Monkey, Revista.

Los Festivales de música más grandes del 2017 Pág. 17

Orígenes del Rock Peruano Pág. 09

Música y Cine Pág. 15

SONIDOS DEL PERÚ

en South by Southwest Pág. 05

EDITORIAL La música es una forma de expresión artística que mueve masas alrededor del mundo. Ya sea por los distintos géneros que existen, y por los que van apareciendo con el paso del tiempo. Este tipo de manifestación cultural ha logrado reunir a millones de personas por un mismo objetivo: Disfrutar la melodía, aquella que distrae del estrés diario, que inspira sentimientos, que trae recuerdos, que hace bailar; que aflora nuestras emociones y nos lleva a un espacio diferente.

Son pocos los medios periodísticos que cubren este rubro, considerándolo difícil de llevar, debido a los distintos gustos y

preferencias de cada quién, pero en Monkey creemos que ya es hora de un cambio.

Monkey es una revista musical llena de todo y para todos. De rap a rock, de pop a reggae, de salsa a funk... Está hecha para artistas, seguidores, músicos, cantantes y compositores. Ha sido creada por ti, por mí, y por esas ganas de saber más sobre tu banda favorita, de explorar un nuevo género musical, de conocer, de cantar, de bailar, de tocar, de disfrutar y escuchar.

Hay millones de formas de divertirse, una de ellas es escuchando música.

Equipo de diseño/ diagramación Freddy Moscoso Vélez Anggela Quiroz Arca Mariela Castillo Albújar Carolina Vigil Torres Christopher Rojas Galindo Juan Guerrero Malqui

TENDENCIAS

Los festivales musicales más grandes:

¿Qué bandas peruanas participaron?

FUENTE: COSAS.PE

Por segundo año consecutivo, un grupo de bandas peruanas aseguran su participación en uno de los festivales de música independiente más importantes. Hablamos del Primavera Sound en Barcelona, que se celebra este año desde el 30 de mayo hasta el 4 de junio. Esta vez, son cuatro agrupaciones nacionales las que han tocado para un público que, desde su primera edición en 2001, ha visto pasar por el mismo escenario a Arcade Fire, So-

Cumbia All Star en Glastonbury

nic Youth, Lou Reed, Iggy & The Stooges, Patti Smith, entre otros.

La delegación peruana en la ciudad catalana está conformada por los grupos Tourista, Riviere, Inzul y Astronaut Project.

Ellos han tocado en Primavera a la ciutat, uno de los tres escenarios dispuestos por los organizadores.

Entre los artistas presentes en el line up, también estarán Mac Demarco, The XX, Arcade Fire (que ya tuvo una sorpresiva aparición), The Growlers, The Magnetic Fields, y más.

Otra de las celebraciones musicales donde asisten los grupos más importantes de rock ocurre en Inglaterra. El Glastonbury Festival of Contemporary Performing

Glasto

, Arts, o simplemente ha recibido en sus escenarios a Metallica, New Order, U2, Radiohead, y más.

Sin embargo, en 2015, quienes pusieron a bailar a los británicos fue un grupo peruano de cumbia.

Se trata de Cumbia All Star, que desplegaron todo su talento sobre el escenario.

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Aldo Linares

en el Festival Internacional de Benicàssim

Es DJ, gestor cultural y vocero de uno de los festivales más destacados de Europa.

El Festival Internacional de Benicàssim (FIB), en Valencia, España, tiene más de 20 años de existencia y congrega hasta 150,000 personas en los cuatro días que dura.

La presencia peruana está asegurada gracias a Linares. Sus beats de electrónica, ya es una costumbre, dan inicio a la fiesta desde hace muchos años. Su música, además, suena entre cada presentación de artistas.

Por aquí han pasado nada menos que Morrisey, Kraftwerk, Wilco, Nick Cave, Leonard Cohen, entre otros grandes.

