ESTILOS GRﾃ：ICOS
ÍNDICE
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ART NOUVEAU
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CONSTRUCTIVISMO RUSO
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BAUHAUS
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ART DECÓ
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ESTILO SUIZO
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POP ART
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OP ART
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ARTE PSICODÉLICO
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NEW WAVE
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ART NOVEAU A fines del siglo XIX se desarrolló en Europa una tendencia modernista que se expresó en todas las áreas de las artes aplicadas: utensilios, joyas, muebles, edificios, carteles y hasta cajetillas de cigarros. La fascinación por este movimiento nace por la explosiva aparición del cine, que había alcanzado todos los aspectos de la vida. Los años del surgimiento y desarrollo del estilo art nouveau se corresponden con la antesala de la primera guerra mundial donde las principales potencias mundiales lucharían por una nueva repartición de los mercados internacionales. Muy pronto estas mercaderías deslumbrarían en Euripa Occidental, cuyos artistas se sintieron atraídos con los nuevos códigos artísticos que proponían otras culturas, iniciando una etapa de asimilación de elemen-
tos de disimil origen: orientalistas, africanos y egipcios. El individualismo y el impulso interior del Art Nouveau se oponen al largo período de esterilidad artística que se impuso durante el historicismo, el cual sólo procuraba por la recuperación de estilos pasados, o también llamados “Neoestilos”. La revolución devino en parte por el deseo interno de un cambio en las propuestas artísticas, pero también por causas mas profundas. Si durante el Historicismo se abandonaron las normas estéticas a causa de la normativa de la técnica, la irritación de los modernistas puede interpretarse como un acto reflejo de oposicion., basta con nombrar las bocas del metro de París de Hector Guimard contrapuestas a la concepción del nuevo invento subterráneo. Sin Embargo, no sólo muestra de forma ejemplar la ruptura entre las dos tendencias, si no también una integracion entre técnica y el arte; lo que se oculta y lo que se quiere mostrar de forma casi sobrecargada.
De esta forma la ornamentacion adquiere otro comunicado, es mas que una simple decoración. Deja de ser un síntoma para transformarse en un símbolo: La función convertida en un placer estético.
CARACTERÍSTICAS GENERALES La inspiración en la naturaleza y el uso profuso de elementos de origen natural pero con preferencia en los vegetales y las formas redondeadas de tipo orgánico entrelazándose con el motivo central. El uso de la línea curva y la asimetría, tanto en las plantas y alzados de los edificios como en la decoración. Una derivación de este estilo en la década de 1920 es el denominado Art decó por lo que a veces se le suele confundir con el modernismo. Hay también una tendencia a la estilización de los motivos, siendo menos frecuente la representación estrictamente realista de éstos.
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grandes influencias en los nuevos artistas que florecen, pues se nutren de aquello que consideran importante o rescatable y con las tecnologías del día de hoy logran grandes piezas de diseño o de arte.
EL ART NOUVEAU Y SU DIFUSIÓN EN EL MUNDO FRANCIA
Una fuerte tendencia al uso de imágenes femeninas, las cuales se muestran en actitudes delicadas y gráciles, con un aprovechamiento generoso de las ondas en los cabellos y los pliegues de las vestimentas. Una actitud tendente a la sensualidad y a la complacencia de los sentidos, con un guiño hacia lo erótico en algunos casos. La libertad en el uso de motivos de tipo exótico, sean éstos de pura fantasía o con inspiración en distintas culturas, como por ejemplo el uso de estampas japonesas , que se ve en el gusto por la curva. La aplicación envolvente del motivo tomando alguna de las características anteriormente mencionadas en contraposición con las características habituales del objeto a decorar. Esto se puede observar en la aplicación en el mobiliario, en arquitectura, en los afiches o posters promocionales o en objetos de uso cotidiano donde el elemento destacado de
tipo orgánico envuelve o se une con el objeto que decora.
EN LA ACTUALIDAD A fines del siglo XX el art nouveau se convirtió en la moda a la hora de diseñar, tanto a niveles arquitectónicos como decorativos o funcionales mostrando el arte burgués y la ostentación de los mismos. De la misma forma que ha pasado en otras épocas se repite la historia.
En París se desarrolló una tendencia de origen belga que interpreta la línea como un signo abstracto que recorre las superficies abriéndose en amplias volutas. La supresión de las aristas suaviza los ángulos y las molduras. Los materiales, totalmente sometidos a las formas, son la madera, el bronce y el hierro forjado. Los principales artistas parisinos fueron Guimard, Gaillard y de Feure. Héctor Guimard, autor de las ya citadas ( extraordinarias ) estaciones del metro parisino, Eugène Gaillard refinado y elegante,
Los artistas contemporáneos recogen elementos de estilos pasados para revivirlos y otorgar revitalizacion a estos mismos o inverso; poner una cuota de “antiguedad” o “clase” a nuevos elementos diseñados. Por ejemplo, joyeros o ebanistasactuales rescatan la materialidad, o figuras, conceptos que les permiten llevar a cabo un diseño con estilo art nouveau, pero contemporáneo. Al igual que con el Art Nouveau los estilos ya pasados tienen
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muestra en sus muebles la sinuosidad de la naturaleza. Georges de Feure, más ligado al rococó, prefiere los colores claros pero emplea también el dorado en sillones y divanes decorados con grabados y tallas. En 1900 actuó en parís la bailarina Lois Fuller. Un número increíble de ilustraciones y esculturas nos muestran hasta qué punto el Art Nouveau se inspiró en ella. Su forma de danzar serpenteante y bañada de una luz multicolor provocó el intento de plasmar sus movimientos, exagerados por las telas que la envolvían. Tarea prácticamente imposible pero que nos permite apreciar hoy en día la pasión que desató en innumerables artistas. Sin embargo fue en la Ècole de Nancy donde se desarrolló una verdadera industria del Art Nouveau en su vertiente plenamente naturalista y con fuertes dosis de simbolismo de origen literario. Nancy se había convertido en 1900 en la ciudad más poderosa del este francés tanto en el plano político como en el económico y cultural. Asentamientos de artistas y artesanos contribuyeron a la prosperidad de la ciudad que se destacaba zpor sus manufacturas de muebles, vidrios y cerámica. Jean Daum, emigrante en Nancy, produjo desde 1895 artículos de vidrio en estilo modernista, sin temer a la producción en serie. Jacques Gruber, fino ebanista llegado de Metz hizo famosa a Nancy con sus creaciones hacia el 1900. Emile Gallé el más dotado y
polifacético entre los artistas de la época se perfeccionó en la manufactura de vidrio coloreado y tallado ( que aplicó especialmente en sus famosas lámparas ) y en el taraceado de los muebles. Con el tiempo llegó a ser una figura señera dentro del Art Nouveau. En el diseño de mobiliarios se destacó también Louis Majorelle con sus construcciones escultóricas llenas de dinamismo y elegancia. Con respecto a su
maestro, Gallè, expresa un mayor sentimiento plástico (modelaba sus muebles en arcilla antes de construirlos), subrayado además por apliques decorativos de bronce dorado. Este artista falleció en 1926.
