“Tableaux Vivants” In The Post- Era

Seperti kerja-kerja seni kontemporer, bahasa sinema tidak berangkat dari hasrat penciptaan dari sebuah kanvas kosong, alih-alih ia berangkat dari reapropriasi fragmen realita yang tertangkap dalam bingkai. Dalam konteks kuratorial ini, bila struktur masyarakat modern dapat dibentangkan dalam lanskap utuh yang dapat membahasakan dirinya sendiri, bahasa sinema mengurai struktur masyarakat modern dengan menelusup ke dalam rongga-rongga di antaranya melalui laku pembesaran terhadap narasi-narasi partikular sehingga menghadirkan interupsi terhadap dominasi wacana modern. Pada akhirnya, sinema memberikan pemahaman tertentu mengenai kompleksitas dunia kita hari ini melalui kacamata kekontemporerannya.

INTERNATIONAL COMPETITION 09

“Tableaux Vivants” in the Post- Era

Dhanurendra Pandji

I

A woman in a phrygia hat—bare-chested and barefoot—moves forward through a barricade and heap of corpses, her one hand raises a three-colored flag which became France’s national flag after the 1830 French Revolution. A bayonet is in her other hand. She leads the revolutionary fighters from various social classes symbolized by the many kinds of headdresses they wore; a bourgeois in a top hat, the workers in their berets, the students in their traditional bicornes. Shifting our glance to the right corner of the frame, we see another three-colored flag perched on top of the Notre Dame tower, symbolizing an episode of the fall of the Bourbon monarch for the second time. When we type the keyword “1830 French Revolution” or “The July Revolution” on the Internet’s search engine, we can easily find a static scene—also known as tableaux vivants—depicting the complexity of France’s political turmoil amidst the spread of Enlightenment thoughts. This static scene is present in the form of a painting, titled Liberty Leading the People by Eugene Delacroix.

Enlightenment ideas pioneered humanity’s megaprojects that liberate themselves from given values by treating the landscape of a new world as an object that can be scrutinized and modified. Just like the personification of liberty on the figure of a woman in Liberty Leading the People who had to stand upon the carcasses of revolution; when the time comes, promises of freedom demand the domination of one above the others.

Predictably, the dominant discourse that highlights the importance of rationality to arrive at objective truth has extinguished our sensitivity towards the situational context of that truth. This reality prompted the rise of the “post” era as a wave of deferment to the dominating discourse by focusing instead on the decentralized narratives. This enables the reveal of truths specific to a certain time and location.

II

The term tableaux vivants itself can be described roughly as a large picture of a static scene hanging up on a wall, facing its audience in a confrontative manner. Therefore, it is tied into a certain room as a whole, as an object that is able to express itself.

We can assume that the landscape of our world today is artificial when the imaginary structure in a society is seen as social structures in tableaux vivants paintings. Both were built from research and modifications of objects by a subject, human itself —whether it is on canvas or in nature — creating a framed landscape of the world. Separating the subject from its object enables us to scrutinize the performativity in Liberty Leading the People that unfolds France’s societal structure in a period of revolution.

In this “post” era, our contemporary time, a picture can appear more democratic as it is produced or reproduced through a personal perspective by a recording apparatus. This is because of the characteristic of the apparatus itself. It acts as a substitute for eyes that are not present in a certain space. Cinema enables Liberty Leading the People to be broken down in particular narratives, for example, the remains of battle in the form of scattered broken woods; or the three-colored flag upon the Notre Dame that can only be seen through magnification.

Similar to how contemporary art works, the language of cinema does not come from the desire to create something out of a blank canvas; rather, it comes from an act of reappropriating fragments of reality in a frame. In the context of this curatorial, if the structure of modern society can be unfolded in a whole landscape that can express itself, the language of cinema unfolds the structure of modern society by infiltrating its cavities. This is done through magnification of particular narratives, which interrupts the domination of modern discourse. In the end, cinema offers a certain understanding of the complexity of our world today through its contemporary point of view.

HÃY TỈNH THỨC VÀ SẴN SÀNG (STAY AWAKE, BE READY)

Country of production Vietnam, South Korea, USA Language Vietnamese Subtitles English 14 min, stereo, digital, color, 2019

Dalam satu tarikan napas, kamera menghimpun lapisan-lapisan peristiwa yang terjadi di sudut kota Saigon menjadi kesatuan lanskap persoalan lokasi yang kompleks. Tumpang-tindih peristiwa yang terkesan kacau berpilin dengan kehadiran aparatus perekam dengan penggunaannya yang personal. In one breath, the camera compiles layers of events happening at a corner of Saigon into a landscape of complex local problems. The seem-to-be chaotic events interweave with the personal use of the recording apparatus.

Pham Thien An (Vietnam)

Dhanurendra Pandji

Pham Thien An (Provinsi Lam Dong, Vietnam, 1989) adalah seorang sutradara, produser, dan penulis skenario film. Ia lulus dari jurusan Teknologi Informasi, Universitas Lotus, Kota Ho Chi Minh. Karya-karyanya telah diputar di berbagai festival filem internasional. Saat ini, ia sedang mengerjakan film panjang pertamanya berjudul Inside The Yellow Cocoon Shell. Pham Thien An (Lam Dong Province, Vietnam, 1989) is a film director, producer, and screenwriter. He graduated from Information Technology at Lotus University, Ho Chi Minh City. His films have been screened in numerous international film festivals. Currently, he is working on his first feature film Inside The Yellow Cocoon Shell.

KOLEKTYVINIAI SODAI (COMMUNITY GARDEN)

Country of production Lithuania Language Lithuanian Subtitles English 15 min, stereo, 1.66:1, 16 mm processed to digital, color, 2019

Sebuah komedi canggung mengenai insiden terbakarnya bangunan rumah di tengah aktivitas liburan musim panas. Indikasi kerja medium perekam dalam membingkai sesuatu “yang spektakuler” muncul pada retakan-retakan momentum kehadiran kamera dan pada ketakjuban tertentu terhadap peristiwa di luar keseharian yang kemudian ber-relasi dengan budaya kepenontonan. An awkward comedy about a house fire incident on a summer vacation. The indication of how a recording apparatus frames a “spectacular” event presents itself on the cracks of moments when the camera appears and on the astonishment to an unusual event related to the spectacle culture.

Vytautas Katkus (Lithuania)

Dhanurendra Pandji

Vytautas Katkus (Vilnius, Lituania, 1991) lulus dengan gelar Sarjana Sinematografi dari Akademi Musik dan Teater Lituania. Dia memenangkan Penghargaan Sinematografer Muda Terbaik oleh Asosiasi Sinematografer Lituania pada tahun 2014 dan 2015. Sejak 2016 dia adalah anggota Asosiasi Sinematografer Lituania. Vytautas Katkus (Vilnius, Lithuania, 1991) graduated with a Bachelor’s Degree in cinematography from the Lithuanian Academy of Music and Theatre. He won Best Young Cinematographer Award by Lithuanian Association of Cinematographers in 2014 and 2015. Since 2016 he is a member of Lithuanian Association of Cinematographers.

INK IN MILK

Country of production Austria Language English Subtitles English 13 min, stereo, digital, color, 2018

Parabel yang dibangun dari memori masa kecil mengenai bagaimana institusi pendisiplinan dan produk wacana yang melekat pada bahasa dan praktik sosial sebagai aparatus kekuasaan dalam kerangka pikir Foucauldian mendefinisikan posisi-subjek hingga ke ranah psikologis. Melalui ragam sketsa, dalam hal ini adalah aksi pengilustrasian ide, si narator membangun impresi mengenai posisi subjek marjinal dalam sebuah sistem layaknya cairan tinta pada semangkuk susu. A parable of childhood memories exhibits how disciplinary institutions and products of discourse inherent in language and social practice becomes an apparatus of power in a Foucauldian framework that defines the subject-position until the psychological realm. Through a variety of sketches—in this case, an act of illustrating ideas—the narrator builds an impression about the position of the marginal subject in a system, like ink in a bowl of milk.

Gernot Wieland (Austria)

Dhanurendra Pandji

Gernot Wieland bekerja dengan penelitian, ingatan, dan narasi. Film-filmnya menyatukan laporan sejarah dengan ingatan personal dan fakta ilmiah, elemen fiksi dan kenyataan, serta membangun rasa tentang yang ganjil, yang sebagian besar hadir dalam bentuk ironis dan absurd. Karya-karya tersebut dicirikan oleh ketenangan yang mencekam, tragis, dan puitis yang mengikuti struktur naratif asosiatif. Gernot Wieland works with research, memory and narration. His films bring together historical reports with personal recollections and scientific facts, fictional and real elements, as well as develop a sense of the uncanny, mostly in ironic and absurd forms. The works are characterized by a gripping, tragicomic, and poetic sobriety that follows associative narrative structures.

SELECTED MILK ADDED FROM RECONSTITUTED MILK POWDER WHOLE PASTEURIZED HOMOGENIZED

Country of production Spain Language English Subtitles English 20 min, stereo, digital, color, 2020

Secara sastraik, filem ini menyejajarkan strandar operasional pemasaran dengan serangkaian kisah tragicomic tentang rantai konsumsi sisa-sisa pertarungan ideologi kapital yang telah melewati berbagai proses pengidealan (komodifikasi) oleh tubuhtubuh masyarakat. Narasi-narasi tersebut dipecah dalam urutan sekuensial dan disusun berdampingan dengan citra-citra yang bersifat fotografis layaknya sebuah tampilan slide. In a literary manner, this film aligns marketing operational standards with a series of tragicomic stories about the remnants of the struggle for capital ideology that are consumed by the body of society and has gone through various processes of idealization (commodification). The narratives are broken down in sequential order and arranged side by side with representative pictures.

José Luis Ducid (Spain)

Dhanurendra Pandji

José Luis Ducid (Buenos Aires, 1969) adalah seorang seniman multidisiplin, penyair, aktor, sutradara, dan musisi. Ia belajar filem di “School of Image and Sound” A Coruña dan kemudian mulai menyutradarai. Berulang kali, ia menerima penghargaan sebagai penulis naskah dan sutradara filem pendek. José Luis Ducid (Buenos Aires, 1969) is a multidisciplinary artist, poet, actor, director, and musician. He studied cinema in the “School of Image and Sound” of A Coruña and then began to direct. On repeated occasions, he received awards as script writer and director of short films.

CURUPIRA, BICHO DO MATO (CURUPIRA, REATURE OF THE WOODS)

Country of production Brazil, Mexico, France Language Portuguese Subtitles English 35 min, stereo, 16:9, digital, color, 2018

Melalui perangkat elektronik, filem ini berupaya melakukan pembesaran terhadap memori kolektif masyarakat Amazon dalam bentuk kepercayaan mitos si hantu penunggu hutan, Curupira. Dalam filem ini, media sebagai bingkai serpihan lokalitas dapat dibaca melalui dua lapisan. Lapisan pertama ialah bagaimana gelombang suara dengan kekuatannya yang mampu menelusup ke dalam ruang tak nampak, berperan menjembatani dua dimensi realitas secara imajinatif. Lapisan berikutnya adalah ihwal perangkat kamera dalam memberi penegasan tentang ide kelokalan dan medium representasi melalui ekspresi wajah dan layar gelap. Dengan demikian, kita dapat menggarisbawahi kerja teknologi dalam mendamaikan “pemitosan” dan kebenaran lokasi dengan hadir di tengah-tengah irisannya. Through electronic devices, this film attempts to magnify the collective memory of Amazonian society in the form of the myth of the guardian ghost, Curupira. In this film, media as a frame of the fragments of locality can be read through two layers. The first layer inquires how sound waves with their capability to penetrate invisible spaces play a role in bridging two dimensions of reality imaginatively. The second layer inquires how the camera affirms the idea of locality and medium of representation through facial expressions and dark screen. In this way, we can underline the work of technology in reconciling “mythologization” with locational truth by being present in the intersection between them.

