Algo mas que Pinturas Patricia Lagos by Francisco Olivares

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PATRICIA LAGOS

ALGO MÁS QUE PINTURAS © PATRICIA LAGOS

REGISTRO PROPIEDAD INTELECTUAL: 274.313 I.S.B.N. 978-956-9091-19-3 PRIMERA EDICIÓN: ENERO DE 2017

Tanto el contenido de este texto, como el diseño de la portada y la contraportada, no pueden ser reproducidos, ni en todo ni en parte, en ninguna forma ni por ningún medio, ya sea electrónico, mecánico, magnético, mediante fotocopia, o cualquier otro existente, sin el permiso por escrito de la autora.

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UNA PINTURA QUE NO DEJA INDIFERENTE Hace unos veinte años, Patricia Lagos tomó la determinación de dedicarse a la pintura y, para ello, concurrió a algunos talleres de pintores que ejercen la docencia en sus propios espacios de trabajo. Fruto de ello, aprendió y dominó el difícil oficio del arte pictórico, conociendo todas las técnicas que se pueden aplicar sobre una tela. Un camino que no le ha sido fácil, ya que para alcanzar cierta notoriedad el artista debe pasar por diversas etapas que van consolidando su propuesta y, en otros casos, tienen como consecuencia el abandono de la aventura, ya que no les resulta fácil continuar por la senda que se han trazado. Algunas veces se quiere avanzar, pero las dificultades pueden presentar muros insalvables o caminos que cuesta remontar. Pero en el caso de Patricia Lagos, desde sus inicios en la pintura ha sabido superarse y sobre todo asumir todos los desafíos que la carrera exige. Con activa presencia, ha concurrido a todos los concursos que se convocan en nuestro medio. No teme a los juicios de los jurados, ni asume con arrogancia los reconocimientos. Sabe tomar las opiniones de los demás como parte de su bagaje de conocimientos. Su objetivo y su logro ha sido siempre marcar presencia más que buscar las a veces esquivas distinciones. Ha conseguido figuración en concursos cuyas temáticas son siempre distintas y constituyen un desafío para los pintores, y estas experiencias han contribuido a su consolidación. En las muestras colectivas, se ha distinguido con temas variados, pero que dejan ver su impronta de calidad y oficio. Lo mismo en sus exposiciones individuales, todas realizadas con seriedad, sin quemar etapas o apuros innecesarios.

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La pintura de Patricia Lagos es fundamentalmente expresiva y moderna, acorde con una voluntad que no teme a los desafíos, especialmente con algunas series donde, mediante un tema, desarrolla todo un conjunto: el tango, los cubos pintados, elementos de carácter popular, figuras, series de paisajes muy expresionistas y otras donde la intensidad del color es predominante. Sus formatos son mayores, lo que implica que en mayor espacio debe desarrollar el tema con más recursos pictóricos. Su pintura no puede producir indiferencia, ya que su marca es notoria y reconocible, independiente de la temática tratada. En catálogos y otros textos, especialmente en medios de prensa, su pintura ha merecido comentarios y opiniones, siempre destacando el valor y nivel de sus obras. Independiente de quienes emiten juicios críticos o fundamentos, la mayoría coincide en valorar su trabajo, lo que constituye un buen respaldo. Como artista, ha querido dejar un testimonio de su trayectoria en este libro donde se condensa una parte importante de sus obras a través del tiempo. Es posible seguir su evolución apreciando las imágenes que sucesivamente van apareciendo en sus páginas y acompañadas de los textos que en algún momento se publicaron en función de sus exposiciones y su propia reflexión frente al arte. Este libro constituye un registro visual de sus años como pintora. En cada capítulo hay una selección de imágenes que ilustran su trabajo artístico y su búsqueda constante de una identidad que la proyecta en el medio cultural. Este libro constituye también un acercamiento a su universo creativo y, como toda publicación que contiene etapas de una trayectoria, refleja momentos claves y significativos que son una síntesis de su pintura a través del tiempo. Carlos Lastarria Hermosilla Crítico de arte

