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SUMARIO
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La fotografía en blanco y negro /Reportaje/ 4 « Henri Cartier-Bresson /Entrevista/ 6 « El mundo del flash /Columna/ 15 « ¡Defiendan el valor de la fotografía! /Editorial/ 24« Crónicas de Japón /Crónica/ 29 « Sony RX100 “Mark II” /Reseña/ 33 « La fotografía como obra de arte /Artículo/ 34 «
LA FOTOGRAFÍA EN BLANCO Y NEGRO
La fotografía en
BLANCO Y NEGRO
UN AUTENTICO MUNDO PARA EXPLORAR
El blanco y negro no tiene su origen en la fotografía, ya que la mayoría de bocetos, dibujos, y grabados, han sido realizados a lo largo de la historia sin color, directamente un pigmento sobre una base. La fotografía en blanco y negro se caracteriza por la ausencia de colorido, debido a su naturaleza química, que se compone de haluros de plata. En un primer paso, la película se expone a una determinada cantidad de luz en una cámara oscura o fotográfica, con lo que se obtiene una imagen latente que aún no se puede ver. Se revela con líquidos especiales, y puede }pasarse por un baño de paro, con lo que se obtiene la imagen. Por último, la fijación de
la imagen, para que sea químicamente estable y no reaccione ante la luz ni ante otros agentes exteriores. Muchas formas de tecnología visual se han desarrollado inicialmente en blanco y negro y han evolucionado paulatinamente para incluir color. Se usa la expresión blanco y negro, aun cuando en ocasiones las tecnologías visuales en cuestión incluyen varios matices de gris, además del blanco y el negro, o cuando se utiliza blanco y matices de un solo color, como el sepia.
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LA FOTOGRAFÍA EN BLANCO Y NEGRO
Al contar con tecnología para hacer imágenes en color, la fotografía en blanco y negro se continúa debido a diferentes cualidades que sólo ella ofrece, sobre todo el hecho de que la ausencia de color permite al espectador concentrarse en la forma y relación de lo fotografiado, sin tomar en cuenta los colores de los objetos.
Fotografìa hecha por William Klane donde se logra notar el uso del “fotoreportaje”
LA FOTOGRAFÍA EN BLANCO Y NEGRO
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LA FOTOGRAFÍA EN BLANCO Y NEGRO
A
pesar de que se usa en la actualidad fotos a color, fotografías digitales y muchos programas para el montaje (como Photoshop), todavía se sigue usando la fotografía en blanco y negro, aunque con menor frecuencia. Algunas de las razones son para obtener buenos resultados, aunque el revelado de la película y el tiraje de las copias lo debe hacer el mismo fotógrafo. Eso se deba a que los laboratorios están automatizados y el blanco y negro requiere un cuidado especial, muy personal. Por eso es importante enumerar las características de la fotografía en blanco y negro para conocer mejor sus diferenciar de la fotografía a color:
Se le da prioridad al objeto, ya que gracias a esta técnica se pueden observar mejor los detalles como volumen, luces, sombras, textura, profundidad, entre otros. En cambio, si fuese a color, estos detalles no se podrían observar con mejor claridad porque los que más resalta es el color mismo. Brinda más posibilidades que el color para que el fotógrafo haga su propia interpretación de la realidad. A partir del mismo negativo, el fotógrafo puede obtener imágenes muy distintas desde el punto de vista expresivo. Ofrece más posibilidades de intervención que el color. La fotografía se hace en dos etapas, la toma y la fase de revelado y tiraje. Por eso se omprende que en la actualidad los aficionados y los auténticos artistas de la fotografía suelan preferir el blanco y negro.