Dhanurendra Pandji

Félix Blume (France)

Félix Blume (Prancis, 1984) adalah seorang seniman bunyi dan sound engineer. Dia saat ini bekerja dan tinggal di antara Meksiko, Brasil, dan Prancis. Dia tertarik pada mitos dan interpretasi kontemporernya, dalam dialog manusia baik dengan konteks alam dan perkotaan yang dihuni, pada apa yang dapat diceritakan oleh suara-suara di luar kata-kata. Félix Blume (France, 1984) is a sound artist and sound engineer. He currently works and lives between Mexico, Brazil and France. He is interested in myths and their contemporary interpretation, in human dialogues both with inhabited natural and urban contexts, in what voices can tell beyond words.

AUKSINĖS MINUTĖS (GOLDEN MINUTES)

Country of production Lithuania Language Lithuanian Subtitles English 10 min, stereo, digital, color, 2019

Tegangan yang muncul pada menit-menit krusial antara hidup dan mati seorang pria paruh baya dalam sebuah percobaan bunuh diri telah memicu rentetan adegan sebabakibat yang menghambat arus sirkulasi massa dalam sebuah sistem yang serba terukur. Melalui susunan montase ritmis, filem ini semacam merefleksikan kepekaan masyarakat modern terhadap sistematisasi yang justru pada titik tertentu menjadi hambatan bagi dirinya sendiri. The tension during the crucial minutes between life and death of a middle-aged man who attempts suicide triggers a series of chain reactions, which blocks the flow of mass circulation in a highly measured system. Through a rhythmic montage, this film reflects the sensitivity of modern society towards systematization which at a certain point becomes an obstacle for the society itself.

Saulius Baradinskas (Lithuania)

Dhanurendra Pandji

Saulius Baradinskas (1990) adalah sutradara film serta video komersial & musik dari Vilnius, Lituania. Saulius dikenal karena menyutradarai video musik yang sudah mendapat pengakuan di negara-negara Baltik. Dalam penghargaan video musik tahunan 2018, Saulius terpilih sebagai sutradara terbaik dan memenangkan penghargaan video musik terbaik untuk kategori penyutradaraan. Saulius Baradinskas (1990) is a film as well as commercial & music video director from Vilnius, Lithuania. Saulius is noticed for directing music videos that already got recognition in the Baltic states. In 2018 annual music video awards, Saulius was selected as a best director of the year and won best music video award for directing.

SPECIAL PRESENTATIONPRESENTASI KHUSUS

PRESENTASI KHUSUS 01

Tempat-Tempat Lumrah bagi Penangguhan

Philip Widmann

“Sungguh aneh rasanya bisa selamat!” seru sang narator yang tak bersuara, pada suatu momen di filem Saif Alsaegh berjudul Bitter with a Shy Taste of Sweetness. Narator ini, yang menyebut kita dengan panggilan orang kedua tunggal, menceritakan kembali bagaimana “kamu” telah meninggalkan Baghdad dan tengah berdamai dengan kenangan akan tumbuh kembangmu di lingkungan yang berpotensi mengancam nyawa, impian masa kecilmu yang indah akan Amerika Serikat, dan pengalamanmu bisa tiba di sini, akhirnya, di California. Kesukaran yang meresahkan untuk menyelaraskan ingatan dengan pengalaman yang tampaknya berasal dari planet lain berubah menjadi wujud: garis cakrawala yang miring, lanskap dengan filter berwarna dan lampu disko pada foto keluarga, kamera yang bergerak-gerak dengan liar, suara yang melambat dan terdistorsi.

Ketika program ini dirumuskan di awal Maret 2020, “Sungguh aneh rasanya bisa selamat!” terdengar seperti judul yang tepat untuk seleksi filem yang ingin

memberi wujud pada pengalaman geografis, kultural, sosio ekonomi, estetis, dan keterasingan emosional. Apa yang mungkin ingin disampaikan oleh seleksi ini adalah bahwa keselamatan, dalam arti merenggangkan nyawa kita melampaui sesuatu yang diketahui, tidaklah sama dengan pergerakan untuk meninggalkan A demi mencapai B, tetapi justru menjadi kondisi ganjil di mana posisi kita tertangguhkan di suatu tempat di antara kedua titik tersebut. Tak lama kemudian, ketika mungkin semakin banyak orang diperintahkan secara serentak untuk berada dalam kondisi mengurangi risiko, jika bukan demi keselamatan sendiri, maka setidaknya untuk mencegah kematian yang dapat dihindari, “Sungguh aneh rasanya bisa selamat!” mulai terdengar seperti judul yang benar-benar salah tempat. Namun, pada saat yang sama, pengalaman pandemi mungkin telah memberikan semacam perasaan tertangguhkan bagi banyak orang yang sebelumnya merasa tidak perlu meragukan realitas tak tergoyahkan dari lingkungan dan keistimewaan sehari-harinya. Menyusutnya ruang keseharian menyebabkan sebagian besar kontak sosial berlangsung secara virtual bagi mereka yang mampu mengakses teknologi, tempat kerja menjadi larut ke dalam ruang privat atau bahkan lenyap sama sekali, dan langkah menuju “normal baru” diregulasi oleh teknologi pengawasan dan penelusuran beserta tindakan birokratis secara manual—dalam setiap kasus, perasaan menginjakkan kaki ke dalam dunia lain yang serba delusional itu selalu ada. Kondisi tertangguhkan ini tidak pernah menjadi lumrah, melainkan muncul dari tempat-tempat lumrah yang menjadi ganjil. Atau mungkin justru sebaliknya, dan ia muncul dari tempattempat ganjil yang menjadi lumrah?

Dalam filem Kamal Aljafari berjudul It’s a Long Way from Amphioxus, efek digital menyeruak di tempat yang seharusnya tidak pernah menjadi lumrah bagi siapa pun. Di ruang tunggu kantor imigrasi Berlin yang senantiasa penuh sesak, persoalan manusia rupanya telah dienkripsi menjadi nomor antrean. Alfajri mengangkat nomor-nomor tersebut dari penampangnya. Ketika menyeruak keluar dari arsitektur otoritas yang menjemukan, nomor-nomor ini memperoleh sesuatu yang organik, sesuatu yang tidak dapat diperhitungkan oleh logika birokrasi. Judul filem ini diambil dari lagu yang dinyanyikan oleh mahasiswa biologi Amerika Serikat pada tahun 1920-an (dan rupanya sampai hari ini), di mana amphioxus adalah makhluk mirip ikan yang organ dan genomnya memberikan petunjuk mengenai evolusi awal dari vertebrata, dari ikan hingga menjadi manusia. “Jauh sekali dari Amphioxus, tapi kita semua berasal dari sana.” Lantas pada tahap perkembangan manakah umat manusia menciptakan kapasitas kolektif untuk bertindak keji terhadap sesama spesiesnya (belum lagi semua spesies lain), memaksa orang-orang untuk meninggalkan rumahnya dan menyeberangi lautan hanya untuk meniskalakan mereka menjadi angka.

Jika ini merupakan wujud tertinggi dari kehidupan, maka mungkin sudah saatnya kita merosot dan beralih dari jalur destruktif gagasan-gagasan evolusionis, melarikan diri ke suatu tempat di mana kita berada di luar dari

pemaksaan narasi dan struktur yang hanya menginginkan kemajuan. Suatu tempat di mana sup primordial dan pascamanusia saling bertemu. Dalam Dream Delivery karya Zheng Yuan, tidur merupakan risiko sekaligus tempat bersembunyi yang masuk akal bagi petugas pengantar ekonomi gig Lanzhou di Tiongkok barat laut. Sebuah tempat di mana mereka akhirnya dapat berhenti bergerak dan dikenali. Sambil mengingat percakapannya dengan seorang kawan dalam sebuah wawancara, Zheng mengutip perkataan kawan ini bahwa Lanzhou merupakan tempat yang memiliki “ciri khas pra-sosialis” yang jarang ditemui di Tiongkok belakangan ini. Bagi Zheng, kesezamanan dari yang tidak sezaman, di mana “pra-“ dan “pasca-“, tenaga kerja mati dan hidup (dead and living labor) hadir berdampingan dengan cara yang kontradiktif, saling berlawanan, merupakan tempat asal kemunculan masa kini. Berbagai kondisi penangguhan yang berbeda dari keempat filem ini dapat sama-sama dibingkai dengan “pra-“ dan “pasca-“: dari umat manusia, dari fisikalitas, dari kiamat. Apakah kita sudah sampai sana? Apakah semua sudah berakhir? Akhirnya selesai juga? Masa kini yang terlalu dini dan terlalu telat ini juga terlalu terang dan terlalu gelap: hiper-visualitas melahirkan ketakkasatmataan, transparansi menimbun keburaman dalam jejaknya, peniskalaan mewujudkan realita konkret yang semakin kehilangan daya bujuknya. Mimpi, imajinasi, fiksi, manipulasi, montase merupakan alat untuk mewarnai nuansa abu-abu dari penangguhan, untuk membongkar dan merakit kembali bahan-bahan yang tidak dapat dicampur, untuk membuat kondisi tertangguhkan yang ganjil ini dapat diakses dari luar serta untuk menjelajahi potensi utopianya.

Shelly Silver menerapkan pilihan-pilihan ini di a tiny place that is hard to touch untuk membuat pengamatan telaten terhadap kompleks Tatekawa di Tokyo menjadi lebih dipenuhi ketegangan. Kanal yang menjadi nama bagi kompleks ini, yang terapit di antara bangunan dan diatapi oleh jalan layang, menjadi aliran komunikasi antara berbagai jenis keadaan hidup dan mati. Sang narator berbicara tentang kegagalan dalam komunikasi antarbudaya dan antarpribadi, tentang kemusnahan masa lalu dan masa depan. Di celah antara ruang dan narasi yang terbangun, kebineran menjadi kabur. Biologi dan budaya, kekejian dan kelembutan, perasaan najis dan nafsu, asing dan asali tentunya tidak menjadi sama, tetapi juga bukan oposisi. “Dapatkah kita menerjemahkan tanpa memahami, tanpa memafhumi?,” tanya narator di filem Silver. Di antara filem-filem di program ini, barangkali bentuk lain dari pertanyaan ini adalah: ‘Dapatkah kita memahami tanpa memafhumi, tanpa merengkuh sesuatu, karena ini tentu mengandaikan keberadaan materiil dari segala hal yang perlu dipahami?’

SPECIAL PRESENTATION 01

Common Places of Suspension

Philip Widmann

“How strange it is to survive!” exclaims the unheard narrator at one point in Saif Alsaegh’s Bitter with a Shy Taste of Sweetness. This narrator, addressing us in the second person singular, recounts how “you” have left Baghdad and are trying to come to terms with the memory of growing up in potentially life-threatening surroundings, candy-colored childhood dreams of the United States, and the experience of having eventually arrived right there, in California. The unsettling difficulty of aligning memories and experiences that seem to have originated from different planets becomes form: tilted horizons, color filtered landscapes and disco lights on family photos, frantic panning, sounds slowing down and distorting.

