Forma Edizioni_catalogo2013 by Forma Edizioni

Forma is a publishing initiative aimed at the diffusion of knowledge on trajectories and experiences in the fields of art, architecture and photography and, more in general, at the promotion of the most interesting researches on productive and technological aspects related to the transformation of the territory, contemporary lifestyles and homes. The intention of the publishing house is to give a “form” to the expressive red threads which run through and animate the current cultural debate and to explore both specific areas of knowledge that are known to the public, and to give greater visibility to those currently marginal intellectual and artistic expressions that are considered, for various reasons, to open new vistas on reality. To achieve this, Forma avails itself, without any distinction of priority, of every means of communication, both digital by making its publications available in the internet or by means of e-books, and traditional ones, by producing volumes on paper, as monographs and catalogues of exhibitions and events. Every initiative is characterized by the high quality of the product, the images, the printing, and the publications are distributed in places (specialized bookstores, museum bookshops and exhibition venues) which, in addition to being available in the internet, assure that necessary and indispensable presence in the “sites” where opinions and critic valuations are formed.

Frankfurt book fair

10/14 OCT 2012

CATALOGO 2013

archea Sustainable Landmarks

ARCHITECTURE

A cura di Curated by: Laura Andreini Con un’introduzione di With an introduction by: François Burkhardt

Design

Isbn: 978-88-96780-00-8 Formato Format: 21x21 cm Pagine Pages: 912 Lingue Languages: ing/ita eng/ita Anno di pubblicazione Year of publication: 2009 Collana Series: Autori Contemporanei Contemporary Authors Stampa Printing: colori colour Legatura Binding: cartonato rivestito in tela bound hardback with cloth cover Prezzo Price: 55,00 euro

Il volume, parte della collana Autori contemporanei, costituisce l’occasione per una riflessione sull’attività svolta in oltre venti anni dallo Studio Archea. Dopo l’introduzione di François Burkardt viene proposta una panoramica di piu’ di 50 lavori dello studio collocati in sezioni tematiche diverse, come il paesaggio, l’architettura, gli interni e gli allestimenti. Il panorama della selezione di architetture e progetti pubblicati mostra un costante lavoro di ricerca finalizzato alla sperimentazione di temi in continua evoluzione. Tuttavia, nonostante l’insistito interesse per la variazione, emergono, oltre alle differenze, i tratti originali di un agire misurato sul carattere specifico degli ambiti culturali coinvolti nel progetto. Spingendosi oltre l’eterogeneità delle opere presentate, si arriva a intravedere una linea direttrice chiara, che colloca lo studio Archea in una posizione ben definita all’interno del panorama internazionale dell’architettura.

The volume, part of the Contemporary Authors series, provides an opportunity to reflect upon over twenty years of Studio Achea’s activity. After the introduction by François Burkhardt, more than 50 works by the studio are shown, placed in different thematic sections such as landscape, architecture, interiors and furnishing. The broad selection of architecture and projects published is proof of the continuous research and experimentation of ever-evolving themes. Nevertheless, in spite of unceasing interest in variation, there emerge, along with the differences, specific characteristics of the cultural circles involved in the project. Going beyond the heterogeneity of the submitted proposals, we can catch a glimpse of a clear guideline, which sets Studio Archea in a well-defined position within the landscape of contemporary architecture.

ARCHEA ASSOCIATI è un network di oltre 100 architetti, operativi nelle differenti sedi di Firenze, Milano, Roma, Pechino, San Paolo, Teheran e Dubai. L’attività di ricerca dello studio spazia dal paesaggio alla città, dall’edificio al design, dalla grafica all’editoria.

ARCHEA ASSOCIATI is a network of 100 architects who work in the branches located in Florence, Milan, Rome, Beijing, san Paolo, Teheran and Dubai. The research activities of the firm range from the landscape to the city, from construction to design, from graphics to publishing.

arata isozaki

ARCHITECTURE

A cura di Curated by: Laura Andreini Con un’introduzione di With an introduction by: Marco Casamonti

XT NE

Design

Formato Format: 21x21 cm Lingue Languages: ing/ita eng/ita Anno di pubblicazione Year of publication: 2013 Collana Series: Autori Contemporanei Contemporary Authors Stampa Printing: colori colour Legatura Binding: cartonato rivestito in tela bound hardback with cloth cover Prezzo Price: 55,00 euro

Inserito all’interno della collana dedicata agli autori contemporanei il volume offre l’opportunità di conoscere a fondo la straordinaria figura di Arata Isozaki, architetto giapponese conosciuto e apprezzato in tutto il mondo. Un’ampia selezione di opere, realizzate e non, ripercorrono la prolifica carriera di Isozaki. A questi si aggiunge una speciale sezione, curata dallo stesso Isozaki, dedicata ai suoi studi su scenografie e allestimenti, a ricerche e scritti teorici sul tema della rappresentazione teatrale.

Part of the series dedicated to contemporary authors, the volume offers the opportunity to gain an in-depth understanding of the extraordinary figure of Arata Isozaki, Japanese architect well-known and appreciated all over the world. A large selection of works including both realizations and projects allow to chronicle his prolific career. The volume includes a special section, curated by Isozaki himself, dedicated to his studies on scenographies and set design and to his research and essays on the subject of theatre performance.

Arata Isozaki (1931) Ha studiato all’Università di Tokyo con Kenzo Tange. Nel 1963 fonda Arata Isozaki & Associates. Alla fine degli anni ‘60 è esponente del Movimento Metabolista. Isozaki è incisivo sia come scrittore che come teorico. Si propone come interprete principale delle tendenze estere e dei diversi movimenti giapponesi. Questo ruolo lo ha condotto in molte università in tutto il mondo come Visiting Critic e come Lecturer. Numerosi sono i premi e i riconoscimenti ricevuti in tutto il mondo.

ARATA ISOZAKI (1931) has studied at Tokyo University with Kenzo Tange. In 1963 he founded Arata Isozaki & Associates. In the end of the sixties he has been an exponent of the Metabolist Movement. Isozaki is influential both as a writer and as a theorist. He acts as a main interpreter of the foreign tendencies and the various Japanese movements. This role has taken him to many universities all over the world as a Visiting Critic and Lecturer. He has received numerous awards and recognitions worldwide.

Archea Associati Residenza del Forte Carlo Felice

ARCHITECTURE

La Maddalena

A cura di Curated by: Laura Andreini

Design

Isbn: 978-88-96780-01-5 Formato Format: 23x28 cm Pagine Pages: 194 Lingue Languages: ita/ing ita/eng Anno di pubblicazione Year of publication: 2009 Collana Series: Opere Contemporanee Contemporary Works Stampa Printing: colori colour Legatura Binding: cartonato con sovraccoperta bound hardback with folded dust jacket Prezzo Price: 39,00 euro

Il volume, il primo della collana Opere Contemporanee, illustra il progetto realizzato da Archea Associati per il restauro e l’ampliamento dell’ex Ospedale Militare posto sull’isola de La Maddalena e trasformato, in occasione del G8, in una complessa struttura ricettiva pensata per ospitare i grandi della terra. Lo spostamento all’Aquila del Summit, in seguito alle decisioni conseguenti il sisma che il 6 aprile ha colpito le popolazioni e i territori d’Abruzzo, niente toglie alla difficoltà di un’architettura che deve contemplare, in unico ambito, il restauro dell’antico, nuovi rilevanti volumi contemporanei e la costruzione di un parco, armonizzandosi e integrandosi con un contesto ambientale di particolare pregio e delicatezza. L’edificio è inoltre la testimonianza di una straordinaria capacità costruttiva che ha consentito a tutte le maestranze, lavorando su tre turni per 24 ore al

The volume, the first in the Contemporary Works series, illustrates the project realized by Archea Associati for the renovation and expansion of the former Military Hospital on La Maddalena island, which has been transformed into a resort complex which was originally intended to host the great world leaders for the G8 summit. The fact that the latter was moved to l’Aquila, after the earthquake which struck the people and territories of Abruzzo on 6 April, does not make any of the problems associated with this architecture any easier to solve; in fact, the project must contemplate, in one and the same context, the renovation of old buildings, the construction of large new volumes, the creation of a park, and the harmonizing and merging of the structures with a particularly valuable and delicate environmental context. The works have moreover witnessed an extraordinary construction capacity which has made it possible for the workers, divided in three

giorno, di portare avanti e concludere lâ&#x20AC;&#x2122;intervento in appena 313 giorni dalla consegna delle aree di cantiere.

shifts working 24 hours a day, to execute and complete the project within as little as 313 days of the building siteâ&#x20AC;&#x2122;s consignment.

Fiorenzo Valbonesi Tre cantine

ARCHITECTURE

Campo del Sole / Castello della Sala / Tormaresca

A cura di Curated by: Laura Andreini Con un testo di With a text by: Carlo Terpolilli

Design

Isbn: 978-88-96780-05-3 Formato Format: 23x28 cm Pagine Pages: 184 Lingue Languages: ita/ing ita/eng Anno di pubblicazione Year of publication: 2010 Collana Series: Opere Contemporanee Contemporary Works Stampa Printing: colori colour Legatura Binding: cartonato con Imitlin bound hardback with Imitlin Prezzo Price: 40,00 euro

Il volume, parte della collana Opere Contemporanee di Architettura, è dedicato a tre interventi realizzati in Italia dall’architetto Fiorenzo Valbonesi sul tema architettonico della cantina vinicola. Argomento di grande attualità e di notevole sviluppo in questi anni, le cantine rappresentano l’espressione e la sintesi di un modo specifico di relazionare il prodotto della terra con il paesaggio che lo produce, attraverso le scelte stilistiche e formali progettate ad hoc sul territorio, l’uso di materiali specifici, le dimensioni e l’impatto che questi edifici hanno sul paesaggio. Questo libro descrive e documenta le cantine di Campo del Sole (Bertinoro,FC), Tormaresca (San Pietro Vernotico, BR) e Castello della Sala (Ficulle, TR), recenti realizzazioni dell’architetto Valbonesi. La pubblicazione si avvale di un ampio apparato di immagini fotografiche, disegni tecnici e particolari costruttivi, al fine di rendere la descrizione delle opere completa e approfondita.

The volume, part of the Contemporary Works of Architecture series, is dedicated to three projects realized in Italy by the architect Fiorenzo Valbonesi, all of which centre on the winery theme. A highly topical issue, wineries have seen considerable developments in recent years; they represent an expression and synthesis of a certain way to relate the products of the earth to the landscape that produce them, through stylistic and formal choices that are specifically adapted to the region, to the use of certain materials, and which consider the size of these buildings and their impact on the landscape. The book describes and documents the wineries of Campo del Sole (Bertinoro, FC), Tormaresca (San Pietro Vernotico, BR) and Castello della Sala (Ficulle, TR), recent works by Valbonesi. The publication vaunts a large selection of photographs, technical drawings and construction details, to describe the works completely and exhaustively.

Fiorenzo Valbonesi (1952) si laurea in Architettura presso l’Università degli Studi di Firenze nel 1977 e inizia la sua attività di architetto dedicandosi al restauro conservativo di edifici storici e alla progettazione di edifici residenziali, ma anche di complessi direzionali, museali e ricettivi con committenza sia privata che pubblica. Nel 2004 realizza le sue prime cantine vinicole con cui ha inizio un periodo di fervida attività teorica e pratica incentrata sull’interazione tra vino e architettura.

Fiorenzo Valbonesi (1952) graduated in Architecture from the University of Florence in 1977 and he has mainly focused on the architectural profession, specializing both in the renovation of historical buildings and the design of residential and office complexes, museums and tourist facilities, both for private and public clients. In 2004 he completes his first wine cellars, that inaugurate a period of fervent theoretical and practical activity focused on the interaction between wine and architecture.

archea associati favero & milan Urban Best Practice Area B3-2 Pavilion

ARCHITECTURE

Shanghai World Expo 2010 A cura di Curated by: Laura Andreini

Design

Isbn: 978-88-96780-04-6 Formato Format: 23x28 cm Pagine Pages: 120 Lingue Languages: ing/ita eng/ita Anno di pubblicazione Year of publication: 2010 Collana Series: Opere Contemporanee Contemporary Works Stampa Printing: colori colour Legatura Binding: cartonato soft touch bound hardback soft touch Prezzo Price: 25,00 euro

Il volume, parte della collana Opere Contemporanee di Architettura, è dedicato al padiglione UBPA (Urban Best Practice Area) realizzato dallo Studio Archea in Cina in occasione dell’Expo 2010 a Shanghai nel programma di cooperazione tra l’Expo e il Ministero per l’Ambiente Italiano. Il progetto costituisce la straordinaria occasione per puntare il dito ai più moderni modi di pensare l’architettura, con un’ottica attenta e rispettosa dell’ambiente, del risparmio energetico oltre che dell’impatto qualitativo ed estetico che essa ha nel paesaggio. Il padiglione esternamente è un semplice contenitore: una sorta di scatola neutra trasformata in un meccanismo di diffusione della luce naturale senza necessità di consumo di energia, realizzato con struttura in acciaio e tecnologie a secco che consentono un rapido ed efficace smontaggio e rimontaggio in altro luogo dello stesso volume.

The volume, part of the Contemporary Works of Architecture series, is dedicated to the UBPA (Urban Best Practice Area) pavilion realized by Studio Archea in China on the occasion of the Expo 2010 in Shanghai, within the cooperation program between the Expo and Italian Ministry for the Environment. The project represents an extraordinary opportunity to highlight the most modern ways to conceive architecture, on the basis of an approach that respects the environment, saves energy and considers the impact, in terms of quality and aesthetics, of the architecture on the landscape. The pavilion is a simple container, a neutral box that has been transformed into a mechanism for diffusing natural light without any need to consume energy, realized with a steel structure assembled mechanically without cement, something which makes it possible to disassemble and reassemble the volume, rapidly and efficiently, in another location.

ARCHEA ASSOCIATI is a network of 100 architects who work in the branches located in Florence, Milan, Rome, Beijing, San Paolo, Teheran and Dubai. The research activities of the firm range from the landscape to the city, from construction to design, from graphics to publishing.

FAVERO & MILAN INGEGNERIA svolge da vent’anni attività di progettazione e controllo di realizzazione di opere civili e infrastrutturali. La società, con sedi in Germania, Russia, Cina, Libia e Romania, ha realizzato circa 1000 progetti.

FAVERO & MILAN INGEGNERIA has grown to the point of becoming an avant-garde consulting firm with branches in Germany, Russia, China, Libya and Romania. The office has realized about 1,000 projects.

cspe centro oncologico fiorentino

ARCHITECTURE

Storia di una trasformazione verso modelli futuri Story of an adaptive reuse for new models of care di by: Cristina Donati e and Giulio Felli

Design

CRISTINA DONATI GIULIO FELLI

CSPE CENTRO ONCOLOGICO FIORENTINO

CSPE CENTRO ONCOLOGICO FIORENTINO STORIA DI UNA TRASFORMAZIONE VERSO MODELLI FUTURI STORY OF AN ADAPTIVE REUSE FOR NEW MODELS OF CARE

Isbn: 978-88-96780-19-0 Formato Format: 23x28 cm Pagine Pages: 160 Lingue Languages: ita/ing ita/eng Anno di pubblicazione Year of publication: 2011 Collana Series: Opere Contemporanee Contemporary Works Stampa Printing: colori colour Legatura Binding: cartonato con sovraccoperta bound hardback with folded dust jacket Prezzo Price: 30,00 euro

This book recounts the conversion of a historic villa into a highly specialized cancer center. The design’s guiding theme is a dialogue between history and the present day. The situation is as unique as the process of designing the center, which took an innovative, experimental approach. Within this complex, multidisciplinary context, the story of the new Centro Oncologico Fiorentino cancer center offers inspiration for two lines of further thought. The first of these is the reflection on the value of historic buildings in hospital conversion projects. The second is the role of clients and the cultural perspective that gave meaning to the goals and questions that are part of the lengthy design process. It’s a volume which seeks to go beyond just presenting the results of an architectural project. Its intent is to share ideas and hopes with the community of all those who are interested in exploring a healthcare culture waiting to take its next great leap forward.

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LA CULTURA DEL PROGETTO OSPEDALIERO CONTEMPORARY HOSPITAL CULTURE

L’OSPEDALE CHE CAMBIA THE CHANGING HOSPITAL

1 M. Elio Guzzanti, Recenti Progressi in Medicina, Vol. 97, N.11, Novembre 2006 p. 594.

Sunand Prasad, Changing Hospital Design, RIBA Publications, London 2007 p. 2.

Florence Nightingale si interessò delle condizioni igieniche ed umane degli ospedali con particolare enfasi alla ventilazione ed al confort della camera di degenza. Così scrive, nel 1860, in un suo Diario: “I mention from experience, as quite perceptible in promoting recovery, the being able to see out of a window, instead of looking against a dead wall; the bright colours of flowers, the being able to read in bed by the light of a window close to the bedhead. It is generally said the effect is upon the mind. Perhaps so, but it is no less upon the body on that account…”.

AAVV, Investing in Hospital of the Future, World Health Organization 2009, p. 209 e seguenti.

5 Verderber e Fine, Healthcare Architecture in an Era of Radical Transformation, Yale University, 2000 p. 20.

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GLI ORIZZONTI DELL'ONCOLOGIA ONCOLOGY'S NEW HORIZONS

sized the superiority of MIS over conventional surgery. Robotic equipment allows surgeons to use the robot arms to obtain rotations and angles of surgical instruments that would be impossible for human hands. This leads to increased dexterity and ergonomics (optimization of the surgeon’s position) to minimize fatigue and resulting errors. In addition, robotic surgery eliminates hand tremors, enabling higher precision, even in extremely cramped and narrow spaces, and letting internal sutures be sewn even in very difficult situations. An essential factor is that this technology reduces and simplifies the learning curve for surgeons looking to conduct highly complex procedures by “artificially” increasing their dexterity and facilitating their progress. We are therefore moving away from the hard to imitate “performance” of master surgeons seen as artists of surgical technique, and move closer to surgery done more by machines, even if guided by humans. One step that is still yet to be defined completely is the control of robots from a remote console anywhere from a few meters to a thousand kilometers away from the patient and the operation. . This is already technically possible, but has yet to be defined procedurally and ethically. Both laparoscopic and robotic surgery can be made even less invasive by employing “single port” or NOTES (natural orifices transluminal endoscopy) techniques. The single port technique consists of passing all of the instruments necessary for surgery (optical and surgical tools) through a single opening, instead of the three or four that are typically necessary, both for laparoscopic and robotic surgery. NOTES employs the body’s natural orifices (ear, mouth, vagina, anus, and navel, which is considered an orifice), to further reduce the invasiveness of a procedure, in the spirit of respecting the integrity of the human body as much as possible and save it from scars.

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Il CSPE, nei lunghi anni dedicati alla comprensione del miglior spazio per la cura, ha elaborato una cultura del progetto che si discosta da formule e modelli prestabiliti per proporre architetture che siano sempre rinnovate espressioni di un dialogo interattivo tra programma e pianificazione. Questo significa adottare una metodologia in grado di esplorare i rapporti espressivi e formali tra paesaggio e preesistenze, cura e benessere psichico, innovazione e continuità. Fattori come i nuovi flussi demografici, l’allungamento della vita e la multiculturalità stanno modificando le aspettative dei cittadini e condizionando sempre più il progetto ospedaliero, che non può quindi limitarsi a obbiettivi contingenti né a soddisfare normative cogenti, ma deve ricercare le soluzioni attraverso l’interpretazione di bisogni collettivi complessi, spesso non esplicitati né nei bandi concorsuali, né nei programmi sanitari. Tematiche eterogenee, spesso conflittuali, a cui il progetto offre una risposta unica e globale: controllare questi forti dinamismi richiede leadership e volontà di sfidare le incertezze del futuro. A questo proposito, come sottolinea Elio Guzzanti, “affrontare il problema degli ospedali, e soprattutto del loro futuro, comporta necessariamente una visione non limitata all’ospedale come struttura edilizia ma estesa invece a molti altri fattori, quali le linee di indirizzo della politica sanitaria, le modalità di finanziamento del sistema sanitario e degli ospedali in particolare, ed anche il progresso scientifico, tecnologico, l’evoluzione demografica ed epidemiologica, fattori che, nell’insieme, determinano le esigenze e le priorità da affrontare da parte dei sistemi sanitari ed il ruolo che in questo contesto viene affidato all’ospedale".1 Consapevole di questa condizione, il CSPE concepisce l’architettura ospedaliera non come un gesto auto-referenziale nè auto-celebrativo, ma come un progetto partecipato che diviene landmark civico al servizio della Collettività. Solo con questo spirito, l’ospedale può aspirare a divenire un luogo democratico, accogliente ed integrato alla rete dei servizi di cui fa parte, secondo la logica della capillarizzazione dell’offerta sanitaria che si sta prefigurando per il futuro. Le molte esperienze maturate negli anni, di cui si ricordano alcune opere pilota come, l’Ospedale di Piombino, della Valdichiana, di Foligno, di Modena e, a scala urbana, la cittadella sanitaria di Careggi con il Nuovo Ingresso, il Polo Pediatrico Meyer, il Pronto Soccorso Generale, Le Nuove Chirurgie ed il CTO, tracciano un percorso in cui il protagonismo dell’architettura riesce ad essere condiviso da tutte le istanze del progetto. Questo significa che ogni realizzazione ha una sua propria ed unica identità determinata dallo specifico contesto territoriale e sanitario. Uno scenario che obbliga l’architettura ospedaliera ad una rilettura critica rivolta ad una sua rifondazione disciplinare che recuperi antichi valori per proiettarli verso inediti Modelli futuri. Questo rinnovato interesse si deve anche alla ricerca di matrice anglosassone che alla fine degli anni ‘80 consolida il concetto di patient focused medicine, a cui seguirà l’assunto progettuale che una patient focused care necessita di un patient focused design.2 D’altro canto, l’idea che l’ambiente fisico contribuisce al processo terapeutico risale alla genesi stessa dei luoghi di cura e cioè circa al 500 a.c., quando gli Asclepi dedicano ai malati uno “spazio dello spirito” vicino al Tempio, dove la guarigione avviene per discrezionale intercessione degli Dei. Una fede estrema nell’Olimpo, come altrettanto assoluta ed alienante è la fede nel Progresso che, nel XX secolo, trasforma il paziente in un homme machine e l’ospedale in una machine à guérir. Seppur agli antipodi, entrambe le ideologie soffrono di eccessiva radicalità deontologica, come gli spazi che hanno generato: l’ospedale non può essere né un mistico santuario, né una fabbrica tecnocratica. Né tecnica né divina provvidenza, la medicina contemporanea aspira quindi ad un approccio olistico in grado di abbracciare la persona in tutta la sua complessità, sia fisica che psicologica. Così, da spazio spirituale a luogo tecnocratico e ritorno, l’innovazione contemporanea rileggerà la storia, elaborando l’eccellenza di un percorso lungo secoli. Una presa di coscienza che rende necessario un profondo ripensamento del progetto ospedaliero: un impegno internazionale che sta rivoluzionando il modo in cui si concepisce il futuro dell’innovazione sanitaria in Europa e nel mondo.