BÉLGICA Los edificios y muebles que diseña tienden a una integración total con el ambiente, desarrollando formas vegetales pero no copiándolas sino interpretando sus
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elásticas tensiones en motivos decorativos abstractos, ligeros y ondulantes. Henri Van de Velde, arquitecto, diseñador y pintor puede considerarse el artista más comprometido con el nuevo estilo, Desarrolla su actividad en toda Europa y se interesa por todas las artes aplicadas. Sus muebles, aunque no renuncian a los elementos decorativos, como en el famoso escritorio “en forma de mariposa”, se basan en líneas de fuerza que brotan de la propia estructura, sus curvas no son nunca ornamentales. Utiliza la madera de una madera orgánica respetando las tensiones de sus fibras. Junto con el genial Van de Velde hay que citar a Gustave SerrurierBovy, quien representa el lazo de unión entre la experiencia belga y la inglesa de Arts and Crafts.
ALEMANIA El Jugendstil alemán se desarrolla en dos ciudades: Munich y Darmstadt. En Munich trabajan Obrist y Endell, cuyas obras se remiten a un linealismo floral que sin embargo no anula los aspectos estructurales. Los muebles de Obrist, conocido también por sus tejidos bordados, buscan la simetría y una moderada plasticidad. Endell es más conocido por sus impetuosas decoraciones en edificios. En Darmstadt, la influencia austríaca, en especial la de Olbrich, determina una mayor severidad en las líneas. Sus artífices son Peter Behrens, uno de los grandes innovadores en el campo del diseño y la arquitectura europeas y un grupo de pintores y escultores que trabajan en el extenso campo de las artes aplicadas. Los
muebles de Beherns, quien por otra parte también se había formado en Munich, se caracterizan por la elegante moderación con que expresan la línea curva.
AUSTRIA En Austria el movimiento modernista toma el nombre de Secesión. Fundado en 1897 por el pintor G. Klimt y por los arquitectos Hoffmann y Olbrich, pronto comienza a exponer obras de artes aplicadas en un estilo que se caracteriza por una descarnada linealidad y una clara estructura geométrico- constructiva, muy próxima a la obra del escocés Mackintosh. Los muebles de Hoffmann son de una gran sencillez, de su “Taller Vienés” fundado con el pintor Koloman Moser salen productos muy característicos, además de por su línea, ( recordemos los
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y negros, formas elementales del cuadrado y el rectángulo e incrustaciones de vidrio y nácar dan como resultado muebles muy sugerentes, los más innovadores que se realizan en aquellos años.
ESPAÑA
construidos por la firma Thonet ) por su color: blanco y negro. Olbrich denota en sus muebles la influencia del estilo Biedermeier aunque usada con total libertad.
INGLATERRA Aunque sea el origen del estilo Art Nouveau, Inglaterra no alcanza nunca el desarrollo que éste consigue en el continente, resistiéndose sobre todo al exhuberante fluir de sus líneas. A partir de las experiencias de Mackmurdo y Voysey, quienes siguiendo las indicaciones del Arts and Crafts, diseñan muebles de líneas apenas movidas o inspiradas en el más abstracto mundo oriental y posteriormente de las experiencias angloorientales de Godwin, nace en Glasgow un grupo liderado por Mackintosh quien lleva hasta las últimas consecuencias el rigor, el geometrismo y el culto por la línea pura. Una rigurosa verticalidad, un mesurado juego cromático determinado por una completa gama de grises, violetas, blancos
El Modernismo español se identifica con el movimiento catalán, en cuyo vértice se encuentra Antonio Gaudí, el increíble arquitecto y diseñador muerto en 1926.
1900 y se afirma definitivamente con la Exposición Internacional de Arte Decorativo Moderno realizada en Turín en 1902. Su creador más destacado es el diseñador Ernesto Quarti con sus motivos decorativos de marquetería con incrustaciones de nácar, plata y carey inspirado tanto en el Art Nouveau francés como en la Secesión austríaca. Giácomo Cometti , en cambio se siente atraído por la geometría de Mackintosh y Carlo Zen produce muebles elegantes con abundantes incrustaciones de nácar.
Su extraordinaria arquitectura, apadrinada por el visionario mecenas Don Eusebio Güell, puede considerarse única en el mundo por su fantasía y libertad. Además de algunos edificios privados, este hombre hizo posible la construcción del parque público bautizado con su nombre situado en el noroeste de la ciudad de Barcelona. Este parque constituyó el punto culminante en la fase madura de Gaudí, cuya meta ya no era la superposición de elementos diferentes, sino el conjunto. Los muebles y la herrería que adornan los edificios de Gaudí dieron el puntapié inicial a gran cantidad de artistas de enorme talento. Esta obra monumental e intacta puede apreciarse hoy en día en la ciudad de Barcelona, así como la de sus seguidores.
ITALIA En Italia el estilo Liberty se difunde tras la Exposición de París del
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CONSTRUCTIVISMO RUSO El constructivismo fue un movimiento artístico y arquitectónico que surgió en Rusia en 1914 y se hizo especialmente presente después de la Revolución de Octubre. Es un término de uso frecuente hoy en el arte moderno, que separa el arte “puro” del arte usado como instrumento para propósitos sociales, a saber, la construcción del sistema socialista. El término Construction Art (arte de construcción) fue utilizado por primera vez en forma despectiva por Kasimir Malevich para describir el trabajo de Alexander Rodchenko en 1917.