Dengue Dengue Dengue en Sonár El dúo peruano de música electrónica Dengue Dengue Dengue llevó sus sonidos tribales hasta el reconocido Festival Sónar en Barcelona. Fue en el año 2014 y compartió escenario con Massive Attack, Lykke Li, Dam-Fun, entre otros reconocidos artistas del género.

La dupla, conformada por Felipe Salmón y Rafael Pereira, ha continuado presentándose en las ediciones latinoamericanas del festival.

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Este festival, con más de 30 años de trayectoria, reúne a las bandas más representativas del mundo en Austin, Texas. Con alrededor de 35,000 personas como público, esta fiesta ha convocado varias veces a bandas del Perú.

MUNDAKA

SONIDOS DEL PERÚ

en South by Southwest DELTATRON

LOS OUTSIDERS POOOW!

WE THE LION MOBIVSTRIP

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Las 5 mejores bandas emergentes del rock peruano El rock nacional se encuentra en constante evolución y las bandas emergentes son prueba de que las mejores tendencias se están adaptando y cobrando nuevos sonidos que los jóvenes grupos están incluyendo en su repertorio musical. A continuación conocerás a algunas de las bandas que están cobrando protagonismo viniendo desde abajo.

FUENTE: ROCKZILLA.PE

RIVIERE Quienes en 2013 editaron su disco debut que fue producido por Salim Vera y Lucho Benzaquen. Con el respaldo de tan buenos exponentes del rock nacional pudieron crear temas como “Común extraño” donde se puede apreciar una significativa crítica a la escena musical nacional.

LOS OUTSAIDERS Hacen un rock de garaje que les ha permitido telonear a bandas como The Vaccines.

Hace poco hicieron su álbum debut producido por Gordon Raphael (The Strokes) que albergan un sutil toque de Rock and Roll en temas que bien valen la pena escuchar.

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LOCOMOTOR También ha gozado de buena aceptación en el público. El éxito de su hit “No quiero” los catapultó a la fama al punto de aparecer en MTV. No me verás caer es el EP génesis de la banda con canciones de matices de pop/rock alternativo.

TOURISTA Deficit de atención (2012) que se convirtió en el EP debut del grupo que tiene como líder a Rui Pereira y que hace Indie, rock, pop, dance que se juntan para crear un material original, fresco y veraniego tal y como podemos disfrutar en la canción Requiem.

AERIA El grupo “Aeria” editó su EP debut el 2011, pero no fue hasta realizar el single “La tregua” que vio la luz en el 2014 y le valió buenos comentarios de la crítica aficionada. La banda destaca por su energía al momento de las presentaciones y también es valorada por ser de los pocos grupos jóvenes que apuestan por el grunge y el hard-rock en Perú.

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RAP

EL

GÉNERO

QUE CAMBIÓ

TODO

Fuente: HHGroups

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lrap surge como un estilo musical en los barrios negros y latinos de Nueva York en la década de 1970, como la expresión desde el sonido y las melodías de la cultura hip hop, que agrupa corrien-

tes estéticas como el graffiti, el breakdance o el scratch.

Desde allí se lanzó al mundo, tomando diferentes peculiaridades regionales en cada país o continente.

Musicalmente hablando, mientras el hip hop propia-

mente dicho nace desde la música religiosa de origen negro y se funde en gran manera con el funk y el disco, el rap rompe con esta ligazón y se acerca más al breakdance, tomando al mismo tiempo un lenguaje propio.

En las primeras presentaciones de grupos de rap, el estilo se sustentaba en las musicas de un Disc Jockey que, utilizando algunas canciones y empleando cortes y mezclas, lograba una composición que funcionaba como fondo sonoro para que pudiese rapear un MC o varios intérpretes al mismo tiempo.

Ese lenguaje y esa cadencia particular se sustentan en una actitud contestataria, de una clara tendencia anti-sistema.

Pero como toda expresión artística, resulta muy complejo detenerla o congelarla.