HENRI CARTIER-BRESSON
Una entrevista de 1954 con
HENRI
CARTIER-BRESSON P
ara mí, la fotografía es el reconocimiento simultáneo en una fracción de segundo del significado de un evento y la organización de las formas que le dan su propio carácter. Creo que para una vida activa, el descubrimiento de uno mismo se hace simultáneamente con el descubrimiento del mundo a nuestro alrededor, cómo éste nos moldea, y al mismo tiempo cómo también nosotros podemos influir en él. Debe de haber un equilibrio entre estos dos mundos: el interior, y el que está fuera de nosotros. Como resultado de una influencia recíproca, estos dos mundos llegan a formar uno sólo. Y ése es el mundo que debemos transmitir. Pero esto, sólo concierne al contenido de la foto. Para mí, el contenido no se puede separar de la forma. Por forma, me refiero a una rigurosa organización geométrica de la interacción de las superficies, lineas y valores. Es sólo en esa organización donde nuestros conceptos y emociones se vuelven concretos y comunicables. En fotografía, la organización visual procede únicamente de un instinto desarrollado. Antes que nada, me gustaría decir que es una regla que me he impuesto a mí mismo, un poco de disciplina, pero no es una norma. Es muy personal. Creo que no podemos diferenciar lo que queremos decir de la forma de decirlo.
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La fotografía es un proceso mental. Tenemos que tener claro qué es lo que queremos decir. Nuestras concepciones, lo que pensamos de una situación específica, un problema concreto. La fotografía es una forma de escribirlo, de dibujarlo, de hacer bocetos de ello. Y básicamente esto se nos ofrece en la vida diaria. Tenemos que estar alerta y escoger un momento significativo. Es intuición. Es instinto. No sabemos porqué disparamos en un momento concreto. Viene, está ahí, se nos ofrece. Tómalo. Todo está ahí, es una cuestión del azar, pero tienes que elegir y obligar a las oportunidades a venir a ti. La parte creativa de la fotografía es muy pequeña.
Un pintor se puede recrear, un escritor también, pero a nosotros se nos da, tenemos que escoger el momento, el instante decisivo, está ahí. Cuando empecé con la fotografía en 1930 había muy pocas revistas de fotos, no había mercado. Y yo hacía fotos de aquello que me impresionaba, que me interesaba. Llevaba una especie de diario. Y sigo llevando un diario fotográfico. Y luego, empezaron las revistas y había trabajo en ellas. Tienes que trabajar para ti mismo, para expresarte. Con las revistas, estás en contacto con los sucesos importantes que ocurren en el mundo y tienes la posibilidad de hablar para un gran público.
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¿Y afecta de alguna manera a su forma de enfrentarse a una historia el hecho de que sea para el gran público? ¿O sigue manteniendo sus propios preceptos, sigue siendo la misma intuición?
Es la misma intuición. Tienes que saber qué margen tienes para contar la historia para la revista pero no deberías trabajar para una revista, deberías hacerlo para ti mismo y para la historia.
Está claro que estás comunicando. Por ejemplo, has hecho muchos ensayos fotográficos en distintos países. ¿Cuando llegas a un país, vives allí durante un tiempo? ¿Intentas sentir el…? No puedes apresurarte. Lleva un tiempo entender, tener el sentimiento de un lugar. Tienes una idea general de un país, pero cuando llegas, te das cuenta de tus ideas preconcebidas son erróneas, así que no debes forzar esas ideas que tenías. La realidad habla, así como tus impresiones. Es muy importante, la primera idea debe ser muy fresca, como la primera vez que ves la cara de alguien, tienes una impresión. Quizás más adelante te des cuenta de que estabas equivocado porque no te habías dado cuenta de algo en concreto, una sonrisa, algo… Y lo mismo ocurre con un país.
¿Nos puedes poner un ejemplo? Por ejemplo, tu trabajo en India, sobre donde en Occidente tenemos una idea muy exótica. ¿Cambió esa idea cuando llegaste y afectó a tu trabajo y a la forma de acercarte a la gente? Es algo que te viene de dentro poco a poco, no ocurre de repente. Tienes que vivir allí, conocer a la gente, entablar relaciones. Tienes que estar al mismo nivel que la gente. no puedes llegar juzgando, tienes que acercarte a la gente, ser amable.Te tiene que gustar la gente. Puedes expresar todo lo que sientes, puedes estar horrorizado, de buen humor,… Puedes expresar todos los sentimientos.