INICIOS El constructivismo aparece por primera vez como un término positivo en Manifesto Realista de Naum Gabo en 1920. Alexei Gan utilizó la palabra como el título de su libro Constructivism,
impreso en 1922. Constructivism a su trabajo, mientras que su abstracción geométrica se debió, en parte, al Suprematismo de Kasimir Malevich. La base de enseñanza para el nuevo movimiento fue puesta por el Comisariado del Pueblo para la Educación (o Narkompros) del gobierno de Bolchevique, a cargo del Ministerio de Cultura y Educación dirigido por Anatoli Lunacharski que suprimió la vieja academia de Petrogrado de Bellas Artes y la Escuela de Moscú de Pintura, Escultura y Arquitectura en 1918. La oficina artística del Comisariado funcionó durante la Guerra Civil rusa principalmente dirigida por futuristas, que publicó el diario Arte de la Comuna. El centro del constructivismo en Moscú residía en VKhUTEMAS: la escuela para el arte y el diseño, establecida en 1919. Gabo señaló
más adelante que la enseñanza en la escuela fue orientada más en la discusión política e ideológica que en la creación artística.
TATLIN “arte constructivo” y productivismo La obra canónica del constructivismo fue la propuesta de Tatlin para el Monumento a la III Internacional (1919) que combinaba una estética de máquina con componentes dinámicos que celebraban la tecnología, como los reflectores y las pantallas de proyección. Gabo criticó públicamente el diseño de Tatlin diciendo o se crean casas y puentes funcionales o el puro arte por el
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famoso de esos se dio en Vitebsk, donde el grupo UNOVIS de Malevich pintó placas de propagandas y edificios (el más conocido era el poster de Lissitzky: Golpea a los blancos con la cuña Roja (1919). Inspirado por la declaración de Vladimir Mayakovsky “las calles nuestros pinceles, las plazas nuestras paletas”, artistas y diseñadores participaron en la vida pública durante la Guerra Civil. Una instancia determinante fue el festival propuesto para el congreso del Comintern en 1921 por Alexander Vesnin y Liubov Popova, que reensamblará las construcciones de la exhibición OBMOKhU así como realizará trabajos para el teatro. Hubo un gran momento en este periodo entre el Constructivismo y el Proletkult, arte, pero no ambos. Esto llevó a una división importante dentro del grupo de Moscú en 1920 cuando el Manifiesto Realista de Gabo y Pevsner afirmó la existencia de un núcleo espiritual para el movimiento. Esto se oponía a la versión del constructivismo adaptable y utilitaria que sostenían Tatlin y Rodchenko.
cuyos ideales concernieron en la necesidad de crear una estructura cultural completamente nueva y acorde a los Constructivistas. En suma algunos de los constructivistas estuvieron fuertemente envueltos en la “Ventana ROSTA”, una campaña de información pública Bolchevique alrededor de los años 20. Algunos de los más famosos de esta fueron el pintor y poeta Vladimir Mayakovsky.
fo. Vadim Meller nació en San Petersburgo. Su padre, George Meller, era un noble nacido sueco, su madre, Helen Caruso, medio italiana y medio griega, procedía también de una familia noble. Después de graduarse en en Derecho por la Universidad de Kiev, adquirió una educación artística en la Academia de Bellas Artes de Múnich. Estuvo en estrecho contacto con el grupo Der Blaue Reiter. Se hizo amigo de Vasily Kandinsky. Comenzó a exponer sus obras después de trasladarse a París, donde formó parte de la Sociedad de Artistas Independientes. En 1912-1914 participó en exposiciones junto con Kasimir Malevich, Sonia Delaunay, Alexander Archipenko y Aleksandra Ekster: Salón de los Independientes, Salón del resorte y Salón de Otoño junto a Pablo Picasso, Georges Braque y André Derain.
ARTE AL SERVICIO DE LA REVOLUCIÓN NOMBRES IMPORTANTES DEL MOVIMIENTO Así como estuvieron envueltos en trabajos de diseños industriales,
los Constructivistas trabajaron en festivales públicos y diseños de carteles callejeros para el gobierno de la revolución Bolchevique post-Octubre. Quizás el más
VADIM MELLER Fue un pintor ruso, artista vanguardista (Cubismo, Constructivismo), diseñador y escenógra-
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ALEKSANDRE RÓDCHENKO Escultor, pintor, diseñador gráfico y fotógrafo ruso, fue uno de los artistas más polifacéticos de la Rusia de los años veinte y treinta. Fue uno de los fundadores del constructivismo ruso y estuvo casado con la también artista Varvara Stepánova. Ródchenko nació en San Petersburgo, su familia se mudó a Kazán en 1902 y estudió en la Escuela de Arte de Kazán, donde impartían clase Nikolái Vesnín y Georgi Medvédev, y en el Instituto Stróganov en Moscú. Él hizo sus primeros dibujos abstractos, influido por el Suprematismo de Kasimir Malevich, en 1915. Al siguiente año, participó en “The Store”, exhibición organizada por Vladímir Tatlin, quien ejerció una gran influencia en su desarrollo como artista. Ródchenko, como muchos miembros del avant-garde, se
alinearon con los bolcheviques, que lo nombraron Director de la Oficina del Museo y del Fondo de compras en 1920. Fue el responsable de la reorganización de las escuelas de arte y de los museos. Entre 1920 y 1930 también impartió clases en el Estado Superior de Talleres de ArtistasTécnicos(Vjutemas/Vjutein). Ródchenko volvió a pintar a finales de 1930 y paró de fotografiar en 1942, produciendo cuadros expresionistas abstractos en los años 40. Él continuó organizando exhibiciones de fotografías para el gobierno durante estos años. Murió en Moscú en 1956.
VARVARA STEPÁNOVA Fue una artista rusa relacionada con el movimiento constructivista. Procedía de una familia campesina, pero obtuvo una educación en la Escuela de Arte Kazán, en Odesa. Allí conoció a su amigo y colaborador Aleksandr Ródchenko. En los años que precedieron a la Revolución Rusa de 1917 compartieron un apartamento en Moscú con Vasili Kandinski y a través de él conoció a Aleksandra Ekster y Liubov Popova. Estos artistas pronto se convirtieron en algunas de las principales figuras de la vanguardia rusa. El nuevo arte abstracto en Rusia que comenzó alrededor de 1909, fue una culminación de influencias del cubismo, el futurismo italiano y el arte campesino tradicional. Stepánova diseñó obras «cubofuturistas» para varios libros de artistas.
