StreetArt

La revista de la calle con un estilo gr谩fico

Graffiti

Arte

Caligrafiti

N潞1

Edici贸 Limitada

MAGAZINE

STREETART

Junio - Julio - 016

Exposici贸n de OBEY en barcelona mejores obras y Biografia

ETAM CREW

graffitis descomunales

POLKRAS LAMPAS & SHOE CALIGRAFFITI 06>

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Y MUCHOS MAS....

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URBAN RULES!

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SUMARIO BIOGRAFIA Y OBRAS OBEY

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BIOGRAFIA Y OBRAS BANKSY

8-11

OBRAS ETAM CREW

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CALIGRAFFITI Y SUS CREADORES

16-19 SOFLES

30-31

A SKYD CALLED SEBASTIAN

20-21 BLU

22-23 NUNCA

24-25 SUSO33

26-27 ARYZ

28-29

O

Biography

Obey, llamado Frank Shepard Fairey, es un artista callejero y diseñador gráfico nacido en Estados Unidos. Obey se ha vuelto famoso por una campaña pegatinera que consistió en la imagen del luchador televisivo André el Gigante.

En sus formas y estéticas, Fairey mezcla características del cómic, elementos del cartelismo propagandístico de las fuerzas políticas del siglo XX, así como del arte pop.

Habiéndose presentado en la escena como uno de los artistas callejeros pioneros en la utilización de la pegatina, en la década del noventa, también se ha destacado en el desarrollo del póster como forma de expresión. En la forma y el contenido de estos pósters, Fairey presenta generalmente una temática enlazada con discusiones políticas o sociales propias del momento, intentando promover el pensamiento y la evaluación de dichos problemas por parte de quienes presencian sus trabajos, mediante el planteo político y social, así como el estético.

A su vez, su fama de artista ha alcanzado ciertos niveles de controversia. Trabajando como diseñador gráfico para

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grandes compañías y marcas, Fairey también ha sido arrestado por sus intervenciones públicas con campañas del estilo de las ya nombradas. Esto ha generado la discusión sobre la posición del artista y sus pensamientos e ideologías en la época en donde se desarrolla.

La campaña de Obey Giant La campaña de Fairey denominada Obey Giant, ha generado una gran variable de posiciones, dado su contenido. Utilizando la imagen del luchador televisivo André el Gigante, Fairey desempeño esta campaña sin ningún fin alguno, provocando así la confusión y la controversia por parte del público.

En su campaña se produce una mixtura entre su pseudónimo y el término de la campaña: Obey. En un principio, el lema de la obra fue limitado al “Obey Giant”, obedece al gigante, sin embargo, con el tiempo fue variando las leyendas en sus pegatinas y pósters hacia puntos más sociales y políticos.

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Exposición de Shepard Fairey en la Galería 3 Punts La muestra, hasta el día 23 de noviembre, incluye algunos de los diseños y obras de street art del artista norteamericano Autor: Barcelona Cultura

Arte, Arquitectura y Diseño La Galería 3 Punts de Barcelona ofrece, hasta el día 23 de noviembre, una exposición con algunas de las obras más populares de Shepard Fairey. El artista, de nacionalidad norteamericana, es uno de los máximos exponentes del llamado street art, junto con otros nombres conocidos como los del británico Banksy o el francés Blek Le Rat. La muestra que exhibe la Galeria 3 Punts incluye una variada selección de ediciones cortas pintadas a mano, serigrafías y piezas únicas de un artista acostumbrado a fusionar el arte con el mensaje social. Sus obras, así, reconvierten imaginarios populares y subvierten la cultura

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y las consciencias colectivas. Una obra gráfica que juega con los tópicos de la publicidad de los años 40, el cartelismo ruso, el arte pop, el cómic norteamericano y el punk.

