflexiones para el intercambio de saberes y la actualización de los actores, directores, escenógrafos y músicos, técnicos, gestores y productores del teatro de la ciudad.

Y, desde luego, un aplauso sonoro para el público, para los públicos que nos acompañaron incansables durante los siete días de noviembre, colmando cada uno de los escenarios a lo ancho y largo de la geografía municipal, demostrando que el teatro sí hace parte de los gustos culturales de la ciudad y su apropiación puede hacer del Festival Internacional de Teatro de Cali una cita anual esperada con deseo y ansiedad.

“

(...) demostrando que el teatro sí hace parte de los gustos de la ciudad.”

* Director del Festival Internacional de Teatro Cali 2016

HISTORIA Y PRESENTE

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l Festival Internacional de Teatro Cali 2016 sienta sus bases en la misma historia del teatro colombiano moderno y su indiscutible vinculación con la ciudad de Cali, en un proceso dilatado en el tiempo de importantes experiencias organizativas y de eventos de exhibición e intercambio de saberes a través de sus espectáculos y obras escénicas, talleres, conversatorios, etcétera. Entender el nacimiento de este festival, nuevo en la práctica, es conocer de un proceso que nace décadas atrás.

Desde 1955, con la fundación de la Escuela de Teatro en Bellas Artes, el posterior surgimiento del Teatro Escuela de Cali y su participación en 1961 en el Festival de Teatro de las Naciones en París, la artes escénicas colombianas y su evolución han estado íntimamente vinculados al desarrollo teatral de la ciudad. Más de seis décadas de trayectoria que desembocaron en multitud de iniciativas festivaleras que nos permiten recordar hoy un pasado marcado por el Festival de Teatro de Cámara; las muestras regionales de la Corporación Colombiana de Teatro; las muestras locales, departamentales y regionales del Consejo Vallecaucano de Teatro; o el propio Festival Nacional de Teatro Cali de 1996, entre otros muchos.

El germen inmediato a este FITCali2016 lo encontramos en el Festival de Teatro de Cali. Artistas e instituciones culturales de reconocida trayectoria en las artes escénicas de la ciudad, liderados por las salas concertadas, se organizaron en torno a la Fundación Festival de Teatro de Cali. Esta Fundación, conformada esencialmente por la

Fundación Castillo Sol y Luna, Fundación Domus Teatro y Corporación Salamandra del Barco Ebrio, produciría en 1999 un Festival de Teatro de Cali por el que circularon los repertorios vigentes de la ciudad, una muestra representativa del teatro colombiano y algunos invitados internacionales, hasta su última edición, en 2011, que contó con la participación del danés Odin Teatret.

Con la desaparición del Festival de Teatro de Cali, la ciudad quedaba huérfana de un festival representativo para las artes escénicas, sin que esto implicase la ausencia de otros festivales y multieventos, muchos de ellos ya consolidados a través de los años, como son el Festival Internacional de Teatro Contemporáneo de Mujeres Cali Pacífica, el Festival de Teatro Vivo Callejero, el Festival de Teatro de las Américas, el Carnaval de Cali Viejo, el Encuentro Popular de Teatro, la Feria Internacional de los Títeres y el Festival Internacional de los Títeres, o el Festival Ruquita Velasco, además del surgimiento de otros como el Festival Brújula al Sur organizado por la sala Teatro La Concha o encuentros internacionales de primer nivel como el IX Foro ATEC y el Festival de Escuelas de Teatro de Asia Pacífico (primera edición en celebrarse fuera de Asia).

En este último lustro, la ciudad mantuvo su efervescencia en el quehacer teatral. Las compañías y grupos de teatro continuaban trabajando en la producción de nuevos trabajos escénicos. Las tres principales escuelas de la ciudad: las Licenciaturas de Arte Dramático de la Universidad del Valle y de Arte Teatral de Bellas Artes y la Escuela de Teatro del Instituto Popular de Cultura, seguían dotando al sector de nuevos profesionales. Nuevos grupos fueron creándose, algunos de ellos ya presentes en esta edición del Festival Internacional de Teatro Cali 2016. Y nuevas salas como Teatro del Presagio, Casa Comedia, Casa Aescena y Espacio T fueron dotando a la ciudad de otros espacios

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para la programación de teatro. La ciudad seguía recibiendo artistas y compañías de otras ciudades nacionales e internacionales: solo en 2016, la ciudad programó funciones de grupos de más de una decena de ciudades nacionales y de hasta catorce países distintos de América, Europa y África. En este año, más de 300 obras distintas de teatro y títeres profesionales fueron presentadas en alguna de las salas, teatros, auditorios o espacios alternos de la ciudad, a lo que hay que sumar el reconocido trabajo en procesos escénicos universitarios, colegiales, comunitarios y amateurs.

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La aspiración a recuperar un festival de grandes dimensiones, representativo de la ciudad, se mantuvo intacta durante estos años, hasta que en 2015 la Secretaría de Cultura y Turismo de Santiago de Cali, entonces liderada por la sra. María Elena Quiñones, compromete un presupuesto de mil millones de pesos colombianos para la ejecución del que sería la edición del Festival Internacional de Teatro Cali 2016. Así, la gestión de los entonces consejeros municipal y departamental Edgar Builes y Wilmarck Arango derivó en la consolidación del presupuesto de un festival que, ya en 2016, la actual Secretaria de Cultura y Turismo, la sra. Luz Adriana Betancourt, ratificó.

Con la pretención de que el sector se empoderara del Festival, desde la Secretaría de Cultura y Turismo se impulsó la creación de una mesa de trabajo sectorial que pudiera, entre otros motivos, configurar un festival que se adaptase a los requerimientos y necesidades actuales del arte teatral caleño. La mesa se reunió por primera vez en marzo del 2015 y mantuvo sus sesiones de forma ininterrumpida, con la participación de una representación importante del teatro caleño, hasta la creación de la Mesa Conceptual del Festival, conformado democráticamente por delegados de los distintos subsectores del teatro en la ciudad: teatro de corta, mediana y larga trayectoria; salas; teatro infantil y

títeres; teatro comunitario, género, poblaciones vulnerables y minorías; escuelas de teatro; teatro universitario; teatro callejero y de espacios no convencionales; junto al Consejero Municipal de Teatro y un delegado de la Secretaría de Cultura y Turismo.

Por su parte, desde la Secretaría de Cultura y Turismo, se consideró la necesidad de que la dirección del Festival recayese sobre la figura de una personalidad del teatro caleño con la suficiente experiencia en la gestión de eventos de esta magnitud y, además, en capacidad de servir de puente entre las distintas inquietudes del sector. A tal efecto, nombró al maestro Fernando Vidal como director. Dramaturgo y director de teatro de dilatada experiencia, conocedor de los pormenores del teatro caleño, que ya había tenido un papel relevante en la consolidación de otros eventos teatrales de gran importancia como el Festival Nacional de Teatro Cali y con la capacidad de acercar posturas enfrentadas, naturales en las dinámicas de una comunidad artística como la del teatro.

Con el FITCali2016, la ciudad se incorpora a la red de grandes festivales de teatro de la ciudad, compartiendo espacio con otros festivales como, en Bogotá, el Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá, el Festival Off de Teatro, el Festival Alternativo de Teatro Festa o el Festival de Teatro de Bogotá; en Medellín, la Fiesta de las Artes Escénicas Medellín en Escena, o el Festival Nacional de Teatro; en Manizales, el Festival Internacional de Teatro de Manizales; en Barranquilla, el Entibar; en Pereira, la Muestra de Teatro Alternativo de Pereira; o en Pasto, el Festival Internacional de Teatro de Pasto.

El festival es lanzado oficialmente el 12 de septiembre del 2016, en el Teatro Municipal Enrique Buenaventura. Para la cita, el Festival contó con uno de los referentes históricos

del Nuevo Teatro colombiano: la compañía bogotana de Teatro La Candelaria. La estrecha relación entre el grupo y el teatro caleño, sumado a su 50 aniversario, convenció de la idoneidad de que fueran estos los encargados de dar por inaugurado este nuevo proceso histórico en el teatro caleño. Por su parte, el Festival y la ciudad de Cali le rindieron homenaje a la compañía en honor a su ininterrumpido trabajo desde su creación hace medio siglo.

FITCali2016 se define como un festival integrador, que recoge las inquietudes artísticas y tendencias escénicas producidas en la ciudad, destinado a la creación de nuevos públicos para el sector y a su visibilidad nacional e internacional, abierto a la ciudad y con énfasis en el acercamiento al arte teatral de comunidades desfavorecidas y minoritarias. Con estos objetivos presentes, la programación artística quedó conformada por 24 grupos locales seleccionados en base a convocatoria pública, 10 grupos nacionales y 3 grupos internacionales, a los que se sumaría la participación especial del grupo Teatro Experimental de Cali Enrique Buenaventura, como objeto del homenaje central a Enrique Buenaventura. Así, el Festival presentó una programación de 45 obras: 90 funciones en 31 espacios distintos de la ciudad.

Otra de las inquietudes del sector fue la capacidad del festival para dotar al teatro caleño de herramientas que permitieran la formación continua de sus artistas y grupos.

En respuesta a esta necesidad, se incluyó una programación pedagógica de cuatro mesas temáticas (Teatro y postconflicto; Dirección y puesta en escena; Nuevas tendencias de la dramaturgia; y Producción y gestión teatral), tres conferencias (Encuentro de teatro de calle: cultura popular; Ciclo de conferencias: homenaje a Enrique Buenaventura; y El teatro en Cali 1968-1988: censura y afirmación); dos talleres (Arístides Vargas: Memoria y olvido en la acción dramá-

tica; y Juan Carlos Agudelo: La alquimia del teatro físico de la Casa del Silencio) y las demostraciones de trabajo de La Hora 25, Teatro Tierra, La Mosca Negra y Tranvía Teatro. Para la configuración de la programación pedagógica, se consideró a expertos locales, nacionales e internacionales, tanto participantes del festival, como invitados especiales.

El Festival no quiso dejar de aprovechar la cita para dar su merecido tributo a grandes maestros locales y nacionales.

Si bien el homenaje principal, Legado Maestro, se destinó a la figura fundamental del teatro caleño Enrique Buenaventura, existe la voluntad de que estos homenajes sirvan para el reconocimiento en vida de las personalidades más representativas del sector. En esta primera edición se decidió por tanto, agradecer la trayectoria e influencia de Lucy Bolaños, fundadora de Teatro La Máscara; y al reconocido con dos premios nacionales (Premio Nacional de Dramaturgia 2015, del Ministerio de Cultura por Noche oscura, lugar tranquilo; y XXXIII Premio Nacional de Literatura, modalidad Dramaturgia 2015, de la Universidad de Antioquia, por Transmigración. Los lobos no van a la guerra), el dramaturgo Carlos Enrique Lozano Guerrero. Además del ya comentado homenaje a La Candelaria.

FITCali2016, ya en su primera edición, ha conseguido posicionarse entre los grandes festivales de la ciudad. La desbordada asistencia de público, con un estimado de 30.000 espectadores, y la gran difusión que el evento tuvo tanto a nivel local como a través de medios de comunicaciones nacionales, dan buena fe de ello.

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Firmas

Por Arístides Vargas *

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iempre que uno recuerda de alguna manera vuelve presente lo recordado, es decir, recordar no es una acto nostálgico sino incesante presente, vida que fluye entre el que recuerda y lo específicamente recordado, más, cuando uno no solo recupera eventos sino personas, amigas y amigos que hacen posible esos eventos, tan llenos de alegría y teatro.

Esto me sucede con el festival de Cali, no es un evento cualquiera, es una fiesta para el teatro de Colombia, porque lo primero que sorprende es la cantidad de grupos y compañías de todo el país; esto hace que una visita como la nuestra, sea importante fundamentalmente para nosotros, que al ver el teatro que se hace en el país nos reconocemos en sus búsquedas y estéticas, y este reconocimiento es la reafirmación de lo propio a partir de la diferencia. Este carácter de encuentro, un tanto olvidado en estas épocas tan dadas al comercio artístico, hace que este festival sea especial en su forma; más de una vez comentamos entre la gente de teatro, la falta de espacios de encuentro, donde podamos reflexionar y establecer corrientes de opinión en torno a nuestro trabajo, espacios donde compartamos nuestras diferencias sin ánimo de imponer una forma de teatralidad, un espacio horizontal donde converjamos creadores, teóricos y públicos, para vernos y reconocernos en nuestras maneras de hacer nuestro teatro, en este sentido Cali está llamada a convertirse en ese lugar donde se cruzan las teatralidades de Colombia y América Latina.

Siempre hemos pensado un teatro que nos integre, es decir en el que las identidades teatrales vengan dadas por lo diferente y específico de cada lugar, que no es

“ (...) comentamos entre la gente de teatro, la falta de espacios de encuentro, donde podamos reflexionar y establecer corrientes de opinión en torno a nuestro trabajo. (...) Cali está llamada a convertirse en ese lugar.

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MEMORIA DE CALI

necesaria la uniformidad, pero sí es necesario abandonarse a la posibilidad de ser permeable a lo otro, dejarse inundar de lo diferente, de tal manera que los discursos teatrales no se mantengan como verdades ortodoxas, como recetas a seguir al pie de la letra. Cuanto nos ha enseñado saber que en Colombia se vive un momento extraordinario, una posibilidad de futuro diferente a un pasado traumatizado por la guerra, y saberlo a través de obras de teatro, en el espacio teatral como lugar de debates que se generan fuera de él es, de alguna manera, un

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privilegio; y esto también se le agradece a este festival: informar a través del teatro lo que preocupa como sociedad; en un mundo altamente informado y deformado como en el que vivimos, propensos a creer que la información es libre y que los informadores también lo son, es bueno darnos cuenta de la mentira que a diario consumimos como información, y que se instala como verdad. Haber asistido al teatro estos días es asistir a otra manera de la verdad, una posible verdad que no busca manipular a nadie, sino debatir los problemas sociales para devolverle al teatro la efectividad que siempre tuvo, como espacio para ensayar los conflictos que aquejan a las mujeres y los hombres que conforman una comunidad.

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Tal vez por lo antes dicho, fue que nuestro grupo: Malayerba, y nuestra obra: Instrucciones para abrazar el aire, fue recibida como parte de una misma temática, porque de alguna manera lo es, la necesidad de recuperar la memoria, los traumas no resueltos en la historia social de América Latina, la violencia con nombre y apellido, nos hace cercanos a una forma de entender el teatro, sin trucos formales, sin culto a la modernidad, sin poses, al puro teatro que siente furia por el pasado, como Edipo cuando se arranca los ojos al darse cuenta que él es responsable de lo que le pasa a su pueblo; que gran enseñanza del teatro mostrarnos el mundo que no queremos y dejarnos espacio para imaginar el provenir.

“

Haber asistido al teatro estos días es asistir a otra manera de la verdad, una posible verdad que no busca manipular a nadie, sino debatir los problemas sociales (...).”

Esperamos que este festival, el festival de Cali, no deje de existir para bien del teatro colombiano e iberoamericano.

* Dramaturgo, director y actor. Malayerba (Ecuador)

Por Jaime Chabaud Magnus *

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egún palabras textuales de Hitler en su Decreto Nacht und Nebel del 7 de diciembre de 1941, los opositores debían ser detenidos durante “la noche y la niebla” (eufemismo inspirado directamente de un canto de la ópera El oro del Rin de Richard Wagner) y llevados clandestinamente a Alemania sin dar otra información que el hecho de su detención. Entre los fundamentos del Decreto se explica que: “El efecto de disuasión de estas medidas... radica en que: a) permite la desaparición de los acusados sin dejar rastro y, b) que ninguna información puede ser difundida acerca de su paradero o destino.” El texto reconstruido precisa que: “una intimidación efectiva y duradera sólo se logra por penas de muerte o por medidas que mantengan a los familiares y a la población en la incertidumbre sobre la suerte del reo” y “por la misma razón, la entrega del cuerpo para su entierro en su lugar de origen, no es aconsejable, porque el lugar del entierro podrá ser utilizado para manifestaciones... A través de la diseminación de tal terror toda disposición de resistencia entre el pueblo, será eliminada.”

Acercarse a los grandes surcos que han abierto las lágrimas constantes en las mejillas de las madres con hijos desaparecidos en México es difícil de soportar. El duelo suspendido en el que viven no tiene nombre, es un limbo que las mantiene en la zozobra permanente.

Y no hay manera de paliar ese dolor. No hay descanso. No hay olvido. No hay perdón. Y eso se extiende para cualquier pariente. ¿Quién instrumenta que el desaparecido no aparezca? ¿A quién conviene? ¿Por qué el terror se ha instalado en zonas que cuentan con inmensas riquezas naturales?

Existe una histórica declaración del general Videla, durante la dictadura argentina, transcrita por el diario Clarín el 14 de diciembre de 1979: “¿Qué es un desaparecido? En cuanto éste como tal, es una incógnita el

“ Acercarse a los grandes surcos que han abierto las lágrimas constantes en las mejillas de las madres con hijos desaparecidos en México es difícil de soportar

“

LA ESCRITURA DE NOCHE Y NIEBLA

desaparecido. Si reapareciera tendría un tratamiento X, y si la desaparición se convirtiera en certeza de su fallecimiento tendría un tratamiento Z. Pero mientras sea desaparecido no puede tener ningún tratamiento especial, es una incógnita, es un desaparecido, no tiene entidad, no está, ni muerto ni vivo, está desaparecido”.

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En Chile se llamo Plan Cóndor y otros nombres adquirió en otras partes. ¿Cómo podemos llamarle nosotros?

La experiencia colombiana con 50 años de guerra no es menos atroz. ¿Cómo han hecho para acostumbrarse al horror si es que lo han conseguido?

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Poco después de la desaparición de los 43 estudiantes de la Normal de Ayotzinapa en Iguala, Guerrero, el 26 de septiembre de 2014, la comunidad teatral mexicana comenzó a reunirse para apoyar a las familias de los jóvenes y también para emprender acciones protestando contra el gobierno mexicano. En ese contexto se acercaron varias madres con hijos desparecidos en otras latitudes y otros momentos. Entre ellas María Herrera, a quien le desaparecieron a 4 de sus hijos, sin que ceje en el esfuerzo de encontrarlos, a pesar de que han transcurrido casi 8 años. Ahí la conocí a ella y tuvimos largas horas de entrevistas junto a su hijo Juan Carlos. Otras historias, cuantiosas, nos fueron entregadas por otras madres con hijos desaparecidos. Incluso visitamos la caravana de madres centroamericanas que vienen a México a buscar a sus hijos y maridos que emprendieron camino a Estados Unidos persiguiendo el sueño americano y nunca se supo su paradero luego de internarse en territorio mexicano. Hasta hace 2 años, los desaparecidos en la guerra mexicana se presumían 36.000. Hoy no hay cuenta y la guerra sigue. Los centroamericanos desaparecidos se calculan en más de 100.000. Al cruzar territorio mexicano se les desaparece o recluta para el narco o se les asesina, simplemente.

Es una tragedia humanitaria que nadie quiere reconocer: ni nuestro gobierno ni la ONU ni los pinches gringos que son quienes la provocan.

Así nació Noche y Niebla, de dos relatos verdaderos transformados por la ficción. Decidí una forma narrati-

va (en tiempo presente) con intersecciones dramáticas para jugar al testimonio. Así, en ese ir y venir entre lo

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Noche y Niebla nació de dos relatos verdaderos transformados por la ficción. (...) Entre lo diegético y lo dramático se tejen las historias de dos mujeres a las que se les ha negado la justicia.”

diegético y lo dramático, se tejen las historias de dos mujeres a las que se les ha negado la justicia y la verdad, a las que tienen suspendidas en un duelo inacabado. Pero la realidad es que cada historia de desaparición podría producir otra obra teatral, narrativa o guión cinematográfico. La amarilla rabia nos habita y es complicado, muy complicado el perdón y el olvido.