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ORÍGENES DEL ROCK PERUANO Fuente: El Comercio

E

l rock peruano nació diez años y trece días después del final de la Segunda Guerra Mundial: el 15 de setiembre de 1955. Ese día se estrenó en cines locales Blackboard Jungle, o según la traducción castellana: Semilla de maldad. Gracias a una canción de Bill Haley que sonaba en la película, el éxito del filme entre los jóvenes limeños fue explosivo e inmediato.

No pasaría mucho tiempo para que el sello discográfico El Virrey editara la canción “Rock Around the Clock”en versión nacional, en clásico formato de carbón para velocidad de 45 r.p.m. Poco después, cuando el tema ya era parte de la programación habitual de las radios locales, la verdad se hizo aún más evidente: el rock and roll no se iba a ir tan rápido de Lima. En realidad, no se iba a ir nunca.

Bajo la estela cinematográfica de Blackboard Jungle y el poderoso sonido de Bill Haley, dos bandas locales empezaron a practicar el nuevo ritmo: La Orquesta de Eulogio Molina y Los Millonarios del Jazz. Es importante anotar que en ambos casos la etiqueta de “rock and roll” no refiere ni a un estilo de vida ni a una subcultura juvenil, sino únicamente a la elección de un estilo musical.

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L

os Millonarios del Jazz fueron

formados en 1956 por Pat Reid, un irlandés fanático del jazz que llegó al Perú como técnico naval, contratado por el gobierno del general Odría. Al igual que otros melómanos, Reid no era un músico profesional, sino un aficionado con enormes habilidades musicales. Si bien en algunas ocasiones llegó a fungir de cantante de la banda, el instrumento que lo caracterizaba era la batería, con la que se lucía con un peculiar estilo, similar al de los bateros de las grandes bandas de swing y del jazz primigenio de Nueva Orleans.

El resto del grupo lo conformaban el contrabajista Guillermo Vergara, el cantante Francescoli Quintana, el guitarrista Elías Ponce, el pianista José Morelli y el clarinetista argentino Jorge Mirkin, quienes frecuentaban el Club Astoria de Miraflores, punto de encuentro de los limeños aficionados al jazz, ubicado en el sótano de un edificio en la quinta cuadra de la avenida Diagonal.

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Es revelador darse cuenta de que ya en este primer período del rock peruano, la producción musical avanzaba en dos caminos paralelos. El primero, en el que podemos incluir a Eulogio Molina y sus Rock & Rollers y a Los Astoria Twisters, lo constituyen bandas de músicos profesionales, fabricadas por productores y directores musicales con la intención de reinterpretar éxitos foráneos en una versión local. El segundo, en el que podemos incluir a Los Millonarios del Jazz y a Jorge Botteri, abarca a melómanos que se volvieron músicos a partir de su pasión por un género musical. Esta segunda línea, en la que ya encontramos temas propios, es la que continuarán bandas como Los Saicos y Los Yorks, ya a mediados de los años sesenta. A menudo se suele empezar a contar la historia del rock peruano desde aquí, desde la aparición del primer single de Los Saicos. Pero la historia, como ya hemos visto, arranca diez años atrás.

Historia de la Música en el Perú Fuente: Waqay Peruana

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a música peruana tiene orígenes muy remotos desde mucho antes del imperio de los incas. En culturas como Mochica, Chimú y Paracas en la costa, existen indicios primitivos que tenían una música creada con instrumentos arcaicos los cuales utilizaban para celebraban y adoraban a sus Dioses, siempre acompañados de la danza.

La música peruana se gesta en el contexto de la religiosidad, para dar culto a sus dioses.

Realmente no hay un verdadero archivo apropiada sobre la música nativa en las regiones peruanas de la costa anterior a los incas o de los españoles, algunos ritmos antiguos tenían un origen tribal ligados a los ritos paganos de las antiguas civilizaciones costeñas.

