Programa de mano 2007 by Fundación Salvi

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Carta Publicar

Dise帽o y Diagramaci贸n: Layouts Arte & Dise帽o Layoutsarted@gmail.com Impresi贸n: Publicar S.A. 1

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FORMANDO MÚSICA el Plan Nacional de Música para la Convivencia (que ha alcanzado una cobertura de 50.000 niños y jóvenes), la Fundación Amadeus, Fundación Música por Colombia, los conservatorios, las orquestas juveniles privadas, son un semillero de jóvenes talentos que requieren del apoyo de la empresa privada para garantizar su sostenibilidad. La Fundación aspira a tomar el liderazgo en la búsqueda y consecución de esos recursos creando una profunda conciencia social en las empresas contribuyentes para que reconozcan cómo el arte es uno de los caminos en la búsqueda de una transformación social.

La Fundación Víctor Salvi ha formulado de manera clara su proyecto social “Formando Música” que se convertirá en el aliado fundamental de la educación musical en Colombia. Se trata de una tarea ambiciosa que busca apoyar los proyectos musicales ya existentes en el país a través del desarrollo de 5 puntos: 1. Talleres para jóvenes músicos y profesores en el Festival Internacional de Música 2. Programa de apoyo a la Formación de docentes 3. Programa de apoyo a jóvenes talentos y orquestas juveniles 4. Creación de nuevas temporadas de conciertos 5. Programa de préstamo, alquiler y venta de Instrumentos Esta proyecto abarca cinco iniciativas diferentes que se están formulando y construyendo uno a uno para crear una estructura sólida que le permita a la Fundación otorgar el soporte necesario a los programas de música, para que amplíen su cobertura, se desarrollen y eleven su nivel. La Fundación reconoce que experiencias como el Sistema Nacional de Orquestas Sinfónicas e Infantiles de Colombia Batuta (que beneficia a 30.000 niños y jóvenes), 2

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Es por las razones aquí expuestas que en el marco del I Festival Internacional de Música de Cartagena, la Fundación Víctor Salvi Colombia ha dado inicio a sus actividades educativas invitando un grupo de jóvenes estudiantes y profesores de música de Barrancabermeja, Bogotá, Bucaramanga, Cali, Ibagué, Manizales, Medellín, Popayán entre otros, a tomar clases magistrales con los músicos invitados. La presencia de estos jóvenes en el Festival se ha logrado gracias al apoyo de sus instituciones y la vinculación decidida del Banco Interamericano de Desarrollo, Colombia es Pasión, Cotelco, aliados fundamentales de la Fundación para lograr cumplir con este objetivo. Se trata de una experiencia única para los jóvenes y profesores invitados que tienen a los solistas invitados como talleristas y la oportunidad de asistir a las conferencias y conciertos que hacen parte de la programación del Festival. La presencia de la conferencista invitada Susan Wadsworth, presidenta de Young Concert Artist, quien hará un taller con parte de los jóvenes invitados, podrá apoyarlos en la búsqueda de sus opciones profesionales en el campo de la música. Con estas clases magistrales estamos seguros que se dinamizarán los proyectos musicales del país creando un alto nivel de referencia para nuestros jóvenes con los solistas invitados al Festival y se dará un impulso importante al desarrollo de la música de cámara en el país.

#FIJOE UIF /BNFQMBUF C O L O M B I A

7JDUPS

4BMWJ Victor Salvi

El nombre de Victor Salvi está inextricablemente ligado al arpa, el instrumento al cual él ha dedicado mucho de ■ vida 7JDUPS –4BMWJ IBT NVTJD JO IJT arpista CMPPE 5IF XPSME SFOPXOFE IBSQJTU su primero como profesional durante los JOTUSVNFOU NBLFS BOE QIJMBOUISPQJTU JT UIF ZPVOHFTU TPO PG B 7FOFUJBO últimos cincuenta años, luego como el propietario de las WJPMJO NBLFS BOE IBSQ SFTUPSFS BOE CPUI IJT TJTUFS BOE IJT FMEFTU CSPUIFS arpas Salvi, apoyando - desde el año 2000 - arpistas y XFSF QSPGFTTJPOBM IBSQJTUT programas relacionados con el arpa así como actividades 5IPVHI IF DPOUJOVFT UP OVSUVSF EFFQ *UBMJBO SPPUT 4BMWJ XBT CPSO JO en el mundo entero a través de la Fundación Victor Salvi. $IJDBHP JO UIF DJUZ UP XIJDI IJT GBNJMZ FNJHSBUFE EVSJOH 8PSME 8BS * 4BMWJ USBWFMMFE UP *UBMZ JO CPUI JO B RVFTU GPS IJT SPPUT BOE JO UIF

TFBSDI GPS DSBGUTNFO UP KPJO UIF 4BMWJ )BSQT $PNQBOZ GPVOEFE JO (FOPB Nacido en Chicago, pero criado en Italia, Victor se ha CVU OPX MPDBUFE JO 1JBTDP B TNBMM WJMMBHF JO OPSUIFSO *UBMZ XIFSF XPPE presentado como solista así como integrante de algunas DSBGU EBUFT CBDL UP NFEJFWBM UJNFT de las orquestas líderes en el mundo, incluyendo la 4BMWJ CFHBO TUVEZJOH IBSQ NBLJOH XIJMF TFSWJOH JO UIF 64 /BWZ JO 8PSME Filarmónica de Nueva York y la Orquesta Sinfónica NBC. 8BS ** 4PPO UIFSFBGUFS IF CVJMU IJT PXO IBSQ NJOEGVM PG USBEJUJPO CVU XJUI ElB ESJWF UP DSFBUF BO JOTUSVNFOU UIBU XPVME IBWF B CFUUFS NFDIBOJTN BOE tocó bajo la dirección de grandes directores de orquesta tales como Arturo STU QSPUPUZQF 4BMWJ )BSQ DBNF UP MJGF JO JO Toscanini, Bruno Walter, Dimitri UIVT CFUUFS TPVOE 5IF m Mitropoulos y Víctor de Sabata. De estas experiencias, él B CBTFNFOU XPSLTIPQ JO /FX :PSL aprendió de primera mano cuán importante es tener un 8JUI UIF IFMQ PG UIF MPDBM DSBGUTNFO PG OPSUIFSO *UBMZ 4BMWJ )BSQT IBT instrumento capaz de alcanzar los más altos niveles en5IF la CFDPNF POF PG UIF MFBEJOH QSPEVDFST PG UIF JOTUSVNFOU JO UIF XPSME DPNQBOZ OPX IBT TFWFSBM PVUMFUT JO 5PLZP -POEPO BOE 1BSJT BOE ejecución musical. No satisfecho con las arpas que había UPEBZ JT SFQSFTFOUFE JO /PSUI "NFSJDB CZ )BSQ 8PSME *OD XXX IBSQ tocado previamente, se propuso crear un instrumento que XPSMEJOD DPN hubiera de establecer nuevos estándares de excelencia 4BMWJ T QSPGFTTJPOBM DBSFFS BT IBSQJTU CFHBO XJUI B TNBMM RVBSUFU KVTU CFGPSF en el mundo del arpa. En 1956 fundó la Salvi Harps, 8PSME 8BS ** CFHBO "T B /BWZ NBO IF XBT BCMF UP QMBZ PODF BHBJO XIFO reubicando luego la fábrica en su actual lugar, en Piasco, IF USBOTGFSSFE UP UIF (SFBU -BLFT OBWBM CBTF BOE KPJOFE UIF /BWBM #BOE Italia – una región conocida por sus finos talladores de BMTP IPNF UP MFHFOET #FOOZ (PPENBO BOE (MFOO .JMMFS madera. "GUFS UIF XBS 4BMWJ SFUVSOFE UP $IJDBHP UP KPJO UIF 4U -PVJT 4JOGPOJFUUB CFGPSF QMBZJOH XJUI UIF /FX :PSL 1IJMIBSNPOJD 0SDIFTUSB BOE VOEFS

Como acreedor de numerosos premios como 5PTDBOJOJ UIF /#$ 0SDIFTUSB reconocimiento a sus logros profesionales, Victor fue *O UIF T 4BMWJ UVSOFE IJT JOUFSFTU UPXBSE UIF FMEFTU BOE m STU IBSQ NBLFST JO "NFSJDB -ZPO )FBMZ )F IBE QMBZFE UIFJS IBSQT BT B ZPVOH elegido Miembro Honorario del Royal College of Music, en elNBO BOE OPX BT B TVDDFTTGVM NVTJDJBO BOE CVTJOFTTNBO IF BDRVJSFE 2004, con la presencia de su Alteza Real el Príncipe de UIF DPNQBOZ XJUI UIF JOUFOUJPO PG SFUVSOJOH UIF -ZPO )FBMZ UP JUT PME Gales. También recibió el Premio Distinguido al Servicio HMPSZ a la Comunidad Internacional del Arpa, presentado por el 4BMWJ T NBOZ BXBSET TVDI BT IJT IPOPSBSZ NFNCFSTIJQ JO UIF #SJUJTI Congreso Mundial del Arpa en 1996. En el más reciente 3PZBM $PMMFHF PG .VTJD HJWFO JO SFDPHOJ[F 4BMWJ T QMBZJOH BOE verano, Viggiano, Italia, el hogar materno de Victor, lo JOTUSVNFOU NBLJOH "OE UIFZ BMTP IPOPS B OFX DIBQUFS JO IJT MJGF JO honró con una festiva celebración. Emmanuel Ceysson, UIF 7JDUPS 4BMWJ 'PVOEBUJPO XXX WJDUPSTBMWJGPVOEBUJPO DPN XBT DSFBUFE JO IJT OBNF UP QSPNPUF UIF IBSQ UP B XJEFS BVEJFODF BOE UP IFMQ ZPVOH ganador del Premio del Concurso Internacional de Arpa de QSPGFTTJPOBM IBSQ QMBZFST los Estados Unidos, versión 2004, tocó para la ocasión. "T QBSU PG JUT NJTTJPO UIF GPVOEBUJPO DPNNJTTJPOT OFX NVTJD GPS UIF IBSQ TQPOTPST JOUFSOBUJPOBM DPNQFUJUJPOT BOE QSPNPUFT FEVDBUJPOBM Victor Salvi es el padre y el gestor principal del Cartagena, I BOE SFTFBSDI QSPHSBNT UIBU FYQBOE BXBSFOFTT PG UIF JOTUSVNFOU 5IF Festival Internacional de Música. En enero de 2006 el GPVOEBUJPO BMTP NBOBHFT i5ISFF $FOUVSJFT PG )BSQNBLJOH w B VOJRVF DPM Alcalde Mayor Niclolás Curi Vergara lo condecoró con las MFDUJPO PG BOUJRVF IBSQT UIBU OPX IBT B QFSNBOFOU IPNF JO 5IF 7JDUPS llaves de la ciudad de Cartagena de Indias. 4BMWJ .VTFVN JO 1JBTDP XIJDI PQFOFE JO +BOVBSZ

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TABLA DE CONTENIDO Carta de Bienvenida del Alcalde Mayor de Cartagena, Nicolás Curi Vergara Carta de la Presidente del Festival, Julia Salvi Planta Administrativa Carta del Director Artístico, Charles Wadsworth El impacto de un festival de música Calendario de actividades Mapa y salas de conciertos

7 8 9 10 12 14 15

PROGRAMA 2007 Concierto de Inauguración- Teatro Heredia Las Realidades de la Música – Conferencia por Geoffrey Norris Concierto- Teatro Heredia Concierto al Aire Libre- Plaza San Pedro Claver Concierto Iglesia Santo Toribio Una Aproximación a la Ópera – Conferencia por José Félix Patiño Concierto- Capilla Hotel Sofitel Santa Clara Concierto- Iglesia Santo Toribio Educación Musical en Colombia- Conferencia por Alejandro Mantilla Concierto- Teatro Heredia Concierto al Aire Libre – Plaza San Pedro Claver Concierto- Iglesia Santo Toribio Rachmaninoff- el Pianista Conferencia por Geoffrey Norris Concierto- Teatro Heredia Concierto al Aire Libre – Plaza San Pedro Claver Concierto- Iglesia Santo Toribio Taller para Talentos Jóvenes por Susan Wadsworth Concierto- Capilla Hotel Sofitel Santa Clara Taller para Talentos Jóvenes por Susan Wadsworth Concierto- Teatro Heredia Concierto al Aire Libre – Plaza San Pedro Claver Concierto de Clausura- Teatro Heredia

17 18

ARTISTAS Charles Wadsworth, Director Artístico y Pianista Yuli Turovsky, Director Musical de la Orquesta I Musici de Montreal y Director Juan Carlos Rivas, Director Invitado Paula Robison, Flauta José Franch- Ballester, Clarinete Romero Lubambo, Guitarra Emmanuel Ceysson, Arpa Wendy Chen, Piano Jean -Yves Thibaudet, Piano Cyro Baptista, Percusionista

62 63

21 22 25 26 29 30 32

Chee- Yun, Violín Andrés Díaz, Violonchelo St Lawrence String Quartet I Musici de Montréal, Orquesta

73 4 75 76

CONFERENCISTAS Geoffrey Norris José Félix Patiño Alejandro Mantilla Pulido Susan Wadsworth

78 79 80 81 82

Cartagena y su Bahía Cronograma Musical Cartagena de Indias: Patrimonio Monumental y Musical de la Humanidad Tienda del Festival Cartagena de Indias- Guía de Restaurantes Hotel Sofitel Santa Clara Patrocinadores y Benefactores del Festival Cómo convertirse en benefactor del Festival

84 86 87 91 92 93 95 96

35 36 39 40 43 44 47 48 51 52 55 56 59 60

64 65 66 67 68 69 70 71 72 5

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artístico Charles Wadsworth ha convocado en la primera edición de este Festival, marcarán un hito en la historia de la música en el país. Sea esta la oportunidad de agradecerle además a Victor Salvi su compañía, su apoyo, su soporte y sobretodo su amor por Colombia. Por otra lado, para la Fundación es importante dar inicio a su Proyecto Social “Formando Música” con las clases magistrales y talleres diseñados durante el período del Festival. Nos acompañan jóvenes talentos musicales y profesores de diferentes regiones del país que tendrán la suerte de tomar clases con los músicos invitados, quienes de manera generosa han puesto a nuestro servicio su experiencia y trayectoria.

Julia Salvi

Presidente Fundación Victor Salvi y Cartagena, I Festival Internacional de Música

Para la Fundación Víctor Salvi es un placer darles la bienvenida al I Festival Internacional de Música de Cartagena, el primero de los proyectos planteados por la Fundación para el país, que vemos hoy convertido en una realidad que compartimos con ustedes. Desde el momento en que concebimos el Festival, estábamos seguros que Cartagena era el escenario ideal por la belleza de la ciudad, el clima y los escenarios con que cuenta la ciudad. Estamos satisfechos de contribuir para convertir a Cartagena en la capital cultural del país. Cuando salí del país como lo hice yo hace más de 30 años, era difícil predecir el momento en que esa experiencia de vida podría ponerla al servicio del país. Hoy veo que el Festival es el medio ideal para hacerlo: Cartagena de Indias y el país están listos para vivir un Festival como el que hemos creado. Los artistas que nuestro director 8

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Iniciar un proyecto implica un gran esfuerzo. Hemos trabajado duro y con mucha dedicación para construir un equipo que tenga experiencias afines a nuestro propósito de manera que aporten y soporten la creación de una estructura suficientemente fuerte que pueda dar sostenibilidad a un proyecto de largo alcance. El Festival Internacional de Música que hoy se inicia se ha convertido en realidad gracias al apoyo de nuestros patrocinadores, amigos y el público que nos acompaña entre el 6 y el 13 de enero. Hoy quiero agradecerles su presencia e invitarlos a que nos apoyen en la primera edición del Festival Internacional de Música de Cartagena que es el Festival de todos.

JUNTA DIRECTIVA Julia Salvi (Presidenta) Claudia Fadul Rosa Juan Pablo González Mejía Bruce Mac Master Roberto Murillo Gaviria Gustavo Torres Forero SUPLENTES Mónica Fadul Rosa Emilia Fadul Rosa Javier Martínez Ibarra Maria Cristina Pacheco Sánchez Augusto Piñeres Vélez COMITÉ ASESOR Raimundo Angulo Carlos Julio Ardila Danielle de Bessudo Jean Claude Bessudo Alfonso de la Espriella María Stella Fernández Ardila Joel Goldin Juan Pablo Hernández Gustavo Lenis Luis Mayorga José Félix Patiño María Isabel Patiño Etienne Ramos - Esteban Enrique Santos Susan Wadsworth COMITÉ VOLUNTARIO Nohra Ángel Pilar Leyva Margarita de Murillo Rocío Puentes María Mercedes Rodríguez Martha Torres de Becerra

PLANTA ADMINISTRATIVA Julia Salvi • Presidente Ángela Becerra • Asistente de la Presidencia Gustavo Torres • Vice-Presidente Claudia Fadul • Vice-Presidente Marialejandra Urbina • Directora General DIRECCIÓN ARTÍSTICA Charles Wadsworth • Director Artístico Sandra Meluk • Directora Ejecutiva Amy Carll Gharibian • Asistente Ejecutiva Claire Bryant • Asistente Director Artístico Juan Carlos Rivas • Asesor Artístico PRODUCCIÓN Marta Kovacsics • Jefe de Producción Victor Sánchez • Asesor de producción PRENSA Y COMUNICACIONES Natalia Murillo • Jefe de Prensa y Coordinadora Burson Marstellers • Relaciones Públicas OPERACIÓN Diego Peláez - Colombian Unlimited • Jefe de Operaciones Gema Tours PUBLICIDAD Young & Rubicam Brands LEGAL Juan Pablo González • Asesor Legal TESORERÍA Compañía de Profesionales de Bolsa S. A. • Tesorero MAESTRA DE CEREMONIAS Mónica Fadul Cartagena - Colombia Escuela Superior de Bellas Artes Centro - Barrio San Diego Cra. 9º # 39-12 Teléfonos +575 660 0724 • +575 6649796 Bogotá - Colombia Calle 82 # 10 - 21 (403) Telefax: +571 611 1186 Email: info11@cartagenamusicfestival.com 9

Tenemos el agrado y el orgullo de anunciar que por medio del Festival crearemos oportunidades de formación musical para los niños de gran talento en Colombia. Nuestros artistas invitados donarán su tiempo para hacer clases magistrales con jóvenes de talento, que se convocaron previamente. Como director y participante en la creación de festivales de música en Europa y en los Estados Unidos, he tenido la oportunidad de ver las grandes recompensas culturales y económicas que un buen festival puede traerle a una ciudad. Con su ayuda, espero convertir a Cartagena en uno de los principales destinos culturales para los colombianos y los amantes de la música en todo el mundo.

Charles Wadsworth Director Artístico

The reality of starting an international music festival in Cartagena de Indias is bringing tremendous excitement to outstanding artists from around the world. As artistic director of the Cartagena, I Festival Internacional de Música, I find it inspiring to see the immediate enthusiasm and commitment expressed by the citizens of Colombia for this event, which will not only serve patrons of the arts, but will also attract music-loving audiences from throughout Latin America and beyond. The Festival’s recent sold-out preview concert at the Teatro Heredia on January 10th, 2006, confirmed our impression that Cartagena provides an ideal atmosphere for a festival such as this one.

La certeza de iniciar un festival internacional de música en Cartagena está llenando de entusiasmo a los grandes músicos en todo el mundo. Como director artístico del Cartagena, I Festival de Música, me llena de inspiración ver el compromiso expresado por los colombianos con este evento, el cual no solamente servirá al país, sino que atraerá a los amantes de la música de toda Latinoamérica y de otras partes del mundo. El preludio del Festival que se realizó el 10 de Enero de 2006 en el Teatro Heredia, agotó boletería y confirmó nuestra creencia que ciertamente Cartagena es el escenario ideal para un festival como este.

The final test of any festival is the quality of the music offered. We have engaged magnificent artists of international renown, the majority visiting Colombia for the first time, including the acclaimed French pianist Jean Yves Thibaudet, the St. Lawrence String Quartet, the Korean violinist Chee-Yun, and the virtuoso Emmanuel Ceysson, French harpist. We are proud to include one of the world’s finest orchestras: I Musici de Montréal from Canada that will perform 6 of the 16 concerts programmed during the Festival. Additionally, we will offer conferences on the history of music, opera and the art of reviewing.

La prueba final para cualquier festival es la calidad de la música ofrecida. Hemos contratado excelentes artistas de renombre internacional, la mayoría de ellos vienen por primera vez a Colombia, entre quienes se encuentran el aclamado pianista francés Jean-Yves Thibaudet, el cuarteto de cuerdas estadounidense St. Lawrence String Quartet, así como la genial violinista coreana Chee-Yun y el virtuoso arpista Emmanuel Ceysson de Francia. Contamos con una de las orquestas más refinadas del mundo: I Musici de Montréal de Canadá, quienes se presentarán 6 veces dentro de los 16 conciertos que tenemos programados. Adicionalmente ofreceremos conferencias sobre historia de la música, ópera y crítica musical.

We are pleased to announce that through the festival we will create educational musical opportunities for gifted and talented young children in Colombia. Invited artists will donate their time to give master classes to pre-selected talented youths.

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Having held leadership roles in developing music festivals in Europe and the United States, I have seen the tremendous cultural and economic rewards that a great festival can bring to a city. I look forward to helping make Cartagena a major international cultural venue for musiclovers worldwide.

El impacto de un festival de música Geoffrey Norris

Pag: 12 - 13 Fotografía Libro: “Cartagena de Indias - La Joya del Caribe” por IM Editores

Los festivales de música –y de hecho, toda clase de festivales- pueden tener un impacto notable en las ciudades, pueblos y aldeas que los albergan e igualmente en los patrocinadores que los atienden. Idealmente hay una serie de enriquecimientos culturales. El lugar –por sí mismo- debe ser estimulante y debe tener un ambiente festivo que se deba encontrar en medio de algo nuevo o fuera de lo común; sus iglesias –quizás- se hayan desarrollado de una forma poco común, en sus teatros y calles debe resonar tensiones musicales que no son usualmente comunes. Los patrocinadores no se beneficiarán únicamente al venir y escuchar los conciertos que fueron escogidos sino que absorberán la atmósfera del lugar, su arquitectura y todo aquello que la gente y el paisaje transmita.