Destacan, entre ellas, las satíricas proclamas políticas en relación a figuras como las de los expresidentes de los Estados Unidos Nixon y Reagan; las críticas punzantes contra la guerra y el fascismo; obras particulares para bandas de músicos y cineastas; o la que es, probablemente, su obra más conocida a nivel mundial: los retratos de Barack Obama y la consigna Hope, que se utilizaron para la campaña presidencial del año 2008.

O HOPE PROGRESS

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Biography Biography Biography

El vomito del artista - El vomito de la sociedad está en todas partes.

Banksy es el seudónimo de un prolífico artista del street art británico. Nació en Liverpool, en 1974, pero los datos acerca de su identidad son inciertos y se desconocen detalles de su biografía. Según Tristan Manco, Banksy «nació en 1974 y creció en Bristol, Inglaterra. Hijo de un técnico de fotocopiadoras, se formó como carnicero pero se vio implicado en el graffiti durante el boom del aerosol en Bristol de finales de la década de 1980». Su trabajo, en su gran mayoría piezas satíricas sobre política, cultura pop, moralidad y etnias, combina escritura con graffiti con el uso de estarcidos con plantilla (conocidos

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B

generalmente como stencils, del inglés). Su arte urbano combina escritura con una técnica de estarcido muy distintiva, similar a Blek le Rat, quien empezó a trabajar con estarcidos en 1981 en París; y miembros de la banda de anarco-punk Crass, que mantuvieron una campaña en las instalaciones del metro de Londres a finales de la década de los setenta del siglo XX e inicios de los ochenta.

Banksy reconoció la influencia de Blek diciendo “cada vez que creo que he pintado algo ligeramente original, me doy cuenta de que Blek le Rat lo hizo mejor, sólo que veinte años antes.”1 Sus obras se han hecho populares al

B ser visibles en varias ciudades del mundo, especialmente en Londres.

Identidad oculta

Banksy oculta su identidad real a la prensa general. Muchos periódicos han apuntado que su nombre podría ser Robert Banks o Robin Banks, pero este rumor podría haberse originado a partir de una broma por la similitud fonética entre el nombre “Robin Banks” y “robbing banks” (“robando bancos” en inglés). Otro nombre sugerido incluye el de Robin Gunningham.

Simon Hattenstone, de Guardian Unlimited, una de las pocas personas en entrevistarlo cara a cara, lo describe como “una mezcla entre Jimmy Nail y el rapero inglés Mike Skinner” y “un varón de 28 años que se presentó en un par de jeans y una camiseta con un diente de plata, una cadena de plata y un arete de plata”.

Generalmente se cree que es un varón blanco, de pelo rubio, alto, que viste ropa típica del gra fitero y que tiene entre 28 y 35 años.

Comenzó su obra en las calles de Bristol, su ciudad natal, entre 1992 y 1994. En el año 2000 organizó una exposición en Londres y después de esto ha plasmado sus pintadas en ciudades de todo el mundo.

Banksy utiliza su arte urbano callejero para promover visiones distintas a las de los grandes medios de comunicación. Esta intención política detrás de su llamado “daño criminal” puede estar influida por los Ad Jammers(movimiento que deformaba imágenes de anuncios publicitarios para cambiar el mensaje).

Banksy también trabaja cobrando para organizaciones benéficas como Greenpeace y para empresas como Puma y MTV, y vende cuadros hasta por 25.000 libras en circuitos comerciales o en la galería de su agente, Steve Lazarides. Un juego de obras de Banksy se vendió en la casa de subastas Sotheby’s por 50.400 libras. Esto le ha llevado a ser acusado de vendido por otros artistas y activistas.

Hay varios temas que se repiten en la obra de Banksy: ratas, oportunidades de foto (lugares típicos donde los

turistas desearían hacer una foto sin pintadas), soldados orinando, policías, etc.

Hombre desnudo, imagen obra de Banksy, en Park Street, Bristol, Inglaterra, en la pared de un centro de planificación familiar. Según consulta popular efectuada, el ayuntamiento ha decidido que esta imagen no será borrada3 en Park Street,Bristol, Inglaterra. - (Visión más amplia).