* Dramaturgo.

Por Alberto Bolaños *

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l Festival Internacional de Teatro Cali 2016 tuvo muchos méritos, aciertos y logros, fue un festival hermoso, contó con una variedad de propuestas, géneros, formatos y espacios.

La metodología usada es digna de elogio, puesto que el Festival fue producto del conceso y acuerdos entre el sector teatral y la Alcaldía Municipal a través de su Secretaría de Cultura. Sólo de esta manera se puede consolidar un festival grande, un festival de Ciudad.

Cali ha sido y es ciudad teatral en Colombia. Quedó ampliamente demostrado que existe un público ávido de teatro y amante de las artes escénicas. Se generó gran interés. Se llenaron el ciento por ciento de los espacios programados. Quedó público por fuera en la mayoría de espectáculos, hecho que obliga a consolidar la infraestructura general del Festival.

Fue un Festival con “Sentido Humano”, permitió el encuentro, propició una tranquila fiesta ciudadana a partir del teatro como eje convocante. Generó trabajos, activó la economía, ayudó al desarrollo de la región, ayudó a la construcción de país. Se dio un tratamiento profesional a los artistas y equipos de trabajo, lo que contribuye a dignificar la profesión y el oficio.

Destacamos la alianza que tuvo el Festival con las escuelas de teatro y con estudiantes universitarios. El Festival puede ampliar el componente académico-pedagógico.

El Festival Internacional de Teatro Cali en su primera versión fue un proceso-evento de gran impacto. Justamente por ello, el público debe entender que el ingreso a las funciones no es gratuito, las boletas son subsidiadas por la Secretaría de Cultura y Turismo de Cali y que, como

“Fue un Festival con “Sentido Humano”, propició una tranquila fiesta ciudadana a partir del teatro.

“

FESTIVAL INTERNACIONAL DE TEATRO CALI 2016

público, es nuestro aporte seguir acompañando a los grupos, las salas teatrales, los proyectos escénicos, porque debemos recordar que programación teatral hay todo el año, una variada oferta teatral en diversas salas y lugares de la ciudad.

Como ciudadano colombiano y profesional del teatro agradezco la existencia del Festival Internacional de Teatro Cali, a la ciudad y al sector teatral. Nos alegra profundamente saber que tendrá continuidad, para que pronto se consolide en el calendario y mapa teatral de festivales latinoamericanos. * Director. Fundación Aleph Teatro-Pasto.

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Encuentro de saberes

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a programación pedagógica del FITCali2016 abrió con la mesa temática de Teatro y postconflicto. A continuación se referencia algunas de las intervenciones más relevantes según Lida Fernanda Cardona, moderadora de la mesa en la que participaron: Victoria Valencia, Misael Torres, Fabián Ramírez y Myriam Cecilia Mora Ortiz.

Sobre la dramaturgia, extrae, conserva y deletrea esta frase. Sobre el escenario, invocando la música, la sonoridad, nos trae los sitios donde imaginamos el adiós. El teatro es, pues, espacio para la memoria de un pueblo.

La paz, entonces, es “franja de arenas movedizas, que debemos surcar hasta alcanzar el gesto que nos acerque hasta la otra orilla. Se alimenta de heridas abiertas, de rencores, de traiciones, usurpaciones, escupitajos, y venganzas. Orión, Belén de los Andaquies, Trujillo, Remedios, Segovia, Fragmentos, Gaitán, 9 de abril, memoria,

“La memoria quiere ser

Victoria Valencia

parte de este país, y por

“Y con este perdón, ¿qué hago?”

tanto debe ser narrada.

“Una frase. Una víctima. Una mujer”. Para Victoria Valencia, la memoria quiere ser parte del país, y por tanto debe ser narrada. El teatro rinde homenaje a los despreciados, a los expulsados y a los estigmatizados.

El dolor, o la reflexión del dolor, “instala rutas en los oficiantes del arte”. Este precepto funda su obra La memoria de las ollas o Caligrafías de la orfandad. “Y con este perdón, ¿qué hago?”. Una frase que viaja sin descanso por el paisaje de una dramaturgia que la quiere fundar, presintiéndola, en el espacio tiempo de una obra donde se le restituyan los derechos y la dignidad.

Dónde la última imagen, el último susurro, las últimas miradas de los que iban a ser masacrados, perduran en el silencio de las ollas, en los fondos y asientos del agua de panela que se queda simbolizando la memoria, el horror, la verdad.

“

TEATRO Y POSTCONFLICTO

cuerpos que habitan los puntos de intersección, de la memoria de las ollas, amores, amigos contra el pavimento, desmesura, espacios, lugares inscriptos en el paisaje interior de la que narra, de la que construye, de la que dirige, para, a través de los relatos de los otros se concrete esa poética del desgarramiento, de la agonía.

De la memoria”.

Misael Torres El maestro Misael Torres pidió estar en la mesa de Teatro y postconflicto. Quiere que los jóvenes de hoy se pongan las pilas y visualicen el país desde su propia mi-

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rada, sin dejarse engañar por los cantos de sirena. Para Misael, en los acuerdos de paz deben estar los derechos de los artistas.

El postconflicto arroja materiales interesantes para la creación artística. Hoy, las realidades que arrojan son los muertos que hablan. Volvemos entonces a las estructuras de Rulfo de García Márquez: los muertos hablan con los vivos y los vivos hablan con los muertos para mentenerlos vivos. Este diálogo entre vivos y muertos es el diálogo del postconflicto.

Para el maestro Misael Torres, el posconflicto tiene dos vertientes:

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1) La construcción de una dramaturgia creativa con materiales sensibles y artísticos. De acuerdo a la experiencia teatral motivado por lo temático, desde diversas opciones, desde lo femenino, la familia que ofrece el horror. En sus palabras “postconflicto no es la cesación del conflicto, sino la implementación del status quo. El postconflicto es una necesidad de arreglar el negocio, es la reinversión de nuevos capitales, como los de la industria minera”. Así, lo que a él interesa, es la perspectiva ciudadana: la democracia, los derechos humanos, la libertad y la igualdad desde pequeños núcleos que luchan por otras temáticas. Esta vertiente es la que dota los materiales interesantes para crear obras artísticas. Esto es lo que les corresponde a la gente de teatro, 2) Existe la “necesidad de reformar el Ministerio de Cultura, ya que como funciona es ineficiente, ineficaz”. Hay nuevos retos que el status quo ha creado como postconflicto, amarrándose al ejemplo de la vieja polítíca. En este momento es importante para el teatro la revisión de la cultura

de MINCULTURA, Ministerio de las artes y las culturas.

Los artistas no existimos en el imaginario de las políticas de este país. No existe entonces, para esta política, el trabajo que no es mediático, sino que remueve las entrañas del poder, que devela lo que el estado hace. Este arte a diario vive la exclusión. Este es una país donde hay doscientos grupos de teatro y solo viajan tres. MINCULTURA debe saber que aquí los artistas son muchos, construyendo el imaginario del país. Sin embargo, están excluidos del sistema. Aquí, “las prostitutas tienen más inclusión que los artistas.”

“

Los muertos hablan con los vivos y los vivos hablan con los muertos para mantenerlos vivos.”

Fabián Ramírez La utilidad del teatro está en construir un país diferente.

La participación del teatro en la historia del país ya ha empezado desde la construcción de una nueva dramaturgia nacional. Si el teatro ha estado en la vida política del país en cada época, también podrá ser capaz de estar en una época de postconflicto.

En Fabián Ramírez encontramos la idea de un teatro como herramienta de particiación ciudadana y desarrollo social que da la posibilidad de organizarse, de ser parte, de movilizarse. El teatro, entonces, puede

“Colombia es un país en un proceso de dominación horrible. No es un proceso natural, está muy bien planificado”.

La cultura, entonces, es una herramienta fundamental, dentro de este proceso, podemos ir construyendo posibilidades que crezcan, desbaratando, eliminando un lenguaje, un espacio de arte sin que implique la violencia.

Myriam Cecilia Mora Ortiz Si “el teatro siempre ha participado en el conflicto, que participe ahora del postconflicto”. Esta es la premisa desde la que parte Myriam Cecilia Mora Ortiz su exposición. Desde su mirada, hay una correlación directa entre la vida y el teatro, hay una experiencia común en lo artístico y lo social. “Lo beneficioso del teatro toma elementos de la realidad, procesa en el ser social, el teatro debe enseñar y divertir. La enseñanza en su proceso dialéctico propone partir de esta visión de teatro y arte, parte fundamental del proceso social”.

El teatro tiene la capacidad de cambiar o resignificar imaginarios sobre la relación de cada uno y lo que le rodea, sirviendo de modelo de reintegración comunitario que se aplica en su quehacer. Aquí encuentra el teatro su papel relevante en un proceso de postconflicto. El teatro que sale a trabajar con las comunidades servirá de ruta para la desmovilización.

Myriam Cecilia encuentra tres fórmulas desde las que el teatro puede apoyar un proceso de postconflicto: 1) desde la propia producción artística; 2) la formación del teatro para la comunidad. La trayectoria y experiencia de muchos grupos que trabajan dando elementos básicos para la comunidad será pertinente, aunque en muchos casos no tengan porqué ser actores; 3) la propia formación en el teatro y las artes.

“Colombia vive un proceso de dominación horrible.

No uno natural. está muy bien planificado.

“

apoyar procesos de construcción de la paz, ubicando los sentidos. ¿Para qué sirve la ubicación del pensamiento? ¿Cómo se usa? ¿De qué se compone? El conocimiento es válido cuando lo usamos como herramienta para vivir, no solo intelectualmente, sino como experiencia acumulada del saber qué está pasando.

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NUEVAS TENDENCIAS DE LA DRAMATURGIA Por Genny Cuervo *

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sta mesa contó con la presencia de los dramaturgos Arístides Vargas, Jaime Chabaud, Orlando Cajarmaca y Juan Carlos Moyano, bajo la moderación de Genny Cuervo.

El encargado de exponer las primeras reflexiones fue el maestro Orlando Cajamarca, haciendo un necesario resumen histórico del surgimiento de las tendencias artísticas que caracterizaron el siglo XX. Cajamarca resalta la importancia de entender las “tendencias” como manifestaciones que responden a cambios socio-politicos de diversos entornos, identificando como problemática de la crítica teatral actual, asumir estas perspectivas artísticas como cánones a los que los creadores deben ceñirse, por el afán de encajar en un sistema de valores instalados como moda. Para Cajamarca y su grupo Esquina Latina, el guía de sus procesos creativos es el “espectador”, confrontando lo que Orlando distingue como una “tendencia” de la creación teatral contemporánea, caracterizada por crear obras que sólo buscan atraer a un espectador especializado y que genera circuitos de crítica que excluyen al público que no dialoga con estas inquietudes.

Llevando la reflexión a otro terreno, el dramaturgo y director Juan Carlos Moyano se reconoce como un creador influenciado por otros, que a veces reciben el impulso de sus antecesores, “somos la síntesis personal o grupal de una larga historia donde no solo nosotros hemos participado”, dice. Moyano entiende su relación con las tendencias como un diálogo del que se toman impulsos creativos, que no significan en ningún caso

“

Somos la síntesis personal o grupal de una larga historia donde no solo nosotros hemos participado.”

la copia de formas establecidas, y prefiere anteponer al concepto de “tendencias” el de “caminos”: “los caminos, como los rios, se acrecentan cuando se unen” y en esta unión de inquietudes, en esta influencia constante que el artísta recibe de otros creadores, identifica una de las fuentes más importantes para su creación.

Después de esta mirada, el maestro Arístides Vargas resalta la importancia de una creación personal, que persiga la escritura de la obra que sólo cada uno de nosotros podría escribir. En este sentido, el dramaturgo no trabaja para ceñirse a una “tendencia” o asumir una postura sobre los canones establecidos, y se concibe

Finalmente, el dramaturgo mexicano Jaime Chabud, resalta la importancia de asumir las “tendencias” como designaciones teóricas que surgen en un esfuerzo por conceptualizar y organizar la historia del teatro, y no como un recetario que guía las creaciones o direcciona la percepción del espectador. Chabaud identifica como principal problema en la percepción de las “tendencias”, la pretención de instalar una hegemonía creativa. “Se asumen las tendencias como religiones para destruir la creación del otro”, y ante esto propone un proceso creativo impulsado por las preguntas que atraviesan al artista. Así, identifica en su dramaturgia las preguntas socio-políticas y sobre la estructura del texto teatral, como los impulsos más importantes para la creación de sus últimas obras.

Durante la ronda de preguntas se hace evidente que el tema genera múltiples miradas y pone sobre la mesa inquietudes que no terminan de resolverse. La relación de las tendencias con los sistemas de producción actual, la formación de actores frente a las exigencias del teatro contemporáneo y las perspectivas del espectador, son algunas de las líneas de reflexión que este encuentro despertó y que nos invitan a gestar más espacios como este, donde podamos encontrarnos y enriquecer nuestras mirada respecto a la dramaturgia actual.

Gracias al FITCali2016 por reunir a creadores que investigan y reflexionan sobre las prácticas dramatúrgicas.

Gracias maestros por inquietarnos con sus inquietudes.

“Arístides invita a los artistas y estudiantes a continuar la obra que nadie más podrá crear.

*Dramaturga, directora y actriz. Laboractores.

“

como una búsqueda de las estructuras dramáticas que habitan nuestra memoria, “la dramaturgia es un viaje a uno mismo”, por ello, la importancia dada en su teatro a la memoria, como una fuente de exploración donde el creador indaga aquello que quiere contar y la forma en que debe hacerlo. Arístides invita a los astístas y estudiantes que se encuentran en el auditorio a continuar creando la obra que nadie más podrá crear, lejos de las preocupaciones de modas y exigencias críticas externas.

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DIRECCIÓN Y PUESTA EN ESCENA Por Diego Fernando Montoya *

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sta mesa contó con la presencia de los directores Cristobal Peláez, Alejandro González Puche, Luciana Acuña y Alejo Moguillansy,, bajo la moderación de Diego Fernando Montoya.

El oficio del director Oficio, esa podría ser una de las conclusiones fundamentales de esta charla. Oficio creativo, es decir: no hay fórmulas, ni recetas, ni manuales, ni métodos unívocos, ni dogmas. Labor de artista, que se fundamenta en saberes técnicos, una amplia cultura y un importante bagaje teórico, pero que se cuece en la realidad misma del ser director teatral, en la experiencia, en la confrontación con la materia escénica. El director como lector, pero no solo de textos dramáticos, ya no se acepta la presunción de que existe algo previo, de que si existe está en lo literario, que el director y el actor son lacayos del autor, no, lector de ritmos, de tiempos, del espacio, de relaciones; el director como creador de lenguaje. La idea de puesta en escena propone esa sensación de lo anterior, del “acomodador” de elementos, de decoración. Como si no fuese más que poner esto aquí y allá y relacionar, como si se tratara de algo pautado. A lo mejor también hay de eso un poco, hay directores y obras para armar; fran-

quicias, paquetes “creativos”, insuflados de prestigio, de certezas comerciales, inequívocas formas que aseguran el resultado, modelos para armar en los que solo hay que seguir el manual. Pero la dirección, la del artista, va más allá, se trata de crear lenguaje.

“

No hay fórmulas, ni recetas, ni manuales, ni métodos unívocos, ni dogmas. Labor del artista, que se fundamenta en saberes técnicos.”

Y en esa construcción de lenguaje hay una diversidad insondable, tanto en los métodos como en los resultados.

Singularidad sería la otra conclusión. Los caminos de la dirección están tan determinados por las condiciones en las que se produce que es imposible, incluso para un elenco permanente, prever los resultados, estandarizar las formas; hay algo de azar, de intuición, de magia, algo que va más allá de la pretensión totalizante, de la idea del saber absoluto: ¿cuántas veces nos miramos a nosotros mismos, en medio de la orfandad absoluta, para responder al actor que tampoco sabemos? Oficio colectivo, en relación permanente con el cuerpo del actor, ese que suele resolver con un gesto lo que mil palabras

no valen. Porque es el cuerpo del actor el que rebasa o pone los límites, el que le da autoridad a lo pensado, a lo analizado, a lo imaginado; el que, incluso a veces sin conciencia absoluta de lo hecho, propone campos expresivos que autorizan la dirección, le dan validez. El director suele saber en la reflexión lo que el actor solo sabe en la acción.

Reflexión, sería la última conclusión. La necesidad de espacios de reflexión o, más que eso, de encuentro, de escucha, de reconocimiento, entre quienes ejercemos el oficio de la dirección. Espacios para encontrarnos con los otros, con los jóvenes que apenas inician el camino y con aquellos que tienen ya una trayectoria. Voluntad de hablar, para en el dialogo afirmarnos en lo que hacemos o recular, implementar estrategias, consolidar políticas, generar textos, compartir experiencias.

* Director y dramaturgo. Teatro del Presagio.

“Es el cuerpo del actor el que rebasa o pone límites, el que le da autoridad a lo pensado, a lo analizado, a lo imaginado.

“

En nuestro contexto el director suele trabajar sin especialistas, es escenógrafo, utilero, diseñador, iluminador… Es la realidad de los sistemas de producción un elemento determinante de cómo se construyen las relaciones entre el director y la obra, de cómo se imbrican. Nuestra tradición de teatro de grupo está siendo asaltada permanentemente por otras formas de producción que aún no terminan de definirse, la compañía, la convocatoria, el teatro empresarial, la chisga, impulsadas por los cambios políticos, económicos y sociales.

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PRODUCCIÓN Y GESTIÓN TEATRAL Por Wendy Betancourt *

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sta mesa contó con la presencia de los productores Luz Nohemy Ocampo Alomía, Jorge Zabaraín, Yacqueline Salazar Herrera y Wilson León García Delgado, bajo la moderación de Wendy Betancourt.

Conceptos y Contexto Actualmente existen conceptos claves que surgen alrededor de la producción teatral; algunos de ellos son tomados del mercadeo tradicional y, en ciertos casos, la adopción de estos términos (como marketing o industria cultural), afectan a los procesos artísticos en cuanto tienden a automatizarlos o pierden sus especificidades. Sin embargo, se resalta la necesidad de poner en diálogo estos conceptos a beneficio de la producción teatral; en lugar de rechazarlos, la tarea es traerlos en contexto y articularlos en la medida que requerimos pensar la sostenibilidad de nuestros proyectos. En este sentido, la producción teatral se enmarca en un sector de empresa social y cultural, en la que los proyectos contribuyen a la dinámica de la Economía Naranja.

Recursos y Financiamiento Las diferentes experiencias de los invitados nos señalaban estrategias que contribuían a la consecución de recursos tales como: 1) Prestación de servicios culturales, 2) presupuestos oficiales culturales con la cogestión de Programas de interés público, y 3) agencias de cooperación internacional con proyectos de expresión cultural

“

Es necesaria la investigación del mercado de las empresas privadas por parte de los proyectos artísticos.”

para el desarrollo social. Por otro lado, es necesario la investigación del mercado de las empresas privadas por parte de los proyectos artísticos; de esta forma se garantiza que se generen propuestas alineadas a los objetivos sociales y culturales tanto de los patrocinadores como del proyecto cultural.

Se resalta el trabajo en red entre proyectos, que les permiten crear sinergias, actividades conjuntas y proyectos colaborativos.

Es indispensable contar en la producción teatral, con una figura clara entre el creador y el público. Es decir, un productor que diseñe estrategias de sostenibilidad del proyecto y se convierta en un medidador entre las tensiones de los creadores, el público y los patrocinadores.

Para todos los ponentes de la mesa, es evidente que se requiere un equipo de trabajo múltiple que genere unidad, en la que cada profesional tiene un rol definido en la producción del proyecto.

Entre las características ideales del productor, se destaca la necesidad de contar con un artista-gestor, es decir, un productor con experiencia artística que entienda los procesos y sus disciplinas, y la forma de comunicarse entre los equipos de trabajo; un productor creador de espectáculos y generador de políticas. Un productor-motor que negocie los aspectos intangibles y tangibles de la creación y la producción.

