1ª edición: Septiembre 2013 Buenos Aires, Argentina © Carles Valls, 2013 ISBN: 978 - 13 - 6782 - 1 Depósito legal: B-122 Impreso por Printcolor Todos los derechos reservados. Queda prohibida sin autorización escrita del titular del copyright, la reproducción total o parcial de esta obra por cualquier medio o procedimiento.
Ă?ndice Origenes ................................. 10 Radio ...................................... 14 Louis Armstrong ..................... 18
Origen .................................... 24 Broadway ................................ 26 Solo and Partner ...................... 28
Orígenes M
edio siglo después de la fundación de la ciudad de Nueva Orleans en 1764, Francia la cedió a España para después, en 1801, recuperarla hasta 1803, momento en que pasó a ser parte de Estados Unidos como consecuencia de la compra de la Luisiana. Por ello, los franceses y españoles, junto a alemanes, italianos, ingleses, irlandeses y escoceses contribuyeron ampliamente a la escena cultural de la ciudad. Los habitantes de raza negra eran también diversos, siendo muchos de ellos fundamentalmente de la zona occidental de África o caribeños. Es en este heterogéneo contexto cultural donde tiene su origen la aparición de estilos musicales tan diversos como el jazz, la música cajun, el zydeco o el blues. A pesar de que, en muchas áreas del Sur de Estados Unidos, el batir de tambores estaba
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específicamente prohibido por la ley y, en zonas como Georgia, se prohibió el uso de cualquier instrumento musical por parte de los esclavos, los festivales con música de tambores y danzas africanas se organizaban con frecuencia a comienzos del siglo XIX tanto en Nueva Orleans, en la conocida como Plaza del Congo, como en Memphis, Kansas, Dallas o San Luis, usando instrumentos de percusión y de cuerda similares a los utilizados en la música africana indígena. Los esclavos solían tener el domingo libre y organizaban fiestas en la Plaza del Congo, que se prolongaron aproximadamente hasta 1885, coincidiendo con el surgimiento de las primeras bandas de jazz. Las canciones y danzas interpretadas eran en gran medida funcionales, ya fuese para el trabajo con canciones o gritos de campo, o utilizado para ritual
No obstante, la característica principal es su gran riqueza rítmica. La tradición africana hacía uso de melodías simples y de técnicas de música de llamada y respuesta, pero estos elementos no tardaron en combinarse con conceptos armónicos procedentes de la música europea. Los ritmos reflejaban patrones africanos y de las escalas pentatónicas surgieron las notas del blues, utilizadas posteriormente para sentar las bases del blues y el jazz. Los estamentos eclesiásticos también intentaron controlar la música de los esclavos, obligándose en numerosas ocasiones a las personas de raza negra a que cantasen salmos e himnos para "convertirles" a estilos musicales más europeos. En muchos casos, el efecto fue contrario. Alan Lomax, erudito de la música afroamericana, comentó: "Los negros habían africanizado los salmos a tal nivel que muchos observadores describieron los himnos de los negros como misteriosa música africana. En vez de actuar de forma individual, fusionaban las distintas voces. De aquí salían increíbles armonías, en las que cada cantante estaba haciendo variaciones de la misma melodía. El resultado es una música tan potente y original como el jazz, pero profundamente melancólica, ya que la cantaba gente muy presionada".
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Louis Armstrong 14
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rimeras estaciones de radio comerciales en los EE.UU., 8MK (WWJ) en Detroit y (KDKA 1020 AM)3 en Pittsburgh, Pennsylvania, salir al aire el 27 de agosto de 1920. Ambas estaciones transmiten los resultados de las elecciones entre Harding y Cox a principios de noviembre. La primera estación para recibir una licencia comercial es WBZ, a continuación, en Springfield MA, a mediados de septiembre de 1921. Si bien hay pocas estaciones de radio en 1920-1921, en 1922 la moda de la radio se extiende por el país. La difusión del jazz se sintió alentado por la introducción de programas de radio a gran escala en 1922, lo que significó estadounidenses fueron capaces de experimentar diferentes estilos de música sin tener que visitar físicamente a un club de jazz. La radio proporciona estadounidenses con una nueva vía de moda para explorar el mundo a través de emisiones y conciertos desde la comodidad de su sala de estar.