2005

En agosto de 2005, Banksy realizó murales sobre el Muro de Cisjordania, construido por Israel en los territorios ocupados de Cisjordania (concretamente en Belén, Ramala y Abu Dis), combinando varias técnicas.

2014

En octubre de 2014, Se encontró un nuevo mural de Bansky llamado Girl with a Pierced Eardrum (Chica con un Tímpano Perforado), el cual se refiere a una parodia del famoso cuadro de Johannes Vermeer llamado Girl with a Pearl Earring (Chica con un Arete de Perla), cambiando la valiosa joya por una alarma de seguridad en la fachada de un estudio de grabación en Hanover Place, Brístol. El mural atrajo gran atención ya que es exhibido en la ciudad donde creció el artista y apareció después de un gran rumor de su arresto.4

Vandalismo ante obras

A tan solo 24 horas de su creación, la obra Girl with a Pierced Eardrum en Brístol (Chica con un Tímpano Perforado) fue manchada con pintura negra en un acto de vandalismo y crítica hacia el artista. Aunque no es la primera vez que sucede este tipo de daños en contra de su obra, en la pieza llamada Art Buff en Kent, Londres dos semanas después de su exposición apareció un pene y su pieza en Cheltenham, Gloucestershire sobre la excesiva vigilancia del gobierno hacia el estado fue vandalizada con espray rojo y plateado. Otro caso fue el famoso mural de Mild Mild West en Stokes Croft manchado con pintura roja. Por la importancia y posicionamiento que este artista ha logrado a través de los años ahora sus piezas son protegidas con plásticos que permiten una restauración ante este tipo de daños.

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Mejores graffitis

Un vándalo para algunos, un gran artista para otros… no cabe duda que el británico Banksy, cuyo éxito no le ha destapado del más absoluto anonimato, no deja a nadie indiferente.

La crítica social (y global) está presente constantemente en la obra de Banksy. Ésta de Londres (en Chalk Farm, próximo a el Mercado de Camden) deja muy claro lo que se hace con las cosas que no gustan, esconderlas debajo de la alfombra en vez de buscarles una solución.

Guardando la basura debajo de la alfombra.

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El hom bre

des nudo

Una de las obras de Banksy que más polémica suscitaron son las de un hombre desnudo sujeto a una ventana para escapar de un marido celoso de su mujer adúltera. Se puso en un Centro de Planificación Familiar de Bristol (Inglaterra) y tras suscitar cierta controversia el Ayuntamiento de la localidad consultó a sus ciudadanos si se retiraba o no, desprendiendo un resultado cada vez menos sorprendente. De ahí no se iba a mover aquel grafiti.

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Etam cru es un duo de grafiteros polacos llamados Bezt y Sainer Cuentan cada vez con increibles trabajos a escala gigante en fachadas de edificios. Las pinturas son hechas con acrílico y óleo, y poseen increibles detalles que demuestra su completa maestria en ese trabajo. Con este tipo de obras que no molestan a nadie y que tienen un aliento que patrocina su trabajo.

Su trabajo, además de representar el simbolismo folklorico y ser rico en misticismo de Europa del Este, juega con el humor y el sarcasmo de la sociedad actual. Normalmente, las obras de arte de estas dimensiones y cali-

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dad requieren de un gran esfuerzo, tiempo y recursos.Es gracias a los videos que Etam Cru muestra en su página oficial, como los espectadores conocen la técnica que ambos utilizan para completar su trabajo

E Moonshine. Richmond, VA, United States, 2013 13

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¿Que es Calligraffiti?

Calligraffiti es una combinación de la caligrafía y el graffiti. La caligrafía es el arte de la escritura y puede tener muchas formas. Ya se trate de caracteres japoneses cepillo antiguos, escrituras pictóricas árabes, iluminado libros medievales o la escritura pluma swirly ... todo caligrafía.