Supongo que todo está en tu actitud, que te muestra qué elegir. ¿Haces muchas fotos, por ejemplo de un tema o esperas para… Depende, no hay una regla. Tienes que ser sutil y flexible al mismo tiempo. Encajar exactamente. Eres conocido por no reencuadrar tus fotos ¿quieres decir algo al respecto? ¿Sobre reencuadrar? Tienes que tener sentido de la geometría y de la relación de las formas como en cualquier medio plástico.Creo que te posicionas en un momento, luchamos en el tiempo y el espacio. Del mismo modo que escoges el momento exacto, también escoges el sitio correcto.
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Bueno, supongo que volvemos a la intuición. Tiene que tenerla… Sí. Y la técnica, la técnica no es nada abstracto, No puedes evadirla. La técnica tiene que ser algo que te ayude a expresar lo que quieres. Tienes que dominar tu método, conocer tus herramientas para decir lo que tengas que decir. Tienes que conocer tus objetivos, pero no es difícil. Se aprende muy rápido. Es como el mecanógrafo que no debe mirar al teclado, y así teclea. Pero luego, cuando sabe cómo teclear, sólo se preocupa por lo que tiene que decir. Es lo mismo. Un cocinero no pesa la sal para saber cuánta tiene que poner en una tarta. La sal que pone sirve para realzar el azúcar. Es intuición, es instinto, y es lo mismo.
Supongo que eso se puede aplicar a todas las formas de expresión, la técnica debe ser completamente asimilada. Así lo creo. sí. Por ejemplo, tú como fotógrafo, básicamente, lo que querrás hacer es comunicar, como cualquier artista en cualquier campo. Sí, la comunicación ha sido algo muy importante. Quieres dar algo y saber que es bien recibido. No es reconocimiento. El éxito es peligroso, puede afectarte. ¿En qué sentido? El éxito es tan injusto como el fracaso. Lo que es importante (se transforma en reconocimiento) Quieres dar algo y saber que alguien lo acepta. De hecho, cuando quieres a alguien, no te va a rechazar, acepta tu amor. Y para mí eso es comunicación. Dar algo que es…
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Dar algo y ser correspondido. Sí. No es reconocimiento. ¿Puedes hablar algo más sobre los aspectos técnicos de la fotografía? No necesitamos un gran equipo. Prácticamente trabajo todo el tiempo con un 50 mm, un objetivo muy luminoso porque nunca sé si voy a estar en una habitación oscura haciendo una foto ahora o fuera a plena luz del día en un momento. Así que… Las cámaras compactas son importantes. Las pequeñas. Son muy importantes. La gente apenas de da cuenta de que estás ahí.
En los viejos tiempos, tenían placas de colodión y todo eso… Creo que con un 50mm puedes cubrir muchas cosas. A veces, especialmente para paisajes, necesitas un 90mm porque elimina todo el primer plano que no suele ser tan interesante. Pero esto no lo decides de antemano… Voy a trabajar con esta lente… No. Depende del tema. El tema te guía. El encuadre es tanto el reconocimiento de un orden geométrico, como el tema. Es una pregunta que a veces hace la gente. ¿Cuál es tu foto favorita? Y tengo que decir que la fotografía importante es la próxima que vas a tomar. No somos comisarios de nuestro trabajo. Lo importante es el siguiente trabajo. La fotografía es una forma de vida. Para mí, mi cámara es una extensión de mi ojo. La llevo siempre conmigo.
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EL MUNDO DEL FLASH
Conoce
El mundo del flash
DIEZ COSAS QUE DEBERÍAS SABER
¿Qué es lo que se necesita saber de tal o cual cosa para comenzar a entenderlo y tener una buena base? -Ya sabes que en BOKEH de vez en cuando nos gusta repasar y atender y por esa razón vamos a ver diez cosas que deberías saber de un flash.
