Arte reciclado

ARTCYCLING ARTE RECICLADO COMO HERRAMIENTA PARA EL PROCESO DE RECUPERACIÓN DE PERSONAS CON ENFERMEDAD MENTAL

CONTENIDOS Introducción al Proyecto Artcycling

2

El arte como terapia

5

El vínculo entre enfermedad mental y creatividad

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Proceso de recuperación de personas con

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enfermedad mental Upcycling de las personas y de los objetos

14

La basura de un hombre es arte reciclado para otro

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Exhibiendo el poder del arte

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Fiesta de las artes y la salud mental

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Bibliografía

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Imágenes

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INTRODUCCIÓN AL PROYECTO ARTCYCLING

La mayoría de los productos que se venden actualmente en Europa son de baja calidad, importados de países del tercer mundo donde, tanto la mano de obra barata como los materiales, son los principios rectores del proceso de producción. Este tipo de proceso y consumo perjudica a las comunidades locales, en donde ya no podemos disfrutar de los relatos, las historias y distintas realidades de los productos que utilizamos.

Upcycling es un proceso en el que los artículos desechados se reutilizan para hacerlos valiosos, útiles o simplemente atractivos desde el punto de vista estético. Upcycling está diseñado para trabajar a contra corriente de la cultura de consumo, alentando a las personas a pensar de forma nueva y creativa, a reusar los objetos, en lugar de comprar nuevos bienes de consumo.

Cada vez hay un mayor reconocimiento en Europa de los productos únicos, artesanales, de alta calidad y producidos localmente. Artcycling Coop aprovecha este reconocimiento y provee a artistas europeos con conocimientos tradicionales impulsados por la comunidad, utilizando materiales de desecho y reduciendo el impacto ambiental en sus obras artísticas.

Los objetivos del proyecto son: - Crear una comunidad de artcyclers con

Artcycling Coop permite a artistas europeos, con

habilidades mixtas en artes decorativas, formado

edades comprendidas entre los 18 y 55 años, que se

por artistas de distintos entornos y situaciones

encuentran en situaciones desfavorecidas, algunos de

sociales, con o sin discapacidades, pero que

ellos con problemas de salud mental, a entrar o

compartan la visión crítica del upcycling y la

reincorporarse al mercado laboral, con confianza y

necesidad de reducir el impacto ambiental de la

autonomía, dotados de una serie de habilidades

producción artística.

nuevas e innovadoras adquiridas a través del proyecto

- Crear oportunidades profesionales para artistas

Artcycling.

europeos con discapacidades.

- Permitir a los artistas con discapacidades trabajar en otros países.

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- Luchar contra el estigma y la discriminación.

- Promover la responsabilidad social y ambiental en la creación artística.

- Suscitar el pensamiento crítico sobre cuestiones ambientales y sociales a través de la creación artística.

Los conceptos básicos del Proyecto Artcycling son: - Fomentar una amplia conciencia europea sobre el patrimonio cultural que existe en los productos cotidianos, el precio de esta herencia y la conciencia de su valor en el desarrollo del diseño del siglo XXI. - Facilitar la identificación entre culturas y la celebración de los rasgos y tradiciones locales, recuperando la artesanía y la historia europea.

- Mejorar la conciencia a nivel local, nacional y europeo sobre la eficiencia de los recursos y la relación de lo artesano con el mercado laboral.

- Reforzar y apoyar el conocimiento local y la identidad en el marco de lo artesanal, la tradición y la historia.

- Aumentar la integridad, curiosidad y artesanía como referencias en la formación de personas con discapacidad, para que encuentren su lugar en la sociedad.

- Construir una amplia camaradería europea entre empresarios y compañeros, fijando un modelo para el futuro de la cooperación europea.

- Promover nuevos enfoques para la educación y capacitación a través de la conciencia y la apreciación del antiguo conocimiento.

Artcycling Coop corre a cargo de una asociación formada por cuatro organizaciones que proceden de países como España, Dinamarca, Reino Unido y Hungría.

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FUNDACIÓN INTRAS (España) es la organización líder de Artcycling Coop. Es una institución sin ánimo de lucro fundada en 1994. Su objetivo principal es elaborar medidas para mejorar la calidad de vida de las personas que padecen enfermedad mental. De hecho, INTRAS apoya a distintos artistas con problemas de salud mental, promoviendo su integración laboral y social. INTRAS organiza y colabora en varios eventos culturales y artísticos al igual que festivales de arte con el objetivo de facilitar y visualizar el trabajo artístico y el talento de las personas con enfermedad mental.