>26.11.2003

DIARIO DI CANTIERE SITE DIARY

>12.01.2004

>10.03.2004 01. LO STATO DI DEGRADO ALL'INIZIO DEI LAVORI 02. LE DEMOLIZIONI DELLE SUPERFETAZIONI 03. IL CONSOLIDAMENTO DEL NUCLEO STORICO 04. LE NUOVE CAPRIATE 05. LO SCAVO PER IL NUOVO PADIGLIONE 06. LE ARMATURE DELLA PLATEA DI FONDAZIONI 07. LE STRUTTURE IN ELEVAZIONE DELL'AMPLIAMENTO 08. I SOLAI DELLA NUOVA PIASTRA 09. LA STRUTTURA PORTANTE DELLA MORGUE 10. IL COMPLETAMENTO DEI PILASTRI DELLA DEGENZA 11. IL RESTAURO DELLA VILLA

Quality of life Taking cancer patients’ quality of life into account has revolutionized many principles at the foundation of modern oncology. Patients enjoy longer lives, but at times with reduced faculties. Accordingly, major international organizations for the control of clinical studies (NCI, FDA) recommend including quality of life (QoL) as one of the principal indicators in studies’ results, in addition to traditional indicators, such as survival and rate of relapse. If minimally invasive techniques can achieve the same results as traditional techniques in terms of recovery and survival, then it is highly pertinent to take quality of life into account as well. Today, cancer is, in many cases, a disease that can be cured or reduced to a chronic condition, and as a result, the life expectancy of many cancer patients is very high. It follows that one should seek to ensure these patients a quality of life as close to normal as possible. The aesthetic condition of the body after an ailment is a fundamental factor, and therefore clinical research in this particular field is beginning to look towards procedures entirely employing MIS, or at least giving the most possible attention to patients’ physical integrity.

CSPE (Centro Studi Progettazione Edilizia) è stato fondato a Firenze, nel 1975, da Paolo Felli, Antonio Andreucci e Romano Del Nord per lo sviluppo di ricerche, progettazione e consulenze nel settore della sanità e del sociale. Dal 1999 ai tre partner fondatori sono affiancati gli architetti Giulio Felli e Corrado Lupatelli.

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>10.01.2005

>01.01.2006

>20.07.2006

>15.09.2006

>12.10.2006

>15.06.2005

>24.06.2006

>10.05.2007

01. STATE OF DISREPAIR AT START OF PROJECT 02. DEMOLITION OF ACCRETIONS 03. REFURBISHMENT OF HISTORIC CORE 04. NEW TRUSSES 05. EXCAVATION FOR NEW PAVILION 06. REINFORCEMENT OF THE FOUNDATION PLINTHS AND PILLARS 07. ELEVATION SUPPORTS OF NEW ADDITION 08. THE NEW ADDITION’S FLOORS 09. BEARING STRUCTURE OF THE MORGUE 10. COMPLETION OF PILLARS OF THE WARD 11. RESTORATION OF THE VILLA

CSPE (Centro Studi Progettazione Edilizia; Building design study center) was founded in Florence in 1975 by Paolo Felli, Antonio Andreucci and Romano Del Nord for research, design and consulting in the field of healthcare and social services. In 1999 the three founding members were joined by architects Giulio Felli and Corrado Lupatelli.

archea Sustainable Landmarks

ARCHITECTURE

Con un’introduzione di With an introduction by: Luca Molinari

libro + dvd Design

Isbn: 978-88-96780-12-1 Formato Format: 14x14 cm Pagine Pages: 96 Lingue Languages: por/ing por/eng Anno di pubblicazione Year of publication: 2011 Collana Series: Cataloghi di mostre Exhibition catalogues Stampa Printing: colori colour Legatura Binding: cartonato bound hardback Prezzo Price: 11,00 euro

I progetti architettonici più significativi, sviluppati dallo studio Archea durante oltre 20 anni di attività, sono narrati attraverso i cortometraggi di Yuri Ancarani e Sirio Zabberoni, con la musica di Luca Bechelli, le fotografie di Pietro Savorelli, disegni, plastici e altro materiale utilizzato.

The most important architectures of the design trajectory covered by studio Archea in the course of more than 20 years of activity, recounted by the short films of Yuri Ancarani and Sirio Zabberoni, set to music by Luca Bechelli, the photographs of Pietro Savorelli, drawings, models and materials.

ARCHEA ASSOCIATI is a network of more than 100 architects who work in the 5 branches located in Florence, Milan, Rome, Beijing, San Paolo, Teheran and Dubai. The research activities of the firm range from the landscape to the city, from construction to design, from graphics to publishing.

and studio

ARCHITECTURE

Design

Isbn: 978-88-96780-07-7 Formato Format: 16,5x21 cm Pagine Pages: 156 Lingue Languages: ita/ing ita/eng Anno di pubblicazione Year of publication: 2011 Collana Series: Giovani Architetti Young Architects Stampa Printing: colori colour Legatura Binding: brossura con alette paper binding with flaps Prezzo Price: 20,00 euro

Le realizzazioni, la ricerca e i progetti teorici portati avanti da AND Studio, sono presentati in questo testo, parte della collana dedicata agli architetti emergenti. Il volume percorre in maniera approfondita le tappe della crescita e dello sviluppo dello studio. Grazie a un ampio apparato di immagini e disegni tecnici, oltre che al prezioso contributo di importanti figure del panorama critico dell’architettura contemporanea, come Luigi Prestinenza Puglisi, Marco Brizzi e Giovanni Polazzi, si arriva a comprendere a fondo l’approccio al mondo dell’architettura e le modalità espressive di AND Studio.

The realizations, research and theoretical projects developed by AND studio have been presented in this volume published in the series dedicated to emergent architects. The volume attentively retraces the firm’s phases of growth and development. The numerous images and technical drawings, together with invaluable contributions by leading critics of contemporary architecture, such as Luigi Prestinenza Puglisi, Marco Brizzi and Giovanni Polazzi, allow readers belonging to the architectural sector to fully understand the approach and the expressive style of AND Studio.

AND Studio inizia nel 1998 l’attività professionale, realizza progetti e partecipa a concorsi internazionali, mostre e allestimenti. Con l’associazione culturale “Level 4 architecture” e il contributo della Fondazione Piaggio e del Comune di Pontedera, organizza iniziative e incontri sull’architettura contemporanea.

AND Studio opened in 1998, and has since realized projects and participated in international competitions, exhibitions and installations. With the “Level 4 architecture” cultural association, backed by the Piaggio Foundation and the Municipality of Pontedera, it organizes initiatives and meetings on contemporary architecture.

archea associati perfetti van melle factory renovation

ARCHITECTURE

A cura di Curated by: Laura Andreini Con testi di With texts by: Philipp Meuser e and Massimiliano Giberti

Design

Isbn: 978-88-96780-20-6 Formato Format: 24,5x32,5 cm Pagine Pages: 160 Lingue Languages: ita/ing ita/eng Anno di pubblicazione Year of publication: 2012 Collana Series: Opere Contemporanee Contemporary Works Stampa Printing: colori colour Legatura Binding: cartonato bound hardback Prezzo Price: 30,00 euro

Nel 2004 la Perfetti Van Melle, un’importante azienda italiana, tra i primi produttori al mondo di chewing gum e caramelle, decide di ampliare il primo storico stabilimento di Lainate, pochi chilometri a nord di Milano. L’idea è quella di realizzare un nuovo magazzino centrale per lo stoccaggio di tutti i prodotti realizzati in questo comparto, riorganizzando inoltre anche i reparti direzionali che sarebbero stati concentrati in un nuovo edificio per uffici. Il risultato è molto più della semplice risoluzione di un problema tecnico e funzionale: i nuovi volumi realizzati diventano il simbolo dell’azienda, identificando il brand non più solo con i suoi prodotti, ma anche con la propria sede storica che finalmente si affaccia verso quella città che l’ha da sempre ospitata.

In 2004 Perfetti van Melle, an important Italian corporation and one of the world’s leading chewing gum and candy manufacturers, decided to expand its first historical plant in Lainate, a few kilometres north of Milan. The idea has been to build a new central warehouse for the stocking of all products made in this section, as well as to organize the management offices by concentrating them in a new office building. The result is much more than a mere solution to a technical and functional problem: the new buildings have become the symbol of the company, identifying the brand not only with its products but also with its historical headquarters, which finally face the city they have always belonged to.

ARCHEA ASSOCIATI è un network di 100 architetti, operativi nelle differenti sedi di Firenze, Milano, Roma, Pechino, San Paolo, Teheran e Dubai. L’attività di ricerca dello studio spazia dal paesaggio alla città, dall’edificio al design, dalla grafica all’editoria.

ARCHEA ASSOCIATI is a network of 100 architects who work in the branches located in Florence, Milan, Rome, Beijing, San Paolo, Teheran e Dubai. The research activities of the firm range from the landscape to the city, from construction to design, from graphics to publishing.

archea associati nembro public library

ARCHITECTURE

A cura di Curated by: Laura Andreini Con testi di With texts by: Françoise Bollack e and Luca Molinari

W NE

Design

Isbn: 978-88-96780-25-1 Formato Format: 24,5x32,5 cm Pagine Pages: 160 Lingue Languages: ita/ing ita/eng Anno di pubblicazione Year of publication: 2012 Collana Series: Opere Contemporanee Contemporary Works Stampa Printing: colori colour Legatura Binding: cartonato bound hardback Prezzo Price: 30,00 euro

La biblioteca di Nembro, disegnata dallo studio Archea tra il 2002 e il 2007, potrebbe essere definita come un perfetto e coerente lavoro figlio della cultura architettonica italiana del secondo dopoguerra, con tutte le ricchezze, complessità e sottili contraddizioni che questa definizione porta con sé. Il nuovo corpo di fabbrica si presenta come una scatola di cristallo e acciaio, filtrata dalla luce solare da un curioso sistema di frangiluce in cotto rosso montati su tondini di ferro. Una marea di libri in cotto rosso, liberi nei movimenti e nella disposizione, fa da filtro acceso e gioioso alla teca interna di cristallo dove sono custoditi i libri e sono localizzati alcuni spazi di lettura. Forma dedica una monografia a questo intervento, in edizione bilingue italiano/ inglese, raccontandolo attraverso le immagini di Pietro Savorelli e i disegni tecnici realizzati dallo studio Archea. Arricchisce il volume un’introduzione di Luca Molinari, progettista e critico

The library of Nembro designed by the Archea firm between 2002 and 2007 could be defined as a perfect and coherent work, child of the Italian architectural culture of the postwar years with all the wealth of meanings, complexity and subtle contradiction that this definition entails. The new building appears as a box of glass and steel, shielded from the sun by a curious system of sunscreens in red earthenware, fastened to iron rods. An ocean of books in red terracotta, free in their movements and arrangement, serve as a bright and cheerful filter, protecting the glass showcase within, where the books are kept and some spaces for reading located. Forma dedicates a monograph to this project, in a bilingual Italian/English editionthrough the images of Pietro Savorelli and the technical drawings by Archea. The volume is enriched by an introductory essay by Luca Molinari,

di architettura, già autore di numerose pubblicazioni e un saggio di Françoise Bollack, architetto e docente presso la facoltà di architettura della Columbia University.

critic of architecture and author of many publications, and a critical essay by Françoise Bollack, architect and professor at Columbia University.

archea associati gel Green energy laboratory

ARCHITECTURE

A cura di Curated by: Laura Andreini Con un’introduzione di With an introduction by: Zhenning Fang

XT NE

Design

Formato Format: 24,5x32,5 cm Pagine Pages: 160 Lingue Languages: ita/ing ita/eng Anno di pubblicazione Year of publication: 2012 Collana Series: Opere Contemporanee Contemporary Works Stampa Printing: colori colour Legatura Binding: cartonato bound hardback Prezzo Price: 30,00 euro

Il progetto nasce da una collaborazione tra la Jiao Tong University e il MInistero dell’Ambiente e della Tutela del Territorio e del Mare Italiano per la realizzazione di un edificio a basso impatto ambientale. GEL Green Energy Laboratory, è un volume semplice e compatto dotato di un cortile centrale coperto con un lucernario. Ogni singolo ambiente gode dei benefici raggiunti dall’ottimazione della ventilazione e della luce naturale attraverso una pelle esterna fatta di pannelli in acciaio e cotto fabbricati in Italia. Questa facciata garantisce il controllo e la protezione dai raggi solari della superficie interna vetrata. Le immagini di Charlie Xia e i disegni tecnici di Archea Associati illustrano l’edificio nella monografia bilingue italiano/inglese. Il volume è arricchito da un saggio del critico Fang Zhenning.

The project arises from a collaboration between the Jiao Tong university and the Italian Ministry of Environment and Protection of Land and Sea for the realization of a low environmental impact building. GEL Green Energy Laboratory is a simple and compact body endowed with a central courtyard covered by a skylight. Every single environment enjoys the benefits derived from the maximization of ventilation and natural lighting through an external skin made by a steel and cotto panels manifactured in Italy. This facade guarantees the control and the screening of sun rays on the glazed internal surface. The images of Charlie Xia and the technical drawings by Archea Associati describe this building in the monograph in a bilingual Italian/English edition. An introductory essay by the critic Fang Zhenning completes the volume.

archea associati cantina antinori

ARCHITECTURE

Building a new landscape: a story in images Testi di Texts by: Piero Antinori e and Marco Casamonti

XT NE

Design

ARCHEA ASSOCIATI

CANTINA ANTINORI CRONISTORIA DELLA COSTRUZIONE DI UN NUOVO PAESAGGIO

Formato Format: 33,5x28 cm Pagine Pages: 420 Lingue Languages: ita o ing ita or eng Anno di pubblicazione Year of publication: 2012 Collana Series: Opere Contemporanee Contemporary Works Stampa Printing: colori colour Legatura Binding: cartonato rivestito in tela con cofanetto bound hardback with cloth cover with slipcase Prezzo Price: 59,00 euro Legatura Binding: cartonato bound hardback Prezzo Price: 49,00 euro

Il nuovo progetto per la cantina Antinori si inserisce nello straordinario contesto collinare-vinicolo del Chianti, a metà strada tra Firenze e Siena. La richiesta della committenza è valorizzare il paesaggio e il territorio circostante quale espressione della valenza culturale e sociale dei luoghi di produzione del vino. Il tema concettuale del progetto si traduce in un involucro completamente interrato, privo di coperture, di pareti, di strade, di piazzali di parcheggio, secondo un disegno che tenta una difficile ma necessaria riconciliazione tra naturale e artificiale. è proprio il racconto di questa continua ricerca, della doverosa connessione fra architettura e paesaggio, il fulcro attorno al quale ruota l’intero volume.

The new Antinori winery project is located in the extraordinary hilly landscape covered by vineyards of Chianti, halfway between Florence and Siena. The customer wanted a building which enhanced the surrounding landscape and territory and bore witness to the cultural and social valence of the places where wine is made. The conceptual theme of the project has taken the form of a shell that is wholly below ground, without roofs, walls, streets and parking spaces, according to a design which attempts a difficult but necessary reconcilement between the natural and the artificial. It is precisely the story of this constant research, of the indispensable connection between architecture and landscape, which represents the fulcrum on which the whole volume pivots.

HABITAR A COMUNIDADE ABITARE LA COMUNITÀ

ARCHITECTURE

di by: Marco Casamonti e and Massimiliano Giberti

W NE Design

Isbn: 978-88-96780-27-5 Formato Format: 24,5x32,5 cm Pagine Pages: 240 Lingue Languages: por/ita por/ita Anno di pubblicazione Year of publication: 2012 Collana Series: Urban Planning Urban Planning Stampa Printing: colori colour Legatura Binding: cartonato bound hardback Prezzo Price: 30,00 euro

Rio de Janeiro è attualmente all’attenzione del mondo per gli eventi che la città e il governo brasiliano hanno saputo attrarre sull’ex capitale. Ciò rappresenta il risultato di una precisa volontà politica tendente a consolidare l’immagine di un paese in forte espansione, rispetto al quale l’incisiva presenza di tessuto urbano informale, le Favelas, sta divenendo sempre più inconciliabile. Il volume “Habitar a comunidade / Abitare la comunità”, nasce dal tentativo di individuare nuove strategie di intervento nella “città informale” che non cerchino di imporre modelli esterni, ma piuttosto definiscano alcuni semplici principi operativi che possano essere attuati sia dai singoli che dalle amministrazoni attraverso progetti condivisi e partecipati. L’idea è che le Comunità possono riqualificarsi solo attraverso il coinvolgimento diretto dei propri membri.

Rio de Janeiro is currently in the centre of the world’s attention due to the events the city and the Brazilian government have succeeded in attracting to the former capital. This is the result of a specific political strategy aimed at consolidating the image of a country undergoing a rapid expansion, which is becoming increasingly irreconcilable with the conspicuous presence of an informal urban tissue in the form of favelas. The volume “Habitar a comunidade / Abitare la comunità” has been created within the context of an attempt to identify new strategies of intervention in the “informal city” that do not so much try to impose external models as to define some simple operational principles that may be implemented both by individuals and by administrations through shared and participative projects. The underlying concept is that the communities can only be upgraded through a direct involvement of their own members.

Verticale/orizzontale lugar luogo

Matera (MT)

n. de habitantes n. abitanti

61.028

densidade (hab/ha) 15,75 densità (ab/ha)

lugar luogo

Babilônia

n. de habitantes n. abitanti

2.449

superfície (kmq) superficie (kmq)

387,4

altitude (m anm) altitudine (m slm)

densidade (hab/ha) 266,5 densità (ab/ha) superfície (kmq) superficie (kmq)

91.887,6

altitude (m anm) altitudine (m slm)

Vertical/horizontal

Caminhar sobre telhados lugar luogo n. de habitantes n. abitanti

Camminare sui tetti

ENTRAR ENTRARE

Babilônia

Genova (GE)

2.449

n. de habitantes n. abitanti

607.777

densidade (hab/ha) 266,5 densità (ab/ha)

densidade (hab/ha) 249,53 densità (ab/ha)

superfície (kmq) superficie (kmq)

91.887,6

superfície (kmq) superficie (kmq)

243,56

altitude (m anm) altitudine (m slm)

Rua Aurelino Leal > Beco do Zé 5

150 m 125 m 100 m 75 m 50 m 25 m 0m 0m 5m 10 m 15 m 20 m 25 m 30 m 35 m 40 m

32 m 73 m

0m 5m 10 m 15 m 20 m 25 m 30 m 35 m 40 m

54%

Capacidade do acesso Capacità d’accesso

Desnível Dislivello

30 m

49,8 m 56,2 m 38%

126,1 m 24% 224,1 m

Capacidade do acesso Capacità d’accesso

Desnível Dislivello

45 m

Desnível Dislivello

40 m

Desnível Dislivello

30 m

Ladeira Ary Barroso

1 2

Rua Anchieta > Beco do Zé

101 m

150 m 125 m 100 m 75 m 50 m 25 m 0m

150 m 125 m 100 m 75 m 50 m 25 m 0m 0m 5m 10 m 15 m 20 m 25 m 30 m 35 m 40 m 45 m 50 m 55 m

Área para instalação de um sistema de subida mecanizado Area d’inserimento di un sistema di risalita meccanizzato Novos acessos de pedestre Nuovi accessi pedonali Rua de acesso Strada di accesso Novas ruas carroçáveis Nuovi accessi carrabili Acessos de pedestre privado às habitações Accessi pedonali privati delle abitazioni

ESTRATÉGIAS GERAIS STRATEGIE GENERALI

PROPOSTA PROJETUAL PROPOSTA PROGETTUALE PROPOSTA DOS ACESSOS DE PEDESTRE E CARROÇÁVEIS PROPOSTA DI ACCESSI PEDONALI E CARRABILI

lugar luogo

Rua Gustavo Sampaio

70,7 m 203,8 m 20% 270,6 m

Capacidade do acesso Capacità d’accesso

150 m 125 m 100 m 75 m 50 m 25 m 0m 0m 4

25 m

50 m 75 m 100 m 125 m 150 m

Rua Antônio Vieira 150 m 125 m 100 m 75 m 50 m 25 m 0m 0m 5m 10 m 15 m 20 m 25 m 30 m 35 m 40 m

113,7 m 29%

205 m 314,7 m

Capacidade do acesso Capacità d’accesso

116

117

ENQUADRAMENTO INQUADRAMENTO

ENQUADRAMENTO ADMINISTRATIVO-TERRITORIAL INQUADRAMENTO AMMINISTRATIVO-TERRITORIALE

ENQUADRAMENTO INQUADRAMENTO

Leme

Bairro Quartiere

Copacabana

Subdistrito Sottodistretto

collana one

ARCHITECTURE

ONE è la nuova iniziativa editoriale promossa da Forma Edizioni per una collana dedicata all’architettura italiana contemporanea, a cura di Laura Andreini e Andrea Mannocci. La collana vede protagonisti di questi volumi i progetti, uno per ciascuno, degli studi selezionati tra i giovani architetti che lavorano in Italia e all’estero. Le monografie, in edizione bilingue italiano/inglese, saranno pubblicate nel corso dell’anno e andranno a costituire, raccolti in un unico cofanetto, un documento sull’attuale realtà architettonica italiana colta nelle sue spinte più innovative e di avanguardia. Ciascun volume si compone di un saggio introduttivo, di una presentazione del progetto e dello studio attraverso una biografia, un sintetico regesto delle opere e una bibliografia delle pubblicazioni. Immagini fotografiche, schizzi e disegni tecnici costituiscono inoltre gli strumenti chiave di lettura dell’opera proposta.