ANTOINE PEVSNER Fue un escultor nacido en Orel, Rusia, hijo de un ingeniero. Junto con su hermano Naum Gabo, recibe una primera formación científica que le aporta el espíritu de investigación con el que toda su obra se desarrolla. En 1911 abandona la Academia de Bellas Artes de San Petersburgo y viaja a París, donde admira los trabajos de Delaunay, Gleizes, Metzinger y Léger. En una segunda visita a París en 1913, conoce a Modigliani y a Archipenko, que estimulan su interés hacia el cubismo; en ese mismo año ve la exposición de Boccioni sobre construcciones arquitectónicas, que le interesa profundamente. Pasa los años de la guerra con
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su hermano en Oslo; allí “durante dos años digieren juntos todas sus experiencias y desarrollan el arte que más tarde llamarían Constructivismo...Se puede suponer que Pevsner aportó su conocimiento sobre técnicas artísticas, Naum su aproximación científica a los materiales y a la forma.
KONSTANTIN MÉLNIKOV Fue un arquitecto ruso y la mayor figura del constructivismo Ruso del siglo XX. Mélnikov nació en una familia de clase obrera en Hay Lodge, un barrio suburbano cercano a Moscú. Desde 1910 a 1914 estudió pintura en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú. Desde 1914 a 1917 fue un estudiante de arquitectura en la escuela en la que se graduó en Arquitectura. Su primer trabajo, por encargo de la AMO Fabrica de coches en Moscú, donde estuvo trabajando en la revolución de Octubre, es clásica, conservadora y académica. Después de asistir a la Escuela del Estado de Moscú en 1923 el estilo de Mélnikov cambia radicalmente.
dernas en París (1925). El edificio de París atrajo la atención internacional, y fue mirado como uno de los más progresistas edificios de la feria. El estilo de Mélnikov es difícil de categorizar. En sus experimentales usos de materiales y formas más su atención a la funcionalidad, tiene algo en común con los auto-denominados Expresionistas anteriores a la 1ª Guerra Mundial, arquitectura de los alemanes Eric Mendelsohn y Bruno Taut, ambos trabajaron brevemente en Rusia en esa época. Es frecuentemente referenciado como Constructivista porque la influencia en Mélnikov de Vladimir Tatlin, y porque el deseo de Mélnikov era que sus edificios pudieran expresar los valores sociales soviéticos revolucionarios, aunque al mismo tiempo defendió publicamente en numerosas ocasiones el derecho y la necesidad de la expresión personal, que reivindicó como única fuente del diseño delicado.
LÁSZLÓ MOHOLY-NAGY Fue un fotógrafo y pintor húngaro. Ha pasado a la historia como uno de los más importantes profesores y teóricos del arte y de la fotografía desde su trabajo en la Escuela de la Bauhaus alemana. Durante su labor en ella estuvo acompañado de su mujer, Lucia Moholy (nacida Schulz), a la que había conocido anteriormente en Berlín y que era una discreta pero excelente fotógrafa.
Precursión de la fotografía El amor le llegó en 1920 una vez instalado en Berlín. Allí conoció a la que en un futuro se convertiría en su esposa, Lucía Schulz (más conocida como Lucia Moholy). La pareja experimentó al máximo la fotografía y realizaron interesantes fotogramas, los cuales datan de 1922 y alcanzaron la fama. Un año más tarde, la escuela Bauhaus elige a Moholy-Nagy para que se haga cargo del taller de trabajos de Metal.
Comenzando con un pabellón para la Exposición de la agricultura y artesanía de todas las Rusias (1923), Mélnikov se embarca en un línea de innovación y encargos de alto nivel: el sarcófago en el Mausoleo de Lenin en 1924 y el Pabellón Soviético en la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Mo-
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BAUHAUS La Staatliche Bauhaus (Casa de la Construcción Estatal) o simplemente la Bauhaus, fue la escuela de diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania) y cerrada por las autoridades prusianas (en manos del partido nazi) en el año 1933.
“¡Arquitectos, escultores, pintores, todos nosotros debemos regresar al trabajo manual! ¡Establezcamos, por lo tanto, una nueva cofradía de artesanos, libres de esa arrogancia que divide a una clase de la otra y que busca erigir una barrera infranqueable entre los artesanos y los artistas! Anhelemos, concibamos y juntos construyamos el nuevo edificio del futuro, que dará cabida a todo a la arquitectura, a la escultura y a la pintura en una sola entidad y que se alzará al cielo desde las manos de un millón de artesanos, símbolo cristalino de una nueva fe que ya llega. “ El nombre Bauhaus deriva de la unión de las palabras en alemán Bau, “de la construcción”, y Haus, “casa”; irónicamente, a pesar de su nombre y del hecho de que su fundador fue un arquitecto, la Bauhaus no tuvo un departamento de arquitectura en los primeros años de su existencia. Sus propuestas y declaraciones de intenciones participaban de la idea de una necesaria reforma de las enseñanzas artísticas como base para una consiguiente transformación de la sociedad burguesa de la época, de acuerdo con la ideología socialista
de su fundador. La primera fase (1919-1923) fue idealista y romántica, la segunda (1923-1925) mucho más racionalista y en la tercera (1925-1929) alcanzó su mayor reconocimiento, coincidiendo con su traslado de Weimar a Dessau. En 1930, bajo la dirección de Mies van der Rohe, se trasladó a Berlín donde cambió por completo la orientación de su programa de enseñanza. La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bau-
haus estas dos profesiones no existían tal y como fueron concebidas dentro de esta escuela. Sin duda la escuela estableció los fundamentos académicos sobre los cuales se basaría en gran medida una de las tendencias más predominantes de la nueva Arquitectura Moderna, incorporando una nueva estética que abarcaría todos los ámbitos de la vida cotidiana: desde la silla en la que usted se sienta hasta la página que está leyendo (Heinrich von Eckardt). Dada su importancia las obras de la Bauhaus en Weimar y Dessau fueron declaradas como Patrimonio de la Humanidad por
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la Unesco en el año 1996. Siendo director Ludwig Mies van der Rohe, la escuela sufrió por el acosante crecimiento del Nacional Socialismo, debido a que la ideología Bauhaus era vista como socialista internacionalista y judía. Los Nazis cerraron la escuela. Muchos de los integrantes de la misma, entre ellos el mismo Walter Gropius, refugiados, se instalan finalmente en Estados Unidos para seguir con sus ideales. Uno de los principios establecidos por la Bauhaus desde su fundación. “La forma sigue a la función” El edificio de la Bauhaus (Dessau, Alemania. 1925-1926) de Walter Gropius, es el más emblemático de la Bauhaus, se despliega en varios volúmenes, independientes entre ellos, y diseñados según la función para la que fueron concebidos. El edificio de la Bauhaus de Dessau, considerada como la obra maestra del racionalismo europeo, tiene una configuración relacionada con las condiciones de la zona donde se ubica: limita con una calle, atraviesa otra perpendicular a la primera y dos de sus alas contornean un cercano campo deportivo, y se abre al ritmo de la vida urbana con sus grandes fachadas de luminosas cristaleras.