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Podría ser falso negar que pueda haber factores comerciales conexos. Un festival actúa como un foco e imán que atrae y lleva a los extranjeros a gastar dinero en compras, estadía en hoteles, cenas en restaurantes y generalmente, activa la economía. Puede haber pocos negocios –por así decirlo- en Salzburgo, Austria, Edimburgo en el Reino Unido o Verona en Italia que no le dan la bienvenida al flujo anual de visitantes en el marco de los eventos musicales porque tanto la población como el potencial de gasto incrementan inesperadamente; el volumen de ventas, la renta y el beneficio se incrementan en proporciones adecuadas. Durante el último Festival de Cine de otoño en Roma fue prácticamente imposible encontrar un cuarto de hotel dentro del centro histórico de la cuidad debido a una demanda frenética y, mientras, los residentes de Venecia –como otro ejemplo- se dirigen hacia las montañas durante el mes del Carnaval en febrero, las empresas locales probablemente frotan sus manos con regocijo por las grandes oleadas de atención que sus tiendas, hoteles o bares reciben. Así, entonces, puede haber ventajas económicas al hospedar un festival pero estas implicaciones comerciales representan un solo aspecto de un amplio espectro que abraza ciertas facetas sociales, culturales y turísticas. Cartagena es un ejemplo perfecto. Mucha gente que viene al festival se encuentra por primera vez en Colombia, o tal vez han sido alentados a regresar al saber que un festival de música se llevará a cabo en la cuidad. Cartagena –por tanto- tiene la oportunidad para abrirse a la mente inquisitiva, exhibiendo sus encantos, su pasado histórico y las atracciones del presente. Indudablemente la gente querrá comer, dormir y comprar cosas, pero también disfrutarán de una experiencia –que tal vez para ellos- es nueva. Estos componentes tienden a llegar más lejos cuando el festival es concebido en una escala íntima y concentrada y de

poca duración. Los festivales que duran mucho tiempo son vistos como impersonales y poco manejables: son grandes y fastuosos, pero también carecen del calor y de la presencia que la música puede y debe inspirar. Un festival más pequeño genera camaradería entre la audiencia y los intérpretes y a menudo entre el público y los músicos al poderlos ver y encontrarlos en las pequeñas calles de la ciudad. Un festival presenta una gran oportunidad para intercambiar ideas entre los residentes y las personas que asisten a los conciertos quienes no concurren únicamente a los eventos sino que tienen la posibilidad de discutir la música con los visitantes, y, al mismo tiempo, hablar y conocerse en un nivel social –y viceversa: los visitantes raramente querrán estar aislados y, valorarán la unión que el interés por la música pueda crear. La música tiene una gran capacidad para reunir a la gente, desde luego, nuestros puntos de vista sobre una pieza en particular o en la ejecución puede diferir, pero esto mismo hace parte de la fascinación de la música: es fuerte y suficientemente resistente para estar abierta a cualquier tipo de interpretación, y todos podemos ser lo suficientemente audaces –siendo críticos de música o no- para expresar y discutir nuestras opiniones. Esta combinación de factores es lo que Yo estoy particularmente tratando de encontrar en el primer Festival Internacional de Música de Cartagena: una amplia programación con artistas de primera clase en ambientes perfectos –y sí, debe ser admitido, la rara oportunidad para darle la bienvenida a fanáticos de la música, y para que el festival se una a la liga de festivales internacionales para así, consolidar su posición dentro del mapa cultural internacional. Geoffrey Norris es el principal crítico de música del The Daily Telegraph de Londres, Reino Unido. Traducción: Marta Kovacsics M.

SABADO, ENERO 6 7.30 p.m.

Teatro Heredia Concierto de Inauguración

DOMINGO, ENERO 7 3.30 p.m. Capilla Hotel Charleston Cartagena Santa Teresa Conferencia de Geoffrey Norris “Las Realidades de la Música” 7.30 p.m. Teatro Heredia Concierto 11:00 p.m. Plaza San Pedro Claver Concierto al Aire Libre LUNES, ENERO 8 11:00 a.m. 3.30 p.m. 7.30 p.m. MARTES, ENERO 9 11:00 a.m. 3.30 p.m. 7.30 p.m. 11:00 p.m.

Santo Toribio Concierto Capilla Hotel Charleston Cartagena Santa Teresa Conferencia de José Félix Patiño “Una Aproximación a la Ópera - Qué es la ópera?” Capilla Hotel Sofitel Santa Clara Concierto Santo Toribio Concierto Capilla Hotel Charleston Cartagena Santa Teresa Conferencia por Alejandro Mantilla Teatro Heredia Concierto Plaza San Pedro Claver Concierto

MIERCOLES, ENERO 10 11:00 a.m. Santo Toribio Concierto 3.30 p.m. Capilla Hotel Charleston Cartagena Santa Teresa Conferencia de Geoffrey Norris “Rachmaninoff - El Pianista” 7.30 p.m. Teatro Heredia Concierto 11:00 p.m. Plaza San Pedro Claver Concierto JUEVES, ENERO 11 11:00 a.m. Santo Toribio Concierto 3.30 p.m. Capilla Hotel Charleston Cartagena Santa Teresa Taller para Jóvenes Músicos por Susan Wadsworth 7.30 p.m. Capilla Hotel Sofitel Santa Clara Concierto

Sede de la Fundación Victor Salvi, Cartagena Fotografía Libro: “Cartagena de Indias - La Joya del Caribe” por IM Editores

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VIERNES, ENERO 12 3.30 p.m. Capilla Hotel Charleston Cartagena Santa Teresa Taller para Jóvenes Músicos por Susan Wadsworth 7.30 p.m. Teatro Heredia Concierto 11:00 p.m. Plaza San Pedro Claver Concierto SABADO, ENERO 13 7.30 p.m. Teatro Heredia Concierto de Clausura

LUGARES DE CONCIERTO 1

TEATRO HEREDIA Centro Cra. 4A # 38-10 Plaza la Merced

IGLESIA SANTO TORIBIO Plaza Fernández Madrid

CAPILLA HOTEL SOFITEL SANTA CLARA Calle del Torno Barrio San Diego

PLAZA SAN PEDRO CLAVER

CAPILLA HOTEL CHARLESTON SANTA TERESA Claustro de Santa Teresa Cra.3 # 31 - 23

OFICINA DEL FESTIVAL Escuela Supeior de Bellas Artes Centro, Barrios San Diego Kra 9 #39 - 12 Tel. 6649796 Fax. 6600724

El Grupo Nacional de Chocolates apoya la Cultura y lo invita a disfrutar del Festival Internacional de Música.

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Programa Enero 2007

Enero 6, 2007 7:30 p.m Charles Wadsworth, Director Artístico

CONCIERTO DE INAGURACIÓN ORQUESTA I MUSICI DE MONTRÉAL

I MUSICI DE MONTRÉAL, ORCHESTRA Yuli Turovsky, conductor Emmanuel Ceysson, harp Jean-Yves Thibaudet, piano

Yuli Turovsky, director Emmanuel Ceysson, arpa Jean-Yves Thibaudet, piano

TCHAIKOVSKY

TCHAIKOVSKY Serenata para Cuerdas, opus 48 Pezzo in forma di sonatina. Andante non troppo

Serenade for Strings, opus 48 Pezzo in forma di sonatina. Andante non troppo

RODRIGO

RODRIGO Concierto Serenata para Arpa y Orquesta Intermezzo con Aia y Sarao

Concerto Serenata for Harp and Orchestra Intermezzo con Aia Sarao

BEETHOVEN

Symphony No. 7 in A Major, Op. 92 Poco sostenuto - Vivace Allegretto Presto Allegro con brio

INTERMEDIO

INTERMISSION

SAINT-SAËNS

SAINT-SAËNS Piano Concerto in G minor, opus 22, No.2 Andante sostenuto Allegro scherzando Presto

Concierto para Piano en sol menor, opus 22, No. 2 Andante sostenuto Allegro scherzando Presto

Patrocinador RCN 18

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Notas al programa Stephanie Stein Crease Periodista musical y escritora

Hace más de un siglo, el Teatro Heredia era el centro cultural de Cartagena y de un grupo de gente del caribe colombiano. Este festival de música espera cumplir nuevamente con una serie de conciertos por la noche en esta semana. El programa de hoy representa a las noches que vendrán: unas series de ofertas musicales que muestran cuatro siglos, tres continentes y ofrece unas variaciones caleidoscópicas de instrumentación, periodos musicales, estilos y formas de expresión creativa, todas llevadas a cabo por un aclamado grupo de músicos. La naturaleza de la celebración de este programa de estreno se acomoda a la ocasión y al teatro. El programa abre con el primer movimiento de la Serenata para Cuerdas compuesta por Tchaikovsky en 1880. La obra fue ejecutada por primera vez en Moscú en el año de 1882, y rápidamente se convirtió en una pieza favorita del repertorio de orquesta de cuerdas. Este movimiento, el Andante – non troppo es simplemente majestuoso, una pequeña sonata en sí misma, con una divertida conversación entre la sección de cuerdas –que le rinde tributo a Mozart- a quien Tchaikovsky reconoce como su mayor influencia. El movimiento termina con su original espíritu exuberante, una invitación a la belleza que oiremos a continuación. La siguiente selección, el Sarao, el tercer movimiento del Concierto-Serenata para Arpa y Orquesta escrita por Joaquín Rodrigo, ofrece un magnifico contraste al abrir con una cascada de arpegios inspirados en el flamenco para el arpa y los vientos. Esta pieza es la primera de varias obras maestras que serán presentadas durante esta semana en una gloriosa vitrina que muestra al arpa como un instrumento virtuoso. Rodrigo escribió este concierto en 1952 para un eminente arpista vasco. En este movimiento, la escritura del arpa tiene unas raras vivacidades rítmicas que hacen de este trabajo una obra maestra para este instrumento. El arpa lleva a la danza, una alegre fusión de la música callejera y pomposa con la forma clásica. Esta composición es similar al Concierto de Aranjuez escrito en 1939, que se considera un concierto que rompe con la establecida escritura para guitarra y afianza su reputación como un compositor español influyente; la pieza evoca un paisaje mítico español y la gloria musical de épocas anteriores.

de 1813 y la grandeza de la pieza coincidió con un espíritu de celebración debido a que finalmente la Armada de Napoleón cayó en Europa occidental; de hecho la premier fue a beneficio de los soldados heridos. El público vienés inmediatamente reconoció la grandeza de la séptima sinfonía y por petición del público el concierto se repitió pocos días después. Tristemente, estos triunfantes conciertos marcaron la última aparición de Beethoven como director de orquesta; luego su audición se deterioró y solamente podía escuchar los sonidos más fuertes. A pesar de la ovación, esta séptima sinfonía inspiró una serie de reacciones contrarias: un crítico escribió que el compositor estaba “muy cerca del manicomio”; Richard Wagner cuyo trabajo inspiró críticas controversiales al final del siglo XIX, extrañamente juzgó las piezas como música para bailar. Según Wagner, “si alguien toca la séptima…la abuela, el ciego, el cojo, el niño en la cuna, todos se ponen a bailar”. Estas palabras ilustran los celos que comúnmente se encuentran entre un genio compositor y otro genio como tal. La noche culmina con un gran trabajo virtuoso, el Concierto para Piano No.2 en Sol Menor, Op.22 escrito por Camille Saint- Saëns (1835-1821). La carrera del compositor francés comenzó en la época del romanticismo y terminó con la era del inicio del jazz. La mayoría de sus composiciones fueron escritas a través de décadas, con extremos cambios en los estilos musicales y de desarrollo. Al inicio de su carrera, él fue reconocido como modernista y luego como un reaccionario –fue un feroz crítico de los movimientos musicales de principios del siglo XX, particularmente de los impresionistas franceses; sin embargo, en sus primeros años como compositor, Saint-Saëns fue un pionero musical ya que introdujo formas inusuales tales como el poema sinfónico y superó las composiciones radicales de Liszt y Wagner. Escribió el segundo concierto para piano en tan solo diez y siete días en 1868 para un concierto en el que él era el solista. Es una pieza de exuberante romanticismo y complejidad de texturas, aunque la conexión de Saint-Saëns con el barroco es reflejada en el inicio del segundo movimiento con sus líneas de contrapunto. La pieza termina con una salvaje Tarantella gitana que lleva a un brillante final con su especial claridad y sonoridad característica de su pluma orquestal.

La Séptima Sinfonía de Beethoven, será interpretada en su totalidad, como un trabajo de intensa energía e inagotable movimiento. Su estreno fue aclamado en Viena en diciembre Traducción Marta Kovacsics M Fransisco Cuervo

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Las directivas de la Fundaci贸n Victor Salvi expresan sus sentimientos de gratitud al Hotel Charleston Cartagena Santa Teresa por su decidida colaboraci贸n al Cartagena, I Festival Internacional de M煤sica. The Board of Directors of the Victor Salvi Foundation are grateful to Hotel Charleston Cartagena Santa Teresa for their continuous support to the Cartagena, I International Music Festival.

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Enero 7, 2007 3:30 p.m

CONFERENCIA

Geoffrey Norris

Las realidades de la Música “¿Usted qué hace?” es usualmente una buena pregunta cuando usted –por primera vez- conoce a alguien; si la respuesta es “soy un crítico de música”, la siguiente reacción inconsciente es –tal vez- preguntar “y, ¿usted qué hace el resto del tiempo?” Aunque el oficio, profesión u ocupación –llámese como se llame- de un crítico de música que labore para un importante periódico internacional no es de manera alguna la sinecura de la imaginación popular. Geoffrey Norris quien es el principal crítico de música del The Daily Telegraph de Londres, Reino Unido, explica su papel y las formas en que éste ha cambiado en las dos últimas décadas: patrones cambiantes en la vida de los conciertos, la cantidad escarpada de acontecimientos musicales, así como la aparición de nuevos intérpretes y nuevas obras –por no mencionar el constante desarrollo de la tecnología- significa que hay más para hacer como crítico de música que lo que parece a primera vista.

*Reseñista y crítico musical de The Daily Telegraph Londres 21

Enero 7, 2007 7:30 p.m Charles Wadsworth, Director Artístico Chee-Yun, violín Robert Margaryan, violín Elvira Misbakhova, viola Andrés Díaz, chelo Emmanuel Ceysson, arpa Jose Franch- Ballester, clarinete * Heather Howes, flauta Wendy Chen, piano Charles Wadsworth, piano Cuarteto de cuerdas St. Lawrence

Chee-Yun, violin Robert Margaryan, violin Elvira Misbakhova, viola Andres Díaz, cello Emmanuel Ceysson, harp *Jose Franch- Ballester, clarinet Heather Howes, flute Wendy Chen, piano Charles Wadsworth, piano St. Lawrence String Quartet

RAVEL

Introducción y Allegro para Arpa, Vientos y Cuerdas

Introduction and Allegro for Harp, Winds, and Strings

DVORAK

Tres piezas para Piano a Cuatro Manos “Waldesruhe” opus 68, No. 5 Dos Danzas Eslavas

DVORAK

Three pieces for One Piano, Four Hands “Waldesruhe” opus 68, No. 5 Two Slovanic Dances

STRAVINSKY

“Suite Italienne” para Violín y Piano

STRAVINSKY

“Suite Italienne” for Violin and Piano

INTERMISSION

MENDELSSOHN

Octeto en mi bemol mayor, opus 20 Allegro moderato ma con fuoco Andante Scherzo Presto *patrocina Fundación Endesa

MENDELSSOHN

Octet in e flat major, opus 20 Allegro moderato ma con fuoco Andante Scherzo Presto * Sponsored by Fundación Endesa

Patrocinadores Surtigas y Tubocaribe 22

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Notas al programa Stephanie Stein Crease Periodista musical y escritora

Este segundo concierto, en contraste con el primero, está dedicado totalmente a la música de cámara, invitando a la audiencia a vivenciar una experiencia musical íntima. Estos trabajos, escritos para una variedad de pequeñas combinaciones instrumentales, muestran una variedad de períodos musicales y estilos compositivos. El arpa juega un papel central en la primera pieza. La Introducción y Allegro para arpa, vientos y cuerdas escrita por Maurice Ravel es uno de los mas bellos trabajos de música de cámara escrito para arpa. Hay que tener en cuenta que la historia detrás de este trabajo, es sobre una rivalidad comercial maldita que se llevó a cabo entre los dos más importantes compositores impresionistas franceses. En 1903, la compañía Pleyel le encargó a Claude Debussy escribir una pieza para mostrar su nueva arpa cromática. Dos años después, en respuesta, la firma Erard, fabricantes líderes de las convencionales arpas de pedal, le pidieron a Ravel escribir una pieza para mostrar su impresionante instrumento. Ravel escribió la Introducción y allegro en una frenética semana, ya que el salía de vacaciones (aparentemente, él tomó la decisión de ir a ultima hora y casi pierde la única copia del manuscrito mientras partía con el equipaje). No obstante, la introducción de Ravel elevó el estatus del arpa a un virtuoso instrumento aparte de su usual rol decorativo en la orquesta. La introducción, un concierto en miniatura, muestra la totalidad del rango técnico y las capacidades expresivas del arpa en un ambiente moderno. Las siguientes selecciones, los duetos para piano Antonin Dvorák y la Suite Italienne de Igor Stravinsky para violín y piano, revelan la plasticidad mágica del arte de los compositores. Estas obras son mejor conocidas de otros modos –la versión orquestal de las Danzas Eslavas y Silent Woods para cello y orquesta, y Pulcinella, la partitura del ballet orquestado. Las danzas Eslavas de Dvorák y el lírico Silent Woods (Waldesruhe) aquí son ejecutadas como fueron originalmente escritas para un piano a cuatro manos. Aunque se escuchan más vívidamente la brillante fusión y las puntiagudas danzas rítmicas de Dvorák, los elementos folclóricos y las evocaciones del campo eslavo, son todas enlazadas a fuertes melodías. Entusiasmado por Brahms, el primer conjunto de Danzas Eslavas fue completado en la primavera de 1878 y Dvorák inmediatamente transcribe las partituras para orquesta. Ambas versiones fueron inmediatamente publicadas (por el editor de Brahms) y Dvorák se volvió rápidamente un

compositor famoso. Silent Woods es parte de las series líricas de From a Bohemian Forest terminada en enero de 1884; como el concierto para arpa de Rodrigo, este trabajo conjura un paisaje de ensueño ancestral. Posteriormente Dvorák lo adapta para cello y piano: mientras vivía en la ciudad de Nueva York en 1895, él también creó una versión para cello y orquesta, que se escuchará posteriormente en el Festival. La Suite Italienne de Stravinsky es una pequeña versión de la partitura del ballet Pulcinella, cuyo debut fue en Paris en 1920. Después de la primera guerra mundial, Diaghilev –el director del Ballet Ruso- invitó a Stravinsky a colaborar nuevamente con la compañía que le había dado fama y notoriedad con El Pájaro de Fuego, Petroushka y la Consagración de la Primavera. Diaghilev le pidió a Stravinsky escribir una partitura basada en los fragmentos de música escrita en el siglo XVIII por el compositor italiano Pergolesi y sus contemporáneos. Mientras tanto, la creatividad modernista se movía nuevamente en el Paris de pos-guerra: Picasso fue llamado a diseñar los escenarios para ballet y Ernest Ansermet, un paladín de trabajos de vanguardia, a dirigir. Diaghilev, sin embargo estaba esperando de Stravinsky algo dulcemente barroco. El resultado fue chocantemente innovador: pasajes melódicos abruptos con ritmos Stravinskianos, picantes variaciones y combinaciones de sonidos disonantes. Posteriormente Stravinsky transcribió cinco movimientos para violín o cello y piano bajo el titulo de Suite Italienne. El Octeto en Mi bemol escrito por Felix Mendelssohn conforma la segunda mitad de este programa. Una de las más importantes piezas de música de cámara, Mendelssohn escribió el Octeto en 1825, cuando tenia 16 años. El segundo movimiento, lento, tiene una profunda base lírica que es tan poderosa que solo se puede admirar la profunda expresión emocional del compositor siendo tan joven. Él ingeniosamente construyó este trabajo de tal manera que los temas principales se mueven entre ocho instrumentos, especialmente en el Scherzo (el tercer movimiento) y en la fugaz escritura del último movimiento. La fantástica energía del trabajo y el color vibrante de alguno de los pares de cuerdas hacen que el octeto suene todo el tiempo como una pequeña sinfonía. Mendelssohn se aseguró completamente de esto y les pidió a los músicos esforzarse por lograr un estilo orquestal. Esta magnífica partitura muestra en el joven Mendelssohn, su absoluta originalidad y maestría y le da a este concierto una conclusión dinámica. Traducción Marta Kovacsics M Fransisco Cuervo

Los directivos de la Fundación Victor Salvi expresan sus sentimientos de gratitud al señor Alcalde Mayor de Cartagena de Indias, doctor Nicolás Curi Vergara, a los funcionarios de la Administración Distrital, al Párroco y Superior Tulio Aristizábal y a la Sociedad de Mejoras Públicas de Cartagena por la decidida colaboración al Cartagena, I Festival Internacional de Música. The Board of Directors of the Victor Salvi Foundation are grateful to the Major of Cartagena, Nicolás Curi Vergara, to all District Officers, to Priest Tulio Aristizábal and the Sociedad de Mejoras Públicas de Cartagena for their continuous support to the Cartagena, I International Music Festival.

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Enero 7, 2007 11:00 p.m CONCIERTOS AL AIRE LIBRE

ORQUESTA Y SOLISTAS

ORCHESTRA AND SOLOISTS

Orquesta I Musici de Montréal Yuli Turovsky, director

I Musici de Montréal, orchestra Yuli Turovsky, conductor

Patrocinador Fundación Victor Salvi 25

Enero 8, 2007 11:00 a.m Charles Wadsworth, Director Artístico

Emmanuel Ceysson, arpa Paula Robison, flauta Chee-Yun, violín

Emmanuel Ceysson, harp Paula Robison, flute Chee-Yun, violin

ROSSINI

Introducción y Variaciones para Flauta y Arpa en fa mayor

Introduction and Variations for Flute and Harp in F Major

SAINT-SAËNS

Romanza para Flauta y Arpa, opus 37

Romance for Flute and Harp, opus 37

SAINT-SAËNS

Fantasía para Violín y Arpa, opus 124

Fantasy for Violin and Harp, opus 124

Obras Virtuosas Seleccionadas para Arpa Sola

Selected Virtuoso Solo Works for Harp

Las directivas de la Fundación Victor Salvi expresan sus sentimientos de gratitud al Presbítero Oscar González, párroco de la Iglesia de Santo Toribio, por su decidida colaboración al Cartagena, I Festival Internacional de Música. The Board of Directors of the Victor Salvi Foundation are grateful to Priest Oscar González, Iglesia Santo Toribio, for his continuous support to the Cartagena, I International Music Festival.