CULTURA21 NORDIC (Dinamarca) es una asociación profesional fundada en 2008 para promover un cambio cultural entendido como un proceso de reforma sostenible, ecológica y social, por ejemplo, para una evolución cultural de la sociedad y el estilo de vida. Cultura21 Nordic ha participado en múltiples proyectos relacionados con el arte y la sostenibilidad cultural, dando valor a la artesanía tradicional y a la inclusión social.

FUNDACIÓN RETEXTIL (Hungría) creada en 2004 con el método Retextil como su prioridad. Retextil es una técnica para fabricar hilo textil a partir de telas desechadas mediante el uso de procedimientos tan tradicionales como hilar, tejer y anudar. Los resultados son muebles y adornos preciosos. Retextil es una de las inspiraciones del proyecto, compartiendo sus métodos con las demás organizaciones.

PACIFICSTREAM (Reino Unido) ha estado involucrada con industrias culturales desde 1997 e implicada de manera directa con organizaciones que apoyan a músicos, diseñadores y artistas. Pacificstream está especializada en apoyar nuevas industrias culturales y existentes, las empresas sociales y los emprendedores graduados. Cuenta con experiencia apoyando a emprendedores creativos de todas las edades y entornos en toda una serie de industrias relacionadas con el arte y el diseño.

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EL ARTE COMO TERAPIA El arteterapia es un tipo de terapia expresiva que

Aunque el arteterapia contemporáneo es una

utiliza el proceso creativo de hacer arte para

práctica bastante nueva, el arte se ha utilizado

mejorar el bienestar físico, mental y emocional

desde los comienzos de la historia de la

de una persona. En arteterapia, los pacientes

humanidad como medio para transmitir

expresan sus sentimientos no sólo mediante la

pensamientos e ideas. La pintura rupestre más

palabra, sino a través del dibujo, la pintura, la

antigua se haya en la cueva de El Castillo en

escultura y cualquier otro tipo de arte. Es por eso

Cantabria, España, y data del período

que se cree que este tipo de terapia en concreto

Auriñaciense, hace 40.000 años. Aunque los

es útil para aquellas personas que tienen

investigadores dudan acerca del propósito

dificultad a la hora de expresar sus sentimientos,

exacto del arte rupestre, se ha planteado la

incluidos los niños y aquellos que sufren de

posibilidad de que se usaran como parte de

Alzheimer, derrames cerebrales y trastorno de

ceremonias religiosas o para comunicarse con

estrés postraumático.

otros pueblos de los alrededores.

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Avanzando en la historia, el arte llegó a convertirse en instrumento de la autoexpresión y el simbolismo.

Sin embargo, no fue hasta la década de 1940 cuando se estableció el uso terapéutico del arte y se desarrolló como una disciplina aparte, la cual surgió de forma independiente en América y Europa. En Inglaterra, Adrian Hill fue la primera persona que hizo referencia al arteterapia como uso terapéutico del arte. Mientras estaba siendo tratado en un sanatorio de tuberculosis, propuso a los demás pacientes participar en proyectos de arte. Éste fue sólo el comienzo y en su libro «Art Versus Illness» analiza gran parte de su trabajo como arteterapeuta.

Asimismo, en la década de 1940, varios escritores del campo de la salud mental empezaron a describir su trabajo con pacientes en tratamiento como «arteterapia». Como por aquel entonces no había cursos oficiales de arteterapia y programas de formación disponibles, se instruía a menudo a estos cuidadores en otras disciplinas bajo la supervisión de psiquiatras, psicólogos u otros profesionales de la salud mental. Margaret Naumburg y Edith Kramer fueron dos pioneras del arteterapia en los Estados Unidos.

A mediados de los años cuarenta, la psicóloga Margaret Naumburg comenzó a referirse a su trabajo como arteterapia, basado en la idea de utilizar el arte para liberar el subconsciente fomentando la libre asociación. La obra de arte derivada se consideró un discurso simbólico que el paciente interpretaba y analizaba con apoyo del terapeuta.