la traumática experiencia de la recién acabada Primera Guerra Mundial, se lanzó llena de entusiasmo a la construcción de una utopía social, de nuevas formas de convivencia. Se llevaron a cabo legendarias fiestas en la Bauhaus, generalmente temáticas (fiesta blanca, fiesta del metal, fiesta de los cometas) y casi siempre de disfraces, en cuya organización y diseño se trabajaba durante semanas. Las fiestas tenían una doble intención: por un lado fomentar el contacto entre la escuela y la población para aplacar los recelos que generaba la institución en la población y, por otro, propiciar el trabajo en equipo y de cooperación y servir de catarsis ante las tensiones y conflictos que se originaban en la Bauhaus como resultado de la estrecha vinculación entre trabajo y vida privada. Además de estas fiestas «oficiales», cualquier acontecimiento era igualmente susceptible de
desembocar en una celebración: la finalización de un tapiz, la adquisición de la nacionalidad del matrimonio Kandinsky, o el nacimiento de un niño... La fundación de la Bauhaus se produjo en un momento de crisis del pensamiento moderno y la racionalidad técnica occidental en el conjunto de Europa y particularmente en Alemania. Su creación se debió a la confluencia de un conjunto de desarrollo político, social, educativo y artístico en las dos primeras décadas del siglo XX, cuya especificidad está dada por las vanguardias artísticas de comienzo de siglo. La modernización conservadora del Imperio alemán durante la década de 1870 mantuvo el poder en manos de la aristocracia. Esto exigía también, del militarismo y el imperialismo para mantener la estabilidad. Para 1912 el auge de los izquierdistas del SPD ha galvanizado las posiciones políticas con conceptos
La Bauhaus fue también un gran experimento vital de una pequeña comunidad de jóvenes (1.400 aproximadamente) que, tras la quiebra del viejo orden y
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de la solidaridad internacional y de establecer el socialismo contra el nacionalismo imperialista. Sectores del proletariado demuestran una creciente capacidad de organización, cuestión que es forzosamente potenciada por la hiperinflación alemana y la cada vez más evidente crisis económica. Al igual que otros movimientos pertenecientes a la vanguardia artística, la Bauhaus no se marginó de los procesos políticos-sociales, manteniendo un alto grado de contenido crítico y compromiso de izquierda. La Bauhaus -como demuestran los problemas que tuvo con políticos que no la veían con simpatía- adquirió la reputación de ser profundamente subversiva.
Tras 1933 gran parte de los integrantes de la Bauhaus marcharon hacia los Estados Unidos en donde se desarrolló una especie de continuación de la Bauhaus hasta la Guerra Fría. En 1951 el arquitecto y escultor suizo Max Bill, siguiendo los lineamientos de la Bauhaus original, funda en Ulm (República Federal Alemana) la Hochschule für Gestaltung (Escuela Superior de Proyectación), que recupera pronto la denominación de Bauhaus o, para diferenciarla de la inicial, Neues Bauhaus (Nueva Bauhaus), de la cual fue director entre 1954–1966 el pintor y diseñador argentino Tomás Maldonado, quien enfatizó aún más con el carácter científico y racionalista aplicado en las artes.
Los Profesores de la Bauhaus MARCERL BREUER, WASSILY KANDINSKY, PAUL KLEE, HANNES MEYER O MIES VON DER ROHE, fueron algunos de sus profesores. Interdisciplinaria y experimental, su formación se basaba en talleres prácticos, y la experimentación de nuevos materiales y técnicas era uno de los pilares de su educación. Sus principales objetivos fueron la resolución de cuestiones sociales y la propagación de una estética atemporal.
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ART DECÓ Movimiento de diseño popular a partir de 1920 hasta 1939. Se influencio en: El constructivismo, el cubismo, el futurismo, las primeras vanguardias, el arte egipcio y el art nouveau. El Art Decó era casi puramente decorativo, por lo que se considera un estilo burgués. A pesar del eclecticismo de sus influencias formales y estilísticas, el Decó es sólido y posee una clara identidad propia. No se trata de un historicismo ni de un anacronismo; es fiel a su época y deja entrever la noción futurista de la Revolución industrial. Su significación gira en torno al progreso, el ordenamiento, la ciudad y lo urbano, la maquinaria. Elegante, funcional, y modernista, el Art Decó fue un avance frente al Art Noveau, esta vez,
exitoso en generar un nuevo repertorio de formas acordes a la problemática e imaginería de su tiempo. A la vez, a pesar de ser una actitud artística de retaguardia, el “déco” propone la asimilación parcial de ciertas corrientes contemporáneas, pero con elementos exóticos puramente ornamentales enunciados con lujo adocenado. En primer lugar el Art Déco se basa principalmente en la geometría imperante del cubo, la esfera y la línea recta, además de los imprescindibles zigzags; conjuntos horizontales y verticales de líneas rectas, o bien perpendiculares combinadas con medias circunferencias y circunferencias enteras, además de los exágonos y los octágonos.
EN ÉL PODEMOS VER: Imágenes de fuentes congeladas y en forma ascendente son una constante del Déco que tanto se utilizarán en objetos de decoración, como en la arquitectura, se recurre a remates terminados escalonadamente y con proas marÌtimas que sostienen mástiles que sirven como astas; arcos y puertas ochavadas y lujosos materiales como el mármol, el granito y el aluminio consuman el aparato decorativo. La máquina simboliza una nueva era de la mecanización: automóviles, locomotoras, barcos, aviones, representan el triunfo del dominio de la locomoción y la velocidad.