Por respeto a la iglesia se ruega el favor de no vestir prendas cortas

Patrocinador Deutsche Bank 26

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Notas al programa Stephanie Stein Crease Periodista musical y escritora

Los cuatro conciertos matutinos del Festival se enfocan únicamente en pequeñas combinaciones de cámara, que incluyen el repertorio relevante para cuartetos de cuerda. El Festival espera darle tanto a la audiencia, como a los músicos por igual un hermoso regalo –la oportunidad de experimentar la magia comunicativa de la música cuando debe ser tocada por ensambles en pequeñas e íntimas locaciones, tal como la adorable iglesia de Santo Toribio.

amor por la melodía pura y la exquisita claridad francesa. En el Romance para Flauta y Arpa Op. 37 compuesto en 1871, el arpa juega el rol de apoyo. Fue originalmente compuesta únicamente para flauta y orquesta; en la versión de dueto, las partes de la orquesta se encuentran bellamente condensadas en un brillante acompañamiento del arpa, delineando juntos los temas y estructuras de esta pieza. La Fantasía para Violín y Arpa, Op. 124, compuesta en 1907, es

El primer concierto es dedicado a la música para arpa en composiciones que muestran todas las capacidades virtuosas del instrumento, así como su versatilidad tanto solista como en música de cámara. El programa comienza con el Andante y variaciones para Flauta y Arpa en Fa Mayor de Rossini. Pieza compuesta en 1820, es una obra maestra de forma y belleza clásica con los dos instrumentos intercambiando melodía y acompañamiento con precisión encantadora, lentamente en cada variación pero constantemente intensificando los requisitos técnicos y musicales de cada instrumento. Las siguientes dos piezas de Camille Saint-Saëns ejemplifican el dominio del compositor de las formas clásicas y su perpetuo

un trabajo más maduro. Siendo una fantasía de libre extensión, es una de sus piezas más inusuales en el repertorio de cámara y exige la máxima virtuosidad de ambos instrumentos. Atmosférica, llena de colores y espacios íntimos, en esta pieza, Saint-Saëns explora los contrastes en el timbre, usando un completo rango de sonidos para ambos instrumentos, esto se ejemplifica hacia el final de la pieza: el arpa toca un fuerte y rítmico tema en registro bajo, mientras el violín toca virtuosas variaciones sobre el mismo tema. Las medidas finales de la música transmiten una exquisita atmósfera –simple, calmada y gentil. El resto de este concierto de una hora, ofrecerá importantes obras para el arpa.

Traducción Marta Kovacsics M Fransisco Cuervo

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Enero 8, 2007 3:30 p.m

CONFERENCIA Profesor

José Félix Patiño* Una aproximación a la ópera ¿Qué es la ópera? El profesor José Félix Patiño Restrepo, médico y cirujano de la Universidad de Yale, Ex-ministro de Salud y Ex-Rector de la Universidad Nacional de Colombia, es un reconocido amante de la ópera. En esta conferencia, presentada con tecnología audiovisual, se refiere al origen y desarrollo de la ópera, a lo que debe ser una aproximación a ésta, “la más completa de las artes y la máxima expresión del sentimiento humano”. En la ópera el arte escénico, basado en desarrollos tanto estéticos como históricos, es tan importante como la dirección musical. Es el autor de una muy bien documentada biografía de María Callas. La Divina, prima donna assoluta, La Voz de Oro del Siglo, cuya tercera edición acaba de aparecer. En la conferencia se referirá a la vida y arte de La Divina.

* Cirujano y experto en ópera 29

Enero 8, 2007 7:30 p.m Charles Wadsworth, Director Artístico Orquesta I Musici de Montréal Yuli Turovsky, director Jose Franch- Ballester, clarinete * Andrés Díaz, chelo

I Musici de Montréal, orchestra Yuli Turovsky, conductor *Jose Franch- Ballester, clarinet Andres Díaz, cello

DVORAK

Nocturno para Cuerdas, en si mayor, opus 40

Nocturne for Strings, in B major, opus 40

COPLAND

Concierto para Clarinete y Orquesta Slowly and expressively Rather fast

Concerto for Clarinet and Orchestra Slowly and expressively Rather fast

HAYDN

Concierto para Chelo y Orquesta en do mayor, Hob. VIIb:1 Moderato Adagio Allegro molto

Concerto for Cello and Orchestra in C major, Hob. VIIb:1 Moderato Adagio Allegro molto

INTERMEDIO BORODIN

INTERMISSION BORODIN

Nocturno en re mayor para Cuerdas

Nocturne in D major for Strings

TCHAIKOVSKY

Serenata para Cuerdas, opus 48 Walzer: Moderato Elegie: Larghetto elegiaco Finale: tema russo: Andante – Allegro con spirito

Serenade for Strings, opus 48 Walzer: Moderato Elegie: Larghetto elegiaco Finale: tema russo: Andante – Allegro con spirito

*patrocina Fundación Endesa

* Sponsored by Fundación Endesa

Las directivas de la Fundación Victor Salvi expresan sus sentimientos de gratitud al Hotel Sofitel Santa Clara por su decidida colaboración al Cartagena, I Festival Internacional de Música. The Board of Directors of the Victor Salvi Foundation are grateful to Hotel Sofitel Santa Clara for their continuous support to the Cartagena, I International Music Festival.

Patrocinador Coalcorp 30

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Notas al programa Stephanie Stein Crease Periodista musical y escritora

Los conciertos nocturnos del festival son como una novela, llenos de cambios inesperados en la trama, cambios dramáticos de épocas y escenas, contrastes y conexiones sorprendentes. La historia de esta noche comienza con el Nocturno para Cuerdas de Dvorák, una pieza de transición que es totalmente diferente de los duetos de piano escuchados anoche. El Nocturno es un puente entre mundos musicales, el eslavo y el mundano, y el trabajo de un joven compositor que aun duda sobre alguna de sus ideas, con uno que no está teniendo gran éxito. En 1869 y 1870 Dvorák compuso tres cuartetos para cuerdas que destruyó en un episodio de frustración creativa. Las partes de los intérpretes sobrevivieron y afortunadamente Dvorák sentía que parte de los cuartetos valían la pena ser revisados. El Nocturno, publicado en 1883, es la revisión y expansión de un movimiento de uno de éstos. Tiene un anhelante espíritu sonoro que evoca remembranzas. Dvorák estrenó este trabajo en Londres en 1884 como parte de una serie de conciertos que lanzarán su carrera internacional. La atmósfera cambia completamente con el Concierto para Clarinete y Orquesta de Aaron Copland, una pieza que es enormemente influenciada por los virtuosos del jazz del Nuevo Mundo. Fue encargada por el clarinetista de jazz Benny Goodman cuando el Rey del Swing ( the King of Swing ) –un inquieto innovador- estaba interesado en regresar a las raíces clásicas. Goodman encargó piezas a los mejores compositores del siglo XX tales como Belá Bartok, Aaron Copland y Morton Gould, e interpretó trabajos de otros notables compositores como Stravinsky y Leonard Bernstein, todas adiciones fantásticas del legado del clarinetista. Copland inicialmente no consultó con Goodman sobre esta pieza, pero él modificó algo de la partitura debido a un pedido de Goodman antes de que lo interpretara en 1950. El concierto es arrollador y personal. Tiene una forma simple, dos movimientos conectados por el clarinete solista, que suena improvisado, pero es compuesto detalladamente. Este concierto no debe considerarse únicamente como una obra de jazz, Copland reunió brillantemente elementos y ritmos del jazz, canciones folclóricas, matices de música latina, en un conjunto orquestal. Esta vez el cambio de faz nos lleva a la verdadera era clásica, con el Concierto para Cello en Do mayor, Hob.VIIb:1 de Franz Josef Haydn, la composición más antigua que se interpretará esta semana. Compuesta entre 1763 y 1765, el manuscrito de esta pieza estuvo perdido por más de 200 años, hasta que fue nuevamente descubierto en 1961 en un castillo en Praga que fue

la última residencia de los patrocinadores de Haydn, la corte de los Eszterházy. Haydn compuso este concierto para Joseph Wiegl, amigo, compositor y brillante cellista de la orquesta de la corte de los Eszterházy. Es una pieza maestra para cello y muestra el impresionante rango del instrumento, tanto técnico como de voz expresiva. Una maravilla del clasicismo, este concierto tiene una encantadora vitalidad que lo mantiene siempre fresco. Desde que el trabajo fue descubierto y establecido como auténtico, se ha vuelto uno de los “nuevos” clásicos favoritos para los cellistas y el público. La siguiente selección cambia abruptamente nuestra escena musical. Alexander Borodin fue uno de los cinco grandes compositores rusos –Balakirev, Cui, Mussorgsky y RimskyKorsakov- que lideraron la escena musical nacionalista en Rusia en la segunda mitad del siglo XIX. Aun, con la excepción de Balakirev, todos los otros cuatro tuvieron otras profesiones inicialmente, por ejemplo Borodin tuvo una distinguida carrera en química analítica. Sus intereses musicales fueron inspirados después de haber pasado un tiempo en Alemania y Europa occidental, mientras desarrollaba su trabajo en la ciencia. Cuando finalmente se instaló en San Petersburgo en 1862, Balakirev lo convenció de dedicarse a la composición. Varias de las melodías de Borodin han sido adaptadas como canciones populares norteamericanas, siendo la más famosa “Stranger in Paradise” (Extraños en el paraíso) que hizo parte de un musical de Broadway en 1953 pero que pertenece a la ópera Príncipe Igor , y “And this is my beloved” (Esta es mi Amada) del Nocturno, el tercer movimiento del Cuarteto de Cuerdas en re mayor de Borodin. Esta noche la historia cierra su círculo con los tres movimientos que quedan de la Serenata para Cuerdas de Tchaikovsky, cuyo primer movimiento abrió el festival. La Serenata para Cuerdas pudo haber comenzado como una sinfonía o un cuarteto para cuerdas, antes de que tomara su forma final. En el segundo movimiento, la música toma vuelo con una grandiosa melodía y los ritmos agraciados que nos recuerdan el grandioso talento de Tchaikovsky para componer música de ballet. El Finale esta basado en una canción folclórica rusa. Finalmente el público experimenta el desenlace: esta canción es la clave de toda la pieza. La arquitectura de la Serenade se revela al final, un continuo desarrollo de los temas en serie y de las voces rotativas que elegantemente concluyen este concierto. Traducción Marta Kovacsics M

Durante el concierto se apagará el aire acondicionado.

Enero 9, 2007 11:00 a.m Charles Wadsworth, Director Artístico

Cuarteto de Cuerdas St. Lawrence Geoff Nuttall, Violín Scott St. John, Violín Lesley Robertson, Viola Christopher Costanza, Chelo

St. Lawrence String Quartet Geoff Nuttall, Violin Scott St. John, Violin Lesley Robertson, Viola Christopher Costanza, Cello

MOZART

Duo para Violín y Viola en sol mayor, K. 157 Allegro Andante Presto

Duo for Violin and Viola in G major, K. 157 Allegro Andante Presto

RAVEL

Cuarteto para Cuerdas en fa mayor Moderato très doux, Assez vif-Très rythmé Très lent Vif et agité

String Quartet in F major Moderato très doux, Assez vif-Très rythmé Très lent Vif et agité

Patrocinador Fundación Victor Salvi 32

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C O L O M B I A

Notas al programa Stephanie Stein Crease Periodista musical y escritora

El resto de la serie de conciertos en las mañanas se enfoca casi exclusivamente en el cuarteto de cuerdas, uno de los géneros más duraderos en la música clásica occidental. Estos tres conciertos nos acercan a esta forma, con importantes cuartetos de Haydn y Mozart, un cuarteto de Dmitri Shostakovich, cuyas innovaciones condujeron a muchos amantes de la música al inspirado mundo de los cuartetos de cuerda del siglo XX. El desarrollo de la escritura de la música de cámara de Haydn es prolífico y brillante a finales de 1700 e inspiró a Mozart para escribir 26 cuartetos (uno de ellos dedicado a Haydn), y luego, Beethoven, cuyos 16 cuartetos fueron medios de expresión personal cada vez mas intensos que han tenido influencia en la música contemporánea. La naturaleza altamente expresiva de los instrumentos de cuerda –tan notable como la voz del ser humano- contribuye a la naturaleza personal de este género. El concierto del martes conjuga el Cuarteto en Do Mayor, K 157 de Mozart con el Cuarteto en Fa Mayor de Ravel, escritos con más de un siglo de diferencia. El cuarteto K 157 el tercero de un grupo de seis, fue escrito cuando Wolfgang tenía 16 años

durante su visita a Milán a finales de 1772 (él escribió su primer cuarteto cuando tenía 14 años). Escrito en tres movimientos, todavía costumbre en los círculos musicales de Milán, tiene una profundidad emocional, particularmente en el bello Andante que muestra los dones expresivos del joven compositor, así como su temprano dominio de la escritura para cuerdas. Luego de esta pieza, el Cuarteto para Cuerdas en Fa de Ravel, es un compañero perfecto debido a un conjunto de similitudes entre ambas piezas: claridad, escritura precisa, bello en detalles y estructura. El cuarteto de Ravel, compuesto al inicio de 1902, es su único trabajo para cuarteto de cuerdas y fue dedicado a su profesor Gabriel Fauré. Es un trabajo de belleza pura y la fuerza cuidadosa con que Ravel explota el uso de las cuerdas hace que suene un poco espontáneo aunque es elaborado perfecta y bellamente. En 1910 cuando Ravel trató de corregir algunos fragmentos para la segunda edición basada en los comentarios que Fauré había hecho años antes, su mentor dijo: “¡A nombre de todos los dioses de la música y a mi nombre, no se enrede con nada de lo que haya escrito!”

Traducción Marta Kovacsics M Fransisco Cuervo

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Enero 09, 2007 3:30 p.m

CONFERENCIA

EDUCACIÓN MUSICAL EN COLOMBIA:

El Proyecto del Ministerio de Cultura El Plan Nacional de Música para la Convivencia es ante todo un proyecto ético porque se fundamenta en un principio de equidad, en respuesta a la exclusión social y a la desigualdad de oportunidades, garantizando la presencia de un programa del estado nacional en todas las regiones del país, con fundamento en la autonomía local y en la interculturalidad.

Alejandro Mantilla*

Colombia tiene ante sí el reto de consolidar formas políticas democráticas desde las instituciones y desde las comunidades, que generen espacios autónomos e interdependientes de participación y educación, donde se construyan proyectos colectivos. Este es el sentido de la política prioritaria en educación musical no formal, coordinada por el Ministerio de Cultura, al proponer como eje la consolidación de Escuelas de Música en todos los municipios del país, a partir de las prácticas musicales y los saberes existentes, en abierto diálogo con lógicas y saberes de otros contextos académicos y socioculturales. Se trata de establecer de qué manera la investigación y la formación en torno a las prácticas musicales de los diferentes ámbitos del país, pueden enriquecer la perspectiva epistemológica de la educación y la cultura, y contribuir a la vez a la integración cultural a partir del reconocimiento sistemático de la diversidad.

* Director y Asesor en las páginasde Conferencia 35

Enero 9, 2007 7:30 p.m Charles Wadsworth, Director Artístico

Chee-Yun, violín Scott St. John, viola Andrés Díaz, chelo Paula Robison, flauta Romero Lubambo, guitarra Cyro Baptista, percusión Wendy Chen, piano Jean-Yves Thibaudet, piano Charles Wadsworth, director artístico

Chee-Yun, violin Scott St. John, viola Andres Díaz, cello Paula Robison, flute Romero Lubambo, guitar Cyro Baptista, percussion Wendy Chen, piano Jean-Yves Thibaudet, piano Charles Wadsworth, artistic director

CHORO, BOSSA Y SAMBA BRASILEROS

BRAZILIAN CHORO, BOSSA AND SAMBA

INTERMEDIO

INTERMISSION

DEBUSSY

“Syrinx”

“L’ isle Joyeuse” “Clair de Lune”

“I’ isle Joyeuse” “Clair de Lune”

BRAHMS

Cuarteto para Piano y Cuerdas en sol menor, opus 25 Allegro Intermezzo. Allegro, ma non troppo Andante con moto Rondo alla Zingarese. Presto

Quartet for Piano and Strings in G minor, opus 25 Allegro Intermezzo. Allegro, ma non troppo Andante con moto Rondo alla Zingarese. Presto

Patrocinador Challenger y Profesionales de Bolsa 36

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Notas al programa Stephanie Stein Crease Periodista musical y escritora

“La belleza de una obra de arte siempre será misteriosa. Esto quiere decir, que nunca nadie podrá descubrir exactamente ‘cómo fue hecha’. Preservemos a todo costo esta magia que le es peculiar a la música…”. Esto lo escribió Debussy en 1913. La diversa programación de esta noche –que va desde la música de Brasil a Brahms, resguarda el misterio de la música mientras atrae a la audiencia con su magia. Esta es la primera de tres programaciones de esta semana presentando la música de Brasil ejecutada por la aclamada flautista Paula Robison junto con sus colaboradores brasileros Romero Lubambo (guitarra) y Cyro Baptista (percusión). Ellos tocarán los exclusivos arreglos de choro, samba y bossa nova, todos arraigados estilos populares en Brasil. Esta música regresa siglos atrás a los rituales africanos, los lamentos de los trovadores portugueses y las danzas cortesanas europea. Su corazón es ritmo: el vibrante legado de la conexión afro-brasilera. El choro es un estilo instrumental que se desarrolló entre músicos amateur, en Río de Janeiro alrededor de 1870. Los grupos de choro usualmente incluyen instrumentos de la familia de la guitarra, tales como el Violao y Cavaquinho, uno o dos instrumentos de cobres, maderas y percusión. Los flautistas eran a menudo las estrellas de estos grupos, de aquí la pasión de la señora Robison quien también se ha sentido atraída por esta antigua música y su virtuosa tradición. El choro fue la música urbana más popular en Brasil a fines de 1920, cuando fue eclipsada por la Samba y el creciente espectáculo del Carnaval. El “blues” de Brasil, la Samba y el choro puede ser feliz o triste, aguerrido o lírico, de ritmo lento o con tiempos veloces. La bossa nova emergió en Río en 1950; sus creadores el notable Antonio Carlos Jobim, Joao Gilberto y Louis Bonfa entrelazan elementos de Debussy, Ravel y “cool” jazz norteamericano con ritmo de Samba depurada. Sensual y urbana, las canciones bossa se han vuelto una ineludible parte del repertorio de jazz. Las siguientes tres selecciones son de Claude Debussy, indiscutiblemente la fuerza líder del impresionismo musical, razonado en las pinturas llenas de luz y ambientes que fueron el tema de conversación a finales del siglo XIX en Paris. La creatividad filosófica de Debussy, tan bellamente mostrada en estas tres selecciones, en las que el arte debe permitir que la intuición reine: mitos, sueños, pinturas y poemas fueron sus musas. Syrinx, fue escrita para un solo de flauta, y es la única pieza que recuerda la música incidental que Debussy escribió para un espectáculo privado del poema de Gabriel Mourey “Psyche”. La música para Syrinx, debía ser tocada desde la tras-escena del

teatro, mientras la criatura mítica Pan –que se encuentra en el escenario- toca su última melodía antes de que muera. Es una pieza característica de la Sra. Robison y ella la ha interpretado en “laderas, en el bosque, en salas de conciertos; en homenajes a artistas, en la oscuridad, al atardecer; al amanecer…” esto expresa “todo lo que es maravilloso en la música de Debussy”. L’Isle Joyeuse y Clair de Lune compuestas para piano, son evocaciones de paisajes encantados –uno totalmente alegre, el otro, teñido con melancolía. Debussy comienza L’Isle Joyeuse en Paris, pero fue completada en la Isla de Jersey, donde él se escapó en el verano de 1904, felizmente, pero un tanto escandaloso, con su amante Emma Bardac (con quien posteriormente se casó). No hay mejor descripción de este trabajo que las instrucciones de Debussy en la partitura, “aire, ligereza y gracia”. Clair de Lune, el trabajo más popular para piano de Debussy fue compuesto en 1890 luego fue revisado en 1905 e incluido en la Suite Bergamesque. Dulce y agridulce, es la traducción del poema de Verlaine que lleva el mismo nombre y que a su vez fue inspirado por una escena pintada por el pintor francés Watteau: Su alma es un paisaje favorecido Para máscaras y atrayendo el vagar Bailando e interpretando el laúd Casi triste entre sus disfraces elegantes. El programa de esta noche termina con una obra maestra de Brahms; Cuarteto para Piano y Cuerdas en Sol menor, el primero de tres cuartetos con piano que fueron concebidos durante un periodo de gran confusión para el joven compositor después de la muerte de su mentor Robert Schuman en 1856. Este cuarteto, publicado en 1861, es un trabajo de grandeza y pasión que brillantemente muestra el dominio de Brahms de las formas de sus predecesores, notablemente de Beethoven. Aunque Brahms ha desarrollado claramente sus propias formas de ensamblar los temas y contra sujetos, y las de escritura para todas las capacidades de un instrumento; aquí, él explota el piano y las cuerdas con armonías aventureras y pasajes que en determinados momentos son intensamente llenos de percusión. El finale, el salvaje Zingarese húngaro requiere la más grandiosa virtuosidad de los cuatro intérpretes. En diferentes momentos, el pianista es el objeto de atención quien gira con la lenta ejecución de los músicos. El biógrafo de Brahms, Ivor Keys escribió: “fue obviamente diseñado para que se cayera el teatro y así sucedió. Traducción Marta Kovacsics M Fransisco Cuervo

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Enero 9, 2007 11:00 p.m CONCIERTOS AL AIRE LIBRE

Solistas del Festival

Cartagena Festival Artists

Patrocinador Fundaci贸n Victor Salvi 39

Enero 10, 2007 11:00 a.m Charles Wadsworth, Director Artístico

Cuarteto de Cuerdas St. Lawrence Geoff Nuttall, Violín Scott St. John, Violín Lesley Robertson, Viola Christopher Costanza, Chelo

St. Lawrence String Quartet Geoff Nuttall, Violin Scott St. John, Violin Lesley Robertson, Viola Christopher Costanza, Cello

HÄNDEL-HALVORSEN

Passacaglia para Violín y Chelo

Passacaglia for Violin and Cello

HAYDN

Cuarteto para Cuerdas en sol mayor, opus 77, No. 1 Allegro Moderato Adagio Menuetto: Presto Finale: Presto

String Quartet in G major, opus 77, No. 1 Allegro Moderato Adagio Menuetto: Presto Finale: Presto

SHOSTAKOVICH

Cuarteto para Cuerdas en do menor, opus 110, No. 8 Largo Allegro Molto Allegretto Largo Largo

String Quartet in C minor, opus 110, No. 8 Largo Allegro Molto Allegretto Largo Largo

Patrocinador Fundación Victor Salvi 40

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C O L O M B I A

Notas al programa Stephanie Stein Crease Periodista musical y escritora

El tercer concierto de la mañana abre con la Passacaglia para Violín y Chelo de Händel-Halvorsen, basada en un tema de Händel a partir de uno de sus Suites para teclado, compuesto en 1920. El término musical Passacaglia es usado para describir un conjunto de variaciones basadas en un tema en el bajo, que se repite numerosas veces con un patrón armónico invariable. El músico noruego Johann Halvorsen ideó un espectacular conjunto de variaciones para violín, cello o viola. Esta pieza, escrita en 1894 se ha vuelto una obra maestra popular para ambos instrumentos. Aunque el tema y la estructura armónica son simples, las variaciones son un torbellino de desafíos técnicos y musicales. El siguiente par de cuartetos de cuerdas son extremadamente diferentes al representar una “pequeña historia del tiempo”: el Cuarteto para cuerdas en Sol Mayor, Op. 77 No.1 de Haydn escrito en 1799 y el Cuarteto No. 8 en Do Menor, Opus 110 de Shostakovich escrito en 1960. Fue a través de la genialidad de Haydn que la expresión "cuarteto de cuerdas" nació. Beethoven que fue influenciado por Haydn, luego lo desarrolló en una estructura musical substancial compleja. Beethoven empleó la forma del cuarteto como un medio de expresión personal profundo, una tradición que Shostakovich adoptó noble y heroicamente.