El tipo más popular del programa de radio era un “alfarero palma”: los conciertos y actuaciones de aficionados de jazz de gran banda de radiodifusión de ciudades como Nueva York y Chicago. Artistas de jazz como Louis Armstrong originalmente recibieron muy poco tiempo en el aire porque la mayoría de las estaciones preferidas para escuchar la música de blancos cantantes de jazz americanos. En las zonas urbanas, el jazz afroamericano se jugó en la radio con más frecuencia que en los suburbios. Big-band de jazz, como el de James Reese Europe, y Fletcher Henderson en Nueva York, fue también muy popular en la radio.
Radio
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Improvisación
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a improvisación es una de las características definitorias del jazz.Se trata de un concepto muy antiguo, que se remonta a la obra de grandes compositores clásicos como Johann Sebastian Bach, quien improvisaba a menudo sobre las armonías de sus obras. Aunque los primeros ejecutantes de jazz no sabían nada acerca de los compositores clásicos, el jazz adoptó rápidamente la idea, convirtiéndose desde su nacimiento en una música esencialmente improvisada, donde los músicos parten de unos esquemas previos y de sus conocimientos y habilidades adquiridas
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a través de sus años de estudios para ejecutar solos improvisados sobre la estructura armónica de los temas. Un solo es, por definición, una pieza musical ejecutada por un instrumentista con o sin acompañamiento, y en algunas obras didácticas se dice que la habilidad para ejecutar un buen solo se asemeja a la habilidad para contar una historia, donde no importa sólo “lo que se dice”, sino también “cómo” se dice. Para crear un solo, los músicos necesitan conocer algunos elementos básicos, como la estructura de acordes del tema sobre el que están ejecutando el solo, la función
que cada acorde juega dentro de la estructura armónica del tema o las escalas que se derivan de cada uno de los acordes que componen el tema, y luego deben integrar todos esos elementos con la melodía, que servirá en muchos casos como “guía” para el solista. Además deben disponer de los conocimientos y la experiencia necesarios para poder interpretar toda esa información, lo que en la práctica significa conocer a fondo el lenguaje del jazz y de sus distintos dialectos: jazz tradicional, swing, bebop, hard bop y las innovaciones rítmicas y armónicas que tuvieron lugar después.
Ritmo y Swing
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oda agrupación de jazz dispone, con independencia de su tamaño, de una “sección melódica” y una “sección rítmica”. La primera está compuesta de instrumentos melódicos como el saxofón, la trompeta o el trombón, mientras que la segunda la componen instrumentos como la batería, la guitarra, el contrabajo y el piano, siempre y cuando no pasen a primer plano ejecutando, por ejemplo, un solo. En general, la sección rítmica es la encargada de proveer el colchón armónico y rítmico sobre el que
tiene lugar la ejecución de melodías y solos, aunque pueden producirse excepciones e inversiones de esta regla, especialmente en el jazz moderno. Algunos críticos opinan que la sección rítmica está íntimamente conectada con los orígenes africanos del jazz, mientras que la melodía y la armonía proceden de la música clásica europea, una música donde, tradicionalmente, el ritmo ha jugado un papel menos importante, una diferencia que resulta especialmente patente si la comparamos con la música
tradicional de otros lugares del mundo. La unidad rítmica básica en el jazz es el beat, el pulso que en principio han de marcar a lo largo de la pieza el baterista y el bajista, o al menos uno de ellos; esto es así en la inmensa mayoría de las ocasiones, aunque en muchas otras, sobre todo en el free jazz, se dé por sobreentendido y no se marque. A lo largo de la historia del jazz, y con cada una de sus etapas, ha prevalecido una concepción diferente de los ritmos fundamentales, que fueron muy distintos.
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En 1922, Armstrong se unió al éxodo generalizado de músicos que se produjo hacia Chicago, a donde había sido invitado por Joe King Oliver para incorporarse a su Creole Jazz Band como segundo cornetista. La orquesta de Oliver era, a comienzos de los años veinte, la mejor y la más influyente agrupación de swing de Chicago, en una época en que la ciudad era el centro del jazz; fue en este momento cuando la popularidad de Armstrong empezó a incrementarse de forma exponencial. En 1923, Armstrong hizo su debut con la orquesta de Oliver para el sello discográfico Okeh Records. En sus primeras grabaciones se incluyeron algunos solos y apartes como segunda corneta de la banda; en 1924, sin embargo, ya era el solista más importante y más creativo del grupo. En febrero de 1924 se casó con Lillian Hardin, pianista de Oliver, quien lo animó a abandonar a este para alcanzar mayores
metas artísticas. Así, se separó amistosamente de Oliver y, tras trabajar brevemente con Ollie Powers, se marchó a Nueva York. Su fama llegó rápidamente a oídos del mejor director de orquesta negro del momento, Fletcher Henderson, quien le ofreció un contrato para que se uniese a su banda, la Fletcher Henderson Orchestra, la principal banda afroamericana de la época. Armstrong se cambió a la trompeta para armonizar mejor con los otros músicos de su sección orquestal y debutó con ella el 29 de septiembre de 1924 en el Roseland Ballroom de Nueva York. Tras decidirse a aprender a leer música, en sólo un año revolucionó el estilo y la forma de tocar de sus compañeros y grabó con las mejores cantantes de blues de la época, como Bessie Smith. Durante este periodo, hizo también muchas grabaciones de forma independiente con los arreglos de un viejo amigo de Nueva
“Mi vida entera, mi alma entera, mi alcohol entero es soplar ese instrumento.”