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1998-2001 Con la convicción interna de llegar algún día a convertirme en artista, comienzo mi largo camino acompañada de grandes maestros, como Augusto Barcia, Ramón Levil y Francisco Olivares, con quienes aprendí rigor, fuerza, sutileza y pensamiento. Con estos elementos adquiridos en el quehacer pictórico, me planteo la necesidad de llegar a crear mis propias composiciones y tener un lenguaje personal. En los inicios, luego de muchos ejercicios -algunos fallidos, otros acertados-, parto mi búsqueda interna y logro encontrar una manera personal de plasmar algo de mis sentimientos, traspasando así la frontera de lo clásico a lo moderno.Al decir moderno, me refiero a dejar a un lado la escuela tradicional de copiar la realidad tal como se ve y comenzar a inventar mis propias composiciones a partir de lo real, teniendo como referencia el paisaje urbano y rural. El paisaje pasa a ser una excusa para comenzar a crear una nueva realidad a partir de la imaginación. Poco a poco, y en conjunto con mi profesor Francisco Olivares, empiezo la búsqueda de componer a partir de la fragmentación, la abstracción y la superposición de capas de textura y color. Al tomar como referente el paisaje, utilizo la impronta de la mancha y el color para crear situaciones ficticias e invento una nueva imagen que a veces es real y otras, ficticia. La textura, el color y la mancha me sirven para dar intensidad y destacar mi trabajo, y comienzo a utilizarlos con gran fuerza y a entregar en mis trabajos parte de lo que será en el futuro mi propio lenguaje. Al culminar este proceso, tengo la posibilidad de exponer en el Casino de Viña del Mar la muestra denominada “A quien corresponda”, la que tiene como finalidad simplemente presentar una mirada individual a partir de la realidad.

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UN DIÁLOGO FUERA DEL TALLER Los pintores Francisco Olivares y Patricia Lagos exhiben “A quien corresponda”, en el Casino de Viña del Mar. De igual a igual quisieron dialogar maestro y alumna. Desde que acude al taller de Olivares, Patricia Lagos siente que su obra cobró un rumbo claro, aprendiendo a “ser más ordenada y a pensar un poco más”. Antes había tomado clases con otros dos reconocidos artistas, Augusto Barcia y Ramón Levil, que habían aportado una definición en el color, la soltura y el atrevimiento para experimentar con distintos materiales. Su referente es el paisaje y su manera de abordarlo es desde la selección de elementos realistas, pasando por una segmentación de la superficie, y un tratamiento pictórico de mucha materia y capas de pigmento sobre la tela. De esta manera, va configurando amplios espacios texturados y atmósferas cromáticas cálidas, donde se visualizan fragmentos urbanos, arquitectura y rincones naturales. “No son paisajes comunes, con horizontes y profundidades coherentes, sino visiones reinventadas a partir de referentes conocidos, de fotos, bocetos o desde la memoria. Entonces en el taller divido el formato, elijo ciertos elementos o repito dejando sólo un poco de figuración. El resto es pura pintura, trabajando con superposición de muchos colores, con espátula, y a veces con pastas, arena o papel para lograr las texturas”. En unos doce trabajos, la autora evidencia un proceso que la ha llevado a centrarse en el tema de la huella, del paso del tiempo y la memoria, fascinada siempre con la materia, la belleza extraña de lo viejo y lo roído. Carolina Lara El Mercurio, 21 de julio de 2001 (extracto) 8

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Caleta El Membrillo.AcrĂlico sobre tela, 80x 80 cm. 10

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Palmeras.AcrĂlico sobre tela, 80x 100 cm. 11

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Iglesia de Melipilla.TÃ©cnica mixta, 100 x 100 cm. 12

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Paisaje. Díptico acrílico sobre tela, 140x 100 cm.

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Arco del Triunfo.AcrĂlico sobre tela, 100x 120 cm. 14

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Arriba.Técnica mixta sobre tela, 100x 100cm.

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Reloj Turri.Acrílico sobre tela, 110 x 80cm. 16

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Puerto.Acrílico sobre tela, 120 x 110 cm.

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Arrabal.TÃ©cnica mixta, 80 x 80 cm. 18

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Tango del pescador.Técnica mixta, 130 x 120 cm. 19

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Frente a frente.TÃ©cnica mixta, 80 x 100 cm. 20

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Tango.Técnica mixta, 120 x 100 cm.

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A tajo abierto.TÃ©cnica mixta, 140 x 130 cm.

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Fuerza contenida II.Técnica mixta, 120 x 120 cm. 23

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HOMENAJE A BELÉN Más de mil obras provenientes de varias regiones del país en la quinta versión del concurso de arte “Palestina Vista por Chile”, que organizó el Club Palestino en torno al tema “Belén 2000”. El jurado dio a conocer los resultados, en una ceremonia que inauguró la muestra con 200 obras, entre premiadas, menciones honrosas y seleccionadas. La obra “Homenaje a Belén” de Hugo Jorquera obtuvo el primer premio en categoría profesional, el segundo recayó en “Mujer con estrella de Belén” de Carlos Maturana (Bororo), y el tercer premio, en la pintura de Sergio Lay “A la Distancia de los recuerdos”. En categoría aficionados los tres primeros lugares los obtuvieron Aude Gutierrez, Patricia Lagos y Víctor Mahana, con “Regreso a casa”, “En la Mirada” y “Vestigio próximo”, respectivamente. Nancy Lolas, presidenta del comité organizador, destacó la calidad de las obras participantes, que no se limitaron a técnicas pictóricas, sino que abarcaron también dibujo, grabado y técnicas mixtas, para inspirarse en el significado que tienen para el pueblo palestino los dos mil años del nacimiento de Cristo, y en el inicio del tercer milenio, “con todos los valores de paz, esperanza y renovación que involucra esta fecha”. El Jurado lo integraron los críticos de arte Ricardo Bindis y Cecilia Valdés, el presidente de la institución convocante, Juan Pablo Díaz, la directora del comité organizador, Hilda Lolas, los pintores Matilde Pérez, Guillermo Nuñez y Suleman Mansour, fundador y director del centro de arte Alwasit de Jerusalén, quien también expone su obra como pintor invitado. El Mercurio, noviembre de 1999 (extracto)

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En la mirada.Acrílico sobre tela, 120x 100cm. 2° Premio Concurso Palestina vista por Chile “Belén 2000”.