DIVERSERIGHESTUDIO CASALOGICA

ONE is the new editorial initiative by Forma Edizioni about a series dedicated to Italian contemporary architecture, curated by Laura Andreini and Andrea Mannocci. The CREDO CHE NEI PROSSIMI protagonists of the volume of this series are DECENNI CI CONFRONTEREMO CON FENOMENI DI ROTTAMAZIONE DIVERSERIGHE EDILIZIA, DI RINATURALIZZAZIONE DEL PAESAGGIO URBANO PERIFERICO E DI RIACCORPAMENTO projects, one for each, of the selected offices STUDIO DELL’ESISTENTE ATTRAVERSO FORME INEDITE DI DENSIFICAZIONE ABITATIVA E NUOVE STRATEGIE DI among young architects workingCONDIVISIONE in ItalyDI SPAZI andE RISORSE. È PER QUESTO CASALOGICA CHE CONSIDERO IL LAVORO DI DIVERSERIGHESTUDIO PIONERISTICO NEL PANORAMA PROFESSIONALE INTERNAZIONALE. I BELIEVE WE WILL FACE A abroad. The monographs, in a bilingual Italian/ DEVELOPMENT CHARACTERIZED BY DEMOLITIONS OF A RETURN OF NATURE TO THE PERIPHERIC URBAN LANDSCAPE AND THE REINCORPORATION English edition, will be publishedBUILDINGS, during OF EXISTING BUILDINGS THROUGH NEW FORMS OF HOUSING DENSIFICATION AND STRATEGIES OF SHARING IL DIALOGO CON DELTHE LUOGO MITIGA SPACES AND RESOURCES. THISLA ISTOPOGRAFIA WHY I CONSIDER the year and, collected in a special slipcase, IL TRAUMA COSTRUTTIVO E CERCA DI MANTENERE WORK OF DIVERSERIGHESTUDIO PIONEERING IN THE ARIU+VALLINO LA CONTINUITÀ DELSCENARIO. PROFILO CHE CONNOTA QUEL PROFESSIONAL LEMBO DI RIVIERA, ATTENUA L’IMPATTO CON will constitute a document of theINTERNATIONAL Italian ARCHITETTI LA TERRA E RIESCE, CON RIGORE TETTONICO, A TROVARE IL PUNTO DI EQUILIBRIO TRA NATURA E architectural reality in its most innovative and ARTIFICIO, TRA LECCI E SOLIDITÀ MURARIA, TRA SUMMER HOUSES MACCHIA MEDITERRANEA E INVASO DELLA PISCINA. THE DIALOGUE WITH THE TOPOGRAPHY OF THE cutting-edge thrust. Each volume consists of THE TRAUMA REPRESENTED PLACE ATTENUATES BY THE BUILDING AND SEEKS TO PRESERVE THE CONTINUITY OF THE CHARACTERISTIC PROFILE OF an introductory essay, a presentation of THEthe RIVIERA, SOFTENING THE IMPACT WITH THE LAND AND SUCCEEDING WITH TECTONIC RIGOUR TO ESTABLISH A BALANCED RELATIONSHIP BETWEEN project and of the office,ILILthrough biography, DIALOGO CON LA a TOPOGRAFIA DEL LUOGO MITIGA NATURE AND ARTIFICIAL, BETWEEN HOLM OAKS AND TRAUMA COSTRUTTIVO E CERCA MANTENERE SOLIDDIMASONRY, BETWEEN MEDITERRANEAN SCRUB NEOSTUDIO DEL PROFILO CHE QUEL POOL. AND CONNOTA a brief list of works and LA a CONTINUITÀ bibliography ofTHE SWIMMING LEMBO DI RIVIERA, ATTENUA L’IMPATTO CON PIAZZA LA TERRA E RIESCE, CON RIGORE TETTONICO, A TROVARE IL PUNTO DI EQUILIBRIO TRA NATURA E publications. Photographs, sketches andMURARIA, TRA ARTIFICIO, TRA LECCI E SOLIDITÀ GARIBALDI MACCHIA MEDITERRANEA E INVASO DELLA PISCINA. THE DIALOGUE WITH THE TOPOGRAPHY OF THE technical drawings are also key tools forREPRESENTED PLACE ATTENUATES THE TRAUMA BY THE BUILDING AND SEEKS TO PRESERVE THE OF THE CHARACTERISTIC PROFILE OF reading each project. CONTINUITY THE RIVIERA, SOFTENING THE IMPACT WITH THE DIVERSERIGHESTUDIO CASALOGICA VECCIARCHITETTI CASA C

-SCAPE VILLINO LIBERTY DEP STUDIO CASA N/S

LAPO RUFFI EDIFICIO TCR

TRAVERSO-VIGHY CASA CESCHI

BOLOGNA / ITALY / 2009-2010

ARIU+VALLINO ARCHITETTI SUMMERHOUSES

DIVERSERIGHESTUDIO CASALOGICA VECCIARCHITETTI CASA C

-SCAPE VILLINO LIBERTY DEP STUDIO CASA N/S

LUCA MOLINARI

€ 10,00

LAPO RUFFI EDIFICIO TCR

TRAVERSO-VIGHY CASA CESCHI

NEOSTUDIO PIAZZA GARIBALDI

DIVERSERIGHESTUDIO CASALOGICA VECCIARCHITETTI CASA C -SCAPE VILLINO LIBERTY DEP STUDIO CASA N/S LAPO RUFFI EDIFICIO TCR TRAVERSO-VIGHY CASA CESCHI

CESARE PIVA

VARAZZE / ITALY / 2006-2009

In un luogo compromesso e abbandonato, dove resiste una porzione del paesaggio ligure, troppo spesso minacciato da interventi speculativi e distruttivi, lo studio Ariu+Vallino ha realizzato un’architettura di “sezione”. Se la lezione del decostruttivismo ha reso libera l’azione agli architetti, il progetto di queste case per vacanza ricorda l’impegno per l’architettura di “sezione” di Alvar Aalto a Rovaniemi. Questo progetto si compone di volumi (l’ingresso, le abitazioni e la piscina) e materiali (il legno, la pietra, l’intonaco, la lamiera e il vetro) articolati con i dislivelli del terreno e l’interpretazione del paesaggio, sia essa un’interpretazione “fisica” verso monte, con l’integrazione tra vegetazione e costruito, o “percettiva” verso il mare con le viste che inquadrano lo sfondo come quinte sceniche. Un’architettura di “sezione” ispirata a un linguaggio contemporaneo privo di riferimenti formali.

€ 10,00

FIRENZE / ITALY / 2009-2010

VECCIARCHITETTI CASA C -SCAPE VILLINO LIBERTY DEP STUDIO CASA N/S LAPO RUFFI EDIFICIO TCR

XT NEONE

TRAVERSO-VIGHY CASA CESCHI

LAND AND SUCCEEDING WITH TECTONIC RIGOUR TO ESTABLISH A BALANCED RELATIONSHIP BETWEEN DIALOGOHOLM CON LA TOPOGRAFIA DEL LUOGO MITIGA NATURE AND ARTIFICIAL, IL BETWEEN OAKS AND IL MEDITERRANEAN TRAUMA COSTRUTTIVO E CERCA DI MANTENERE SOLID MASONRY, BETWEEN SCRUB LA CONTINUITÀ DEL PROFILO CHE CONNOTA QUEL AND THE SWIMMING POOL. LEMBO DI RIVIERA, ATTENUA L’IMPATTO CON LA TERRA E RIESCE, CON RIGORE TETTONICO, A CESARE PIVA TROVARE IL PUNTO DI EQUILIBRIO TRA NATURA E ARTIFICIO, TRA LECCI E SOLIDITÀ MURARIA, TRA MACCHIA MEDITERRANEA E INVASO DELLA PISCINA. THE DIALOGUE WITH THE TOPOGRAPHY OF THE PLACE ATTENUATES THE TRAUMA REPRESENTED BY THE BUILDING AND SEEKS TO PRESERVE THE CONTINUITY OF THE CHARACTERISTIC PROFILE OF THE RIVIERA, SOFTENING THE IMPACT WITH THE LAND AND SUCCEEDING WITH TECTONIC RIGOUR TO ESTABLISH A BALANCED RELATIONSHIP BETWEEN NATURE AND ARTIFICIAL, BETWEEN HOLM OAKS AND SOLID MASONRY, BETWEEN MEDITERRANEAN SCRUB AND THE SWIMMING POOL.

DIVERSERIGHESTUDIO ARIU + VALLINO ARCHITETTI NEOSTUDIO LUCA GAZZANIGA ARCHITETTI

€ 10,00

CESARE PIVA € 10,00

LUCA GAZZANIGA ARCHITETTI PIV CASA A PRISTINA

DIVERSERIGHESTUDIO CASALOGICA

LUCA GAZZANIGA ARCHITETTI PIV CASA A PRISTINA Andrea Mannocci

PRISTINA / KOSOVO / 2008-2012

The residential building Frutto di una metodologia presented in this monograph progettuale incentrata sulla - the result of an architectural sperimentazione compositiva method based on design che Diverserighestudio experiments the Diverserighe porta avanti dal 2003, anno firm has conducted since it was di fondazione dello studio, founded in 2003 - proves that it l’edificio residenziale oggetto is possible to achieve surprising di questa monografia mostra results even if one has to work come sia possibile ottenere with limited budgets and in risultati sorprendenti pur contexts that offer nothing in disponendo di budget limitati e terms of natural sceneries or operando in contesti che niente charming townscapes. The firm concedono alla suggestione del has, nevertheless, succeeded paesaggio sia esso naturale che in “inventing”, with few studied urbano. Tuttavia lo studio ha volumetric shifts, a remarkably saputo “inventare”, con pochi accomplished and fascinating calibrati scarti volumetrici, work.The articulation of the un’opera sorprendentemente aggregate has been obtained riuscita e suggestiva. by means of measured L’articolazione dell’assieme è movements, both vertical ottenuta attraverso il misurato and horizontal, of the rough movimento, sia in senso surfaces of an outer shell that verticale che orizzontale, is as simple as it is expressive. delle scabre superfici di un Both the house and the book involucro semplice quanto are therefore testimonials of espressivo. La casa e il libro the extraordinary possibilities sono allora la testimonianza offered by architecture, as an di una possibilità straordinaria opportunity available to all those offerta dall’architettura come who want to seek it. un’opportunità disponibile Four “towers” in concr per tutti coloro che vogliono In un luogo compromesso e define the fortified corn abbandonato, resiste una Lauradove Andreini cercarla. single architectonic ag porzione del paesaggio ligure, divided in two independ troppo spesso minacciato Laura Andreini units, connected by a n da interventi speculativi of shared facilities on t e distruttivi, lo studio basement. The compac Ariu+Vallino ha realizzato rigorous outer shell co un’architettura di “sezione”. modern inspirations an Se la lezione del contaminations from th decostruttivismo ha reso tradition – pitched roof libera l’azione agli architetti, wooden structures – in il progetto di queste case whole that bears witne per vacanza ricorda l’impegno to design skills and to per l’architettura di “sezione” critical intent with resp di Alvar Aalto a Rovaniemi. the contemporary Italia Questo progetto si compone di The realization of Casa volumi (l’ingresso, le abitazioni – through the square fo e la piscina) e materiali (il adapted to the form of legno, la pietra, l’intonaco, lot, the attentive choice la lamiera e il vetro) articolati materials and the care con i dislivelli del terreno e of the details – reveals l’interpretazione del paesaggio, studio as a new player sia essa un’interpretazione within an architectural “fisica” verso monte, con that needs, especially o l’integrazione tra vegetazione the bigger cities, that c e costruito, o “percettiva” and methodological es verso il mare con le viste in architectural design che inquadrano lo sfondo come proof of an evident ma quinte sceniche. Un’architettura di “sezione” ispirata a un Four “towers” in concrete Laura Andreini linguaggio contemporaneo privo define the fortified corners of a di riferimenti formali. single architectonic aggregate divided in two independent Andrea Mannocci units, connected by a number of shared facilities on the basement. The compact and rigorous outer shell combines modern inspirations and contaminations from the local tradition – pitched roofs with wooden structures – in a unitary whole that bears witness both to design skills and to a clear critical intent with respect to the contemporary Italian debate. The realization of Casa N/S – through the square form adapted to the form of the lot, the attentive choice of the materials and the careful study of the details – reveals dep studio as a new player to watch within an architectural scenario that needs, especially outside the bigger cities, that clarity and methodological essentiality in architectural design that is proof of an evident maturity.

Laura Andreini

Four “towers” in concrete define the fortified corners of a single architectonic aggregate divided in two independent units, connected by a number of shared facilities on the basement. The compact and rigorous outer shell combines modern inspirations and contaminations from the local tradition – pitched roofs with wooden structures – in a unitary whole that bears witness both to design skills and to a clear critical intent with respect to the contemporary Italian debate. The realization of Casa N/S – through the square form adapted to the form of the lot, the attentive choice of the materials and the careful study of the details – reveals dep studio as a new player to watch within an architectural scenario that needs, especially outside the bigger cities, that clarity and methodological essentiality in architectural design that is proof of an evident maturity. Laura Andreini

-scape villino liberty Saggio di Essay by: Giampiero Sanguigni

Design

Isbn: 978-88-96780-21-3 Formato Format: 21x16,5 cm Pagine Pages: 64 Lingue Languages: ita/ing ita/eng Anno di pubblicazione Year of publication: 2012 Collana Series: ONE Stampa Printing: colori colour Legatura Binding: brossura con alette paper binding with flaps Prezzo Price: 10,00 euro

L’intervento ha come oggetto il recupero di un edificio situato ai margini del centro storico di Roma e la riprogrammazione, in chiave contemporanea, dei due livelli sommitali dell’immobile, al fine di realizzare un’ampia residenza privata. La monografia, in edizione bilingue italiano/inglese, presenta una descrizione completa dell’opera, attraverso una scheda tecnica e un testo esplicativo, correlati di immagini fotografiche e disegni tecnici per una lettura più accurata del progetto. The project treats the restoration of a building located on the outer edge of the old city centre of Rome and the redesign, in a contemporary key, of the two upper floors of the building, which have been turned into a large private dwelling. The monograph, in a bilingual Italian/ English edition, presents a complete description of the work, through technical specifications and an esplicative text that, together with photographs and technical drawings, allow an in-depth reading of the project.

LE PARETI VETRATE CHE CIRCONDANO IL PATIO POSSONO SCORRERE E SCOMPARIRE COMPLETAMENTE NELLO SPESSORE DEI MURI: IN QUESTA CONFIGURAZIONE LO SPAZIO APERTO INVADE E ARRICCHISCE ULTERIORMENTE LA VITA DELLA CASA. THE GLAZED WALLS SURROUNDING THE PATIO ARE SLIDING, AND DISAPPEAR INTO THE WALLS WHEN OPENED: WHEN THIS IS DONE, THE SPACE ENTERS AND FURTHER ENRICHES THE LIFE OF THE HOUSE.

BIOGRAFIA BIOGRAPHY www.scape.it

-scape è uno studio di architettura con sede a Roma e Parigi, premiato nel 2008, con i “Nouveaux Albums des Jeunes Architectes”, riconoscimento del Ministero della Cultura e della Comunicazione francese. -scape è nata nel maggio 2002 da un’idea di Ludovica Di Falco (Napoli, 1975), Francesco Marinelli (Roma, 1975) e Paolo Mezzalama (Roma, 1975), architetti, formatisi alla Facoltà di Architettura dell’Università di Roma Tre, idea che si è concretizzata nel febbraio 2004 con la costituzione della società di ingegneria -scape spa. Alessandro Cambi (Siena, 1976) , anche lui architetto, formatosi fra la Facoltà di Architettura di Firenze, l’Ecole d’Architecture di Parigi-La Villette e l’Ecole d’Architecture di Parigi-La Défense, aderisce, in qualità di quarto socio, nel gennaio 2005. -scape si propone come “contenitore” di idee, di persone, di competenze specialistiche e interdisciplinari allo scopo di arrivare a una concezione completa del processo di costruzione sotto l’aspetto tecnico, economico e architettonico attraverso il lavoro svolto all’interno dello studio e tramite una rete di collaboratori esterni. L’analisi e lo sviluppo di una ricerca architettonica a tutto tondo (dal landscape al city-scape) rispetto a tutti i suoi contesti, fisici o astratti, hanno 58

portato lo studio -scape a indirizzare la sua attività verso progetti la cui natura, dimensione e localizzazione è sempre varia e diversa. Gli incarichi e i concorsi svolti fin dall’inizio testimoniano questi due aspetti: lo studio collabora con soggetti differenti nel campo dell’architettura, del paesaggio, dell’urbanistica, dell’ingegneria strutturale e degli impianti tecnici, per soddisfare al meglio le richieste specifiche del progetto e del committente. L’interesse di -scape per le molteplici nature dell’architettura è dimostrato dalla varietà dei progetti sviluppati nel corso degli anni: residenze private e sociali, complessi scolastici, edifici istituzionali e uffici, spazi culturali, spazi pubblici, recupero paesaggistico, infrastrutture, restauro e recupero. -scape si è distinta in numerosi concorsi internazionali di progettazione, sia in Italia che all’estero. Dal 2005 il sistema di gestione per la qualità di -scape è certificato secondo la norma UNI EN ISO 9001:2000. Nel 2006 -scape è stata selezionata per il “Premio Giovani” dell’Accademia di San Luca a Roma. Nel 2010 -scape ha ricevuto il premio “Romarchitettura 4” per il miglior progetto realizzato da un giovane architetto (Villino Liberty a Roma).

-scape is an architecture firm with offices in Rome and Paris, which was awarded the “Nouveaux Albums des Jeunes Architectes” recognition by the French Ministry of Culture and Communication in 2008. -scape was created in May 2002 on the initiative of Ludovica Di Falco (Naples, 1975), Francesco Marinelli (Rome, 1975) and Paolo Mezzalama (Rome, 1975), architects and graduates from the architecture faculty of the University of Roma Tre. The initial idea was concretized in February 2004 when the engineering firm -scape spa was incorporated. Alessandro Cambi (Siena, 1976), architect who has studied at the architecture faculty of Florence, the Ecole d’Architecture of Paris-La Villette and the Ecole d’Architecture of Paris-La Défense, joined the firm as the fourth partner in January 2005. -scape presents itself as a “container” of ideas, persons, specialized and interdisciplinary expertise in order to cover the whole creative process associated with building, including the technical, economic and architectural aspects, through work conducted internally within the firm and through a network of external collaborators. The analysis and development of an architectural research that considers every aspect (from the land-scape to the city-scape) of all the relevant contexts, physical or

abstracts, has made the -scape firm focus on projects characterized by their great variety and diversity in terms of nature, dimension and location. The assignments and competitions the firm has worked on ever since it commenced its activities witness these two aspects: it cooperates with different players in the field of architecture, landscape design, town planning, structural engineering and technical systems, to meet the specific requirements of the project and the customer in the best possible way. -scape’s interest in the multifaceted nature of architecture is demonstrated by the wide range of projects it has developed over the years: private dwellings and community housing, school complexes, institutional buildings and offices, cultural venues, public spaces, upgrading of landscapes, infrastructures, restoration and renovation. -scape has distinguished itself in numerous international design competitions, both in Italy and abroad. The quality management system of -scape has been certified by the UNI EN ISO 9001:2000 standard since 2005. Nel 2006 -scape was selected for the “Premio Giovani” prize awarded by the Accademia di San Luca in Rome. In 2010 -scape received the “Romarchitettura 4” prize for the best project realized by a young architect (Villino Liberty in Rome).

ARCHITECTURE

traverso-vighy CASA CESCHI

lapo ruffi edificio tcr

Saggio di Essay by: Luca Molinari

Saggio di Essay by: Valerio Paolo Mosco

Design

Isbn: 978-88-96780-15-2 Formato Format: 21x16,5 cm Pagine Pages: 64 Lingue Languages: ita/ing ita/eng Anno di pubblicazione Year of publication: 2011 Collana Series: ONE Stampa Printing: colori colour Legatura Binding: brossura con alette paper binding with flaps Prezzo Price: 10,00 euro

Isbn: 978-88-96780-17-6 Formato Format: 21x16,5 cm Pagine Pages: 64 Lingue Languages: ita/ing ita/eng Anno di pubblicazione Year of publication: 2011 Collana Series: ONE Stampa Printing: colori colour Legatura Binding: brossura con alette paper binding with flaps Prezzo Price: 10,00 euro

“Casa Ceschi” progettata dallo studio Traverso-Vighy è il primo volume della collana ONE, la nuova iniziativa editoriale promossa da Forma Edizioni dedicata all’architettura contemporanea, a cura di Laura Andreini e Andrea Mannocci.

Forma edizioni dedica il secondo volume della collana ONE a un progetto dell’architetto toscano Lapo Ruffi. L’intervento riguarda la ristrutturazione di un vecchio edificio degli anni ‘50 che, radicalmente trasformato, diventa un centro sportivo dedicato al tennis.

“Casa Ceschi”, designed by the office Traverso-Vighy Architetti, is the first volume of the ONE series, the new editorial initiative by Forma Edizioni dedicated to contemporary architecture, curated by Laura Andreini and Andrea Mannocci.

Forma Edizioni dedicates the second volume of the ONE series to a project of the Tuscan architect Lapo Ruffi. It’s about an old building from the Fifties, which has undergone radical renovations to become a sport center devoted to tennis.

dep studio CASA n/s

vecciarchitetti CASA C

Saggio di Essay by: Davide Rota

Saggio di Essay by: Nicola Flora

Design

Isbn: 978-88-96780-18-3 Formato Format: 21x16,5 cm Pagine Pages: 64 Lingue Languages: ita/ing ita/eng Anno di pubblicazione Year of publication: 2011 Collana Series: ONE Stampa Printing: colori colour Legatura Binding: brossura con alette paper binding with flaps Prezzo Price: 10,00 euro

Isbn: 978-88-96780-24-4 Formato Format: 21x16,5 cm Pagine Pages: 64 Lingue Languages: ita/ing ita/eng Anno di pubblicazione Year of publication: 2012 Collana Series: ONE Stampa Printing: colori colour Legatura Binding: brossura con alette paper binding with flaps Prezzo Price: 10,00 euro

Protagonista del nuovo volume è la residenza bifamiliare CASA N/S, costruita in provincia di Bergamo ad opera di dep studio. Arricchiscono il volume un saggio introduttivo, curato da Davide Rota, e una sezione di apparati bio-bibliografici.

Ubicato nell’area nord di Napoli, l’intervento ha interessato la sistemazione esterna del giardino e la realizzazione degli interni di un appartamento al piano terra di un edificio residenziale di tre livelli.

The new volume presents the two-family residence CASA N/S, built near Bergamo by dep studio. The volume is enriched by an introductory essay by Davide Rota and a presentation about the activities of the study, through bio-bibliographycal notes.

The project, which is located in the northern area of Naples, has consisted of the landscaping of the garden and the planning and decoration of the interiors of an apartment on the ground floor of a residential building with three floors.