When this program was put together in early March 2020, “How strange it is to survive!” seemed like an appropriate title for a selection of films that attempt to make experiences of geographical, cultural, socio economic, aesthetical, and

emotional displacement tangible. What this selection may suggest is that survival, in the sense of extending one’s life beyond something known, is not tantamount to a movement of leaving A behind in order to reach B, but rather becomes the strange state of being suspended someplace in between. Shortly after, when perhaps more people than ever were instructed simultaneously in the conditions of reducing risk, if not for their own survival, then at least for the prevention of avoidable fatalities, “How strange it is to survive!” started sounding like a downright misplaced title. At the same time, however, the experience of the pandemic may have brought about a sense of suspension for many who earlier saw no reason for doubting the immovable reality of their everyday surroundings and privileges. With quotidian spaces shrinking, social contact becoming largely virtual for those with access to technology, workplaces dissolving into the private or into nothing at all, and steps towards a “new normal” being regulated by surveillance and tracking technologies and manual bureaucratic measures alike, the sense of having set foot into a delusional otherworld is never quite far away. Suspension is never commonplace, but it comes out of common places becoming strange. Or is it the other way round, and it comes from strange places becoming common?

In Kamal Aljafari’s It’s a Long Way from Amphioxus, digital effects intervene in a place that ought not become common for anyone. In a perpetually crowded waiting room of Berlin’s immigration office, it appears as if the concerns of living people had been encrypted into queue numbers. Aljafari lifts them from their displays. Swarming out of the prosaic architecture of public authority, they acquire something organic, something that the logic of bureaucracy cannot account for. The film’s title comes from a song sung by US-American biology students in the 1920s (and apparently until today), amphioxi being fish-like creatures whose organs and genomes provide clues about the early evolution of vertebrates, from fish all the way to humans. “It's a long, long way from Amphioxus, but we all came from there.” At what stage of development, then, stands the collective capacity of humans to act against their own species (let alone all others), forcing people to leave their homes and cross the seas only to abstract them into figures?

If this is the highest form of life, perhaps it is time to degenerate and sidestep the destructive path of evolutionist ideas, retreating to someplace where one remains outside the coerciveness of progress-driven narratives and structures. Someplace where primordial and posthuman soup run into each other. In Zheng Yuan’s Dream Delivery, sleep is both a risk and a possible hideout for gig-economy delivery drivers in Lanzhou in north-western China. A place where they can finally stop moving and become recognizable. Recounting a conversation with a friend in an interview, Zheng quotes this friend saying that Lanzhou was a place featuring “pre-socialist characteristics” rarely found in present-day China. For Zheng, the contemporaneity of the non-contemporaneous, where “pre-” and “post-”, dead and living labor coexist in contradictory, conflicting ways, is what the present emerges from. Similarly, the different states of suspension of the four

films could all be framed by a “pre-” and a “post-”: of humanity, of physicality, of apocalypse. Are we there yet? Is it already over? Over at last? This present between too early and too late is equally too bright and too dark: hyper-visuality creates invisibilities, transparency amasses opacities in its trail, abstractions form concrete realities that increasingly lack persuasiveness. Dreams, imaginations, fictions, manipulations, montage are tools for coloring the grey shades of suspension, for dissembling and reassembling unmixable ingredients, for making this strange sense of being suspended accessible from the outside and for exploring its utopian potential.

Shelly Silver applies these options in a tiny place that is hard to touch to put patient observations of the Tatekawa neighborhood in Tokyo under increasing tension. The neighborhood’s eponymous canal, squeezed between buildings and roofed by an elevated highway, becomes a waterway of communication between different states of animate and inanimate being. The voiceover speaks about failures in intercultural and interpersonal communication, about past and future annihilation. In the interstices of built space and narration, binaries blur. Biology and culture, cruelty and gentleness, revulsion and lust, aliens and natives certainly do not become the same, but are no opposites either. “Can one translate without comprehension, without grasping?”, asks the voice in Silver’s film. In between the films of this program, a variant of this question may be: ‘Can one comprehend without grasping, without taking hold of something, as that would necessarily presuppose the material existence of everything that there is to comprehend?’

Common Places of Suspension is the second part of a cooperation between ARKIPEL – Jakarta International Documentary & Experimental Film Festival and the Kassel Documentary Film and Video Festival, supported by Goethe-Institut Indonesien. Founded in 1982, the Kassel Documentary and Video Festival is a yearly six-day event taking place in mid-November. Its program includes around 250 short and feature-length films, an exhibition of video and media installations, as well as symposia and educational formats. The first part of this cooperation, Notes on Indonesian Experiments, was shown in Kassel in 2019. This second part was selected from short films featured in Kassel’s 2019 edition and was originally planned to be shown in Jakarta in August 2020.

BITTER WITH A SHY TASTE OF SWEETNESS

Country of production USA Language Subtitles 8 min 57 sec, stereo, digital video, color, 2019

Bitter with a Shy Taste of Sweetness membandingkan masa lalu terfragmentasi milik si pembuat filem yang tumbuh di Baghdad dengan masa kininya yang surealis di California. Melalui penulisan puitis dan visual yang menderu-deru, filem ini menciptakan rasa memori dan lanskap yang tenang namun juga kejam. Bitter with a Shy Taste of Sweetness contrasts the fragmented past of the filmmaker growing up in Baghdad with his surreal California present. Through poetic writing and jarring visuals, the film creates a calm and cruel sense of memory and landscape.

Saif Alsaegh (USA)

Philip Widmann

Saif Alsaegh adalah sutradara asal Baghdad yang berbasis di Amerika Serikat. Filem-filemnya telah diputar di berbagai festival termasuk Cinéma du Réel, Kurzfilm Hamburg, dan Kasseler Dokfest, serta di galeri dan museum termasuk di Wisconsin Triennial di Madison Museum of Contemporary Art dan Rochester Contemporary Art Center. Pada tahun 2021, dia menjadi Flaherty Fellow. Saif Alsaegh is a United States-based filmmaker from Baghdad. His films was screened in festivals including Cinéma du Réel, Kurzfilm Hamburg, and Kasseler Dokfest, and in galleries and museums including the Wisconsin Triennial at the Madison Museum of Contemporary Art and Rochester Contemporary Art Center. In 2021, he was a Flaherty Fellow.

جميعنا أتينا من هناك (IT’S A LONG WAY FROM AMPHIOXUS)

Country of production Germany Language Arabic Subtitles English 15 min, stereo, digital video, color, 2019

Seorang wanita tua bersandar ke pria muda dengan buku kuning di tangan, ia duduk di sebelahnya dan bertanya, “Apa yang mereka bagikan di sini?”. “ Angka”, jawabnya. Di ruang tunggu Berlin, di mana kursi logam dan kayu dipaku ke tanah, orang-orang tiba setelah muncul dari laut. Di sini mereka menunggu. Filem Aljafari mengamati asalusul keberadaan kita versus masa depan tentang bagaimana kita didefinisikan. Apa jadinya kita usai dari titik asal hingga kekacauan labirin birokrasi hari ini? Jauh dari Amphioxus, kita semua berasal dari sana. An old woman leans to the young man with the yellow book sitting next to her and asks, “What are they distributing here?” “Numbers”, he replies. In Berlin’s waiting rooms, where metal and wooden seats are nailed to the ground, people arrive after emerging from the seas. Here they wait. Aljafari’s film observes the origins of our being versus the future of how we are defined. What have we become from our point of origin until today’s chaos of bureaucratic mazes? It’s a long way from Amphioxus, we all came from there.

Philip Widmann

Kamal Aljafari (Germany)

Kamal Aljafari berkarya menggunakan gambar bergerak dan gambar diam menjalinkan fiksi, non-fiksi, dan seni. Filem terdahulunya termasuk Recollection (2015), Port of Memory (2009), dan The Roof (2006). Ia adalah seorang seniman unggulan di Seminar Filem Robert Flaherty (NYC) dan merupakan Anggota di Institut Radcliffe dan Studi Film Universitas Harvard. Kamal Aljafari works with moving and still images, interweaving between fiction, non-fiction, and art. Kamal’s past films include ‘Recollection’ (2015), ‘Port of Memory’ (2009), and ‘The Roof’ (2006). He was a featured artist at the Robert Flaherty Film Seminar (NYC) and was a Fellow at Harvard University’s Radcliffe Institute and Film Study.

DREAM DELIVERY

Country of production China Language Subtitles 9 min 50 sec, stereo, digital video, color, 2018

Seorang pengendara pengiriman barang yang kelelahan tergeletak di bangku taman pinggir jalan dan tertidur dengan pulas. Dalam mimpi, para pekerja berkumpul di taman shanzhai dan menjadi “patung”, membentuk kekontrasan dengan kecepatan dan efisiensi yang mereka kejar tanpa henti sepanjang waktu. Jajaran bintang buruh kontemporer mengungkapkan sisi lain keajaiban ekonomi Cina. Dalam kehidupan perkotaan yang semakin homogen yang diresapi dengan teknologi dan modal, jenis tenaga kerja baru dan eksploitasi sosial muncul ke permukaan. Mobilitas terus-menerus dan tenaga kerja yang gelisah telah mengubah tidur menjadi risiko yang mahal. An exhausted delivery rider sprawled out on the bench of a roadside park and fell asleep safe and sound. In a dream, laborers gather in a shanzhai park and become “statues,” forming a contrast with the speed and efficiency they pursue inexhaustibly around the clock. The all-star lineup of contemporary laborers reveals the other side of the Chinese economic miracle. In an increasingly homogenized urban life infused with technology and capital, new kinds of labor and social exploitation surface. Perpetual mobility and restless labor have turned sleep into a costly risk.

Philip Widmann

Zheng Yuan (China)

Zheng Yuan adalah pembuat filem dan seniman yang tinggal di Beijing. Karyanya sering beroperasi di persimpangan fiksi, dokumenter, dan penelitian investigasi, dengan fokus pada hubungan antara identitas dan sistem nilai dalam kondisi sejarah dan politik yang berbeda. Filem-filemnya telah diputar di Visions du Réel, Kasseler Dokfest, International Short Film Festival Oberhausen, dan Ann Arbor Film Festival Zheng Yuan is a filmmaker and artist based in Beijing. His work often operates at the intersection of fiction, documentary, and investigative research, focusing on the relationships between identity and value systems within different historical and political conditions. His films have been screened at Visions du Réel, Kasseler Dokfest, International Short Film Festival Oberhausen, Ann Arbor Film Festival

触れがたき小さ な場所 (a tiny place that is hard to touch)

Country of production Japan, USA Language Japanese Subtitles English 38 min 52 sec, stereo, digital video, color, 2019

Seorang perempuan Amerika menggunakan jasa seorang perempuan Jepang dalam menerjemahkan wawancara perihal turunnya angka kelahiran di Jepang. Perempuan Amerika tersebut merasa tahu benar soal Jepang; perempuan Jepang tersebut menderita akan kelebihan jarak kritis yang ia nyatakan sendiri. Mereka berargumentasi, berkelahi, dan jatuh bersama dalam cinta atau nafsu, saat penerjemah tersebut menyela jam kerja mereka dengan cerita dari dunia yang terinfeksi akan pengetahuan tentang kematiannya sendiri. Nama lingkungan itu diambil dari kanal yang melewati kawasan apartemen tempat di mana si penerjemah tinggal. Merefleksikan balik sebuah dunia beton dalam pola yang terdistorsi oleh warna biru, hijau atau hitam berkilauan, Tatekawa-lah yang membawa pergeseran prosesi antara hewan, tumbuhan, benda, artefak, kematian, kehidupan. An American woman hires a Japanese woman to translate interviews about Japan’s declining birthrate. The American woman is presumptuous in her knowledge of Japan; the Japanese woman suffers from a self-professed excess of critical distance. They grate, fight, and crash together in love or lust, as the translator interrupts their work sessions with stories from a world infected with the knowledge of its own demise. The canal that runs past the translator’s apartment gives the neighborhood its name. Reflecting back the concrete world in distorted patterns of blue, green or glittering black, the Tatekawa transports a shifting procession of animals, plants, objects, artifacts, death, life.