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2002-2004 Continuando con la búsqueda de un lenguaje personal, en este periodo me dedico profundamente a rescatar, a partir de mi memoria, aspectos de mi vida que han marcado mi pensamiento humanista y social. Así entonces me permito sacar mis propios fantasmas, marcados por una vida religiosa vivida en mi juventud, haciendo alusión a que estábamos viviendo el fin de los tiempos. Los relatos religiosos tenían que ver con situaciones de conflicto; junto con eso, se estaban viviendo momentos muy angustiantes en Irak, en Haití. Es así como mi carácter comprometido con los temas sociales sale a relucir con esplendor y gran fuerza, y a partir de ahí es donde hago patente en mis trabajos todos mis miedos con respecto a la vida, miedo al fin del mundo, al cumplimiento de algunas profecías, a la guerra, al sufrimiento humano. En este proceso, comienzo un trabajo de intimidad absoluta con mi pensamiento social y análitico y empieza a fluir con gran libertad, a partir de la mancha, un mundo insospechado que pareciera a veces sacado de algún sueño. La guerra y los conflictos sociales se hacen presentes en mis creaciones, los terremotos, las hambrunas, el caos, la soledad, la vida llegando al final de sus días, el apocalipsis pareciera haberse apoderado de mis pensamientos. En estos momentos es cuando tengo la posibilidad de sacar fuera de mí todos esos dolores llevados por largos años en mis pensamientos. Dolores que no tienen que ver con mi vida personal sino más bien con la situación mundial. Desde pequeña siempre imaginé cosas con las manchas existentes en cualquier lugar, en una madera, en el suelo, en el techo, en las nubes: en donde hubiera una mancha, yo me imaginaba situaciones e inventaba mis propias y singulares narraciones.

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Aquí pasa algo similar: me dejo llevar sólo por la sensación y la imaginación y ésta me lleva a descubrir en la mancha un lugar infinito de narraciones, narraciones que por cierto se juntan con la realidad. La mancha entonces pasa a ser mi principal y más importante herramienta para desarrollar una serie de trabajos que más tarde le denominaré “Detrás de la memoria”. Aquí también trabajé con textura mancha, color, superposición de planos, etcétera. Pero el elemento humano cobró gran importancia al darme la posibilidad de poder hacer a través del ejercicio plástico una metáfora visual. Detrás de la memoria”, también se convierte en una exposición que presenté en el Congreso Nacional, en 2004. En el catálogo, el profesor Olivares escribe:“Es un ejercicio plástico, es una metáfora visual que corresponde al acto de ir más allá de lo conocido y de lo concreto, es descubrir lo más esencial de la vida y las cosas, y Patricia Lagos nos hace sucumbir en un mundo reconocido, pero que no queremos mirar. Ella mantiene un equilibrio dinámico en sus composiciones, lo que no se reduce al primer contacto sino que se reanuda cada vez que se contempla. Es una obra en que todos los signos son traducibles. Cada elemento se universaliza, porque ella nos habla de su propia historia, donde se reconoce una gran carga humanista y social. Para esto se vale de una multiplicidad de recursos como dibujo, color, texturas, veladuras, superposición de planos concibiendo el espacio de una manera relativa, pues se puede apreciar en sus trabajos realidades yuxtapuestas, tema fundamental en la creación de su obra. Debemos tener en claro que en su propuesta lo real está constituido por diferentes instancias, la primera la capa que contiene un referente visual, la segunda la abstracción, la tercera es la que corresponde a la pintura y sus propios valores (factura) y por último la que concierne a la fuerza creativa de la propia artista. Se puede decir que es un arte que depende de sí, inquieto y a veces dramático, que nos fuerza a ir con él y sus fabulaciones, es un mundo que no descansa, es la reflexión que termina proyectándose al infinito.”

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Raíces.Técnica mixta sobre tela, 140 x 110 cm..

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Azul profundo.Técnica mixta, 130 x 110cm.

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Traspasos.Acrílico sobre tela, 120 x 120 cm.

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Reminiscencias.AcrĂlico sobre tela, 120 x 120 cm.

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Umbrales.AcrĂlico sobre tela, 120 x 120 cm. 32

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En silencio. Acrílico sobre tela, 120 x 140 cm.