ARCHITECTURE

XT NEONE

DIVERSERIGHESTUDIO CASALOGICA

ARIU + VALLINO ARCHITETTI SUMMER HOUSES

Saggio di Essay by: Luca Molinari

Saggio di Essay by: Cesare Piva

Design

Isbn: 978-88-96780-30-5 Formato Format: 21x16,5 cm Pagine Pages: 64 Lingue Languages: ita/ing ita/eng Anno di pubblicazione Year of publication: 2012 Collana Series: ONE Stampa Printing: colori colour Legatura Binding: brossura con alette paper binding with flaps Prezzo Price: 10,00 euro

Isbn: 978-88-96780-32-9 Formato Format: 21x16,5 cm Pagine Pages: 64 Lingue Languages: ita/ing ita/eng Anno di pubblicazione Year of publication: 2012 Collana Series: ONE Stampa Printing: colori colour Legatura Binding: brossura con alette paper binding with flaps Prezzo Price: 10,00 euro

Casalogica, realizzata nella pianura padana della Provincia di Bologna, si colloca in un’area di completamento del tessuto urbano caratterizzato dalla presenza di due edifici di forma compatta risalenti ai primi anni ‘50, che vengono recuperati all’interno di un progetto unitario.

Il volume descrive l’intervento di ripristino morfologico del paesaggio della pineta di Spotorno alterata da un preesistente blocco alberghiero. I nuovi volumi edilizi sono frammenti disposti seguendo le curve di livello ricavate ricostruendo la topografia della collina.

Casalogica, a residential project realized in the Po Valley in the Province of Bologna, is positioned in an empty lot in an urban tissue characterized by the presence of two compact buildings from the early Fifties, which have been recovered as part of a unitary project.

The volume concerns the new summer houses built in an area in front of the pine wood which defines the skyline of Spotorno. The project is articulated in a number of simple terraced volumes that follow the morphologic development of the surroundings.

XT NEONE

neo studio piazza garibaldi

LUCA GAZZANIGA ARCHITETTI PIV CASA A PRISTINA

Saggio di Essay by: Franz Prati

Saggio di Essay by: Kenneth Frampton

Design

Isbn: 978-88-96780-28-2 Formato Format: 21x16,5 cm Pagine Pages: 64 Lingue Languages: ita/ing ita/eng Anno di pubblicazione Year of publication: 2012 Collana Series: ONE Stampa Printing: colori colour Legatura Binding: brossura con alette paper binding with flaps Prezzo Price: 10,00 euro

Formato Format: 21x16,5 cm Pagine Pages: 64 Lingue Languages: ita/ing ita/eng Anno di pubblicazione Year of publication: 2013 Collana Series: ONE Stampa Printing: colori colour Legatura Binding: brossura con alette paper binding with flaps Prezzo Price: 10,00 euro

Serrata da una cinta muraria medievale ancora intatta, racchiusa all’interno di un impianto urbano in cui i vuoti appaiono ancora prevalenti rispetto alla densità dell’edificato, Piazza Garibaldi rappresenta un episodio importante nella riqualificazione del centro storico di Lastra a Signa.

Il tema del progetto è stato riunire in sequenza elementi semi-autonomi in posizioni differenti. Cinque volumi di diverse misure e forme incorniciano ampie vedute sul paesaggio circostante, determinando con le loro giaciture irregolari spazi interstiziali intimi e protetti, da vivere in stretta continuità con quelli interni.

Encircled by a still intact belt of Medieval walls, enclosed within an urban plan whose voids still appear to prevail on the density of the built tissue, Piazza Garibaldi represents an important episode in the redevelopment of the historical centre of Lastra a Signa.

The concept was to connect together a sequence of semi-autonomous elements positioned in various ways. Five volumes, all different in terms of size and shape, frame ample views of the surrounding landscape. Their irregular positioning creates secluded outdoor areas between them that are closely related to the internal spaces.

Soly Cissé calore d’estate

luciana rattazzi

L’art de Nakis Panayotidis se fond sur le vrai quotidien e historique, en éludant toute

luciana rattazzi

ARCHEA ASSOCIATI

CANTINA ANTINORI

L’arte di Nakis Panayotidis si fonda nel vero quotidiano e storico, eludendo ogni tentazione idealistica e, al contrario, offrendo tracce concrete di un’esperienza estetica che ricava le sue valenze poetiche nei materiali del proprio tempo. Tra essi, l’impiego della luce è congenito a gran parte del suo lavoro per la scelta di una base fotografica in molte sue opere. Nondimeno, l’elaborazione plastica di scritte al neon – quali insegne dell’interiorità – consente a Panayotidis di formulare, insieme all’illuminazione emblematica dei luoghi e delle cose, un pronunciamento individuativo e oracolare volto a rischiarare le tenebre della nostra epoca e la coscienza di ciascuno.

CRONISTORIA DELLA COSTRUZIONE DI UN NUOVO PAESAGGIO

Bruno Corà

CRISTINA DONATI GIULIO FELLI

CRISTINA DONATI studied architecture at Florence University where she gained a Ph.D in contemporary architecture. After her degree, she moved to Oxford (UK) to work with architectural practices and cultural associations in London. She has taught the course of Theories of Architetcure for the Kent State University (USA). She writes articles and essays for international architectural magazines. Since 2005 she is in charge of the editorial communication at CSPE. Among recent publications: Michael Hopkins, Skira, 2006; L’Innovazione Tecnologica dalla Ricerca alla Realizzazione, Electa, 2008. GIULIO FELLI is Director of the CSPE firm, where he is in charge of design and coordinating major competitions and hospital designs. He pairs his work as an architect with research on innovative healthcare models and teaching at the Faculty of Architecture of the University of Ferrara.

CSPE CENTRO ONCOLOGICO FIORENTINO

GIULIO FELLI Direttore dello studio CSPE dove si occupa della progettazione e del coordinamento dei principali concorsi e progetti ospedalieri. All’attività professionale affianca la ricerca sui modelli sanitari anglosassoni e l’attività accademica che svolge presso la Facoltà di Architettura dell’Università degli Studi di Ferrara.

CSPE CENTRO ONCOLOGICO FIORENTINO

Questo libro racconta la trasformazione di un’antica Villa in un Centro ad alta specializzazione oncologica. Il dialogo tra storia e contemporaneità è il leitmotiv del progetto: una realtà unica, come unico è stato il percorso realizzativo all’insegna di un approccio innovativo e sperimentale. Costruire un Ospedale oggi, implica scommettere sul suo futuro. Lo scenario odierno è infatti caratterizzato da una rifondazione disciplinare che affronta la rilettura critica dei parametri culturali, architettonici e tecnologici dei luoghi di cura del XX secolo per rispondere alle rinnovate esigenze della ricerca clinica e di un sistema sanitario in forte evoluzione. Così, in un contesto complesso e multidisciplinare, la storia del nuovo Centro Oncologico Fiorentino offre spunti per un duplice approfondimento: il primo è quello di soffermarsi a riflettere sul valore delle strutture storiche nei progetti di recupero ospedalieri; il secondo riguarda il ruolo della committenza e le visioni culturali che hanno dato senso agli obbiettivi ed agli interrogativi durante i lunghi tempi della progettazione. In che direzione si muove quindi l’Ospedale e le politiche sanitarie contemporanee? Quali sono i nuovi orizzonti dell’oncologia? Come si coniugano le esigenze della cura, della formazione e della ricerca in un unico Centro ad alta specializzazione? Esiste un’architettura per l’oncologia? Queste ed altre domande trovano spunti di indagine in un libro che non vuole limitarsi a presentare l’esito architettonico, ma intende condividere pensieri e aspettative con la comunità di tutti coloro disposti ad interrogarsi su di una cultura dell’assistenza in attesa del suo prossimo salto epocale. This book recounts the conversion of a historic villa into a highly specialized cancer center. The design’s guiding theme is a dialogue between history and the present day. The situation is as unique as the process of designing the center, which took an innovative, experimental approach. Building a hospital today means taking on the future. The current situation is marked by the pursuit of new foundations for a discipline that addresses a critical rethinking of the cultural, architectural and technological criteria of 20th-century healthcare places to respond to the new demands of clinical research and a changing healthcare system. Within this complex, quickly-changing context, the story of the new Centro Oncologico Fiorentino cancer center offers inspiration for two lines of further thought. The first of these is reflection on the role of historic buildings in hospital conversion projects. The second is the role of clients and the cultural perspective that gave meaning to the goals and questions that are part of the lengthy design process. In what direction are hospitals and contemporary healthcare policies moving? What is the future of oncology? How can we merge the demands of treatment, education and research in a single, highly specialized center? Is there architecture for oncology? These and other questions are springboards for thought presented in this book, which seeks to go beyond just presenting the results of an architectural project. Its intent is to share ideas and hopes with the community of all those who are interested in exploring a healthcare culture waiting to take its next great leap forward.

MIMMO ROTELLA

CRISTINA DONATI Studia architettura a Firenze dove consegue un Dottorato di Ricerca in storia dell’architettura contemporanea. Dopo la laurea si trasferisce a Oxford (UK) dove collabora con studi professionali, si occupa di editoria e cura mostre per l’Accademia Italiana di Londra. Ha svolto attività didattica per la Kent State University (USA) con il corso di Theories of Architetcure. Scrive per numerose riviste internazionali di settore. Dal 2005 si occupa della comunicazione editoriale delle principali realizzazioni del CSPE. È autore di saggi e monografie tra cui: Michael Hopkins, Skira, 2006; L’Innovazione Tecnologica dalla Ricerca alla Realizzazione, Electa, 2008.

STORIA DI UNA TRASFORMAZIONE VERSO MODELLI FUTURI STORY OF AN ADAPTIVE REUSE FOR NEW MODELS OF CARE

MIMMO ROTELLA

Le vécu de Rotella révèle une relation souterraine avec son décollage, puisque l’action de soustraction des affiches, qu’il réélabore ensuite dans son atelier, aux murs de la ville fait éclore à ses yeux, avant même ceux des autres, la complexité du réel, la superposition fortuite et indéterminable de récits, de messages, de signes et de couleurs différents, une densité phénoménologique […] déréalisée, affabulatrice, simulatrice, intrinsèque à la sphère de la publicité, du monde des produits et des biens, du spectacle et de la fiction. L’artiste découvre que si l’affiche est simulacre de la réalité, dans une société consumériste et du spectacle, il peut parvenir à rendre, avec cette irréalité, sa propre vie quotidienne dialectique, en interprétant avec ironie bien des rôles distinctifs et autant de personnages, en mettant un terme au cliché de la rigueur et du pathos attribué habituellement à la figure de l’artiste. Il vissuto di Rotella rivela una relazione sotterranea con il suo décollage, poiché l’azione sottrattiva dai muri della città dei manifesti che successivamente egli elabora nel suo studio dischiudono, prima che agli altri, ai suoi stessi occhi, la complessità del reale, la sovrapposizione casuale e indeterminabile di narrazioni, messaggi, segni e colori diversi, una densità fenomenologica […] derealizzata, affabulatoria, simulatrice, congenita alla sfera della pubblicità, del mondo dei prodotti e delle merci, dello spettacolo e della finzione. L’artista scopre che se il manifesto è un simulacro della realtà, in una società consumista e spettacolare, egli può arrivare a rendere dialettica, con quella irrealtà, la sua stessa vita quotidiana, interpretando ironicamente molti ruoli distintivi e altrettanti personaggi, interrompendo un cliché di rigore e pathos attribuito di solito alla figura dell’artista. Rotella’s experience reveals a secret relationship with his décollage, as the action of removing posters from the walls of the city to then work on them in his atelier, discloses – first of all to himself – the complexity of reality, the casual and indeterminable superimposition of different stories, messages, signs and colours, a phenomenological density […] unreal, fantastic, fake, characteristic of the advertising sector, of the world of products and goods, of entertainment and fiction. The artist discovers that if the poster is a simulacrum of reality, in a society oriented towards consumerism and entertainment, he may succeed in establishing a dialogue between that unreality and his own everyday life, ironically interpreting many distinctive roles and as many personalities, revolting against the cliché of rigour and pathos that is usually associated with the figure of the artist.

Bruno Corà

16, avenue Matignon 75008 Paris - France tél +33 (0) 1 53 53 51 51 - www.tornabuoniart.fr

€ 39,00

karim rashid

DESIGN

A cura di Curated by: Marco Casamonti

XT NE Design

Formato Format: 21x26 cm Lingue Languages: ita o ing ita or eng Anno di pubblicazione Year of publication: 2013 Collana Series: Autori Authors Stampa Printing: colori colour Legatura Binding: cartonato con copertina lenticolare moving bound hardback with lenticular cover

Forma Edizioni promuove e approfondisce la ricerca sui designer contemporanei attraverso la creazione di un volume dedicato alle opere realizzate da Karim Rashid in collaborazione con aziende di tutto il mondo. L’obiettivo è raccogliere e presentare la testimonianza di opere realizzate durante la carriera del designer, al fine di indagare l’evoluzione del linguaggio contemporaneo. L’opera rappresenta la prima monografia completa, nell’ambito delle pubblicazioni italiane, di Karim Rashid in occasione del suo 50esimo compleanno e dei suoi primi venticinque anni di attività. Il volume è redatto in collaborazione con Marco Casamonti, già curatore della mostra “Karim Sampler - an edit from the last 15 years”, presentata alla Triennale di Milano durante il Salone del Mobile 2011.

Forma Edizioni promotes and conducts research on contemporary designers by creating a volume dedicated to the works of Karim Rashid in collaboration with companies from all over the world. The purpose is to collect and present works realized in the course of the designer’s career, in order to study the evolution of the contemporary language. The volume is the first complete monograph, within the context of Italian publications, of Karim Rashid on the occasion of his 50th birthday and his first twenty-five years of activity. The volume is edited in collaboration with Marco Casamonti, who has already curated the exhibition “Karim Sampler - an edit from the last 15 years” presented at the Triennale in Milan during the 2011 Salone del Mobile.

Nakis Panayotidis Ivresse rêvée

ART

A cura di Curated by: Bruno Corà

Design

Isbn: 978-88-96780-03-9 Formato Format: 21x24cm Pagine Pages: 120 Lingue Languages: fra/ita/ing fr/ita/eng Anno di pubblicazione Year of publication: 2010 Collana Series: Cataloghi di mostre Exhibition catalogue Stampa Printing: colori colour Legatura Binding: brossura con alette paper binding with flaps Prezzo Price: 20,00 euro

Il libro, incentrato sulla figura dell’artista greco Nakis Panayotidis, propone opere selezionate dal 2007 al 2010 e un approfondimento finale con bozzetti a matita degli studi preparativi delle opere, attraverso i quali è possibile rintracciare il processo ideativo che coinvolge l’artista nel suo lavoro. “L’arte di Nakis Panayotidis si fonda nel vero quotidiano e storico, eludendo ogni tentazione idealistica e, al contrario, offrendo tracce concrete di un’esperienza estetica che ricava le sue valenze poetiche nei materiali del proprio tempo. Tra essi, l’impiego della luce è congenito a gran parte del suo lavoro per la scelta di una base fotografica in molte sue opere. Nondimeno, l’elaborazione plastica di scritte al neon – quali insegne dell’interiorità – consente a Panayotidis di formulare, insieme all’illuminazione emblematica dei luoghi e delle cose, un pronunciamento individuativo e oracolare volto a rischiarare le tenebre della nostra epoca e la coscienza di ciascuno”.

The book, focused on the greek artist Nakis Panayotidis, presents selected works from 2007 to 2010 and a final examination section with sketches of the works’ preparatory studies through which you can identify the creative process that involves the artist in his work. “Nakis Panayotidis’ art is rooted in the truths of everyday life and history, escaping every idealistic temptation, on the contrary offering concrete traces of an aesthetic experience which owes its poetic valences to the materials of its time. Among them, the use of light represents an essential part of many of his works, attributable to the artist’s choice to use a photographic base in many of his works. All the same, the plastic elaboration of writings in neon – as signs of interiority – allows Panayotidis to formulate, along with an emblematic illumination of places and things, an identifying and oracular pronunciation aimed at illuminating the darkness of our age and the conscience of everyone of us”.

Nakis Panayotidis nasce ad Atene nel 1947, si trasferisce in Italia dove studia prima architettura a Torino e successivamente teatro e cinema a Roma. Nel 1970 partecipa per la prima volta ad una mostra di gruppo e da quel momento si dedicherĂ allâ&#x20AC;&#x2122;arte. Durante i suoi viaggi avrĂ modo di entrare in contatto con eminenti figure del panorama artistico come Mario Merz. Le sue opere verranno esposte per la prima volta in un museo nel 1994, presso il Kunstmuseum di Berna.

Nakis Panayotidis was born in Athens in 1947 and moved to Italy where he first studied architecture in Turin and then theatre and cinema in Rome. In 1970 he participates for the first time in a group exhibition and from that moment on he has dedicated himself to art. During his journeys he meets prominent figures of the art scene such as Mario Merz. In 1994 he has his first museum exhibition, at the Kunstmuseum in Bern.

luciana rattazzi

ART

A cura di Curated by: Eleonora Burlando Con testi di With texts by: Guglielmo Bilancioni, Francesco Moschini, Alessandro Valenti

luciana rattazzi

L’art de Nakis Panayotidis se fond sur le vrai quotidien e historique, en éludant toute

luciana rattazzi

tentation idéaliste et, au contraire, en offrant des traces concrètes d’une expérience esthétique qui tire ses valences poétiques des matériaux de son propre temps. Parmi ceux-ci, l’usage de la lumière est congénital à la plupart de son travail dû au choix d’une base photographique pour de nombreuses oeuvres. Néanmoins, l’élaboration plastique des insignes au néon – telles des insignes de l’intériorité – permet à Panayotidis de formuler, en même temps que l’illumination emblématique des lieux et des choses, un prononcé identificateur et oraculaire voué à éclairer les ténèbres de notre époque et la conscience de chacun. L’arte di Nakis Panayotidis si fonda nel vero quotidiano e storico, eludendo ogni tentazione idealistica e, al contrario, offrendo tracce concrete di un’esperienza estetica che ricava le sue valenze poetiche nei materiali del proprio tempo. Tra essi, l’impiego della luce è congenito a gran parte del suo lavoro per la scelta di una base fotografica in molte sue opere. Nondimeno, l’elaborazione plastica di scritte al neon – quali insegne dell’interiorità – consente a Panayotidis di formulare, insieme all’illuminazione emblematica dei luoghi e delle cose, un pronunciamento individuativo e oracolare volto a rischiarare le tenebre della nostra epoca e la coscienza di ciascuno. L’arte di Nakis Panayotidis si fonda nel vero quotidiano e storico, eludendo ogni tentazione idealistica e, al contrario, offrendo tracce concrete di un’esperienza estetica che ricava le sue valenze poetiche nei materiali del proprio tempo. Tra essi, l’impiego della luce è congenito a gran parte del suo lavoro per la scelta di una base fotografica in molte sue opere. Nondimeno, l’elaborazione plastica di scritte al neon – quali insegne dell’interiorità – consente a Panayotidis di formulare, insieme all’illuminazione emblematica dei luoghi e delle cose, un pronunciamento individuativo e oracolare

XT NE

Design

Formato Format: 21x24cm Lingue Languages: ita/ing ita/eng Anno di pubblicazione Year of publication: 2012 Stampa Printing: colori colour Legatura Binding: brossura con alette paper binding with flaps Prezzo Price: 15,00 euro

volto a rischiarare le tenebre della nostra epoca e la coscienza di ciascuno.

Bruno Corà

“Non sono propriamente disegni, queste opere di Luciana Rattazzi, perché in esse non si rinvengono linee, né pitture, prive come sono di ductus e di colore; sono artifici molto espressivi che controllano la texture della carta con polveri bianche e nere-carboncino e perborato e riproducono, in chi li osservi, lo spirito gigante del mare, sospeso e dubitoso. [...] Bianco e nero, insieme, danno il grigio, più o meno grigio secondo la quantità di polveri bianche o nere, dosate da una intenzione assolutamente spaziale. [...]Un caso pittorico della natura, uno dei più difficili per i pittori e per i poeti, viene prodigiosamente tracciato da un severo quasi-nulla che si apre ai possibili della visione ed affronta i temi più grandi: il volume del cielo, le brume e i pulviscoli, le forme cosmiche della schiuma, e la luce, tenue come la speranza e perenne come l’attesa, che appare in lontananza sulla linea dell’orizzonte. [...]” Il volume è curato da Eleonora Burlando e raccoglie alcune fra le piu’ interessanti opere lasciate da Luciana Rattazzi.

“They are not drawings, strictly speaking, these works by Luciana Rattazzi, because there are no lines in them; neither are they paintings, as they lack strokes and colour. They are highly expressive artifices which control the texture of the paper with black and white powders, coal and perborate, and which inspire those who look at them with the gigantic spirit of the sea, suspended and doubtful. When united, black and white become grey, more or less grey depending on the quantity of white or black powders, dosed by an absolutely spatial intention. [...] A pictorial case of nature, one of the most daunting challenges for painters and poets, is prodigiously traced by a severe quasinothing that opens to possible visions and tackles the greatest themes: the volume of the sky, mist and dust particles, the cosmic forms of foam, and light, fragile like hope and eternal like expectation, that appears in the distance, on the horizon line. [...]” The volume, edited by Eleonora Burlando, features a collection of some of the most interesting works left by Luciana Rattazzi.

memoria illuminata 2010 carboncino su tela cm 150x120

memoria illuminata

2010

carboncino su tela

cm 150x120

memoria illuminata 2010 carboncino su tela cm 150x120

biografia

biography

1947 nato ad Atene 1966 inizia gli studi in ar-

1947 born in Athens 1966 begins study of ar-

chitettura a Torino 1967 perde l’interesse per

chitecture in Turin 1967 loses interest in ar-

l’architettura e cambia per le belle arti e tea-

chitecture and changes to fine arts and the-

tro/cinema a Roma 1968 ritorna a Torino 1970

atre/cinema in Rome 1968 returns to Turin

prima mostra di gruppo 1971 incontra Agnes

1970 first group exhibition 1971 meets Agnes

Häussler 1973 sposa Agnes Häussler, ora vive

Häussler 1973 Marries Agnes Häussler, now

e lavora a Berna 1974 prima mostra individua-

lives and works in Berne 1974 first solo exhi-

le 1975 nascita della figlia Anastasia Artemis

bition 1975 birth of daughter Anastasia Ar-

1977 soggiorno di lavoro al Centro internazio-

temis 1977 working residence at the Centro

nale di sperimentazioni artistiche a Boissano

internazionale di sperimentazioni artistiche

insieme a Maurizio Mocchetti e Marisa e Mario

in Boissano together with Maurizio Mocchetti

Merz 1980 frequenti visite in Grecia, compra

and Marisa and Mario Merz 1980 frequent vi-

una casa sull’isola di Serifo 1985 primi quadri

sits to Greece, buys a house on the island of

di catrame e cartone catramato con paglia e

Serifos 1985 first tar and roofing felt pictures

pietre (Goya) 1987 installazione La punta della

with straw and stones (Goya) 1987 installation

sapienza si rivolge contro il sapiente (Nietzsche)

The edge of wisdom is turned against the wise

1989 prime installazioni a parete con pannelli

man (Nietzsche) 1989 first wall installations

di lettere e fotografie di mine di ferro dismes-

with word panels and photographs of closed-

se a Serifo, installazioni luminose 1991 oltre

down iron ore mines on Serifos, light installa-

ai suoi pannelli di lettere in asfalto, Panayo-

tions 1991 besides his word panels in asphalt,

tidis ora produce anche pannelli di lettere in

Panayotidis now also produces word panels in

lamina di piombo 1993 alle sue mnemografie

lead sheet 1993 his mnemographs of the clo-

della mina di ferro dismessa seguono quelle di

sed-down iron ore mine are now followed by

una fabbrica di acciaio dismessa a Eleusi 1994

those of a disused steel plant in Eleusis 1994

prima mostra in un museo al Kunstmuseum,

first museum exhibition at the Kunstmuseum,

Berna.