Más que un productor, este gestor es un programador que genera puentes entre el resultado artístico, las condiciones con las que debe contar el proyecto y los públicos adecuados.

Objetivos y valores del Proyecto: los orígenes Los proyectos y la producción teatral se trabajan desde la vocación; la definición del oficio nos permite justificar nuestro hacer y ser. El equipo de trabajo son uniones de voluntades y pasiones.

Es necesario en la producción teatral, pensar de manera simultánea entre lo creativo y lo productivo, buscando un

punto de equilibrio que permita dialogar los resultados artísticos, la programación y la gestión.

Los objetivos de los proyectos culturales se lanzan a largo plazo y entre sus propósitos se contempla la relación con otras iniciativas, con otros sectores económicos, diálogos con otros proyectos y movilización de artistas y gestores.

Los proyectos culturales deben trabajar, más que en la defensa de la creación artística, en la dignificación del oficio. Este objetivo le permite al grupo artístico y de

“Se debe contar con un productor con experiencia artística que entienda los procesos y la disciplinas.

“

Equipo de trabajo

producción, garantizar su sostenibilidad y crear una comunidad teatral en la que puedan formarse, explorar una estética propia y afianzar procesos. Es fundamental concebir en el proceso de producción una etapa de incubación que incluya los procesos de formación de equipo artístico y los elementos de pre-producción.

En la producción teatral no se tienen fórmulas o píldoras; cada proyecto encuentra sus estrategias para materializar y conceptualizar los eventos y festivales.

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Formación / Escuela de público El público se construye en el transcurso del tiempo; las estrategias de formación se conciben a largo plazo.

En este sentido, la formación de público teatral no es responsabilidad de una sala o de un festival particular, deben generarse estrategias entre el gremio teatral, concibiendo complicidades conjuntas.

La estrategia es formar hábitos en la que el público sienta que el teatro es una opción para mejorar la calidad de vida, mejorar sus procesos de comunicación, convivencia y relación con los otros. Por esta razón, los festivales de teatro deben plantearse al público como una opción de cambio de hábito.

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Se debe contemplar el seguimiento de los públicos después de un evento cultural, que permita mantener una relación a futuro con los espectadores y convocarlos nuevamente a las salas.

Como punto final, se expone en la mesa, cómo el tema de gratuidad puede convertirse en un arma de doble filo para la estrategia de formación de públicos.

“

El tema de la gratuidad puede convertirse en un arma de doble filo para la estrategia de formación de públicos.”

Podemos concluir, que el término de producción toma un significado más amplio en el concepto de gestión cultural, en la medida que los proyectos artísticos no sólo pretenden ser materializados o hacen parte de un sueño individual, sino que también buscan dar respuestas a una sociedad y a un sector, dialogan con un contexto dinámico, generan puentes entre las diferentes iniciativas y crean estrategias que le permiten a los públicos ser confrontados e invitados como espectadores co-creativos en los procesos de fortalecimiento de la escena teatral caleña. * Gestora cultural y actriz. Cualquiera Producciones.

Por Willmarck Arango *

C

on esta conferencia se dio incio a la serie de conferencias de FITCali2016. Esta conferencia fue múltiple y participaron Luis Daniel Castro, José Alonso Mejía, Enrique Berbeo García y Francisco Antonio Henao Velasco.

recoger dinero y poder vivir de lo que se hacía “y no del aire”.

Esto no fue sencillo. Al Tercer Acto se le tildó de maricones (tres de los cuatro integrantes son gays), se les estigmatizó.

La fortaleza del teatro colombiano es que no puede estar desligado del entorno. Tiene que estar inmerso en su realidad circundante. Al entender esto, se pudo mantener el proyecto del Tercer Acto: el acceso a la sala se produce a través del trueque, el aporte voluntario, un producto de la canasta familiar, un libro, tapas o un recurso económico.

Con esto es que se sostiene el proyecto, con lo que

“El teatro callejero y el comunitario son

Luis Daniel Castro

diferentes al convencional

El teatro callejero y el teatro comunitario son diferentes al convencional por el solo hecho de estar expuestos al medio ambiente. Este pensamiento lo establece Castro a partir de su experiencia como director de la Corporación Cultural Tercer Acto. Los problemas, la delincuencia y la violencia son parte de los ensayos: una pelea, un atraco a un taxi, una mamá arriando los niños para la escuela, o el marido echando a la señora de la casa.

El entorno del teatro de espacios abiertos influye esa relación directa con el país, nos hace vincularnos con el compromiso sociopolítico en medio de la desaparición forzada, el desplazamiento y la pérdida del territorio.

por el solo hecho

Una de las dificultades de este trabajo es la consecución de recursos. Una vez constituidos legalmente, la Corporación Cultural Tercer Acto comenzó a escribir proyectos para

de estar expuestos al medio ambiente.

“

ENCUENTRO DE TEATRO DE CALLE: CULTURA POPULAR

preparamos el almuerzo para ocho aunque lleguen quince o llegue la vecina “es que no tenemos que echarle a la olla”.

José Alonso Mejía “El arte es una aparición súbita de exquisitez, en medio de un manzano de ordinariedad”. Estamos condenados

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en un entorno donde tenemos que gritar para que lo saquen a uno del atolladero, una tabla de salvación, algo que lo ate a uno a la vida, que lo mantenga a uno estable, algo que nos salve y el arte es esa opción para tener el derecho a soñar y sentirnos pleno.

Tropa Teatro también nace en la comunidad. José Alonso Mejía asegura que a los ocho años, en una calle sin pavimentar, lo primero que vio parecía una obra de teatro. No sabía que era cuando vio esa manifestación que le contaminó. Pasó por el colegio sin estudiar, porque no tenía tiempo haciendo teatro desde muy sardino, fermentando la idea de que uno puede hacer algo distinto, pugnar la cotidianidad, con algo que es lo mismo, pero que se hace nuevo con el simbolismo que alberga.

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¿Cómo una persona puede estar afectada de arte? El lenguaje de la calle terminó afectándole las rodillas y la espalda. El teatro callejero es distinto, muchas funciones, demasiado espectáculo, zancos, circo. Estuvo con Malayerba dos años en Quito, así pudo constituir un sentido poético, para crear un lenguaje a partir de la acumulación sensible del artista, un inventario de palabras, imágenes y sonidos, una bodega que constituye hoy su lenguaje. En Cuba estudia la adaptación sonora de la estructura dramática, lo que convierte al sonido en un pilar de su narrativa. Se fue con Fernando Montes de Varasanta, con Beatriz Camargo de Teatro Itinerante del Sol, con Teatro Yuyachkani del Perú, con Teatro de los Andes de Bolivia y con una compañía alemana “que es como el Circo del Sol, pero del teatro”. “Es cuestión de mirarse por dentro y correlacionar conceptos e ideas.

Todo va a un lugar sin fondo, pero cuando se necesita, aparece el chupóctero. Todo el mundo tiene un lenguaje, pero el artista reelabora distinto”.

A su vuelta a Pereira, crea Tropa Teatro, al que invierte “esa amalgama de saberes como un abrevadero de donde saco todos los elementos simbólicos posibles para la creación”. En Pereira era necesario crear para cualquier espacio, para ellos lo importante es la creación, “lo demás es bisutería que se tiene que resolver: el dinero, los teatros, cómo nos comunicamos, como pagamos el estudio. Es algo pragmático”.

“

¿Cómo puede afectar el arte a una persona?

El lenguaje de la calle terminó afectándole las rodillas y la espalda.”

Enrique Berbeo García No es guajiro, mucho menos wayúu, es un bogotano que aburrido de la capital, buscó para adonde ir. Compró un pasaje para Araracuara, que todavía no conoce, y en ese viaje vio la oportunidad de trabajar como director de teatro en la Universidad de la Guajira, hace veintitrés años.

En 1992, se creó el grupo con una beca investigación de Colcultura, sobre el juego ancestral del juego de las cabritas, un juego teatral en la época de la recolección de la cosecha. El trabajo va dirigido a la reanimación de la identidad, en esencia como cachaco. Quería saber qué era

En su trabajo no existe el conflicto, son trabajos que tienen que ver más con la vida, las relaciones, lo ritual, con la simbología estética de lo ancestral, no es teatro folclórico. Los dibujos de las mochilas no son adornos, son lenguajes muy elaborados y profundos, que tienen que ver con la naturaleza, con el universo y que no sabemos interpretar; tratamos de reflejar la hermandad entre la naturaleza y lo humano; también resaltando personajes de la identidad guajira. “Tenemos que conocer la historia real de nuestra realidad”.

Francisco Antonio Henao Velasco El teatro que hacen en sus colectivos busca descubrir el teatro de América Latina, respetar y querer a los clásicos, pero comunicándose con elementos fundamentales del lenguaje de las culturas latinoamericanas. Después de pasar dos años por el IPC, llega al Grutela de Danilo Tenorio. Éste se retira en 1979 y muy joven le toca encargarse del grupo. Coqueteaba con las teorías de Jerzey Grotowsky, Antonin Artaud y la línea prohibida del teatro. Montan los primeros trabajos para el Festival de la Corporación Colombina de Teatro. Trabajaron a nivel popular en el barrio La Base, de la Comuna 8 de Cali, donde el MAS -Muerte A Secuestradores- les asesina un actor: Harold Almonasid. Ese miedo les hace esconderse en Bogotá. Con el tiempo, “ya mamados”, vuelven a Cali,

a trabajar en la calle la ritualidad y la teatralidad de tribus no solo del Amazonas, sino de Centro y Suramérica.

En este proceso fortalecen el deseo de trabajar el teatro sagrado o tercer teatro, con influencias del Odín acuden a conocer la antropología de la cultura popular donde reposa el trabajo de investigación y de recuperación con los paeces y los misak. Para ellos, investigar no solo es ir a mirar y traer esas vivencias como cuentos. Investigar ha sido un compromiso sagrado que les ha llevado al chamanismo, a eventos que desde el interior les permite

“Investigar no solo es ir a mirar y traer esas vivencias como cuentos, es un compromiso sagrado.

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lo wayúu y crearon la propuesta a partir de los mitos y las leyendas, llegando a ser el grupo de teatro pionero de la Guajira e icónico de lo wayúu. Jayeechi traduce canto, donde están recopiladas las historias, cómo enamorarse, cómo cuidar los niños, cómo se cosecha. Trabajan la creación colectiva en vínculo con la comunidad, para lo que han desarrollado una metodología, a partir de mitos, leyendas, vivencias, donde lo social es muy fuerte.

conocer lo indígena, fortalecer el conocimiento de teorías toltecas y aztecas, establecer relación con ancianos, mayores y gobernadores, donde pueden hacer unos montajes con las comunidades indígenas. En esta búsqueda, vuelven a ser amenazados. En esta ocasión por los paramilitares. Varios actores deciden retirarse definitivamente.

Otros se quedaron con esas comunidades en medio del mambeo, del yagé, del tabaco y de la espiritualidad. * Representante de Teatro de Calle en Comité Conceptual.

Director en Fundación Teatro El Sol.

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HOMENAJE AL MAESTRO BUENAVENTURA Por Doris Sarria *

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l ciclo de conferencias Homenaje al maestro Buenaventura tuvo como ponentes a Mario Cardona, Guillermo Piedrahita, Doglas Salomón y Ruth Rivas Franco, moderado por Doris Sarria.

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Iniciamos este encuentro con la voz y la imagen del maestro con el poema Estoy vivo. Su extraordinario juego de palabras nos remontó a ese pasado en los años 60s y 70s preñados de aprendizajes que día a día hemos descifrado como la clave de su legado.

Como en un taller central, espacio de teoría y práctica de la dramaturgia de la creación colectiva creado por Buenaventura y el colectivo del TEC, se fueron dando las ponencias, articulando los conceptos desde la pedagogía en lo didáctico y en lo curricular, la puesta en escena desde la improvisación teatral. El ya famoso ejercicio de la silla fue el detonante que como en los años de los inicios de la Licenciatura en Arte Dramático de la Universidad del Valle permitió establecer a partir de cada una de nuestras particularidades el tipo de investigación que se ha venido realizando.

Este foro fue acompañado por la maestra Jacqueline Vidal y los integrantes del TEC que hoy continúan el legado polémico y creativo que al teatro le dio el maestro Enrique Buenaventura.

Nos queda su palabra hecha poesía, fortaleciéndonos con su ejemplo de vida y obra en el compromiso de ser docentes, actores, dramaturgos e investigadores que a

“

Su extraordinario juego de palabras nos remontó a ese pasado (...) que día a día hemos descifrado como la clave de su legado.”

partir de un grupo de teatro y en los espacios académicos continuamos creando en una relación permanente con la realidad de nuestro universo latinoamericano.

A los prende y matacandelas, un gran abrazo.

* Docente de Instituto Departamental de Bellas Artes y actriz.

Cuando se abre una sala se abre un recinto de la poesía se abre una puerta hacia un camino y hacia muchos laberintos.

Cuando se abre una sala se ha llegado a una encrucijada lugar de los descansos después de las batallas lugar de certezas transitorias y de terribles dudas peregrinas.

Se emprende de nuevo la interminable caminata pero va en un solo sitio va alrededor de un mundo propio.

Hay donde encerrarse para estar más libre no en un templo ni hogar ni una prisión.

Es un espacio donde se habla con los demonios y los dioses donde nacen y viven nuestros personajes.

Enrique Buenaventura Fotografía cedida por el TEC Estoy vivo, Enrique Buenaventura.

CENSURA Y AFIRMACIÓN EN EL TEATRO CALEÑO ENTRE 1967 Y 1988 Por Gabriel Uribe *

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a censura en Colombia a través de su historia se ha desarrollado como una actividad encubierta y no impulsada directamente por los organismos del Estado. No se conocen disposiciones constitucionales que abiertamente acepten y garanticen la censura como un mecanismo de control social. Sin embargo, todos los gobiernos, sin excepción, han practicado alguna forma de censura en desarrollo de los programas de gobierno en la supuesta defensa de los valores morales o democraticos de la nación.

La representación institucional de otras fuerzas sociales como la iglesia han tenido un papel protagónico en la práctica de la censura. Los curas de la iglesia católica durante mucho tiempo determinaron el tipo de libros y de películas a los que los feligreses se podían acercar. El caso del cura Pedro Ladrón de Guevara, que elaboró un “Índice” de 2.057 obras literarias a las que clasificó entre aconsejables unas y condenables otras, resulta ejemplarizante. Como era de esperarse, entre los espiritus más abiertos de la época, la lista del cura Ladrón de Guevara, se convirtió en una lista de “recomendados” con la convicción de que si el cura decía que eran malos, en realidad eran muy buenos.

Para hablar de las persecusiones que sufrió el teatro colombiano despúes de los años 50s hay que precisar qué tipo de país se configuró después del asesinato del líder Jorge Eliecer Gaitán. Después de su asesinato en 1948, la violencia política se recrudeció pues las fuerzas conservadoras desarrollaron un trabajo de exterminio de la militancia liberal

“

La censura en Colombia se ha desarrollado como una actividad encubierta. (...) Sin embargo, todos los gobiernos, sin excepción, la han practicado.”

en pueblos y zonas campesinas de Colombia. La conformación del Frente Nacional fue una salida política de la élite para apaciguar los motivos de la violencia liberal-conservadora. La alternancia por 16 años de gobernantes de ambos partidos sería la expresión de la concordia nacional y de la paz. Sin embargo, este fue un acuerdo que quitaba la posibilidad de aspiración al poder de una fuerza política distinta a los dos partidos tradicionales.

En el desarrollo del movimiento cultural del país y de la región se habían creado instituciones de gran renombre regional como es el caso del Conservatorio de Música, fundado en 1932 por el maestro Antonio María Valen-

Estas instituciones empezaron a crear lo que Bourdieu llama el campo intelectual entendido “como el espacio socialmente autónomo de producción de bienes simbólicos”. La construcción de este campo es una labor larga y compleja toda vez que obedece a los procesos de elaboración y expresión de realizaciones culturales entendidas como productos de arte y de pensamiento, es decir de dinámicas intelectuales. En Cali, es cuando nace La Tertulia que se empieza a crear verdaderamente un “campo autónomo intelectual” de la manera como lo concibe Bourdieu. Las preocupaciones artisticas e intelectuales que aparecen allí, se combinan con una posición crítica al gobierno del general Gustavo Rojas Pinilla, quien se había tomado el poder en Colombia en el año 1953 mediante un golpe de Estado contra el presidente conservador Laureano Gómez.

La ciudad de Cali se convierte en el epicentro de la actividad artística nacional gracias a la acción de La Tertulia y del Instituto Departamental de Bellas Artes, dentro del cual se encuentra la Escuela Departamental de Teatro, dirigida por Enrique Buenaventura. Si bien es cierto que todo este fenómeno de producción y difusión artística en Cali se puede entender como la consolidación de un “campo intelectual”, en tanto que se posibilita una convergencia de autores y obras que producen bienes simbólicos, sin embargo, no podemos hablar todavía de un “campo intelectual autónomo” pues este, según Bourdieu, se constituye en “oposición al campo de poder”, representado por las fuerzas económicas, políticas y religiosas de una sociedad.

El primer acto de represión oficial en el teatro colombiano lo encontramos en la expulsión del país del director japonés Seki Sano, quien fuera conocedor, como ningún otro, del Teatro de Arte de Moscú y las teorías sobre la vivencias de Stanislawski. Diez años después, Santiago García monta en la Universidad Nacional la obra Galileo Galilei de Brecht, en un esfuerzo creativo descomunal de escenografía, actuación y producción en el que intervinieron, según fuentes documentales, más de doscientas personas. El estreno estuvo a punto de cancelarse pues los programas de mano fueron decomisados por las autoridades

“Cali se convierte en el epicentro artístico nacional gracias a la acción de La Tertulia y de Bellas Artes.

“

cia, que iría paulatinamente creando las escuelas e Instituto Municipal de Cultura, llamado tiempo después Instituto Popular de Cultura, fundado en 1943 con el propósito de formar artísticamente a las clases populares bajo la dirección de Octavio Marulanda.

dado que en ellos se incluía un aparte sobre el papel de la ciencia en la guerra y se aludía concretamente al bombardeo realizado en la poblaciones de Nagasaki e Hiroshima por parte de los Estados Unidos. Este asunto determinó que las malas relaciones entre García y las directivas de la Universidad Nacional se deterioraran al punto de que la mayoría de actores y directores salieron de la institución y se dedicaron a construir una alternativa de teatro independiente como lo fue el Teatro el Búho.

De la relación entre García y Buenaventura, surge el proyecto del montaje de Macbeth, por Enrique Buenaven-

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tura en la Casa de la Cultura de Bogotá, y del montaje de La trampa, por Santiago García, con los actores de la Escuela Departamental de Teatro de Cali. El estreno de La trampa estuvo antecedido de un escándalo mediático de dimensiones enormes. Todo se originó con la filtración de alguna información según la cual la obra constituía un ataque despiadado contra las fuerzas militares de Colombia. El presidente del Consejo Académico de Bellas Artes también Secretario de Educación Departamental, solicitó inicialmente a Enrique Buenaventura que no programara la obra. Ante la negativa de Buenaventura, el funcionario ordenó la suspensión de la temporada argumentando “razones políticas e ideológicas” que una institución oficial no puede compartir.

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Paradojicamente, el rifirafe producido entre periodistas, funcionarios, intelectuales y artistas a nivel local y nacional contribuyó a que el estreno de La trampa en el Teatro Municipal, el 25 de abril de ese año, fuera un éxito de público y una constatación de las virtudes artísticas de la obra así como su efecto crítico frente a la temática tratada. Simultaneamente, las directivas del Festival Nacional de Arte de ese año, negaron la posibilidad de que la obra El Matrimonio, de Gombrowicz, presentada por la Casa de la Cultura de Bogotá, bajo la dirección de Santiago García, hiciera parte de la programación del festival. Asi pues, en un mismo año y por las mismas autoridades, se producía una expresión de máxima intolerancia con el arte y sus artistas más representativos: Santiago García había sido el invitado especial de teatro de todos los Festivales anteriores, había participado de ellos como conferencista o como director y actor de obras.