El graffiti es el arte de conseguir su (pseudo ) nombre en un entorno urbano. Perfeccionado en la ciudad de

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Nueva York y ahora en un fenómeno mundial, el relativamente nuevo arte de graffiti y sus normas un tanto rígidas nos impulsa a mirar más atrás en la historia de la escritura.

Esto es exactamente lo que Niels Shoe Meulman ha estado haciendo desde su adolescencia y al comienzo de este siglo comenzó a combinar los dos. Así que resulta en Calligraffiti: caligrafía tradicional con una actitud metropolitana.

¿Quien es Niels Shoe Meulman?

Niels Shoe Meulman (1967) es un artista de renombre internacional, nacido, criado y con sede en Amsterdam, Países Bajos. Comenzó etiquetar 'zapato' en 1979 y se convirtió en una leyenda pintada en el momento en que él tenia 18 años. En la década de 1980 conoció a artistas de Nueva York como Dondi Blanca, Rammellzee y Keith Haring. Luego formó el Crimen Tiempo Reyes con Bando de París y Modo 2 de Londres. Juntos dieron graffiti en Europa su propio estilo distintivo.

En la década de 1990 se amplió su técnica de aprendiz bajo el artista gráfico holandés Anthon Beeke. En los años posteriores, él dirigió su propia empresa de diseño,

Caulfield y Tensing y era socio en la agencia de publicidad Rebelde, que más tarde se convirtió en la marca de pañuelos de seda y una galería.

Niels Shoe Meulman revolucionó el arte de la escritura en 2007 con Calligraffiti, una forma de arte que fusiona la caligrafía y el graffiti. Desde entonces, sus pinturas caligráficas ( firmado NSM ) se ha demostrado en innumerables exposiciones internacionales y son parte de varias colecciones de los museos. Su estilo reciente pintura puede ser descrito como el expresionismo abstracto con un origen caligráfico. Desempeña un papel importante en el nuevo movimiento de arte abstracto de vandalismo.

NS 17

P Pokras Lampas

Pokras Lampas - artista caligrafía moderna, con muchos años de experiencia en la calle - arte.

Compagina el trabajo en diferentes proyectos de diseño con muchas exposiciones y perfomances , así como talleres y festivales de calle - arte. Él crea algunas composiciones caligráficas escala grande dentro de un entorno urbano y el interior , y siempre está tratando de experimentar con formas y volúmenes de la tipografía. Leer menos El dibujo de letras es definitivamente atrayente, más allá del idioma, es encantador ver letras bien diseñadas y bellamente decoradas, ahora, si el lienzo es igual de bello, mejor aún, y en el caso de POKRAS LAMPAS el lienzo

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fueron cuatro bellas mujeres, esto ya que una empresa de marcadores le encargó usar sus productos pintando sus letras sobre la piel de bellas mujeres.

Además POKRAS LAMPAS ha llevado su trabajo de tipografía y caligrafía a objetos en acrílico, camisetas y muros, que tal vez no sean soportes tan atractivos como la piel femenina pero el artista ruso logra buenos resultados.

Para ver más del trabajo de caligrafía de POKRAS LAMPAS puedes visitar su Behance.

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CALIGRAFIA A FLOR DE PIEL

www.behance.net/pokras

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scs A SQUID CALLED SEBASTIAN

Nacido en los EE.UU. y criado en Europa, hace pinturas, dibujos, wheatpastes y 3D.

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s

Mi trabajo es en su mayoría es bastante autobiográfico aunque eso no siempre puede ser visible. Me gusta que mis obras para contar algún tipo de historia. Hemos visto todos los extremos en el realismo vs batallas abstractos en la palabra de la pintura. Creo que nuestras expresiones personales son la única forma de pintura que todavía permanecerá interesante en el futuro. Nuestro personal manera de pensar y proyectar nuestras ideas a los espectadores es algo que nadie más puede hacer, no en la forma en que lo hacemos por lo menos.