Berne.

Lee Sung-kuen human+love+nature+light

ART

Saggi di Essays by: Jo Kwang-Suk, Fabio Migliorati

Design

Isbn: 978-88-96780-02-2 Formato Format: 24x30 cm Pagine Pages: 128 Lingue Languages: ita/ing ita/eng Anno di pubblicazione Year of publication: 2010 Collana Series: Cataloghi di mostre Exhibition catalogue Stampa Printing: colori colour Legatura Binding: brossura con alette paper binding with flaps Prezzo Price: 25,00 euro

“Scegliere il vuoto e la pochezza, per alludere al pieno e alla quantità; eleggere il nulla a devoto paladino del tutto [...]“. Così Fabio Migliorati tratteggia la figura dell’artista coreano Lee Sung-Kuen, all’interno del saggio critico che precede questa retrospettiva dell’opera del maestro contemporaneo. Arricchito dal contributo del critico coreano Jo Kwang-Suk, il libro propone l’illustrazione di 50 opere selezionate all’interno della produzione artistica dello scultore dal 1999 al 2009; una rigorosa produzione scultorea composta di strutture geometriche che evocano sostanze in trasformazione: cellule, elementi organici, allusioni alla materia micro e macroscopica. Il titolo del volume, catalogo dell’omonima mostra personale organizzata da Tornabuoni Arte, richiama un individuale modulo di Lee, il quale, dal 1997, è solito definire il proprio lavoro attraverso un’unica combinazione di poche parole, ovvero pochi concetti, sempre uguali, quali “human + love + nature + light”.

“Choosing void and scantiness to allude to massive volumes and quantity; choosing nothingness as the devoted champion of everything [...].“ Fabio Migliorati thus outlines the figure of Korean artist Lee Sung-Kuen in his critical treatise introducing this retrospective of the contemporary master’s work. Also vaunting a contribution by Korean art critic Jo Kwang-Suk, the book features images of 50 works chosen from the sculptor’s artistic production from 1999 to 2009; a rigorous sculptural production consisting of geometric structures that evoke substances in transformation: cells, organic elements, allusions to microscopic and macroscopic matter. The title of the volume, which is also the catalogue of the homonymous individual exhibition held by Tornabuoni Arte refers to an individual module of Lee, who since 1997 usually defines his works with a single combination of few words, or few concepts, always identical, as “human + love + nature + light”.

Lee Sung-Kuen nasce a Seoul nel 1954, dal 1990 insegna presso il Dipartimento di Metal Art & Design del College of Fine Art dellâ&#x20AC;&#x2122; Hongki University. Le esposizioni delle sue opere si annoverano in tutto il mondo e nelle collezioni del National Museum of Contemporary Art di Seoul, a Villa Romana a Firenze, nel Korean Cultural Center a Pechino, al Mc Guire Fine Art Center di Rhode Island, al NHK e NIKKO di Tokyo.

Lee Sung-Kuen was born in Seoul in 1954 and since 1990 he has taught at the Department of Metal Art & Design of the College of Fine Art (Hong-ki University). His works have been shown all over the world and moreover in the collections of the National Museum of Contemporary Art of Seoul, Villa Romana in Florence, Korean Cultural Center of Beijing, McGuire Fine Art Center of Rhode Island and NHK and NIKKO of Tokyo.

ARNALDO POMODORO

ART

Saggi di Essays by: Bruno Corà, Jacqueline Risset

Design

Isbn: 978-88-96780-09-1 Formato Format: 24x30 cm Pagine Pages: 170 Lingue Languages: fra/ita/ing fr/ita/eng Anno di pubblicazione Year of publication: 2011 Collana Series: Cataloghi di mostre Exhibition catalogue Stampa Printing: colori colour Legatura Binding: cartonato con sovraccoperta bound hardback with folded dust jacket Prezzo Price: 39,00 euro

Con la pubblicazione del volume “Arnaldo Pomodoro” Forma ripercorre la figura e l’opera dello scultore italiano attraverso l’illustrazione delle quaranta opere selezionate nel repertorio storico del maestro e che compongono la mostra monografica curata da Bruno Corà per la Tornabuoni Art di Parigi. Il volume si apre con un ampio saggio critico di Corà, che introduce alla lettura delle opere raccolte nel volume e invita ad una duplice riflessione, non solo sul valore indiscusso del lavoro svolto dal Maestro quanto sugli aspetti fondativi della sua produzione artistica ma anche sul ruolo svolto dalla sua azione nel contesto culturale italiano e internazionale. Grazie alla preziosa e stretta collaborazione dell’Archivio Pomodoro e il contributo critico di Jacqueline Risset, il volume ha l’ambizione non soltanto di costituire il catalogo della mostra parigina bensì di presentare la figura del Maestro attraverso un generoso apparato critico a sua volta

With the publication of the volume “Arnaldo Pomodoro” Forma retraces the personality and work of the contemporary Italian sculptor with a presentation of about forty works chosen from the historical repertory of the master, which comprise the monographic exhibition curated by Bruno Corà for Tornabuoni Art in Paris. The volume opens with an ample critical essay by Corà, which introduces to the reading of the works presented in the volume and suggests a dual reflection, not just on the value of the master’s work with regard to the fundamental aspects of his artistic expression, but also on the role played by his action in the Italian and international cultural scenario. Thanks to the precious and close collaboration with the Pomodoro Archive and the critical contribution of Jacqueline Risset, the volume not only aims to constitute the catalogue of the Parisian exhibition, but also to present the figure of the master through a generous critical apparatus, in its turn

commentato da una vasta raccolta di fotografie che ritraggono gli episodi, i luoghi e gli incontri piĂš significativi del suo percorso artistico. Conclude il volume unâ&#x20AC;&#x2122;ampia sezione dedicata alla biobibliografia, alla filmografia e allâ&#x20AC;&#x2122;elenco delle mostre alle quali Arnaldo Pomodoro ha partecipato sino ad oggi.

enriched by a vast collection of photographs of the most important episodes, places and meetings in his artistic career. The volume is concluded by an ample section dedicated to biography, bibliography, filmography and a list of the collective exhibitions in which Arnaldo Pomodoro has participated until today.

enrico castellani

ART

Saggio di Essay by: Bernard Blistène

Design

Isbn: 978-88-96780-13-8 Formato Format: 24x30 cm Pagine Pages: 200 Lingue Languages: fra/ita/ing fr/ita/eng Anno di pubblicazione Year of publication: 2011 Collana Series: Cataloghi di mostre Exhibition catalogue Stampa Printing: colori colour Legatura Binding: cartonato con sovraccoperta bound hardback with folded dust jacket Prezzo Price: 39,00 euro

“Enrico Castellani” è la nuova monografia edita da Forma Edizioni in occasione della mostra dedicata all’artista dalla galleria Tornabuoni Art di Parigi. L’esposizione ha visto in mostra circa quarantacinque delle sue opere più significative, illustrate nel volume e accompagnate dai testi di Bernard Blistène. Enrico Castellani, nato nel 1930, è una delle figure di spicco del movimento artistico-culturale “Zero”, volto al rinnovo del linguaggio dell’immagine e della forma negli anni ’50 e ’60. Grazie alla collaborazione dell’Archivio Castellani, questo volume, in edizione trilingue francese/italiano/inglese, racconta il percorso creativo e il contributo artistico di questo protagonista dell’arte del XX secolo. Un’ampia sezione critica è dedicata alla bio-bibliografia e all’elenco delle mostre alle quali lo stesso Castellani ha partecipato fino ad oggi.

“Enrico Castellani” is the new monograph published by Forma Edizioni and it will be also the catalogue of the exhibition of the artist, hosted in Tonabuoni Art gallery in Paris. The exhibition has shown off about forty of his most significant works, illustrated and accompanied in the volume by texts of Bernard Blistène. Enrico Castellani, who was born in 1930, is one of the leading figures of the artistic and cultural movement “Zero”, which aims to renew the language of image and form in the 50s and 60s. Thanks to the collaboration of the Castellani Archive, the volume, in a trilingual French/ Italian/English edition, decribes the creative and artistic contribution of this protagonist of XXth century art. A large critical section is devoted to the bio-bibliography and to the list of exhibitions in which Castellani has participated to date.

SOLY CISSé Calore d’estate

ART

Saggio di Essay by: Dominique Stella

Design

Soly Cissé calore d’estate

Isbn: 978-88-96780-14-5 Formato Format: 24x30 cm Pagine Pages: 128 Lingue Languages: ita/ing fra/ing ita/eng fr/eng Anno di pubblicazione Year of publication: 2011 Collana Series: Cataloghi di mostre Exhibition catalogue Stampa Printing: colori colour Legatura Binding: brossura con alette paper binding with flaps Prezzo Price: 25,00 euro

€ 25,00

Il volume raccoglie le opere più rappresentative del giovane artista senegalese Soly Cissé. Nato a Dakar nel 1969, dove vive e lavora, Cissé è pittore, disegnatore e scultore, già noto in Europa grazie alle numerose esposizioni internazionali cui ha partecipato, tra cui la mostra “Africa Remix”. La casa editrice Forma presenta, in occasione della mostra personale alla galleria Tornabuoni Arte di Milano, una monografia in edizione bilingue italiano/ inglese, con un’ampia sezione dedicata alle immagini delle opere dell’artista accompagnate dal testo critico di Dominique Stella. Completano il volume un approfondito apparato critico con note bio-biblografiche e immagini dello stesso Cissé al lavoro.

The volume collects the most representative works of the young Senegalese artist Soly Cissé. Born in Dakar in 1969, where he lives and works, Cissé is painter, illustrator and sculptor, well known in Europe thanks to the many international exhibitions in which he parteciped, including the “Africa Remix” exhibition. Forma Edizioni presents, on the occasion of the exhibition at the Tornabuoni Art gallery in Milan, a monograph in a bilingual Italian/ English edition, which offers a large section devoted to the pictures of the artist’s works accompanied by the critical text of Dominique Stella. The volume is completed by an in-depth critical appendices with bio-biblographic notes and images of Cissé at work.

fontana e parigi

ART

Testi di Texts by: Enrico Crispolti Con un’introduzione di With an introduction by: Fabio Migliorati

Design

Isbn: 978-88-96780-08-4 Formato Format: 24x30 cm Pagine Pages: 144 Lingue Languages: ita/ing ita/eng Anno di pubblicazione Year of publication: 2012 Collana Series: Cataloghi di mostre Exhibition catalogue Stampa Printing: colori colour Legatura Binding: cartonato con sovraccoperta bound hardback with folded dust jacket Prezzo Price: 39,00 euro

Lucio Fontana (1899-1968) è il protagonista della monografia pubblicata da Forma Edizioni nella sezione dedicata all’arte. Il volume, attraverso una selezione di circa settanta opere, tra sculture e dipinti, ripercorre l’attività artistica del Maestro, dagli anni ‘50 in poi. I saggi critici di Enrico Crispolti arricchiscono il testo fornendo degli importanti approfondimenti sulla vita di Lucio Fontana, sui suoi soggiorni a Parigi e a Milano, durante i quali ha continuato a tenere una fitta rete di scambi e relazioni con artisti, architetti e intellettuali del suo tempo. Fotografie d’epoca, citazioni dirette dell’artista, e un’accurata biografia contestualizzano l’arte di Fontana nello specifico clima culturale in cui è vissuto e aiutano a comprendere al meglio lo spirito evolutivo di questo personaggio, che fino alla sua morte, è stato guidato da un’ incessante tensione creativa.

Lucio Fontana (1899-1968) is the protagonist of the monograph published by Forma Edizioni in the section dedicated to art. The volume explores, through a selection of approximately seventy works, including sculptures and paintings, the Master’s artistic activity from the 50s onwards. The critical essays by Enrico Crispolti enrich the text by providing some important insights into the life of Lucio Fontana, on his visits to Paris and Milan, during which he continued to hold a dense network of exchanges and relations with artists, architects and intellectuals of his time. Vintage photographs, direct quotations from the artist and a thorough biography contextualize the art of Fontana in the specific cultural climate in which he lived and help to better understand the evolutionary spirit of this person who, until his death, has been driven by a constant creative tension.

Un Grande Ritorno A Great Return Enrico Crispolti

“Oggi parto per Parigi”, si legge sul retro di due “tagli” di Fontana del 1964. E sul retro di un suo “olio”, dell’anno seguente: “Oggi è il primo ottobre”. Sono due delle tante frasi che, negli anni Sessanta, Lucio scriveva dietro ai propri dipinti per accrescerne l’evidenza d’autenticità. Frasi del tutto improvvisate, immediate, meramente occasionali ma che messe assieme formano quasi i frammenti di un diario, attestando del suo estro, dei suoi umori. Due frasi che, nell’occasione, sembrano quasi un invito a questa grande mostra di ritorno a Parigi, comprendente circa sessanta opere tra dipinti e sculture. Certamente la sua più grande che vi sia proposta dopo la estesa retrospettiva allestita nel Musée National d’Art Moderne, al Centre Georges Pompidou, nel 198788. Realizzata a sua volta diciassette anni dopo quella proposta dal Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, appena due dopo la scomparsa (avvenuta nel 1968: era nato a Rosario di Santa Fé nel 1899). Sulla scena internazionale Fontana è ormai correntemente riconosciuto come un autentico protagonista dell’arte del nosto tempo, uno dei maggiori e più originali esponenti, dagli anni Trenta ai Sessanta del XX secolo, ma con un’attualità inventiva inesaurita fino alla fine dei suoi giorni avvenuta in un’età, i sessantanove anni, che oggi segnerebbe comunemente soltanto quella di una piena proficua maturità, capace ancora di una consistente prospettiva di creatività (come i suoi ultimi anni sono stati e si annunciavano di poter ulteriormente essere). Dapprima, fra gli anni Venti e Quaranta, com’è noto, è stato unicamente scultore, subito fortemente innovativo, che si affidava anche al colore e all’espressività della materia in spericolate esperienze figurative ma anche astratte, usando anche abbondantemente il colore. Ed è stato scultore in particolare riattualizzando, nei secondi Trenta, come mezzo plastico, la ceramica. Disposto anche fin dall’inizio a impegnative collaborazioni con architetti d’avanguardia: a cominciare dal progetto di fontana commemorativa dello scultore milanese Giuseppe Grandi, nel 1931, elaborato con il cugino Bruno Fontana e Alcide Rizzardi, il primo compagno dei giovani architetti “razionalisti” milanesi con i quali Lucio collabora appena due anni dopo nella V Triennale di Milano. Poi, fra Cinquanta e Sessanta, è stato soprattutto pittore, entusiasticamente “spaziale”, operando oltre la superficie del dipinto, con i suoi “buchi” e poi i suoi “tagli”. E tuttavia è stato ancora anche scultore, costantemente impegnato a ragionare in termini di rapporto dinamico con la luce e lo spazio. Sempre collaborando con architetti in imprese ambientali ma anche realizzando autonomamente “ambienti spaziali”: dal primo ormai celeberrino “ambiente nero”, a luce di

“I’m Leaving for Paris today” is written on the back of two of Fontana’s “slash” works of 1964 and “Today is the first of October” on the back of an “oil” of the following year. These are just two of the many phrases that the artist began writing on his paintings in the 1960s in order to make their authenticity more clearly evident. Though wholly improvised, spontaneous and immediate, they can be seen all together practically as fragments of a diary bearing witness to his moods and fancies. In the circumstances, the two quoted above practically constitute an invitation to this major exhibition of about sixty paintings and sculptures, certainly the largest to be held in Paris since the extensive retrospective at the Musée National d’Art Moderne (Centre Georges Pompidou) in 1987-88, 17 years after the one held at the Musée of Art Moderne de Ville de Paris in 1970, just 2 years after the artist’s death in 1968. (He was born in Rosario de Santa Fé in 1899.) Fontana is now recognized on the international scene as an authentic master of the art of our time, one of greatest and most original figures of the period from the 1930s to the end of the 1960s. His inventive relevance remained intact, however, right up to his death at 69, an age that would today normally mark only the stage of full, fertile creativity (a characteristic of his last years that would clearly have continued). As is known, he worked at first, from the 1920s to the 1940s, solely as a sculptor, strongly innovative from the very outset and making abundant use of paint as well as the natural hues and expressive qualities of the material in bold works of both an abstract and a figurative nature. And it was as a sculptor in particular that he took up ceramics in the second half of the 1930s. He was also involved from the beginning of his career in demanding joint projects with avant-garde architects, starting with the commemorative fountain of 1931 for the Milanese sculptor Giuseppe Grandi, developed together with his cousins Bruno Fontana and Alcide Rizzardi (the former was an associate of the young Milanese “Rationalist” architects that he worked with just two years later in the 5th Milan Triennial). Then, in the 1950s and 1960s, he was above all an enthusiastically “spatial” painter, operating beyond the surface of the painting with his “holes” and then his “slashes”. He was, however, still a sculptor at the same time, constantly thinking in terms of dynamic relations with light and space. While continuing to work with architects on environmental enterprises, he also created his own “spatial environments”: from the first and now renowned “ambiente spaziale” with black light at the Galleria del Naviglio,

A sinistra: 1962, Lucio Fontana a Milano mentre lavora al trittico in “metallo” New York 10 A destra: Salvatore Quasimodo, Lou Laurin-Lam, Lucio Fontana, Asger Jorn e Wifredo Lam a Albisola Left: 1962, Lucio Fontana working in Milan on the “metal” triptych New York 10 Right: Salvatore Quasimodo, Lou Laurin-Lam, Lucio Fontana Asger Jorn and Wifredo Lam in Albisola

spaziali (dalla fine degli anni Quaranta e lungo i Cinquanta), e poi ingaggiato (già all’esordio dei Sessanta, e lungo questi) in un dialogo con le proposte in particolare delle nuove avanguardie europee, dal radicalismo delle ricerche “monocrome” e dei gruppi europei “Zero” e “Nul”, a una figurazione “post-pop”, fino a ipotesi di un’arte avveniristica meccanicamente oggettivata. L’attualità della sua opera consiste nella misura di estrema libertà di comportamento creativo che interamente la percorre, in tempi come in modi operativi e in scelte linguistiche, diversi; realizzandosi attraverso un inesauribile attivismo di proiezione immaginativa che riusciva a congiungere motivatamente, attraverso il gesto creativo del segno più elementare (graffito, buco, taglio, che fosse), gli estremi distantissimi di un remoto antropologico, primevo (la terra), e di un’artificiosità tecnologica assai spinta (il neon), stanando il futuro verso infine il sogno d’una integrazione cosmica. Ma certamente sussiste anche un’attualità complessiva del comportamento creativo ricorrente nell’operare di Fontana, nella generosità immaginativa che lo caratterizza, nel continuo coraggio del rischio innovativo e nella fiducia nel fare e in futuro possibile, che lo percorrono nel tempo. Ma è sicuramente anche l’attualità risultante dalla freschezza ed essenzialità di alcune sue proposizioni, e particolarmente di cicli di lavoro sviluppati negli anni Sessanta: dai “tagli”, essenzialissimi e solenni quando unici, oppure armonicamente danzanti quando molteplici, alle “nature” in terracotta e ai “metalli”, risolti le une e gli altri in pochissimi gesti risolutivi d’intervento sulla materia; dai “teatrini”,

Informel with work of a spatial character focusing on sign and material (from the end of the 1940s through the 1950s). This gave way (from the beginning of the 1960s) to dialogue above all with the work of the new European avant-garde movements, from the radical approaches of “monochrome” painting and the European Zero and Nul groups to a form of post-Pop figuration and the idea of a mechanically objectified futuristic art. The present-day relevance of his work consists in the extreme freedom of creative behaviour running all the way through its different periods and choices of operative approach and vocabulary. This manifests itself in an inexhaustible activism of imaginative projection that succeeded in motivatedly combining, through the creative gesture of the most elementary sign (scratch, hole or slash), the diametrically opposite extremes of a primeval, anthropological substance (earth) and accentuated technological artificiality (neon) so as to draw out the future and finally steer it towards the dream of cosmic integration. Unquestionably, however, there is also an overall presentday relevance of creative behaviour recurrent in Fontana’s work in the imaginative generosity that characterizes it, in the unflagging courage of innovative risk-taking and the faith in action and a possible future that it displays through the years. At the same time, there is certainly also the relevance resulting from the fresh and essential quality of some of his works, and especially the series developed in the 1960s: from the “slashes”, absolutely stark and solemn when single or dancing