Por su lado, el Teatro Escuela de Cali, estrenaba en el mismo espacio de los Festivales sus producciones recientes. De un día para otro pasaron de ser consentidos de la institucionalidad al repudio y al desconocimiento. El TEC, perdió los auxilios como grupo profesional.

Dos años despuès, en 1969 el elenco profesional de la Escuela de Teatro, que aún sin los euxilios económicos había seguido trabajando, recibe la estocada final cuando la dirección de Bellas Artes declara insubsistentes a cinco profesores: Enrique Buenaventura, Luis Fernando Pérez, Helios Fernández, Fernando González Cajiao y Germán

“

En Cali no podemos hablar de un campo intelectual autónomo.

Según Bourdieu, éste se construye en oposición al campo de poder.”

Cobo. Para este momento se había montado Los papeles del Infierno, obra en que Buenaventura había reflejado la violencia que ha vivido el país tanto el las zonas urbanas como en las rurales. Tras la expulsión de los cinco miembros del TEC, Enrique Buenaventura afirmaría lo siguiente: “Hemos sido arrojados fuera del sistema y lo que tratamos de saber es dónde estamos y lo que podemos hacer en ese lugar. ¿Podemos seguir haciendo teatro? ¿Qué tipo de teatro? Cada día el sistema nos obliga más a ser lo que tenemos que ser.

No podemos hacer otra cosa que agradecerle”.

El Nuevo Teatro en Colombia se originó y se desarrolló con una gran influencia de la izquierda. No podía ser de

El principal mecanismo de afirmación del Nuevo Teatro colombiano se logra con la programación de los Festivales Nacionales del Nuevo Teatro realizado entre 1975 y 1988.

En desarrollo de las políticas de encuentros entre grupos y confrontación del trabajo teatral con el público, comienzan a realizarse Muestras Regionales y Nacionales del Teatro desde el año 1973, tanto en Bogotá como en algunas ciudades donde había una presencia notoria de la Corporación Colombiana de Teatro, como en Cali, por ejemplo. Estas primeras muestras tuvieron un apoyo parcial por parte del Estado, pero es en 1975 cuando se propone la realización del I Festival Nacional del Nuevo Teatro que la CCT, como resultado de su intensa gestión, y también, hay que reconocerlo, por la actitud abierta y progresista de Gloria Zea, directora del Instituto Colombiano de Cultura, Colcultura, cuando se da un apoyo total para el evento. El movimiento del Nuevo Teatro, agrupado alrededor de la CCT, fue un movimiento tildado de marcadamente político y, para algunos historiadores del teatro colombiano, este fue el motivo por el cual entró en decadencia, partiendo de

la hipótesis según la cual el público dio la espalda a este tipo de teatro por agotamientos de sus temáticas. Sin desconocer que, como en todo movimiento, coexisten diversidad de tendencias y que, efectivamente, pudo haber -y de hecho lo hubo- grupos que privilegiaron su vocación política sobre la estética, hay que decir que la CCT orientó su política hacia una defensa del arte y del producto teatral como práctica específicamente estética.

Patricia Ariza afirma que la inconformidad de la élite obedece al hecho de que de un momento a otro se sintieron sin

“El Nuevo Teatro estaba condenado a padecer el desconocimiento de la academia y de las instituciones culturales.

“

otra manera. La izquierda es la fuerza más interesada en el desarrollo del teatro por su gran poder de convocatoria y por la posibilidad de exponer en sus argumentos temáticas afines a sus propósitos políticos. Por esta misma razón, la legitimación del teatro colombiano contó con particulares dificultades. Este surge como rechazo a las políticas oficiales sobre cultura y es ajeno a cualquier tipo de injerencia que provenga de las instancias del poder económico o político. Dice Bourdieu: “El intelectual autónomo no quiere conocer más restricciones que las exigencias constitutivas de su propio proyecto creador”.

Puesto que la legitimidad de los procesos culturales provienen de estos centros de poder como afirma Bourdieu, el Nuevo Teatro estaba condenado a padecer el desconocimiento de la academia y de las instituciones culturales.

teatro, que el teatro se había ido a otra parte donde no podían ni controlar ni dirigir. Y esto produjo una reacción en todos los movimientos sociales y políticos alternativos.

“Hubo un momento que quedamos en la olla: amenazados, jodidos, allanaron el Teatro La Candelaria, allanaron la CCT, allanaron mi casa, nos amenazaron, nos jodieron, nos quitaron los presupuestos, eso, todo eso hubiera sido lo de menos, lo más grave es que nos quitaron el reconocimiento”. * Docente Universidad del Valle, director y actor.

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Homenajes

Leído por Jacqueline Vidal *

Para participar en el debate organizado por el FITC el Teatro Experimental de Cali Enrique Buenaventura 2016 reitera la afirmación de su identidad expresada en este texto escrito hace 26 años por Enrique Buenaventura

E

l T.E.C ha sido siempre y sigue siendo un teatro polémico, un teatro que, aunque ha elaborado una metodología de trabajo para organizar la participación creadora del actor, ha otorgado a cada obra, a cada tema, la primacía en el proceso creador, evitando la conversión de los procedimientos operativos en fórmulas. De allí las diferencias profundas entre una obra y otra, (entre El maravilloso viaje de la mentira y la verdad, Tierradentro, El lunar en la frente y Su vida pende de un hilo). Al mismo tiempo que el T.E.C ha librado esa polémica con sus propias pautas metodológicas, al mismo tiempo que, a través de versiones, ha dado a cada pieza su autonomía y ha buscado su forma expresiva particular, el trabajo en general, ha tenido un carácter, un sello, un estilo. Rupturas continuas y, al mismo tiempo coherencia, han sido las características del T.E.C.

Esto se debe al carácter polémico que produce necesariamente la participación creadora de los actores, el manejo de la improvisación en la construcción del discurso de puesta en escena, el enfrentarse a cada proyecto como si fuera la primera vez que se aborda la aventura de crear, corriendo todos los riesgos y sabiendo que se aprende más de los fracasos que de los éxitos, porque el discurso del éxito se cierra sobre sí mismo y se silencia con los aplausos y el del fracaso explicita, dolorosamente, todas sus alternativas muertas, todas las posibilidades que no se realizaron o que quizá se realizaron sin lograr una

El T.E.C ha sido siempre y sigue siendo un teatro polémico.”

“

LEGADO MAESTRO: HOMENAJE A ENRIQUE BUENAVENTURA

relación con el público y con el momento en el cual se produce el acontecimiento teatral. El fracaso está lleno de preguntas angustiosas, en cambio el éxito, al menos cuando se dá, se dá como respuesta. El T.E.C, sin embargo, se ha preguntado sobre esas respuestas, ha regresado varias veces a ellas y las ha convertido en preguntas, insistiendo una vez y otra en que el éxito no se vuelva fórmula y la metodología no sea un recurso retórico y mucho menos académico.

La relación del T.E.C con el público ha sido siempre, es y seguirá siendo polémica. Ni complacencia ni complicidad ni mucho menos concesiones. Obras como La orgía o El menú, que en sus momentos levantaron polémicas, que muchos comentaristas señalaron como difíciles o incom-

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prensibles para un público “popular”, hoy son “clásicas”, se representan en el mundo entero, en todos los idiomas, demostrando que, justamente porque hablan de aquí y de ahora en un lenguaje que desconcierta y exige la participación creadora del espectador, son universales.

Ello ha sido posible porque el T.E.C ha defendido siempre y seguirá defendiendo la autonomía del discurso artístico. Aún en las épocas en que el discurso político se imponía al artístico, con todas las secuelas positivas y negativas que ello tuvo para el teatro en este país y en el mundo, el T.E.C mantuvo su posición con respecto a la especificidad del discurso artístico.

Obras como Soldados fueron atacadas por sus implicaciones políticas pero se mantuvieron y siguen vivas por la complejidad del discurso artístico que las sustenta.

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En la actualidad, el T.E.C, de acuerdo con ese espíritu polémico, ha entrado en un proceso de transformación, proponiéndose la separación de lo artístico y lo administrativo, la dedicación plena al trabajo teatral y la intensificación de los talleres de investigación de los lenguajes teatrales. Sólo retomando nuestra tradición de polemizar con nosotros mismos, con el teatro que se está haciendo en el contexto donde vivimos, con los espectadores y con los comentaristas, podremos enfrentar los cambios profundos del país y del mundo y participar en ellos creando imágenes bellas y complejas que los expresen. El T.E.C es fiel a lo mejor, a lo más positivo de su trayectoria de 60 años pero, al mismo tiempo, no acepta ningún tipo de complicidad con su propia historia, con su fama o con sus éxitos, de la misma manera que, como ya lo señalamos, no la soportamos en su relación con los públicos. No es una posición cómoda la que hemos escogido, pero esa posición ha producido lo mejor del trabajo realizado y es la única garantía de transformación y, al mismo tiempo, de coherencia y de continuidad.

“

El T.E.C ha defendido siempre y seguirá defendiendo la autonomía del discurso artístico”.

* Directora del Teatro Experimental de Cali Enrique Buenaventura.

ENRIQUE BUENAVENTURA Nació, vivió y murió en Cali (1924-2003). Desde muy joven y hasta sus últimos años escribió poemas, cuentos, crónicas y se dedicó en forma autodidacta al dibujo y la pintura. La gran mayoría de su obra sigue inédita.

“Dramaturgo individual y una compleja personalidad múltiple; lo más fácil es verlo como un equipo de artistas que incluye un teórico brillante, un gran director de escena, un actor muy notable, un maestro de alcance mundial, un dibujante con gracia, un percusionista incansable, un organizador y varios utileros, tramoyistas y diseñadores, todos dentro de un cuerpo robusto con una cara socarrona y luminosa.

Viajero del continente y del mundo, marinero y actor, con ambas profesiones vivió en Brasil, en Argentina; actuó en compañías importantes, de las de repertorio tradicional. Se hizo un oficio sólido, volvió a Colombia con todo lo que un hombre de escena podía saber en esa prolongación del XIX que fue nuestro siglo hasta los años cincuenta.

Si, Enrique es legendario. No lo escribieron ni García Márquez, ni José Eustasio Rivera, se escribió a sí mismo, es su propia obra maestra. Transformador de realidades a través de su capacidad para escribir, dirigir y enseñar el teatro. Fundador del Teatro Experimental de Cali, director del mismo, organizador. Maestro de actores y autores y directores, autor de la más sólida teoría del teatro de creación colectiva. En mesas redondas y conferencias le encantaba

lanzar la manzana de la discordia, provocar en torno horas y horas de oratoria arrebatada, con él metiendo su cuña para que brote alguna luz.

Enrique, durante los años sesenta, fue maestro de la escuela del Teatro de las Naciones, en París. Sus escritos han formado practicantes profesionales y minuciosos, más allá de lo que él mismo supone. Ejemplo: estamos en Perú, en una de esas colonias marginadas, Villa Libertad, a las orillas de Lima, en un arenal. Uno de esos lugares que ha pintado José María Arguedas con tanta precisión y dolor. La villa celebra su aniversario y comisionó a los muchachos de su grupo de teatro a hacer la crónica del acontecimiento.

Ellos cumplen: vemos algo que va de lo alegórico al sainete realista, al manifiesto político y a la denuncia, para resumirse en un final solemne y ritual, muy conmovedor, Un gran trabajo, un grupo admirable… que dedica la función a su maestro, Buenaventura, el cual ni idea tenía de que ellos existían: sus papeles teóricos, su obra, su trabajo han configurado la vida de estos muchachos. Y otro tanto va a confesar Yuyachkani, la gran compañía de Lima. Y otro tanto deberían confesar en buena parte del movimiento chicano: la obra de Buenaventura ha permeado el teatro de América Latina, el individual y el colectivo. Buenaventura usa la historia para fines artísticos y visiones contemporáneas y alcanza metas depuradas y ejemplares”.

Texto extraído del sitio web del Teatro Experimental de Cali: www.enriquebuenaventura.org

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El lunar en la frente TEC En Sala Teatro Experimental de Cali Enrique Buenaventura.

Tierradentro TEC En Sala Teatro Experimental de Cali Enrique Buenaventura.

F: Leonardo Linares

F: Leonardo Linares

El maravilloso viaje de la mentira y la verdad TEC En Sala Teatro Experimental de Cali Enrique Buenaventura.

Su vida pende de un hilo TEC En Sala Teatro Experimental de Cali Enrique Buenaventura.

F: Leonardo Linares

F: Leonardo Linares

arriba

Homenaje a Lucy Bolaños Teatro La Máscara F: Leonardo Linares

centro

Homenaje a Enrique Lozano Universidad del Valle F: Jaime Garzón

abajo

Homenaje al Teatro La Candelaria Teatro Municipal Enrique Buenaventura F: Leonardo Linares

Discurso de Pilar Restrepo *

Lucy, la expresión misma del teatro de las mujeres

C

omo compañeras del teatro y amigas de Lucy (Lucy Bolaños), hoy nos unimos a tan merecido reconocimiento hecho por ustedes, a su labor artística y social, en beneficio de nuestra ciudad y de la región.

Queremos brevemente compartirles esta apreciación sobre su vida, su experiencia como artista de teatro y sus aportes a la comunidad.

Lucy es una mujer excepcional, que nace para el arte.

Específicamente para el teatro. Cuando hago esta afirmación no me refiero a que haya nacido con cualidades innatas, o que se deba al origen de cuna. Simplemente me refiero a su pasión por las imágenes poéticas desde la infancia, a su gusto por las representaciones de carpa, por las veladas del colegio y de Semana Santa, por los programas de radio-teatro, por las narraciones orales de su abuela sobre mitos y leyendas. Por el amor a la lectura, al canto, al cine, a la danza, al dibujo, al vestuarismo.

Ella, acompañada por una grandiosa intuición libertaria, ha defendido sus convicciones personales e íntimas, logrando trasformar sus carencias en posibilidades. Esta aventura de hacerse a sí misma ha sido ardua y difícil, ganada con sacrificios y renuncias, con coraje y tenacidad, rompiendo los obstáculos múltiples de nuestra cultura tradicional, pacata y machista.

Cuando Lucy elige hacerse actriz de teatro, se consagra al oficio con disciplina y empeño para alcanzar la perfección técnica de la expresión, y convertirse en una artista completa.

“La aventura de hacerse a sí misma ha sido ardua y difícil, ganada con sacrificio y renuncias, con coraje y tenacidad.

“

HOMENAJE A TODA UNA VIDA: LUCY BOLAÑOS

Su dilatada andadura tuvo el apoyo incondicional y el reconocimiento de sus maestros y maestras: Enrique Buenaventura, Jacqueline Vidal, Helios Fernández, Patricia Ariza, Santiago García, Wilson Pico o Héctor Fabio Cobo.

Al lado de otras personas artistas, funda en 1972 el Teatro La Máscara, un grupo mixto por aquel entonces.

Cuando éste queda conformado solamente por mujeres, ella no claudica, al contrario, impulsa e implementa un

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cambio en el lenguaje artístico del colectivo: el objeto de su arte serán las mujeres. Así, La Máscara se convierte en el grupo pionero del teatro de género en Colombia que investiga en la escena temas considerados tabú, como son el aborto, la prostitución, la violencia matrimonial, etc.

Lucy ha permanecido al frente del colectivo diversificando sus funciones como directora, actriz, gestora, maestra. En estos 40 años, el grupo se ha cualificado y ha mantenido sin interrupción una sede para la difusión del teatro y de la cultura en la ciudad, formando un público y fortaleciendo una propuesta estética importante para el cambio de los imaginarios sociales.

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La Máscara ha sido invitada a participar en varios festivales internacionales de teatro contemporáneo de mujeres y ha tenido un amplio reconocimiento por la calidad de sus espectáculos. En el 2002 organiza el Primer Festival Internacional de Teatro Contemporáneo de Mujeres, Magdalena Pacífica.

Como artista, creadora, directora, gestora, ha divulgado sus saberes y experiencias entre la población menos favorecida. Ha liderado procesos artísticos en Agua Blanca y en muchas otras comunas de la ciudad, con jóvenes, con mujeres cabeza de familia, con mujeres y familias en desplazamiento forzoso.

Para Lucy el teatro no ha sido simplemente una profesión, es la vida misma, y allí esta volcada con amor y constancia toda su existencia.

* Miembro de Teatro La Máscara.

“

Impulsa e implementa un cambio de lenguaje artístico de La Máscara: el objetivo de su arte serán las mujeres. Así el colectivo se convierte en el grupo pionero del teatro de género en Colombia.”

Discurso de Ariel Martínez *

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ué decir de un hombre del teatro que expresa tantas cosas, tan interesantes y provocadoras a través de su dramaturgia.

Qué decir del ser humano que habita en el dramaturgo o del dramaturgo que habita en esta persona tan maravillosa. Sinceramente me quedaría corto de palabras. Debo confesar que sos tan grande viejo Quique (Enrique Lozano), que las ideas me pesan y se atrancan. Qué decir de un Maestro como vos.

Entonces, me permito, con el permiso de este auditorio y el beneplácito de mis compañeros de grupo, hablar del amigo, del hermano, del cómplice teatral en esta aventura de jugar a hacer teatro. Definitivamente creo que esta es una buena puerta de entrada para poder hablar del Dramaturgo, del soñador e inventor de historias teatrales.

Es muy grato confirmar que a pesar del tiempo y la distancia seguimos siendo compañeros, camaradas, hermanos y cómplices en esta aventura que nació en 2001, quizá unos meses antes cuando con Quique nos propusimos hacer un teatro en el que pudiéramos permitirnos crear, soñar, deambular, experimentar, tropezar, detenernos, equivocarnos lo que más pudiésemos, cambiar de rumbo, caminar sin importar la llegada, recorrer ese hermoso universo que

nos regala el teatro en todas sus manifestaciones.

Saber que hoy, quince años después, sigo aquí, seguimos aquí, como Cualquiera Producciones; saber que seguimos con muchas ganas, mucha pasión y muchos sueños, me colma, me agita y me serena para volverme a agitar cual ola que viene y va sin cesar, una y otra vez, vez tras vez; sabiendo claramente que cada ola que viene y se va es distinta de la que vino y se fue, pero muy distinta también de la que vendrá y se irá y que no por ello dejará de persistir para llegar a buen término, por lo menos a un término.

“Nos propusimos hacer un tipo de teatro en el que pudieramos crear, soñar, deambular, expermientar, tropezar, deternos, equivocarnos lo más que pudiésemos (...).

“

HOMENAJE A PERSONAJE DESTACADO: ENRIQUE LOZANO

Entonces, justo hoy, con este pequeño, pero sentido ejercicio de lectura dramática, nos hemos querido sumar a este más que merecido homenaje al Quique, al parcero, al hermano. Con esta lectura puedo sentir cómo tantos temores se van. Y cómo tantos goces retornan. Darme cuenta que, con su dramaturgia, Quique si-

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gue creciendo a la hora de generar y provocar y detonar, con cada una de sus obras, una reacción, un gesto, una acción, un deseo enorme de llevarlas a las tablas.

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Pero volvamos ahora a nuestros inicios a manera de contexto para aquellos que poco o nada nos conoce. Los Cualquiera Producciones somos un proyecto teatral que se ha interesado y se interesa en la búsqueda y en la experimentación de una propuesta escénica propia. Es así como hasta pocos días antes de poner en consideración nuestro primer experimento no sabíamos cómo se llamaría el grupo. En un arranque desenfrenado de amistad mezclada con pasión y agradecimiento con quien, con mucho cariño nos había prestado el patio de su casa los primeros seis meses para ensayar y en un rebote de locura decidimos llamarnos Casa Muriel Teatro. Nuestro primer resultado se llamó Crochet y fue dado a luz un 24 de junio de 2001 en el Teatro Esquina Latina.