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odos sabemos, lo que es un flash. Es un dispositivo electrónico que nos permite generar luz artificial de forma controlada y en base a una serie de parámetros que podemos utilizar conjuntamente con nuestra cámara. En lo que se refiere al artículo de hoy nos centraremos en los más conocidos como flashes de mano, flashes externos o de antorcha. Todo flash externo o flash de mano se compone principalmente de tres elementos que son:
Antorcha: La antorcha se sitúa en la parte superior
del flash albergando el llamado tubo de destello que cuando es activado el flash emite una descarga gaseosa (Xenon) de luz blanca. Por luz blanca se entiende que es la emitida a una temperatura de color de 5600ºK. Cuanto mejor sea el flash más se ajustará a dicha temperatura. La luz que produre es una luz dura y direccional además de ser poco calórica lo que permite que se puedan realizar muchos destellos durante la vida del flash. A pesar de ser una luz que produce calor, en determinadas ocasiones, puede producirse un sobrecalentamiento, por lo que ya muchos flashes incorporan un termostato que bloquea el flash en caso de superarse la temperatura límite establecida.
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Generador: Podríamos decir que es
la placa base o conjunto de circuitos electrónicos que controlan y comunican con la antorcha. Alberga un condensador que acumula la energía procedente de las baterías para soltarla a través del tuyo de destello cuando es activado el flash.
Zapata: Es una placa conectada a
los circuitos internos del generador del flash y que permite acoplarlo mediante un sistema de clip o de rosca a la parte superior de la cámara. Esto permite que podamos comunicar información entre el flash y la cámara. Mira el resto de conexiones, conexión para alimentación externa, conexión PC o incluso algunos flashes poseen una conexión tipo mini usb que permite que
los conectemos a un ordenador para poder aplicarles la última versión del firmware del fabricante.
TTL Las cámaras réflex están preparadas para el denominado modo de flash TTL (“Through the lens”). Se trata de una forma especial de modo de flash automático. En el modo normal de flash automático, los circuitos perteneciente al se encargan de ajustar la emisión de luz del aparato de flash. Por el contrario, en el modo de flash TTL, la propia cámara ajusta la emisión de luz mediante un sensor integrado. Dicho sensor mide la luz que incide sobre el sensor.
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La ley del cuadradado
El ĂĄrea o zona iluminada por una fuente puntual de luz, es cuatro veces mayor cada vez que se duplica la distancia.
Dicho de otra manera, una superficie recibe cuatro veces menos luz cada vez que se coloca al doble de distancia de la fuente. SegĂşn nos vamos alejando la zona iluminada es mayor pero la cantidad de luz que recibe es menor.
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Dicho de otra manera, una superficie recibe cuatro veces menos luz cada vez que se coloca al doble de distancia de la fuente. Según nos vamos alejando la zona iluminada es mayor pero la cantidad de luz que recibe es menor. Haz una prueba. Para darte cuenta de esto basta tomar una linterna en una estancia a oscuras y acercarse a una pared. Si ponemos muy cerca la linterna notaremos un circulo muy iluminado en la pared, según nos alejemos ese círculo será mayor pero menos iluminado. Lo mismo ocurre con los flashes.
Número de guía ¿para qué sirve? Cuando se compra un flash mucha gente lo hace guiada única y exclusivamente por este valor. Cuanto más grande más potente o como se suele decir vulgarmente: “Ande o no ande, burro grande”. Máxima que mal aplicada se suele utilizar mucho en los ambientes fotográficos ¿verdad? Hay más factores como la velocidad de reciclado, la calidad del destello, los materiales, … etc. Pero no nos desviemos de la cuestión. ¿Qué es el número de guía? Es una de las maneras que hay de medir la potencia luminosa del flash o, dicho de otro modo, de medir la intensidad del destello que emite el flash. El número de guía se utilizaba desde hace mucho y variaba en función de la sensibilidad de la pvelícula. Ahora con los sistemas digitales lo habitual es dar ese valor en relación a ISO100 o si no se dice nada hemos de suponer que es en relación a dicho valor.