Philip Widmann

Shelly Silver adalah pembuat filem dan seniman yang tinggal di New York. Karyanya telah dipamerkan di berbagai negara, termasuk di MoMA, Tate Modern, Centre Pompidou, MoCA dan Festival Film London, Singapura, New York, Moskow, dan Berlin. Dia adalah seorang profesor di Program Seni Visual, Universitas Columbia. Shelly Silver is a New York based filmmaker and artist. Her work has been exhibited worldwide, including at MoMA, Tate Modern, Centre Pompidou, MoCA and the London, Singapore, New York, Moscow, and Berlin Film Festivals. She is a professor in the Visual Arts Program, Columbia University.

Shelly Silver (USA)

PRESENTASI KHUSUS 02

Permukaan Tak Acuh, Gerakan Pendulum

Eunhee Kim

Apakah dunia luar yang kita lihat lewat pandangan benar-benar nyata? Otak menafsirkan lanskap citraan yang tercermin pada retina dengan menarik banyak informasi dan isyarat. Ketika kita mencoba menangkap dunia luar secara visual, jika fenomena yang terjadi di dalam diri manusia sebagian besar merupakan respons sel saraf optik mikroskopis, maka penglihatan mungkin hanyalah reaksi atau refleksi terhadap stimulus eksternal sebelum tindakan. Namun, kita tidak dapat mendeteksi apakah perilaku manusia lebih dulu ada ketimbang lanskap yang terlihat (dunia luar) atau apakah dunia luar sudah ada sebelum itu semua.

Ketika kita terbangun dari tidur dan membuka mata, jika sinar mentari di langit-langit terpantul di retina, kita akan terbangun dari tempat tidur, mengira bahwa pagi sudah ada sebelum kita bangun. Tentu saja, kata “pagi” hanyalah sebuah isyarat waktu yang berhubungan dengan kecepatan rotasi Bumi. Dengan kata lain, relasi antara arus waktu abstrak yang diciptakan oleh putaran Bumi dan

kesadaran manusia adalah sebuah kemitraan, dan waktu dalam wujud fisiknya dapat dianggap sebagai khazanah abstrak di dalam kesadaran kita karena kita tidak dapat merasakan tubuh kita berlari mengikuti gerakan perputaran Bumi.

Sama seperti “A World without Time” karya Kurt Friedrich Gödel, adalah mustahil untuk mengubah suatu waktu lokal menjadi satu waktu yang global, sehingga waktu menjadi tidak lebih dari intuisi batin kita. Ketika kita tiba di suatu tempat dengan latar belakang historis tertentu dan memandang lanskap yang terbentang di depan mata kita, lanskap tersebut tidak menyatakan atau menjelaskan apa pun. Realita lanskap tersebut bisa jadi sebenarnya tidak ada atau ada sebagai representasi dari sejumlah relasi. Pemandangan ini, yang hanya kita lihat dengan mata pengamat murni tanpa mengintervensi sebisa mungkin, adalah seperti halnya permukaan yang tak acuh.

Sebuah adegan dalam filem yang menangkap momen pertemuan dengan lanskap karena kebetulan atau memunculkan cerita yang tak terlihat di balik lanskap akan memperoleh sudut pandang melalui keterbatasan bingkai dan montase. Ada sejumlah filem yang membiarkan kita membayangkan waktu intuitif dari seorang pengamat yang berdiri di sebuah dunia di mana lintasan waktu secara riil tidak ada, begitu pula dengan reaksi tubuhnya. Para filsuf matematika, seperti Gödel, meyakini bahwa tubuh pengamat memiliki suatu indera khusus (beda dari panca indera) yang dapat dideteksi manusia di alam yang ideal. Tempat ini, secara khusus, meninggalkan riak gelombang dari alam abstrak melalui tubuh pengamat. Rasanya seolah-olah tubuh pengamat mendeteksi gelombang tak kasat mata melalui pendulum yang mendeteksi radiasi dan kantuk yang mendeteksi vena air. Getaran tak terlihat yang dideteksi oleh tubuh seniman melalui kamera menjadi sangat nyata dalam berbagai citra lanskap yang mewujud di dalam karya seniman gambar bergerak kontemporer.

Namun, tidak semua citra lanskap yang terekam mampu menyampaikan getaran dan riak gelombang dari momen pengambilan gambar. Hanya karya segelintir seniman yang mampu menangkap sinyal dari dunia tak dikenal yang menembus tubuh-tubuh mereka. Mereka menemukan titik di mana sulit untuk dibuktikan secara logis, tetapi mustahil untuk dibagi menjadi potongan-potongan objektif. Vena air terbentang luas, tetapi tidak di semua tempat, sehingga peran pendulum untuk mendeteksi gelombang vena air tetap esensial. Sinyal tak dikenal yang dikumpulkan oleh metodologi kohesi waktu subjektif milik sang seniman adalah selayaknya gerakan ruang di mana waktu telah lenyap. A. Einstein pernah berkata: “kontinum empat dimensi kini tidak lagi dapat dipecahkan secara objektif menjadi potongan-potongan, mereka semua mengandung peristiwa yang terjadi serentak; kata ‘kini’ menjadi kehilangan makna objektifnya karena dunia yang meluas secara spasial.” Menurutnya, dalam dunia yang meluas secara spasial, makna objektif dari “sekarang” menjadi hilang.

Program kuratorial ini menghadirkan karya-karya terbaru dari empat seniman gambar bergerak asal Korea. Keempat karya ini mengubah peristiwa masa lalu, masa kini, dan masa depan menjadi berlangsung secara serentak di ruang di mana waktu telah lenyap.

Filem terbaru Minjung Kim yang berjudul The Red Filter is Withdrawn mengeksplorasi lanskap laut di Pulau Jeju, tempat terjadinya peristiwa ‘Jeju 4.3,’ pembantaian oleh pemerintah Korea Selatan sebagai akibat dari konflik ideologi yang berlangsung antara 1948 dan 1954 di Pulau Jeju. Eksplorasi ini menanyakan apa yang perlu dilihat dalam lanskap ini dengan intervensi dari ceramah Hollys Frampton dan filter merah. Karya penelitian Jaekyung Jung yang berjudul A Village mengeksplorasi daerah residensial untuk pasien pengidap penyakit Hansen (atau yang dikenal dengan istilah kusta) sejak tahun 1960an. Filem ini merekam Desa Heonin, yang kini tinggal puing-puing karena wilayahnya telah dibangun kembali sejak awal tahun 2000. To the North for Nonexistence karya Sejin Kim merefleksikan masa kini yang mengaburkan seluruh batasan ketika kisah Sámi, masyarakat adat Lapland, Arktik Eropa, menjadi tumpang tindih dengan lanskap yang terpecah-belah. Karya Ayoung Kim yang berjudul Porosity Valley 2: Tricksters’ Plot mereproduksi jalur migrasi makhluk mitos yang menjadi metafora bagi jalur pengungsi di ruang virtual fiksi ilmiah.

Di senjakala Bumi yang tengah menderita, mari kita rasakan getaran menit yang berhenti sejenak pada titik di mana pendulum diguncang oleh empat seniman Korea yang menangkap lanskap-lanskap serentak dari Bumi, atau bayangkan lanskap ruang yang meluas dari posisinya masing-masing atau selagi bergerak.

SPECIAL PRESENTATION 02

Indifferent Surface, Pendulum Movement

Eunhee Kim

Is the external world that we perceive through sight really real? The brain interprets the landscape of the image reflected on the retina by attracting a lot of information and signs. When visually grasping the external world, if the phenomena occurring inside a human being are primarily a response of microscopic optic nerve cells, the seeing may be merely a reaction or reflection to an external stimulus before an action. However, we cannot detect whether the behavior of the human being takes precedence over the visible landscape (the external world) or whether the external world exists prior to it.

When we awake from sleep and open our eyes, if morning light shining on the ceiling is reflected in the retina, we would wake up from our bed, thinking that the morning exists before we wake up. Of course, the word “morning” is only a sign of time related to the speed of Earth’s rotation. In other words, the relationship between the abstract flow of time created by the Earth’s spin and

human consciousness is a partnership, and physical time can be left as an abstract realm in our consciousness because we cannot feel our body running with the movement of Earth rotation.

Just as Kurt Friedrich Gödel’s “A World Without Time”, it is impossible to make the selected local times into one global time, so time becomes nothing other than our inner intuition. When you arrive at a place with a specific historical background and look at the landscape unfolding before your eyes, the landscape does not dictate or explain anything. The reality of the landscape may not exist or may exist as a representation of multiple relationships. The scenery that you encounter only through the eyes of a pure observer without intervening as much as possible is like an indifferent and cold surface.

A scene in the film that captures the moment of a landscape encountered by chance or brings out unseen stories behind the landscape acquires a point of view through the limitations of the frame and montage. There are films that let you imagine the intuitive time of an observer standing in a world where the passage of real time does not exist and the reaction of his body. Some mathematical philosophers, such as Gödel, believe that the observer’s body has a special sense (different from the five sensory organs) that humans can detect the ideal realm. The place, in particular, leaves the wavelength of the abstract realm through the body of the observer. It is as if the observer’s body detects invisible waves through a pendulum that detects radiation and a dozing that detects water veins. The invisible vibrations detected by the artist’s body through the camera are immanent in the multiple images of landscapes that appear in the works of contemporary moving image artists.

However, not all the recorded images of landscapes convey the vibration and wavelength of the moment of shooting. Only the works of a few artists capture signals from the unknown world that penetrated their bodies. They detect points where it is difficult to prove logically, but impossible to divide it into objective parts. The water veins are widespread, but not everywhere, so the role of the pendulum to detect the waves of the water veins is essential. The unknown signals collected by the artist’s methodology of cohesion of subjective time are like the movement of space where time has disappeared. A. Einstein said: “The fourdimensional continuum is now no longer resolvable objectively into sections, all of which contain simultaneous events; ‘now’ loses for the spatially extended world its objective meaning” According to him, in a spatially extended world, the objective meaning of “present” is lost. 1

1.  A World without Time: The forgotten Legacy of Gödel and Einstein, Palle Yourgrau, Basic Books, 2004, 81p.

For this curatorial program, it presents the latest works of four Korean moving image artists. These four works transform the events of past, present, and future into simultaneous time in a space where time has disappeared.