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Alquimia I.Acrílico sobre tela, 80 x 60 cm. 34

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Alquimia II. Acrílico sobre tela, 80 x 60 cm. 35

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Entre los restos de la memoria.AcrĂlico sobre tela, 150 x 130 cm. 36

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Desolación I.Acrílico sobre tela, 120 x 120 cm. 37

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SER URBANO+VALPARAÍSO=CRUCIFIXIÓN A LA BARBARIE Cruce urbano debemos entenderlo como una influencia intrínseca a la cruz, que en este caso convoca a cuatro artistas que tienen como afán de exponer desde un mismo territorio, tanto geográfico como conceptual. También el cruce tiene el carácter simbólico de punto de partida desde un centro hacia cuatro puntos antagónicos-cardinales-y que equidistantemente se equilibran. Esto también es lo que acontece con estos cuatro artistas, por cuanto sus obras tienen referentes independientes en cada uno de ellos. Exponen desde lo insular- que significa trabajar desde el aislamiento de la provinciateniendo como referencia la condición de estar circunscritos a una ciudad como Valparaíso, ciudad que aspira a tener una personalidad artística propia y a la par una mirada abierta al horizonte artístico planetario, donde a su condición de ciudad puerto arriban los diferentes lenguajes que circulan territorialmente. La Bienal internacional de arte de Valparaíso, creada en 1973, constituyó una ventana abierta y toda una alternativa hasta cuando Chile recupera su democracia, momento en el que sobre nuestro país se creaban grandes expectativas, en todo orden, desde las diversas naciones. Sin embargo la Bienal desaparece en 1994. Cruce Urbano puede pensarse también como aquella zona en la cual se produce el cambio trascendental de dirección, o se desea provocar ese cambio. Ejemplo de ello es cruzar los dedos, en gesto que invoca las fuerzas para que aquel acontezca. También es crucifixión “estar sobre la cruz”, cruce de posibilidades e imposibilidades, de construcción y destrucción. Hay una esperanza fundada en los artistas convocados en Ser Urbano: presenciaron las oscilaciones de las tendencias artísticas de los años 80 y asistieron a la recuperación del

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lenguaje pictórico: el placer de pintar entremezclado con el cuestionamiento desde el concepto. En esa esperanza han rendido tributo a la aprehensión de los medios que permiten a una obra sustentarse por sí misma, independiente del texto fundado en la palabra, no por ello despreciado por ésta. Hay en este sentido una cierta contaminación de los lenguajes pictórico-conceptual, los purismos yacen hoy abandonados. Ser Urbano, en cuanto a proposiciones artísticas y en su afán de seguir irradiando luz en el escenario porteño, lo entendemos como una relación estrecha entre la cruz y la espada, en el sentido que ambas se esgrimen contra el monstruo primordial, en este caso, la barbarie. Daniel Santelices Plaza Catálogo Exposición “Ser Urbano” Patricia Lagos - Francisco Olivares - David Heredia - Edgar del Canto Universidad Católica de Valparaíso, junio de 2002.

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Ser urbano I.TÃ©cnica mixta, 80x 100 cm. 40

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Ser urbano II.Técnica mixta, 80x 100 cm. 41

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LOS GUSTOS DEL POETA En el Museo La Sebastiana de nuestra ciudad, se está presentando una exposición colectiva denominada “Los gustos de Neruda”. Son obras de un grupo de mujeres pintoras integrantes de una asociación denominada Corarte, de nuestra región. Ellas ya han expuesto en forma colectiva en varias oportunidades y ahora lo hacen en torno al tema del poeta, de sus gustos y afinidades. El tema de Neruda permite muchas interpretaciones no siempre afortunadas. En este caso, el nivel general es bueno, especialmente porque en el grupo hay un significativo nivel de buena calidad de sus exponentes. Se aprecian niveles de superación de varias pintoras y otras se mantiene lo discreto de su producción. En un nivel superior están Angélica Romero, que compone una obra en la que, con planos y formas de colores grises y frios, hace aparecer unos elementos que flotan en el espacio. Marcela Vega hace dialogar al poeta con personas: En su caso, lo importante es el tratamiento del fondo muy bien logrado. Patricia Lagos, en tonos ocres y amarillos de fondo escenifica una mesa con objetos y una botella. La sutileza es su mejor logro plástico. Patricia Hortal es una buena colorista de tonos alegres. Carlos Lastarria Hermosilla La Estrella de Valparaíso, 15 de noviembre de 2002 (extracto)

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Homenaje a Neruda.TĂŠcnica mixta sobre tela, 100x 120 cm.