Luego, al no estar trabajando en la casa de Muriel, para el estreno de nuestra segunda propuesta, en otro arranque, no ya de amistad, sino más bien, de no poder atinar un nombre para el grupo y al haber no pocas alternativas y para responder a la cuestión: - Entonces, de estos nombres, cuál es el definitivo, hubo una respuesta definitiva, quizá aguzada por el agotamiento o tanta pensadera: - Pues, de toda esta lista pongamos cualquiera. Y efectivamente así nos hemos llamado, desde entonces y hasta ahora, Cualquiera Producciones.

Ahora, con todo respeto y en espera de su comprensión, debo decir que estamos aquí, no tanto porque Quique se haya ganado unos merecidos premios de dramaturgia, sino por la convicción férrea de que las letras de Quique, como dije, son provocadoras, son detonadoras, son un motivo más para seguir festejando la fiesta del teatro, del buen teatro.

Me he negado a hablar de su obra dramatúrgica, porque para ello, habrán eruditos en la materia que deberían estar obligados a ello. Por el contrario, me he arriesgado a hablar del alma misma de su palabra dramática, porque en esta aventura de haber fundado un grupo hace más de quince años y a pesar de la distancia, he aprendido a

“

Las letras de Quique son provocadoras, son detonadoras, son un motivo más para seguir festejando la fiesta del teatro, del buen teatro.”

sentir su obra, he aprendido a escuchar sus voces dramáticas. Desde que tuve la posibilidad de interpretar a Juancho en Días impares hace más de 17 años y desde que tuve la más grande fortuna de conocer el talento que estaba detrás de este texto, me di cuenta que estaba enfrente de un maestro de las letras, de un ser humano sensible e inquieto. Ahora siento que no me he equivocado. Toda su obra, todos sus reconocimientos dan fe de ello.

Luego, ya como equipo y a partir de su dramaturgia y bajo su dirección, vinieron proyectos como Crochet, Breve Anotación de Movimiento BAM y La familia nuclear, a través de los cuales pudimos confirmar que

Para no extenderme en la historia e ir cerrando estas palabras, debo decir que todo esto me ha dado la certeza de varias cosas, una de ellas es que a pesar de sus premios y sus reconocimientos, que a pesar de su Paz, sus distancias geográficas y demás, aquí en nuestros corazones, en el de Eliza (Elizabeth Sánchez), en el de John Alex, en el de Paola (Paola Andrea Tascón), en el de Wendy (Wendy Betancourt), en el mío y en el de quienes de alguna u otra manera han tenido que ver con nuestro sueño, que a pesar de todo esto, decía, Carlos Enrique Lozano Guerrero, Quique, Quiquelón, con Q, no con K, estará condenado a seguir siendo, un Cualquiera, así, en negrilla y con mayúscula.

* Miembro cofundador de Cualquiera Producciones.

Lectura dramática de Otra de leche Cualquiera Producciones En Universidad del Valle.

F: Jaime Garzón

“(...) me di cuenta que estaba enfrente de un maestro de las letras, de un ser humano sensible e inquieto.

“

nuestro sueño de arriesgar una propuesta teatral crítica, social, política, sustentada en una búsqueda estética propia, era, no sólo una posibilidad, sino una realidad.

Es entonces cuando empieza el proceso accidentado de buscar el camino hacia Otra de leche. En palabras de Quique, al referirse a este proceso, dice: “La historia de Otra de leche es una historia accidentada. El trabajo exploratorio se realizó de manera colectiva por el grupo Cualquiera Producciones, bajo mi dirección. La fractura de una de las rótulas de John Álex (John Álex Castillo Valencia) apareció como primer accidente. Cuando este percance inicial parecía superado, la fractura de una de mis caderas terminó de posponer su aparición. Gracias a la insistencia del grupo este trabajo no quedó definitivamente en el cajón de los proyectos inconclusos.

Dos años y medio después de iniciada la exploración, la obra vio la luz (de tarros, pares y demás) en el Teatro La Máscara bajo la dirección de Ariel Martínez”.

HOMENAJE A 50 AÑOS DE VIDA ARTÍSTICA Discurso de Gabriel Uribe *

Teatro La Candelaria: un homenaje a la persistencia o la fuerza de la reinvención.

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H existencia.

oy, cuando estamos frente a la realidad y el mito del teatro La Candelaria, cuando tenemos el privilegio de celebrar su cumpleaños “sin cuenta”, queremos recordar lo que para nosotros ha significado su valiosa

La Candelaria empezó a existir desde antes de su fundación en junio de1966 porque ya el Teatro El Búho, conformado por una pléyade de inquietos teatreros comandados por Fausto Cabrera y Santiago García estaba asombrando al público bogotano con unas propuestas teatrales audaces y, hasta cierto punto, escandalosas para la época: Ghelderode, Adamov, Ionesco, Tardieu, Wilder, Tennessee Williams, irrumpieron en el escenario colombiano sorpresivamente y arrinconaron en el anaquel de las nostalgias las comedias costumbristas de Luís Enrique Osorio y las revistas cómico-satíricas de Campitos.

El Búho duró el tiempo suficiente para crear una conciencia sobre el rol que los nuevos teatreros debían tener en los próximos años de la historia del teatro colombiano. Fracasados económicamente pero con un

“

(...) su juego de ficción e historia le marcó al teatro colombiano esa característica tan especial de represntar los acontecimientos más sonoros de nuestra historia”

público que estaba dispuesto a seguir las novedosas locuras de los utópicos irredimibles y con las ansias de seguir descubriendo las nuevas tendencias del teatro mundial, se crea entonces La Casa de la Cultura que tuvo la gentileza de descubrirnos a un Peter Weiss que con gran ingenio nos enseñó a jugar con la historia de la Revolución Francesa a través del maravilloso Marat-Sade. Quizá este sorprendente juego de ficción e historia le marcó al teatro colombiano esa característica tan especial de representar los acontecimientos más sonoros de nuestro pasado: los comuneros, la huelga de las bananeras, la separación de Panamá y la construcción del canal interoceánico, la Guerra de los Mil

La relación del teatro La Candelaria con la ciudad de Cali, con su público, con sus eventos es larga y provechosa. En la década del 60, Santiago García era siempre invitado especial bien fuera como director de obras o como conferencista de nuestro famoso Festival Nacional de Arte que reunía cada año, desde 1961 hasta 1970, lo más granado del arte nacional y mundial. En dicho evento La Casa de la Cultura, desde el momento de su fundación, fue el invitado de honor que alternó con los estrenos de nuestro querido Teatro Escuela de Cali. Durante los encuentros creativos del Festival Nacional del Arte se fraguaron las complicidades entre el maestro Enrique Buenaventura y Santiago García en medio de banquetes, vinos y conversaciones infinitas sobre pintura, teatro y cosmología. Allí, se originó aquel reto creativo que culminó en un singular intercambio de directores que dio como resultado el montaje de La trampa dirigido por Santiago García con el elenco del TEC y el montaje de Macbeth dirigido por Enrique Buenaventura con el elenco de La Casa de la Cultura.

También en esa conversaciones bohemias apareció la idea de organizar un gremio que defendiera los intereses de los teatreros de todo el país, idea que se concretó en 1969 a raíz de la expulsión de cinco profesores de teatro del Bellas Artes, como consecuencia del conflicto surgido por el montaje de La Trampa en 1967, creando la Corporación Colombiana de Teatro, CCT. Los vínculos entrañables entre La Casa de la Cultura y el Teatro Escuela de Cali se consolidaron cuando en el año 1971 se produjo uno de los encuentros más fructíferos y

proféticos para el teatro nacional: El seminario realizado por estos dos grupos con el tema de la improvisación en el teatro. A partir de este encuentro, los esfuerzos inventivos de estos dos maestros y la tremenda fuerza creativa de los dos grupos produjeron el terreno propicio para incorporar, con una fuerza arrolladora, el concepto de Creación Colectiva, concepto dinámico, renovador de las relaciones colaborativas -como las denominamos hoy en día-, de los miembros del grupo en los procesos de creación de las obras. Forma de trabajo asumida a partir de entonces como el mecanismo por antonomasia para producir lo

“En el Festival Nacional de Arte se fraguaron las complicidades entre Buenaventura y García, en medio de banquetes, vinos y conversaciones infinitas sobre pintura, teatro y cosmología.

“

Días y un inagotable listado de sucesos, heroicos unos, vergonzosos otros, que quizá fueron conocidos por primera vez por muchos de nosotros a través del teatro.

más rico, lo más complejo y lo más variado del teatro colombiano y latinoamericano toda vez que esta forma de trabajo fue asumida no solo por la totalidad de los grupos nacionales sino también por los más importan-

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tes representantes del teatro en América. Y esta ha sido una conducta persistente de La Candelaria: la continua reflexión sobre su hacer. Cada experiencia de puesta en escena es inmediatamente valorada, pensada y compartida en forma de texto, de documento, de memoria con los consiguientes apartes teóricos y, así, la fragilidad de la obra teatral, por lo efímera, se ve compensada con el rigor de la escritura en su formato de ensayo o artículo de difusión.

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La hermandad entre estos viejos amigos, con nuevos nombres a partir de 1969, cuando el Teatro Escuela se convierte en Teatro Experimental de Cali y a partir de 1972 cuando La Casa de la Cultura se convierte en el teatro La Candelaria, -justo en las fechas en las que los dos grupos adquieren sedes propias-, se mantendrá en una interacción permanente de debates estéticos, metodológicos, organizativos siempre acompañados de la más cordial camaradería hasta la desaparición física de uno de los líderes más emblemáticos de nuestro teatro: el maestro Enrique Buenaventura en el 31 de diciembre del año de 2003.

La Candelaria merece nuestro reconocimiento no solo por esa cercanía con nuestro teatro caleño y con el público de Cali, sino porque este grupo, “siempre igual, siempre distinto” como rezaba el slogan de un famoso circo ruso, no nos deja de sorprender con sus continuas reinvenciones. En los años 70 irrumpe en la escena nacional con sus primeras creaciones colectivas: Nosotros los comunes, La ciudad dorada, y la poética y nostálgica Vida y muerte severina. Pero es en 1975 cuando nos maravilla con ese ejemplo de teatro documento, biografía política, denuncia histórica y homenaje a la fuerza y al arte musical de la gente llanera que es Guadalupe años sin cuenta, un portento

de obra cuya resonancia aun perdura en la memoria de los espectadores de todo el país y de muchas partes del mundo. Obra que bate el record difícilmente igualable de 1.500 representaciones en sus casi veinte años

“

La Candelaria merece nuestro reconocimiento (...) porque este grupo, siempre igual, siempre distinto, (...) no nos deja de sorprender con sus continuas reinvenciones”

de estar en cartelera. Y cuando pensábamos que La Candelaria se erigiría como el grupo de amplias y profundas connotaciones políticas, de fuerte raigambre en un estilo épico-crítico, nos sorprende con una reflexión metafísica acerca del ser frente al vacío de su existencia en ese montaje que sondea las profundidades de la nada: Maravilla Estar a partir de las narraciones de Lewis Carrol.

Más tarde, en otra obra emblemática y con un amplísimo recorrido La Candelaria nos retrata un país enigmático que se debate entre el miedo y la esperanza.

El Paso: la parábola del camino inquieta al espectador

desde la elocuencia de los silencios, del mutismo, de los gestos y las miradas que construyen la incertidumbre de la existencia en ese lugar de ficción creado por la obra que es a la vez inexistente y reconocido por todos por ser el cruce de caminos por donde transita el destino del país.

memoria del público, porque arriesga todo lo que se ha construido en tanto años de brega, poniendo en juego sus certezas, sus hallazgos, su éxito porque siempre está buscando con absoluta sinceridad una respuesta para la sin razón.

Más recientemente, con la destreza en el manejo de un lenguaje escénico contundente, que ha implicado muchos años de depuración, nos muestra la realidad de un país desgarrado por nuevas violencias, al que se le puede despojar todo, hasta la vida, pero nunca la memoria.

Este es el bello mensaje de Soma Mnemosine.

Hoy, después de cincuenta años de invenciones, cuando cada noche se encienden las luces sobre el escenario, La Candelaria, con sus viejos y con sus nuevos actores y actrices, se reinventa testimoniando que es uno de los pocos grupos que permanece en la

“(...) una historia que este maravilloso grupo ha

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escrito desde sus propias experiencias: la del exilio, la del aislamiento, la de la persecución pero también la esperanza, la ilusión y la vida que se expresa en esa mirada alegre y compleja sobre la realidad. * Docente Universidad del Valle, director y actor.

“

Este ha sido el rol de La Candelaria en la construcción de la historia de este país: llenar de sentidos y de imágenes los vacíos de ayer y de hoy. Una historia que este maravilloso grupo ha escrito desde sus propias experiencias personales: la del exilio, la del aislamiento, la de la persecución pero también desde la esperanza, la ilusión y la vida que se expresa en esa mirada alegre y compleja sobre la realidad. Porque La Candelaria retrata al país desde todos los ángulos: desde la historia pasada y de la presente, desde el universo de las márgenes y desde los círculos del poder, desde las angustias y los anhelos colectivos y desde su propia biografía, poniendo en estas miradas su agudeza crítica, la potente carga destructora de falsedades, la desmitificación de las imposiciones fatales, sin abandonar el humor, sin caer en la desilusión, sin perder la esperanza.

izquierda

derecha

La memoria de las ollas o CaligrafrĂ­a de la orfandad La Mosca Negra En Sala Julio Valencia, Bellas Artes.

El paĂ­s de las mujeres hermosas La Hora 25 En Sala de Teatro Univalle, Universidad del Valle.

F: Jaime Manrique

F: Jaime Manrique

izquierda, arriba

La casa grande Matacandelas En Teatro Municipal Enrique Buenaventura.

F: Leonardo Linares

izquierda, abajo

La ventana de Dulcinea Casa Naranja En Casa Aescena.

F: Leonardo Linares

derecha, arriba

Negro Teatro del Presagio En Teatro del Presagio.

F: Leonardo Linares

derecha, abajo

TrĂ­ptico del desarraigo Teatro Papagayo En Teatro del Presagio.

F: Leonardo Linares

izquierda, arriba

izquierda, abajo

centro, arriba

Instrucciones para abrazar el aire Malayerba En Auditorio del Centro Cultural Comfandi.

Simple matrimonio de hermanos Teatro A Cambio y Cazamáscaras En Centro Cultural Unión de Vivienda Popular, Comuna 16.

El Alférez Ireal Laboratorio Escénico Univalle En Auditorio del Centro Cultural Comfandi.

F: Jaime Manrique

F: Sebastián Cabuyales

F: Jaime Manrique

centro, abajo

Exodus Theatre Malagana En Auditorio Manuelita, Universidad ICESI.

derecha, arriba

derecha, abajo

La búsqueda intermitente Coco Rayado En Casa de los Títeres.

Juego de cuerpos Astarté En Domus Teatro.

F: Juan Pablo Ulloa

F: Juan Pablo Ulloa

F: Jaime Manrique

izquierda

Jovita, frente al espejo roto Teatro La Concha En Teatro La Concha.

F: Leonardo Linares

centro

Caperucita colorรก Barco Ebrio En Teatro Salamandra.

F: Sebastiรกn Cabuyales

derecha

Lecciones de historia patria Teatro Esquina Latina En Teatro Esquina Latina.

F: Leonardo Linares

izquierda, abajo

ENTRE TIERRAS Laboractores En Laboractores.

F: Leonardo Linares

derecha, arriba

El grito de Antígona Vs. La Nuda Vida Teatro La Máscara En Teatro La Máscara.

F: Leonardo Linares

derecha, abajo

ICEBERG La Compañía de El Tercer Personaje En RíoStudio.

F: Leonardo Linares

abajo

Valientes amigos Castillo Sol y Luna En Teatro Salamandra.

Historias del miedo ambiente Acrocalle Teatro En I. E. Juana de Caicedo y Cuero.

F: Jaime Manrique

F: Jaime Manrique

arriba

arriba

El jardín de la discordia Andrágora En Auditorio de la Escuela de Aviación Marco Fidel Suárez.

abajo

F: Camilo Melo

F: Jaime Manrique

La tortuga tranquila tragaleguas Teatro A la Deriva En Casa de los Títeres.

izquierda, arriba

derecha, arriba

AguaMadre Teatro Grutela En Boulevard del Río.

Edipo Rey en la calle Ensamblaje Teatro En Boulevard del Río.

F: Leonardo Linares

F: Jaime Manrique

izquierda, centro

derecha, centro

Cirko Pirata Compañía Malabareate En Boulevard del Río.

Puntos apartados Tercer Acto En Teatrino de Museo La Tertulia.

F: Camilo Melo F: Leonardo Linares izquierda, abajo

CÓSMICA AmautaTeatro En Teatrino de Museo La Tertulia.

Batucada Teatral Tropa Teatro En plazoleta CAM.

F: Leonardo Linares

F: Leonardo Linares

derecha, abajo

El Festival Internacional de Teatro Cali 2016 se inauguró el día 1 de noviembre del 2016. Desde ese día, alrededor de 30.000 personas (columna primera, arriba: acceso al Teatro Municipal Enrique Buenaventura. F: Leonardo Linares), según datos estimados, pudieron disfrutar de las artes escénicas en los más de 30 espacios dispuestos a lo largo y ancho de toda la ciudad. El festival se entendió como un evento integrador, tanto hacia el público, como hacia el sector. Así, se buscó la participación de los distintos tipos de sensibilidades artísticas, formatos, academias e, incluso, compartiendo programación con otro festival, como en el caso de la muestra del taller del maestro Misael Torres en el Festival Brújula al Sur, que la clausura para ellos y la inauguración del FITCali2016 (columna segunda, arriba: muestra del taller de Misael Torres Mesa de negociación. F: Jaime Manrique). El festival contó más de 45 espectáculos, entre los que se incluye la programación de obras

de teatro locales, nacionales e internacionales; una comparsa organizada por el Instituto Popular de Cultura (columna primera, abajo: comparsa del IPC. F: Camilo Melo), el concierto de la Banda Departamental del Valle del Cauca (columna tercera, abajo: concierto de la Banda Departamental del Valle del Cauca. F: Jaime Manrique), cuatro mesas temáticas, tres conferencias, cuatro muestras de trabajo (columna tercera, arriba: Muestra de trabajo, La Mosca Negra. F. Derly Cabrera), dos talleres (columna cuarta, abajo: Taller de Juan Carlos Agudelo, La alquimia del teatro físico de la Casa del Silencio. F. Maryery Quintero), y cuatro homenajes (columna cuarta, arriba: homenaje Legado Maestro a Enrique Buenaventura. F: Leonardo Linares). La respuesta de un público que desbordó las expectativas y la gran difusión del evento (columna tercera, abajo: Fernando Vidal, director del festival, en una entrevista. F: Jaime Manrique), han convertido a este festival, ya, en uno de los grandes festivales de la ciudad.

5

Grupos invitados

Noche y niebla Compañía Nacional de Teatro En Teatro Municipal Enrique Buenaventura.

F: Leonardo Linares

Compañía Nacional de Teatro

Malayerba

Acuña / Moguillansky

La Compañía Nacional de Teatro de México fue reestructurada en 2008 bajo la dirección artística de Luis de Tavira, forma parte del Instituto Nacional de Bellas Artes, y cuenta con un elenco estable integrado por 52 actores y actrices. Ha estrenado más de 50 montajes pertenecientes a cuatro rubros: Patrimonio Universal del Teatro, Teatro Mexicano, Nuevas Teatralidades y Laboratorio Actoral; que juntos articulan un discurso creador de su identidad y llevan a los escenarios obras que se inscriben en la diversidad, el equilibrio y la excelencia.