Minjung Kim’s latest film The Red Filter is Withdrawn explores the landscape of the sea in Jeju Island, the place of ‘Jeju 4.3’, a massacre by South Korean government as a result of ideological conflicts that occurred between 1948 and 1954 on Jeju Island. This exploration asks what to see in the landscape with the intervention of Hollys Frampton’s lecture and the red filter. Jaekyung Jung’s research work A Village explores a residential area for patients with Hansen’s disease(also known as leprosy) since the 1960s. The film records Heonin Village, which is now ruined because the area has been redeveloped since the beginning of 2000. Sejin Kim’s To the North for Nonexistence reflects the present time which is blurred all the boundaries when the story of the Sámi, indigenous peoples of Northern Europe’s Arctic Lapland, overlaps with the fragmentary landscapes. Ayoung Kim’s work Porosity Valley 2: Tricksters’ Plot reproduces the migration path of mythical creatures that metaphors the refugee’s path in a sci-fi virtual space.

At the twilight of the suffering Earth, let’s feel the minute vibrations pausing for a moment at the point where the pendulum is shaken by four Korean artists who capture the simultaneous landscapes of Earth, or imagine the landscapes of an expanded space from their respective positions or while moving.

THE RED FILTER IS WITHDRAWN

Country of production South Korea Language Subtitles Korean language, English 10 min 30 sec, stereo, HD, color, 2020

Banyak tempat kolonial, termasuk gua pantai dan bunker militer di banyak Oreum (gunung berapi kecil menjulang yang sudah tidak aktif di Pulau Jeju), serta kenangan akan pemberontakan dan pembantaian ada di mana-mana di Pulau Jeju. Karya ini didasarkan pada La condition humaine (1935) karya René Magritte, yang merupakan pemandangan luar gua yang ditumpangkan di atas kanvas. Kamera menangkap pemandangan gua dan bunker di Pulau Jeju seperti kutipan dari naskah pertunjukan Hollis Frampton “A Lecture”, dan meminta media agar dapat menangkap gambar peninggalan bersejarah di lanskap tanpa distorsi atau eliminasi. Numerous colonial places, including coastal cave and military bunkers on a lot of Oreums (rising small defunct volcano in the Jeju Island) as well as memories of uprising and massacres are everywhere on Jeju Island. This work is based on René Magritte’s La condition humaine(1935), which is a view of the outside of the cave superimposed on a canvas. The camera captures landscapes of caves and bunkers in Jeju Island as having quotes from Hollis Frampton’s “A Lecture” performance script, and asks the media can capture the image of historic vestige on the landscape without any distortion or elimination.

Eunhee Kim

Minjung Kim belajar Desain Komunikasi Visual di Universitas Hongik, Seoul, dan memperoleh gelar MFA dalam bidang Film dan Video dari California Institute of the Arts. Karyanya telah diputar di berbagai festival filem internasional dan helatan seni media. Dia baru-baru ini tinggal di Seoul, Korea bekerja terutama dengan media film, video, dan instalasi 16mm. Minjung Kim studied Visual Communication Design at Hongik University, Seoul, and earned an MFA in Film and Video from the California Institute of the Arts. Her works ha ve been screened at international film festivals and media art venues. She recently resides in Seoul, Korea working primarily in the medium of 16mm film, video, and installations.

Minjung Kim (South Korea)

A VILLAGE

Country of production South Korea Language Subtitles 15 min, stereo, HD, color, 2019

A Village adalah cerita alegoris yang sangat kecil tentang desa Heonin di Seoul, Korea Selatan, dalam perjalanan menuju kepunahan selama proses memaksimalkan keinginan kapitalis perkotaan. Desa ini dimulai sebagai pemukiman bagi orangorang yang terinfeksi penyakit Hansen pada tahun 1960-an. Pada awal tahun 2000-an, sebuah perusahaan real estate memulai proyek pembangunan desa menjadi kota mewah, menghancurkan sebagian besar desa hingga pengembangnya bangkrut pada tahun 2011. Jaekyung Jung memulai penelitian selama bertahun-tahun di desa yang masih tetap hancur tersebut pada tahun 2018. A Village adalah salah satu proyek filem yang ia produksi sejak ia mulai meneliti di desa tersebut. A Village is a very tiny allegorical story about Heonin village in Seoul, South Korea, on its way to extinction during the process of maximizing the urban capitalist desire. The village began as the settlement for the people infected by Hansen’s disease in 1960s. In the early 2000s, a real estate company started a project redeveloping the village into a luxury town, destroying most of the village until the developer went bankrupt in 2011. Jaekyung Jung started his multi year-long research in the village, which still remained destroyed, in 2018. A Village is one of the film projects that he has been producing since he had started researching in the village.

Eunhee Kim

Jaekyung Jung (South Korea)

Jaekyung Jung menyelidiki bagaimana etika terbentuk melalui pengamatan dekat pada jejak periferal dalam kehidupan sehari-hari, menggunakan format gambar bergerak dan arsip. Pertunjukan solonya baru-baru ini antara Cosmographia di Seoullo Media Canvas, The Realm of Ghosts, dan A Scene di Sinchon Theatre. Saat ini ia memimpin SHHH, sebuah organisasi yang mengeksplorasi seni gambar bergerak. Jaekyung Jung investigates how the sense of ethics is formed through close observations on peripheral traces in everyday life, employing the formats of moving images and archives. His recent solo shows and plays include Cosmographia at Seoullo Media Canvas, The Realm of Ghosts, and A Scene at Sinchon Theater. He is currently leading SHHH, an organization exploring the art of moving images.

TO THE NORTH FOR NONEXISTENCE

Country of production South Korea Language Subtitles 16 min 53 sec, stereo, digital video, color, 2019

Sámi adalah tanah akumulasi waktu, masyarakat adat di wilayah kutub Eropa Utara yang secara geografis terisolasi karena kondisi cuaca buruk. Saat ini, mereka masih hidup dengan cara hidup tradisional di daerah pemukiman mereka sebagai kelompok minoritas. Mereka dominan dalam hegemoni regional terkait hak berburu dan budaya tradisionalnya. Identitas mereka mau tak mau menimbulkan konflik dengan sistem modern. Bagi Anita Gimvall, seorang Sami yang tinggal di Lapland, filem ini menunjukkan potongan melintang dari insiden pembakaran di sebuah rumah tradisional berdasarkan kejadian nyata. Filem ini menelusuri konflik dan keterasingan di perbatasan ambigu antara tradisi masa lalu – kehidupan modern, pemukiman – deportasi, berbagi – pemikiran, serta cerita tentang batasbatas kabur dan latar belakang di dalam – luar. The Sámi are the land of accumulation of time, the indigenous peoples of the Northern Europe’ polar regions which have been geographically isolated due to severe weather conditions. Today, they still live in a traditional way of life in their settlement areas as minority groups. They’re dominant in regional hegemony for their hunting rights and traditional cultures. Their identity inevitably arouses conflict with modern systems. To Anita Gimvall, a Sami living in Lapland, the film shows a cross-section of an arson incident in a traditional house based on real incidents. The film traces out conflict and alienation at the ambiguous border between past tradition-modern life, settlement-deportation, thought-sharing, as well as stories of blurred boundaries and backgrounds inside-outside.

Sejin Kim (South Korea)

Eunhee Kim

Sejin Kim bekerja dengan berbagai perangkat media, termasuk dokumenter realisme dan bahasa sinema, mengeksplorasi berbagai hubungan yang membingungkan antara individu dan sistem kontemporer. Ia meraih gelar MFA dalam Seni Rupa di Sekolah Seni Rupa Slade, UCL, dan MA dalam bidang Film & TV di jurusan Seni Media, Universitas Sogang. Karya-karyanya telah dipamerkan di berbagai helatan seni. Sejin Kim works with various media apparatuses to explore various perplexing relationships between individuals and contemporary systems. She holds an MFA from Slade School of Fine Art, UCL, and MA in Film & TV in Media Art, Sogang University. She has had several residency programs, including Delfina Foundation in London and others. Her works have been exhibited at numerous art presentations.

POROSITY VALLEY 2: TRICKSTERS’ PLOT

Country of production South Korea Language Subtitles 23 min, stereo, single channel video, color, 2019

Sekuel dari “Porosity Valley, Portable Holes” (2017), karya ini memperluas karya sebelumnya melalui penggambaran fiksi tentang migrasi migran/ mineral/klaster data yang dikenal sebagai Petra Genetrix untuk mempertanyakan gagasan tentang perbatasan, penyeberangan, dan koeksistensi atau simbiosis. Menyandingkan migrasi pengungsi dengan migrasi digital yang mencirikan migrasi di abad ke-21, karya ini menciptakan ruang-waktu spekulatif dengan menginterogasi “cara berada” dan “cara representasi” para pengungsi Yaman yang baru saja tiba di Korea Selatan. Tercermin di sini ialah situasi saat pengungsi diperlakukan sebagai semacam malware atau virus yang mengancam sistem kekebalan tubuh negarabangsa. Adegan lebih lanjut mengungkap kontrol biopolitik seperti yang dialami oleh Petra dan para pengungsi Yaman di Korea. A sequel to “Porosity Valley, Portable Holes” (2017), this piece expands upon the previous work through a fictionalized depiction of the migration of a migrant/ mineral/data cluster known as Petra Genetrix to question the notions of borders, crossings, and coexistence or symbiosis. Juxtaposing refugee migration with digital migration characterizing migration in the 21st century, the work creates a speculative spacetime by interrogating “ways of existence” and “ways of representation” of the Yemeni refugees who recently arrived in South Korea. Reflected here is the situation where refugees are treated as a kind of malware or virus threatening the nation-state’s immune system. Further scenes unfold biopolitical control as experienced by Petra and the Yemeni refugees in Korea.

Ayoung Kim (South Korea)

Eunhee Kim

Ayoung Kim saat ini tinggal dan bekerja di Seoul. Tertarik pada gagasan tentang penyeberangan, transmisi, transnasional, transposisi dan reversibilitas, ia mencari kemungkinan integrasi, artikulasi, dan tabrakan hal-hal di antara waktu, ruang, struktur, dan sintaksis. Ia telah menerima banyak penghargaan dan telah menghadirkan karyanya di berbagai helatan seni baik di Korea Selatan maupun di luar negeri. Ayoung Kim currently lives and works in Seoul. Interested in the notions of crossings, transmissions, transnationals, transpositions and reversibility, she seeks possible integrations, articulations, and collisions of things in between time, space, structure and syntax. She has received numerous awards and has shows her artworks in various art presentations both in Korea and abroad.

SPECIAL SCREENINGPENAYANGAN KHUSUS

PENAYANGAN KHUSUS 01

Catatan tentang AKADEMI ARKIPEL COLLECTIVE

Yuki Aditya

Akademi ARKIPEL adalah acara rutin tahunan yang diadakan oleh Forum Lenteng sebagai bagian dari penyelenggaraan festival filem ARKIPEL. Idenya ialah sebagai gabungan konsep belajar dan liburan di suatu tempat yang dilokalisir dengan membuka kesempatan bagi kawan-kawan dari seluruh Indonesia yang tertarik dengan medan perfileman di Indonesia.

Situasi pandemi COVID-19 sejak pertengahan awal tahun 2020 membuat kami memutar otak untuk tetap melangsungkannya sekaligus memperluas jangkauannnya.

Selama penyelenggaraan, 9 komunitas budaya dari berbagai daerah di Sumatera, Jawa, Kalimantan, Sulawesi, Nusa Tenggara, dan Papua terlibat dalam proses lokakarya yang berbentuk kelas-kelas diskusi sampai ke produksi.