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2005-2009: CONCEPTUAL El camino recorrido me va llevando cada vez más a la abstracción y, junto con eso, vuelven a aparecer en mi mente los temas sociales. Esta vez tengo que abordarlos desde otra mirada, la simple narración ya no es suficiente y comienzo en la búsqueda de una manera de hablar de temas humanistas y sociales a partir del concepto. Con gran decisión, comienzo reemplazar el dibujo por un objeto. Así nace una serie de trabajos en donde el tema, el objeto, la pintura y el nombre de la obra dan sentido a mi creación. Es así como un zapato de hombre ubicado en la parte inferior del soporte y uno de mujer ubicado a un costado de la tela nos hablan de discriminación social y de género. El trabajo que contiene una taza a un costado de la tela nos habla de soledad, al llamarlo “Espera”. Un solo pan ubicado al centro del cuadro y cuyo nombre es “Sólo uno”, nos da el concepto de pobreza. En dos de mis trabajos quiero expresar el problema de la pesca artesanal y cómo la pesca industrial está dejando vacíos los platos de nuestro pueblo. Este trabajo sólo contiene un plato de greda al centro y lo denomino “Plato de merluza”. El plato está vacío porque la merluza está desapareciendo de nuestras mesas. Otro de mis trabajos también tiene un plato de greda y lo llamo “Caldillo de congrio”; está también vacío porque cada vez es más difícil encontrar congrio en nuestros mares. Por otro lado, abordo el tema de la corrupción, dirigiéndome así a los señores poderosos. Sitúo los reyes de las cartas de naipe, uno español y otro inglés, los pongo bajo un vidrio y lo denomino “Tejado de vidrio”.

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Ahora sólo me sirvo del mensaje que quiero entregar con mi obra, para ello tomo cualquier elemento que me sirva para dar un concepto, la pintura va desapareciendo poco a poco y me quedo con el elemento y el concepto. Entre los elementos utilizados, sin pudor y sin miedo, me atreví a utilizar prendas íntimas femeninas para interpretar el tema de lo atávico para una exposición a la que estuve invitada. Para mí lo más atávico al ser humano es su sexualidad, por lo que ocupé elementos como corset, sostenes y otros y, junto con unas mallas, realicé algunos trabajos texturados con colores mayormente ocres, y hablé sin tapujos de lo atávico de la sexualidad. Las mallas simbolizaban las ataduras que muchas veces nos va imponiendo la sociedad, la religión y nosotras mismas.

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A un lado.TÃ©cnica mixta, 80 x 80 cm. 46

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Abajo.Técnica mixta, 80 x 80 cm. 47

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Espera.TÃ©cnica mixta, 80 x 60 cm. 48

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Sólo uno.Técnica mixta, 80 x 60 cm. 49

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Caldillo de congrio.TÃ©cnica mixta, 120 x 120 cm. 50

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Plato de merluza.Técnica mixta, 120 x 120 cm. 51

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Tejado de vidrio.TÃ©cnica mixta, 120 x 120 cm. 52

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Cinco días.Técnica mixta sobre tela, 120 x 120 cm.

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Vértigo. Técnica mixta, 120 x 120 cm. 54

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Juntos y aislados.Técnica mixta, 120 x 120 cm. 55

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“EROTÍSIMO” ¿ Qué puede ser más atávico para el ser humano que la sexualidad? La sexualidad es inherente a la vida, la vida no existiría si no hubiera sexualidad. Somos ante todo, seres vivos con energías canalizadas a través de los distintos mecanismos de nuestro ser. Las mujeres han ido ganando espacios de libertad en forma paulatina, es por eso que he entramado cada trabajo de Atávico, simbolizando las ataduras impuestas por la sociedad, por la religión, por los convencionalismos a veces impuestos por nosotras mismas. En esta serie la interioridad de la mujer está representada por ropa como corsets, sostenes, calzones, etc. Estas a su vez están adheridas al soporte y el bastidor traspasado por hilos que representan nuestros propios hilos conductores, que si los dejamos en libertad podríamos llegar a alcanzar en algún momento de nuestra existencia. Desde el año 1995, Patricia ha dedicado gran parte de su vida a la pintura, intentando traspasar a partir de su propia reflexión, una mirada humanista en cada uno de sus trabajos. El ser humano ha sido para ella una fuente inagotable de inspiraciones y a partir de él ha logrado abarcar temas universales como la sexualidad, que es el tema de esta exposición. Catálogo Exposición “Erotísimo”, Centro Cultural La Reina, Santiago, 2010

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De la serie Atávico.Técnica mixta, 50 x 70 cm. 57

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De la serie Atávico .Técnica mixta, 70 x 50 cm. 58

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De la serie Atávico.Técnica mixta, 70 x 50 cm. 59

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De la serie Atávico.Técnica mixta, 50 x 70 cm. 60

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De la serie Atávico.Técnica mixta, 70 x 50 cm. 61

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De la serie Ataduras.TÃ©cnica mixta, 40 x 20 cm.

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De la serie Ataduras.Técnica mixta, 40 x 20 cms.

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De la serie Ataduras.TÃ©cnica mixta, 40 x 20 cm.