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Orleans, el pianista Clarence Williams6, como por ejemplo unos dúos con su «rival» musical Sidney Bechet y una serie de acompañamientos con los Blues Singers. En 1925 regresó a Chicago para unirse a la orquesta de Lil en el Dreamland Ballroom; empezó a grabar bajo su propio nombre para el sello OKeh acompañando a dos formaciones creadas por él llamadas Hot Five y Hot Seven, produciendo éxitos como «Potato Head Blues», «Muggles» (una referencia a la marihuana, la cual tendía a consumir desde siempre) y «West End Blues». El trabajo de Armstrong con ambos grupos se convertiría en clásico dentro de la historia del jazz, siendo enormemente influyente y reinterpretado. Fuera del estudio continuó tocando con Big Bands, como por ejemplo las de Erskine Tate y Carroll Dickerson, y su repertorio comenzó a cambiar hacia canciones populares como «Ain’t Misbehavin». Apoyado ahora por la prestigiosa banda de Dicker-
son, anunciada como su propia orquesta, Armstrong aplicaba su forma virtuosa de tocar la trompeta y su encantadora manera de cantar con enorme efecto a las melodías populares de la época. La aparición en 1926 de «Heebie Jeebies» supone la primera muestra del estilo vocal llamado scatting, que Armstrong haría famoso: un solo instrumental cantado mediante sonidos o palabras sin ningún sentido. Armstrong regresó a “Fue el único músico que Nueva York en 1929, haya vivido jamás que no luego se trasladó a Los Ángeles en 1930 pueda ser reemplazado y después realizó por alguien” Bing Crosby una gira por Europa a partir de 1932 (regresaría dos años después, en 1934), consiguiendo un espectacular éxito en París.6 La aparición de Joe Glaser en 1935 como su representante y la contratación de la orquesta de Louis Russell como formación de apoyo de Armstrong, establecieron el curso de los acontecimientos durante el resto de la década, en la que Armstrong pasó de ser una simple figura del jazz a un
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BROAD
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En agosto de 1919, la unión de trabajadores teatrales (Actors Equity Association) demandaron un contrato común a todas las producciones profesionales. Luego de que una huelga cerrara todos las salas, los productores se vieron forzados a aceptar. Por los años ‘20, los hermanos Shubert habían sobresalido para asumir el contro de la mayoría de los teatros del sindicato de Erlanger. Los teatros Winter Garden, Maxi-
ne Elliott’s, Casino y Knickerbocker en Broadway en 1920. El cine surgió como un desafío a los escenarios teatrales. Al principio, las películas eran mudas y presentaban una competencia limitada. Sin embargo, a finales de los años ‘20, películas como The jazz singer (1927) podían ser presentadas con sonido sincronizado, y los críticos se preguntaban si el cine reemplazaría por completo al teatro. Los
musicales de los llamados felices años veinte, tomando prestado del vaudeville, music hall y otros entretenimientos livianos, tendieron a ignorar argumentos a favor de enfatizar actores y actrices estrella, grandes rutinas de baile y canciones populares. Florenz Ziegfeld produjo espectaculares revistas anuales de canciones y baile en Broadway destacando escenografías extravagantes y vestuarios elaborados,
pero no había demasiadas cosas que juntaran todos los números representados. Las producciones livianas fueron comunes en lso años ‘20, tales como Sally, Lady Be Good, Sunny, Oh, Kay! y Funny Face9.