Filem ‘Hari ini Belum Ada Kabar’ adalah filem yang dihasilkan setelah berlangsungnya diskusi intensif di antara narasumber dan partisipan selama hampir setengah tahun di paruh kedua tahun 2020. Rekaman-rekaman warga yang dikumpulkan dari 9 lokasi partisipan dimontase untuk bicara kabar-kabar yang tersebar antar pulau di Indonesia.

Filem ini barangkali adalah satu-satunya filem yang melibatkan proses kreatif dan penyutradaraan dari 40an orang. Situasi dan peristiwa sehari-hari di berbagai lokasi dalam rentang waktu bersamaan, dibingkai dalam naskah besar pandemi yang mencoba merefleksikan dan kritis terhadap situasi tersebut. Saling-silang korespondensi yang saling responsif mencari kabar, mewartakan, atau sekedar menyapa sembari terus menunggu ‘apa kabar baru hari ini?’

SPECIAL SCREENING 01

Notes on AKADEMI ARKIPEL COLLECTIVE

Akademi ARKIPEL is an annual event held by Forum Lenteng as part of the ARKIPEL film festival. The idea is to combine the concept of study and vacation in a localized place by opening opportunities for friends from all over Indonesia who are interested to talk and discuss about film and its surrounding issues.

The COVID-19 pandemic situation since the early 2020 has made us rack our brains to keep the Akademi ARKIPEL going while expanding its reach.

During the implementation, 9 cultural collectives from various regions in Sumatra, Java, Kalimantan, Sulawesi, Nusa Tenggara, and Papua were involved in the workshop process which took the form of discussion classes to production.

The film ‘No News for Today' is a film that was produced after intensive discussions between the facilitators and participants for almost half a year in the second half of 2020. The recordings of residents collected from 9 locations were arranged as a series of montages to talk about the recent situation at each location throughout Indonesia.

This film is probably the only film that involves the creative process and direction of around 40 people. It frames the situations and everyday events in various locations during the same time span under the grand narrative of the pandemic while trying to reflect and be critical about it. Responding to each other's correspondence, looking for news, reporting, or just saying hello while waiting for a sense of 'how are you doing today?'

HARI INI BELUM ADA KABAR

Country of production Indonesia Language Indonesian, Minangkabau, Kalimantan, Lombok, Papua, Javanese language Subtitles English

75 min 39 sec, stereo, HD, color, 2020

Filem ini merekam fragmen-fragmen peristiwa dari berbagai perspektif warga dengan aktitivitasnya masing-masing di 9 wilayah Indonesia selama pandemi. Persoalan pandemi dan penerapan protokol kesehatan merupakan tema yang paling banyak muncul di tiap lokasi, juga di belahan dunia lain. Keberadaan virus COVID-19 yang tak tampak di depan mata membuat sebagian warga melihatnya bukan sebagai acaman yang membahayakan. Cerita tiap-tiap lokasi lantas digabungkan menjadi puisi-puisi visual yang bisa saja saling berhubungan atau tidak berhubungan. Hal yang paling penting dari cerita filem ini adalah bagaimana secara kultural masyarakat menghadapi pandemi yang direkam menggunakan kamerakamera yang paling sederhana. This film records fragments of events from various perspectives of citizens with their respective activities in 9 regions of Indonesia during the pandemic. The pandemics and the application of health protocols are the most common theme appearing in each location, as well as in other parts of the world. The COVID-19 virus that is not visible to the eyes makes some people see it as not a dangerous threat. The stories of each location are then combined into a visual poetry that may or may not be related to each other. The most important thing about this film’s story is how culturally the community faces a pandemic and it is recorded using the simplest cameras.

Filem ini merupakan karya kolaborasi dari 9 kolektif yang diinisiasi oleh AKADEMI ARKIPEL. Akademi ini merupakan forum pertemuan dan belajar kolektif-kolektif dari berbagai wilayah Indonesia. Proyek produksi filem Hari ini Belum Ada Kabar merupakan sebuah respons terhadap situasi pandemi yang melanda dunia. Rekaman-rekaman sederhana dari berbagai kolektif ini merupakan cara kami melihat situasi sosial dan kultural di masa pandemi ini. Pandemi telah merubah cara kita melihat relasi-relasi sosial dan kultural, begitu juga dengan sinema. Model produksi yang berbeda seperti kolaborasi ini mungkin bisa menjadi alternatif dalam memproduksi konten-konten dokumenter dalam filem.

AKADEMI ARKIPEL COLLECTIVE AKADEMI ARKIPEL COLLECTIVE adalah sebuah kelompok yang diinisiasi oleh Forum Lenteng Jakarta. Collective ini merupakan bagian dari program AKADEMI ARKIPEL, sebuah pendidikan alternatif tentang media dan filem. Para partisipan AKADEMI ARKIPEL adalah anggota dari berbagai kolektif yang ada di berbagai pulau di Indonesia. Mereka disatukan dalam sebuah program produksi filem bersama secara daring tentang persoalan-persoalan lokal di sekitar mereka.

Partisipan Albert Rahman Putra M. Biahlil Badri Zekalver Muharam Biki Wabihamdika Galih Pramudito Mohammad Irvan, Muhammad Fahri Ramdansyah Don Juli Saputra Niskala H. Utami Dhanurendra Pandji Wahyu Budiman Dasta Panji Anggira Yogi Syahputra Ruziqu Tajri Zulafa Azmi Aunun Noor Glenn Byan Vandyka Cahyo Prayogo Choirul Arifin Dwi Cahya Jainal Arifin Robby Ocktavian Junisya Aurelita Andanya Dahri Dahlan Avuk Jemianto Muhammad Danstsyuri Fauzan Kurnia Muttaqin Sarah Adilah Taufigurrahman Kifu Ahmad Humaidi Alya Maolani Muhammad Sibawaihi Muhammad Rusli Oka Yonri S. Revolt Helena Kobogau Rendy Nur Rizal This film is a collaborative work of 9 collectives initiated by ARKIPEL AKADEMI. This academy is a forum for collectives from various parts of Indonesia to gather and learn. Today’s film production project No News For Today is a response to the pandemic situation that hits the world. These simple recordings from various collectives are our way of looking at the social and cultural situation during this pandemic. The pandemic has changed the way we view social and cultural relations, as well as cinema. Different production models such as this collaboration might be an alternative in producing documentary content in films.

AKADEMI ARKIPEL COLLECTIVE AKADEMI ARKIPEL COLLECTIVE is a group initiated by Forum Lenteng Jakarta. This collective is part of the ARKIPEL AKADEMI program, an alternative education about media and film. ARKIPEL AKADEMI participants are members of various collectives in various islands in Indonesia. They are brought together in a joint online film production program about local issues around them.

Participant Albert Rahman Putra M. Biahlil Badri Zekalver Muharam Biki Wabihamdika Galih Pramudito Mohammad Irvan, Muhammad Fahri Ramdansyah Don Juli Saputra Niskala H. Utami Dhanurendra Pandji Wahyu Budiman Dasta Panji Anggira Yogi Syahputra Ruziqu Tajri Zulafa Azmi Aunun Noor Glenn Byan Vandyka Cahyo Prayogo Choirul Arifin Dwi Cahya Jainal Arifin Robby Ocktavian Junisya Aurelita Andanya Dahri Dahlan Avuk Jemianto Muhammad Danstsyuri Fauzan Kurnia Muttaqin Sarah Adilah Taufigurrahman Kifu Ahmad Humaidi Alya Maolani Muhammad Sibawaihi Muhammad Rusli Oka Yonri S. Revolt Helena Kobogau Rendy Nur Rizal

PENAYANGAN KHUSUS 02

Refleksi Vertikal

Taufiqurrahman Kifu

Ketika saya merencanakan untuk membuat filem dengan format layar ‘berdiri’, hal- hal berikut menjadi pertimbangan saya. Pertama, logika mediumnya. Tentang konteks, dan metode produksinya. Misal praktik membingkai-merekam lanskap menggunakan kamera dengan orientasi vertikal, dibiasakan oleh User Interface dan fitur dari media sosial. Sebelum itu, saya pribadi lebih sering memiringkan handphone untuk membingkai. Ketika aplikasi berbagi video mulai populer, keberadaan ikon dan tata letaknya di layar melogikakan sekaligus membentuk orientasi akan cara memproduksi dan melihat peristiwa di layar ‘berdiri’.

Kedua, terkait percobaan untuk menemukan kemungkinan-kemungkinan bahasa visual dengan batasan dan tambahan ruang di dalam bingkai secara orientatif. Ketiga, konsekuensi dan bentuk distribusinya. Ketika menonton di layar, kesesuaiannya tentu bergantung pada jenis perangkat dan platform-nya. Juga ketika ia sedang diproyeksikan di layar ‘besar’. Misalnya, menonton di layar

laptop akan menghadirkan dua ruang hitam di sisi kiri dan kanan. Dan menonton di layar handphone akan memungkinkan kita merotasikan layar. Situasi ini bisa saja diartikulasikan sebagai wilayah eksperimentasi-nya, dalam konteks membicarakan sinema.

Di pengalaman saya mendengarkan impresi penonton tentang filem vertikal, ternyata situasi layar cukup memberikan ruang gangguan terhadap perhatian penonton akan unsur naratif dari filem. Daripada berusaha memahami cerita dari filemnya, perhatian mereka justru lebih tertuju pada bentuk filemnya. Ini akhirnya memicu percakapan tentang ruang bingkai, komposisi, dan impresi visual yang baru saja dialami.

Saya mengutip beberapa bacaan, pertanyaan, dan pernyataan dari penonton yang sempat saya rekam:

“Sempit dan melelahkan”

“Apa bedanya mengintip di lubang yang garisnya horizontal dan yang vertikal?”

“Vertikal membuat jarak yang lebih jauh terlihat”

“Saya penasaran apa yang terjadi di ruang kiri dan kanan itu”

“Mata kita kan kiri dan kanan ya, bukan atas dan bawah”

“Kalau bisa miringkan layar handphone, kepala kan juga bisa dimiringkan”

“Lebih intim dan personal”

“Ini shooting pakai handphone atau ‘kamera’ ?

“Kenapa vertikal?”

“Ini ceritanya dulu yang jadi atau gambarnya?”

“Walaupun saya terbiasa dengan layar vertikal, rasanya masih asing menonton filem vertikal”

“Atas, bawah”

“Ini lebih bagus ditonton di handphone atau di layar besar?”

“Gerakan mata naik turun”

Ini adalah sebagian tanggapan oleh penonton ketika saya hadir di penayangan dan diskusi film ROTASI (2021) di Palu, Makassar, dan di Solok, tahun 2021.

Sebagai penonton, filem vertikal bagi saya tidak semenarik filem horizontal. Tetapi kehadirannya perlu untuk melihat kembali bagaimana kerja-kerja layar dalam membentuk imajinasi peristiwa, dengan memperhatikan konteks perkembangan teknologi layar. Ia bisa saja hanya berperan sebagai tawaran artistik untuk mendiskusikan hal yang lebih luas dan bukan sebagai karya yang benar-benar selesai.

SPECIAL SCREENING 02

Reflection on Vertical

Taufiqurrahman Kifu

When I was planning to make a film in an upright screen format, there are some things to be considered. First, the logic of the medium. On its context and production method. For example, the practice of framing-capturing the landscape through a vertical-oriented camera is conditioned by the User Interface and features of social media. Before, I personally prefer to tilt my phone when framing. After video-sharing apps became popular, the presence of its icons and layouts on the screen forms a certain logic and orientation on how to produce and view an event on a ‘standing’ screen.