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EN LA ACTUALIDAD Los decoradores siguen pendientes de esta tendencia rupturista y moderna. Vivimos rodeados de muebles y edificios con influencia Art Decó o propiamente de este estilo, como el edificio Chrysler de Nueva York. Muebles, joyería, ropa, esculturas, ascensores, edificios... este estilo lo encontramos en artes mayores y menores. Hoy lo vemos en modernos y originales sillones de altos respaldos, cocteleras, lámparas e incluso cafeteras.
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Se otorga importancia a cualquier pieza de la decoración, haciendo de una lámpara de pié una obra de arte, o de una pequeña mesa un elemento llamativo que da un toque único e identidad propia a la pieza, así como a la sala donde se encuentre.
ARTISTAS Y OBRAS TAMARA DE LEMPIEKA
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Mujer dormida (1)
MAURICE ASKALON Menorah (2)
EDUARDO GARCÍA BENITO Vogue (3)
JAQUES EMILE RUHLMAN (4)
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ESTILO SUIZO CONTEXTO HISTORICO En la primera mitad del siglo XX, Suiza se encontraba en una situación social, política y económica que ofrecía en el ámbito de la creación gráfica unas condiciones idóneas para su libre desarrollo, en contraposisción a los países vecinos, Alemania, Francia e Italia, entonces sumidos en graves conflictos políticos y sociales. Por ello, numerosos tipógrafos y artistas gráficos, procedentes de estos países, escogieron Suiza , durante de estos años, como lugar de residencia, deseosos de encontrar un ambiente propicio, que no pusiera trabas al desarrollo de todo su potencial creativo.
INFLUENCIAS Dos hechos van a influir de forma determinante, en el posterior desarrollo de la tipografía en este país: por un lado, la influencia de la Bauhaus, que había sido cerrada en Alemania, en 1933, como consecuencia del creciente nazismo; por otro lado, los influyentes trabajos de Jan Tschichold, profesor de la Escuela de Munich, que se trasladó a Suiza, donde vivió hasta su muerte en 1974, a excepción de una corta estancia de tres años en Londres. Las corrientes vanguardistas de principios del siglo XX, la influencia de los dos acontecimientos citados, y el nacimiento del grupo propio, encabezado por Max Bill, puede considerarse como el precedente del movimiento tipográfico suizo, representado por la
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creación de tipografías de palo seco y la utilización de la composición asimétrica. - Vanguardias de principios del siglo XX - Bauhaus: cerrada en Alemania, en 1933 - Jan Tchichold: profesor de la escuela de Munich -‘La nueva tipografía’ - estilo clásico - Max Bill: profesor y director de la escuela de Ulm - estilo moderno - arte concreto - Paul Renner: director escuela de Munick - Futura (1924-1926)
DESARROLLO TIPOGRÁFICO Los numerosos alfabetos que se diseñan en estos años están orientados a despojar al carácter de los rasgos que se pudieran considerar accesorios, para valerse únicamente de los imprescendibles, con el fin de potenciar su funcionalidad. Sin embargo, algunos de estos experimentos, resultarán en la práctica infructuosos, entre otras razones, por la rigidez de sus planteamientos. Frente a la composición tradicio-
nal centrada, la composición asimétrica aportaba la distribución de la información en la página sobre puntos invisibles de tensión compositiva. La maquetación del texto en bandera invadió todos los impresos, frente al justificado tradicional, en un intento de resaltar el carácter dinámico y activo que el hecho de la visión y la lectura tienen. -Comienza la gestación de un nuevo grupo de familias tipográficas. -De palo seco pero con armonía formal innovadora. -Revolucionan el mundo visual de la comunicación. -Se despojan de rasgos accesorios. -Potencian la funcionalidad. -Composición. -Uso de la rejilla modular. -Completísima gama de matices. -Maquetación del texto en bandera Helvética - Ícono de la escuela suiza -Creada por Max Miedinger 1957 - Escuela de Zurich -Creada para la fundición de Haas
-Originalmente titulada Neue Haas Grotesk -Su diseño está basado en una anterior tipografía llamada Berthold Akzidenz Grotesk que data de 1896 -La Helvética destaca por la impecable homogeneidad en la mancha tipográfica -Inmensamente popular a fines de los 60 y los 70, debido a su enorme influencia dentro del “Estilo Internacional” -Fue una fuente casi perfecta que se podía usar para todo
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POP ART El Pop Art nace en Estados Unidos, como reacción artística frente al Expresionismo Abstracto, ya que lo consideraba vacío y elitista. Las fuentes del pop beben de la realidad cotidiana del momento, de la cultura de masas que nace de la industria de la reproducción; todo el mundo podía ver imágenes continuamente con lo cual la sacralización de la obra de arte dejaba de ser algo que tan sólo se viese en los museos. Estos artistas intentaban buscar imágenes sencillas y reconocibles y elevarlas a la categoría de arte. La producción de masas y el consumismo triunfante, proporcionaron los iconos que se multiplicarán hasta la saciedad en la obra de los llamados “artistas pop”. La experiencia cotidiana marca las pautas de un estilo desnudo y mecanizado, de series reproducidas y entendibles por el espectador contemporáneo, un arte desligado del compromiso y de fuerte carga visual, una producción artística que enlaza
directamente con el mundo de la publicidad. El tamaño de las obras será cada vez más espectacular, propiciando la ampliación de los motivos que pasan a primer plano o se multiplican a lo largo de la superficie pictórica; la expresividad queda relegada a un segundo término, manteniendo la supremacía un estilo impersonal que retrata su contemporaneidad con sutil conformismo. Los motivos marcan las pautas del estilo, desarrollando una temática reducida a los artículos de consumo comercial, latas de sopa, revólveres, flores, etc. El artista como reportero dibuja en sus obras, de temática banal y descuidada ejecución, un universo cercano al ciudadano de a pie, que niega el virtuosismo en ejecución en pro de la reproducción múltiple y desinteresada. Cualquier cosa se podía repetir y reproducir hasta el infinito, artícu-
los y retratos de personajes de la alta sociedad. La reproducción de la obra de arte es una de la bases de este estilo. El retrato, como sucedió en épocas exteriores, toma una gran fuerza. Todas las personas relevantes ansiaban tener su propia visión pop. Delante de Andy Warhol se pusieron Marilyn, Jacquelin Kennedy, Grace Kelly... para que dejasen constancia de su paso por la modernidad.
el pop art se divide en 4 fases Primera fase pre- pop: donde rauchenberg y jhons ( principales exponentes) se separan del expreionismo abstracto. Segunda fase, la de apogeo del pop art: su obra se basa en la de los años 50s y parte de la experiencia del dibujo publicitario, el diseño y dibujo de carteles.