El grupo Malayerba nace en Quito en el año 1980 como un equipo de actores profesionales con carácter independiente y destinado a la producción de un teatro que exprese su realidad en un lenguaje propio. Ha realizado más de 20 montajes, que ha difundido en su país, y a la vez ha representado al Ecuador en varias ocasiones en festivales nacionales e internacionales. Malayerba también ha incursionado en el cine y en la televisión, sin dejar nunca de lado su interés por la comunidad. La Casa Malayerba, sede del grupo, en la actualidad mantiene además una sala de teatro con capacidad para sesenta personas.

Luciana Acuña es bailarina y coreógrafa.

Co-dirige el Grupo Krapp con quien participa en importantes festivales del mundo.

Alejo Moguillansky es director, montajista y profesor de cine. Sus films han obtenido importantes premios y reconocimiento en festivales de todo el mundo.

Matthieu Perpoint es bailarín en las compañías de Maguy Marin, Mark Tompkins y David Zambrano.

Gabriel Chwojnik es compositor. Sus composiciones para conciertos, teatro y cine han ganado destacados premios.

Instrucciones para abrazar el aire Una casa guarda un secreto que nadie puede descifrar justo cuando se propaga una gran violencia sobre ésta. Seis personajes en 3 espacios diferentes, invocan a los muertos vivos, a los desaparecidos, en una superposición de tiempos que se vuelven un presente, mientras seguimos abrazando el aire.

En el punto exactamente equidistante entre el teatro, la danza, el documental y el ensayo económico, Por el dinero, narra con una desesperante exactitud y humor irónico la vida económica de cuatro artistas. A través de sus facturas, sabemos cuánto pagan de luz, gas, agua, educación privada, salud, ocio y sabemos de dónde sacan la plata para pagar todo.

Pero la fuente de dinero nunca es la obra que estamos viendo.

80 MIN. DIRECCIÓN Y AUTORÍA: ARÍSTIDES VARGAS / CHARO FRANCES TEATRO DE SALA

75 MIN. DIRECCIÓN Y AUTORÍA: LUCIANA ACUÑA / ALEJO MOGUILLANSKY TEATRO DE SALA

(Ecuador)

(Argéntina)

(México)

Noche y niebla Íntima, emotiva, cuyo eje narrativo aborda la historia de dos mujeres muy distintas en edades, en pasados, en costumbres; pero unidas por una historia que hace estremecer el alma: la desaparición forzada de sus ausentes.

80 MIN. DIRECCIÓN: FERNANDO SANTIAGO S. AUTORÍA: JAIME CHABAUD TEATRO DE SALA

74

Por el dinero

Por el dinero Acuña / Moguillansky Función de clausura del FITCali2016, en Teatro Municipal Enrique Buenaventura.

F: Leonardo Linares

Camilo Teatro La Candelaria En Teatro Municipal Enrique Buenaventura.

F: Leonardo Linares

Teatro La Candelaria (Bogotá)

La Candelaria se fundó en 1966 por iniciativa de un grupo de artistas e intelectuales independientes provenientes de la Universidad Nacional y del naciente teatro experimental.

Inició labores en un galpón de la calle 20 con carrera 13 de Bogotá, con el nombre de Casa de la Cultura hasta que, por razones económicas, tuvo que salir de allí. Gracias al apoyo del Concejo de Bogotá, consigue una sede propia en el barrio La Candelaria.

La incursión en temas, situaciones y personajes de la realidad nacional adoptados por La Candelaria produjo un fenómeno de movilización de público que permitió, en muy corto tiempo, despertar el interés masivo por sus obras. Algunas de ellas han sido consideradas un hito en el teatro colombiano y latinoamericano.

Una constante preocupación de este grupo, gracias a la tenacidad del maestro fundador Santiago García y a la permanencia de sus integrantes, es el trabajo de investigación y la creación de obras propias de dramaturgia nacional, así como y la metodología de la Creación Colectiva. La Candelaria no es sólo un grupo creador de obras de teatro sino también un grupo de investigación sistemática del teatro y del contexto social.

El trabajo de creación colectiva y la producción de materiales teóricos por parte del maestro Santiago García y de algunos de sus integrantes ha sido una constante de este grupo, que hoy puede darse el lujo de ser parte orgánica de la historia del arte y de la cultura en Colombia.

Camilo El grupo La Candelaria decidió emprender la creación de una obra sobre Camilo Torres, un hombre representativo de la intelectualidad colombiana, cofundador, con el maestro Fals Borda, de la sociología en Colombia, profesor universitario, sacerdote, político, rebelde y, por último, insurgente. Hacen esta obra como un acto de recuperación de la memoria al pié de la conmemoración de los 50 años de su muerte y de la celebración de los 50 de vida de La Candelaria. El cuerpo de Camilo está oculto, para sus seguidores “desaparecido”.

Cuando emprenden este viaje, una de las razones que les impulsa a seguirle la huella a esta intuición, fue la de tratar de entender este complejo personaje que concentra en su vida un cúmulo de ricas contradicciones: el misticismo, la rebeldía, el amor y el sacrificio.

Abordando estas contradicciones desde el teatro, se pueda ahondar en la comprensión tanto en la humanidad de este hombre histórico, como en el conflicto social que vivimos.

De un lado Camilo, propone el amor eficaz hacia los otros. Del otro, él mismo vivió la dificultad de ejercer el “apostolado” o la militancia como un derecho legal y un acto de justicia. Y, por último, la decisión fatal de Camilo de rebelarse contra el establecimiento.

85 MIN. DIRECCIÓN: PATRICIA ARIZA AUTORÍA: CREACIÓN COLECTIVA TEATRO DE SALA

77

Teatro Tierra (Bogotá)

El Teatro Tierra nació en 1987 y ha logrado crear un camino independiente y un estilo de reconocida calidad profesional. Funciona como una compañía alternativa que realiza montajes, temporadas y giras y como un laboratorio de investigación donde se trabaja sobre el arte de la actuación y las estructuras del drama contemporáneo.

En la poética del Teatro Tierra los objetos tienen vida propia y la actuación incluye un trabajo a partir de las relaciones entre el cuerpo, el espacio y los elementos escénicos.

Cada montaje es una estructura autónoma donde la puesta en escena condensa la acción dramática, las posibilidades actorales y la poesía de las imágenes plásticas.

Teatro Matacandelas Los 5 entierros de Pessoa Fernando Pessoa es un poeta esencial, de todos los tiempos, portugués y universal, cuya resonancia comienza a influir en el espíritu de esta época, creando expectativas y logrando trascender, más allá de lo efímero de la vida. Su laberinto psicológico y la habilidad para ser otros sin dejar de ser el mismo, lo convierten en el poeta de lo imprevisible y lo visionario. Su vida es aparentemente normal, más o menos rutinaria y gris, pero su verdadera realidad es completamente imaginaria y llega a convertirse en la principal fuente de su leyenda.

La Asociación Colectivo Teatral Matacandelas es una entidad sin ánimo de lucro creada en el año de 1979 y elevada a la categoría de Patrimonio Cultural de la Ciudad de Medellín en 1991. En sus 36 años de existencia ha producido más de 50 montajes.

De la aceptación del Teatro Matacandelas dan cuenta las más de 200 funciones anuales que en promedio realiza el grupo, así como los talleres, veladas artísticas e intercambios que se efectúan constantemente.

100 MIN. DIRECCIÓN Y AUTORÍA: JUAN CARLOS MOYANO TEATRO DE SALA

La casa grande

La vida privada de las muñecas de trapo Muñecos y muñecas animadas y actores y actrices que juegan a ser como ellos, logran conformar un amplio elenco que compone la multitud que llena la chiva y que se detiene en un lugar determinado porque el vehículo sufre un percance mecánico. Los pasajeros de la chiva se bajan y se suben y cuentan sus vidas y dejan ver la intimidad simple de existencias imprevisibles.

60 MIN. DIRECCIÓN: JUAN CARLOS MOYANO AUTORÍA: TEATRO TIERRA TEATRO DE CALLE

78

(Medellín)

La casa grande es una creación colectiva de este grupo, a partir de la novela de Álvaro Cepeda Zamudio.

La obra, Beca de Creación Ministerio de Cultura 2015, es una representación épica, coral y musical, para traer a la memoria del espectador de hoy, los sucesos que dieron lugar a uno de los acontecimientos más dolorosos de la historia de Colombia en el siglo XX, la masacre de las bananeras.

Un grupo de actores se encuentra a propósito en un escenario vacío para que los fantasmas, verdugos y víctimas, regresen a contarnos su historia.

85 MIN. DIRECCIÓN: CRISTÓBAL PELÁEZ AUTORÍA: CREACIÓN COLECTIVA TEATRO DE SALA

Los cinco entierros de Pessoa Teatro Tierra En Auditorio Alfonso Borrero Cabal, Universidad Javeriana.

F: Juan Pablo Ulloa

Ensamblaje Teatro (Bogotá)

Ensamblaje Teatro es un grupo profesional colombiano fundado y dirigido por el maestro Misael Torres. A lo largo de 32 años de trabajo ininterrumpidos el grupo ha ido perfilando una estética que se nutre de las relaciones entre el teatro y la fiesta, y de las necesidades que demanda orientar la mayoría de sus creaciones escénicas en espacios al aire libre: La calle, la plaza, el parque, el escenario deportivo, lugares no convencionales para representar.

Hacen parte de los logros, premios nacionales e iberoamericanos en creación y dramaturgia en nuestro país, y su presencia es constante en los más destacados eventos y festivales de teatro en América, Asia y Europa, dejando memoria de los comediantes criollos del teatro popular colombiano.

Teatro La Hora 25 Edipo Rey en la calle Edipo Rey es un tesoro de la humanidad.

Hace más de dos mil años fue escrita y representada al aire libre en las celebraciones más importantes en Atenas, Las Dionisicas.

Escrita y dirigida por Sófocles uno de los tres grandes autores trágicos de la Grecia antigua junto con Esquilo y Eurípides. Sófocles recoge la leyenda popular del hombre que mata a su padre y se casa con su madre y la convirtió en tragedia que aún nos recuerda en pleno siglo XXI y nos interroga: ¿El destino lo hacen los hombres o los Dioses?

65 MIN. DIRECCIÓN: MISAEL TORRES AUTORÍA: SÓFOCLES TEATRO DE CALLE

El gato con botas Es un cuento de aventuras donde el ingenio es usado como un arma contra los imposibles. Logra crear una trama escénica donde actores, muñecos y objetos a la usanza de los comediantes criollos, crean una obra donde la riqueza de las imágenes a partir de una escenografía diseñada para cambiar constantemente, los textos con el sabor del habla popular, que hace de la metáfora hablada, imágenes claras para quien escucha.

65 MIN. DIRECCIÓN: MISAEL TORRES AUTORÍA: HERMANOS GRIMM TEATRO INFANTIL

80

(Medellín)

La Corporación Teatro La Hora 25 fue creada en 1989 por un grupo de artistas e intelectuales independientes del joven movimiento teatral de Medellín bajo la dirección de Farley Velásquez, ganador del Premio Nacional de Dirección Teatral en el año 2007, por la puesta en escena Electra de Eurípides.

Marcados por los violentos acontecimientos que se vivieron en la Medellín de la época, este grupo, conformado por diez profesionales, buscó crear una estética propia y emprendió el camino del teatro para satisfacer la necesidad de comprender el mundo e incidir en él.

El país de las mujeres hermosas Los invitados a estos monólogos, verán cuatro mujeres que tejen dramatúrgicamente sus testimonios, basados en hechos reales. Se instalan en un ámbito social, político y antropológico. Con esta obra el Teatro La Hora 25 indaga sobre la dramaturgia del acontecimiento social, identificado en el proceso de las diferentes temáticas sobre desplazamiento, desarraigo y abandono, causado por más de 50 años de violencia en nuestro país.

100 MIN. DIRECCIÓN: FARLEY VELÁSQUEZ / CAROLA MARTÍNEZ AUTORÍA: FARLEY VELÁSQUEZ TEATRO DE SALA

Tercer Acto (Bogotá)

Realiza su trabajo artístico desde el año 2004. Siendo notable su participación en eventos a nivel nacional e Internacional.

Dentro de su oferta cuenta con cuatro piezas teatrales: Las criadas, El bicho de la luz, Doscientos días que parecen años y Puntos apartados. Dos Monólogos: La triada y Yo, Gabriel A. Igualmente cuentan con dos de comparsa.

Es importante la realización de talleres de formación artística, en el área de comparsa, teatro, zancos, maquillaje y danzas principalmente con niños y jóvenes, así como los servicios profesionales de maquilladores, zanqueros, actores y bailarines.

La Mosca Negra El bicho de la luz Margarita se encuentra preparada para la boda con Floro. Todos los amigos del humedal están dispuestos a saborear las delicias que ella ha preparado para tan importante momento.

En otro lado del charco Floro el cocuyo, está muy triste pues ha perdido su empleo de alumbrar los campos en las noches, situación que es aprovechada por la Reina Hormiga y sus secuaces Hormigón, para arrebatarle, tras una serie de promesas insulsas su tesoro más valioso: La Luz. 60 MIN. DIRECCIÓN Y AUTORÍA: LUIS DANIEL CASTRO TEATRO INFANTIL

Puntos apartados Demetrio lleva buscando durante largos años una mujer con quien casar a su hijo El, en su caminar halla las ruinas de un barco en el cual descubre rastros de su pasado que regresa para atormentarle, pero este lugar no está solo invadido por fantasmas, en las ruinas vive Mariela con una niña llamada Ela. Los sentimientos encontrados de Ela y El, frustran el ideal de sus progenitores, entre sueños y fantasías van desfigurando una relación en la que nunca medió el amor, este último elemento fundamental en la unión de dos seres.

60 MIN. DIRECCIÓN Y AUTORÍA: LUIS DANIEL CASTRO TEATRO INFANTIL

(Medellín)

La Mosca Negra fue fundado en 2002. Su temática se centra en el desarraigo y en los hechos de violencia que se emplazan en los cuerpos, los territorios y las vidas de los habitantes anónimos de la urbe y el campo, circunstancias que los convierten en parte o paisaje de las periferias de la ciudad, en las estadísticas del conteo de los muertos, los desaparecidos, los desplazados, de los menospreciados. Los excluidos, las mujeres, las víctimas de la violencia, los oprimidos, la periferia, son los protagonistas de la dramaturgia y las puestas en escena de La Mosca Negra.

La memoria de las ollas o Caligrafías de la orfandad Dos músicos y una Mujer/Parcela expulsados de su origen, descubren y siembran las rutas del despojo, las marcas del exilio y se instalan en una periferia simbólica, y allí intervienen vocal, corporal e instrumentalmente elementos de cocina y tierra para evacuar la metáfora del hogar despojado y la orfandad de la periferia. Explora y evoca la presencia del alma de los objetos/cuerpos que fundan el hogar, insinúa las trazas de los seres que habitan el limbo de la periferia y reflexiona sobre la imposibilidad del retorno.

50 MIN. DIRECCIÓN Y AUTORÍA: VICTORIA VALENCIA TEATRO DE SALA

81

Tropa Teatro (Pereira)

La trayectoria artística de la singular Tropa Teatro ha pasado por diferentes etapas a lo largo de más de doce años dedicados al arte.

Fue creada por profesionales y estudiantes de diversas disciplinas afines al arte, y es dirigida por Alonso Mejía.

Ha creado más de 10 montajes teatrales, cuenta con una amplia y rica biografía, reflejada en participaciones en festivales nacionales e internacionales. Tropa Teatro ha recibido diversos premios, becas y reconocimientos, y ha elaborado estrategias pedagógicas, series web, y publicaciones.

Pinocho Tropa Teatro retoma el clásico de Carlo Collodi, Pinocho, como símbolo de las peripecias de la condición humana, un llamado a las búsquedas vitales y un reconocimiento a la exploración y a la voz de la infancia sumergida en la inocencia. Entre canciones, marionetas, personajes y máscaras, este Pinocho timado, explotado y confundido enfrentará heroicamente los riesgos y certezas que conlleva el acto de ser real.

50 MIN. DIRECCIÓN: JOSÉ ALONSO MEJÍA AUTORÍA: CARLO COLLODI TEATRO INFANTIL

Batucada teatral Batucada teatral fusiona de manera armónica y colorida algunos elementos estéticos como la imagen teatral, la actuación, los objetos móviles y marionetas, el ritmo, la sonoridad, el coro, el juego corporal y el color, para intervenir espacios. El espectáculo está diseñado para instalarse en calles, plazas, parques, salas, auditorios, espacios comerciales, entre otros. Tiene un alto impacto visual y sonoro puesto que se trata de un espectáculo con música en vivo y colores para iluminar el alma.

50 MIN. DIRECCIÓN: JOSÉ ALONSO MEJÍA AUTORÍA: TROPA TEATRO TEATRO DE CALLE

82

La Casa del Silencio - Maison du Silence (Bogotá)

La Casa del Silencio - Maison du Silence, es un laboratorio de investigación teatral en el área del lenguaje gestual. Su propósito es la difusión de la técnica del mimo corporal dramático (Etienne Decroux), y elementos desarrollados por la Compañía Teatro del Movimiento. Igualmente, el simbolismo y la estilización desarrollados por el maestro Marcel Marceau, orientados a la construcción del teatro gestual como base formativa para el actor. Desde su fundación se ha caracterizado por ofrecer para Colombia intercambios artísticos y académicos con artistas internacionales.

Kokoro En japonés, ‘Kokoro’ significa corazón, mente, inteligencia, alma, centro, núcleo.

El universo de Kokoro es único y pequeño en su inmensidad, como el planeta del Principito y como el zorro muchos saldrán domesticados.

Un homenaje al cine mudo, al teatro silente, a la infancia y al amor. Narra la historia de tres personajes inmersos en un territorio hecho de cartón y papel.

90 MIN. DIRECCIÓN: PIERRIK MALEBRANCHE / JUAN CARLOS AGUDELO AUTORÍA: CASA DEL SILENCIO / JUAN CARLOS AGUDELO TEATRO DE SALA

Kokoro La Casa del Silencio -Maison du Silence En Teatrino del Teatro Municipal Enrique Buenaventura.

F: Juan Pablo Ulloa

Yonna: Ritual Wayúu Jayeechi En Teatrino del Museo La Tertulia.

F: Leonardo Linares

Jayeechi (Riohacha)

La Corporación Cultural Jayeechi es una organización de Riohacha, con 23 años de trayectoria, dedicada a desarrollar propuestas teatrales que han obtenido un reconocimiento nacional e internacional.

‘Jayeechi’ es una palabra del wayuunaiky, idioma de la cultura wayúu que traduce cantos, con el propósito de identificar una labor que propende por contribuir en difundir el patrimonio cultural de La Guajira y en particular de la comunidad wayúu, a la que pertenecen gran parte de los integrantes.

Yonna: Ritual wayúu ‘Yonna’ es una palabra en wayuunaiky, idioma de la cultura wayúu, que traduce literalmente: danza. Esta ceremonia se realiza en un espacio circular conocido como “piui” (pista), donde, acompañado del sonido de la kasha o tambor, los danzantes realizan coreografías basadas en los movimientos de las aves y los insectos. Su carácter incluyente invita a celebrar la vida, a la vez que convoca a exorcizar el dolor, los temores, las enfermedades y las malas premoniciones que se anuncian en los sueños.

60 MIN. DIRECCIÓN: CRISTINA PIMIENTA BARROS / ENRIQUE BERBEO GARCÍA AUTORÍA: CREACIÓN COLECTIVA TEATRO DE CALLE

Teatro Experimental de Cali Enrique Buenaventura El TEC fue creado en 1955, en la Escuela Departamental de Teatro de Cali. Aunque no haya tomado oficialmente la dirección sino al año siguiente, la institución está indisolublemente ligada a la personalidad y a la obra de Enrique Buenaventura.