Margaret Naumburg

Dr. Edith Kramer fue una mujer austríaca que estudió arte, pintura, dibujo y escultura en Viena. Después de adquirir la ciudadanía estadounidense en 1944, creó el programa de postgrado en terapia artística de la Universidad de Nueva York y fue profesora adjunta del mismo desde 1973 hasta 2005.

Edith Kramer

A mediados del siglo XX, muchos hospitales y centros de salud mental comenzaron a incluir programas de arteterapia después de observar que podía promover el crecimiento emocional, de desarrollo y cognitivo en los niños.

El arteterapia ha demostrado tener beneficios en personas de todas las edades. Según varias investigaciones, puede mejorar la comunicación y la concentración al igual que ayudar a reducir la sensación de aislamiento. También se ha demostrado que provoca un aumento en la autoestima, la confianza y la autoconciencia. A menudo se pueden conseguir resultados positivos en el arteterapia enfrentándose a problemas como: la ansiedad, depresión, trastorno bipolar, drogodependencia, estrés, estrés postraumático, déficit de atención con hiperactividad, envejecimiento y problemas geriátricos, cáncer, fatiga, enfermedades cardíacas, anorexia, bulimia, otros desórdenes alimenticios, deficiencias cognitivas, problemas familiares o varias enfermedades mentales.

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EL VÍNCULO ENTRE ENFERMEDAD MENTAL Y CREATIVIDAD

”

«¿Quién en el arco iris puede trazar la línea donde termina el violeta y comienza el anaranjado? Vemos claramente la diferencia de colores, pero ¿dónde, exactamente, se confunde el primero con el segundo? Lo mismo sucede con la salud mental y la locura».

Herman Melville, «Billy Budd, Marinero» Psicólogos y otros investigadores han debatido en detalle el concepto de un vínculo entre creatividad y enfermedad mental. Se pueden establecer similitudes para unir los principales trastornos mentales como: trastorno bipolar, esquizofrenia, trastorno depresivo mayor, trastorno de ansiedad y TDAH. La relación entre enfermedad mental y creatividad apareció por primera vez en literatura en la década de 1970, pero la idea de vínculo entre «locura» y «genio» es mucho más antigua y se remonta a la época de Aristóteles. Para entender la correlación que existe entre la conexión «locura» y «genio», primero hay que entender que hay distintos tipos de genios: literarios, creativos, eruditos y «los de alrededor». Dado que hay muchas categorías distintas, esto significa que las personas pueden destacar por completo en un tema y conocer un promedio, o inferior a la media, de información sobre los demás. Los antiguos griegos creían que la creatividad provenía de los dioses, en concreto de las musas (las divinidades inspiradoras de las artes y las ciencias, las nueve hijas de Zeus). En la tradición aristotélica en cambio, se veía al ingenio desde un punto de vista fisiológico, y se creía que la misma cualidad humana era, quizás, la responsable tanto de un éxito extraordinario como de la melancolía. Los escritores románticos tenían ideas parecidas, como Lord Byron expresando de manera grata que «Todos los del oficio estamos locos. A algunos les da por la alegría, a otros por la melancolía, pero todos estamos más o menos marcados». Se dice que las personas con enfermedades mentales muestran la capacidad para ver el mundo de una forma novedosa y original; literalmente, para ver cosas que otros no pueden.

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Hoy en día, este concepto ya no es una leyenda. Los estudios, tanto en psicología como en medicina, ofrecen indicios para este vínculo, por ejemplo, hace poco un equipo de la Universidad Estatal de Oregón analizó la situación laboral de un amplio grupo de pacientes típicos y descubrió que aquellos con una enfermedad bipolar parecían estar concentrados, de manera desproporcionada, en la categoría profesional más creativa. También encontraron que la probabilidad de participar en actividades creativas en el trabajo era mucho mayor en los trabajadores bipolares que en los que no lo eran. Los científicos de la Universidad de California, San Francisco declararon que «es bien sabido que las personas con trastornos afectivos tienden a estar sobrerrepresentadas en la población de artistas creativos (en especial, aquellos con trastorno bipolar). Este trastorno puede tener ciertas ventajas para la creatividad, sobre todo en aquellos que tienen síntomas menos perniciosos». Añadieron que los pacientes bipolares podían mostrar una anatomía cerebral inusual, en concreto, un lóbulo frontal disminuido de «El sueño de la razón produce monstruos», 1799 de Francisco de Goya.

los sistemas afectivos subcorticales relacionado con la amígdala y el cuerpo estriado, lo que puede aumentar su inestabilidad afectiva al igual que su carácter compulsivo.