Nunca he sido capaz de centrarse siempre en otra cosa que el arte. Trabajé como un áspero en pre prensa publicidad por un tiempo después de mis estudios, pero fue

demasiado creativa drenaje. Pronto me di cuenta de que yo no estaba trabajando en proyectos personales y que el trabajo que estaba haciendo no estaba desafiando mí o gratificante de ninguna manera. Dibujo a cabo otras ideas de los pueblos de los productos cojos y personas creativamente romos que tiran de las cuerdas.

Un montón de artistas, muertos y vivos, la gente, la vida, la pasión, el consumismo, la rebelión, cómics, los medios de comunicación en todas sus formas, la nostalgia básicamente ingredientes que me hacen quien soy como persona hoy. Así que la mayor parte de mi inspiración viene de mi entorno y pasado, y la forma en que los llevo dentro y procesarlos.

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BLU Blu es el pseud贸nimo de un artista italiano que ha decidido permanecer en el anonimato.

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El arte urbano de Blu Blu es un artista callejero nativo de Bolonia, al norte de Italia. Sus primeros trabajos de arte callejero datan de principios de 2000, en las calles de su ciudad natal, elaborando y estampando, muchas veces en murales, personajes monstruosos, gigantes, figuras de perfil mítico, siempre bordeando lo fantástico, pero en ámbitos y círculos cotidianos.

Si bien sus trabajos no han alcanzado una década, su reputación y su calidad como artista gozan de buena salud, no sólo en Italia o en Bolonia específicamente, donde, de hecho, Blu cuenta con un relativo anonimato, sino en diferentes partes del mundo. Blu ha sido convocado, años atrás, a una exposición realizada en las superficies exteriores del Museo Londinense, Modern Tate Gallery.

La obra de Blu Como resultado de la conjunción de diferentes influencias, la obra de Blu puede relacionarse tanto con los clásicos frescos, propios de una Italia antigua, como con creaciones modernas, como figuras y dibujos de cómics independientes y undergrounds, además de formas propias del graffiti.

Al igual que la mayoría de los artistas callejeros, las obras de Blu se realizan dentro de la ilegalidad y el anonimato mediático. Los trabajos de Blu son proyectados desde bocetos diseñados en cuadernos, hacia grandes muros, efectuando un golpe sorpresa, mediante mixturas entre seres fantásticos en zonas elegidas, espacios urbanos y frecuentemente cotidianos.

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NUN Francisco Rodrigues da Silva más conocido como Nunca es un artista brasileño que utiliza una técnica de grafiti para crear imágenes que confrontan el Brasil moderno y urbano con su pasado indígena.

Nunca es un artista con un marcado estilo gráfico y de cómic, donde destaca la raya y el color, denotando una clara influencia al estilo artístico Pop art, con sus famosos artistas Warhol y Lichenstein.

A pesar del reconocimiento internacional de su obra ha sido objeto de críticas en su país natal, todo esto cambio cuando participó en una exposición de arte urbano en la Galería Tate Modern de Londres, que dio lugar a una significativa reevaluación de su trabajo por su ciudad natal.

Su “ etiqueta” Nunca ( “Nunca” en portugués) es una afirmación de su determinación de no estar sujeto a restricciones culturales o psicológicos - “Nunca párr como limitações Culturais e mentais .

El reconocimiento de este género artístico por parte de la comunidad internacional, estimuló un debate público en su país, sobre lo que constituye el arte que dio lugar a la creación de un registro de arte callejero que ser conservada por la ciudad de São Paulo.

Las obras de Nunca se describen como narraciones que cuentan historias a menudo complejas . Las características más significativas de su arte son un figurativismo crítica, el uso de la ciudad como un medio dinámico y la ausencia de las influencias “ pop art “ característicos de la corriente principal del arte del graffiti.