Second, on the experiments to find possibilities of visual language and its limitation, and to find additional space within the frame in the manner of orientation. Third, consequences and forms of distribution. When watching on a screen, we adapt according to the type of hardware and its platforms, also when it is projected on a ‘big’ screen. For example, watching [a vertical film] on a laptop

screen conjures two black spaces on the left and right of the screen. While watching on a screen of a mobile phone enables us to rotate the screen. This situation can be articulated as a realm of experimentation in the context of cinema.

According to my experience of listening to the impressions of the audience of vertical films, the screen situation presents a space of distraction to their attention of the narrative aspects of the film. Rather than trying to understand the story of the film, their attention was instead directed to the form of the film. This triggers a series of conversations on frame space, composition, and visual impression they have experienced during the film.

I quote some readings, questions, and statements from the audience that I have recorded:

“Narrow and tiring.”

“What is the difference between peeking in a horizontal-shaped hole and a vertical-shaped one?”

“Vertical position creates a more apparent distance.”

“I’m curious of what happens in the space on the left and right.”

“Our eyes are positioned left and right, not up and down.”

“If we can tilt our phone screen, we can also tilt our head.”

“More intimate and personal.”

“Do you shoot this with a phone or a ‘camera’?”

“Why vertical?”

“Which one was thought out first, the story or the image?”

“Even though I’m used to vertical screens, it still feels strange to watch a vertical film.”

“Up, down.”

“Is it better to watch it on a phone or a big screen?”

“Eyes move up and down.”

These are just few responses from the audiences in screenings and discussions of ROTASI (2021) in Palu, Makassar, and Solok in 2021.

As an audience, for me vertical films are not as interesting as horizontal films. But its presence is important to re-examine the works of the screen in forming an imagination of an event, while considering the context of development of screen technology. It may only stand as an artistic proposition to discuss bigger things, not as a final work.

Country of production Indonesia Language Indonesian, Banjar language Subtitles English 19 min 17 sec, stereo, digital video, color, 1080x1920 (vertical), 2021

HANTU BANYU

Filem ini memotret hubungan sosial (dan mungkin ekologis) antara sungai dan warga yg dijembatani oleh mitos Hantu Air. Kehadiran ruang-ruang gelap dan kolase cerita anonim warga memantik imajinasi penonton tentang bagaimana mitos bekerja.

This film portrays the social (and possibly ecological) relationship between the river and the people who are bridged by the Water Ghost myth. The presence of dark spaces and collages of anonymous stories from residents sparks the audience’s imagination about how myths work.

Theo Nugraha (Indonesia)

Theo Nugraha adalah seorang seniman bunyi dari Samarinda. Diskografinya berisi hampir 200 rilisan. Dia adalah co-founder dari EXTENDED ASIA, co-diketur artistik MUARASUARA, dan co-curator Museum Kota Samarinda. Theo saat ini berpartisipasi dalam grup visual eksperimental Milisifilem Collective, seni pertunjukan di 69 Performance Club, dan merupakan editor EXT.ASI.PLAY (play.extended.asia). Theo Nugraha is a sound artist from Samarinda. His discography contains almost 200 releases. He is the co-founder of EXTENDED ASIA, co-artistic director of MUARASUARA, and the co-curator for the Kota Samarinda Museum. Theo is currently participating in an experimental visual group Milisifilem Collective, performance art at 69 Performance Club, and is the editor of the EXT.ASI. PLAY (play.extended.asia).

Country of production Indonesia Language Indonesian and Sasak language Subtitles 10 min 1 sec, stereo, digital video, color, 1080x1920 (vertical), 2020

JUST REMIND

Melalui rekaman screen recorder sebuah telepon pintar, situasi upaya penanganan dan pencegahan COVID-19 di wilayah Pemenang Barat tertangkap dalam kamera, berkelindan bersama hiruk pikuk komunikasi si perekam pada aplikasiaplikasi pesan dan telepon pintarnya. Dari perekaman ini, situasi sosial pun dimontasekan bersama dengan tentang bagaimana sistem sebuah telepon genggam bekerja.

Through the recording of a screen recorder from a smartphone, the situation of the COVID-19 handling and prevention efforts in the West Pemenang area was caught on camera, intertwined with the recorder’s frenzied communication on messaging applications and smartphones. From this recording, social situations are montage along with how a mobile phone system works.

Ahmad Humaidi (Indonesia)

Ahmad Humaidi (Sesela Kebun Indah, 1995) menyelesaikan studi di jurusan Komunikasi Penyiaran Islam di UIN Mataram. Pernah menjadi fasilitator di beberapa kegitan lokakarya literasi media, membuat karya seni video, belajar experimentasi visual di Milisifilem Collective dan sekarang aktif di Yayasan Pasirputih sebagai koordinator program Kelas Wah (Diskusi Forum). Ahmad Humaidi (Sesela Kebun Indah, 1995) completed his studies in the Islamic Broadcasting Communication study at UIN Mataram. He has been a facilitator in several media literacy workshops, made video art, studied visual experimentation at the Milisifilem Collective, and is now active at the Pasirputih Foundation as the coordinator of the Kelas Wah program (Discussion Forum).

Country of production Indonesia Language Indonesian language Subtitles 9 min 21 sec, stereo, digital video, BW, 1080x1920 (vertical), 2020

24M2

24M2 merupakan filem yang diproduksi bersama Milisifilem, sebuah grup belajar visual. Film ini menjelajah bahasa visual smartphone yaitu format vertikal. Kamera smartphone mendokumentasikan kehidupan karantina selama pandemi. Membenturkan dua ruang yang berbeda yaitu ruang kamar dengan ruang virtual. Kehadiran objek dan kegiatan pembuat filem diatur dengan ritme repetitif, yang mencerminkan hidup yang terkurung dan membosankan. Pengamatan menjadi hyper-alert terhadap sekeliling. Bahasa visual vertikal menjadi bahasa yang tepat Ketika ia mampu memperjelas himpitan ruang jelajah gerak. Ia menjadi bahasa umum yang merefleksikan pergerakan badan visual yang baru. 24M2 is a short film produced with Milisifilem, a collective that studies visuals. This film experiments with a vertical format as part of smartphone’s visual language and explores the possibility of new sensory visual language. The filmmaker uses a smartphone to document a pandemic isolation and compare two different spaces: physical and virtual space. The rhythm shows her activities that are repetitive, reflecting the isolation and boredom. Observation makes the filmmaker hyper-alert to surroundings.A vertical format is a visual language that could emphasize the limited line of sight and activities. It becomes an everyday language that reflects a new kind of body and visual movement.

Valencia Winata (Indonesia)

Valencia Winata (Medan, 1992) adalah peneliti, penulis esai filem, dan penerjemah lepas. Ia belajar membuat filem di Nanyang Academy of Fine Arts, Singapura. Kemudian ia melanjutkan studi Kajian Filem di University of East Anglia, Inggris. Tahun 2019, ia bergabung dengan Milisifilem Collective. Sekarang ia sibuk belajar tentang User Experience Design. Valencia Winata (Medan, 1992) is a researcher, film essayist, and freelance translator. She studied film production in Nanyang Academy of Fine Arts, Singapore. She continued her studies in Film Studies in University of East Anglia, UK. In 2019, she joined Milisifilem Collective. Currently, she is educating herself on User Experience Design.

Country of production Indonesia Language Subtitles 9 min 49 sec, stereo, digital video, color, 1080x1920 (vertical), 2021

ROTASI

Pada suatu sore, di suatu tempat, seorang anak basket yang bosan memasuki tanah kosong di tengah kota. Setiap tanah kosong adalah ‘milik mereka’. Dia memutar tubuhnya, tetapi kemudian dia tidak sendirian.

In one afternoon, at some place, a basketball boy who is bored entering an empty land in the middle of a city. Every empty land is ‘theirs’. He rotates his body, but then he is not alone.

Taufiqurrahman Kifu (Indonesia)

Ahmad Humaidi (Sesela Kebun Indah, 1995) menyelesaikan studi di jurusan Komunikasi Penyiaran Islam di UIN Mataram. Pernah menjadi fasilitator di beberapa kegitan lokakarya literasi media, membuat karya seni video, belajar experimentasi visual di Milisifilem Collective dan sekarang aktif di Yayasan Pasirputih sebagai koordinator program Kelas Wah (Diskusi Forum). Ahmad Humaidi (Sesela Kebun Indah, 1995) completed his studies in the Islamic Broadcasting Communication study at UIN Mataram. He has been a facilitator in several media literacy workshops, made video art, studied visual experimentation at the Milisifilem Collective, and is now active at the Pasirputih Foundation as the coordinator of the Kelas Wah program (Discussion Forum).

PENAYANGAN KHUSUS 03

Catatan tentang Om Pius

Mahardika Yudha

Menerjemahkan kenyataan dalam mimpi ataupun menerjemahkan mimpi pada kenyataan adalah peristiwa filemis yang telah berlangsung sejak lama di dalam sejarah sinema. Bahasa sinema yang memiliki peluang untuk menghadirkan halhal yang tidak dapat kita tangkap dalam kehidupan sehari-hari [reality], telah membuka berbagai kemungkinan permainan bahasa sinema untuk menghadirkan ‘yang nyata’ [the real]. Bagaimana peristiwa-peristiwa sederhana dan terjadi sehari-hari dibongkar hingga memunculkan berbagai macam spekulasi argumen persoalan sosial yang kita alami. Melalui filem ini, kami mencoba untuk menghadirkan ‘yang nyata’ [the real] melalui ‘kenyataan’ [reality] dari kehidupan sehari-hari Om Pius.

Bagaimana membicarakan sejarah dan dampak dari pengalaman sejarah kekerasan bagi masyarakat Papua yang terjadi sejak masa kolonial Belanda hingga sekarang? Pertanyaan tersebut adalah suatu pertanyaan besar yang ingin kami pecahkan. Bagaimana kami dapat menghadirkan sudut pandang yang lain dalam melihat persoalan tersebut yang telah menjadi kehidupan sehari-hari masyarakat Papua, menjadi ingatan bersama. Seringkali ketika membicarakan Papua, pembahasan hanyalah dari sudut pandang tentang kemiskinan dan kebodohan, persoalan kekayaan alam dan eksotisme, kehidupan tradisional dan primitif. Sudut pandang dalam melihat percepatan dan kegagalan modernisasi di Papua seringkali justru hanya menempatkan masyarakat Papua sebagai objek.

Lalu, apakah tidak ada cara narasi lain untuk memaparkan kegagalan modernisasi di Papua yang telah terjadi sejak modernisasi itu masuk ke Papua di masa kolonial Belanda hingga ketika Papua menjadi bagian dari Indonesia? Bagaimana kami dapat menghadirkan sudut pandang yang lain dalam melihat persoalan itu yang telah menjadi kehidupan sehari-hari masyarakat Papua?

Dengan menggunakan mimpi dan undian, kami mencoba untuk bermainmain pada ranah sudut pandang stereotipe dan mencari kemungkinan lain di dalam menghadirkan masyarakat Papua di dalam filem. Filem ini adalah kerja kolaboratif yang mencoba menghadirkan hubungan dan dialog sudut pandang di antara kami dalam melihat masyarakat Papua.