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principales exponentes: andy warhol, roy lichstenstein,claes oldenburg,james rosenquist, tom wesselmann y robert indiana Tercera fase: a mediados de los 60s el pop art sufre una extension desde new york, hasta la costa oeste y canada.mas tarde llegaria tambien hasta europa. Última fase: está determinada por el realismo radical y mordaz desarrollado sobre todo en Estados Unidos, cuya mirada se dirige a las condiciones socialistas de las ciudades Nacen los hippies: juventud se opone a la sociedad de consumo, consumidores de stupefacientes, proclaman el pacifismo, su lema ( haz el amor no la guerra)
(Andy Warhol)
En la escultura Está representada por el escultor George Segal, escultor estado unidense famoso por sus obras figurativas hechas en yeso blanco. .Trabajó primero como pintor,iniciándose como escultor después de 1960. Sus moldes en yeso, creados directamente a partir de vaciaos de personas, están instalados en entornos cotidianos,como ascensores, oficinas de ventas de billetes, cafés o autobuses.
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OP ART El Arte Óptico es un movimiento pictórico nacido en los Estados Unidos en el año 1958, conocido mayormente por su acepción en inglés: Op Art; abreviación de Optical Art. Corriente artística abstracta, basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas. Frente a otras tendencias racionales, el Arte Óptico se basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos. Se trata de un arte impersonal, técnico, en el que queda abierta, a veces, la posibilidad de que el espectador modifique la configuración que ofrece. Surge como una derivación de la abstracción geométrica. Las obras de este arte interactúan con el espectador provocando una sensación de movimiento virtual mediante efectos de ilusión óptica, situación que
desencadena una respuesta dinámica del ojo y una cierta reacción psicológica derivada de su apariencia sorprendente. Se utiliza para ello la construcción de perspectivas que el ojo no puede fijar en el espacio; el efecto Rubin, que descubre convexidades a partir de figuras que comparten sus contornos; el efecto moaré, surgido por la interferencia de líneas y círculos concéntricos junto a otras ilusiones perceptivas de inestabilidad, vibración o confusión.
En Europa, se desarrollaba un movimiento llamado nueva tendencia, que tenía bastantes aspectos similares al movimiento norteamericano
CARACTERISTICAS La ausencia total del movimiento real, todas sus obras son fÌsicamente est·ticas, lo cual lo diferencia del Arte cinético. Se pretende crear efectos visuales tales como movimiento aparente, vibración, parpadeo o difuminación. Se usa el acrÌlico para obtener superficies lisas, limpias y muy bien definidas. El artista del no pretende plasmar en su obra sensaciones osituaciones, no existe ning˙n aspecto emocional en la obra. Usa los recursos de lÌneas paralelas, tanto rectas como sinuosas, contrastes crom·ticos marcados, ya sea poli o bicrom·ticos, cambios de forma y tamaÒo, combinaciÛn y repeticiÛn de formas y figuras, entre otros
recursos Ûpticos. Usa tambiÈn figuras geomÈtricas simples, como rect·ngulos, tri·ngulos y circunferencias en tramados, combinaciones o formaciones complejas. En muchos casos el observador participa activamente moviéndose o desplaz·ndose para poder captar el efecto Ûptico completamente.
VICTOR VASARELY Pintor húngaro afincado en París, asociado al arte cinético. Se empeñó en incorporar la dimensión temporal a la forma plástica, camino iniciado ya por los futuristas y Duchamp. Su pintura
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se basa en el rigor científico y combina las leyes de la física y el conocimiento de la geometría, junto a las cualidades perceptivas del color y su influencia en la percepción visual. Su obra no se basó tanto en la belleza de las formas como en la sorpresa visual que producen, motivada por el engaño perceptivo. Tras un periodo de expresión figurativa, opta por un arte abstracto constructivo y geométrico, interesándose por la perspectiva sin puntos de fuga.
BRIDGET RILEY Pintora inglesa, figura destacada dentro del movimiento artístico del Op Art. Creó complejas configuraciones de formas abstractas diseñadas para producir efectos ópticos llamativos. Riley nació el 25 de abril de 1931 en Londres; allí estudió entre los años 1949 a 1952 en el Goldsmiths College, donde se especializó en dibujo, y más tarde en la Royal Academy. A finales de la década de 1960 Riley experimentó con otro tipo
de mecanismos ópticos, pintando líneas con colores puros complementarios, cuya yuxtaposición afectaba a la percepción brillante de los colores individuales. Durante la década de 1970 aumentó su gama de colores, incluyendo tanto el negro como el blanco. A pesar de su alto grado de abstracción, las obras de Riley tratan de evocar su propia experiencia visual del mundo, lo que puede comprobarse, por ejemplo, en las series de pinturas que realizó en 1980 tras un viaje a Egipto. Después de su primera etapa puntillista, Riley experimentó hacia 1960 con una pintura de grandes superficies de colores planos, antes de realizar numerosas obras en blanco y negro entre 1961 y 1965. En su segunda etapa, se concentró en la creación de series de formas geométricas, sutilmente diferentes en tamaño y forma para conseguir un remarcado sentido de movimiento, tal y como puede apreciarse en La Caída (1963, Londres).
En los años cincuenta introduce nuevos materiales en su trabajo (aluminio, cristal) y comienza a realizar obras de integración con el espacio, como Homenaje a Malevich. 1964 - 1965 En estos años realiza obras bidimensionales que sugieren visualmente el movimiento y obras tridimensionales que requieren el desplazamiento del espectador para producir el efecto cinético.