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De la serie Ataduras.Técnica mixta, 40 x 20 cm.

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De la serie Ataduras.TÃ©cnica mixta, 40 x 20 cm.

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2010-2012 Este período es de mucho color, no quiero medir ni trazar dibujo alguno: aquí me dedico a jugar un poco con el soporte, el color y el concepto. En el trabajo llamado “Mi media naranja”, hago una analogía lúdica al concepto instalado de mi otra mitad y vuelvo a usar mis amarras para dar el concepto al objeto aludido. En “Mi metro cuadrado”, amarro la tela con la idea de dar el mensaje de “no entrar- cerradoprohibido entrar”. Los paraguas simbolizan la fragilidad, lo volátil que es el arte.

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Movimiento.AcrĂlico sobre tela, 100 x 100 cm.

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Es-pera. Técnica mixta sobre madera, 120 x 50 cm. 69

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Mi media naranja. TÃ©cnica mixta sobre madera, 50 x 120 cm. 70

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Mi media naranja 2.TĂŠcnica mixta sobre madera, 50 x 120 cm. 71

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Mi metro cuadrado 1.TÃ©cnica mixta sobre tela, 100 x 100 cm. 72

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Mi metro cuadrado 2.Técnica mixta sobre tela, 100 x 100 cm. 73

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Mi metro cuadrado 3.TÃ©cnica mixta sobre tela, 100 x 100 cm.

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Mi metro cuadrado 4.Técnica mixta sobre tela, 100 x 100 cm.

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Ciudad azul.TÃ©cnica mixta, 140 x 140 cm. 76

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Espacio rojo.Técnica mixta, 140 x 140 cm. 77

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“MUJERES EN EL ARTE” La Cámara de Diputados inició sus actividades culturales presentando una exposición de pinturas de las integrantes viñamarinas de la Corporación de Mujeres por el Arte. La muestra se denomina “Convergencia y once al cubo” y alude a la utilización del cubo como soporte y elemento básico para realizar una pintura en total libertad de composición y desarticulación de esa elemental forma geométrica o de volumen. Hay diversidad de propuestas en los formatos, temas y técnicas de estas once mujeres que con responsabilidad se dedican al arte. Así Ida Luisa Visinteiner sitúa elementos del paisaje dentro de unos cubos transparentes. Rossana Vaccari los descompone a nivel de piso con elementos gráficos digitales. Patricia Lagos los usa como volúmenes escultóricos, con amarras y objetos diversos. Gabriela Mora pinta sandías expresionistas. Patricia Hortal eleva sus cubos con variados y alegres diseños. Marcela Vega sitúa figuras también en una descomposición de sus volúmenes y Clemencia Sánchez pone cuadraditos pintados en diversos colores en un juego estructural. Es importante destacar que la muestra al presentar diversidad de expresiones en torno a un solo elemento como lo es el cubo que sirve de pretexto ya sea en forma de volumen lleno, abierto, desplegado o desarticulado y que ha obligado a cada expositora a buscar y encontrar la mejor manera de utilizarlo para su personal forma de expresión manteniendo las individualidades y las expresiones personales. Carlos Lastarria La Estrella de Valparaíso, marzo de 2011 (extracto)

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De la serie Ataduras. Cubo, 50 x 50 cm.

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MUROS: 2013-2014 A partir de esta fecha, me encuentro en la encrucijada de hasta dónde llegaré en mi camino, que continúa constante y silencioso. En este proceso es donde ya no me importa el objeto, la materia comienza a cobrar tal importancia que se transforma en un gran muro. Hoy es sólo la materia y yo. En estos momentos, sólo trabajo con tierras de colores y algunos diluyentes, agua y otros solventes. Quiero hacer que mi obra sea un gran muro, que contenga toda mi historia. Esta historia no puede ser develada y nadie la puede descubrir, por lo tanto, ocupo las telas y esparzo sobre ella tierras y más tierras, hasta lograr una capa tan gruesa como las capas de la vida. Huellas silenciosas, dibujadas por el tiempo, humedad, armonía traslúcida, pátina del tiempo, polvo en suspensión. Tantos silencios ocultos detrás de cada muro. Tantos comienzos y contínuos finales, vidas unidas, también separadas, esfuerzos, sueños agrietados por el paso del tiempo.Tiempo que borra y dibuja nuevas historias contadas por sus huellas silentes. Muro símbolo del tiempo inconcluso, soporte pasajero y cambiante de nuestra historia. ¿Es nuestra historia la que será contada trazo a trazo por el paso del tiempo? Tiempo, espacio infinito de tiempos constantes. Constancia de una vida en movimiento. Espacio, soporte, líneas y trazos semejantes a los surcos dejados en nuestra piel por el paso del tiempo. Huellas infinitas, dibujos del tiempo. Así nace el trabajo denominado “La huella de lo efímero”, trabajos realizados durante los años 2012 al 2014. En esta serie me refiero a la existencia de las cosas y su efímero paso por nuestras vidas. He conceptualizado lo efímero del ser humano en bloques de tierra y he dejado sólo huellas dejadas por el