Tiene la claridad de línea y el desarrollo estructural que fue empleado por Mozart y Beethoven en la época de Haydn. A través de su larga carrera en la corte Eszterházy, la música de Haydn, con su simetría y belleza, fue dirigida para complacer a los visitantes y al ambiente de nobleza. Trágicamente, como compositor “oficial”, Shostakovich tuvo una experiencia brutal como artista soviético bajo Stalin y regímenes sucesivos, quienes afectaron su colosal obra; un número considerable de sus piezas fue prohibido varias veces. Él compuso el Cuarteto No. 8 en Do Menor, Opus110, en julio de 1960 durante una visita a Dresden –siendo aún una cuidad devastada- para una película de propaganda política. Este cuarteto es uno de sus trabajos autobiográficos, donde expone el tormento que el sufrió aún después de la muerte de Stalin. Dresden era una prueba viviente de un régimen corrosivo, y ese mismo año, Shostakovich fue presionado para unirse al Partido Comunista. Adicionalmente, su salud se deterioraba, lo que lo llevó a sumirse en una depresión. El Octavo Cuarteto de Cuerdas es el diario de esta crisis. Característicamente el compositor yuxtapone diferentes referencias musicales simbólicas –un tema revolucionario, un tema judío y pasajes de sus trabajos anteriores, todo junto con su asombroso poder emocional.

El cuarteto de Haydn Op. 77 No.1 fue uno de los últimos cuartetos - de los 83 - que el compositor realmente terminó.

Traducción Marta Kovacsics M Fransisco Cuervo

Las directivas de la Fundaci贸n Victor Salvi expresan sus sentimientos de gratitud al Hotel Charleston Cartagena por su decidida colaboraci贸n al Cartagena, I Festival Internacional de M煤sica. The Board of Directors of the Victor Salvi Foundation are grateful to Hotel Charleston Cartagena for their continuous support to the Cartagena, I International Music Festival.

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Enero 10, 2007 3:30 p.m

CONFERENCIA

Geoffrey Norris* Rachmaninoff - el Pianista. Sergei Rachmaninoff (1873-1943) es recordado como el más fino pianista de sus días, aún en una época que pudo glorificarse de fenomenales talentos tales como los de Josef Hofmann, Ignacy Paderewski, Josef Llévinne and Benno Moiseiwitsch. Rachmaninoff fue uno de los grandes compositores y pianistas –tan familiar para aquellos que frecuentan conciertos- como sus obras para orquesta y piezas para piano, tanto así por sus interpretaciones de la música de otros. Geoffrey Norris, quien es profesor en el Instituto de Música Rachmaninoff en Rusia y autor de un aclamado estudio biográfico de la legendaria figura, ilustra las cualidades que hacen de su interpretación del piano una cuestión memorable para quien lo ha escuchado. Afortunadamente, Rachmaninoff vivió en la época de las grabaciones en vivo y sus discos son el testamento de un artista de extraordinaria habilidad y sensibilidad profunda.

*Reseñista y crítico musical de The Daily Telegraph Londres 43

Enero 10, 2007 7:30 p.m Charles Wadsworth, Director Artístico Orquesta I Musici de Montréal Yuli Turovsky, director Juan Carlos Rivas, director invitado Chee-Yun, violín

PIAZZOLLA

I Musici de Montréal, orchestra Yuli Turovsky, conductor Juan Carlos Rivas, guest conductor Chee-Yun, violin

“Cuatro Estaciones de Buenos Aires” para Violín y Cuerdas, op. 80 (Arr. by Leonid Desyatnikov) Juan Carlos Rivas, director Otoño porteño Invierño porteño Primavera porteña Verano porteño

PIAZZOLLA

“Cuatro Estaciones de Buenos Aires” for Violin and Strings op. 80 (Arr. by Leonid Desyatnikov) Juan Carlos Rivas, conductor Otoño porteño Invierño porteño Primavera porteña Verano porteño

MENDELSSOHN

Sinfonía No. 4, “La Italiana” en la mayor, opus 90 Allegro vivace Andante con moto Con moto moderato Salterello presto

Symphony No. 4, “Italian Symphony” in A major, opus 90 Allegro vivace Andante con moto Con moto moderato Salterello presto

INTERMEDIO

INTERMISSION

MUSSORGSKY

“Cuadros de una Exposición” versión para Cuerdas de Yuli Turovsky Con animación basada en la pintura de Natasha Turovsky Promenade Gnomus Promenade The Old Castle Promenade Tuileries Bydlo Promenade Ballet Of The Unhatched Chicks Samuel Goldenberg And The Schmuyle The Market Place At Limoges Catacombs: Roman Sepulchre mortuis in linqua mortua The Little Hut On Chickens’ Legs The Great Gate Of Kiev

“Pictures of an Exhibition” arr. for Strings by Yuli Turovsky With an original animated film based on paintings by Natasha Turovsky Promenade Gnomus Promenade The Old Castle Promenade Tuileries Bydlo Promenade Ballet Of The Unhatched Chicks Samuel Goldenberg And The Schmuyle The Market Place At Limoges Catacombs: Roman Sepulchre mortuis in linqua mortua The Little Hut On Chickens’ Legs The Great Gate Of Kiev

Patrocinador Grupo GEA 44

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Notas al programa Stephanie Stein Crease Periodista musical y escritora

La primera selección del concierto de esta noche, a la mitad del camino de esta semana de festival, nos lleva a un terreno musical totalmente diferente –a Argentina y a la música del innovador compositor de tango, Astor Piazzolla. Este concierto es uno de cuatro con música distintiva de Suramérica, en este caso, El Nuevo Tango de Piazzolla con obras maestras de Europa occidental. Estas salvajes yuxtaposiciones no son ni experimental ni accidental: son integrales a la forma en que Charles Wadsworth, el Director Artístico del Festival, ha sabido crear y establecer programaciones a lo largo de su carrera. Él toma a la audiencia por sorpresa: para borrar cualquier concepción de cómo un concierto de música clásica debe ser diseñado y para emocionar a la audiencia con ambientes y estilos cambiantes. La primera mitad del programa presenta Las Cuatro Estaciones Porteñas con la Sinfonía No. 4 de Mendelssohn. Las Cuatro Estaciones de Piazzolla fueron compuestas en 1970 y es un tributo ultramoderno al barroco compositor de Le quattro stagioni, Antonio Vivaldi. Piazzolla saluda a Vivaldi en formas oblicuas: sus líneas contra-puntuales son puntiagudas y llenas de disonancias, sus ritmos llenos de extraña métrica y pausas abruptas. Su Buenos Aires, parece tener una sola estación –en cuatro movimientos- en la que la vida es llena de drama y pasión feroz y pocos momentos de ternura. Al conducir esta estación sin fin El Nuevo Tango de Piazzolla, su forma revolucionaria de usar el tango tradicional, sus ritmos y pathos, se establece una protesta pública en 1950, cuando su música fue escuchada por primera vez en Buenos Aires y por muchos años después, los amantes del tango tradicional no pudieron soportar lo que ellos consideraban como “contaminación” de la música. No fue hasta los años ochenta que la música de Piazzolla atrajo una pasión internacional seguida por músicos y audiencias que creció hasta el día de su muerte en 1992.

Piazzolla fue un virtuoso del Bandoneón (el acordeón de botones que respira tango) y el líder de un ensamble inspirador así como compositor: el exigía lo mejor de sus compañeros músicos. Característicamente las Cuatro Estaciones de Piazzolla cambia la forma tradicional de la canción/baile del tango - originalmente la música de los burdeles y de los barrios bajos - en arte ejecutado por virtuosos. Sus Cuatro Estaciones, como las de Vivaldi exigen un solista de violín con una técnica sin límites y con un compromiso pasional por la voz única del compositor. La música ahora cambia abruptamente a la Sinfonía No. 4 de Mendelssohn -La Italiana- que abre con una oleada de momentos y promesas juveniles. De hecho, el compositor está en sus 20 cuando lo compuso: fue escrito mientras él viajaba por Italia durante 1830-31, durante el mismo periodo en que escribió su tercera sinfonía y la Obertura de las Hebrides. La cuarta sinfonía es ahora su trabajo para orquesta más popular y fue interpretado en Londres en 1834, aunque él nunca se sintió satisfecho y continuó trabajando en esta sinfonía por varios años y nunca llegó a publicarla; fue póstumamente llamada la cuarta, debido a cuando fue escrita. Como la obertura de Un Sueño de Una Noche de Verano, la cuarta evoca un paisaje inspirado en Shakespeare, lleno de escenas cortesanas y románticas que son llevadas acabo en centelleantes bosques cerca de arroyos que rugen. Siguiendo la urticante y violenta pasión de las Cuatro Estaciones de Piazzolla, escuchamos esta sinfonía de Mendelssohn más vivamente. Oímos su vitalidad rítmica, su juventud, su inocencia que la hace más juguetona. Para sorpresa y placer del público, suena como un nuevo trabajo nacido del aire y el espacio etéreo.

Traducción Marta Kovacsics M Fransisco Cuervo

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Enero 10, 2007 11:00 p.m CONCIERTOS AL AIRE LIBRE

Paula Robison, flauta Romero Lubambo, guitarra Cyro Baptista, percusi贸n

Paula Robison, flute Romero Lubambo, guitar Cyro Baptista, percussion

CHOROS, BOSSA Y SAMBA BRASILERAS

BRAZILIAN CHORO, BOSSA AND SAMBA

Patrocinador Fundaci贸n Victor Salvi 47

Enero 11, 2007 11:00 a.m Charles Wadsworth, Director Artístico

Cuarteto de Cuerdas St. Lawrence Geoff Nuttall, Violín Scott St. John, Violín Lesley Robertson, Viola Christopher Costanza, Chelo

St. Lawrence String Quartet Geoff Nuttall, Violin Scott St. John, Violin Lesley Robertson, Viola Christopher Costanza, Cello

PUCCINI

“Chrysanthemums” Elegy for String Quartet

“Crisantemos” Elegía para Cuarteto de Cuerdas

DOHNÁNYI

Serenata para Trío de Cuerdas en do mayor, opus 10 Marcia-Allegro Romanza-Adagio non troppo, quasi andante Scherzo-Vivace Tema con variazioni-Andante con moto Rondo (Finale)-Allegro vivace

SCHUMANN

Serenade for String Trio in C major, opus 10 Marcia-Allegro Romanza-Adagio non troppo, quasi andante Scherzo-Vivace Tema con variazioni-Andante con moto Rondo (Finale)-Allegro vivace

SCHUMANN

Cuarteto para Cuerdas en fa mayor, opus 41, No. 2 Introduzione: Andante espressivo - Allegro Scherzo: Presto - Intermezzo Adagio Presto

String Quartet in F major, opus 41, No. 2 Introduzione: Andante espressivo - Allegro Scherzo: Presto - Intermezzo Adagio Presto

Patrocinador Fundación Victor Salvi 48

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C O L O M B I A

Notas al programa Stephanie Stein Crease Periodista musical y escritora

El último concierto por la mañana ofrece un lujurioso bouquet musical, abriendo con el hermoso Crisantemo, elegía al Cuarteto de Cuerdas por el gran compositor de ópera, Giaccomo Puccini. Una de las pocas piezas instrumentales de Puccini que ha sido popular. El compositor escribió Crisantemo en una sola noche en 1890, en respuesta a la muerte del Duque de Savoy. La escena cambia dramáticamente a la alegre Serenata en Do Mayor, Op. 10 para trio de cuerdas de Ernst von Dohnányi. Béla Bartok, compatriota y amigo de Dohnányi dijo una vez: “Usted puede resumir la música húngara en una sola palabra, Dohnányi”. En este extenso trabajo se escucha la clase de fusión musical que hace que el trabajo de Dohnányi sea influyente y apreciado, es decir el romanticismo de Brahms se fusionó con ritmos y sentimientos húngaros. Esta Serenade, escrita en 1902, es una de las más hermosas composiciones en el repertorio de los tríos de cuerdas. Sus cinco momentos son melódicos,

Por respeto a la iglesia se ruega el favor de no vestir prendas cortas

románticos, expresivos y altamente rítmicos. Este trío le da a los tres artistas, oportunidades como solistas tanto en el área interpretativo como virtuoso. El Cuarteto de Cuerdas Op. 41, no. 2 en Fa Mayor de Robert Schumann trae esta mañana un cierre. Schumann explota en creatividad, estudio intenso y composición destacado por sus periodos de incapacidad mental y depresión que últimamente venció. Sus problemas pueden haberlo conducido a concentrar sus energías en crear para un solo género musical a la vez. En 1842, durante un período soledad en casa en Leipzig mientras su esposa Clara, completaba un tour de conciertos, él se dedicó a estudiar los últimos cuartetos de Beethoven y luego los cuartetos de Haydn y Mozart. Luego del regreso de Clara, él completó los tres cuartetos de cuerda Op. 41, en dos frenéticos meses. Él los dedicó a su querido amigo Felix Mendelssohn y los regaló a su amada Clara en su cumpleaños número 23.

Traducción Marta Kovacsics M Fransisco Cuervo

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Enero 11, 2007 3:30 p.m TALLER PARA TALENTOS Jﾃ天ENES

Susan Wadsworth*

*Fundadora y Directora de Young Concert Artists 51

Enero 11, 2007 7:30 p.m Charles Wadsworth, Director Artístico

Paula Robison, flauta Romero Lubambo, guitarra Cyro Baptista, percusión Jean-Yves Thibaudet, piano Cuarteto de Cuerdas St. Lawrence Geoff Nuttall, Violín Scott St. John, Violín Lesley Robertson, Viola Christopher Costanza, Chelo

Paula Robison, flute Romero Lubambo, guitar Cyro Baptista, percussion Jean- Yves Thibaudet, piano St. Lawrence String Quartet Geoff Nuttall, Violin Scott St. John, Violin Lesley Robertson, Viola Christopher Costanza, Cello

CHORO, BOSSA Y SAMBA BRASILEROS

BRAZILIAN CHORO, BOSSA AND SAMBA

INTERMEDIO

INTERMISSION

FRANCK

Quinteto para Piano y Cuerdas en fa menor Molto moderato quasi Lento---Allegro Lento con moto, sentimento Allegro non troppo, ma con fuoco

Quintet for Piano and String Quartet in F minor Molto moderato quasi Lento---Allegro Lento con moto, sentimento Allegro non troppo, ma con fuoco

Las directivas de la Fundación Victor Salvi expresan sus sentimientos de gratitud al Hotel Sofitel Santa Clara- Sofitel por su decidida colaboración al Cartagena, I Festival Internacional de Música. The Board of Directors of the Victor Salvi Foundation are grateful to Hotel Sofitel Santa Clara for their continuous support to the Cartagena, I International Music Festival Durante el concierto se apagará el aire acondicionado.

Patrocinador Fundación Victor Salvi 52

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C O L O M B I A

Notas al programa Stephanie Stein Crease Periodista musical y escritora

El concierto de esta noche es el último de esta semana de música brasilera, interpretada por Paula Robison y el dúo Cyro Baptista en la percusión y Romero Lubambo en la guitarra. La señora Robison es una recursiva exploradora musical. Ella siempre busca formas no tradicionales que pueden ser expresadas a través de la flauta. Sus cuestionamientos producen siempre ricos repertorios, los cuales incluyen transcripciones únicas, o bien piezas, que han sido escritas especialmente para ella. Ella quedó encantada con el Choro brasilero, cuando lo oyó por primera vez, hace unos años atrás. Mientras trataba de encontrar más acerca de este estilo, fue introducida a éste mismo por Cyro Baptista y después incluyó varios arreglos de esos Choros en su repertorio, los cuales fueron interpretados inicialmente en los “encores” de sus conciertos clásicos. Con la llegada de Romero Lubambo, este trío tuvo una especial acogida. Baptista creó un pulso firme y resonante y es un brillante escultor del sonido, que usa pitos y campanas y sus propias invenciones para así crear un mundo rítmico cautivante. El señor Lubambo es un músico consumado con un extraño don para expresar distintos colores a través de los armónicos, entendiendo que éste es el legado de los compositores del Bossa. La Señora Robison destella, a través de su repertorio, danzas con su flauta, saltando sobre la Samba y creando torbellinos sobre los Choros. Algunas de las piezas brasileras, que se oirán en esta semana, vienen de las canciones representativas compuestas para este trío. Brasileirinho fue compuesto en 1950 por Waldyr Azevedo, un prominente intérprete del cavaquinho y es un moderno choro, amado tanto por los músicos brasileros como por “la gente del Brasil”, para quienes fue escrito. Pixinguinha, un legendario flautista escribió el exuberante Um a zero (1x0) en 1946, cuando Brasil ganó la Copa del Mundo. Apanhei-te Cavaquinho (Te tengo, Cavaquinho!) fue compuesto en 1915 por Ernesto Nazareth y es uno de los más antiguos Choros, que presenta el grupo. Como un tributo a los compositores J.S. Bach y a Heitor Villa-Lobos, el excelente compositor brasilero, el trío adaptó sus Bacchianas, con la Allemande y el Air on the G String (de la Suite No. 3), las cuales reflejan el hermoso espíritu de este festival.

compositor belga y virtuoso del órgano, vivió principalmente en París y escribió el Quinteto para Piano y Cuerdas en Fa Menor en 1878-79. Con el tiempo Franck fue muy influenciado por la música francesa, sobre todo, teniendo en cuenta que fue profesor de composición el Conservatorio de París. Su interés en escribir obras sinfónicas, música de cámara y piezas para piano y órgano, se fue convirtiendo en un interés académico prevaleciente por obras conservadoras. Más específicamente él utilizó ideas muy avanzadas referente a los armónicos, a las modulaciones y a sus desarrollos cíclicos de motivos y formas, que impresionaron a la siguiente generación de compositores, tales como: D’Indy, Chausson y Ducas, quienes vieron en él a un modernista y brillante compositor. Al igual que para SaintSaëns, Franck fue el eje central de sus composiciones, cuyo trabajo fue eclipsado por el siguiente grupo de modernistas, por los así llamados Impresionistas Franceses, entre ellos Debussy y Ravel, y quien fue redescubierto muchos años después. Así como el ya antes oído Cuarteto de Brahms, este Quinteto de Franck exige también un altísimo nivel y virtuosismo para sus intérpretes. La enorme parte dedicada al piano sugiere más bien una orquestación para un concierto de piano. En el primer movimiento, el sentir se mueve desde lo conmovedor y lírico hasta lo explosivo. Los ritmos frenéticos llevan al clímax de este movimiento. El segundo movimiento se ve reflejado primordialmente en los hermosos coloridos instrumentales. El Finale, al igual que el Cuarteto de Brahms, es muy virtuoso y con su impecable figuración rítmica, la música lleva a un final sorprendente. Franck dedicó este quinteto a su admirado compositor Camille Saint-Saëns, uno de los más importantes pianistas de ese tiempo. Franck lo invitó a interpretar el quinteto, en su estreno en París en 1880. Irónicamente, Saint-Saëns, detestó esta pieza. Al concluir la interpretación, abandonó el escenario sin recibir los correspondientes aplausos. Él también se rehusó a aceptar la dedicatoria. Afortunadamente, la sentencia de Saint-Saëns sobre la obra de Franck fue incorrecta, quizás por un poco de celos? En la actualidad, este trabajo es visto como uno de los hitos del género de los quintetos para piano y cuerdas.