Concetto spaziale / 1962

olio, fori e graffiti su tela / oil, holes and graffiti on canvas / cm 100x80

Concetto spaziale / 1962

olio, fori e graffiti su tela / oil, holes and graffiti on canvas / cm 73x60

Biografia Biography 1899-1927 - La formazione fra Milano e Rosario di Santa Fé Figlio d’arte, di Luigi, architetto e scultore di Varese e Lucia Bottini, attrice di Rosario ma di origine svizzera e italiana, Lucio Fontana è nato il 19 febbraio 1899 a Rosario di Santa Fé, in Argentina. Qui il padre era emigrato nel 1891, avviando poi una impresa di scultura. Dopo essersi trasferito in Italia con il padre nel 1905, Fontana studia in collegi lombardi e in scuole tecniche a Milano. Fra il 1916 e il 1918 ha preso parte come volontario alla prima guerra mondiale, con il ruolo di tenente di fanteria. Ritornato in Argentina nel 1922, si stabilisce infine a Rosario dove decide di dedicarsi alla scultura nell’atelier paterno fino al 1924 quando aprirà uno studio in proprio insieme al pittore Julio Vanzo. 1927-1940 - L’affermazione a Milano e in Europa: scultura e architettura Ritornato a Milano nel 1927, si iscrive all’Accademia di Belle Arti di Brera, dove segue il corso di Adolfo Wildt. Dal 1928 è presente assiduamente nelle Esposizioni Sindacali lombarde, e nel 1930 prende parte alla Exposición Internacional de Barcelona e alla XVlI Biennale Internazionale d’Arte di Venezia. Fra 1930 e il 1931 elabora con Bruno Fontana e Alcide Rizzardi il progetto, a Milano, di un monumento-fontana dedicato a Giuseppe Grandi. Tiene la sua prima mostra personale, nella Galleria del Milione, a Milano e nel 1933 prende parte alla V Triennale di Milano, collaborando sia con gli architetti del gruppo BBPR, e Piero Portaluppi, sia con gli architetti Luigi Figini e Gino Pollini, di orientamento razionalista. Tra la fine del 1933 e l’inizio del 1934 comincia a lavorare la ceramica, e lo farà sopratutto negli anni seguenti ad Albisola, in Liguria, operando nella Manifattura Giuseppe Mazzotti, a stretto contatto con il ceramista futurista Tullio d’Albisola. Nel 1935 tiene una personale di sculture astratte nella Galleria del Milione, nel quadro delle iniziative promosse dal gruppo di astrattisti “Concretisti”, e con loro Fontana prenderà parte alla Prima mostra collettiva di Arte Astratta Italiana, a Torino, sottoscrivendone il manifesto programmatico. La sua opera sarà inoltre documentata nel 1935 a Parigi, insieme a quella di alcuni membri del gruppo, in “Abstraction-Création. Art Non figuratif 4”. Sempre nel 1935 prende parte a Roma alla Seconda Quadriennale d’Arte Nazionale. Nel 1936, realizzando un grande gruppo scultoreo, collabora, insieme a Marcello Nizzoli, al “Salone della Vittoria”, realizzato nella VI Triennale di Milano dall’architetto Giancarlo Palanti e Edoardo Persico (che ne è l’ispiratore). Nel 1937 lavora intensamente a Sèvres, in Francia, concentrandosi in particolar modo sulle ceramiche a gran fuoco e sulla realizzazione

Concetto spaziale, Attese / 1960 acrilico su tela / acrylic on canvas / cm 93x138

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1899-1927. Early background in Milan and Rosario de Santa Fé The son of Luigi Fontana, an architect and sculptor from Varese, Italy, and Lucia Bottini, an actress of Swiss and Italian origin from Rosario de Santa Fé, Argentina, Lucio Fontana was born in his mother’s hometown on 19 February 1899. His father had emigrated to Argentina in 1891 and set up a firm producing statuary in Rosario. After returning to Italy with his family in 1905, Fontana attended boarding schools in Lombardy and technical college in Milan. He fought as a volunteer in World War I from 1916 to 1918, attaining the rank of lieutenant with the infantry. He returned to Argentina in 1922 and finally settled in Rosario, where he decided to devote himself to sculpture in the paternal firm. He set up his own studio in the city, together with the painter Julio Vanzo, in 1924. 1927-1940. Recognition in Milan and Europe: sculpture and architecture Having returned to Milan in 1927, he enrolled at the Brera Academy of Fine Arts, where he attended the course taught by Adolfo Wildt and began to participate in the exhibitions of the Fascist Syndicate of Fine Arts in Lombardy on a regular basis in 1928. He took part in the Barcelona International Exposition in 1930 as well as in the 17th Venice Biennial. The project for a monumental-fountain, in Milan, dedicated to Giuseppe Grandi was developed in 1930 and 1931 together with Bruno Fontana and Alcide Rizzardi. His first solo show was held at the Galleria del Milione, Milan, and he took part in the 5th Milan Triennial in 1933, working both with Piero Portaluppi and the BBPR group of architects and with the Rationalist architects Luigi Figini and Gino Pollini. His work in ceramics began at the end of 1933 and the beginning of 1934, and developed above all in later years at Albisola in Liguria, working in the Giuseppe Mazzotti factory in close contact with the Futurist ceramist Tullio d’Albisola. The Galleria del Milione held a solo show of his abstract sculptures in 1935 within the framework of initiatives featuring the “Concretist” group of abstract artists. Fontana took part in the group’s first show in Turin (Prima mostra collettiva di Arte Astratta Italiana) and was a signatory of their manifesto. He was also featured together with members of the group in the 1935 issue of Abstraction-Création. Art non figuratif 4 (Paris). It was also in 1935 that he took part in the 2nd Rome Quadrennial. His contribution to the 6th Milan Triennial in 1936 was a large-sized sculptural group for the “Hall of Victory” project developed jointly with Marcello Nizzoli, the architect Giancarlo Palanti and Edoardo Persico (who provided the original inspiration). This was followed in 1937 by work at the Sèvres factory in France,

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novecento. tensioni e figura

ART

A cura di Curated by: Fabio Migliorati

Design

Isbn: 978-88-96780-22-0 Formato Format: 24x30 cm Pagine Pages: 96 Lingue Languages: ita ita Anno di pubblicazione Year of publication: 2012 Collana Series: Cataloghi di mostre Exhibition catalogue Stampa Printing: colori colour Legatura Binding: brossura con alette paper binding with flaps Prezzo Price: 25,00 euro

“Novecento. Tensioni e figura è un contributo all’arte della figura, ormai in stile storico, nel tentativo di manifestare l’esercizio del sentire italiano”. Balla, Boccioni, Carrà, Soffici, Casorati, de Chirico, Morandi, Sironi – per citarne solo alcuni – si ritrovano ad Arezzo, alla Galleria Comunale d’Arte Contemporanea, e poi a Bagno a Ripoli, nell’Oratorio di Santa Caterina. Forma edizioni, in collaborazione con la galleria Tornabuoni Arte, presenta il catalogo della mostra. Il volume, in italiano, raccoglie tutte le opere esposte, selezionate dal curatore Fabio Migliorati, autore del testo introduttivo. Arricchiscono il volume una serie di estratti di saggi redatti da nomi autorevoli della critica d’arte.

“Novecento. Tensioni e figura is a contribution to the art of the figure, now in historic style, in an attempt to express the exercise of Italian sentiment.” Works by Balla, Boccioni, Carrà, Soffici, Casorati, de Chirico, Morandi, Sironi - and many others - are exposed at the Galleria Comunale d’Arte Contemporanea in Arezzo and then at the Oratorio di Santa Caterina in Bagno a Ripoli. Forma edizioni, in collaboration with the Tornabuoni Art Gallery, presents the catalogue of the exhibition. The book, in Italian, collects all the works on display, selected by the curator of the exhibition, Fabio Migliorati, author of the introductory text. The volume is enriched by a series of excerpts from essays written by authoritative art critics.

Premessa

Questa mostra nasce dalla collaborazione con il critico Fabio Migliorati – Direttore delle Attività Espositive di Arezzo – il quale mi ha proposto un’indagine sul Novecento italiano, quale documentazione di una ricerca figurativa... Io rifletto, poi replico che l’idea mi pare interessante – per l’Arezzo di questo momento storico – ma a due condizioni: quella ricerca figurativa dovrà riguardare la prima metà del secolo scorso, raggruppando autori che hanno fatto la Storia perché hanno tracciato la strada… e lo spirito dell’evento sarà reso come omaggio alla figura di mio padre, capace, finché in vita, di collezionare opere di questi autori. Perché Ezio Casamonti è stato colui che, oltre lo spirito del collezionista, ha saputo guardare di là delle mode del mercato, e vedere il gusto col quale quegli artisti dipingevano il mondo, sostituendo lo stile di un’osservazione attenta con quello di una norma espressiva personalissima. Mio padre è l’uomo che io stesso ho visto seduto nel lontano 1952, in silenzio, immobile, ritratto da Ottone Rosai per amicizia; mio padre è l’uomo che mi ha regalato l’esempio del capire la realtà per comprenderla con passione, senza mai venir meno alla coerenza con ciò che ero e sono ancora, con ciò che l’identità umana rappresenta nella sua forma più pura perché inalterata. Sono giunto, così, all’amore per l’arte e per chi la fa, sempre cercando la ’verità vera’ del pennello sulla tela, mai trascurando la persona che viveva e vive dietro l’opera. Mi ritrovo, dunque, al cospetto di quei nomi che conoscevo e amavo tra le pareti di stanze tanto mie; eccomi di fronte a Balla, Boccioni, Carrà, Soffici, Casorati, de Chirico, Morandi, Sironi (per citarne alcuni) ritrovati oggi ad Arezzo, alla Galleria Comunale d’Arte Contemporanea, e poi a Bagno a Ripoli, nell’Oratorio di Santa Caterina. Se Arezzo, quindi, è città che ha proposto, in fondo, l’esposizione, Bagno a Ripoli è quella che ha permesso tutto ciò, perché mio padre, come me, è vissuto qui, alle soglie di Firenze, e ha respirato la toscanità a noi tanto cara. Inoltre l’Oratorio di Santa Caterina, con gli affreschi trecenteschi di Spinello Aretino, lega per arte Arezzo con Bagno a Ripoli. Novecento. Tensioni e figura è un modo per ricordare lui prima di tutto; è l’omaggio di un figlio che decide così di celebrarne la memoria, attraverso scelte che sono state anche sue. Novecento. Tensioni e figura è un salto nel ricordo più che nel passato: in un tempo non troppo distante ma che oggi, a volte, sembra davvero lontano...

Roberto Casamonti

Ottone Rosai Ritratto di Ezio Casamonti (1952), particolare olio su tela, cm 70x50

Giacomo Balla

Umberto Boccioni

Torino 1871 - Roma 1958

Reggio Calabria 1882 - Sorte (Verona) 1916

Il dipinto è da collocare negli anni prossimi al soggiorno parigino di Balla, avvenuto fra il settembre 1900 e il marzo 1901, anni in cui l’artista si mostra particolarmente sensibile ai temi cari al socialismo umanitario. È proprio in queste tematiche che Balla sperimenta un’obbiettività naturalistica, una ’verità’ che va oltre la mera rappresentazione oggettiva, ma si sofferma a cogliere le implicazioni sociali del racconto e le mille sfaccettature dell’animo umano. Realizzata a Roma, la tela segue da vicino la serie della Macchiette romane, dedicate a figure caratteristiche del popolino romano, venditori ambulanti soprattutto, molto graditi al mercato d’arte di quegli anni. “A differenza del carattere bozzettistico insito nello stile volutamente corsivo e commerciale delle Macchiette, il dipinto in questione è pienamente realizzato, finito e definito quasi come una summa, un punto d’arrivo che supera il dato occasionale ed estemporaneo del divertissement” (Morozzi). Dal punto di vista formale il pittore dimostra una straordinaria maturità nell’impostazione dinamica della scena, chiaramente memore delle esperienze fotografiche degli anni precedenti, che si concentrano sulla cadenzata definizione di piani orizzontali (la strada, il marciapiede, l’edificio sullo sfondo) e di piani verticali, segnata dalla serie di personaggi maschili, indagati con spietata ironia, nei baffi a manubrio, nell’ostentata eleganza borghese, ma privi di effettive definizioni fisiognomiche, quasi a sottolinearne la coralità ma anche l’assenza di carattere e la partecipazione superficiale ed acritica ad uno spietato gioco di società. Sia per il taglio orizzontale che per la disposizione degli elementi compositivi risulta evidente in quest’opera il precoce interesse dell’artista per lo studio delle figure in movimento, tema che sarà dominante ed estremamente proficuo nei successivi anni dedicati all’esperienza futurista.

C’è in Boccioni un’esigenza primordiale, per cui sente i valori espressivi con una corposità tattile: è sempre la terra, con le oscure passioni e i sentimenti semplici ma forti. Questa sua tensione si ritrova nel segno, nel modellato, non è puro gesto; il gesto ha importanza per lui, perché può permettere unità di tensione, carica di lotta, ma la sua pittura e la scultura non sono di gesto, nascono da analisi, da studi lunghi, da tenaci insistenze per raggiungere la sintesi. Da: Boccioni, la vita e l’opera, a cura di Guido Ballo, Il Saggiatore, Milano 1982.

Dalla descrizione della Sopraintendenza per il Patrimonio Storico, Artistico e Etno-antropologico e per il Polo Museale Fiorentino a firma della Dott.ssa Giovanna Damiani e della Sopraintendente Cristina Acidini.

Umberto Boccioni Impressioni di paesaggio (1908) olio su tavola, cm 24,5x34,5

Giacomo Balla Grande serata nera al Salone Margherita. Serata nera (1903-1904) olio su tela, cm 60x130

Carlo Carrà

Giorgio Morandi

Quargnento (Alessandria) 1881 - Milano 1966

Bologna 1890 - 1964

Questa severa coscienza di uomo, in un tempo come il nostro, quando i problemi di dottrina sembrano noiosi, e la confusione nell’arte è confusione di idee, ha vissuto pensieri eroici ed ha costretto moltissimi a riflettere, a pensare, a mettersi come si dice di fronte alla propria anima [...]. Si potrebbe rivolgere a Carrà la lode che egli stesso fa a Paolo Uccello: “conoscitore perfetto delle cose naturali”. Egli parla con un linguaggio di tale semplicità, da farci pesare maggiormente la confusione ed i compromessi altrui. L’artista è un’espressione della natura, non contaminata, ma più umile, più selvaggia e primitiva. Carrà esprime appunto, questo ‘tipo’ intramontabile di natura: un uomo che par venuto dai nostri lontani tempi di splendore, l’artista italiano più italiano, e dunque più europeo. La giudiziosa parola di Worringer servirà a chiarire anche questo aspetto di Carrà: “Una immensa forza di convinzione rivela il segreto del Pino – e, aggiungiamo, di tutta l’opera del pittore – al nostro spirito; e il suo silenzio, la sua semplicità sono latentemente carichi di alta tensione cosmica. La parola ‘cosmico’, tanto disprezzata, non si può evitare. Poiché cosmica è la serietà, cosmica la tristezza che parlano da questo quadro desolato e abbandonato”. L’arte di Carrà ci riporta a qualche cosa di grande e di immutabile che è stato nel tempo, forse al nostro trecento, ad una lirica universale; non ad una umanità provvisoria o particolare, ma ad una classicità eterna della natura. Se è uomo di genio chi riassume nelle opere di ogni arte, con potenza di rivelazione o con straordinaria preveggenza, ciò che alla gente meccanica è velato; se è uomo di genio chi interpreta le aspirazioni altrui, e le definisce: questo pittore ha del genio.

Basterebbe, tuttavia, la lunga tenuta modulata linea di luce che il pennello ha seguito per indicare il parapetto del ponte per stabilire la distanza di Morandi dagli altri. Non si scende di livello, anzi, in un paio di opere dipinte all’Ardenza, in un breve interludio livornese. Purtroppo le conosco soltanto in riproduzione, ma, dalle fotografie, paion contigue al Ponte sul Savena. L’una, un Paesaggio, è così folta, quasi stipata di pagliai, di tetti, d’alberi, di verde, da rammentar le cose più drammatiche dell’epoca tarda, livornese appunto, di Lega. Ma un eventuale rapporto di Morandi col nostro migliore Ottocento è solo momentaneo, se subito, nella tavoletta con Marina della raccolta Gallo di Torino i valori plastici abbastanza rilevati riaffondano entro il magma tonale con un singolare, originalissimo risultato.

Da: Francesco Arcangeli, Giorgio Morandi, Edizioni del Milione, Milano 1964.

Da: Pier Maria Bardi, Carrà e Soffici, Belvedere, Milano 1930.

Carlo Carrà Marina con palo (1951) olio su cartone intelato, cm 50x60

Giorgio Morandi Paesaggio Marina all’Ardenza (1924) olio su tavola, cm 27x33

mimmo rotella

ART

Saggio di Essay by: Bruno Corà

MIMMO ROTELLA

Design

MIMMO ROTELLA

Isbn: 978-88-96780-23-7 Formato Format: 24x30 cm Pagine Pages: 184 Lingue Languages: fra/ita/ing fr/ita/eng Anno di pubblicazione Year of publication: 2012 Collana Series: Cataloghi di mostre Exhibition catalogue Stampa Printing: colori colour Legatura Binding: cartonato con sovraccoperta bound hardback with folded dust jacket Prezzo Price: 39,00 euro

Rotella’s experience reveals a secret relationship with his décollage, as the action of removing posters from the walls of the city to then work on them in his atelier, discloses – first of all to himself – the complexity of reality, the casual and indeterminable superimposition of different stories, messages, signs and colours, a phenomenological density […] unreal, fantastic, fake, characteristic of the advertising sector, of the world of products and goods, of entertainment and fiction. The artist discovers that if the poster is a simulacrum of reality, in a society oriented towards consumerism and entertainment, he may succeed in establishing a dialogue between that unreality and his own everyday life, ironically interpreting many distinctive roles and as many personalities, revolting against the cliché of rigour and pathos that is usually associated with the figure of the artist.

Bruno Corà

€ 39,00

In occasione della mostra “Mimmo Rotella” che si è inaugurata il 29 marzo 2012 alla Tornabuoni Art di Parigi, Forma edizioni presenta il catalogo completo delle opere esposte, arricchito di alcuni lavori non presenti in mostra, ma essenziali alla comprensione della figura dell’artista. Introduce le immagini un saggio critico di Bruno Corà. “Cinquant’anni separano questa festosa e densa réntrée dell’arte di Mimmo Rotella a Parigi dalla sua prima mostra personale ospitata presso la Galerie J. Di Jeannette Goldschmidt all’insegna di un nucleo di décollages monotematici allora dedicati al ciclo Cinecittà (1962). E Rotella, con buona probabilità, non avrebbe mancato di sottolineare un tale anniversario [...]”. Il volume, edito in tre lingue, è corredato di numerose immagini, oltre che di un’ampia sezione dedicata agli apparati (biografia, bibliografia e scheda delle opere).

On the occasion of the exhibition “Mimmo Rotella” which has been opened on 29 March 2012 at Tornabuoni Art in Paris, Forma edizioni presents a catalogue with all the works in the exhibition as well as some other pieces that are essential to understand the artist. The images are introduced by a critical essay by Bruno Corà. “Fifty years separate this festive and meaningful réntrée of the art of Mimmo Rotella in Paris from his first individual exhibition at Jeanette Goldschmidt’s Galerie J, which featured a selection of monothematic décollages dedicated to the Cinecittà series (1962). And it is unlikely that Rotella would have failed to stress such an anniversary [...].” The volume, in three languages, features numerous images and an ample section dedicated to the apparatus (biography, bibliography and essential data on the works).

Classic 1999

Fetish 1999

Sur-peinture sur décollage / Sovrapittura su décollage / Overpainting on décollage cm 195x195

Sur-peinture sur décollage / Sovrapittura su décollage / Overpainting on décollage cm 139x120

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Mimmo Rotella: Il gesto del décollage e lo svelamento conoscitivo

Mimmo Rotella: The gesture of the décollage and the revelation of knowledge

Bruno Corà

Premessa

Introduction

Cinquant’anni separano questa festosa e densa réntrée parigina di Mimmo Rotella dalla sua prima mostra personale ospitata presso la Galerie J di Jeannette Goldschmidt all’insegna di un nucleo di décollages monotematici allora dedicati al ciclo Cinecittà (1962). E Rotella, con buona probabilità, non avrebbe mancato di sottolineare un tale anniversario poiché, da sola, la circostanza merita l’accenno a una constatazione sulla tenuta inossidabile e perfino sullo sviluppo e sulla crescita dell’affermazione della sua opera a livello internazionale. Difatti, se già nel 1962 quella mostra tenutasi sotto il vigile riscontro critico del teorico del Nouveau Réalisme, Pierre Restany, sanciva un adeguato riconoscimento alla capacità dell’artista italiano di aver messo a punto una propria cifra distintiva tra gli affichistes europei a lui più prossimi – i francesi Raymond Hains, Jacques Mahé de la Villeglé e François Dufrêne –, questa che si apre a qualche anno dalla sua scomparsa (2006) può far comprendere con quanta vitalità, esuberanza e facoltà di proiezione i principi generativi della sua arte sono stati in grado fino all’ultimo di fornire nuove esperienze se il tempo lo avesse ancora consentito. Desta sorpresa e genuina ammirazione, in questa come in ogni vicenda artistica magistrale, la facilità e la naturalezza istitutiva che accompagna negli ultimi anni, come in quelli dell’esordio, l’azione innovativa di Rotella nell’articolare la struttura comunicativa basilare del suo sistema linguistico. Tra le varie possibili ragioni di tanta versatilità, si può ritenere che ciò sia dovuto a una naturale inclinazione dell’artista a favorire e produrre uno stupore di latenza scandalistica finalizzata all’apparizione dell’entità poetica. Una tale attitudine ha trovato sede nell’animo dell’artista per una vocazione al superamento di limiti imposti, di volta in volta, dalla condizione sociale, dall’educazione, dal costume del proprio tempo, per coniugare un sentimento di appartenenza sovratemporale a una tensione estetico-poetica che, se ha un riferimento ravvicinato nel Futurismo di Boccioni, nato anch’egli in Calabria, ha però eco più remota e profonda nella cultura controriformista del sud d’Italia, da cui Rotella proveniva.

Fifty years separate this festive and meaningful Parisian réntrée of Mimmo Rotella, since his first individual exhibition hosted by Jeannette Goldschmidt’s the Galerie J, which featured a series of monothematic décollages dedicated to the Cinecittà cycle (1962). And it is unlikely that Rotella would have failed to highlight such an anniversary because the circumstance, as such, deserves a mention of the resilient durability as well as the development and the growing international recognition of his work. In fact, if already in 1962 that exhibition held under the acute critical observation of Pierre Restany, theoretician of Nouveau Réalisme, represented an adequate confirmation of the fact that the Italian artist had succeeded in developing an own cipher that distinguished him from the European affichistes who were closest to him – the Frenchmen Raymond Hains, Jacques Mahé de la Villeglé and François Dufrêne –, this one, which opens some years after his death (2006) enables us to appreciate to what extent the vitality, exuberance and ability to project the generative principles of his art have been capable, until the very end, to provide new experiences if he had been given the time to do so. One cannot but feel surprise and genuine admiration, in this as in every outstanding artistic vicissitude, for the ease and institutive naturalness that have characterized, both in the last and in the early years, the innovative action of Rotella in articulating the basic communicative structure of his linguistic system. One of the various possible reasons for this great versatility may be the artist’s natural inclination to favour and elicit a stupor of scandalistic latency aimed at the apparition of the poetic entity. This kind of attitude has found a place in the soul of the artist due to his aspiration to overcome the limits imposed, as the case might be, by factors as social conditions, education and the customs of the period, to unite a feeling of timeless belonging to an aesthetic-poetic tension which, while being closely related to the Futurism of Boccioni, another native of Calabria, nevertheless has a more remote and profound echo in the counter-reformist culture of Southern Italy, where Rotella had his roots.