La música estaba estrictamente ligada a la danza y a la religión; como la mayoría de bailes, estos tenían máscaras

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Festivales: En Perú se celebran más de tres mil fiestas al año. La mayorí­a de los festivales y fiestas del Perú son de carácter religioso y se remontan a la época colonial, pero debajo de estas celebraciones muchas veces subyacen ritos paganos que se fusionaron con la religión católica generando el colorido y originalidad de los festejos, en estas fiestas la música se destaca mucho, con bailes y cantos provenientes del Perú.

y atuendos con una expresión sagrada y ritual muy importante. Este tipo de música y bailes duro un largo tiempo con las yuncas.

La música peruana y americana comienza en paralelo con la creencia de la religión.

Los españoles que llegaron al principio del siglo XVI, eran soldados conocedores de cantos guerreros o rurales, monídicos ya existentes en la época musical, al comienzo bajo la influencia barbárica y la árabe apareció en la época del renacimiento.

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El Diseño y la Música Últimamente me interesa mucho la relación que hay entre el Diseño Gráfico y la Música, y es que realmente son dos lenguajes que van cogidos de la mano desde siempre.

Ambos se aportan y enriquecen mutuamente, incluso se necesitan para funcionar. ¿Qué diseñador no se pone música a la hora de trabajar? Incluso solemos elegir el tipo de música acorde con el proyecto que tenemos en marcha. Y, ¿qué proyecto musical no lleva detrás un profundo estudio de diseño de imagen visual? Detrás de la producción de un disco hay diseñadores de todo tipo: gráficos, publicitarios, editoriales, técnicos… Y es que, como sabemos, el diseño gráfico se centra en la definición de la identidad visual de una empresa, producto o servicio. En este caso el producto es musical.

Son dos tipos de arte, dos lenguajes capaces de despertar sentimientos y emociones en el público que los percibe. Por supuesto, hablo desde mi opinión personal de que música y diseño van de la mano, pero hay bastantes razones que me justifican.

Ambas comparten muchos conceptos a la hora de hablar de ellos. Por ejemplo: el tono, el ritmo, la armonía, la repetición, la intensidad… Seguro que tanto diseñadores como músicos conocen esos términos en su lenguaje, y no son tan diferentes entre sí.

Pero, sobre todo, lo que tiene en común es la creatividad. Un buen diseño, así como una buena música, están basados en esta cualidad clave. Tanto uno como otro deben estar en permanente búsqueda y experimentar nuevas sensaciones que les permita expresarse y crear algo que, además de gustarles a sí mismos, despierten en los demás una reacción positiva.

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En algunas charlas y eventos donde el tema es la relación entre imágenes y música, se llega a la conclusión de que las imágenes saben interpretar los sentimientos de la música.

Lo que sí es cierto es que, como he comentado antes, detrás de un proyecto musical existe un profundo estudio de identidad visual. No sólo el diseño se centra en la portada del disco, sino en la imagen global que quiere transmitir dicho proyecto musical. El diseño se convierte así en un vehículo para llegar a su público.

Cada tipo de música tiene un público objetivo al que pretende llegar, una personalidad y unos valores que quiere transmitir, una competencia de la que destacar… y el diseño gráfico conoce el lenguaje visual que debe utilizar para conseguir todo esto, ayudará a crear una audiencia. Todos los elementos se definen en función de la música: la tipografía a utilizar, el estilo, la paleta de colores, incluso la indumentaria o el maquillaje. Debido a que cada vez se utiliza menos el CD, ya que se compran los mp3 a través de Internet (y en el peor de los casos se descarga la música pirata) el diseño se centra, además del disco, en todo lo que acompaña al proyecto musical o al artista.

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A veces puede parecer que la música pierde su esencia y se pierde entre tanto análisis y estudio visual. Pero no es así, el diseño sólo sirve de apoyo a la música para que ésta llegue a su público con más fuerza. Somos una sociedad invadida por millones de imágenes al día y todo está sumamente cuidado para captar la atención de quien interesa. Sólo hay que fijarse en que cuando vamos al supermercado y dudamos entre varios productos solemos decidirnos por aquél que nos cautiva y atrae más su envoltorio.