El programa continua con un dramático cambio del contenido musical, del estilo, de la época y del ambiente. César Franck,

Traducción Marta Kovacsics M

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Enero 12, 2007 3:30 p.m

TALLER PARA TALENTOS Jﾃ天ENES

Susan Wadsworth*

*Fundadora y Directora de Young Concert Artists 55

Enero 12, 2007 7:30 p.m Charles Wadsworth, Director Artístico

Chee-Yun, Violín Andrés Diaz, Chelo José Franch-Ballester, Clarinete Wendy Chen, Piano Jean-Yves Thibaudet, Piano Cuarteto de Cuerdas St. Lawrence

Chee-Yun, Violin Andres Diaz, Cello Jose Franch-Ballester, Clarinet Wendy Chen, Piano Jean-Yves Thibaudet, Piano St. Lawrence String Quartet

PIAZZOLLA

“Le Grand Tango” para Chelo y Piano

“Le Grand Tango” for Cello and Piano

RACHMANINOFF

Preludio en Re Mayor, Op. 23, No. 4 Preludio en Si bemol Mayor, Op. 23, No. 2

BEETHOVEN

RACHMANINOFF

Prelude in D Major, Op. 23, No. 4 Prelude in Bb Major, Op. 23, No. 2

BEETHOVEN

Trío para Clarinete, Chelo y Piano en si bemol mayor, opus 11, No. 4 Allegro Adagio Andantino grazioso-Trio Allegro

Trio for Clarinet, Cello and Piano in B flat major, opus 11, No. 4 Allegro Adagio Andantino grazioso-Trio Allegro

INTERMEDIO

INTERMISSION

CHAUSSON

Concierto para Violín, Piano y Cuarteto de Cuerdas en re mayor, opus 21 Decidé-Animé Sicilienne: Pas vite Grave Très Animé *patrocina Fundación Endesa

CHAUSSON

Concerto for Violin, Piano, and String Quartet in D major, opus 21 Decidé-Animé Sicilienne: Pas vite Grave Très Animé * Sponsored by Fundación Endesa

Patrocinadores Cámara de Comercio de Cartagena Cotelco, Comfenalco, Vimarco 56

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Notas al programa Stephanie Stein Crease Periodista musical y escritora

El programa de esta noche es como otros que ya hemos oído esta semana. Es como una página del Nóbel colombiano Gabriel García Márquez, está lleno de intrigas y fervorosos sueños, intercalada con escenas de dulzura y serenidad. La historia abre con un dejà-vu: el fascinante ritmo de Piazzolla “Le Grand Tango”, un dueto para chelo y piano. Esta composición tiene las características propias de todas las obras de Piazzolla, el tango de su corazón: las armonías y los emblemas de la composición del siglo XX, los walking bass propios del jazz y los intensos pasajes que alcanzan los niveles de la magnífica improvisación del género. Esta pieza fue compuesta en 1982 y dedicada al extraordinario chelista ruso Mstislav Rostropovich, quien la estrenó en 1990 en New Orleáns. Con este trabajo, Piazzolla creó una danza entre dos altamente expresivas voces: el chelo y el piano, que se despliega con el dialecto que le es propio dentro del lenguaje del tango. Le Grand Tango demanda el máximo desempeño por parte de los intérpretes: virtuosismo, pasión y una extasiada compenetración. La escena asciende al mismo estado de apasionamiento de Sergei Rachmaninoff, el último de la línea de los virtuosos pianistascompositores del siglo XIX. Rachmaninoff creció en la comodidad de la burguesía rusa; desde que era adolescente fue enviado a cursar los estudios para ser maestro intérprete de piano. A pesar del innegable virtuosismo de Rachmaninoff, lo abandonó para dedicarse de lleno en la composición, siendo ésta para él mucho más cautivadora. Muchas de sus primeras obras fueron aclamadas, tanto por la crítica como por el público y sin embargo su primera sinfonía estrenada en 1897 tuvo una recepción desastrosa. Este hecho, sumado a que la iglesia ortodoxa de Rusia se opusiera a su matrimonio con su prima, lo sumió en una crisis nerviosa. Su prometedora carrera se detuvo. Después, Rachmaninoff inició una intensa terapia auto-sugestiva y retornó a la composición y a la interpretación. Los primeros años del siglo XX fueron años maravillosos para él. La Iglesia le permitió casarse con su prima Natalia y su primera hija nació en 1903. Durante este periodo de idilio, él compuso su primer conjunto de diez preludios. Estas brillantes piezas culminaron con la romántica tradición de Liszt y Chopin; a través de ellas uno escucha el completo dominio del piano por parte del compositor y la infinita amplitud y poder que puede llegar a expresar este instrumento. Dos de estos preludios que se presentarán esta noche, tienen esta inconfundible intensidad rusa propia de Rachmaninoff. Estos preludios son extremadamente exigentes para el intérprete desde el punto de vista tanto técnico como musical. El Preludio No. 4 tiene una melodía expansiva y cautivante que aún es íntima y lírica – una oda de amor a su nueva esposa. El Preludio No. 2, con sus cascadas de arpegios, sus inmensos y brillantes acordes tienen un empuje heroico. La pieza culmina relampagueante, sus notas finales son expresión de grandeza.

La escena cambia abruptamente retornándonos a la era clásica de Beethoven, con su Trio para Piano Op. 11 No. 4 “Gassenhauer” (Canción popular), que fue escrita más de un siglo atrás del étude de Rachmaninoff. Compuesto en 1798, esta música de cámara muestra la relación de Beethoven hacia Mozart y Haydn, al componer de manera clara y hermosa. La genialidad de Beethoven es evidente, desde sus primeras presentaciones. Cuando Josef Haydn, su profesor en Viena, oyó en 1795 sus tríos para piano exclamó: “Me diste la impresión de un hombre con más de una cabeza, más de un corazón y más de un alma!” Durante estos años Beethoven compuso importantes obras para música de cámara, incluyendo los instrumentos de madera por su novedad y popularidad. El Trío para Piano Op. 11 No. 4 se llama Trio-Gassenhauer (balada callejera) porque Beethoven se basó en el último movimiento con su tema y variaciones, en una canción popular folclórica (era de hecho un aria de una ópera cómica). En la obra, los temas se mueven entre los instrumentos, creando una obra dialogada; el segundo movimiento es particularmente encantador, sobre todo el dueto entre el clarinete y el chelo. El Concierto para violín, piano y cuarteto de cuerdas Op. 21 de Ernest Chausson nos lleva a otro reino … etéreo, en sí misma, una obra con un sentido repentino, que se mueve entre contrastes dramáticos. Este concierto, escrito entre 1889 y 1891, se encuentra en la tradición de obras expresivas extremadamente difíciles y complejas de ejecutar. Chausson, un hombre de múltiples intereses, sólo se dedicó a la composición cuando ya tenía 25 años. Estudió en el Conservatorio de París, junto a Jules Massenet y a César Franck. Su participación en la ‘élite’ parisina de artistas, compositores y escritores fue abruptamente cortada por su muerte prematura en un accidente de bicicleta a los 44 años. El Concierto de Chausson con un cromatismo fluido y torbellinos de sonido y de colores que están al borde de la abstracción, se sitúa ya en el siglo XX. Esta obra es la ampliación del lenguaje de la música de Franck, su mentor, y tiene un similar manejo emocional, lírico, exquisito, bordeando de éxtasis un movimiento profundamente melancólico. Dedicado al legendario violinista belga Eugène Ysaye, esta pieza es en efecto un doble concierto para violín y piano. Éste requiere un delicado virtuosismo que es propio de Ysaye: maestro del color y de las sutilezas, y de la habilidad de transformar difíciles y complejas partituras dentro de las fuerzas de la naturaleza. La partitura del Cuarteto de Cuerdas es igualmente exigente para cada uno de los intérpretes que deben llegar a una expresión unificada. La obra completa es una creación musical única, tiene una estructura, que al parecer llega más allá, a un público atrapado y cautivado. Traducción Marta Kovacsics M

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Enero 12, 2007 11:00 p.m CONCIERTOS AL AIRE LIBRE ORQUESTA Y SOLISTAS

ORCHESTRA AND SOLOISTS

Orquesta I Musici de Montréal Yuli Turovsky, director

I Musici de Montréal, orchestra Yuli Turovsky, conductor

Patrocinador Fundación Victor Salvi

Enero 13, 2007 7:30 p.m Charles Wadsworth, Director Artístico

CONCIERTO DE CLAUSURA Orquesta I Musici de Montréal Yuli Turovsky, director Paula Robison, flauta Chee-Yun, violín Andrés Díaz, chelo Scott St. John, viola

I Musici de Montréal, orchestra Yuli Turovsky, conductor Paula Robison, flute Chee-Yun, violin Andrés Díaz, cello Scott St. John, viola

MOZART

Obertura “Las Bodas de Fígaro”

“The Marriage of Figaro” Overture

IBERT

Concierto para Flauta y Orquesta Allegro Andante Allegro scherzando

Concerto for Flute and Orchestra Allegro Andante Allegro scherzando

BARBER

Adagio para Cuerdas

Adagio for Strings

SARASATE

Aires Gitanos, opus 20, No. 1

Zigeunerweisen, opus 20, No.1

INTERMEDIO

INTERMISSION

DVORAK

“Bosques Silenciosos” para Chelo y Orquesta, opus 68, No. 5

“Silent Woods” for Cello and Orchestra, opus 68, No.5

MOZART

Sinfonía Concertante para Violín y Viola en mi bemol mayor, K. 364 Allegro maestoso Andante Presto

Sinfonía Concertante for Violin and Viola in E flat major, K. 364 Allegro maestoso Andante Presto

Patrocinador Publicar 60

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Notas al programa Stephanie Stein Crease Periodista musical y escritora

El concierto de esta noche, el Finale, es en sí mismo un pequeño y solemne festival que recorre la música de tres siglos. Este programa de piezas para orquestra le otorga al Festival de Cartagena un hermoso y simétrico cierre, presentando a la Orquesta del Festival y algunos de los solistas que han actuado durante la semana. Este concierto comienza y termina con el esplendor de Mozart. Se inicia con la Obertura de Las Bodas de Fígaro - Le Nozze de Figaro- que fue compuesta en 1786 y se basa en la comedia escrita tres años antes por Pierre Beaumarchais. La obra fue inicialmente censurada en Viena por ridiculizar la clase alta; no obstante, la ópera fue un éxito inmediato y desde entonces ha sido una piedra angular tanto en el repertorio operático como en el repertorio de conciertos. La obertura es una invitación al baile cortesano, un alegre presagio de la historia, absurda, ridícula, caprichosa, traviesa y absolutamente hermosa. El primer movimiento del Concierto para Flauta y Orquesta de Jacques Ibert es como una moderna visión democrática de la famosa Obertura de Mozart: es densa y plena de texturas, llena de movimientos vivos que evocan a los apasionados personajes y sus complejas vidas. Ibert - compositor moderno y versátil con gusto especial por los instrumentos de madera- escribió este concierto en 1934 para el legendario flautista francés Marcel Moyse, profesor de la solista Paula Robison, que se presenta esta noche. El segundo movimiento recuerda el impresionismo de Ravel, detallado, bellamente estructurado y aún más, con un profundo sentimiento. En el tercer movimiento, una gran fuerza se renueva en un salvaje y exuberante carnaval con sonoridades complejas; la flauta danza como una prima ballerina a través de los rápidos pasajes de los movimientos exteriores y del tierno Andante. El programa cambia a una bella obra maestra norteamericana Adagio for Strings - (Adagio para cuerdas) de Samuel Barber, que fue originalmente escrito como el segundo movimiento del primer cuarteto de cuerdas de Barber en 1936. Dos años después, el gran director de orquesta Arturo Toscanini pide que Barber arregle el Adagio para orquesta de cuerdas, así, esta pieza se convierte en la obra más conocida y amada de Barber empleada tanto en conciertos como en películas. En esencia, es una pieza sencilla que es construida en un solo tema alineado y cíclico que llega a un conmovedor clímax que luego se suspende en un final apacible. Lírica y elegíaca, esta pieza se ha convertido en una emblemática obra y ha sido ejecutada en algunos momentos de duelo nacional norteamericano. Zigeunerweisen (Aires Gitanos), la famosa obra de “bravura” para violín y orquesta de Pablo Sarasate inmediatamente disipa el leve ensueño de Barber. Publicada en 1878, esta conocida fantasía gitana es una de las obras más conocidas de Sarasate, un prodigioso violinista español que fue reconocido en toda Europa por su técnica perfecta y belleza de expresión. Los compositores más aclamados

como Saint-Saëns y Dvorák escribieron piezas para él. Sarasate también escribió numerosas piezas que muestran su herencia española, con intensidad rítmica y colores vivos. Zigeunerweisen es romántica, ardiente y pasional. Silent Woods (Bosques silenciosos) para chelo y orquesta, escuchado previamente esta semana en su versión original para piano, nos regresa a una belleza del Adagio de Barber, no obstante, es totalmente diferente. Después de la exitosa publicación de las Danzas Eslavas de Dvorák tanto para piano como para orquesta, el editor de Dvorák le rogó para que creara trabajos similares con la fusión única de elementos folclóricos y tradiciones clásicas que cautivaran a los espectadores. El resultado fueron From the Bohemian Forest (Del Bosque Bohemio), un conjunto de cinco piezas para piano a cuatro manos que fueron compuestas en 1883 -junto con la última parte, el bello Silent Woods (Bosque silencioso). Silent Woods (Bosque silencioso) fue tan popular que Dvorák lo transcribió para cello y piano para que fuera ejecutado en una gira de conciertos de despedida antes de su viaje al Nuevo Mundo, donde fue director del entonces recién creado Conservatorio Nacional de Nueva York. El arreglo fue tal éxito que Dvorák, creó otra para chelo y orquesta en 1893 mientras aún vivía en Nueva York, luego regresó a Europa en 1895. La escritura de Dvorák para cello es extraordinaria, al tomar la naturaleza expresiva del instrumento, con la música que aún lo hace un compositor universalmente popular. La Sinfonía Concertante en Mi bemol K. 364 de Mozart es la perfecta conclusión para esta semana de Festival. La verdadera naturaleza de la estructura de la Sinfonía Concertante - una combinación de concierto y sinfonía, entrelaza dos mundos, el mundo de la música de cámara y el mundo orquestal. En esta obra, Mozart casa la disciplina cohesiva de la orquesta con la intimidad y libertad del género de la música de cámara, otra elocuente expresión del genio imaginativo que es Mozart. Mozart escribió esta obra en 1779 cuando regreso a Salzburgo luego de un largo viaje de Mannheim a Paris, que resultó trágico cuando su madre muere inesperadamente en Paris. Su intensión era ejecutar la exigente parte de viola en el debut en la corte. Los temas son elocuentes, nobles y cuando alcanzan lo divino, cambian a un mordaz diálogo entre los dos solistas en el segundo movimiento. El Presto restaura el espíritu con el que inicia este programa, Mozart con su elocuente fogosidad, centelleando belleza, gracia y grandeza.

Traducción Marta Kovacsics M

Artistas

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CHARLES WADSWORTH

DIRECTOR ARTÍSTICO Y PIANO

Charles Wadsworth fundó la Sociedad de Música de Cámara de Nueva York del Lincoln Center en 1969, guiándola como su director artístico y pianista durante veinte años y dándole a la música de cámara una popularidad sin precedentes. Su programación innovadora y el variado repertorio que ha desenterrado han inspirado la creación de los festivales de música de cámara alrededor del mundo. El señor Wadsworth es el director artístico para la música de cámara del Spoleto USA Festival en Charleston, Carolina del Sur, actuando también como pianista y anfitrión de las temporadas que creó en el año 1960, durante el Festival de Dos Mundos en Spoleto, Italia. Ha interpretado con artistas tales como Berverly Sills, Dietrich Fischer-Dieskau, Yo-Yo Ma, Pinchas Zukerman, Frederica von Stade y Jessye Norman, así como con jóvenes virtuosos de hoy en día.

Camden, en Carolina del Sur. Ha estado de gira en los Estados Unidos con la Música de Cámara de Spoleto USA y los programas de Charles Wadsworth y Sus Amigos. El señor Wadsworth ha sido condecorado por la República de Francia como “Chevalier” en la Orden de Artes y Letras y por el Gobierno de Italia como “Cavaliere Ufficiale” en la Orden del Mérito. Ha recibido la Medalla de Handel de Nueva York, el premio cultural más importante de la ciudad, así como doctorados honorarios de la Universidad de Carolina del Sur, del Converse College y del Connecticut College. se ha presentado en la Casa Blanca para los Presidentes Kennedy, Nixon, Ford, Carter y Reagan. En su ciudad natal de Newnan, Georgia, el auditorio municipal Art Deco fue renovado y cambiado el nombre en su honor. En este auditorio el señor Wadsworth ha ofrecido conciertos anualmente desde 1990.

También es el director artístico de la Temporada de Piezas Maestras Musicales en Old Lyme, Connecticut, y la temporada de música de cámara en Beaufort, Columbia, Milton Head y

YULI TUROVSKY

DIRECTOR MUSICAL DE LA ORQUESTA I MUSICI DE MONTRÉAL Y DIRECTOR

Nacido en Moscú, el despertar musical de Yuli Turovsky comenzó temprano. A la edad de siete años ya estaba seriamente comprometido con el estudio del violonchelo. Ingresó al renombrado Conservatorio de Tchaikovsky, donde tuvo el honor de estudiar con la afamada Galina Kozulupova. En 1969 recibió el primer premio en el Concurso de Violonchelo de la URSS. Al año siguiente, estuvo entre los laureados de la vigésima segunda versión del Concurso Internacional de Primavera de Praga. Una vez completados sus estudios, comenzó una de las muchas giras que ha realizado alrededor del mundo como miembro de la Orquesta de Cámara de Moscú, bajo la dirección de Rudolph Barshai. Después de inmigrar a Canadá y de establecerse en Montreal, el Maestro Turovsky realizó una brillante carrera musical como solista, miembro del Dúo Turovsky con su esposa Eleonora y miembro fundador del Trío Borodin, con los que tocó hasta el año 1993. Ha hecho presentaciones como solista con las orquestas sinfónicas de Detroit, Montreal, Chicago, Atenas, Jerusalén

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y Estocolmo que lo acogen con beneplácito como solista. El Maestro Turovsky sigue grabando con compañías como Melodya, CBS, SRC, Chandos y Analekta, con una producción a la fecha de 82 discos de larga duración y CD’s. En 1983 el Maestro Turovsky creó la Orquesta de Cámara “I Musici de Montréal”, con un repertorio que se extiende desde la música barroca, hasta la contemporánea. I Musici de Montréal se ha convertido en una de las orquestas más importantes de Canadá. Sus presentaciones en Canadá, los Estados Unidos y el mundo superan los 100 conciertos en el año. El Maestro Turovsky enseña en la facultad de música de la Universidad de Montreal, donde ha ayudado a formar una generación de violonchelistas. El año 2002 marcó el aniversario número 25 desde que el Maestro Turovsky empezó a hacer su música en Canadá un cuarto de siglo de sorprendente creatividad, que sigue siendo un legado especial y una única fuente de inspiración.

JUAN CARLOS RIVAS DIRECTOR INVITADO

Director Musical Nacional del Sistema de Orquestas Sinfónicas Juveniles e Infantiles de Colombia, BATUTA, que acoge a 30.000 niños y jóvenes en todo el país. La grabación bajo su dirección de la Opera de Cámara The Floating Box (Estreno Mundial) de Jason Kao Hwang, fue seleccionada por la revista Opera News, en su edición de enero del 2006, como una de las diez mejores del año 2005 en el mundo. En Nueva York, dirigió la Orquesta de St. Luke’s en el Caramoor Festival, con la premier en América de Don Chisciotte in Sierra Morena, ópera barroca de Francesco Conti basada en la obra maestra de Cervantes. Desde 1996, el Maestro Rivas también ha trabajo en las producciones de Caramoor, incluyendo Don Pasquale de Donizetti. Desde su regreso al país en el 2003, el Maestro Juan Carlos Rivas dirigió la nueva producción de La Flauta Mágica con la Ópera de Colombia, así como también conciertos con las Orquestas Filarmónica de Bogotá y Medellín, y la Orquesta Sinfónica del Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia. Recientemente presentó también un programa titulado “Las Ocho Estaciones”, combinando las de Vivaldi y de Piazzolla, con la Orquesta Filarmónica de Bogotá. Después de su debut en 1998 con L´elisir d´amore para la Opera de Colombia, Juan

Carlos Rivas dirigió La fille du régiment, también de Donizetti, y Roméo et Juliette de Gounod. Como director de la Orquesta de la Opera de Colombia, Juan Carlos Rivas ha dirigido numerosos conciertos, entre ellos uno en el Teatro Heredia en Cartagena. Juan Carlos Rivas es fundador y director de un ensamble de música contemporánea en Colombia, con el que ha presentado y premiado varios premios en estrenos mundiales. durante su estadía como becario de la Fulbright en el Mannes College of Music en la ciudad de Nueva York, presentó el estreno mundial de la Opera The Floating Box, a story in Chinatown para la Asia Society de Nueva York, en el año 2001. El Maestro Rivas también dirigió los estrenos mundiales de las obras premiadas en el ciclo The Music from China en el Merkin Concert Hall de Nueva York y fue invitado a dirigir el Fulbright Ensemble, con el Adagietto de la Quinta Sinfonía de Mahler en honor a Kofi Annan. Recientemente el Maestro Juan Carlos Rivas tuvo que sustituir al director de la ópera Aida, para su debut Verdiano en Medellín, con tan solo unas pocas horas de ensayos.

PAULA ROBISON FLAUTA

La elegancia de Paula Robison ha inspirado al mundo de la música y sus presentaciones la han convertido en un modelo para los jóvenes flautistas. Las interpretaciones de la Sra. Robison se extienden a un repertorio impresionantemente diverso y ha encargado más de 30 obras para flauta. Paula Robison ha actuado como solista con la Filarmónica de Nueva York y la “Leipzig Gewandhaus Bach Orchestra”. Ha interpretado la obra Halil de Bernstein con Michael Tilson Thomas y las Sinfónicas de Londres y de San Francisco, asi como el Concierto para Flauta de Nielsen con la Orquesta de la Radio Dinamarca, bajo la dirección de Leif Segerstam. Ha actuado en conciertos encargados poebcargado conciertos ar Leon Kirchner, Toru Takemitsu, Oliver Knussen, Robert Beaser y Kenneth Frazelle. Se ha presentado con los I Solisti Veneti, Budapest Strings, Mostly Mozart de Nueva York, Jazz en el Lincoln Center y los Festivales de Música de Marlboro y Santa Fe, entre otros. En su última actuación en el Zankel Hall del Carnegie Hall presentó el estreno mundial de Notturno, compuesta para ella por Michael Tilson Thomas. Sus recientes recitales incluyen el honor a Toru Takemitsu en la Biblioteca del Congreso en Washington, D.C. y su temporada anual de Vivaldi en el Museo Metropolitano de Arte en Nueva York. La actividad pedagógica llevó a Paula Robison por todo el mundo, incluyendo una reciente Residencia Franz Liszt en

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Budapest. Ella ocupa, en la Facultad del Conservatorio de Nueva Inglaterra la nueva cátedra para Flauta Donna Hieken. Miembro fundadora de la Sociedad de Música de Cámara del Lincoln Center, la Sra. Robison obtuvo el prestigioso título de miembro artista por espacio de veinte temporadas. Durante este mismo período fue co-directora de los “Concerti di Mezzogiorno” en el Festival de Spoleto en Italia y es actualmente la co-directora de la Orquesta de Cámara Gardner de Boston. El sello discográfico de Artemis Records recientemente ha lanzado sus grabaciones de Clásicos de Vanguardia de las Sonatas completas de Bach y de Händel, música de compositores Románticos e Impresionistas y Brasileirinho, su primer disco brasileño. También ha grabado para Sony Classical, CBS Masterworks, Mode, New World Records, King Records, MusicMasters, Musical Heritage and Society y Marlboro Recordings.Los libros de la Sra. Robisons son publicados por Universal, Schott y European-American Music. La carrera de Paula Robison comenzó cuando tenía veinte años y Leonard Bernstein la invitó a presentarse como solista con la Filarmónica de Nueva York. Graduada en la Escuela Juilliard, dio su primer debut en un recital en Nueva York auspiciado por “Young Concert Artists” y al año siguiente se convirtió en la primera americana en obtener el primer puesto en el Concurso Internacional de Flauta de Ginebra.