SPECIAL SCREENING 03

Notes on Om Pius

Mahardika Yudha

Translating reality into dreams or translating dreams into reality is a filmic statement that has been going on since the birth of cinema. Cinema has the possibility to present things that we cannot capture in daily life [reality] and has opened various possibilities through experimenting with its language to present ‘the real.’ How simple events occur every day are dismantled to bring up various kinds of speculation about social problems that we experience. Through this film, we try to showcase ‘the real’ through ‘reality’ from the daily life of Uncle Pius.

How to discuss history and the impact of the experience of the history of violence for the Papuan people that has occurred since the Dutch colonial period hitherto? That is one big question that we all want to solve. How we can present other perspectives in seeing that problem which has become the daily life of Papuans and becoming shared memories. When talking about Papua, it is often only from the point of view of poverty and inequality in education, the issues of natural resources and exoticism, traditional and primitive life. The perspective of just seeing the acceleration and failure of modernization in Papua often puts the Papuans as merely objects.

Then, is there no other narrative to explain the failure of modernization in Papua since it arrived during the Dutch colonial period, up to the period when Papua became part of Indonesia? How we can present other perspectives in seeing those problems which have become the daily life of the people of Papua?

By mish-mashing dreams and lotteries, we try to play in the realm of stereotyping and look for other possibilities in presenting Papuan society in the film. This film is a collaborative work that tries to present a relationship and dialogue between us in viewing Papuan society.

OM PIUS, “INI RUMAH SAYA, COME THE SLEEPING…”

Country of production Indonesia Language Indonesian language Subtitles English 79 min, stereo, digital video, color, 2019

Om Pius adalah warga asli Papua dari pegunungan Keerom yang telah menetap dan hidup bersama masyarakat dari beragam etnis di daerah pesisir, Sentani, Jayapura, sejak pasca Pepera (Penentuan Pendapat Rakyat) di tahun 70-an. Selama lebih dari 30 tahun, ia menjalani hidup sebagai ‘orang gunung’ yang hidup dengan kultur pantai. Sejarah perpindahan penduduk, kekerasan di Papua, kekayaan alam, kerinduan akan tanah kelahiran, romantisme masa lalu, perang, harapan, dan mimpi, menjadi kisah hidup Om Pius yang ia manifestasikannya melalui undian. Om Pius is a native Papuan from the Keerom mountains who has been living and residing with communities of various ethnicities in the coastal area of Sentani, Jayapura, since the post-Act of Free Choice in the 70s. For more than 30 years, he has been a ‘mountain man’ living with a coastal culture. The history of population displacement, violence in Papua, natural wealth, longing for the homeland, romantic past, war, hopes, and dreams, are the life stories of Om Pius which he manifests through the lottery.

Halaman Papua (Indonesia)

Halaman Papua merupakan platform yang menghasilkan karya di berbagai media sebagai sarana komunikasi untuk membahas isu dan masyarakat di Papua, salah satunya melalui filem. Halaman Papua digagas oleh Forum Lenteng pada tahun 2013. Diprakarsai sebagai kerja sama dengan kolektif dari Sentani, Kota Jayapura, Wamena, dan Timika, yang berfokus pada masalah kesehatan dan layanan kesehatan masyarakat di Papua, platform ini kemudian dikembangkan untuk mencakup diskusi yang lebih luas tentang isu-isu sosial seputar masyarakat di Papua dengan menggunakan berbagai media, serta pendekatan distribusi informasi menggunakan teknologi analog dan digital. Halaman Papua is a platform that produces work in various media as a communication tool for discussing issues and society in Papua, one of which is using films. Halaman Papua was initiated by Forum Lenteng in 2013. Initiated as a collaborative work with collectives from Sentani, Kota Jayapura, Wamena, and Timika, focused on health issues and public health services in Papua, this platform was later developed to include broader discussion on social issues about society in Papua using a variety of media, along with a distribution of information approach using both analog and digital technology.

PENAYANGAN KHUSUS 04

Undangan ke Beranda Dolorosa

Hafiz Rancajale

Dolorosa Sinaga, 68 tahun, seorang pematung, berada di studionya berlumuran tanah liat, membuat cetakan, dan memijat-mijat bahan untuk karyanya yang sedang dalam pengerjaan. Tekstur yang ia buat merefleksikan pengetahuannya yang mendalam akan anatomi tubuh manusia. Tubuh-tubuh patungnya bersinggungan dengan keterlibatannya dalam aktivisme menentang ketidakadilan sepanjang sejarah Indonesia. Dolorosa berkata “Sudah melekat di kepala saya bahwa tubuh sebagai jembatan statement dari mereka yang harus dibela.” Dari teras rumahnya, Beranda Rakyat Garuda, anak-anak muda berdiskusi mengenai keadaan sosial politik hari ini, bahkan turut melahirkan reaksi berantai yang menumbangkan Orde Baru pada tahun 1998 di Indonesia. Sebagai seorang guru, ia menanamkan semangat aktivisme pada murid-muridnya, melahirkan generasi seniman kritis dan aktif terlibat dalam perlawanan.

DOLO: Sebuah Pernyataan Sutradara

Saya mengenal Dolorosa Sinaga sejak awal 90an, mulai dari sebagai mahasiswanya, koleganya, hingga menguratorinya dalam pameran seni. Bagi saya, menjadi tantangan tersendiri untuk memfilemkan sosok Dolorosa yang dalam praktik artistik dan kesehariannya menubuhkan tema besar seperti kemanusiaan, perlawanan terhadap ketidakadilan, dan opresi gender. Pasalnya, pendekatan filem yang dilakukan Forum Lenteng adalah berangkat dari lingkungan sosial paling dekat dan tema paling lokal, seraya membedah keterkaitannya dengan tema besar itu. Oleh karena itu, saya mencoba untuk mendadar Dolorosa dari hal yang paling dekat dengan saya, yaitu lingkaran pertemanan kami yang sudah ada selama hampir 30 tahun.

Pertemuan dengan kawan-kawan memantik nostalgia tentunya, namun jarak waktu yang telah berlalu mengundang bacaan yang lebih reflektif dan tidak jarang juga kritis mengenai apa yang telah dulu kami lakukan bersama-sama. Lewat Diskusi Bulan Purnama, kami bertemu dan berdiskusi mengenai keadaan genting kala itu. Dolorosa dan Ardjuna sebagai fasilitator dalam pembicaraanpembicaraan itu menjadi orang tua bagi para aktivis muda yang menyadari ketidakberesan itu. Hari ini, Dolorosa dan Ardjuna pun masih menjalankan perannya sebagaimana dulu pada kami dari tempat yang sama, berandanya.

Maka, menjadi pilihan yang logis bagi saya untuk mendekonstruksi beranda Dolorosa dan Ardjuna untuk melihat bagaimana ide ‘anak-anak spiritual’ Dolorosa dan Ardjuna memiliki benang merah tertentu. Saya, sebagai salah satu dari ‘anakanak spiritual’ itu, masih belum selesai dengan beranda tersebut, terlebih lagi dengan letaknya yang bersebelahan dengan Studio Somalaing, di mana Dolorosa mematerialisasikan keberpihakannya pada narasi-narasi kecil dari mereka yang teropresi.

Layaknya pendekatan Dolorosa terhadap patung-patungnya yang kecil, bertubuh ringkih dan menampakkan tekstur jemari Dolorosa, saya mencoba untuk menghadirkan obrolan-obrolan kecil dengan kawan-kawan. Sempat muncul pertanyaan mengenai hal signifikan apa yang harus dibicarakan untuk filem ini, saya yang percaya pada medium sinema menjawab, dalam filem sesuatu yang kecil akan menjadi signifikan. Setidaknya itu yang saya tawarkan pada penonton untuk masuk ke beranda Dolorosa dan melihat keluar dari dalam situ.

Spektrum Hitam, Putih, dan Abu-abu

Filem dokumenter feature DOLO dibuat dengan teknik hitam-putih. Pilihan artistik ini mengacu pada penekanan pada permainan bidang, volume, dan tekstur yang dominan dalam karya-karya patung Dolorosa. Tekstur patung Dolo dengan pijatan jari-jarinya yang kentara membuat filem ini juga turut berbicara mengenai tekstur perjalanan aktivisme sosial-politik di Indonesia yang tidak pernah mulus. Saya memilih pendekatan black and white untuk filem ini untuk membaca tekstur tersebut, baik secara literal dalam studio dan patung-patungnya, maupun secara figuratif. Selain footage Dolorosa merefleksikan praktik berkaryanya, kita juga melihat kesaksian anak-anak ‘spiritual’ juga kawan-kawan Dolorosa yang terdiri dari penulis, aktivis, seniman, terkait bagaimana habitus Dolorosa membuka jalan bagi gugatan-gugatan pada ketidakadilan. Pada akhirnya, filem DOLO ini bukanlah sebuah filem biografi an sich, tapi sebuah kesaksian di mana kita dapat masuk dan berefleksi tentang bagaimana seni beririsan dengan aktivisme dan bagaimana kita dapat menavigasikan kompleksitas isu kemanusiaan di Indonesia.

SPECIAL SCREENING 04

An Invitation to Dolorosa’s Veranda

Hafiz Rancajale

68-years old Dolorosa Sinaga, a sculptor, is smeared with clay in her studio, making molds and kneading the material for her work in progress. The texture she forms reflecting her deep-rooted knowledge of human anatomy. The bodies she sculpts intersect with her involvement in movements against injustice throughout the history of Indonesia. As she said, “An idea has always stuck in my mind, of bodies as a statement to bridge the ones who must be defended.” From her veranda, Beranda Rakyat Garuda, young people get together and discuss the current socio-political condition, leading to a chain reaction that took down the New Order in Indonesia in 1998. As an educator, she cultivates a spirit of activism in her students, giving birth to a generation of critical artists actively involved in the resistance.

DOLO: A Director’s Statement

I came to know Dolorosa Sinaga in the early ‘90s, as her student, colleague, and later on as her curator in one of her exhibitions. It is quite a challenge for me to capture her figure, who always embodies humanity's themes, resistance against injustice, and gender oppression in her artistic practices and everyday life. While Forum Lenteng’s approach to filmmaking starts from the nearest social environment and local themes and then dissects its relation to the larger narrative. So, I started to examine her from the most intimate thing: our circle of friendship that has been going on for almost thirty years.

Meeting our friends has indeed invoked a nostalgic feeling. However, a temporal distance invites a reflective and often critical reading about the things we have been through together as well. There was Diskusi Bulan Purnama (Full Moon Discussion), in which we met and discussed our conditions during the precarious times. Dolorosa and Ardjuna, as the facilitators in those discussions, also became the parents of the young activists who noticed these problems. Today, they still fulfill their role in the same place, their veranda.

It becomes a logical choice for me to deconstruct Dolorosa-Ardjuna’s veranda to look closer at the ideas of their ‘spiritual children’ and the red thread connecting them. As one of the ‘spiritual childrens’, I am not yet done with the veranda, especially when it’s located next to Studio Somalaing where Dolorosa materialized her alignments with the undercurrent narratives of the oppressed.

Similar to her approach with her sculpture and their fragile bodies, imprinted with her fingers' texture, I also wanted to present the small talks with our friends. There was a question on the significant thing to talk about in this film. But I believe in the medium of cinema, and my answer was, a film brings out the significance within small things. At least, this is what I offer to the audience, to step into Dolorosa’s veranda and to look outwards from it.