Al igual que todo esto, pienso que acompañar una serie de imágenes con una melodía adecuada puede envolver al espectador de tal forma que multiplique la emoción y el sentimiento de la imagen.

Esto se utiliza en muchas galerías de arte, que acompañan la exposición (casi siempre centrada en un tema concreto) con música intencionada.

Como conclusión, decir que se abre para mí una nueva visión con la que enriquecer mis trabajos de diseño. Tomar nota de grandes trabajos de diseño de identidad visual en el mundo de la música me aportará nuevas soluciones a la hora de plantear los proyectos que me surjan. Y además, ¡seré consciente de lo bien que me sienta diseñar con música

Música y Cine,

una relación indispensable La música es una parte muy importante en las películas, ayuda a transmitir los sentimientos y emociones de las actuaciones. No podríamos imaginar una película de terror sin la música de fondo, que nos advierte que el asesino se encuentra cerca.

Sería casi imposible aumentar la adrenalina en una persecución de autos o lograr expresiones de la audiencia en una escena romántica.

Cada director experimenta de forma distinta con la música, en ocasiones utilizan canciones reconocidas como apoyo del filme, pero cuando se compone una banda sonora pensada en las escenas y la temática de la película, la relación es indispensable. Esta sincronización de temas vocales, música instrumental y sonidos propios de la película fabrican una identidad y sello distintivo de la película.

John Williams, quien realizó la música para La guerra de las galaxias, Tiburón, Parque Jurásico y Harry Potter, es uno de los más reconocidos en Hollywood, al igual que Danny Elfman (Batman, Hombres de negro, Misión imposible), Hans Zimmer (El Rey León, Sherlock Holmes, Inception) y Howard Shore (El Señor de los anillos, El silencio de los inocentes).

Todos ellos se suman a una gran lista de compositores que han hecho del cine una experiencia inolvidable, en la que muchas veces la banda sonora puede incluso rebasar a la película, por esta razón la Academia de Cinematografía en Estados Unidos reconoce cada año en la entrega del Óscar, a las bandas sonoras excepcionales.

shhhh estuvo buena !

Canchita !

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Conoce las películas que han hecho historia al ganar un Óscar, en la categoría a mejor música original a través de los años Shakespeare enamorado (1998)

La vida es bella (1998)

Tiburón (1975) Pinocho (1940)

Titanic (1997) Up (2009)

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Los

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Festivales de música más grandes del 2017 Hacemos un recorrido por los eventos musicales más prestigiosos a nivel mundial, los que destacan no solo por la calidad de producción y las masivas asistencias sino que, sobre todo, por los invitados de lujos que se presentan.

5 Waken Open Air (WOA) to

El heavy metal es el género que reina en este festival celebrado cada año en Wacken, al norte de Alemania. En 1990 fue la primera edición de esta fiesta metalera

donde participaron, únicamente, bandas locales. Tras ocho ediciones, WOA ya había tomado suficiente relevancia y se convirtió en el evento más importante en

Europa del género metal. Este masivo concierto se desarrolla a principios de agosto, dura tres días y son invitados alrededor de 150 artistas.

Las bandas salvadoreñas, Araña y Virginia Clemm tuvieron la oportunidad de tocar sus temas en 2015 y 2011, respectivamente.

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4 Coachella to

El heavy metal es el género que reina en este festival celebrado cada año en Wacken, al norte de Alemania. En 1990 fue la primera edición de esta fiesta metalera donde participaron, únicamente, bandas locales. Tras ocho ediciones, WOA ya había tomado suficiente relevancia y se convirtió en el evento más importante en Europa del género metal. Este masivo concierto se desarrolla a principios de agosto, dura tres días y son invitados alrededor de 150 artistas.