“El Teatro Experimental de Cali conmemora 60 años. Duros años donde un equipo de teatreros emprendedores han trabajado incesantemente en la construcción de un teatro que desafíe el pensamiento, donde la reflexión deja de ser un problema de gusto y hace su énfasis en la problemática del conflicto expresado por el tema de la obra.

En 1955, Enrique Buenaventura abre la brecha en medio del desaforado comercio donde pulula el estrellato y la compra-venta y propone a Cali, Colombia, Latinoamérica y el mundo entero una forma diferente de asumir el teatro. Se plantea que el artista es el colectivo, se destruyen los divos, las vedettes y el teatro adquiere su valor social. La creación colectiva es la vía que se construye y permite que el grupo aborde al público como motor fundamental para que exista el teatro.

Son sesenta años donde se ha puesto a prueba todo lo aprendido y por aprender, donde las metas viven y quizá “gozan de más salud que los vivos”.

Jacqueline Vidal, directora del TEC.

El lunar en la frente

Tierradentro

El humor buenaventuresco, ingenioso y fino, -inspirado en la historia general de los robos y asesinatos de los más famosos piratas de Daniel Defoe- indaga la complejidad del ser femenino con la leyenda de Mary Read, la mujer pirata obligada por su madre a vivir como hombre desde niña. Con mosquete y sable ella compitió con todos en la academia militar para luego reclutarse en Flandes y después navegar con los más bravíos piratas filósofos.

Emergiendo del tsunami de basura que inunda las ciudades, unos seres utópicos evocan Tierradentro como la única memoria de milenios de olvido. Los pueblos nativos de Colombia descifrando la naturaleza, cultivando el goce de estar vivo en el silencio de las altas montañas, inspiran a los sobrevivientes para reencontrarse con sus raíces ancestrales.

DIRECCIÓN: JACQUELINE VIDAL AUTORÍA: ENRIQUE BUENAVENTURA TEATRO DE SALA

El maravilloso viaje de la mentira y la verdad Este espectáculo nos llega desde la más remota tradición oral de las primitivas culturas africana. Inspirado en las recopilaciones de mitos y cuentos africanos realizados por Leo Frobenius y Blaise Cendrars: El Decamerón negro y Antología negra. En TEC construye una obra contemporánea y antigua como la humanidad, enfrentándose a un experimento de creación y escritura colectiva, y trabajando con la poesía yoruba, con los refranes populares, con lenguajes adámicos y con los cantos de la costa del pacífico.

DIRECCIÓN: JACQUELINE VIDAL AUTORÍA: ENRIQUE BUENAVENTURA TEATRO DE SALA

DIRECCIÓN: JACQUELINE VIDAL AUTORÍA: ENRIQUE BUENAVENTURA TEATRO DE SALA

Su vida pende de un hilo Es la historia de un vengador, nacido de la calle y quien ha asumido, debido a la falta de justicia, tomar sus propias medidas para hacerla valer. Lejos de ser víctima decide ser victimario para no dejarse asestar el golpe fatal, desafía a los espectadores, acercándose sin moral a tocar lo que queremos ver tan ajeno a nosotros: la muerte. Las censuras se desvanecen y el morbo desaparece, las cosas como son, ser bueno o ser malo, no es la cuestión, es acercarnos a ese pensamiento aunque severo pero trascendental en este mundo que habitamos.

DIRECCIÓN: JACQUELINE VIDAL AUTORÍA: ENRIQUE BUENAVENTURA TEATRO DE SALA

85

Teatro A Cambio y Cazamáscaras

Teatro A la Deriva

Acrocalle Teatro

Teatro A Cambio y Fundación Teatro Cazamáscaras, es el encuentro de cinco artistas de las artes escénicas dedicados a la investigación de lenguajes para la escena a partir de ideas y conceptos de las dramaturgias del relato y del teatro gestual. En este camino, el primer proceso creativo arrojo el dispositivo escénico donde se desarrolla Simple matrimonio de hermanos, que aplicó con eficacia como trabajo de grado para el título de profesionalización en artes escénicas de la integrante del grupo Karol Tatiana Cardona.

Teatro A la Deriva se crea en Cali en el año 2009 con el estreno de Días felices de Samuel Beckett. Es la unión de un colectivo de amigos artistas, soñadores del arte teatral, una compañía que se propone encarar con profundidad la creación artística de obras con especial contenido estético, y que a su vez iluminen el teatro del siglo XXI. Varios de los integrantes son formados en el programa de Arte Dramático de la Universidad del Valle, contando también con la participación de dos integrantes formados en escuelas artísticas de Estocolmo, Suecia.

Simple matrimonio de hermanos

La tortuga tranquila tragaleguas

Un hombre y su hermana, ya entrados en los 40 años, viven solos en su vieja y espaciosa casa paterna. Se mantienen sin ninguna preocupación económica ya que los bienes heredados resultan más que suficientes. Cada día, después de los rutinarios oficios, la mujer se dedica a tejer y su hermano a leer libros. Una tarde cualquiera, a la hora del té, se escuchan unos indefinibles ruidos provenientes del fondo de la casa: el hombre asegura que esta zona ha sido “tomada”, su hermana replica, que ahora tendrán que vivir aislados en la parte que les queda.

La tortuga tranquila tragaleguas oyó decir que Leo Vigésimo-Octavo, el Gran Sultán de todos los animales, va a celebrar su boda, y que todos los animales, grandes y pequeños, viejos y jóvenes, gordos y delgados, mojados y secos están invitados. “Entonces yo también lo estaré”, se dijo a sí misma, “Así que ¿Por qué no voy a ir yo también a la fiesta más hermosa que jamás haya habido?” Después de pasarse el día entero y la noche siguiente dándole vueltas, su decisión estaba tomada. Apenas se levantó el sol, se puso en marcha, paso a paso, despacito, sí, pero sin parar.

Acrocalle es el grupo de la Fundación Juventud Arte y Vida de la Comuna 20, de Cali. Esta fundación nace en un proceso comunitario, mediante el ejercicio de aprender con el ejemplo, a través de procesos de sensibilización artística, cultural y humana, con la técnica del actor festivo, los zancos, la acrobacia, la máscara, el teatro, la danza, el circo y el deporte.

Estos factores son las herramientas que posibilitan la recuperación de espacios para el encuentro y la convivencia pacífica de niños y jóvenes de dicha comuna, y así transformar sus referentes violentos, por sueños comunes en función del respeto, el trabajo en equipo y la solidaridad. Juventud Arte y Vida es una respuesta a la problemática social y a la falta de oportunidades que vive la comuna 20 de la ciudad de Cali.

50 MIN. DIRECCIÓN Y AUTORÍA: JOHN JAIRO LOTERO TEATRO DE SALA

40 MIN. DIRECCIÓN: DOUGLAS SALOMÓN AUTORÍA: MICHAEL ENDE TEATRO DE TÍTERES

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Historias del miedo ambiente Montaje que hace un llamado desde la parodia, sobre el falso discurso del medio ambiente y denuncia la devastación de los recursos naturales que dan paso a la minimización del ser humano, quien es aplastado, desplazado, despojado de su tierra y exterminado por el capitalismo el cual se representa a través del poder de las multinacionales.

45 MIN. DIRECCIÓN: DIEGO ANDRÉS MARTÍNEZ AUTORÍA: CREACIÓN COLECTIVA TEATRO INFANTIL

AmautaTeatro

Andrágora

Astarté

AmautaTeatro es un proyecto que nace años atrás gracias a la iniciativa de un grupo de artistas egresados del Instituto Popular de Cultura, quienes en un primer laboratorio escénico integran el teatro, la danza contemporánea, las artes plásticas y la multimedia.

Después de esa experiencia, la organización con un elenco diverso, ha realizado talleres por varias ciudades del país, y al tiempo desarrolla proyectos a nivel social con personas con o sin experiencia en el campo de las artes escénicas.

Fue creada en el 2010 con el objetivo específico de producir, formar, fomentar y difundir el quehacer artístico, dentro de la comunidad. Esta compañía ha llevado a escena varios montajes de teatro de sala, calle y danza; paseándose por la dramaturgia nacional y la creación colectiva, incluyendo, la danza contemporánea, el títere y la animación infantil.

Además de realizar presentaciones, talleres y charlas; ha participado de encuentros y festivales nacionales e internacionales.

Astarté nace como resultado de un proyecto académico de la licenciatura en Arte Teatral de Bellas Artes, transformándose en un grupo profesional que se dedica a explorar y reconocer la palabra, el espacio, el cuerpo y la escenografía, como elementos dramatúrgicos centrales para abordar en el trabajo escénico, considerando el cuerpo como el elemento principal de diálogo con otros.

Con esta premisa, Astarté ha participado de varios festivales presentando la obra Juego de cuerpos.

El jardín de la discordia

Juego de cuerpos

Es una obra que permite un espacio de reflexión frente a la importancia del cuidado del medio ambiente, a través de la técnica que incluye títeres, actores y música, expresiones artísticas que entrelazan un tejido de situaciones, incógnitas y sorpresas para el público. Es una invitación de dos animalitos que dentro de su cotidianidad generan toda una situación conflictiva, personajes que reflexionan sobre las acciones inmediatas jugando un papel altamente significativo ya que rescatan dialectos, costumbres y vestimentas propias de nuestro país Colombia.

Juego de cuerpos es un proceso de deconstrucción de la obra Sextrio a Cuatro Voces del autor colombiano Iván Barlaham Montoya, en donde se han extraído los personajes de Jesús (pesimista) y Mario (optimista), los cuales encuentran y descubren el mundo de cada uno en el otro, así les cueste la contradicción de su propio ser.

CÓSMICA CÓSMICA de AmautaTeatro Arte Ebm de Cali, es una pieza poética que combina varias disciplinas: danza, teatro y performance, que interviene los espacios alterándolos con varios cuadros creados a partir de textos de literatura universal. Es un montaje perfectamente construido para teatro de calle, proponiendo una mirada novedosa y estética de las artes escénicas.

50 MIN. DIRECCIÓN Y AUTORÍA: ÉDGAR BARRERA MONTENEGRO TEATRO DE CALLE

40 MIN. DIRECCIÓN: WILKIN ROJAS / CAROLINA ESTUPIÑÁN AUTORÍA: WILLIAM RUANO TEATRO INFANTIL

55 MIN. DIRECCIÓN: SANTIAGO BETANCOURT AUTORÍA: IVÁN BARHALAM MONTOYA TEATRO DE SALA

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Barco Ebrio

Casa Naranja

Castillo Sol y Luna

Fundado en octubre de 1993, Barco Ebrio constituye un equipo de trabajo integrado por artistas de diversas disciplinas que centran su interés en la investigación del actor poeta, el actor que siente la necesidad comunicar y representar historias. El grupo se propone un teatro que fusione los lenguajes plástico y escénico, un teatro sincero, comprometido con la realidad sociocultural de Colombia.

El grupo ha representado a Cali a Colombia en importante festivales, tales como el Festival Iberoamericano de Teatro de Cádiz, Festival Iberoamericano de Teatro en Bogotá, Festival Internacional de Teatro de Manizales, y los festivales nacionales de teatro en Bogotá, Bucaramanga, Cali y Medellín.

La ventana de Dulcinea es una Coproducción entre la Corporación Casa Naranja y Prometeatro.

La Corporación Casa Naranja cuenta con su propio espacio teatral en el barrio el Poblado de la Comuna 13 de Cali, donde además de desarrollar procesos de intervención social, lleva a cabo espectáculos teatrales para sala y calle.

La Compañía Prometeatro, fundada en, 1995 por José Fener Castaño. Temáticas como la sexualidad en los adolescentes, la vida en pareja, la salsa en Cali; han llevado al grupo a realizar diversos montajes de teatro de comedia, infantil y de títeres, y obras de teatro clásico.

El grupo Teatro de Títeres del Castillo Sol y Luna, desde su creación hasta la fecha ha elaborado más de 23 puestas en escena, muchas de ellas adaptaciones de cuentos de la narrativa popular, obras de autores argentinos, checos, españoles y otras de la autoría del Maestro Reinel Osorio.

Actualmente, el grupo cuenta con 9 obras en repertorio.

El grupo de planta está constituido por tres artistas y profesionales en educación.

Reinel Osorio Torres (director artístico, general, actor titiritero y docente de arte), Luz Myriam García Franco (actriz titiritera y docente preescolar) y Melisa Osorio García (actriz titiritera y docente en Primera Infancia).

Caperucita colorá Caperucita Colorá, es un espectáculo teatral de actores y títeres que convierte la habitual fábula del cuento Caperucita Roja, en una novedosa creación que contiene los diferentes lenguajes y elementos propios de la identidad cultural del Pacífico colombiano.

Clodomira advierte a Caperucita Colorá sobre las precauciones que debe tener en la selva e invoca un poderoso conjuro cubriéndola con una caperuza mágica que la protegerá de todo mal.

52 MIN. DIRECCIÓN: BEATRIZ MONSALVE AUTORÍA: JULIÁN CORREA TEATRO INFANTIL

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La ventana de Dulcinea En La ventana de Dulcinea, Don Quijote enloquece debido al uso desmedido de internet y redes sociales. Acompañado de Sancho, inicia una aventura a través de portales virtuales para hallar a su bien amada; apático al uso de la tecnología, Sancho procura motivar a su enloquecido amigo con el fin de que utilice prácticas más “humanas” para encontrar a su amor.

55 MIN. DIRECCIÓN: JULIÁN CORREA AUTORÍA: JULIÁN CORREA / JOHN JAIRO PERDOMO / JOSÉ FENER CASTAÑO TEATRO DE SALA

Valientes amigos La obra Valientes amigos, es una divertida historia que trata el conflicto de la Tía Coneja al darse cuenta que su casa ha sido invadida por un supuesto monstruo terrible.

Tía coneja recurre a la ayuda de sus fuertes amigos: un decidido Elefante, un bravo Rinoceronte, un tierno Cocodrilo, un valiente Mono practicante de Kung-fu y su majestad el Rey León. Tomado del cuento de la tradición oral africana: El guerrero terrible.

45 MIN. DIRECCIÓN: MELISA OSORIO AUTORÍA: JOSÉ REINEL OSORIO TEATRO DE TÍTERES

Coco Rayado

La Compañía de El Tercer Personaje

Teatro Esquina Latina

El grupo Teatro Coco Rayado se creó en el año 2007, al sentir la necesidad de tener un grupo propio para poder realizar creaciones, investigaciones y exploraciones teatrales, donde sus integrantes pudieran aplicar los conocimientos adquiridos a lo largo de su vida académica y de sus experiencias artísticas, con puestas en escena y trabajo pedagógico, pensando en un futuro como empresa de teatro, queriendo sobresalir a nivel local y nacional.

Sus creadores son licenciados en Arte Teatral del Instituto Departamental de Bellas Artes y de Arte Dramático de la Universidad del Valle, de la ciudad de Cali.

La Compañía es el grupo de creación teatral de la productora El Tercer Personaje creado en 2015. Confundado por la actriz y productora Adriana Bermúdez Fdez. y la dramaturga y directora Eddy Janeth M. H., es el responsable de la producción artística de las dos obras montadas por la productora: ICEBERG (2015) y Esquizoide (2016).

La dramaturgia propia se caracteriza por un tono directo y sin ambages, aborda personajes femeninos sin estereotipos. La mujer, en su creación, se presenta como personas protagonistas de sus vidas, responsables de sus fortalezas y de sus miserias.

El Teatro Esquina Latina es un grupo dedicado a la investigación, creación difusión teatral y a la animación teatral como estrategia de intervención sociocultural con jóvenes en sectores más vulnerables de la población. Cuenta con un amplio repertorio de obras algunas de ellas han sido becadas y premiadas por sus calidades artísticas. y hacen parte de su programación permanente que desarrollo año tras año en su sede teatral.

La búsqueda intermitente La obra transcurre en un único lugar “Una plaza central en cualquier ciudad de Inglaterra”, donde por mucho tiempo dos hombres, Berenguer y Jack, viven todos los días como si fuera el mismo, llenos de inquietudes y dudas sobre cuál es el objetivo en este mundo, sobre qué es lo que deben hacer para poder encontrar una o muchas veces, la tan anhelada felicidad total.

50 MIN. DIRECCIÓN: ALEXANDER JIMÉNEZ AUTORÍA: CREACIÓN COLECTIVA TEATRO DE SALA

ICEBERG La Compañía crea en este primer trabajo, un mundo tan cercano como desorbitado, donde el espectador alcanza a permear una profunda empatía por sus personajes. ICEBERG es una reflexión sobre la responsabilidad de las decisiones de cada uno y la directa influencia de sus vivencias previas, incluso en situaciones de violencia doméstica.

En esta obra, lo que está por debajo de la punta del iceberg aparece lentamente, pero nunca en su totalidad. El desarrollo de la misma da juego a este título, y a la vez lo vuelve una paradoja.

120 MIN. DIRECCIÓN Y AUTORÍA: EDDY JANETH M. H. TEATRO EN ESPACIO NO CONVENCIONAL

Lecciones de historia patria La familia del gran señor, el gran pacificador, realiza una travesía en yate por alta mar en compañía de sus más cercanos émulos. Un viaje donde El gran señor se repone de una crónica enfermedad. Hasta allí llegan las noticias del país en crisis. Mientras se desata la pugna por el poder, lo que activa los mecanismos demagógicos que instrumenta la ‘democracia’.

El desenlace es apocalíptico: la muerte y el caos reinan, el anciano pelea con la muerte y recrea su pesadilla en un clima lúgubre mientras la familia y sus émulos naufragan.

60 MIN. DIRECCIÓN Y AUTORÍA: ORLANDO CAJAMARCA TEATRO DE SALA

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Proyecto Fritzl Agonista

Teatro Grutela

Teatro La Concha

Artistas escénicos con afinidades en diferentes áreas del saber y el hacer, buscando siempre complementar inquietudes creativas con sus necesidades expresivas como artistas y ciudadanos.

Actualmente continúan construyendo procesos de creación en artes vivas y siguen conectados con nuevos artistas que se suman a estos procesos independientes.

Entienden el arte escénico contemporáneo como un escenario alternativo para la sanación, reconciliación y reintegración a la vida social; ante circunstancias adversas como las que plantean en sus propuestas.

Nació en 1971, direccionado por Danilo Tenorio. En 1979 incursiona el teatro callejero por ausencia de espacios ciudadanos para teatro popular.

Bajo la dirección de Francisco Henao, por medio de talleres con el Odín de Dinamarca, El Break Puppet, el taller de Colombia; fortaleció su trabajo de investigación y antropología teatral en búsqueda de mitos y tradiciones en comunidades indígenas del cauca, el putumayo y la amazonia y territorios de influencia negra del occidente colombiano, con el fin de resistir a los actos colonizadores occidentales y fortalecer raíces de identidad popular latinoamericana, además de realizar el trabajo con las comunidades de urbe ciudadana.

Teatro La Concha hace parte de la Fundación de Teatro y Artes Yolanda García Reina, con sede en una casa declarada Patrimonio Arquitectónico-Urbano de Cali, en el barrio San Antonio, en donde además, está expuesta de manera permanente, la obra de Carlos Zuluaga, sobre Jovita Feijoo.

El Teatro La Concha hace parte del programa Salas Concertadas de la Secretaría de Cultura y Turismo y del Ministerio de Cultura.

Fritzl Agonista Fritzl Agonista es una obra contemporánea que explora la exacerbación de la violencia de los seres humanos a partir de reflexionar sobre la manipulación de seres que no están en igualdad de condiciones y son sometidos de forma violenta. La propuesta artística plantea una tensión ética y fisiológica, usando lenguajes sofisticados presentes en la cultura como mandatos divinos para consumar los actos, haciendo referencia al caso real del personaje Jose Fritzl, quien se convirtió en monstruo, producto de una sociedad enferma de miseria, odio, dolor, miedo y misoginia.