Músico Fundación Endesa

JOSE FRANCH-BALLESTER CLARINETE

El Sr. Franch-Ballester obtuvo el primer puesto en la versión 2004 del “Young Concert Artists International Auditions”, también recibió el Premio Alexander Kasza-Kasser, que auspició su debut en el Kennedy Center de la ciudad de Washington, D.C. Igualmente recibió el Premio Claire Tow, que patrocinó su debut en la 92 street de la ciudad de Nueva York, así como el Premio al Solista de la Orquesta de Nueva Inglaterra, el Premio de la Sociedad de Música La Jolla y el Premio del Festival de Artes de Fredericksburg (MD). También se encuentra en la nómina de “Astral Artistic Services” en Filadelfia, habiendo sido el ganador del primer premio en sus Audiciones Nacionales del 2004. El Sr. Franch-Ballester ha ofrecido recitales en Estados Unidos, en el Museo de Isabella Stewart Gardner Museum en Boston, en la Sociedad de Música de La Jolla, en el Centro Kravis para las Artes Musicales en Palm Beach, el Monmouth College, el Centro Washington para las Artes Musicales, y para la Universidad del Suroeste del estado de Missouri. Sus funciones como solista en conciertos incluyen a la Sinfónica de Westmoreland y la Sinfónica de Haddonfield.

Como músico dedicado a la música de cámara ha interpretado el Cuarteto para el Fin de los Tiempos de Messiaen con Arnold Steinhardt, violinista del Cuarteto de Cuerdas Guarneri y se presentó en el Angel Fire Festival, el Usedomer Musikfestival en Alemania y el Festival Verbier en Suiza. En el año de 2004 se presentó en la première mundial del ciclo de canciones Rosas de Invierno de Jake Heggie con la mezzo-soprano Frederica von Stade.

En España se presentó con la Orquesta de Música del Valle de Uxo y obtuvo el primer puesto en la Competencia del Consejo Cultural de Valencia durante tres años consecutivos (20012003), el primer puesto en la versión 2001 del Concurso de Clarinete “Allegro”, y el primer lugar en el Concurso de Solistas Intérpretes “Francisco Hernández Guirado”. Nacido en Moncofa, España, en una familia de clarinetistas y cantantes de Zarzuela, José Franch-Ballester se graduó del Conservatorio de Música Joaquín Rodrigo y viajó luego para estudiar en el Instituto de Música Curtis donde obtuvo su Licenciatura en Música en el 2005.

ROMERO LUBAMBO GUITARRA

Nacido en Río de Janeiro en 1955, Romero Lubambo estudió piano clásico y teoría de la música cuando era pequeño. Se dedicó a la guitarra desde el momento en que tocó sus primeras notas en este instrumento a la edad de trece años.

musical de Brasil. A partir de su primer álbum Brasil desde el Interior el Trío da Paz ha seguido abriendo nuevos horizontes con su mezcla especial de ritmos brasileños tradicionales e improvisaciones de jazz.

Los ritmos y melodías que definen la música brasileña y el jazz americano fascinaron a Lubambo. Fue un autodidacta a través de la búsqueda y práctica intensas, desarrollando una excepcional habilidad, versatilidad y fluidez, tanto en los ritmos del jazz, como de la música brasileña. En 1985, Romero salió de Brasil y emigró a Nueva York, donde comenzó a ser muy solicitado, no solamente por su sonido auténtico de Brasil, sino también por su destreza y manejo de una variedad de estilos. Después de reconectarse con sus compatriotas brasileños Duduka da Fonseca y Nilson Matta, sus sesiones improvisadas eventualmente condujeron a la formación del “Trio da Paz”, un trío de jazz brasileño ampliamente reconocido por su innovación, creatividad e intensidad dinámica. El grupo se ha convertido en una gran fuerza para revitalizar y evolucionar el rico legado

Romero también se ha establecido como compositor e intérprete en sus propios proyectos de grabación y colaboraciones con muchos artistas sobresalientes, incluyendo Dianne Reeves, Yo-Yo Ma, Kathleen Battle, Diana Krall, Herbie Mann, Wynton Marsalis, Jane Monheit, Kenny Barron, Grover Washington Jr., Sadao Watanabe, Paquito D’Rivera, Harry Belafonte, James Carter, Paula Robison, y César Camargo Mariano.

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Lubambo se graduó en la Escuela de Música de Villa-Lobos de Río en el año de 1978, siendo un alumno sobresaliente de la guitarra clásica. En 1980 recibió su grado en ingeniería mecánica de la Pontificia Universidad Católica de Río de Janeiro.

EMMANUEL CEYSSON ARPA

El arpista francés de 20 años, Emmanuel Ceysson ganó el premio de Young Concert Artists International Auditions 2006, así como el Premio Peter P. Marino, el Premio de la Fundación Alice Rosner, el Premio de la Fundación Victor Salvi, el Premio Summis Auspiciis, el Premio Alexander Kasza-Kasser, el Premio de la Sociedad de Solistas de Vancouver, el Premio de la Sociedad de Música de Cámara de Buffalo, el Premio de la Sociedad de Solistas de Nueva Inglaterra, y el Premio del Festival de Música de Usedom (Alemania). Young Concert Artists presenta los debuts de sus conciertos en Nueva York y Washington, D.C. durante la temporada 2006-2007. El Maestro Ceysson también obtuvo la Medalla de Oro en el Concurso Internacional de Arpa de los Estados Unidos 2004, que se llevó a cabo en Bloomington, Indiana, y le fue conferido el Premio Especial por la Mejor Interpretación de Danses Sacrée et Profane de Debussy en dicho concurso. En Marzo de 2005 el Maestro Ceysson ofreció su primer concierto de París en el Salón Gaveau, acompañado por la intérprete de viola Karine Lethiec y el flautista Jean Ferrandis. Se ha presentado en recitales y festivales en toda Europa, incluyendo el Congreso Mundial de Arpa en Ginebra (2002),

las Jornadas de Arpa en Arles (2000, 2002 y 2003), y el sexto Simposio Europeo del Arpa en Lyón (2004). Se ha presentado como solista con la Orquesta de la Baja Normandía y la Orquesta Filarmónica de Radio Francia y estuvo de gira por los Países Bajos, Corea y Japón con esta agrupación en el año 2004. En Noviembre de 2005 el Maestro Ceysson hizo su debut en el Wigmore Hall de Londres como parte de una gira por el Reino Unido, que también incluyó una presentación en vivo en el programa “In Tune” de Radio 3 de la BBC. Emmanuel Ceysson nació en Oulins, Francia. Estuvo en el “Conservatoire National de Région” de Lyón, donde estudió arpa con Jacqueline Defoulounoux y con Christophe Truant. Como transcriptor y arreglista consumado, recibió el prestigioso “Premier Prix” (Primer Premio) en Armonía del Conservatorio Nacional Superior de Música de París (CNSMDP). Igualmente, en 2005 recibió un “Diplome de Formation Supérieure” (Primer Premio en Arpa) por parte del CNSMDP, donde estudió con Isabelle Moretti. Su primer CD, Divertissements à la française, fue lanzado en el año 2005, bajo el sello de Egan Records.

WENDY CHEN Piano

A la edad de quince años la pianista americana Wendy Chen hizo su primera presentación con la Filarmónica de Los Ángeles, bajo la dirección de André Previn. Desde entonces, se ha presentado con orquestas incluyendo la Sinfónica de Utah, los Boston Pops, la Sinfónica del Pacífico, la Orquesta Sinfónica de Cincinnati y la Orquesta de Cámara de Baltimore, la Filarmónica de Florida, la Sinfónica de Hartford, la Sinfónica de Lake Charles, la Sinfónica de Champaign-Urbana, la Sinfónica de Mansfield (OH), la Orquesta de Cámara de Albuquerque, la Sinfónica de Yakima, la Filarmónica de Auckland y la Sinfónica Wellington en Nueva Zelanda, y la Orquesta Ossodre en Uruguay.

Competition a la edad de 17 años. Más adelante le fue conferido el Premio de Irving S. Gilmore para Jóvenes Artistas, al igual que fue nombrada Colegiala Presidencial por la Fundación Nacional de las Artes. Así como el Primer Puesto en la Competencia Internacional de Washington y en 1997 ganó el premio de “Young Concert Artists International Auditions”. El “Young Concert Artists Series” la ha presentado en recitales en el Centro Kennedy en Washington, D.C. Dio su primer concierto en Nueva York con la Sinfónica de Cámara de Nueva York en el Alice Tully Hall y en el “YCA Encores Series” en el Weill Recital Hall del Carnegie.

La Srta. Chen se ha presentado en los festivales de Aspen, Montreal, Tanglewood, Spoleto USA, El Paso ProMúsica, Bridgehampton, y Seattle. Igualmente, participa en giras como miembro del festival de Música de Cámara en Spoleto USA.

Nacida en Los Ángeles, Wendy Chen asistió a The Colburn School of Performing Arts y recibió sus grados y maestrías en Música en el Conservatorio Peabody de la Universidad John Hopkins, donde fue alumna de Leon Fleisher. Su primera grabación como Solista, CHOPIN, fue lanzada por el sello de RCM.

La Srta. Chen obtuvo el Primer Puesto en la National Chopin

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JEAN-YVES THIBAUDET

Piano

El Pianista Jean-Yves Thibaudet sigue cautivando audiencias en todo el mundo con sus fascinantes presentaciones y poéticas interpretaciones. Jean-Yves Thibaudet se presenta en el mundo entero con las principales orquestas en festivales internacionales. Sus compromisos en los Estados Unidos incluyen la Filarmónica de Los Ángeles, la Orquesta Sinfónica de Boston, la Orquesta de Filadelfia y la Orquesta del Festival Mostly Mozart en el Lincoln Center. Las orquestas europeas incluyen la Orquesta Sinfónica de Londres y la Orquesta de la Suisse Romande, así como compromisos con la Orquesta Nacional de Belgica en el Festival de Spoleto, la Orquesta Sinfónica de Viena y la Orquesta del Festival Verbier de la UBS. Entre sus actuaciones más sobresalientes se encuentran dos presentaciones en el Carnegie Hall, un recital como solista en el Festival de Piano 2000 de Lucerna y en el Concert Hall de Walt Disney en Los Ángeles, una gira de música de cámara por los Países Bajos y España en Diciembre con el Cuarteto de Cuerdas Rossetti y un gira por China con la Orquesta Sinfónica Occidental Australiana. El maestro Thibaudet también tocó con orquestas norteamericanas con las orquestas sinfónicas de San Francisco, Boston, Filadelfia, Colorado, Utah, la Orquesta Sinfónica Nacional de Washington, D.C., así como la Sinfónica de Montreal en Canadá. Otros presentaciones internacionales con orquestas incluyen el Royal Concertgebouw, la Orquesta Real Nacional Escocesa, la Orquesta Filarmónica de Rotterdam, la Beethoven Orchester Bonn, la Tonhalle Orchester Zurich, la Orchestre National de Lyón y la Orchester Musikkollegium Winterthur.

Jean-Yves Thibaudet graba únicamente bajo el sello discográfico Decca y su último CD incluye la Burleske de Strauss con la Orquesta del Gewandhaus de Leipzig con quien también grabó los Conciertos para Piano de Mendelssohn. Las más recientes grabaciones del Maestro Thibaudet incluyen la obra completa pata piano de Satie. una colección de arias titulada Canciones de Noche (“Night Songs”) con la soprano Renée Fleming y un disco de Chopin/Grieg con la Filarmónica de Rotterdam. Por el disco de las obras completas para piano de Ravel, recibió una nominación al premio Grammy. Así mismo ha recibido los Premios Echo y el Schallplatten Preis, el “Diapason d’Or”, “Choc de la Musique”, el “Gramophone Award,” y el Premio Edison, entre otros.

Jean-Yves Thibaudet también puede ser escuchado en varias películas famosas, como en la banda sonora de la película de Universal Pictures: “Orgullo y Prejuicio”, en la película realizada por Bruce Beresford sobre Alma Mahler, titulada “La Novia del Viento”, así como en la banda sonora de la película “Retrato de una Dama”. De ancestros alemanes y franceses, Jean-Yves Thibaudet nació en Lyón, Francia. A la edad de 12 años ingresó al Conservatorio de París donde obtuvo el Prix du Conservatoire, y a los 18 años ganó el “Young Concert Artists International Auditions” en Nueva York. En el año 2001 la República de Francia condecoró al Sr. Thibaudet con la orden “Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres”. En el año 2002, Jean-Yves recibió el “Premio Pegasus” del Festival de Spoleto, por sus logros artísticos y su participación en el festival durante muchos años.

CYRO BAPTISTA Percusión

Desde que salió de su país natal Brasil, Cyro Baptista ha surgido como un diestro la percusión brasileña, así como los muchos instrumentos que él mismo ha creado, lo han lanzado a la fama mundial.. El Sr. Baptista ha tenido la oportunidad de grabar discos y hacer giras con algunos de los más populares artistas. El Sr. Baptista es el fundador del conjunto de percusión y danzas conocido como “Beat the Donkey”. El grupo recientemente lanzó su segundo CD, en su sello, con “Out of My Mind”. Esta versión fue escogida por The New York Times como uno de los diez mejores álbumes del año 2002. Así mismo, los lectores de la revista JAZZIZ & DRUM lo nominaron como el Mejor CD de Brasil del Año y eligieron al Maestro Baptista como el Mejor Percusionista de 2002. En el año 2002 estuvo de gira con el Proyecto Brasil de Yo-Yo Ma, Trey Anastasio de la banda Phish y John Zorn. Hizo grabaciones e interpretaciones alrededor del mundo con Herbie Hancock y colaboró con Wynton Marsalis y la Orquesta de Jazz del Lincoln Center. Estuvo de gira con el show Ritmo de los Santos de Paul Simon durante más de dos años y apareció en la grabación de su Concierto en el Central Park. El Maestro Baptista acompañó a Sting en su gira mundial en el año 2001.

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La gran variedad de artistas con los cuales el Maestro Baptista ha grabado e interpretado incluyen: David Byrne, Kathleen Battle, Gato Barbieri, Dr. John, Brian Eno, Robert Palmer, Melissa Etheridge, Laurie Anderson, James Taylor, Michael Tilson Thomas, Daniel Barenboim, Bobby McFerrin, Medeski Martin & Wood, Spyro Gyra, Santana, así como también con muchos reconocidos artistas brasileños, como Milton Nascimento, Caetano Veloso, Ivan Lins, Marisa Monte y Nana Vasconcelos. El Maestro Baptista ha participado en cinco álbumes que fueron ganadores del premio Grammy: ‘Obrigado Brazil’ de Yo-Yo Ma, "Blue Light" de Cassandra Wilson, ‘Santiago’ de The Chieftains, ‘A Love Affair’ de Ivan Lins y el tan aclamado "Gershwin’s World" de Herbie Hancock. Se grabó un documental sobre “Beat the Donkey”, el cual ganó tres Premios EMMY de Nueva Inglaterra en 2002. ‘Villa Lobos / Vira Loucos’, la primera grabación como solista del Maestro Baptista, una mezcla temeraria de sus propias composiciones con el trabajo del compositor brasileño Heitor Villa Lobos, ha sido muy aclamada.

CHEE-YUN Violín

La técnica impecable, el tono bello y el temperamento musical seductor de la violinista Chee-Yun, le han traído muchos admiradores alrededor del mundo. Ganadora de los premios “Avery Fisher Career Grant” y “Young Concert Artists International Auditions” Chee-Yun se ha presentado con muchas de las más afamadas orquestas del mundo, incluyendo la Orquesta de Filadelfia, la Filarmónica de Londres, la Sinfónica de Toronto, la Sinfónica de Houston, la Filarmónica de Búfalo, la Sinfónica de Indianápolis, los Solistas de Sejong en el Kennedy Center y la Sinfónica Nacional en Washington, D.C. Entre sus actuaciones más destacadas se encuentran la gala de despedida de Mstislav Rostropovich en el Kennedy Center, la gira de la Orquesta del Festival Mostly Mozart por Japón, una gira nacional con la Sinfónica de San Francisco dirigida por Michael Tilson Thomas, interpretaciones en tres continentes del Concierto No. 2 para Violín de Penderecki con el compositor en el podio, el estreno de la suite para violín y orquesta de cuerdas de Lou Harrison y la première en los Estados Unidos de la Sonata No. 2 de Penderecki, con el pianista Barry Douglas, en el Kennedy Center en Washington D.C.

Sus presentaciones internacionales incluyen actuaciones con la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires en el Teatro Colón en Argentina, la Orquesta Gulbenkian en Portugal y el Festival de Beethoven en Polonia. La grabación de Chee-Yun del Concierto No. 2 para Violín del Maestro Penderecki bajo el sello de Naxos fue aclamada por la revista Strad Magazine. Sus recientes grabaciones bajo el sello Denon Records incluyen la Symphonie Espagnole de Lalo, el Concerto No. 3 para Violín de Saint-Saëns, una compilación llamada Lo Mejor de lo Mejor de Chee-Yun, un disco con solo obras de Mozart, y un CD con sonatas de Brahms y de Strauss. En 1993 Chee-Yun regresó a Corea para recibir el Premio Nan Pa, la distinción musical más importante de ese país. En ese mismo año fue condecorada, cuando fue invitada a actuar en la Casa Blanca para el Presidente Bill Clinton y sus invitados, durante una presentación del “Young Concert Artists”, en honor a los artistas que recibieron la Medalla Nacional de las Artes.

ANDRÉS DÍAZ Violonchelo

Desde que se ganó el primer lugar en el Concurso Internacional de Violonchelo de Naunburg en el año de 1986, el Sr. Díaz ha fascinado tanto a los críticos, como a las audiencias con sus interpretaciones intensas y carismáticas. En 1998 fue ganador del prestigioso premio “Avery Fisher Career Grant”, igualmente recibió una beca del Fondo Susan W. Rose Fund para la Música. En la actualidad es artista residente del Brevard Music Center en Brevard, Carolina del Norte. Las numerosas actuaciones del Sr. Díaz con orquestas, han incluido la Sinfónica de Atlanta, la American Symphony en el Carnegie Hall, las orquestas sinfónicas de Milwaukee, Seattle, Rochester, bajo la dirección de Christopher Seaman, las Orquestas de Boston Pops y Explanada, la Sinfónica de Chicago en el Festival de Ravinia, bajo la dirección de Edo de Waart y la Orquesta Sinfónica Nacional. Ha estado de gira por Rusia, Taiwán, Hong Kong, Corea, Japón, Nueva Zelanda y Canadá, tocando en recitales y con orquestas. Ha participado en los festivales de verano de Santa Fe, La Jolla, Marlboro, Ravinia, Bravo-Colorado, Spoleto USA, Saratoga y Tanglewood. El maestro Díaz hizo su primera presentación en el Alice Tully Hall del Lincoln Center, en 1987 y dio recitales en la Biblioteca del Congreso en Washington, D. C., el Jordan Hall, el Museo Gardner en Boston, el Auditorio Embajador en Pasadera y el tan apreciado San Francisco Performances Series. En el 2001, el Sr. Díaz ofreció el estreno mundial del Concierto para Violonchelo y Orquesta de Günther Schuller, con la Orquesta del Festival de Brevard y tocó en la première americana de Oration para Violonchelo y Orquesta de Frank Bridge, en la Universidad de Boston, así como en el Concierto para Violonchelo de Thomas Oboe Lee (expresamente compuesto para Díaz), con la Boston Civic Orchestra. También ofreció las primeras presentaciones 74

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en Boston y en Washington D.C. de Música para Violonchelo y Orquesta de Leon Kirchner. El Sr. Díaz tocó con frecuencia en compañía del desaparecido pianista Samuel Sander. Su primera presentación juntos en los estudios de grabación de MusicMasters fue aclamada por el Boston Globe. En cuanto al sello Dorian, el dúo también ha interpretado las Sonatas de Brahms para Piano y Violonchelo; los Románticos de Rusia y Visiones Americanas. Las interpretaciones del Sr. Díaz como solista en orquestas (también bajo el sello Dorian) incluyen el Concierto No.2 para Violonchelo de Villa-Lobos con la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar, grabación que le mereció el Premio Allegro a la Música por la Mejor Interpretación Orquestal. Su última grabación, en memoria de su colaborador Samuel Sanders, ganó el Premio de la Fundación de Grabaciones de Música Clásica 2003. El Trío de Cuerdas Díaz, integrado además por el violinista Andrés Cardenes y el músico de viola Roberto Díaz, se ha presentado en Pittsburg, Washington, Boston, Los Ángeles, Miami, en el Festival de Kuhmo en Finlandia y en el Festival Internacional de San Cipriano en Francia. Ha hecho numerosas giras por Suramérica, México y Canadá. Sacó su primera grabación con la música de Paganini, bajo el sello Dorian. Su segunda grabación salió al mercado en 2003, con música de Penderecki, Dohnanyi y Beethoven. Andrés Díaz nació en Santiago de Chile in 1964, y empezó a estudiar el violonchelo a los 5 años. Se graduó en el Conservatorio de Nueva Inglaterra. Trabajó como Profesor Asociado de Violonchelo en la Universidad de Boston por espacio de 5 años y fue co-director del Programa de Cuartetos del Instituto Tanglewood de la Universidad de Boston. El Maestro Díaz toca un violonchelo de Matteo Goffriller que data del año 1698 y el arco fue fabricado por su padre, Manuel Díaz.