Las bandas salvadoreñas, Araña y Virginia Clemm tuvieron la oportunidad de tocar sus temas en 2015 y 2011, respectivamente.

3 Vive Latino ro

Es tomado en cuenta por ser uno de los más famosos festivales de la región Latinoamericana. Se festeja desde 1998, en el Foro Sol de la Ciudad de México. La oleada de agrupaciones de rock que nacieron a mitad de la década de los 90 en el país azteca fue un motor para echar andar este masivo concierto. En su primera edición se presentaron 42 artistas, ahora reúne a más de 50.

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Bandas presentadas: Los Aterciopelados, Molotov, Bersuit Vergarabat, Caifanes, Fobia, Maldita Vecindad, Kikky, Paté de Fuá, Panteón Rococoó, Carla Morrison, The Pinker Tones, Las Víctimas del Doctor Cerebro, Calle 13, Celso Piña.

2 Rock In Rio do

Fue creado por el empresario brasileño Roberto Medina en 1985.

El rock y pop son los géneros que prevalecen en este festival señalado como “el más grande del mun-

do”. Y es que Rock in Rio ha tenido a invitados de gran renombre, como Queen, AC/DC, Guns N’ Roses, Iron Maiden, The Police, Stevie Wonder, The Rolling Stones, Rammstein y muchísimos más.

Su rotundo éxito lo llevó a expandirse a ciudades como Lisboa y Madrid. Durante más de tres días, los asistentes se deleitan con grandes estrellas.

1 Tomorrowland ro

El género electrónico también tiene su propio festival. Es la ciudad de Boom, en Bélgica, que recibe a reconocidos disc jockeys. En la primera edición se celebró en agosto de 2005. En la actualidad, Tomorrowland atrae a más de 210,000 personas de más de 70 nacionalidades.

Quienes asisten a este mega festival electrónico se adentran a un mundo -literalmente- de fantasía, ya que la escenografía de gran calidad simula un cuento de hadas.

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Los Premios a la música más conocidos del Mundo La música es una de las actividades más representativas de nuestra condición como seres humanos y como tal, también tiene sus premios en lo que se reconoce a los exponentes y músicos más importantes. Aquí conocerás algunas de las premiaciones más famosas.

Mercury Prize Establecido en 1992 por la Asociación Británica de Discográficas premia el mejor álbum británico y de Irlanda del año. Este año 2017 el elegido ha sido Sampha por su ópera prima, Process. Una colección en la que se incluyen pistas como Blood on me y (No one knows me) Like the piano, que han formado parte de nuestra lista de favoritos.

American Music Awards Conocidos en la industria como AMA, son los premios que se entregan a lo mejor de la música estadounidense. Fueron creador por Dick Clark en 1973, para competir con los premios Grammy. Los premios se otorgan con el voto de los consumidores de la música y están abiertos a músicos extranjeros.

Este 2017:

Se celebró la gran fiesta de los American Music Awards 2017, con Bruno Mars como gran triunfador al llevarse 7 de los 8 premios a los que optaba, entre ellos el de artista del año.

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Billboard Music Awards

Además de la música, esta premiación también se basa en los videos de las canciones que realizan las distintas agrupaciones contendientes. Establecidos en 1984, tienen versiones en Europa, Asia, Australia y Rusia.

Este año Taylor Swift partía como favorita con 6 candidaturas, pero se ha quedado sin trofeo. Shawn Mendes ha sido el gran triunfador, llevándose 4 galardones (canción, artista, fans, y artista canadiense).

A diferencia de los votos o las decisiones de periodistas o académicos de la música, los Billboard se rigen estrictamente por las ventas de música física o en línea. Aunque tienen un premio especial que reconoce la creatividad.

Este año , David Bowie fue uno de los grandes protagonistas, ya más de un año después de su fallecimiento. Con premios en dos de las principales categorías: artista masculino británico .

MTV EMA

Premios Grammy

Los premios más conocidos de la industria, pero también los más cuestionados, ya que son otorgados por la Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Grabación desde 1959.