70 MIN. DIRECCIÓN: LUCÍA AMAYA AUTORÍA: EMILIO GARCÍA WEHBI TEATRO DE SALA

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AguaMadre Teatro de investigación litúrgica afrobrasileña, que aún permanece en parte de nuestras comunidades negras con representaciones mímicas, danzas, cantos, rezos, bailes de adoración y tradición sagrada; que nos unen a diversas divinidades.

90 MIN. DIRECCIÓN Y AUTORÍA: FRANCISCO ANTONIO HENAO VELASCO TEATRO DE CALLE

Jovita frente al espejo roto Una noticia inesperada detona en Jovita comportamientos alterados que la llevan, en la intimidad de su habitación, por un viaje delirante a través de los hitos de su vida que la ligan a esa amiga del alma que acaba de fallecer por la intransigencia de una pandilla barrial que se ha burlado de ella hasta desbarrancarla. El viaje imaginario de Jovita reconstruyendo su amistad con Florecita tiene la carga de humor e ironía de su singular mirada de la ciudad desde su trono de reina de la simpatía, que ha ejercido por más de cuarenta años y ya se acerca a su final. Cuatro décadas de cambios súbitos y transformaciones sociales, de costumbres y pensamientos pasan por esa noche de altos contrastes.

70 MIN. DIRECCIÓN Y AUTORÍA: FERNANDO VIDAL TEATRO DE SALA

Fritzl Agonista Proyecto Fritzl Agonista En Teatro Salamandra.

F: Jaime Manrique

Teatro La Máscara

Laboractores

Laboratorio Escénico Univalle

El grupo Teatro la Máscara celebra sus cuarenta y cuatro años de existencia artística, tiempo en el cual se han montado más de 40 obras dramáticas, con propuestas estéticas y depuradas. Es un grupo de creación teatral vital, versátil, polémica, que constantemente renueva sus líneas de investigación de acuerdo a la actualidad cultural, política y social.

El Teatro la Máscara se posiciona en el país como el grupo pionero del teatro con perspectiva de género, haciendo énfasis en la necesidad de repensar de una manera poética y crítica los imaginarios culturales e incidir en la transformación y en los procesos sociales de convivencia.

Laboractores –laboratorio creativo, es el nombre que le dan a lo que ellos llaman terquedad y necesidad creativa. Desde el año 2004 impulsan la creación e investigación en torno al teatro contemporáneo. Su investigación artística, se enfoca en la creación de una dramaturgia propia, en busca de una nueva relación con el espectador, con propuestas que responden a inquietudes temáticas y visiones sobre el teatro como factor social y como espacio para una constante mutación.

El Laboratorio Escénico Univalle, es un grupo de creación e investigación perteneciente al Departamento de Artes Escénicas de la Universidad del Valle, con una actividad internacional, nacional y departamental constante. Entre sus puestas en escena más importantes cuentan: El astrólogo fingido de Pedro Calderón de la Barca, El condenado por desconfiado de Tirso de Molina, considerada por el diario El Espectador como una joya del teatro colombiano en su balance del IX Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá; El gran teatro del mundo de Pedro Calderón de la Barca, La égloga de plácida y vitoriano de Juan del Encina y Coloquio de los perros de Cervantes.

El Grito de Antígona Vs. La Nuda Vida Desde la Antígona de Sófocles, pasando por una variedad de escritoras y autores de la contemporaneidad, el grupo La Máscara con su obra: El grito de Antígona Vs. La Nuda Vida, interroga de manera poética el presente violento de nuestro país y elabora un espectáculo vivo que pone en funcionamiento distintas manifestaciones culturales: performance, testimonio, video, artes plásticas, etcétera.

60 MIN. DIRECCIÓN: GABRIEL URIBE AUTORÍA: PILAR RESTREPO / LUZ MARINA GIL / GABRIEL URIBE TEATRO EN ESPACIO NO CONVENCIONAL

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ENTRE TIERRAS La obra ENTRE TIERRAS es una experiencia sensorial que activa memorias a través de un recorrido, en el que el espectador-imaginante, es abordado por personas que le plantean preguntas, juegos y posibles caminos. Esta propuesta busca la escena expandida que habita espacios públicos de la ciudad, calles y casas deshabitadas, despertando la memoria individual y colectiva.

La narrativa de la obra está construida por historias cruzadas, mundos paralelos, un laberinto de vivos y muertos, donde estos últimos son los encargados de dar vida al universo dramatúrgico de la obra.

105 MIN. DIRECCIÓN: GENNY CUERVO AUTORÍA: GENNY CUERVO / ENRIQUE VARGAS TEATRO EN ESPACIO NO CONVENCIONAL

El Alférez IReal El Alférez IReal, es una versión contemporánea de la conocida novela de Eustaquio Palacios El Alférez Real, una de las novelas históricas más importantes de la literatura vallecaucana y colombiana, que conserva importantes aspectos sobre la memoria de aquella Cali de 1789. La creación de El Alférez IReal, parte de la necesidad de imaginar a don Manuel de Caicedo, Inés de Lara, Daniel Soldevilla y a los otros personajes de la novela, en nuestros días.

100 MIN. DIRECCIÓN: MA ZHENGHONG / ALEJANDRO GONZÁLEZ PUCHE AUTORÍA: ALEJANDRO GONZÁLEZ PUCHE TEATRO DE SALA

Compañía Malabareate

Theatre Malagana

Teatro Papagayo

La Compañía Malabareate es un grupo enfocado en la investigación y creación de circo-teatro. Colectivo formado por artistas empíricos y en proceso de formación en circo, teatro, música y danza.

Adjuntados al movimiento del Nuevo Circo y sus diversos géneros y sub-géneros, experimentando las diversas fusiones y creaciones artísticas, esperan poder forjar una imagen propia.

La Compañía Malabareate también realiza diferentes encuentros culturales y muestras artísticas en la comuna 3.

El Theatre Malagana Troupè es un grupo de ingenio teatral independiente creado a finales del año 2013. En su periodo de surgimiento ha realizado un arduo trabajo para iniciar con pie derecho en la efervescencia del oficio escénico.

Entendiendo la responsabilidad de asumir las nuevas generaciones con respecto a la formación de públicos a través de dinámicas alternativas para el entretenimiento, ven el teatro como un trampolín pedagógico para la construcción de una sociedad sentipensante, sensible y creativa.

Cirko Pirata

EXODUS

Teatro Papagayo nace en la ciudad de Cali en 1986. Fundado por Jean Marie Binoche, Doris Sarria Valencia y Kristin Bartelsman Sarria; investigando al interior del movimiento teatral colombiano para la creación de una dramaturgia propia.

Durante 23 años el trabajo se ha proyectado en sectores estudiantiles, sindicales, campesinos y comunidades indígenas, participando en muestras, festivales, encuentros nacionales e internacionales.

Actualmente lo conforman profesionales trabajadores de la cultura provenientes del Instituto Departamental de Bellas Artes y la Universidad del Valle.

El capitán Cresta Roja y sus compañeros han preparado un espectáculo increíble para sorprender a un público cada vez más difícil de asombrar, recordando en sus mentes la magia y fantasía que el mundo del circo nos presenta.

Este circo cuenta con danzarinas, músicos, malabaristas, acróbatas, marionetas y faquiristas.

La ruina, el muro, la tierra, el polvo, aluden al desarraigo que se alberga en la errante búsqueda de libertad que tanto inquieta a la mente humana.

Sin ubicarse en ningún lugar ni en ninguna época determinada, EXODUS es un crudo combate de boxeo entre dos vencidos que se niegan a serlo: Un intelectual y un obrero que, lejos de su tierra, viven un presente sórdido y frustrante que les aboca constantemente a la depresión y a la angustia, amontonando ilusiones moribundas, víctimas de la adversidad y condenados a vivir en una situación sin salida, sin escapatoria posible.

Tríptico del desarraigo

80 MIN. DIRECCIÓN Y AUTORÍA: RODRIGO GARCÉS TEATRO DE SALA

50 MIN. DIRECCIÓN: OSWALDO HERNÁNDEZ / DORIS SIERRA AUTORÍA: CREACIÓN COLECTIVA TEATRO DE SALA

90 MIN. DIRECCIÓN Y AUTORÍA: JORGE ANDRÉS VERGARA TEATRO DE CALLE

Sobre el eje temático del desplazamiento, el grupo articula alrededor de la obra La Guariconga de Enrique Buenaventura, situaciones y personajes con textos de autores como: Mark Twain, Bertolt Brecht, Juan Pablo Vallejo y Mavin Sánchez.

El espectáculo resultante es una muestra de la investigación del colectivo, sobre una problemática actual y universal con fundamentos teóricos de la dramaturgia del actor de Enrique Buenaventura y el efecto del distanciamiento del teatro brechtiano.

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arriba

abajo

Mi amigo Drako Titirindeba En Casa Comedia.

Érase una vez un topo Tranvía Teatro En Sala Julio Valencia, Bellas Artes.

F: Jaime Manrique

F: Leidy Silva

Teatro del Presagio

Titirindeba

Tranvía Teatro

El Teatro del Presagio es una agrupación teatral profesional conformada en el año 2005, por licenciados en arte dramático de la ciudad de Cali. Desde entonces, viene desarrollando una actividad constante de investigación, creación, producción y circulación escénica. Ha sido invitado a múltiples festivales y eventos en Colombia y ha tenido la oportunidad de representar a nuestro país en Europa y Latinoamérica donde ha dejado la mejor impresión de la cultura y el arte vallecaucanos.

En el mes de octubre de 1973 se fundó el grupo de títeres representativo del Instituto Departamental de Bellas Artes, entidad Universitaria oficial de orden departamental que forma artistas en teatro, música, artes plásticas y diseño gráfico. En 1987 inició su labor como grupo profesional con el nombre de Titirindeba, quien en la actualidad cuenta con un amplio repertorio en diversas técnicas con espectáculos que además de alcanzar un alto desarrollo estético, educan y recrean a toda clase de público.

La alta calidad y proyección con que cuenta hoy esta agrupación, le ha hecho ganar el reconocimiento nacional e internacional.

La Corporación Tranvía Teatro es una agrupación teatral de la ciudad de Cali, conformada por profesionales del arte teatral, que se dedica a la producción y creación escénica, impactando la ciudad a través de propuestas artísticas, pedagógicas y de producción de alta calidad, propendiendo por el reconocimiento de nuestras expresiones culturales en el nuevo contexto de la globalización.

Se constituye desde el año 2012 y desde entonces ha desarrollado una importante labor teatral que le ha permitido participar en diferentes lugares y eventos culturales a nivel regional y nacional.

Negro Negro habla de acontecimientos recientes de nuestro país, de lo irreparable del conflicto.

La idea es evocar, producir algo en el otro que quizá se parezca a eso que nos pasa a nosotros.

Negro es una obra sobre la estafa moral, sobre la dignidad del hombre en tiempos de indignación.

Con el lenguaje de la danza contemporánea y el teatro experimental Negro alude a los tiempos oscuros que vivimos y considera que el arte es una “acción” que rememora y recupera la voz y el cuerpo.

55 MIN. DIRECCIÓN Y AUTORÍA: DIEGO FERNANDO MONTOYA TEATRO DE SALA

Mi amigo Drako Una inquieta princesa sobreprotegida por su padre en lo más alto de la torre del castillo, decide un buen día salir de su encierro y llegar al bosque para descubrir algo que le cambiará la vida y el destino del reino. El Rey al presentir la ausencia de su hija, da crédito a las predicciones de un mago chiflado que le hace creer que un malvado cazador la ha raptado, esto moviliza a todos los guardias en busca de ella, con la orden de derrotar al malvado personaje, iniciándose así una gran aventura en donde el protagonista es Drako.

50 MIN. DIRECCIÓN Y AUTORÍA: RICARDO VIVAS DUARTE TEATRO INFANTIL Y DE TÍTERES

Érase una vez un topo Quiso el Topo una mañana salir de su madriguera, cuando repentinamente algo blando, café y mal oliente le cayó encima ¡Alguien hizo popó sobre su cabeza!

Enfadado buscó al culpable por el bosque, para vengarse, preguntando quién había sido el autor del hecho; cada uno de los animales le mostró al Topo una parte de sí: inocencia, sagacidad, sabiduría, orgullo, alegría; pero ninguno era quien el Topo buscaba, pues todos le enseñaron como hacían “aquello” y en ningún caso se parecía a lo que el Topo llevaba sobre su cabeza.

60 MIN. DIRECCIÓN: ALEXANDER LOZADA ÁVILA AUTORÍA: CREACIÓN COLECTIVA / ALEXANDER LOZADA ÁVILA TEATRO INFANTIL

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Directorio de artistas

Autores Alejandro González Puche Alejo Moguillansky Alexander Lozada Ávila Alonso Mejía Román Arístides Vargas Carlo Collodi Diego Fernando Montoya Serna Eddy Janeth M.H. Edgar Barrera Montenegro Emilio García Wehbi Enrique Buenaventura Enrique Lozano Enrique Vargas

Farley Velásquez Fernando Vidal Francisco Antonio Henao Velasco Gabriel Uribe Genny Cuervo Hermanos Grimm Jaime Chabaud Jhon Jairo Lotero John Jairo Perdomo Jorge Andrés Vergara Arboleda José Féner Castaño José Reinel Osorio Torres Juan Carlos Agudelo

Juan Carlos Moyano Julián Alfredo Correa Patiño Luciana Acuña Luis Daniel Castro Luz Marina Gil Michael Ende Orlando Cajamarca Castro Pilar Restrepo Ricardo Vivas Duarte Roberto Garcés Figueroa Sófocles Victoria Valencia William Ruano

Douglas Salomón Eddy Janeth M.H. Edgar Barrera Montenegro Enrique Berbeo García Farley Velásquez Fernando Santiago S Fernando Vidal Francisco Antonio Henao Velasco Gabriel Uribe Genny Cuervo Jacqueline Vidal Jhon Jairo Lotero Jorge Andrés Vergara Arboleda Juan Carlos Agudelo Juan Carlos Moyano Juan Manuel Paz

Julián Correa Lucia Amaya Luciana Acuña Luis Daniel Castro Ma Zhenghong Melisa Osorio García Misael Torres Orlando Cajamarca Castro Oswaldo Hernández Dávila Patricia Ariza Flórez Pierrik Malebranche Ricardo Vivas Duarte Roberto Garcés Figueroa Santiago Betancourt Victoria Valencia Wilkin Rojas

Directores Alejandro González Puche Alejo Moguillansky Alexander Jiménez Alexander Lozada Ávila Alonso Mejía Román Ariel Martínez Arístides Vargas Beatriz Elena Monsalve Trujillo Carola Martínez Carolina Estupiñán Charo Francés Cristina Pimienta Barros Cristóbal Peláez Diego Andrés Martínez Diego Fernando Montoya Serna Doris Sarria de Bartelsman

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Actores Adelaida Otálora Adriana Barros Duarte Adriana Bermúdez Fdez Adriana Gonzalías Zapata Alejandro Monsalve Alejo Moguillansky Alex Ruiz Alexander Jiménez Alexandra Escobar Alexis Carvajal Alfredo Núñez Lucio Alfredo Valderrama Vivas Alonso Mejía Román Amparo Pereira Ana Carolina Arcila Valencia Ana Isabel Esqueira Andrés Fabián Ruiz Andrés Felipe Holguín Andrés Felipe López Muñoz Ángel González Ángela María Cano Ángela Pacheco Salamanca Angélica Legarda Angélica Nieto Cruz Angie Katherine Ibarra Gonzáles Anny Rodríguez Ariel Martínez Arístides Vargas Bárbara Figueroa Caelles Beatriz Elena Piñeiro Quintero Beatriz Piñeiro Blanca Rodríguez Camilo Amórtegui

Camilo Villamarín Orrego Carlos Duarte González Carlos Humberto Loaiza Carmiña Martínez Carola Martínez Carolina Mazuera César Amezquita César Badillo Cesar Walter Montaño Charo Francés Cindy Jaramillo Cindy Tatiana Soliman Clara Inés Ariza Claudia Andrea Bolaños Páez Cristian Guerrero Cristián Solórzano Daissy Pimienta Mejía Daniel Castro Daniel Gómez Daniel Sánchez Daniela Rodríguez Darío Aguilar David Machado David Rosero Deisy Velasco Diana Carolina Estupiñán Diana Morales Diego Beltrán Diego Sánchez Diego Vargas Diego Zabala Doris Sarria de Bartelsman Edith Laverde

Edna Rocío Rojas Eduardo Canízales Edwin Barros Edwin Taborda Piedrahíta Eleonora Salomón Eliana Rusca Castro Elizabeth Sánchez Emiliana Toro Enoc Cotes Barros Erika Guzmán Esteban Orozco Estefanía Escudero Estefanía Torres Esther Celis Fabián Orozco Felipe Andrés Pérez Fernando Mendoza Fernando Reinosa Francisco Gamba Francisco Henao Velasco Francisco Sierra Gabriel Chwojnik Gabriel Uribe Meza Genny Cuervo Gerardo Torres Gerson Andrade Ochoa Giancarlo Montoya Giovanna Valderrama Gloria González Gonzalo Andrés Basto Restrepo Gustavo Adolfo Silva Vélez Gustavo Alonso Vidal Hélber E. Sepúlveda Tovar

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Hernando Forero Hilda Ruíz Ingrid Johana Osorio Castro Jaime Gómez Pinzón Jasasi Van Grieken González Jean Carlos Mosquera Jefferson Rodríguez Vidarte Jenny Alejandra Parra Jiménez Jhonatan Morales Jimmy Luna Jimmy Taborda Joan Jiménez John Álex Castillo Valencia John Fernando Ospina John Jairo Perdomo Johnathan Rodríguez Obando Johnathan Trejos Jonathan Cadavid Jonh Alexander Ortiz Osorio Jorge Andrés Vergara Arboleda Jorge Esteban Amézquita José Féner Castaño José Reinel Osorio Torres Juan Camilo Mutis Díaz Juan Carlos Agudelo Juan Carlos Borja Pino Juan Carlos Granada Juan David Correa Juan Manuel Paz Zamora Julián Correa Patiño Julián Mauricio Gómez Karol Tatiana Cardona Krugman Gómez Laura Campaz Minota Laura Patiño

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Leidy Carlina Córdoba Hineztroza Leidy Pulido Vélez Lina Marcela Londoño Luciana Acuña Lucy Bolaños Díaz Luis Carlos Velasco Luis Gabriel Arias Díaz Luis Rojas Zambrano Luz Marina Arboleda Luz Marina Gil Luz Myriam García Franco Maar Montoya Maira García Margarita Betancur María Isabel García Mario Miranda Maryury Ruiz López Matthiew Perpoint Mavim Sánchez Mayra Castillo Ruiz Melisa Osorio García Melissa González Siosi Miguel Pimienta Barros Mirna Soraya González Misael Torres Nasly Sánchez Suárez Natalia Riascos Benítez Natalia Ruiz Nathalia Salinas Nohra González Norly Mariel Caicedo Orietta Salazar Oswaldo Hernández Dávila Paola Arboleda Mancilla Paola Díaz

Paola Tascón Patheny Jhoanet Buitrago Patricia Gómez Paulina Giraldo Pedro Jacobo Usher Pedro León Rincón Ortiz Pilar Restrepo Mejía Rafael Giraldo Robbins Harold Rendón Bolívar Roberto Garcés Figueroa Robinson Cardona Rengifo Romano Barney Rubén Alberto Prado Restrepo Samuel Guevara Sandra Silva Santiago Betancourth Castillo Santiago Leyton Santiago Montaña Sara Elizabeth Ávila Susana Uribe Bolaños Tatiana Gómez Teresa Rábago Vanessa Bernal Ríos Vanessa Giraldo Guerrero Víctor Torres Victoria Eugenia Giraldo Silva Victoria Marroquín Victoria Valencia Wendy Betancourt Wilkin Rojas Peña William Jiménez Yeison Ramírez Escudero Yurainis Toro Nieves Yuri Andrea Marín Zapata Yurizan Toro Nieves