ST. LAWRENCE STRING QUARTET

Geoff Nuttall, violín Barry Shiffman, violín Lesley Robertson, viola Christopher Costanza, violonchelo

La primera grabación del primer y tercer cuarteto de Schumann por parte del Cuarteto de St. Lawrence recibió el tan codiciado Premio de los Críticos Alemanes, el Preis der Deutschen Schallplattenkritik, así como el Premio Anual Juno de Canadá. La revista BBC Music Magazine le dio a la grabación su “puntaje más alto”, llamándola el hito de las grabaciones de obras. En Octubre de 2001 EMI sacó su grabación de los cuartetos de cuerdas de Tchaikovsky. En el año 2002 su grabación “Yiddishbbuk” destacando la música de cámara del célebre compositor argentino-americano Osvaldo Golijov recibió dos nominaciones a los premios Grammy. Su más reciente grabación, Awakening (Despertar) exalta los cuartetos de cuerdas de Christos Hatzis. El Cuarteto ofrece más de 100 conciertos al año en todo el mundo. Las presentaciones más sobresalientes incluyen la serie popular Sundays con el St. Lawrence para el Stanford Lively Arts, una presentación de música de Golijov y Schubert en el Lincoln Center de Nueva York, presentaciones en Boston y Palm Beach con el pianista Menahem Pressler, y funciones en Detroit, Cleveland, Atlanta, Baltimore, Houston, Nueva Orleans, Salt Lake City, La Jolla, Toronto, Montreal, Vancouver, Ottawa y Urbana, IL. El cuarteto ofrecerá conciertos en Holanda, Alemania y Suiza, regresará en julio para los festivales en Francia y Alemania y concluirá con una gira de 20 conciertos por Australia y Nueva Zelanda. Durante los últimos 16 años, el Cuarteto de Cuerdas St. Lawrence (SLSQ) se ha establecido como uno de los grupos de cámara de talla mundial de su

generación. En 1992 ganaron tanto el Concurso Internacional de Cuartetos de Cuerda Banff, como las audiciones Young Concert Artists International. Su calendario de verano celebra su doceavo aniversario como cuarteto residente del Festival de Spoleto de EE.UU. en Charleston, Carolina del Sur, además de su participación en Festivales de los Estados Unidos y Canadá. Entre los compositores con los cuales el Cuarteto de St. Lawrence tiene relaciones activas se encuentran R. Murray Schafer, Osvaldo Golijov, Christos Hatzis, Jonathan Berger, Ka Nin Chan y Mark Applebaum. Después de tener el privilegio de estudiar con los Cuartetos de Cuerdas de Emerson, Tokio y Juilliard, los integrantes de SLSQ son educadores apasionados. Desde el año 1998 han ocupado el cargo de grupo residente en la Universidad de Stanford y han actuado como artistas invitados en la Universidad de Toronto desde el año 1995 y durante esta temporada inaugurará una nueva residencia de música de cámara para visitantes en la Universidad del Estado de Arizona. Bien sea en el Lincoln Center o en una aula de clase de una escuela elemental, los intérpretes del Cuarteto St. Lawrence mantienen un fuerte deseo de compartir las maravillas de la música de cámara con sus oyentes. El Cuarteto de Cuerdas St. Lawrence graba exclusivamente para el sello EMI/ANGEL.

I MUSICI DE MONTRÉAL Orquesta de Cámara

Desde que fue fundada por el violonchelista y Director Yuli Turovsky, la orquesta I Musici de Montreal ha grabado mas de 40 CD’s distribuidos en más de 50 países alrededor del mundo, para los sellos discográficos Chandos y Analekta. Estas grabaciones le han significado muchos premios, tanto a la orquesta, como al Maestro Turovsky, incluyendo el Diapason d’Or por su grabación de la Sinfonía 14 de Shostakovich en 1988 y un “Penguin Guide Rosette” por su Concerti Grossi, opus 6 de Händel en 1992. Desde entonces, las grabaciones de Händel que realizara I Musici de Montréal se han convertido en una especie de símbolo de referencia de la más alta calidad. En Diciembre de 1998 el “Conseil Québecois de la Musique” otorgó dos Premios Opus a la orquesta como el Evento Grabado del Año y como la Mejor Grabación de Música Contemporánea, por un CD que reunió obras de Gorecki, Pärt y Schnittke. En 1999, I Musici de Montréal fue distinguida con el premio “Grand Prix” por la Comunidad Urbana de Montreal, gracias a su

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excepcional contribución a la presentación de la música, tanto en la ciudad como en sus alrededores. En Agosto de 2001, la revista BBC Music Magazine nominó el CD número 40 de I Musici de Montréal como el CD del Mes. Esta última fue una grabación de Miaskovsky, Schnittke y Denisov. En Abril de 2002, I Musici fue nominada para otro Premio Juno Canadiense como el Mejor Álbum de Música Clásica del Año, después de haber ganado un premio Juno por su grabación de Ginestera, Villa-Lobos y Evangelista. Bajo la dinámica y visionaria dirección del Maestro Yuli Turovsky, quien también interpreta el Violonchelo como solista con la orquesta, I Musici de Montreal se ha presentado en algunas de las más importantes salas del mundo, como el Lincoln Center de Nueva York, la Gewandhaus en Leipzig (Alemania), el Seiji Ozawa Hall en Tanglewood, la Tonhalle en Zürich, el Palais des Beaux-Arts en Bruselas, el Kioi Hall en Tokio y en el Conservatorio de Música en Luxemburgo, entre otros.

I MUSICI DE MONTRÉAL Director de Orquesta Yuli Turovsky

Primer violín Eleonora Turovsky Violines Denis Béliveau Robert Margaryan Madeleine Messier Françoise Morin-Lyons Christian Prévost Catherine Sansfaçon-Bolduc Julie Triquet Natacha Turovsky Li Zhe Violas Anne Beaudry Suzanne Careau Elvira Misbakhova Jacques Proulx Violonchelos Alain Aubut Luo Di Timothy Bruce Halliday Contrabajos Costantino Greco Denis Chabot Flautas Heather Howes Jean-Philippe Tanguay

Oboes Kirsten Zander Diane Lacelle Clarinetes Mark Simons Airat Ichmouratov Fagotes Lise Millet Carmelle Préfontaine Cornos Jocelyn Veilleux Jean-Jules Poirier Trompetas Mark Dharmaratnam Lise Bouchard Timbales Robert Slapcoff Piano Serguei Sitchkov Arpa Maria Clara Alarcón

Conferencistas

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GEOFFREY NORRIS

Geoffrey Norris es el Jefe de Críticos de Música del Daily Telegraph en

en manos de la familia en Rusia. Escribió el registro de Rachmaninoff

Londres, donde es responsable de la crítica de una gran cantidad de

para The New Grove Dictionary of Music and Musicians y es el co-

conciertos y recitales que se ofrecen en el Reino Unido y en el exterior.

autor de A Catalogue of the Compositions of S. Rachmaninoff. En el

También es Profesor en el Instituto de Música Rachmaninoff en Tam-

aniversario del nacimiento del compositor, en 1993 dictó conferencias

bov, Rusia y dicta conferencias de música en el Goldsmiths College de

en la Universidad Occidental de Ontario y en el Instituto de Música de

la Universidad de Londres.

Rachmaninoff en Tambov. También escribió y dictó un ensayo sobre la música de cámara de Rachmaninoff para la Conferencia del Festival

Se interesó por los asuntos de Rusia cuando apenas estaba en el cole-

Internacional de Rachmaninoff en la Universidad de Maryland y fue el

gio, viajó a Moscú la primera vez cuando era un adolescente y su tesis

asesor para el Festival Hidden Perspectives, que se realizó sobre la mú-

de grado en la Universidad de Durham se basó en compositores de San

sica de Rachmaninoff en el South Bank de Londres. En 2005 escribió

Petersburgo del siglo XIX. Realizó una investigación en música rusa de

un ensayo sobre las variaciones de Rachmaninoff para la conferencia

orquesta del siglo 18 en el “Institut Teatra, Muzyki i Kinematografii” en

de la Sociedad Rachmaninoff en Londres.

Leningrado y gran parte de este material fue seleccionado para The New Grove Dictionary of Music and Musicians, publicado en el año 1980.

Además de los artículos que regularmente escribe para The Daily Telegraph, Geoffrey Norris ha escrito profusamente sobre aspectos de la

Mantiene un entusiasmo muy particular por Rachmaninoff, de quien ha

música rusa de los siglos 18, 19 y 20; ha dictado conferencias en Gran

escrito artículos para el periódico americano The Musical Quarterly y

Bretaña, Rusia, Italia, Estados Unidos y Canadá y ha participado en

la revista mensual británica The Musical Times. También fue encargado

transmisiones radiales para el Servicio Mundial de la BBC y Radio 3. De

para escribir un estudio biográfico y musical del compositor para las

1975 a 1977 fue profesor en Historia de la Música en el Royal Northern

Master Musicians Series. Ha realizado investigaciones basadas en los

College of Music en Manchester. También ha actuado como jurado en

manuscritos originales de la Biblioteca del Congreso en Washington,

concursos de piano en Inglaterra, Rusia y en la República Checa, y está

DC, en la Biblioteca Británica y en el Museo Glinka de Cultura Musical

en la junta de asesores del Festival Internacional de Piano de Miami.

en Moscú, así como también ha estudiado el material que se encuentra

JOSÉ FÉLIX PATIÑO RESTREPO

José Félix Patiño Restrepo es doctor de Medicina de la

Americana de Cirugía y de varias sociedades de cirugía y

Universidad de Yale, donde también completó su especialización

academias de medicina del mundo. Actualmente es Profesor

en cirugía general, toráxica y cardiovascular. Ha sido Ministro

Honorario de la Universidad Nacional de Colombia, Profesor

de Salud y Rector de la Universidad Nacional de Colombia,

Titular de la Universidad de los Andes y Jefe Honorario de

donde realizó una profunda reforma académica y amplió

Cirugía en la Fundación Santa Fe de Bogotá.

la planta física mediante un ambicioso plan de desarrollo. Fue Presidente de la Academia Nacional de Medicina, de

Reconocido humanista y amante de la ópera, poseedor de

la Asociación Colombiana de Cirugía y Director Ejecutivo de

una de las bibliotecas particulares más ricas de Colombia, es

la Asociación Colombiana de Facultades de Medicina y de

autor de numerosas publicaciones y de varios libros de texto,

la Federación Panamericana de Facultades de Medicina.

entre ellos una biografía meticulosamente documentada

Es el único latinoamericano que ha ocupado la Presidencia

de Maria Callas, La Divina, cuya tercera edición aparece

de la centenaria Sociedad Internacional de Cirugía, entidad

en julio de 2006. Su colección discográfica de Maria Callas

que reúne a los cirujanos de todas las naciones. Es miembro

comprende prácticamente la totalidad de sus grabaciones,

honorario del Colegio Americano de Cirujanos, de la Sociedad

más de 200 álbumes en CD.

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ALEJANDRO MANTILLA PULIDO

Alejandro Mantilla Pulido es Director Coral, Sociólogo de la

Se ha desempeñado como Asesor del ICFES y Evaluador

Universidad Nacional, Especialista en Gerencia y Gestión

de Programas Universitarios de Música, y como Tallerista y

Cultural de la Universidad del Rosario, y Pedagogo Musical de

Conferencista de diversos eventos académicos en todo el país.

la Universidad Pedagógica Nacional.

Como Ponente, ha representado al país en Argentina, Francia, España y México.

Como Director Coral dirigió el Coro de la Universidad de América, el Coro del ICFES con quien obtuvo la distinción de

En los últimos años viene adelantando una intensa labor en el

mejor muestra en el Festival Nacional de Empleados Oficiales

diseño de políticas y programas musicales, y en administración

por tres años consecutivos y los Coros de la Universidad

y gestión cultural en música, como Director del Departamento

Javeriana y ACHUEN - TY, con quienes fue finalista en

de Bellas Artes de la Universidad Pedagógica, posteriormente

concursos Polifónicos Internacionales de Ibagué. Participó

como Jefe de la División de Música de Colcultura, y actualmente

como Director Coral en Temporadas de Ópera de Colcultura y

como Asesor del Área de Música del Ministerio de Cultura.

montajes sinfónico corales. Su actividad actual está centrada en la coordinación del PLAN Ha sido profesor Universitario en programas de pregrado

NACIONAL DE MÚSICA PARA LA CONVIVENCIA, el cual se

y participó en un programa de postgrado en Educación

orienta al fomento y fortalecimiento de políticas y programas de

Artística.

desarrollo musical para todos los municipios y departamentos del país

SUSAN WADSWORTH

Es la directora y fundadora de “Young Concert Artiststs, Inc.”

“Vendome Piano Competition”, “Young Audiences, Inc.”, y del

de Nueva York, fundación sin ánimo de lucro que se dedica a

“Oberlin College and Conservatory of Music”. Adicionalmente,

descubrir y a promover a jóvenes talentos musicales en todo

ha sido consultora del “New York State Council” y del “Natio-

el mundo. Desde el primer Ciclo de Nueva York en las tempo-

nal Endowment for the Arts” y es miembro honorario del Young

radas 1961- 1962, la Fundación ha promovido la carrera de

Concert Artist Trust en Londres, el cual ayudó a fundar.

importantes músicos como Murray Perahia, Pinchas Zuker-

man, Emanuel Ax, Richard Goode, y Dawn Upshaw, a través

La señora Wadsworth ha participado en seminarios de desa-

de “Young Concert Artists Series”. La señora Wadsworth ha re-

rrollo en el concurso “TCU/ Cliburn Piano Institute of the Van

cibido doctorados honorarios de instituciones como “Mannes

Cliburn Competition”, la Universidad de Maryland, “The Jui-

-9

College of Music”, “The Manhattan School of Music”, y “New

lliard School”, y la Escuela de Artes de Carolina del Norte.

England Conservatory”. En el año 2001 fue condecorada por la

#-9

República de Francia con la orden de “Chevalier dans l’ordre

Susan Wadsworth nació en la ciudad de Nueva York. Estudió

des arts et des lettres”.

piano con el eminente pianista y profesor polaco Mieczyslaw Munz. Obtuvo un B.A. (Bachelor of Arts) en el “Vassar Co-

La señora Wadsworth ha sido jurado en numerosas competen-

llage”, donde adelantó estudios de piano y violín. Igualmen-

cias y eventos musicales como “New Jersey Symphony Young

te, la señora Wadsworth estudió con Jean Casadesus y Nadia

Artists Competition”, y concursos establecidos en el “Peabody

Boulanger en el Conservatorio de Fontainebleau en Francia y

Conservatory of Music”, “The Manhattan School of Music”, y

en el “Mannes College of Music”. Actualmente está casada

“Yale School of Music”. Forma parte del Comité Asesor del

con el pianista Charles Wadsworth.

“Avery Fisher Prize Program”, “Van Cliburn Competition”,

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La mĂşsica transforma sensibilidades.

Nosotros transformamos percepciones.

CARTAGENA Y SU BAHIA Adolfo Meisel Roca

Fotografía Libro: “Cartagena de Indias - La Joya del Caribe” por IM Editores

La historia de Cartagena esta muy ligada a su abrigada y profunda bahía, la mejor del norte de Suramérica. El nombre de Cartagena apareció por primera vez en un mapa antes de su fundación en 1533, pues ya hacia 1525 los navegantes españoles le habían dado el nombre que tendría luego la ciudad a la bahía.

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Tan protegida y acogedora encontró Pedro de Heredia la bahía donde fundó la ciudad, que no siguió una de las reglas de oro de los españoles para ubicar sus poblaciones: agua fresca abundante y ojala corriente. Pero en estos islotes de arena cubiertos de mangle encontraron muy poca agua. Por esa razón, en 1533 la hueste conquistadora no procedió de inmediato a la fundación de Cartagena, sino que hizo un largo recorrido por el noreste de la futura provincia tratando de encontrar un lugar más adecuado para ubicar su capital. Finalmente, ganó la calidad de la bahía, con todo y su escasez de agua fresca. En pocos años Cartagena se convirtió en el principal puerto de entrada a América del Sur, así como de embarque hacia España de la plata del Perú y del oro de Nueva Granada. Todo ello despertó la codicia de los piratas. Ya en 1542, sólo diez años después de su fundación, fue atacada por el pirata francés Robert Baal. Lo mismo sucedió en 1539, cuando el atacante fue otro pirata francés, Martín Cote. Luego vinieron los piratas ingleses: John Hawkins en 1568 y Francis Drake en 1586. Para hacer frente a esos ataques piratas, la corona española empezó a construir en la última década del siglo XVI unas murallas alrededor de la ciudad, así como una serie de fuertes a lo largo de la bahía. De ahí en adelante se construyeron y reforzaron las fortificaciones y murallas hasta el fin del periodo colonial. Las nuevas fortificaciones le permitieron a Cartagena convertirse en uno de los principales puertos del Caribe hispánico. Se comerciaba con oro y plata, pero también con seres humanos, pues Cartagena se consolidó en el siglo XVII en un centro de primer orden en el tráfico de africanos esclavizados. Todo ello permitió un auge económico que se reflejó en el crecimiento de la población. En 1684, la población total de la ciudad alcanzó a ser de 7.341 personas. Pero en 1697, se conjugaron factores de personalidad y venalidad de sus autoridades del momento, con problemas de larga data en el mantenimiento de las fortificaciones y la financiación de la guarnición, para que fuera fácilmente tomada por los franceses bajo el mando del baron de Pointis. Los años que siguieron fueron de crisis y la ciudad se despobló. La situación cambió radicalmente en los siguientes años, especialmente a partir de mediados del siglo. Lo que se vivió a partir de ese momento fue un enorme influjo de transferencias para sufragar los gastos de la defensa de la ciudad (fortificaciones, tropas y abastecimientos) que

financiaron más que todo el resto de la Nueva Granada y la Audiencia de Quito. El enorme crecimiento en esos recursos fiscales fomentó un gran auge económico. La población también se amplió y ya para 1811, la población de la ciudad era de unas 25.000 personas. Cartagena pagó un alto precio directo como consecuencia de los años de la lucha por la independencia (1810-1821). Cientos de sus habitantes perdieron la vida. Muchos más se dispersaron por el continente o quedaron en una situación de gran estrechez económica. Sin embargo, el mayor precio que se pagó por la independencia fue indirecto y sólo se manifestó gradualmente: el puerto perdió su importancia militar, pues la naciente república no estaba inmersa, como si lo estaba España, en una rivalidad por la hegemonía territorial. La principal consecuencia de lo anterior es que ya no se necesitaban ni las fortificaciones, ni las tropas, y por lo tanto se dejaron de recibir las enormes transferencias de dinero, que durante la colonia se recibían de Santa Fe de Bogota y Quito. Y con la desaparición de esa importantísima inyección de dinero, se vino abajo la economía de la ciudad. Cartagena se empobreció en el medio siglo después de la independencia. Por esa razón, su población se redujo año tras año y ya para 1870 sólo habían 8.603 personas, es decir, casi un tercio de las de 1811. Después de la década de 1880, con las exportaciones de ganado a Panamá y el Caribe, así como del café, el puerto se empezó a recuperar. En ello ayudó mucho, además, la inauguración del ferrocarril, desde la ciudad hasta la población de Calamar, en el río Magdalena, lo cual mejoró las comunicaciones con el interior del país. Durante el siglo XX, especialmente en su segunda mitad, la economía de Cartagena volvió a tener un buen crecimiento. En ese proceso tuvo que ver, nuevamente, su excelente bahía. Primero en la década de 1920 se la escogió para ser el puerto terminal del principal oleoducto del país, por donde se empezó a exportar desde 1926 petróleo. Eso ayudó a que más adelante, en 1958, se abriera una moderna refinería, la cual fue la base para la creación de un sector industrial petroquímico. Finalmente, el legado arquitectónico de la colonia que por su estado de conservación la convierte en el puerto fortificado más importante del Caribe, se convirtió en importante ingrediente para que fuera el principal destino turístico de Colombia. Como hemos visto, pues, a lo largo de su historia Cartagena a tenido en su bahía uno de sus atributos más valiosos. 85

Cartagena y el mundo en la música Año

Músico

Elaborado por: Marta Kovacsics M

Europa y Asia/África7América

Colombia/Cartagena

Arte /Lit.y Mus.