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ARTE PSICODÉLICO La psícodelia es un estilo artístico, representado principalmente en la gráfica y la música durante las décadas del 60`y el 70` siendo algunas de sus características principales los escenarios coloridos y bizarros y uno de los íconos de los artistas de aquella época son los personaje. El movimiento psicodélico viene su nombre del científico británico Humphry Osmond quién quiso definir esta contracultura que se daba entre los jóvenes por el uso de sustancias alucinógenas como drogas u hongos en la década del 60`; éste la definió a partir de los términos griegos “psique” que significa alma y “delios” que significa manifestación, por lo que se puede definir como una manifestación del alma.. Este estilo artístico se fue popularisando por el uso e drogas alucinógenas, tratando de expresar las visiones que daban, la deformación de la realidad, ilusiones ópticas, experimentación, efectos visuales. Con el tiempo
la mayoría de sus exponentes en música y artes visuales variaron en otros estilos pero el aporte de este estilo fue retomado décadas mas tarde y algunos de sus elementos característicos siguen hasta hoy. s y situaciones del mundo de Alicia en el país de las Maravillas por su significado y surrealismo.
Características La gráfica psicodélica se caracteriza por obras muy imaginativas, coloridas, confusas, usualmente sin un significado claro por solo ser imágenes de viajes psicodélicos provocados por el uso de drogas alucinógenas, también se usó mucho el collage para transformar situaciones e imágenes cotidianas en situaciones surrealistas como lo hicieron los dadaístas. Otro elemento característico son el uso de elementos orinetales como motivos de tapices en la
gráfica o instrumentos indios en la música, se logró una fusión de las culturas orientales y occidentales. Las ilusiones vistas en las obras suelen ser muy detalladas y coloridas, como crear mundos de ilusión en los que adentrarse, muchas veces como la imagen vista a travéz de un caleidoscopio o por la simple mezcla de pinturas. Las tipografías que acompañan estas obras suelen tener formas curvas y estilizadas, pero salidas de las reglas geométricas. Los colores son muy variados y brillantes, siendo muy común el uso de pinturas fluorescentes. Otro elemento característica de las obras son las ilusiones ópticas provocadas por colores brillantes e imágenes que juegan con la mente. Muchos paisajes y personajes de las obras son distoricionados en forma y color usualmente de forma experimental y sin significado. Muchos de los artistas de esta época trabajaban bajo llos
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efectos de drogas para desarrollar su imaginación. Con el tiempo la importancia de esta contracultura y su estilo fueron dificiles de evitar y muchos vieron su aporte comercial por lo que se puede encontrar en publicidad, portadas de discos, afiches y libros de la época. La mayoría de las obras no poseían un significado, pero algunas de ellas tomaban elementos clásicos como cuentos y personajes que los distorcionaban demostrando situaciones políticas y sociales, otro tema importante era la naturaleza y el amor que posteriormente derivó en una contracultura más social y política que fue la coltura hippie.
Uso de alucinógenos El uso de drogas y otros alucinógenos fue parte importante de la inspiración de los artistas gráficso y musicales por sus efectos en el sistema nervioso que modifican la percepción de la realidad y las emociones, algunas de las más usadas eran el LSD, morfina, marihuana, mescalina, psilocibina, peyote, hongos aluci-
nógenos, sustancias corporales de anfibios, ketamina, salvia divinorum y el DMT. Algunas de las sensaciones que provocan se suelen llamar sinestecia, es decir darle características u magnitudes inaplicables o imposibles a
un objeto, por ejemplo percibir colores en sonidos y ver objetos invisibles, otros efectos de estas sustancias alucinógenas que llevan al llamado viaje o experiencia picodélica es escuchar hablar objetos inanimados, experiencias extracorporales, fusión con objetos, distoricón de la perecepción del tiempo, camios de personalidad, escuchar música desconocida, sentir una conección con el universo, la sensación de movimiento a velocidades infinitas.
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NEW WAVE por un diseño alegre basado en la intuición, agregando efectos visuales que enriquecieran su gráfica, decidiendo con esto dar un paso más, incorporando a su repertorio en 1970 la técnica conocida como collage, transformándose en un innovador que creó una forma de gráfica tipografíca e imágenes pictóricas en formas nunca antes vistas.
WEINGART Inició su carrera tipográfica en los años sesenta como aprendiz de la composición manual tipográfica en una firma.
Se desarrolla al amparo de los experimentos tipográficos que buscan una tipografía más objetiva y expresiva ocupando las nuevas tecnologías computacionales para su búsqueda. Cuestionan la rigidez y rigurosidad del Estilo Internacional Suizo. El New Wave se sitúa al inicio del Post modernismo y se caracterizó por ser visualmente revoluvionario, logrando un diseño alegre e intuitivo.
llamado Wolfgang Weingart comenzó a cuestionar esta tipografía tan ordenada y refinada. Teniendo esta inquietud se dispuso a aplicar un estilo totalmente opuesto, caracterizado
Comenzó a dar clases en la Escuela de Diseño de Basilea en 1968 y su posicionamiento respecto al estilo internacional dominante fue el de cuestionar el ángulo recto y la retícula, animando a sus alumnos a que buscaran otra disposición tipográfica que no partiera de una aplicación sistemática de unos conceptos sino de la propia expresividad del tipo.
En esta etapa no se fue condescendiente con el estilo tipográfico internacional que ya empezaba a hastiar por su larga hegemonía en el ambiente del diseño tipográfico. Fue así como en 1964, un joven
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Al poco, lo que era una formulación radical que buscaba desmarcarse de la ortodoxia que representaba el estilo internacional, se convirtió a su vez en otro estilo que se dio a conocer como New Wave. Los rasgos comunes del New Wave consistían en las inversiones del tipo, bloques de texto escalonados, diferentes espaciados, subrayados, etc. así como el uso de la fotografía con una trama fuerte que le daba más aspecto de grafismo que de obra realista. Otra preocupación fue la contraposición entre legibilidad y disposición de tipografías, ya que estos elementos entran en constante conflicto. El primero permite una lectura clara y eficiente, la otra promueve el interés en aquella lectura.
Dan Friedman Estudió en Ulm Institute of Design y en Basel School of Design quién innovó en las formas tipográficas y la manera de disponerlas en el espacio, generando efectos por medio de cambios de posición, peso y escala así como, inclinación (romana a itálica) y espaciado de letra. Un foco importante del posmodernismo se desarrolló en las escuelas de Memphis y San Francisco a finales de la década de los setenta. Sus características y fundamentos se guiaban sobre la base del pluralismo y
a la conciliación de los mejores y más diversos elementos que perfeccionaran su diseño a la búsqueda del placer visual.
el color y la geometría juguetona, introduciendo formas caprichosas y exageradas.
Estos diseñadores sentían una profunda predilección por la textura, el modelo, la superficie,
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