Composizione ritmica 1949

Détrempe sur papier / Tempera su carta / Tempera on paper cm 66x75

Expositions collectives principales / Principali mostre collettive / Main collective exhibitions

1947 Mostra collettiva, Art Club, Roma (I) / Prima Mostra del Sindacato Provinciale delle Arti figurative, Palazzo Venezia, Roma (I) / II Mostra annuale dell’Art Club, Galleria di Roma, Roma (I). 1948 Mostra collettiva, Caffè Tazza d’oro, Roma (I) / Mostra d’arte contemporanea, Fronte democratico popolare quartiere Salario, Roma (I). 1949 Mostra del disegno: Accardi, Attardi, Capogrossi, Rotella, Jarema, Manisco, Prampolini, Sanfilippo, Sterpini, Turcato, Caffè Greco, Roma (I) / III Mostra annuale dell’Art Club, Galleria Nazionale d’Arte Moderna, Roma (I) / I Mostra Internazionale dell’Art Club, Palazzo Carignano, Torino (I) / Mostra Nazionale Artistica Culturale dei Postelegrafonici, Palazzo delle Poste di piazza San Silvestro, Roma (I). 1950 IV Mostra annuale dell’Art Club, Galleria Nazionale d’Arte Moderna, Roma (I) / Réalités Nouvelles, Musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris, Paris (F) / 2a Mostra d’arte contemporanea, Collegio Valdese, Torre Pellice (I). 1951 Arte astratta e concreta in Italia – 1951, Galleria Nazionale d’Arte Moderna, Roma (I) / Exposition Internationale d’art abstrait et concret, Ancien Sporting Club de Montecarlo, Monaco (MC). 1955 I sette pittori sul Tevere a Ponte Sant’Angelo, Zattere del Ciriola, Roma (I) / VII Quadriennale d’Arte di Roma, Palazzo delle Esposizioni, Roma (I). 1956 V Premio Graziano 1955. 220a Mostra del Naviglio, Galleria del Naviglio, Milano (I) / V Premio Graziano 1955. 432a Mostra del Cavallino, Galleria del Cavallino, Venezia (I) / Dorazio – Perilli – Rotella – Sanfilippo – Fasola, Galleria d’Arte Selecta, Roma (I) / VI Premio Graziano 1956. 240a Mostra del Naviglio, Galleria del Naviglio, Milano (I) / II Mostra d’arte contemporanea nell’abitazione e nell’architettura moderna, Vigna Clara, Roma (I).

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1957 VI Premio Graziano 1956. 370a Mostra del Cavallino, Galleria del Cavallino, Venezia (I) / VI Premio Graziano 1956, Galleria d’Arte Selecta, Roma (I) / Micro Salon, Galleria La Tartaruga, Roma (I) / Premi incoraggiamento del Ministero della Pubblica Istruzione, Galleria Nazionale d’Arte Moderna, Roma (I). 1958 Giovani artisti italiani, Società per le Belle Arti ed Esposizione Permanente, Milano (I) / New Trends in Italian Art. Nuove tendenze dell’arte italiana, Rome-New York Art Foundation, Roma (I). 1959 Giovane pittura di Roma. Scarpitta Perilli Novelli Accardi Sanfilippo Bignardi Rotella Marotta Nuvolo Buggiani, Galleria La Tartaruga, Roma (I) / Italian Paintings of Today. Pittori Italiani d’oggi, Salone Sirokia, Tokyo (J) / Obras de pintura italiana contemporánea, Museo de Arte Italiano, Lima (PE) / Collana opere grafiche. Piccole sculture e opere grafiche. Accardi Angeli Burri Dorazio Fontana Parisot Rotella Sanfilippo Scialoja Sordini Sterini Turcato Vedova Colla Franchini Mannucci, Galleria La Salita, Roma (I). 1960 Opere recenti di Dorazio Franchina Rotella Turcato, Galleria La Salita, Roma (I) / 5a Mostra Nazionale d’Arte Contemporanea. Premio Nazionale di pittura Castello Svevo, Castello Svevo, Termoli (I) / Six Techniques – Six Nationalities, Berta Schaefer Gallery, New York (USA) / Festival d’Art d’Avantgarde. Nouveaux Réalistes, Pavillon Américain Porte de Versailles, Paris (F) / Piccolo formato di: Accardi Angeli Burri Capogrossi Conte Dorazio Festa Fontana Lazzari Lo Savio Prampolini Rotella Sanfilippo Schifano Scialoja Sordini Sterpini Turcato Uncini Vedova Colla e Franchina, Galleria La Salita, Roma (I). 1961 Comparaisons. Peinture. Sculpture, Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, Paris (F) / À 40° au-dessus de Dada, Galerie J, Paris (F) / Festival du Nouveau Réalisme, Abbaye de Roseland, Galerie Muratore, Nice (F) / 6a Mostra Nazionale d’Arte Contemporanea. Premio Nazionale di pittura Castello Svevo, Castello Svevo, Termoli (I) /

The Art of Assemblage, Museum of Modern Art, New York (USA) / XII Premio Lissone, Palazzo del Centro del Mobile, Lissone (I) / The 1961 Pittsburgh International Exhibition of Contemporary Paintings and Sculptures, Carnegie Institute, Pittsburgh (USA). 1962 Comparaisons. Peinture. Sculpture, Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, Paris (F) / Oggetto pittura, Galleria La Salita, Roma (I) / Donner à voir, Galerie Creuze, Paris (F) / Premio Apollinaire, Ca’ Giustinian, Venezia (I) / Nuove prospettive della pittura italiana, Palazzo di Re Enzo, Bologna (I) / Alternative attuali. Rassegna internazionale architettura, pittura, scultura d’avanguardia, Castello Cinquecentesco, L’Aquila (I) / Mostra di Pittura Contemporanea Comunità Europea 1962-63. Premio Marzotto, Fondazione Marzotto, Valdagno (I) / New Realists, Sidney Janis Gallery, New York (USA) / Collages et objets, Galerie du Cercle, Paris (F) / Oggetto utile: sedia piatto letto armadio specchio candelabro stipo poltrona scatola vaso fornello tavolo scala ecc., Galleria la Salita, Roma (I). 1963 Les Nouveaux Réalistes, Neue Galerie im Künstlerhaus, München (D) / 13 pittori a Roma, Galleria La Tartaruga, Roma (I) / Dufrêne, Hains, Rotella, Villeglé, Galleria Schwarz, Milano (I) / The Seventh Tokyo Biennale, Metropolitan Art Gallery, Tokyo (J) / La nuova figurazione. Mostra internazionale di pittura sotto gli auspici del Comune di Firenze, La Strozzina, Firenze (I) / IV Biennale Internazionale d’Arte. Oltre L’Informale, Palazzo del Kursal, San Marino (SMR) / VII Biennale d’arte di San Paolo del Brasile, São Paulo (BR). 1964 L’Affiche lacérée. Dufrêne, Hains, Rotella, Villeglé, Gres Gallery Inc., Chicago (USA) / XXXII Esposizione Internazionale d’Arte, Venezia (I) / Presenze alla XXXII Biennale di Venezia con la sala personale: Accardi Colla Rotella Scialoja. Con gruppo di opere: Festa Maselli Sanfilippo Schifano, Galleria La Salita, Roma (I) / Cinquante ans de ’collages’. Papiers collés, assemblages, collages, du Cubisme à nos jours, Musée d’Art et d’Industrie, Saint-Étienne (F).

1965 Opere della Galleria d’arte La Salita, Guida Galleria d’Arte, Napoli (I) / Pop Art. Nouveau Réalisme. Etc…, Palais des Beaux-Arts, Bruxelles (B) / Le Merveilleux Moderne. Det Underbara Moderna. Det Underbara Idag, Lunds Konsthall, Lund (S) / Hommage à Nicéphore Niépce. Béguier Bertini Pol Bury Jacquet Nikos Rotella, Galerie J, Paris (F); Galerie Cogeime, Bruxelles (B) / 8 Italienische Künstler. Enrico Baj Enrico Castellani Mario Ceroli Piero Dorazio Lucio Fontana Michelangelo Pistoletto Mimmo Rotella Mario Schifano, City Galerie, Zürich (CH). 1966 Gli ’Affichistes’ Raymond Hains & Mimmo Rotella, Galleria Sampetronio, Bologna (I) / Mouvement Dada. Berlin. Genève. Madrid. New York. Zürich, Galleria Schwarz, Milano (I) / Dufrêne, Rotella, Villeglé. Décollages, Galerie ad Libitum, Antwerpen (B) / Dada 19161966. Cinquant’anni a Dada – Dada in Italia, Civico Padiglione d’Arte Contemporanea, Milano (I) / Donner à voir, Galerie Zunini, Paris (F) / Salon comparaisons, Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, Paris (F) / VI annale Poreč Jugoslavija – Italija, Poreč (YU, oggi HR) / Erotic Art ’66, Sidney Janis Gallery, New York (USA) / Pittura Meccanica, Galleria Blu, Milano (I). 1967 Artypo. Kunst, gemaakt met behulp van grafische technieken, Stedelijk Van Abbe Museum, Eindhoven (NL) / Homage to Marilyn Monroe, Sidney Janis Gallery, New York (USA) / 10° Anniversario. Accardi Angeli Burri Christo Colla Colombo Colverson Conti Dorazio Festa Fontana Franchina Hafif Innocente Lorenzetti Lo Savio Maselli Mauri Mondino Novelli Paolini Rotella Ruffi Sadun Sanfilippo Schifano Scialoja Serra Sordini Titone Turcato, Galleria La Salita, Roma (I). 1968 Wspòlczesna Szuka Wloska, Warszawa (PL) / Pittura Meccanica per una Nuova Iconografia, Galleria Apollinaire, Milano (I) / Poésie Graphie – Poésie Action, Institut National Supérieur de Chimie Industrielle, Rouen (F) / The Dominant Woman, Finch College Museum of Art, New York (USA). 1969 Mec-Art/10, Ciak Galleria d’Arte, Roma (I).

1970 Expose: Concrete Poetry, Indiana University, Bloomington (USA) / Pop Art. Nouveau Réalisme/Nieuwe Figuratie, Gemeentelijk Casino, Knokke het Zoute (B) / Nouveau Réalisme 1960-1970, Galerie Mathias Fels, Paris (F) / Due decenni di eventi artistici in Italia: 1950/70, Palazzo Pretorio, Prato (I) / Festival del Nuovo Realismo, luoghi vari, Milano (I) / Vitalità del Negativo nell’arte italiana 1960/70, Palazzo delle Esposizioni, Roma (I). 1971 Dufrêne Hains Rotella Villeglé Vostell. Plakatabrisse aus der Sammlung Cremer, Staatsgalerie Stuttgart, Stuttgart (D) / New Italian Art 19531971, Walker Art Gallery, Liverpool (UK) / Le azioni divergenti. Pietre personaggi oggetti. Adami Baj Crippa Del Pezzo Dova Rotella, Gissi Galleria d’Arte, Torino (I). 1972 La Création Artistique en France de 1960 à 1972, Grand Palais, Paris (F). 1973 Zauber des Papiers, Frankfurter Kunstverein, Frankfurt (D) / Artisti italiani di Francia, Galleria d’Arte Due Torri, Bologna (I) / Combattimento per un’immagine. Fotografi e pittori, Galleria Civica d’Arte Moderna, Torino (I) / Contemporanea, Parcheggio di Villa Borghese, Roma (I). 1974 Exposition pour le 25° anniversaire de mes activités de marchand de tableaux, 1974. Arman Ben César Christo Gilli Klein Pistoletto Raysse Rotella Saffa (Hains), Galerie Mony Calatchi, Paris (F). 1976 De la voix – Poésie sonore – Poésie action, Atelier/Exposition Annick Le Moine, Paris (F) / Beautés volées – Dessous d’affiches, affiches lacérées, décollages de Dufrêne, Hains, Rotella, Villeglé, Musée d’Art et d’Industrie, Saint-Étienne (F) / Les Nouveaux Réalistes, Galerie Jean Larcade, Galerie Beaubourg, Paris (F). 1977 3 villes, 3 collections. Grenoble, Marseille, Saint-Étienne. L’Avant-garde 1960-1976, Musée Cantini, Marseille (F); Musée de Peinture et de Sculpture, Grenoble (F);

Musée d’Art et d’Industrie, Saint-Étienne (F); Centre Georges Pompidou, Paris (F) / L’arte non è lontana. Carla Accardi Getulio Alviani Carmelo Cappello Gianni Colombo Antonio D’Agostino Emilio Isgrò Carlo Nangeroni Mario Nigro Luca Patella Achille Perilli Concetto Pozzati Mimmo Rotella Giulio Turcato Nanda Vigo, Centro Culturale La Filanda, Verano Brianza (I) / Arte in Italia 1960-1977. Dall’opera al coinvolgimento. L’opera: simboli e immagini. La linea analitica, Galleria Civica d’Arte Moderna, Torino (I) / La traccia del racconto, Villa Comunale Ormond, Sanremo (I). 1978 Novelli, Rotella, Schifano. Opere 1958-62, Galleria Santoro, Roma (I) / Mémoire Annexe. Peinture de Baj Bona Buzzati Coloretti Maglione Mondino Rotella Tadini, Institut Culturel Italien, Paris (F) / XXXVIII Esposizione Internazionale d’Arte, Venezia (I) / Parola, immagine e scrittura, Collegio Raffaello, Urbino (I). 1979 La Veuve… Angeli, Boetti, Festa, Mondino, Pozzati, Rotella, Schifano, Tacchi, Gastaldelli Arte Contemporanea, Milano (I) / Nouveau Réalisme, Galerie Mathias Fels, Paris (F) / Œuvres sur papier de six artistes italiens de Paris. Burattoni, Carrino, Marignoli, Mecarelli, Rotella, Romano, Galerie Denise René Rive Gauche, Paris (F) / Mec Art, Il Dialogo, Milano (I) / Poesia Sonora, Teatro Spazio Libero, Napoli (I). 1980 Prime Opere, Galleria La Salita, Roma (I) / Umanesimo, Disumanesimo nell’arte europea 1890/1980, Palagio di Parte Guelfa, Firenze (I) / 1950-1980. European Trends in Modern Art. One Hundred Paintings, Pierre Cardin, New York (USA) / Vom Aussehen der Wörter. Visuelle Poesie/Notationen, Kunstmuseum Hannover mit Sammlung Sprengel, Hannover (D). 1981 Linea della ricerca artistica in Italia 1960/1980, Palazzo delle Esposizioni, Roma (I) / Commémoration de la Loi du 29 juillet 1881. Dufrêne Hains Rotella Villeglé, Galerie Mathias Fels, Paris (F) / Campionario 1960-1968, Palazzo della Gran Guardia, Verona (I) / La Biennale di Tokyo. Cento anni di arte italiana. 1880-1980, Tokyo (J) / Contemporary Italian Art. 4 Contemporary Directions, Museum of

Modern Art, Fort Lauderdale (USA) / Arte Italiana 1960-1982, Hayward Gallery, London (UK) / Nouveau Réalisme, Dossi Arte Contemporanea, Bergamo (I). 1982 Les Nouveaux Réalistes suivi d’Actualité, Galerie des Ponchettes, Galerie d’Art Contemporain des Musées de Nice, Nice (F). 1983 Nuovi aspetti del Realismo in Italia 1960-1980. 5 mostre didattiche. Caminati Ceroli Recalcati Rotella Terrone, Palazzo Rosso-Commenda di Pre’, Genova (I) / Roma 1960. La Scuola di Piazza del Popolo, Marino La Tartaruga Galleria d’Arte, Roma (I) / L’informale in Italia, Galleria Civica d’Arte Moderna, Bologna (I) / Il Pop Art e l’Italia, Castello Visconteo, Pavia (I) / Ultime avanguardie (19571971). Festa Scialoja Accardi Hafif Mack Fontana Stella Dorazio Manzoni Lo Savio Fabro Mondino Chia Pisani Colombo Sordini Colla Turcato Paolini Mochetti Rotella Angeli Lombardo Serra Mauri, Galleria La Salita, Roma (I). 1984 Collectie Becht, Stedelijk Museum, Amsterdam (NL) / Écritures dans la peinture, Villa Arson, Nice (F) / I Quattro calabresi dell’Apocalisse, Museo Santa Barbara, Mammola (I) / Décollagisten, Galerie Reckermann, Köln (D) / Arteecologia. Il riaffinamento della sensibilità percettiva nel tempo di Dora e del riformismo, Chiostro di Sant’Antonino, Varese (I). 1985 In Chartis. Bartolini Burri Castellani Cotani Fontana Manzoni Novelli Perilli Ricci Rotella Teodosi Uncini Valentini Verna, Museo della Carta e della Filigrana, Fabriano (I) / America andata e ritorno. Gabriele Basilico, Vittoria Clerici, Corrado Levi, Maria Luisa Pina, Mimmo Rotella, Sergio Calatroni, Pietro Finelli, Alzek Misheff, Roberto Ponzani, Maurizio Turchet, Centro di Cultura Ezio Francesco Grisanti, Milano (I) / Works by Camera, Galleria Ginza, Tokyo (J) / A Sense of the Future, Victoria and Albert Museum, London (UK) / Naturalmente. Stefano Arienti Enrico Baj Antonio Barbato Gabriella Benedini Riccardo Bertozzi Ermanno Besozzi Alik Cavaliere Ermanno Cristini Fernando De Filippi Lucio Del Pezzo Maria Teresa Fata Edoardo Franceschini Innocente

Gandini Milli Gandini Ugo La Pietra Jean-Jacques Lebel Linasalvo Roberto Mascheroni Renato Milano Ignazio Moncada Bruno Munari Ugo Nespolo Roberto Orlandi Patrizia Pataccini Gianfranco Pardi Pit Piccinelli Stefano Pizzi Mimmo Rotella Mauro Staccioli Emilio Tadini Paolo Tolu Grazia Varisco Renzo Zanuso, Museo Civico della Città, Città di Moncalvo (I) / Il Museo Sperimentale di Torino. Arte italiana degli anni Sessanta nelle collezioni della Galleria Civica d’Arte Moderna, Museo d’Arte Contemporanea Castello di Rivoli, Rivoli (I). 1986 Arte santa, Loggetta Lombardesca, Ravenna (I) / 1960. Les Nouveaux Réalistes, Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, Paris (F); Kunsthalle, Mannheim (D) / Undicesima Quadriennale di Roma, Palazzo dei Congressi dell’EUR, Roma (I) / Sogno italiano. La collezione Franchetti a Roma, Castello Colonna, Genazzano (I) / Segunda Bienal de La Habana, La Habana (C). 1987 1960. Les Nouveaux Réalistes, Kunstmuseum, Winterthur (CH) / Tridente Due. Roma 1987. Artisti e movimenti in Italia, Editalia Qui Arte Contemporanea, Roma (I) / Das kann mein Kind auch! Für und wider die neue Kunst 1945 bis heute, Sprengel Museum, Hannover (D); Schloss Morsbroich, Leverkusen (D); Wilhelm-Hack-Museum, Ludwigshafen (D) / Arte per la pace, Palazzo Venezia, Roma (I) / Per amor del cielo, Galleria d’Arte Moderna Empedocle Restivo, Palermo (I) / Italie, hors d’Italie, Musée des BeauxArts, Nîmes (F) / Segnismes, Galerie Le Chanjour, Nice (F) / Collection Agnes et Frits Becht, Centre National d’Art Contemporain Midi-Pyrenées, Labège (F). 1988 Trajectoires Italie-France. Alberola Arman Paladino Paolini Rotella Viallat, Espace Vendôme, Paris (F) / Nouveaux Réalistes. Works from 1957 to 1963 by: Arman César Christo Gérard Deschamps François Dufrêne Raymond Hains Yves Klein Martial Raysse Mimmo Rotella Niki de Saint Phalle Daniel Spoerri Jean Tinguely Jacques de la Villeglé, Zabriskie Gallery, New York (USA) / Porkkana – kokoelma nykytaiteen museon puolesta, Vanhan Galleria, Helsinki (FIN).

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Giuseppe chiari

ART

Testi di Texts by: Fabio Migliorati Con un’introduzione di With an introduction by: Enrico Crispolti

W NE

Design

Isbn: 978-88-96780-10-7 Formato Format: 24x30 cm Lingue Languages: ita/ing ita/eng Anno di pubblicazione Year of publication: 2012 Collana Series: Cataloghi di mostre Exhibition catalogue Stampa Printing: colori colour Legatura Binding: cartonato con sovraccoperta hardback bounding with folded dust jacket Prezzo Price: 49,00 euro

Il volume è dedicato all’opera di Giuseppe Chiari (1926-2007), artista e compositore fiorentino, poliedrico e sperimentale, promotore italiano delle avanguardie storiche dell’arte di ricerca. Il suo lavoro è qui documentato con un’ampia pubblicazione, edita nella sezione Arte di Forma Edizioni, che rappresenta uno spaccato importante del lavoro dell’artista, presentando oltre 900 opere inerenti a mezzo secolo di produzione. Il volume è arricchito dai saggi critici di Fabio Migliorati e dalla collaborazione diretta di Mario Chiari, figlio dell’artista. “Il lavoro di Giuseppe Chiari si fonda sul trattamento di una libertà dell’agire (fare arte), ritualizzata in esperienza, come riferimento alla costanza umana vicina alla dimensione sociale e politica delle cose; e tutto attraverso la performance o l’opera, l’azione o l’oggetto, nel moto che si compie dall’intervento musicale a quello visivo. Il principio artistico è allegoria della tensione a un libero esercizio che vuol dire creatività”.

The volume is dedicated to the work of Giuseppe Chiari (1926-2010), an eclectic and experimental artist and composer from Florence, Italian promoter of the historical avant-garde of the research art. His work is here documented by a large volume published in the Art section of Forma Edizioni. This book represents an important overview of the artist’s work comprising about 900 works of half a century of production. The volume is enhanced by the critical essays of Fabio Migliorati in collaboration with Mario Chiari, the artist’s son. “The work of Giuseppe Chiari is based on a discourse on the freedom to act (to make art), ritualized in experience, as reference to human constancy, closely linked to the social and political dimension of things, all through the performance of the work, the action of the object, in the movement which is accomplished from the musical intervention to the visual one. The artistic principle is an allegory of the pursuit of a free action, which means creativity and which is both inspired by and leading to it.”