Ciencias/Sociedadº

* Isabel de Inglaterra

Fundación de Cartagena

* Michel de Montaigne

Primeros Manicomios

† Iván el Terrible

por Pedro de Heredia

1586

Becerra descubre California

Ataque a Cartagena por Francis Drake

en Madrid

1590

en el Perú

Comienzo de la cons-

Della Porta construye la

El molino es el mayor

trucción de las murallas

cúpula del domo de San Pedro

generador de Energía

Toma de Cartagena (B.de Pointis)

según diseño de Miguelángel

1533

1697 1685

públicos en Inglaterra Construcción del Escorial

* Georg F. Händel(† 1759)

Turquía pierde a Budapest

Cartagena tiene 7.341

†Pierre Corneille

Surgimiento de los cafés en

1685-)

Muere Carlos III de Inglaterra

habitantes

Neumann construye el

Viena

Iglesia de Würzburg

Desplazamiento forzado de

Voltaire escribe “Zaire”

Protestantes desplazados

* Honoré Fragonard

llegan a Prusia

Batallas entre frances e ingleses en Canadá 1732

Joseph Haydn(†1809)

los Hugonotes

Francia le declara la guerra a Francia * G. Washington

Blas de Lezo Comandante General de Cartagena

Se funda la “Academy of ancient Music” en Londres

1756

* Wofgang A. Mozart († 1791)

Supresión temporal del Virreinato

1770

* Ludwig van Beethoven

* Napoleón Bonaparte (1769)

† Giovanni Baptista Tiepolo

(†1827)

Luis XVI se casa con María

Encuentro entre Goethe y Herder

Antonieta

* Friedrich Hölderlin

Federico III de Prusia

Antonio Nariño divulga los “Derechos del Hombre”

Almirante Cook se toma * Gioacchino Rossini

Francisco II Emperador alemán

(†1868)

Bill of Rights (USA)

Algebra Mayor libertad para la burgesía= “Revolución

Australia (Corona Inglesa) 1792

Euler; “Instrucciones al

Industrial” Mozart:. La Flauta Mágica

Primer matrimonio civil

* Frederic Chopin

1. Festival de Octubre en

* Felix Mendelssohn (†1847) 1810

* Robert Schumann

Napoleón en Rusia

(†1856) 1822

Patria Boba (Colombia) Ejército Libertador (1819)

Brasil Reino (Don Pedro)

Consolidación de la Gran

1827

† L. v. Beethoven

Independencia de México

Colombia, Convención de Ocaña

* Jules Verne

Doctrina Monroe

1833

* Alexander Borodin (†1887)

Guerras Civiles en México

República de la Nueva Granada

Pushkin: “Eugen Onegin”

Limitación de horas laborales

Santander presidente

H. Heine huye a París

en Inglaterra

1835

* Camille Saint-Saens(†1921)

Fernando I de Austria

Andersen: Cuentos

Morse: Telégrafo

1839

* P. I. Tchaikovsky (†1893)

Guerra Civil Española (Carlista)

Guerra Británico-Argentina

Berlioz: Romeo y Julieta

Leyes contra el trabajo de

* Modest Mussorgsky

Convención de Londres

Guerra de los Conventos

* Paul Cézanne

los niños en Prusia

Schopenhauer: La Ética

1er Zoologico en Berlín

* Johannes Brahms (†1897)

(† 1881)

(Colombia)

1841

* Antonin Dvorak (†1904)

Eduardo VII de Inglaterra

1844

* Pablo de Sarasate (†1908)

* Luis II de Bavaria

1847

Guerra de los Supremos

* Paul Verlaine

Marx conoce a Engels

Revista: Il Risorgimento

Fundación de la Siemens Primer cable transatlántico

Algeria provincia Francesa

Reforma del 53, Conformación de

Toma de Sebastopol

los partidos tradicionales Nueva Constituyente

Baudelaire: Las Flores del Mal

(†1924)

* Theodor Roosevelt

Confederación Granandina

* Tomás Carrasquilla

1862

* Claude Debussy (†1918)

Ocupación Francesa de México

Los estados Unidos de Colombia

1873

* Sergei Rachmaninoff († 1943)

República de España

1875

* Maurice Ravel († 1937)

Oposición religiosa al dominio

1855

* Ernest Chausson (†1899)

1858

* Giaccomo Puccini

Reforma del 76

turco en los Balcanes

Flaubert: “Salambo”

Asociación Inglesa de Fútbol

Tolstoi: Ana Karenina

Exposición Mundial en Viena

* Thomas Mann

Berlín tiene 1 Mill. Habitantes

Bizet: “Carmen”

1877

* Ernst v. Dohnányi († 1960)

Liberación de los Balcanes

1882

* Igor Stravinsky († 1971)

Inglaterra ocupa Egipto

Constitución del 86

Wilde: Poemas

bledon

1890

* Jacques Ibert († 1962)

Terrorismo en Barcelona

Guerra de los Mil Días (1899-1902)

† Vincent van Gogh

Epidemia Mundial de gripe

1900

* Aaron Copland († 1990)

Victor Manuel III de Italia

Marroquín Presidente

* José Eustasio Rivera (1899-

Prim Escalera Eléctrica (París)

1901

* Joaquín Rodrigo († 1999)

Muere reina Victoria de

Colombia y Venezuela suspenden

Movimiento Fauvista

Primeras excavaciones

Inglaterra

relaciones diplomáticas

Quiroga; Los arrecifes de coral

petroleras

Insurrección liberal en Cuba

Intento fallido de asesinar

Sinclair: “La jungla”

1906

* Dimitri Shostakovich († 1975)

* Hermann Hesse

1. Torneo de Tenis en Wim-

1910

* Samuel Barber (†1981)

Portugal república

presidente

Grupo “Centenario” en Bogotá

Tranvía Eléctrico en Bogotá

1921

* Astor Piazzolla († 1992)

Sube partido fachista de

Renuncia Suárez- lo sucede Holguín

Einstein, Premio Nóbel de Física

Ley de Divorcio en Alemania

Mussolini

Munich

* César Franck(† 1890)

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CARTAGENA DE INDIAS: PATRIMONIO MONUMENTAL Y MUSICAL DE LA HUMANIDAD CLAUDIA FADUL ROSA

Presidenta Junta Directiva Sociedad de Mejoras Públicas de Cartagena Vicepresidenta Fundación Victor Salvi

Cartagena de Indias, es una ciudad excepcional y única, calificativos que provienen de su gran belleza geográfica, de su estratégica ubicación en el mar Caribe, de su patrimonio monumental e histórico, de su música y de la alegría y la gran sensibilidad de su gente. Se ha consolidado sin duda como la ciudad turística más importante de Colombia y como lugar de encuentro para la realización de grandes eventos nacionales e internacionales que reúnen a distinguidas personalidades de todos los ámbitos.

Cartagena de Indias fue para la Corona Española una de sus más preciadas joyas y uno de los sustentos del vigoroso tráfico mercantil entre los dominios de ultramar y la ciudad. Sin embargo quisiera relevar en particular su decisivo protagonismo en el año de 1.741, año en el que Inglaterra lanzó una gran ofensiva para arrebatarle a España sus dominios, al mando de Sir Edward Vernon, quien comandaba una flota compuesta de 8.000 soldados de tropas escogidas, 12.600 marinos, 2.000 peones y 1.000 negros esclavos, todo lo cual, según nuestro insigne historiador Eduardo Lemaitre daba un imponente resultado de 23.600 combatientes y entre los cuales venía un regimiento de 4.000 jóvenes norteamericanos, reclutados en las colonias inglesas, al mando del Capitán Lawrence Washington, hermano medio del futuro libertador de los Estados Unidos. En contraste, en ese momento las defensas de Cartagena no superaban los 3.000 hombres, entre tropa regular, milicianos y 600 indios flecheros, la marinería y tropa de desembarco de los únicos seis navíos de guerra con que contaba la ciudad para su protección. Este pequeño contingente de fuerzas se encontraba comandado por un número de hombres valientes, capaces y decididos a defender la ciudad hasta morir. Y fue así cómo, don Sebastián de Eslava, Virrey de la Nueva Granada, Teniente General de los Reales Ejércitos y en el mar el célebre don Blas de Lezo, General de la Armada, quien había participado en muchos combates y expediciones navales, en dos de las cuales, Málaga y Toulun había perdido enteramente la pierna y el ojo izquierdo y en otra, en Barcelona, donde le quedó lisiada la mano derecha , con el Mariscal de Campo Don Melchor de Navarrete y el Coronel Don Carlos Des Naux, quienes a pesar de las discrepancias de criterio en materia estratégica particularmente entre Don Blas de Lezo y el Virrey, lograron finalmente unificar su acción y resistir a pie firme el embate del inglés, razón por la cual hoy continuamos hablando nuestra lengua castellana. Igualmente se destaca en la historia, la excepcional condición de Cartagena durante la segunda mitad del Siglo XVIII, al haberse particularmente convertido en capital alterna del Nuevo Reino de Granada, pues la situación de guerra con Inglaterra obligó a casi todos los gobernantes del Nuevo Reino a establecerse en nuestra ciudad por largas temporadas. Sin lugar a exageraciones, puede decirse que Cartagena fue durante la vigencia del Régimen Español y en especial durante sus últimos años, la hija predilecta del gobierno colonial, del que se nutría como ninguna otra, al carecer de rentas propias y necesitar siempre de la ayuda 88

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de todo el Imperio para sobrevivir. No quiero dejar de referirme a la condición de Plaza Fuerte de Cartagena de Indias, marco material de todo ese pasado y muestra tangible del portentoso legado que hoy compartimos con la humanidad entera, luego de recibir la distinción de la UNESCO. El siglo XVIII fue para Cartagena el de sus máximas construcciones en el orden militar. En ésta centuria Cartagena quedó totalmente murada y defendida por importantes fortalezas, lo cual en gran parte obedeció al permanente estado de guerra, que imponía la necesidad de mantener en debida forma nuestra plaza, para afrontar embates franceses y en especial de ingleses. De ésta monumentalidad, cuyo trazado se lo debemos a los grandes ingenieros militares de la época, Bautista Antonelli, Juan Bautista Antonelli, Cristóbal de Roda, Juan de Herrera y Sotomayor, Carlos Des Naux, Juan Bautista Mac Evan, Ignacio

Fotografía Libro: “Cartagena de Indias - La Joya del Caribe” por IM Editores

de Sala, Antonio de Arévalo y Manuel de Anguiano, conservamos el Castillo San Felipe de Barajas, en cuyas entrañas en la llamada batería de San Lázaro se encuentran las oficinas de la Sociedad de Mejoras Públicas de Cartagena, once kilómetros de muralla con sus baluartes, el Cuartel de las Bóvedas y las Fortalezas de la Bahía, Castillo de San Fernando, Fuerte de San José, Batería del Ángel de San Rafael, Fuerte de Santa Cruz de Castillogrande y Fuerte de San Sebastián del Pastelillo, testigos de excepción de incontables ataques bélicos, que fueron construidos para la guerra y ahora permanecen como magníficos escenarios para la paz en un país que lucha incansablemente por conseguirla y en cuyo objetivo estamos comprometidos todos los colombianos de bien. Mención especial merece el trabajo de conservación y restauración del patrimonio monumental militar de Cartagena de Indias adelantado por la ya casi nonagenaria Sociedad de Mejoras Públicas de Cartagena, entidad cívica y sin ánimo de lucro, pionera en Colombia de la acción mancomunada del Estado y de la Sociedad Civil en beneficio de la comunidad, cuyas directivas, miembros y funcionarios han dispuesto todo su ánimo y su conocimiento para que Cartagena de Indias se distinga, como hoy lo hace, por ser una de las ciudades monumentales y patrimoniales mejor conservadas del mundo y que la han hecho acreedora de reconocimientos de la UNESCO y del II Premio Reina Sofía de Conservación del Patrimonio Cultural, otorgado por el Ministerio de Relaciones Exteriores de España y la Agencia Española de Cooperación Internacional, en el año 2.002. Es importante resaltar las obras de restauración realizadas durante los últimos diez años en los que he tenido el honor de presidir la Junta Directiva de tan venerable institución, a saber: Restauración integral del Castillo San Felipe de Barajas, que comprende garitas, baterías; Construcción de la Plazoleta de Estacionamiento, estabilización del cerro, recuperación de jardines e iluminación monumental; Restauración del Baluarte de Santa Catalina e instalación en sus entrañas del Museo de las Fortificaciones; Restauración de los baluartes de San Lucas, de Santiago, de San Lorenzo del Reducto y el de la Merced; Restauración de las garitas Norte y Sur del Baluarte de Santa Clara; Restauración del Baluarte de San Miguel de Chambacú, Restauración del Cuartel de las Bóvedas y la instalación completa de una batería de baños en la bóveda 00, la Instalación e la Fototeca Histórica de Cartagena en la casa que nos fuera donada por la empresa Unilever Andina, ubicada en la Calle del Guerrero del barrio Getsemaní, otorgándole una sede digna a éste magnifico trabajo cultural que no contaba 89

con una, esto sin mencionar la labor adelantada con nuestro departamento cultural, con los programas de miércoles de video, Circulo del Piano y la Orquesta de Cámara, todos ellos dirigidos a fortalecer la sensibilidad y los derechos humanos culturales en nuestra comunidad. Lo anterior nos hace sentir muy felices, de la misma manera como nos hace sentir felices haber podido concretar tantos sueños y poder compartirlos con tanta gente noble. Ahora, sumamos a este sueño uno nuevo: EL Primer Festival Internacional de Música de Cartagena, que en hora- buena la FUNDACION VICTOR SALVI, presidida por Julia Salvi decidió establecer en esta ciudad de todos, con el cual tenemos la certeza podremos contribuir a transformar nuestras estructuras sociales y culturales. Este evento está llamado a ser uno de los grandes del año 2.007 y que tendrá a la Heroica por sede. Cartagena se llenará de la mejor música del mundo en todos sus rincones y contará con la presencia de más de sesenta virtuosos que ejecutarán magníficas composiciones para deleite de todos los que tendremos la fortuna de vivirlo. A VICTOR SALVI, su inspirador y a Julia Salvi su esposa y presidenta, en nombre de Cartagena y Colombia, GRACIAS. A pesar de su larga historia, llena de pasajes dignos de ser contados, los Cartageneros tenemos ante nosotros un gran desafío colectivo y es, trabajar incansablemente por su desarrollo, para erradicar la pobreza en que vive la mayoría de población, así como el gran compromiso de construir una ciudad productiva y generadora de recursos que le permita a todos los que la habitan vivir con la dignidad propia de una ciudad con tantos pergaminos y tanta historia.

Claudia Fadul Rosa

Hacemos una invitación muy especial a todos los que vivimos en ella y a quienes nos visitan para que juntos construyamos con nuestros mejores esfuerzos una ciudad equitativa e incluyente, combatiendo la desesperanza y transformándola en una verdadera fortaleza humana de Colombia. El FESTIVAL DE MUSICA es sin duda una bella herramienta para este objetivo. Del esfuerzo de todos dependerá que finalmente podamos verla con el brillo y la majestuosidad con que vemos erguirse en el cerro a San Felipe de Barajas. ¡Gracias por estar aquí!

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Restaurantes La Olla de Cartagena Bgde Cr 2 5- 100 Av. San Martín L- 3 6653861 Crepes & Waffles Bgde Cr 2 8- 205 Av. San Martin 6657258 El Muelle del Chef Bgde Cr 2 15- 364 Muelle Todomar 6658634 Arabe e Internacional Bgde Cr 3 8-83 6654365 La Vitrola Centro, Cl 33 2- 01 6648243 Quebracho Parrilla Centro, Cl 33 2- 69 6641300 8-18 Centro, Cl 36 2 – 124 L- 8 Calle Gastelbando 6642632

El Santísimo Centro, Cl 38 8-19 Calle del Santísimo 6643316 El Mar de Juan Plaza de San Diego 8 -12 6645862 Club de Pesca Manga Fuerte del Pastelillo 6604594 Café del Mar Centro, Cr 2 36- 107 Baluarte Santo Domingo 6646513 La Dulcería Bgde Cra 2 6-59 6550281 La Bruschetta Centro, Cr 7 38 – 135 Calle del Curato 6645591 El Refectorio Hotel Sofitel Santa Clara, Plaza San Diego Cr 8 39- 29 Calle del Torno Tango Feroz Plaza San Diego, Calle del Torno 8 - 19 6600439

TEATRO HEREDIA â&#x20AC;˘ Centro Cra. 4A # 38-10 Plaza la Merced 92

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Ubicado en el corazón de la historia de Colombia, en un lugar declarado por la UNESCO “Patrimonio Histórico y Cultural de la Humanidad”, el Convento de Santa Clara de Asís inicia su construcción en 1617, por el deseo de Doña Catalina de Cabrera, benefactora del Claustro. Es un legado de la arquitectura colonial española que se encuentra rodeado por arcos de medio punto sobre columnas con intervenciones de estilo Republicano. Un visionario grupo de inversionistas colombianos encabezados por la firma constructora Arias, Serna & Saravia, en coordinación con expertos restauradores de la ciudad de Cartagena, fueron los encargados de darle vida al antiguo Convento de Santa Clara de Asís. Los trabajos de restauración se iniciaron en 1991, cuando culminaron los estudios pertinentes, luego de haber presentado formalmente la propuesta para convertirlo en un lujoso Hotel sin precedentes en el país. El antiguo Convento de Santa Clara de Asís abre sus puertas como el HOTEL SOFITEL SANTA CLARA con la Cumbre de los Países No Alineados en octubre de 1995, bajo la operación del Grupo francés ACCOR a través de su prestigiosa marca de lujo SOFITEL. Desde su apertura, ha recibido a grandes personalidades de nivel mundial, tales como Jefes de Estado, Presidentes, los Reyes de España, reconocidos músicos como Mick Jagguer, Shakira, productores de cine como Sydney Pollack, entre otros. El Hotel Sofitel Santa Clara dispone de 119 habitaciones distribuidas en dos diferentes ambientes: Colonial y Republicano, recientemente renovadas con el concepto “My Bed” de la marca “Sofitel” que proporciona a los huéspedes, un verdadero descanso a la hora de dormir, introduciéndose además toques de diseño contemporáneos, cambios de color y avances en tecnología.

Para atender las necesidades de los mercados mundiales, el Hotel Sofitel Santa Clara abre el primer “Le Spa” de América del Sur. Diseñado a la altura de los mejores del mundo, este spa cuenta con más de 800 metros cuadrados, distribuidos en : 260 metros de terraza, 8 cabinas multitratamiento, 1 boutique de productos para el cuidado de la belleza y tratamientos de reconocidas marcas cosméticas como Carita, Decléor, Amazona Secrets y Loto, Fitness con modernos equipos cardiovasculares, hammam, jacuzzi, área de descanso y terraza con solarium “Le Spa Sofitel Santa Clara” es el lugar ideal, no sólo para los huéspedes del Hotel; sino también para los asiduos visitantes a Cartagena y la comunidad local de la ciudad, quienes tendrán la posibilidad de hacer parte del exclusivo grupo “Le Spa” a través de una afiliación anual ó semestral. La capilla del convento es hoy el gran salón Santa Clara. Además el Hotel Sofitel Santa Clara ofrece 5 salones para reuniones más privadas, todos equipados con la más avanzada tecnología y una completa infraestructura para servicios corporativos a través de su centro de negocios. La reconocida gastronomía y el “savoir faire” del Hotel Sofitel Santa Clara se presentan en sus restaurantes El Refectorio y Café del Claustro, y en su contemporáneo Lounge Bar El Coro. El Hotel Sofitel Santa Clara cuenta con 17 bungalows en la playa privada de la Isla San Pedro de Majagua, sede marina en la Islas del Rosario, a sólo 45 minutos de Cartagena en lancha rápida.

El Festival es posible gracias a la generosidad de: FUNDADORES Fundación Victor Salvi Profesionales de Bolsa RCN Hotel Sofitel Santa Clara Young & Rubicam Brands

AMIGOS Patricia Jiménez Álvaro Durán Edgar Enrique Sandoval Santiago Salah María Isabel Patiño Roberto Murillo y Sra.

EMBAJADORES Coalcorp Hotel Charleston Cartagena Santa Teresa Publicar Proexport- Colombia es Pasión

ASOCIADO Paños Atlas Marilynne Herbert

SOCIOS Challenger PADRINOS Arcadia Argos Artesanías de Colombia Banco Interamericano de Desarrollo Bancolombia Burson- Marsteller Capital Club Cromos Deustche Bank El Espectador Forum Fundación BAT La Traviata El Malpensante Muelles el Bosque Nacional de Chocolates Suramericana Surtigas El Tiempo Tubocaribe El Universal Wunderman 94

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BENEFACTOR Enbridge Howard Phipps y Sra Aviatur CIRCULO DE ARTISTAS Alcaldía Mayor de Cartagena de Indias D.T.Y.C Belcorp Cámara de Comercio de Cartagena Cotelco Electrocosta ETB Fenalco Fundación Endesa Hyundai Kokoriko Ladrillera Santafé Sociedad de Mejoras Públicas de Cartagena Vimarco

Adolfo Meisel- Banco de la República Alberto Samudio – Arquitecto Restaurador Asociación Nacional de Música Sinfónica- Orquesta Sinfónica Nacional Café del Mar- Fiesta de clausura del Festival Colegio del Cuerpo de Cartagena de Indias Compensar CREAR Orquesta Filarmónica de Bogotá Orquesta Filarmónica de Medellín Edgar Vargas- La Traviata Embajada de Brasil Hotel Capital Bogotá Natalia Alejandra Vega- Batuta Cartagena Escuela Superior de Bellas Artes de Cartagena Estudiantes de Música de la Escuela Superior de Bellas Artes de Cartagena y de la Orquesta Juvenil del Barrio Nelson Mandela por su trabajo como acomodadores Fundeis ONG- Fundación por el rescate del Parque de Chambac, préstamo de dos baños ecológicos y portátiles para los conciertos públicos de la Plaza San Pedro Claver SAYCO Familia Fadul Familia Torres Forero Joselín Camelo B. Moisés Álvarez- Archivo Histórico de Cartagena Henry y Anna Eder- Por el ofrecimiento de un coctel Embajada de Canadá Jean Claude y Danielle Bessudo Mónica Fadul – Fenalco por el apoyo al Concurso de Vitrinas del Festival Jorge Gamboa – Fotógrafo Media Edge Marilynne Herbert María Isabel Murillo Heather Capple IDER

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BENEFACTORES DEL FESTIVAL ESCUCHA CON CUIDADO PORQUE AHORA EN CARTAGENA EL MAR SUENA DISTINTO… GRACIAS A TU APOYO! CONVIÉRTETE EN BENEFACTOR DEL FESTIVAL HOY MISMO Y RECIBE: AMIGO USD 100 - 499 • RECONOCIMIENTO EN EL LIBRO DEL FESTIVAL • INFORMACIÓN ANTICIPADA SOBRE PROGRAMAS Y BOLETAS • DESCUENTOS EN LA MERCANCÍA DEL FESTIVAL ASOCIADO USD 500 - 999 • LOS PRIVILEGIOS DEL AMIGO, MÁS… • 2 GANCHOS CONMEMORATIVOS DEL FESTIVAL • 1 AFICHE CONMEMORATIVO DEL FESTIVAL BENEFACTOR USD 1,000 - 9,999 • LOS PRIVILEGIOS DEL ASOCIADO, MÁS… • UN TOUR PRIVADO POR EL TEATRO HEREDIA • FIESTA EXCLUSIVA CON ARTISTAS DEL FESTIVAL CIRCULO DE ARTISTAS • • •

LOS PRIVILEGIOS DEL BENEFACTOR, MÁS… INVITACIÓN A UN COCTEL Y RECEPCIÓN DURANTE EL FESTIVAL UN REGALO CONMEMORATIVO

SUS DONACIONES PUEDEN SER GIRADAS A NOMBRE DE LA FUNDACIÓN VICTOR SALVI. TODOS LOS FONDOS RECAUDADOS POR EL FESTIVAL SON ADMINISTRADOS POR LA COMPAÑÍA PROFESIONALES DE BOLSA S.A. PARA EFECTOS DE IMPUESTOS, TODAS LAS EMPRESAS QUE CONTRIBUYAN CON LA FUNDACIÓN VICTOR SALVI PARA EL FESTIVAL, RECIBIRAN LOS CERTIFICADOS DE DONACIÓN CORRESPONDIENTES.

www.profesionalesdebolsa.com 96

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