Luis Fonsi y Daddy Yankee han hecho pleno en la 18 edición de los Grammy Latinos, al llevarse los cuatro premios a los que optaban con Despacito. Vicente García se llevó 3 trofeos, y Residente, el gran favorito en principio con el mayor número de candidaturas, 9, se quedó con 2 galardones. Con Alejandro Sanz como Latin Recording Academy Person of the Year.

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Conciertos confirmados para el

2018

Grandes artistas internacionales llegarán a nuestra capital para próximos conciertos en Perú, algunos por primera vez y otros visitarán nuestro país nuevamente. El Estadio Nacional y el Jockey Club, serán los escenarios sobre todo de el punto de encuentro de estos cantantes con sus fans.

Firewind

LUGAR: C.C. Festiva FECHA: 3 de marzo ENTRADAS: Aún no confirman

Phil Collins

LUGAR: Jockey Club

FECHA: 13 de marzo ENTRADAS: Teleticket

Depeche Mode

LUGAR: Estadio Nacional de Lima FECHA: 18 de marzo ENTRADAS: Teleticket

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Katty Perry

LUGAR: Jockey Club

FECHA: 21 de marzo ENTRADAS: desde el 01 de diciembre en Teleticket

Radiohead

LUGAR: Estadio Nacional de Lima FECHA: 17 de abril ENTRADAS: Teleticket

Jorge Drexler

LUGAR: Gran Teatro Nacional.

FECHA: 21 de mayo de 2018.

HORA: 8:00pm ENTRADAS: Venta online.

El efecto Kanye:

el día en que los raperos se apropiaron de la moda Lo que un día fueron Madonna y Britney Spears, hoy lo son nombres como Drake, Pharrell, A$AP Rocky y Kanye West.

En su momento, el pop invadió la moda. Madonna marcó tendencias, todas las grandes marcas la querían vestir y su rostro estuvo en las más prestigiosas campañas y revistas; lo mismo sucedió con Britney Spears a principios de los 2000’s. Hoy, el surgimiento de tendencias urbanas, como el streetwear y el sportscore, ha dado pie a que la industria voltee la mirada a otro género musical: el rap.

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M

uchos factores han influido en la popularización de personajes como Kanye West, Drake o Pharrell en el mundo de la moda, pero… ¿cómo ha sucedido esto? Podemos explicarlo en gran parte con el auge del género musical en sí, el rap y el hip-hop han salido del Bronx de Nueva York para convertiste en los grandes hits de Billboard que suenan hasta en las más exclusivas veladas.

A mayor visibilidad de los artistas, mayor interés en su look.

La moda se mueve a la velocidad de la luz, adaptándose al momento y, hoy, es el momento del rap.

No sólo nos encontramos ante grandes campañas con los rostros más famosos de la música, también nos encontramos con nombres como Kanye West o Drake incursionando en el diseño de moda. Y con gran éxito, produciendo best-sellers y piezas que se viralizan en cuestión de horas.

Para convertirlos en las personalidades tan grandes que son hoy en día, también han influido en gran medida las redes sociales. Si la gente sabe que Pharrell es fan de Chanel y A$AP Rockyde Gucci, es gracias a sus publicaciones en Instagram que suman miles de likes. De ahí que grandes marcas los elijan como protagonistas de sus campañas y reconozcan su carácter como influencers.

Lo mismo sucede en Latinoamérica con el reguetón y J Balvin es el más claro ejemplo de ello.

El compositor y cantante se ha convertido en el ícono de estilo de la región, desarrollando una estrecha relación con Chanel y protagonizando la portada de #VogueHombre.

High Snobiety declaró a esta como la década en que el rap dominó la moda por completo. Y si sus éxitos en la industria no lo han confirmado, basta ver a sus parejas para hacerlo. Kim Kardashian, Rihanna, Kendall Jenner, Beyoncé… las power couples del momento tienen dos ingredientes: una top model o cantante + un rapero.