La popularidad de los grafiteros les ha proporcionado el acceso al mundo del arte comercial, donde su trabajo se cotiza a precios elevados. Los artistas han sido arropados por las grandes corporaciones, como Nike, para los cuales crean diseños para proyectos de alto perfil.

A pesar del reconocimiento internacional de su obra ha sido objeto de críticas en su casa en Brasil debido a la supuesta traición de sus raíces culturales y la filosofía que representan su obra galería y comisiones de diseño comercial.

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Nunca, Sao Paulo

SUSO33 es precursor del graffiti iconográfico y de la experimentación con el lenguaje en dicha disciplina, así como pionero del Post-Graffiti, Street-Art y Arte-Urbano y mayor exponente del livepainting en España.

SUSO33 es precursor del graffiti iconográfico y de la experimentación con el lenguaje en dicha disciplina, así como pionero del Post-Graffiti, Street-Art y Arte-Urbano y mayor exponente del livepainting en España.

Actualmente desarrolla un proyecto artístico personal denominado “Pintura Escénica en Acción”, en el que conjuga recursos provenientes de las artes escénicas, la pintura y el audiovisual, en una performance global que integra diversos aspectos conceptuales de la comunicación, el arte, la palabra y la imagen creando una pintura viva la cual le ha llevado entre otros a ser el encargado de representar la Noche En Blanco española en Europa o ser el encargado de dirigir la inauguración del Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, o la Laboral o el Festival de las Artes, etc..

SUSO33 es artista plástico, escenógrafo, muralista, video artista y performer. Su obra es controvertida, ya que se mueve entre la alegalidad de sus intervenciones urbanas y la relativa formalidad de sus Performances, Acciones, Happenings, livesPaintings , etc…

SUSO33 reivindica el espacio público como espacio principal de la vida artística y soporte esencial para la comunicación entre el artista y su público. Su obra se aleja de los estereotipos y formalismos del arte académico y del arte en la calle y se centra en la comunicación con el espectador con un lenguaje a la vez que efectista, reconocible y directo pero profundamente intimista y poético que ha despertado la atención del público y de los medios de comunicación con una respuesta de más de 500 participaciones en televisión, radio , prensa escrita y medios digitales desde 2004, generando más de 170.000 referencias en Internet.

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SUSO33 es famoso en el ámbito del street art por sus intervenciones con la imagen de la “Plasta” mancha depintura personificada que crea a mediados de los 80 y que se ha convertido en un icono de la cultura urbana española .Pero el trabajo de SUSO33 es mucho más extenso: desde el inicio de sus primeras intervenciones en elespacio público en 1984, ha desarrollado una intensa actividad artística personal que le ha llevado a realizar más de70 exposiciones individuales y colectivas, a ejecutar más de 40 performance, y a colaborar con compañías artísticasy directores de escena de reputado reconocimiento e interviniendo en más de 50 ciudades de Europa, América yAsia, como Londres, Nueva York o Shanghai. La obra de SUSO33 forma parte de los fondos de museos y colecciones públicas y privadas, y ha sido reconocida ennumerosas ocasiones en certámenes artísticos como el reciente premio nacional de videoarte de PHOtoespaña10 y expuesta en lugares como el MNCARS, CAIXAFORUM, Thyssen-Bornemisza, ARTIUM, CAAM, Museo de Arte Contemporáneo de Bucarest…

SUSO33 cuenta, además, con una amplia trayectoria profesional en los campos del muralismo artístico y la pintura para ópera, teatro, danza, y cine, habiendo realizado más de 50 escenografías para instituciones como el Teatro Real, el Centro Dramático Nacional, la Compañía Nacional de Danza, Ayuntamiento de Madrid, Biblioteca Nacional, y Pasarela Cibeles, entre muchos otros.