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Solo and Partner E
ste baile se caracteriza por darle mucha importancia a los instrumentos de viento sobre todos los demás; lo que lo hace más rápido que otros bailes, requiriendo por lo tanto, que seamos un poco más veloces con nuestros pies. Para empezar, se daba un paso al frente con la pierna derecha, un paso de vuelta al lugar y otro hacia atrás con la pierna izquierda. Después se repetía esto hacia los costados, cruzando un pie por delante del otro de manera que la pierna derecha cruza por delante
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de la izquierda y esta última se descruza por detrás con un paso al costado.Era importante que los brazos acompañen los movimientos de los pies, para eso se intentaba imitar con ellos el movimiento de un péndulo. Por último, un giro de 180 grados para volver a empezar y repetir los pasos anteriores. El momento más famoso y tal vez más divertido de bailar el charlestón consiste en juntar y separar rápidamente las rodillas entre sí sin olvidar acompañarnos con los brazos. Por tratarse de un baile divertido
y energético, el charlestón fue conocido en los años 20 como una forma de entretenimiento después de la Primera Guerra Mundial. Entre los artistas destacados se encuentran Louis Armstrong, Jive Bunny & The Master Mixers, Benny Goodman, Milton Ager y The temperance Seven10, entre otros. Algunos de los temas más populares del charlestón podrían ser “Ain´t she sweet, Sugar blues”, “That certain party” y “Running wild”, estos serán de gran utilidad a la hora de practicar los pasos de
este extravagante baile americano. En la actualidad, no existen nuevas bandas que se dediquen a recrear este estilo musical pero siempre estará la posibilidad de volver a la moda de los años 20 y escuchar otra vez estos sonidos, gracias a la cantidad de formatos existentes hoy en día que nos permiten reproducir música de todas las épocas. Tenemos la música y tenemos las instrucciones, solo nos queda animarnos y vivir la experiencia de bailar el charlestón al más puro estilo de los años 20.
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ANEXO
1- King Oliver
Fue apodado con el sobrenombre de “King” (“Rey” en inglés). El nombre de “King” Oliver es más conocido entre los amantes del jazz que su propia música, debido principalmente a que Louis Armstrong nunca se cansó de hablar de sus primeros días y de la influencia que Oliver había tenido en el lanzamiento de su carrera, y a que la mejor música de Oliver se grabó hace mucho tiempo y con una técnica que dificulta la audición de sus discos.
Irene Castle, entonces muy conocidos. Bajo la denominación de “Clef Club Orchestra”, actuó en el Carnegie Hall en 1912, con Sidney Bechet y Noble Sissle entre sus músicos. Durante la Primera Guerra Mundial, Europe dirige diversas bandas militares y actúa en Francia, donde estaba con su regimiento. Su vuelta a Estados Unidos, en 1915, es triunfal y graba varios discos para Pathé, con rags, blues y espirituales negros, bajo el nombre de “Hell’s Fighters”. El 10 de mayo (según Ortiz Oderigo) o el 9 (según otros autores), Europe es asesinado tras una discusión con su baterista, Herbert “Battleaxe” Wright.
2-Jimmy Reese Europe Su apodo le viene de que, adolescente aún, se trasladó a Europa para perfeccionar su dominio del violín en el Conservatorio de Leipzig.1 De regreso a su país, se instaló en Nueva York, en 1904. Integró la primera banda de jazz conocida de la ciudad, junto a Will Dixon, y ejerció de director de comedias musicales. Fundó la “Europe’s Society Orchestra”, en 1910, con la que acompañó a la pareja de bailarines Vernon e
4 - Bunk Johnson
Bunk fue considerado uno de los principales cornetistas de Nueva Orleans entre 1905 y 1915, etapa en la que realizó varias salidas de la ciudad con diversos espectáculos de minstrel y bandas de circos. En 1910 lo encontramos en la Eagle Band de Frankie Dusen, además de con otras bandas de renombre de su ciudad natal. Tocó con Clarence Williams hasta que, en 1917, emigra a Chicago y adopta la trompeta como instrumento principal.
5-Buddie Petit 3 - WWJ y KDKA
Fueron las primeras radios creadas en los EstadosUnidos con transmisión de música y programas radiales de ocio. Corresponden a Detroit y a Pittsburgh respectivamente . Fueron grandes promotoras de la música Jazz y ayudaron a su difusión.
Fue uo de los cornetistas más reconocidos del ambiente del Jazz de la de decada del 20. Toco junto a grandes figuras como King Oliver y Bunk Johnson e inspiro a iconos como Louis Armstrong.
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