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Se calcula según esta fórmula: Numero Guía = Distancia en metros a la escena x número f (a ISO100) Una regla rápida para saber el número de guía cuando variamos la ISO es que el número de guía se multiplica por dos al aumentar dos pasos la sensibilidad. Es decir si el número de guía es 40 a ISO100 será 80 a ISO400 (dos pasos: 100, 200, 400). La fórmula exacta : NG = NG x (√2)^n (siendo n el número de pasos desde ISO100) Es un punto polémico casi siempre, pues los fabricantes tienden a exagerar el número de guía y si el flash además tiene zoom suelen indicar el número de guía para la posición mayor del zoom. Dicho valor tiene sentido cuando tratamos con una sola fuente de luz, no utilizamos difusores ni modificadores. El cálculo del NG se basa en la ley de la inversa del cuadrado y es válido para flashes considerados como fuentes puntuales de luz, pero no para flashes de estudio con grandes difusores, ventanas u otros accesorios grandes.
Zoom del flash Los flashes que disponen de esta funcionalidad permiten, en modo automático, que se ajuste el área iluminada por el flash al ángulo de visión de la distancia focal que estemos utilizando en el objetivo. No obstante, podemos usarlo en manual y ajustar nosotros mismos dicho valor.
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Todos las cámaras indican una velocidad de sincronización a la que pueden trabajar con el flash máxima que suele situarse en 1/200 o 1/250, indicando que por debajo de esos tiempos no pueden emitir un destello más corto. Esto hace que si disparamos a una velocidad de 1/640 encontremos que solamente se ha iluminado una parte del motivo de la escena (quedando una banda negra) pues el flash no ha sido lo suficientemente rápido como para iluminar todo.
La duración del destello del flash La duración del destello es de una importancia significativa para sacar con nitidez movimientos rápidos como suele ocurrir enfotografía de moda o de deporte.Cuando hablamos de velocidad de destello, nos estamos refiriendo
a la duración “en tiempo” de destello del flash, que puede ser mucho más rápida que la velocidad de sincronización. La velocidad de sincronización, como hemos visto antes, se refiere a la velocidad de obturación de la cámara que debemos seleccionar cuando trabajemos con un flash.
Sincronización a alta velocidad ¿para qué? La sincronización a alta velocidad (bajo las siglas FP o HSS) es una solución que aportan los fabricantes para poder superar ese límite de la velocidad de sincronización anteriormente descrito. Este modo lo que hace es disparar varios destellos de menor potencia. Lo que pasa es que ocurre tan rápido que apenas lo
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notamos. Esto evita la aparición de la banda negra no iluminada en la fotografía cuando superábamos la velocidad máxima de sincronización mencionada anteriormente.
El cono de luz La luz del flash tiene unas particularidades especiales, en inglés suele denominarse este tipo de luz como spotlight. Si realizamos una simple fotografía con nuestro flash en una estancia oscura y sobre una pared blanca observaremos, además de la zona que queda oscura, dos partes perfectamente distinguibles en la parte iluminada. La zona más iluminada corresponde a la luz principal y la zona algo en penumbra sería la luz secundaria. Entre ambas podemos ver un cono de luz desde la posición de nuestro flash de la forma siguiente. Según lo que vimo de la ley inversa del cuadrado cuanto
más cerca estemos la zona principal será más intensa y al revés cuanto más nos alejemos.
Las baterías y la capacidad de carga
Es recomendable siempre usar baterías o pilas de alta capacidad cuando estamos trabajando con flashes. Esto se nota rápidamente en el tiempo de reciclado del flash, que aunque no lo hemos comentado antes, es el tiempo de espera que debemos aguardar entre dos destellos a la máxima potencia. Este valor cuando disparamos a máxima potencia el flash suele ser de unos pocos segundos pero también puede verse lastrado por la baja capacidad y/o calidad de las pilas.
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EL VALOR DE LA FOTOGRAFÍA
Defiendan el
Valor de la fotografía Fotógrafos: ‘Defended el valor de la fotografía’.Vaya por delante que este artículo es un artículo de opinión. Es más, diría que es un artículo que expresa un deseo, una esperanza frente a hechos como los acaecidos en medios como el Chicago Sun Times hace unas semanas. ¡A las trincheras! que diría más de uno.