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“Sí, el rap ha llegado a la moda y no se irá a ningún lado” Fuente: Vogue

El arte de las cazadoras punk de cuero negro Fuente: Cultura Inquieta

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uando Marlon Brando pasó rugiendo por la ciudad en su motocicleta en The Wild One, popularizó la cazadora negra de cuero como símbolo de la moda rebelde.

Los motociclistas habían usado las chaquetas de cuero como protección, pero éstas fueron rápidamente adoptadas por los músicos de rock (desde Eddie Cochran, Gene Vincent o The Beatles, hasta Elvis) como una reafirmación de su estatus de outsider.

Aunque las modas cambiaron en la década de 1960 al denim suave y los colores psicodélicos, la chaqueta de cuero negro nunca perdió su estatus icónico como vanguardista, radical y subversivo.

La chaqueta de cuero negro de los estudiantes revolucionarios del París del 68, se convirtió en el uniforme de moda de la caótica Baader-Meinhof, antes de regresar a su hogar espiritual formando los trajes combinados de los rockeros proto-punk The Ramones.

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Joey, Johnny, Dee Dee y Tommy hicieron que la chaqueta de cuero negra fuera imprescindible para los punks, y pronto se convirtieron en última moda vendidas por los astutos Vivienne Westwood y Malcolm McLaren en su boutique SEX de Londres.

Los adolescentes de todo el Reino Unido compraron chaquetas baratas de cuero negro o de imitación de cuero y las decoraron con los nombres de sus bandas favoritas, lemas políticos o mini manifiestos escritos con Tipex, pintura o esmalte de uñas.

Había un arte naif en ese bricolaje, una singularidad que encapsulaba la esencia del punk (su capacidad de ofender) y el carácter del dueño de la chaqueta.

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Escenarios de festivales que te rompen la cabeza Shows de luces y láser, juegos pirotécnicos y experiencias alucinantes que han definido la identidad visual de los festivales masivos del mundo.

TOMORROWLAND Fuente: Thump

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os escenarios en los festivales de música electrónica vienen pegando fuerte y han ido creciendo al igual que nuestras ganas por más fiesta, convirtiéndolos en el templo sagrado para los DJs más prestigiosos del planeta.

Estas áreas se diseñan, se desarrollan y elaboran por un ejército de artistas creativos, técnicos e ingenieros que pasan varios meses planeando ingredientes extras para estimular los senti-

dos de sus miles de asistentes, y dejarnos con el ojo cuadrado y la boca abierta.

La tecnología ha dado pasos de gigante y ahora podemos ser testigos de una evolución en macro estructuras. Las producciones audiovisuales ahora son de nivel cinematográfico, las escenografías se convirtieron en monstruosidades jamás antes vistas y los diseños de iluminación junto con una buena ejecución, dan un resultado exquisito.

Este escenario alberga los mejores y más importantes DJs del mundo y te sumerge en un mundo de fantasía, historias y cuentos de hadas. Siendo uno de los escenarios más aclamados, su proyecto no deja de sorprender a los amantes de la música electrónica año tras año.

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Si hay algo por lo que es conocido Mysteryland es por su despliegue escenográfico. Aproximadamente son cinco meses los que se demora el trabajo de construcción y elaboración de los escenarios, y la espera vale la pena porque cada segundo de su show es inigualable.

MYSTERYLAND

Si hay algo por lo que es conocido Mysteryland es por su despliegue escenográfico. Aproximadamente son cinco meses los que se demora el trabajo de construcción y elaboración de los escenarios, y la espera vale la pena porque cada segundo de su show es inigualable.

LIFE IN COLOR

El escenario principal del Ultra Music Festival en Miami se ha convertido en todo un icono de enorme prestigio. Con una arquitectura extravagante y sus ambiciosos diseños, hacen que sea uno de los festivales más reconocibles alrededor del mundo.

ULTRA MUSIC FESTIVAL 28

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