Una larga, constante y sólida trayectoria con una firme proyección, pese a sus casi cuatro décadas de existencia,que no ha impedido que continúe fiel a si mismo utilizando el espacio público de manera autónoma e independiente.

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Logro単o, 2008 27

Aryz es un talentoso artista espaĂąol que trabaja con medios mixtos para lograr increĂ­bles obras: grandes murales que llevan al graffiti a un nuevo nivel de detalle.

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Originario de Barcelona, este artista pinta por diversión y aunque en más de una ocasión ha utilizado a la calle como su lienzo, no sabe si catalogaría su trabajo como “street art” o “graffiti” ya que, según el, no pinta mucho en ella: “Empecé pintando graffiti y después hice murales… no se. Creo que solo son intervenciones en lugares abiertos.”

El pintor, que ha dibujado de manera esporádica desde pequeño, empezó su carrera en un día de verano junto con unos amigos. Atribuye su destreza como pintor a los aerosoles debido a que, después de tener su primer experiencia con ellos, comenzó a practicar más su arte. “Fuimos a comprar aerosoles e hicimos nuestro primer destrozo, me acuerdo que no pude dormir y quise volver al día siguiente para intentar arreglarlo, pero acabe empeorándolo. Seguramente si no hubiera empezado a pintar con aerosoles no tendría el hábito de dibujar y hubiera sido un hombre de provecho.”

El artista español ha plasmado su trabajo en países como Polonia, Italia, Finlandia y España, y encuentra inspiración en todo lo que lo rodea, ya sea bueno o malo. Gusta de pintar en fábricas abandonadas ya

que por lo general nadie lo molesta y no tiene que pedir permiso, pero si no puede encontrar una pared de buen tamaño pinta, por decirlo así, en lo que tenga a la mano. “Es legal, de cierto modo, pintar en lugares donde a nadie le importa, pero si llega la policía… depende del oficial si te tienes que ir o te puedes quedar. Las fábricas abandonadas son un lugar perfecto, tienen espacios enormes con superficies muy variadas y con dimensiones impensables en papel o lienzo.”

Aryz solía pintar con gente de su ciudad, pero después de lastimarse un dedo por presionar mal las mismas latas con las que pinta, tuvo que empezar a trabajar más con pinceles y menos con aerosol. Debido a esto, las personas con las que colaboraba sintieron que sus obras ya no eran suficientemente buenas precisamente porque ya no utilizaba tanto aerosol.

Hoy en día Aryz colabora con un grupo de artistas llamados “Mixed Media”. Se llaman de esta manera porque, por lo menos en teoría, deberían de utilizar una mezcla de técnicas al pintar, pero como el mismo artista lo plantea, normalmente solo usan aerosol y/o acrílico; y aunque no tiene una pieza favorita en particular… tiene varias que “realmente detesta.”

love letter, Poland 2002

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SOFLES - AUSTRALIA

ESTADIO PASCUAL GUERRERO

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Sofles es un artista australiano cuyo trabajo se extiende a través de la ilustración, el arte los tatuajes y los grandes proyectos de murales. Ha trabajado con empresas como Adidas, Myer y Red Bull se ha establecido en la serie australiana e internacional escenas callejeras de arte y graffiti. Como un miembro de la familia Ironlak (empresa australiana pintura en aerosol), apoya y colabora estrechamente con muchos de los mejores graffitis. Sofles ha vendido exposiciones de arte en todas las

ciudades australianas, mostrando en su trabajo que son años vibrantes de color y expresión de la influencia artística y desarrollo en la práctica graffiti. Su pasión por el arte tenía humilde inicios como un joven interesado en el dibujo, y luego evolucionando hacia un adolescente involucrado en graffiti. Ahora, a los 27 años, está disfrutando viajar tanto como sea posible, pinta en diferentes ciudades del mundo y colabora con muchos artistas de diferentes escenas.

www.sofles.com

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COLORS Supppoting graffiti since 1994

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