Aquellos con un trastorno bipolar y que están saliendo de una fase depresiva potencian, a veces, la creatividad. Cuando esto sucede, el lóbulo frontal del cerebro muestra una gran actividad, al igual que ocurre cuando alguien está concentrado en la búsqueda de creatividad. Un mayor número de ideas aumenta la posibilidad de conseguir una que sea realmente única. Además, las personas con un trastorno psiquiátrico tienen menos filtro mental. Pueden vivir tranquilamente con una disonancia cognitiva o manteniendo en la mente dos ideas opuestas al mismo tiempo. Esto les permite encontrar conexiones tenues que otros podrían perder.

Otra investigación, realizada en 2012 en el Instituto Karolinska, demostró que los artistas y los científicos eran más frecuentes en las familias con trastorno bipolar y esquizofrenia, en comparación con la población en general. Después, ampliaron su estudio hacia otros diagnósticos psiquiátricos como: trastorno esquizoafectivo, depresión, síndrome de ansiedad, alcoholismo, drogadicción, autismo, TDAH, anorexia nerviosa y suicidio, e incluyeron a pacientes en atención ambulatoria en lugar de hacerlo sólo con enfermos de hospitales. Este estudio hizo un seguimiento de casi 1,2 millones de pacientes y de sus familiares hasta un parentesco de primo segundo e incluyó a gran parte de la población sueca de las últimas décadas. Todos los datos fueron anónimos y no pueden vincularse a ninguna persona.

Los resultados confirmaron que cierta enfermedad mental, el trastorno bipolar, prevalecía entre el grupo de personas con profesiones artísticas y científicas como bailarines, investigadores, fotógrafos y escritores.

Por otra parte, los investigadores detectaron que las profesiones creativas eran más frecuentes en los familiares de pacientes con esquizofrenia, trastorno bipolar, anorexia nerviosa y, hasta cierto punto, autismo. Los resultados obtenidos han llevado a reconsiderar los criterios de las enfermedades mentales.

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La historia es testigo de muchos casos de artistas que las padecieron mientras creaban arte del que millones han disfrutado.

Por ejemplo, el legendario compositor Ludwig van Beethoven, se dice que sufrió depresión e, incluso algunos han especulado, trastorno bipolar. A eso, sin duda, se le suma el alcoholismo, una enfermedad que con el tiempo le condujo a su muerte debido a una lesión hepática. En el libro «Diagnosing Genius: The Life and Death of Beethoven», el autor François Martin Mai señala que Beethoven mostraba cambios de humor repentinos que iban desde enérgicos y motivados hasta depresivos y suicidas, mostrando altibajos asociados al trastorno bipolar.

Ludwig van Beethoven

De Edvard Munch, pintor de «El grito», obra cargada de notoriedad y emociones, se comentó que sufría de depresión, agorafobia, crisis nerviosa y había tenido alucinaciones, una de las cuáles inspiró esta obra. La enfermedad mental también se dio en su familia, sobre todo en su hermana. El artista noruego afirmó, de la relación entre su enfermedad mental y el trabajo, que «Mi temor a la vida es necesario para mí, como lo es mi enfermedad. Sin temor ni enfermedad, mi vida sería como un barco sin timón... mis problemas son parte de mí mismo y de mi arte. Ellos son indistinguibles de mí y su tratamiento destruiría mi arte» y escribió en uno de sus diarios «La enfermedad, la locura y la muerte fueron «El grito», 1893 (Óleo, tempera y pastel sobre cartón) de Edvard Munch

los ángeles negros que guardaron mi cuna y me acompañaron durante toda mi vida».

Otro ejemplo es Vincent van Gogh. Muchos habrán adivinado la raíz de su enfermedad mental. Se dice que el pintor sufrió depresión (quizás maníaca), trastorno bipolar, alucinaciones y episodios de demencia al igual que epilepsia. Al final se suicidó en 1890 a la edad de 37 años. Con el tiempo, algunos investigadores han atribuido sus enfermedades a su amor por la absenta, mientras que otros han especulado que tenía porfiria aguda intermitente, un trastorno metabólico hereditario que explicaría muchos de sus síntomas, al igual que sus antecedentes familiares de trastorno mental.

Cualquiera que fuera la causa, hizo que van Gogh llevara una vida complicada acosado por la depresión que provocó, a la larga, su muerte.