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ecía antes de ayer, Annie Leibovitz – que no es cualquiera en este mundillo – durante una intervención en el Festival Internacional de Creatividad de Cannes, en apenas un minuto, que, a pesar de todos los varapalos que está sufriendo la profesión, no hay indicios de que se siga pidiendo fotografía de alta calidad. Tal vez una afirmación demasiado tajante para lo que podemos ver en el sector. Así se expresa – disculpad mi traducción del mismo – en el vídeo, Annie Leivobitz, al ser preguntada por The Guardian respecto al estado de la fotografía actual:
Creo que para aquellos de nosotros que somos fotógrafos, la diferencia entre nosotros y los demás es que nos tomamos lo que hacemos muy en serio … En esta situación de las cosas tan en movimiento o así, tan rápida, todavía queda mucho para que las cosas dejen de funcionar como ahora. Y nos encanta la fotografía. Todavía, como sociedad, amamos la imagen fija, y, ya sabes, cada vez que hay algún, un desastre horrible o un momento desgraciado, Dios no lo quiera, recordamos las fotos. - Annie Leibovitz -
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EL VALOR DE LA FOTOGRAFÍA
Unas declaraciones en las que en parte podemos estar de acuerdo o no (supongo que además de los fotógrafos hay muchos otros técnicos y profesionales que se toman muy en serio su trabajo, en fin). Defender el valor de una cosa no significa menospreciar otras, creerse superior y parecer prepotente creyendo tener todas las respuestas. Sí orgulloso del trabajo
que haces, que es distinto. Las palabras de Leivobitz están ahí y cada uno las puede interpretar en uno u otro sentido. Pero sí es cierto, que la Fotografía cambia velozmente en cuanto a estándares comerciales, artísticos y visuales muy rápidamente cada día.
EL VALOR DE LA FOTOGRAFÍA
Cuestiones previas: RENOVARSE O MORIR
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pesar de todo. Si bien las redes sociales han inundado, desbordado y, en cierto modo, matado el nivel cualitativo de la fotografía como arte y muchos se consideran Fotógrafos de primera línea cuando debieran reconocerse en otros niveles, Es cierto que la explosión social ha permitido una popularización de la fotografía en los últimos cinco años como no se había conocido antes. Y más con la fotografía documental (léanse
fotoperiodismo ciudadano). La fotografía móvil no es un peligro, no es una miseria como muchos desprecian. Es cierto que es una fotografía con muchas limitaciones – por el momento técnicas, pero la técnica avanza -. Donde muchos ven una amenaza otros han visto una oportunidad como podéis ver en este proyecto que conozco de primera mano: The iPhonewyorkgrapher, una de cuyas fotografías encabeza este artículo.
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EL VALOR DE LA FOTOGRAFÍA
Recordamos mejor las imágenes
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n un mundo visual como el de hoy en día, nuestro cerebro puede llegar a procesar miles de imágenes a lo largo del día, descartando muchas de ellas para quedarse con unas pocas que permanecerán en la memoria a corto plazo, de ese conjunto alguna, a lo mejor, pasará a largo plazo, por el impacto visual que provocó en nosotros. A pesar de paso por el tiempo y el recuerdo borroso, en ocasiones, las fotografías dejan una impronta más marcada en nuestro
cerebro. Estás imágenes suelen ser, en su mayoría, fotografías. Son momentos detenidos en el tiempo. Escenas congeladas. Todos tenemos en la cabeza escenas míticas aunque no sepamos porqué muchas veces. Fragmentamos el tiempo en recuerdos en forma de imágenes en muchas ocasiones. Si tengo que recordar una imagen de hace mucho tiempo fue esta de John Lennon y Yoko Ono, tenía muy pocos añitos pero la recuerdo perfectamente.