Senza titolo, 1984

Tecnica mista su spartito musicale su tela / Tecnica mista su spartito musicale su tela, cm 63x116,5 [n. 201/632]

Sei studi da concerto,1990

Tecnica mista e collage su spartito musicale su tela / Tecnica mista e collage su spartito musicale su tela, cm 65x85 [n. 37/527]

Sei studi da concerto,1990

Tecnica mista e collage su spartito musicale su tela / Tecnica mista e collage su spartito musicale su tela, cm 65x85 [n. 5/503]

Sei studi da concerto '90,1990

Tecnica mista e collage su spartito musicale su tela / Tecnica mista e collage su spartito musicale su tela, cm 65x85 [n. 38/528]

Sei studi da concerto '90,1990

Tecnica mista e collage su spartito musicale su tela / Tecnica mista e collage su spartito musicale su tela, cm 65x85 [n. 39/529]

Sei studi da concerto '90, 1990

Senza titolo, 1990

Tecnica mista e collage su spartito musicale su tela / Tecnica mista e collage su spartito musicale su tela, cm 65x85 [n. 40/530]

Tecnica mista su carta su tela / Tecnica mista su carta su tela, cm 60x27,7 [n. 627/965]

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L’ARTE CHE NON È UTOPIA, ANTINOMIA, ANARCHIA ART THAT DOES NOT EXIST UTOPIA, ANTINOMY, ANARCHY

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Nella pagina a fronte e a pagina 38: Gesti sul piano in via Chiarugi 12 Nella pagina a fronte e a pagina 38: Gesti sul piano in via Chiarugi 12

Fabio Migliorati

«Un solo suono è musica. Non dimenticatelo. Ma ascoltatelo. Ora chiunque può scrivere un pezzo con un solo suono. La battaglia è vinta. La musica è di tutti». Giuseppe Chiari, Fantamusicologia, 1998

«A single sound is music. Don’t forget it. But listen to it. Now anyone can write a piece with a single sound. The battle is won. Music belongs to everyone». Giuseppe Chiari, Fantamusicology, 1998

Il mondo moderno si realizza secondo due conseguenze della sua manifestazione; conseguenze che sono due aspetti dell’esistere umano accentuato nella contemporaneità occidentale e occidentalizzata: la velocità e il rumore. Il nostro è un mondo delle cose, in cui spazi vasti vengono percorsi in tempi brevi, al suono medio di cento decibel... Questa società è caratterizzata già dal secondo dopoguerra da un elevato livello di sofisticazione; la tecnica diventa parte di una struttura antropologica nuova – che non scinde più l’umano dalle sue possibilità e tantomeno dai suoi ruoli extracorporei, determinando estetiche del riferimento diretto, dell’autocontaminazione, nonché talune fenomenologie relazionali e processuali definite addirittura Post-human. Una società, la nostra, che misura il livello culturale attraverso la forza del consumo, cioè della quantità energetica spesa da ciascun individuo: quella che ognuno impiega, che si esaurisce per vivere quotidianamente. Primo risultato di ciò è l’imposizione di un ruolo predominante degli oggetti; essi diventano numerosi e determinanti, stabilendo sempre nuove opzioni e funzioni e fruizioni. Una realtà del genere è chiamata kitsch (termine che denota la progressiva espansione di una presente tassonomia linguistica, superata, tuttavia, da quella delle immagini). Abraham Moles la pensava così, ma già Isidore Isou indagava il rapporto – malato, proprio perché sproporzionato – tra immagine e dialogo nel cinema, corroborando la deriva dilagante della prima sul secondo, quale stato di ambiguità invasiva e permanente. La necessità dell’adattamento comunicativo corrisponde, inoltre, alla complessità contemporanea di un sistema di vita: irreversibile risultato del grado di sviluppo, di progresso, di evoluzione che eppure comporta un interrogativo sull’effettività dell’obiettivo raggiunto per via della complicazione. Realtà multiforme, dunque, questa: ramificata e stratificata, attiva, influente sulla debolezza dell’umanità, perché soggetta

The modern world takes form according to two consequences of its manifestation, two aspects of human existence that are accentuated in the Western and Westernized contemporary reality: speed and noise. We live in a world of objects, where vast spaces are covered in little time, at an average noise of a hundred decibel... Our society is characterized by a high level of sophistication, and it has been so ever since the postwar years; technique has become part of a new anthropological structure – which no longer separates the human being from his possibilities, and even less so from his extra-corporeal roles, determining the aesthetics of the direct reference, of self-contamination, as well as a number of relational and processual phenomenologies that some have gone so far as to define post-human. Ours is a society that values social standing on the basis of consumption, or in other words by the amount of energy used by each individual: what each of us uses, what we spend to live our daily existence. The first result of this that objects become predominant, numerous and determinant; new options, functions and ways to use them are introduced all the time. This kind of reality is called kitsch (a term that denotes the progressive expansion of a present linguistic taxonomy that is however superseded by that of images). This is how Abraham Moles saw it, but already Isidore Isou explored the relationship – affected, precisely, by the malaise of disproportionality – between image and dialogue in the movies, confirming the rampant tendency of the former to get the upper hand on the latter, in a state of invasive and permanent ambiguity. Moreover, the need for communicative adaptation corresponds to the contemporary complexity of a system of life: irreversible result of a degree of development, of progress, of evolution that nevertheless make us question the validity of the goal attained through complication. It is therefore a matter of a multiform, ramified and stratified reality that acts on and influences the weakness of humanity, in that 15

sua simpatia: all’inizio mi corteggiava ma io non lo amavo; fra noi, durante i primi tempi, c’era soltanto un rapporto di intesa intellettuale, di stima reciproca, di sintonia mentale. Pensi a una professoressa pugliese, borghese, degli anni Cinquanta, che si ritrova lontana da casa, sola, lusingata e adulata, quindi cede. F.M. Chi era Giuseppe Chiari da bambino, da ragazzo? V.L.C. Giuseppe era bravo a scuola ma si annoiava; sbadigliava continuamente e così pure nella vita, fino all’incontro con la musica. Immagini che quando si comprava le scarpe in via Cavour, qui a Firenze, domandava a me il numero. E le tasche piene di fogli e foglietti e fogliettini... sempre! F.M. E, invece, il rapporto con la musica? V.L.C. In casa nostra non c’è mai stato un vinile, un nastro magnetico, un riproduttore! La musica registrata non l’interessava. Lui amava scriverla e scriverla in un turbinio di appunti, di frasi, di concetti. Giuseppe era uno studioso, uno scienziato quasi – mi creda – ma io non so, con precisione, di che cosa... F.M. Sì, ma, nello specifico, che cosa pensava Chiari artista, del proprio lavoro? V.L.C. Prima di tutto, lui odiava l’armonia! Era un antiaccademico, un pensatore rivoluzionario: concettualmente, tecnicamente, politicamente. E in una cornice di umanità semplice, tanto generosa quanto umile. Ricordo che, per idiosincrasia o per moralità – io non so dire – oscurava sempre la marca degli strumenti musicali che usava. F.M. Come definirebbe, allora, la relazione di Giuseppe con l’esterno, con il mondo, anche per esempio con chi comprendeva il suo lavoro, o si serviva del suo lavoro? V.L.C. Beppe non ha mai chiesto niente a nessuno; tutto ciò che faceva, lui lo faceva per la richiesta di qualcuno: un invito arrivava sempre, spesso in contesti prestigiosissimi, ma che Beppe tendeva a demistificare, spesso con una battuta, proprio perché a Beppe pareva di non fare nulla di prezioso, di così importante o – figuriamoci – di storico. La sua mente era svelta, preziosa, profonda: da una parte, quando suonava diveniva pallido in viso, sudando; dall’altra affermava “Salgo pure su un palco fascista, purché mi facciano dire quello che voglio!”. Era un retore ammaliante. Con le parole, lui affascinava. F.M. In politica, dunque, come la metteva? 40

vaunted five rich uncles and aunts. He was fragile, my Beppe! He always needed me. Our story began with his sympathy: in the beginning he was courting me, but I did not love him; in the beginning all there was between us was a relationship of intellectual understanding, of mutual esteem, of mental harmony. Imagine a middle-class teacher from Puglia, in the Fifties, who finds herself far from home, alone, flattered and gratified. And so she gives in. F.M. Who was Giuseppe Chiari as a child, as a boy? V.L.C. Giuseppe was good at school but he got bored: he kept yawning and so he did in life, until he met music. Just imagine, when he bought shoes in via Cavour, here in Florence, he asked me the number. And his pockets were full of sheets and notes and little pieces of paper... always! F.M. And, on the contrary, what about his relationship with music? V.L.C. There has never been any record, cassette, or player in our home! He had no interest in recorded music. He loved to write it, and wrote it in a whirl of notes, sentences, concepts. Giuseppe was a scholar, almost a scientist – believe me – but I am not quite sure in what... F.M. Yes, to be more exact, what did Chiari the artist think, about his own work? V.L.C. First of all, he hated harmony! He was an anti-academician, a revolutionary thinker: conceptually, technically, politically. And all this within a frame of simple humanity, as generous as it was humble. I remember that, out of idiosyncrasy or morality – I don’t know which – he always cancelled the trademarks on the musical instruments he used. F.M. How would you define, then, the relationship of Giuseppe with the exterior, with the world, also for instance with those who understood his work, or who used his work? V.L.C. Beppe has never asked anyone anything: all he did, he did on someone’s request: an invitation always arrived, often in very prestigious contexts, that Beppe however tended to demystify, often with a pun; in fact, Beppe did not have the impression that he was doing anything precious, or very important or – least of all – historical. His mind was awake, precious, profound: on the one hand, his face became pale, sweating when he played; on the other he asserted “I’d even get onto a Fascist stage, as long as 41

tout feu tout flamme

ART

A cura di Curated by: Daniel Abadie

W NE Design

Isbn: 978-88-96780-31-2 Formato Format: 24x30 cm Pagine Pages: 184 Lingue Languages: fra/ita/ing fr/ita/eng Anno di pubblicazione Year of publication: 2012 Collana Series: Cataloghi di mostre Exhibition catalogue Stampa Printing: colori colour Legatura Binding: cartonato con copertina lenticolare moving bound hardback with lenticular cover Prezzo Price: 39,00 euro

In occasione della mostra “Tout feu tout flamme” presso la galleria Tornabuoni Art di Parigi, Forma edizioni presenta il catalogo completo di tutte le opere esposte, arricchito da immagini inedite che riproducono gli artisti al lavoro. Un saggio critico di Daniel Abadie, curatore del catalogo e della mostra, introduce le differenti sezioni, ognuna dedicata alla biografia e alle opere di ogni artista. Tornabuoni Art e Daniel Abadie hanno messo insieme per la prima volta quaranta celebri lavori dei piu grandi artisti che hanno utilizzato il fuoco per creare arte. Il fuoco non ha forma, è in perenne mutazione e permette una grande libertà di interpretazione, ecco quindi la “pittura di fuoco” di Yves Klein, le “combustioni” di Alberto Burri, le “accumulazioni” di Arman, i “percorsi di fiammiferi” di Bernard Aubertin, l’ artificio dei “fiori di fuoco” di Jannis Kounellis, le “ombre escatologiche” di Christian Boltanski, le “strutture ghiaccianti” di Pier Paolo Calzolari, le “ceneri” di Chen Zhen.

On the occasion of the exhibition “Tout feu tout flamme” at Tornabuoni Art in Paris, Forma edizioni presents a catalogue with all the works in the exhibition as well as some other unedited images that show the artists at work. A critical essay by Daniel Abadie, curator of the catalogue and of the exhibition, introduces the different sections, dedicated to the biography and the works of each artist. Tornabuoni Art and Daniel Abadie bring together for the first time 40 of the most outstanding works of the greatest artists who used fire for their artworks. Fire has no shape, is perpetually changing and allows great freedom of interpretation: from Yves Klein’s “Paintings of Fire” to Alberto Burri’s “Combustions”, Arman’s “Accumulations” and Bernard Aubertin’s “Paths of Fire”; from Jannis Kounellis’ artifice of the “flowers” of fire and Christian Boltanski’s “eschatological shadows” to Pier Paolo Calzolari’s “icy burns” or Chen Zhen’s “ashes”.

I Ladri Fire di Fuoco thieves Daniel Abadie

Daniel Abadie

“Il fuoco è un fenomeno privilegiato, che può spiegare ogni cosa. Se tutto ciò che cambia lentamente si spiega attraverso la vita, ciò che cambia rapidamente si spiega attraverso il fuoco. Il fuoco è l’ultravivente. Il fuoco è intimo e universale. [...] È un dio tutelare terribile, buono e cattivo. Può contraddirsi: è dunque uno dei principi di spiegazione universale”. (Gaston Bachelard, La psicanalisi del fuoco, 1937)

“Fire is a privileged phenomenon which can explain anything. If all that changes slowly may be explained by life, all that changes quickly is explained by fire. Fire is the ultra living element. It is intimate and universal. [...] It is a tutelary and terrible divinity, both good and bad. It can contradict itself; thus it is one of the principles of universal explanation.” (Gaston Bachelard, The Psychoanalysis of Fire, 1964)

Se con il collage e poi l’assemblaggio, l’introduzione dell’oggetto nella pittura fu uno degli atti più radicali dei pittori dell’inizio del XX secolo poiché, da quel momento, come lo scriveva già nel 1913 Guillaume Apollinaire : “si può dipingere con ciò che si vorrà, con delle pipe, dei francobolli, delle cartoline postali o delle carte da gioco, dei candelabri, dei pezzi di tela cerata, dei finti colli”. “Io, precisava, non temo l’Arte e non ho alcun pregiudizio nei confronti della materia dei pittori”.

The introduction of objects in painting, first with collage and then with assemblage, was one of the radical acts of painters in the early 20th century because since then, as Guillaume Apollinaire wrote already in 1913: “one may paint with what one likes, with pipes, stamps, postcards, playing cards, candlesticks, bits of oilcloth, collars (wall paper, daily papers)”. “I - he pointed out - am not afraid of Art and have no prejudices concerning the materials used by painters”.

Meno di mezzo secolo più tardi, non era più l’immagine delle cose ad essere rimessa in discussione bensì la loro matericità: le combustioni di Alberto Burri – esposti per la prima volta nel 1957 – se la prendevano con il quadro stesso, prima – nel 1955 – bruciando il legno applicato alla superficie dell’opera, poi, dal 1957, sostituendo l’opacità del supporto con la trasparenza di pellicole sintetiche e rinnegando il gesto del pittore – nonostante all’epoca, da Hartung a Pollock, questo fosse tanto radicale – in favore dell’imprevedibile e definitivo marchio della fiamma.

Less than half a century later it was no longer the image of things that was being challenged, but precisely their materiality: Alberto Burri’s combustions – exhibited for the first time in 1957 – first tackled painting itself – in 1955 – by burning wood applied to the surface of the work and then, as of 1957, by replacing the opacity of the support with the transparency of synthetic films and disavowing the gesture of the painter – even if the latter had taken on a radical character at the time, from Hartung to Pollock – in favour of the unpredictable and indelible mark of the flame.

Arman

Otto Hahn – Et le fauteuil brûlé,

Otto Hahn – E la poltrona bruciata,

Otto Hah – And the burnt armchair,

comment y êtes-vous parvenu ?

come ci è arrivato?

how did you arrive at that?

Arman – L’affaire a commencé

Arman – La faccenda è partita dallo

Arman – Everything began at the

au Stedelijk Museum d’Amsterdam,

Stedelijk Museum d’Amsterdam, nel

Stedelijk Museum of Amsterdam,

en 1964. Ad Petersen, le

1964. Ad Petersen, il conservatore

in 1964. Ad Petersen, the curator in

conservateur responsable de

responsabile della mia mostra, mi

charge of my exhibition, asked me

mon exposition, m’a demandé

ha chiesto di realizzare un pezzo

to realize a piece for the entrance

de faire une pièce pour l’entrée

per l’ingresso del museo. Qualcosa

to the museum. Something

du musée. Quelque chose

di emblematico, per annunciare

emblematic, to announce the

d’emblématique qui annoncerait

l’itinerario della mostra dedicata

exhibition itinerary dedicated to the

l’itinéraire de cette exposition

alle metamorfosi dell’oggetto.

metamorphoses of the object. We

consacrée aux métamorphoses

Insieme, abbiamo fatto il giro delle

have walked around public refuse

de l’objet. Ensemble, nous avons

discariche pubbliche per trovare

heaps together, to find material.

parcouru les décharges publiques

del materiale. Verso la fine del

In the late afternoon we came to a

pour trouver du matériel. En fin

pomeriggio, siamo arrivati in un

garbage deposit that was burning.

d’après-midi, nous sommes arrivés

deposito d’immondizie che stava

On top of the heap there was an

dans un dépôt d’ordures en train

bruciando. In cima al mucchio, una

armchair in Louis XV style, that

de brûler. Au sommet du tas, un

poltrona stile Louis XV stava finendo

was about to go up in flames.

fauteuil, style Louis XV, achevait de

di consumarsi. Qualche minuto

A few minutes later it collapsed.

se consumer. Quelques minutes

dopo il mobile è crollato. Questo mi

This reminded me of a painting

après, le meuble s’est écroulé.

ha ricordato un quadro di Magritte,

by Magritte, Le Temps menaçant

Cela m’a rappelé un tableau de

Le Temps menaçant (Tempo

(Threatening Time), with paper,

Magritte, Le Temps menaçant, avec

minaccioso), con della carta, una

an armchair and a burning tuba.

du papier, un fauteuil et un tuba

poltrona e una tuba in fiamme.

I returned to Nice and together

enflammé. Je suis rentré à Nice

Sono rientrato a Nizza e, con

with Martial Raysse, who helped

et avec Martial Raysse qui m’aidait,

Martial Raysse che mi aiutava, ho

me, I have set fire to an armchair.

j’ai mis le feu à un fauteuil.

dato fuoco a una poltrona. Per far

It was a maddening work to keep

Pour faire tenir le bois calciné,

stare insieme il legno carbonizzato

the carbonized wood together.

Arman en train de créer le modèle pour la pièce qui s’appelle Fried Chicken, dans son atelier à Vence, dans AlpesMaritimes, 1984 / Arman mentre crea il modello per l’opera intitolata Fried Chicken nel suo studio a Vence, Alpes-Maritimes, 1984 / Arman creating the model for the work named Fried Chicken, in his studio in Vence, Alpes-Maritimes, 1984. Pages 34-35 : Arman dans sa maison atelier “le Bidonville” à Vence vers 1965, réalisant une combustion de violon / Pagine 34-35: Arman nella sua casa-atelier “le Bidonville” a Vence verso il 1965 mentre realizza una combustione di violino / Pages 34-35: Arman in his house atelier “le Bidonville” in Vence, around 1965 while he is realising a burning violon.

Sans titre / Senza titolo / Untitled 1964

Combustion de violoncelle brisé sur panneau et résine polyester / Combustione di violoncello spezzato su pannello con resina poliestere / Combustion of broken cello on panel and polyester resin cm 136x97x34

Le Fauteuil d’Ulysse 1965

Fauteuil brûlé et cassé, enduit de plastique / Poltrona bruciata e spezzata, rivestita di plastica / Burnt and broken armchair, covered by plastic cm 81x81x106,7

Yves Klein Une sérénité rare ressort de

Una rara serenità traspare

A rare serenity transpires from

l’interview que nous avons

dall’intervista che abbiamo fatto

the interview we did together

ensemble à cette époque au

insieme a quell’epoca, presso

at that time, at the Test Centre

Centre d’essais du Gaz de

il Centro di prova di Gaz de

of Gaz de France, before the

France, devant les caméras de

France, davanti alle telecamere

television cameras of the French

la télévision française. Il m’y

della televisione francese. In

television. He then confirmed

confirme que la synthèse des

quell’occasione mi conferma che

that the synthesis of the colours

couleurs fondamentales trouve

la sintesi dei colori fondamentali

essentially reaches its highest

son expression majeure dans

trova la sua espressione più alta

expression in the incandescence

l’incandescence de la flamme.

nell’incandescenza della fiamma.

of the flame. What he tries to fix

Ce qu’il cherche à fixer à travers

Quel che cerca di fissare attraverso

through the mark of the fire, as

la trace du feu, comme l’a très bien

la traccia del fuoco, come ha

Ulf Linde has observed so acutely,

vu Ulf Linde, c’est la « présence de

colto molto bene Ulf Linde, è la

is the “presence of the absence”,

l’absence », la marque de la vie qui

“presenza dell’assenza”, il marchio

the mark of life which is diffused

est énergie diffuse. Derrière ses

della vita che è energia diffusa.

energy. Behind this confident and

paroles assurées et lucides on sent

Dietro le sue parole sicure e

lucid words one feels emerge the

percer le mythe de l’éternel retour,

lucide si sente emergere il mito

myth of the eternal return, of the

de l’immortalité de l’âme conçue

dell’eterno ritorno, dell’immortalità

immortality of the soul understood

comme la pérennité de l’énergie

dell’anima concepita come

as perpetuity of spiritual energy

spirituelle hors de ses incarnations

perennità dell’energia spirituale

beyond its incarnations in space

matérielles dans l’espace et le

al di là delle sue incarnazioni nello

and time. (…)

temps. (…)

spazio e nel tempo. (…) At first Yves was above all

Au début Yves se préoccupera

All’inizio Yves si preoccupò prima

concerned with regulating the

avant tout du dosage d’intensité

di tutto di dosare l’intensità della

intensity of the flame of the

de la flamme des brûleurs et de la

fiamma dei bruciatori, e del limite

burners, and with limiting the

durée-limite de la combustion. (…)

di durata della combustione.

duration of the combustion. (…)

Très vite Yves devait perfectionner

(…) Molto rapidamente doveva

He very soon had to improve the

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Yves Klein réalisant des peintures de feu au Centre d’essais de Gaz de France à Saint-Denis en France, 1962 / Yves Klein mentre realizza delle pitture di fuoco al Centro Studi di Gaz de France a SaintDenis, in Francia nel 1962 / Yves Klein creating painting of fire at the Centre of Studies of Gaz de France in Saint-Denis, France, 1962.

Peinture de Feu, (F 82) 1961

Carton brulé sur panneau / Cartone bruciato su pannello / Burnt cardboard on panel cm 143x303

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