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tiempo. Nuestro paso por esta tierra es efímero, llegamos, vivimos y luego nos vamos, somos como todo lo demás, nos conectamos con el universo a través de nuestra huella. Todo es y deja de ser en algún momento, el amor, la amistad, las relaciones humanas, las personas. Nos aferramos, creamos dependencias, hasta que por algún motivo esto nos deja sólo una huella. De ahí el concepto de lo efímero, aplicado a nosotros mismos: somos absolutamente efímeros en nuestros gustos, pensamientos, deseos, necesidades e inquietudes, somos seres cambiantes, un día llegamos, nos quedamos y volvemos a irnos dejando la huella de lo efímero.

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Las huellas de lo efĂmero I.Tierras sobre tela, 150 x 130 cm. 82

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Las huellas de lo efĂmero II.Tierras sobre tela, 150 x 130 cm. 83

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Las huellas de lo efĂmero III.Tierras sobre tela, 150 x 130 cm. 84

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Las huellas de lo efĂmero IV.Tierras sobre tela, 150 x 130 cm. 85

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Ecos del silencio I.Tierras sobre tela, 150 x 130 cm. 86

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Ecos del silencio III.Tierras sobre tela, 150 x 130 cm. 87

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Ecos del silencioV.Tierras sobre tela, 150 x 130 cm. 88

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Ecos del silencio VI.Tierras sobre tela, 150 x 130 cm. 89

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Exposición “Las huellas de lo efímero”.Tierra sobre tela, 6 x 3 mts. 90

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Exposición “Las huellas de lo efímero”. 91

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REVISTA ARTE AL LÍMITE El trabajo de la artista Patricia Lagos comenzó hace más de dos décadas. Según ella misma señala, desde sus inicios siempre lo hizo por la necesidad de expresar sus sentimientos e iquietudes. Es decir, por una necesidad de comunicarse, de relatar experiencias e historias. Pero no sólo respecto de su propia vida, sino también acerca de la de otros. Su formación académica fue con los artistas Ramón Levil, Augusto Barcia y Francisco Olivares, quienes supieron ver y potenciar, en la obra de esta artista, cualidades como la melancolía, la poesía y la fuerza que éstas desprenden. Y al contemplar parte de su producción artística, puede verse claramente la influencia de artistas que ella considera como sus referente inmediatos: Antoni Tapies, Guillermo Nuñez y Mario Irarrázaval. De ellos, Patricia afirma haber rescatado su interés por el ser humano “tanto en lo espiritual como en lo social”, nos dice. Al respecto, Patricia recuerda de forma especial que en la ciudad de Barcelona tuvo la oportunidad de apreciar varios trabajos de Tápies y que lo más sorprendente fue ver la cama de él colgada en una de las paredes de la Galería. Situación que rememora con estas palabras “ Me sirvió para dar rienda suelta a mi imaginación y explorar el arte desde otra perspectiva”. Quizás ese haya sido un momento crucial en su camino y en su carrera, ya que efectivamente su obra toma un giro y los objetos y situaciones a las que apela comienzan a cobrar presencia física. El volumen se hace presente y deja la representación de objetos para dar espacio a la presentación directa en su pintura. Tal como la artista señala : “La necesidad de incorporar elementos tridimensionales en mi trabajo nace junto con mi búsqueda de encontrar mi propio lenguaje y le doy así una nueva interpretación a la obra”.

Algo más que pinturas

Lecturas que se valen de la propia experiencia del espectador para completarlas de acuerdo a su propia vivencia. Así, el sentido de la obra de Patricia nunca es el mismo si quien está enfrente cambia. La utilización de elementos cotidianos es también un tema en sí mismo al referirse a su obra. Los objetos, junto al título de la obra, generan otra lectura más profunda que la carga que el propio objeto ya posee. Se amplía el sentido, se abren nuevas perspectivas y surge el diálogo. Al respecto, la artista señala: “El sentido individual lo logro al momento de elegir el objeto, por ejemplo cuando quise hablar de soledad puse un cuchillo y un tenedor en un costado del cuadro simulando una mesa. Esta mesa estaba vacía y hablaba de una situación en la que muchas personas se encuentran: “solas”. El nombre del cuadro también es importante al momento de completar el concepto. Este trabajo se llamaba “espera”. Pero la utilización de elementos cotidianos se puede ver y percibir en otras de sus obras como Vértigo, Tango Desnudo I, Tango Desnudo II, Abajo, A un lado, en los cuales se evidencia la ausencia del otro. En estos momentos, la artista se encuentra trabajando en la fusión del color y la naturaleza, a la vez recopila información de sus veinticinco años de carrera para editar un libro que dé cuenta de su trayectoria: “esta búsqueda ha sido intensa, por que me he reencontrado con trabajos que casi no me acordaba, pero que marcaron grandes etapas de mi proceso creativo”, señala. Nuevamente se trata de la memoria. En este caso, la personal que nos permitirá compartir junto a ella, su trayectoria para volver sobre las etapas de nuestra propia historia que evidenciará que en sus obras retrata experiencias que terminan siendo compartidas por el común de la sociedad. María Freire-Smith Dra. en Historia y teoría del arte Revista Arte al Límite, agosto de 2015