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CRÓNICAS DE JAPÓN
Crónicas de Japón Modernidad y tradición se unen en la muestra del diseñador y artista visual Manuel López Foncea, una serie de fotografías de gran formato que retratan el cotidiano y la riqueza cultural del país oriental. Cuando partió en 2007 a hacer un master en animación a la Kyoto University of Arts and Design, el chileno Manuel López Foncea nunca pensó que el viaje –que se prolongó hasta 2011- terminaría retratado en más de 75 mil fotos, y que una selección de estas imágenes darían vida años más tarde a una exposición. “Nuestro profesor principal, Yasu Suzuka, es un destacado fotógrafo profesional. Desde el primer día nos obligó a exponer en espacios y galerías de arte de Kioto que reservaba para su uso, ya que consideraba que era la única manera de aprender. Eso me dio confianza para exhibir mi trabajo y enviar obras a otras exposiciones y concursos”, explica. Así tuvo la oportunidad de mostrar su trabajo en varias galerías de Kioto, Osaka y hasta en la bienal de diseño de Tokio. Ahora, como parte del ciclo Sol Naciente en GAM, el diseñador y artista visual inaugura la muestra Crónicas de Japón, una selección de 65 fotografías plasmadas en 18 composiciones de gran formato, un registro audiovisual que pone en contexto los momentos en que fueron capturadas y proyecciones de otro grupo de imágenes escogidas para la puesta.
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CRÓNICAS DE JAPÓN
“La idea es crear una ventana que muestre sus contrastes y matices: la belleza y sobriedad de una novia tradicional, los colores de las vitrinas, la comida típica, los ancianos, los luchadores de sumo… son tantos los detalles que dan vida a un mundo tan enigmático como cautivante”, sostiene López Foncea, profesor de la Facultad de Arquitectura y Diseño de la Universidad de Chile y del Instituto Profesional ARCOS. Crónicas de Japón incluye además una selección de nueve recientes animaciones alternativas niponas, entre las que destacan realizaciones de los consolidados Nobuhiro Aihara y Keiichi Tanaami, y de Atsushi Wada, joven talento que ha ganado muchos premios en esta escena. En una hora total de duración que se mostrará de manera rotativa, las obras ahondan introspectivamente diversas facetas de la cultura japonesa.
Es muy difícil entender ese mundo con un criterio occidental. Mi intención es acercar aunque sea un peldaño de esa enorme escalera que existe entre esa idiosincrasia y la nuestra. concluye el artista.
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SONY RX100
Sony RX100 “Mark II”
NUEVAS ESPECIFICACIONES FILTRADAS
A poco más de un año del lanzamiento de la Sony RX100 el publico ya se encuentra hambriento de una nueva versión. Hemos aquí con un adelanto filstrado de como son sus especificaciones. La RX100 se trata de una excelente cámara en el abultado segmento de las compactas pero que con un sensor de 20 megapixeles y una lente de cristales Zeiss —con el pequeño detalle de tener una apertura f/1,8— supo abrirse paso en este mercado. Se trata de una compacta “premuim”, a la altura de muchas otras cámaras de marcas mucho más tradicionales, conservando el formato que suele ser tan util cuando no se quiere viajar con una reflex pero aun así conservar la versatilidad y calidad de imagen. En esta ocasión, nuevas especificaciones se han filtrado de su posible sucesora, llamada al menos por el blog SonyAlphaRumors, la Sony RX100 Mark II. Veamos de que se trata. Gracias a algunas imágenes filtradas del manual, que para variar está en japones, pudimos enterarnos que esta nueva versión de la RX100 tendría:
“Nuevo” sensor de 20 megapixeles, de tecnologia EXMOR R Misma lente que el modelo actual (28100mm equivalentes) Conectividad Wi-Fi y NFC Conector Mini-HDMI Bateria con capacidad de hasta 350 disparos (pero que a la vez requiere un mayor tiempo de carga con respecto al modelo anterior) Pantalla articulada y zapata de flash
LA FOTOGRAFÍA COMO OBRA DE ARTE
La fotografía
Como obra de arte Actualmente la fotografía está considerada como un arte más...