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Tango desnudo II.Técnica mixta sobre madera, 120 x 120 cm. 95

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2015-2016 La experiencia a lo largo de mi carrera ha consistido en ir y volver a mis procesos creativos, dando nuevos impulsos cada vez con diferentes enfoques. En este proceso, el reencuentro con la mancha y el color ha sido para inventar a partir de mi propia memoria visual. También me he dejado llevar por la sensualidad de lo curvo y he descubierto un lado más femenino en mi obra. La sensación es más importante que el concepto. Las manchas y las sinuosas curvas permiten al espectador completar su propia visión de mi obra.

Algo más que pinturas

Remanso.Acrílico sobre tela, 80 x 100 cm. Dedicado a Rodrigo Avilés.

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Ciudad en movimiento.AcrĂlico sobre tela, 100 x 100 cm. 98

Algo mĂĄs que pinturas

Entre cerros. AcrĂlico sobre tela, 80 x 100 cm. 99

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Más allá. Acrílico sobre tela, 140 x 120 cm.

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Miradas. AcrĂlico sobre tela, 150 x 110 cm.

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Un mundo de color.Tríptico, acrílico sobre tela, 210 x 100 cm.

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Algo más que pinturas

Enigma.Tríptico, acrílico sobre tela, 150 x 90 cm.

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Cerro arriba.Tríptico, acrílico sobre tela, 150 x 80 cm.

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Ha tomado clases en los talleres de los artistas nacionales Augusto Barcia, Francisco Olivares. Desde el año 1995 a la fecha ha participado en más de cincuenta exposiciones colectivas, en espacios tales como Universidad Católica de Valparaíso, Club Palestino de Santiago, Congreso Nacional de Valparaíso, Sala Viña del Mar, Centro Cultural de Viña del Mar, Castillo Wulff, Sala Mar Futuro, Centro Cultural La Sebastiana, Centro Cultural de Reñaca, Hotel Holiday Inn de Santiago, Galería Municipal de Valparaíso, Casino de Viña del Mar, Sala Carlos Hermosilla, Centro Cultural La Reina Santiago y Casino de Viña del Mar. Ha realizado exposiciones individuales en la Universidad Católica de Valparaíso, Hotel Holliday Inn de Santiago, Hotel Four Points by Sheraton Santiago, Casino de Viña del Mar, Hall Salón de Honor Congreso Nacional, Galería Municipal de Valparaíso y Centro Cultural La Reina. Ha sido seleccionada en numerosos concursos de pintura, tales como: Valparaíso Mi Ciudad, Valparatango, Centro Cultural de Limache, Reñaca en Color, Valdivia y su Río, Primer Concurso de la Cámara de Comercio de Puerto Montt, VIII Salón Regional de Valparaíso, XXXII Bienal de Pintura de Viña del Mar, XXXIV Bienal de Pintura de Viña del Mar y XXXV Bienal de Pintura de Viña del Mar. En 2013 participó de una Clínica de Arte dirigida por Justo Pastor Mellado en el Parque Cultural de Valparaíso (ex Cárcel), seguida de una residencia de seis meses en las instalaciones de este recinto, que culminó con la exposición denominada “Pintura

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Latente II”, presentando una obra de grandes dimensiones, realizada con elementos de construccción. En el año 2014 y 2015 participó de la feria de Arte y Cultura de la Alianza Francesa de Reñaca. Sus obras se encuentran en colecciones en: Universidad Católica de Valparaíso, Holding Brokers CM Group Santiago, Club Palestino de Santiago, Hotel Holliday Inn, Congreso Nacional de Valparaíso y Tribunal Constitucional de Chile, en Santiago. Distinciones recibidas: 1998: Premio Universidad Marítima Concurso Reñaca en Color 1999: Mención de Honor Concurso Mi Ciudad Valparaíso 2000: 2º lugar Concurso Palestina Vista por Chile, categoría aficionados, Club Palestino, Santiago. 2004 y 2005: Mención de Honor Concurso Valparatango, Valparaíso 2006: Mención de Honor Concurso Valparaíso “Mi Ciudad” 2006: Mención de Honor en la Sociedad Nacional de Bellas Artes de Santiago, Palacio de la Alhambra 2010: Mención de Honor Salón Nacional de Pintura Palacio de la Alhambra, Santiago.

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ESTE LIBRO FUE IMPRESO EN LOS TALLERES GRÁFICOS DE

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