Esto es, la cámara fotográfica al igual que el pincel y el lienzo se ha convertido en una herramienta imprescindible para que muchos artistas expresen sus emociones. Pero al igual que la mayoría del arte contemporáneo en la fotografía la idea que se vende es incluso más importante que la propia obra. Es decir, que la idea de la obra prevalece sobre sus aspectos formales. Así, la fotografía artística más allá de su belleza nos hace cuestionarnos y plantearnos una serie de preguntas. Sino lo consigue sólo será una hermosa imagen más, que será relegada a ser únicamente observada y olvidada, como algunas de las imágenes que imperan en este mundo cuya democratización de la fotografía ha creado una sociedad acostumbrada a ver, pero no a fijarse en las imágenes que están a nuestro alrededor. Por ejemplo, Miguel Oriola dice en su web La fotografía es hoy el arte. Y como el arte, libre. El artista construye imágenes lentas que se oponen a la estética de la instantánea. […] La fotografía pasa a ser el soporte donde el autor expresa su discurso y no el objeto de adoración por sus gamas de grises y otros alardes técnicos o compositivos
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LA FOTOGRAFÍA COMO OBRA DE ARTE
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s decir, en la fotografía como todo arte el concepto y la coherencia del discurso toma una importancia relevante a la hora de realizar la fotografía, de crearla. Podríamos decir que está visión de la fotografía como arte viene heredada de la década de los 60 cuando los artistas parecían más preocupados por el concepto y la idea que en la propia materialización de la obra. Por ejemplo, hay artistas que hacen uso de la fotografía para expresar sus emociones. Muchas de está fotografías a lo mejor no son muy brillantes ni estética ni técnicamente, pero tienen un concepto muy potente, tal es la fuerza en la idea que hay detrás del trabajo que consigue eclipsar las carencias estéticas de la imagen. Por otro lado nos encontramos imágenes realizadas por fotógrafos artísticos que son de tal belleza que se convierten en arte por si solas, por su hermosura y su perfecta realización a la hora de tomar la foto. Pero seamos realistas, una fotografía artística sólo será aquella que cumpla los dos requisitos, aquella que puede ser evaluada tanto por su realización como por el concepto que quiere transmitirnos. Como el video “Arnulf Rainer, el arte del intervencionismo”, Baldessari es el artista de la apropiación de imágenes, mezclando en sus trabajos fotografías propias con aquellas imágenes procedente de diversas fuentes, como las extraídas de los medios de comunicación. Baldessari consigue, mediante este collage de imágenes, dotar a las fotografías de un nuevo significado, en algún caso ayudado por los textos que inserta en sus obras, creando de esta manera, un metalenguaje dentro de la obra. Podríamos decir que nos propone a través de su trabajo una nueva forma de ver el mundo, un mundo complejo y fragmentado.
LA FOTOGRAFÍA COMO OBRA DE ARTE
E
l austriaco Arnulf Rainer, comenzó su obra más característica influenciado por las ideas del automatismo surrealista, movimiento pictórico que apelaba a la supresión del control racional en la composición de la obra, dejando al artista libertad total para crear. Así Rainer, bajo estas ideas comenzó a finales de los 60 a intervenir sus histriónicos autoretratos de fotomatón con tachones, garabatos y pinturas. En estas intervenciones, que continúa aun en día trabajando en ellas, juega con el doble sentido acentuado muchas veces por el título, así como con la idea de la muerte. Esto es, el artista sufre una doble inmolación, por un lado el retrato de fotomatón es amordazado en un gesto de dolor, de cierta violencia que produce temor, y por el otro lado es inmolado por el hecho de marcar, de manipular la superficie de la imagen y
transgredir, de esa manera, las modernas teorías sobre que es el arte y que es la fotografía. Por otro lado, Jeff Wall conocido fotógrafo por sus bellas imágenes planificadas y escenificadas como si se tratará de un fotograma de alguna película, pertenece a un grupo de fotógrafos surgidos en Vancouvert que se acercaban a una fotografía más documental, sin perder su aura artística. Así, Wall es uno de esos artistas en cuya imagen la importancia reside en su hermosura y no tanto en su concepto. No obstante, a pesar de su negación a seguir con la moda del arte conceptual, el minimalismo o la reapropiación, entre otros movimientos vanguardistas, se le ha considerado como uno de los padres del fotoconceptualismo debido a la teatralización de sus imágenes tan pensadas compositivamente.
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LA FOTOGRAFÍA COMO OBRA DE ARTE