«Los comedores de patatas», 1885 de Vincent van Gogh

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El famoso pintor español Francisco de Goya, después de alcanzar cierto grado de popularidad con sus cartones para tapices de estilo rococó, comenzó de repente a mostrar un lado más oscuro. Sus primeros trabajos fueron tenues y con clase, un mundo aparte de sus obras posteriores, por las que sigue siendo más reconocido. El cambio desde las primeras obras de Goya hasta sus pinturas negras, pintadas en las paredes de su casa, se llena de temas oscuros. Goya comenzó a quedarse sordo, su crisis nerviosa se agravó y dudaba de su propia cordura. Las cartas entre sus compañeros dejan al descubierto la posible causa de la lenta degradación de la salud de su amigo. Se cree que Goya padeció una serie de pequeños derrames cerebrales provocados por la alta presión arterial, lo que desembocó en una pérdida de audición y escaso sentido del equilibrio. Goya falleció a la edad de 82 años después de un incremento en su sordera, deterioro físico y mental y lo que una antigua esposa denominó «conducta ilícita».

Estampa Nº 12 de la serie Disparates,1815-1823 de Francisco de Goya

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EL PROCESO DE RECUPERACIÓN DE PERSONAS CON ENFERMEDAD MENTAL Se cree que el arteterapia es especialmente útil para aquellos que se sienten que han perdido el contacto con sus emociones y sentimientos ya que les permite expresarlos a través del trabajo creativo en lugar de con el habla.

Desde el siglo XX, el arte se ha utilizado en el apoyo y tratamiento de los usuarios de servicios de salud mental. Se consideraba que el logro de objetivos en manualidades como el tejido de cestas, la costura y la carpintería tenían un efecto terapéutico y el equilibrio en proyectos desafiantes con objetivos asequibles continúa siendo, hasta la fecha, una técnica bastante útil para fomentar el amor propio, la sensación de éxito y la autoestima, que son aspectos que resultan fundamentales en la recuperación de una enfermedad mental. La idea de que la actividad es esencial para el bienestar implica mantenerse activo, tanto física como mentalmente con un enfoque holístico como protagonista.

Sin embargo, a lo largo del siglo XX, la atención de la salud mental se caracterizó por un enfoque más biomédico centrado en la patología, reducción de los síntomas y la investigación de los aspectos más fisiológicos de la salud mental como la neurociencia y la genética. Esto provocó que el arteterapia disminuyera, ya que no se le dio la misma importancia que a otros enfoques científicos y médicos. No obstante, en la década de 1980 se produjo otro cambio con el objetivo de regresar a un enfoque biopsicosocial más holístico. Prevaleció la idea de que la enfermedad mental no era una situación crónica irreversible, y aumento el enfoque dirigido hacia la comprensión y conciencia de lo que significa vivir con una enfermedad mental y el respeto por los deseos de la persona. La salud mental como un tema de contenido psicológico, perceptivo y emocional hizo de nuevo un llamamiento para exigir el apoyo de terapias artísticas y su capacidad para ir más allá del nivel superficial y sintomático, al igual que hacer frente al aspecto sentimental de la afección.

La enfermedad mental representa una compleja interacción de factores físicos, psicológicos, sociales y espirituales y, por lo tanto, resulta difícil de tratar. Las prácticas basadas en arte han suscitado un interés cada vez mayor en este campo, ya que ofrecen un enfoque centrado en la persona y orientado hacia la recuperación que engloba las necesidades emocionales, sociales y espirituales, además de las clínicas.

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Un autorretrato de Graham G., paciente del hospital psiquiátrico Netherne

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Trabajando sobre el tema, los investigadores decidieron tomar un enfoque totalmente científico del arteterapia y descubrir los posibles efectos de este tipo de terapia y de las personas con trastornos de la personalidad. En su estudio, utilizaron observaciones anecdóticas realizadas por practicantes profesionales en el área, así como los testimonios de los pacientes. Luego, utilizando codificación axial y abierta y entrevistas en profundidad, elaboraron un estudio cualitativo que ayuda a identificar cinco beneficios del arte en la salud mental: Percepción y autopercepción Las personas señalaron que la expresión artística les ayudó a concentrarse en el momento presente, identificar las respuestas emocionales y sentir las conexiones entre el sentimiento y la conciencia corporal.

A pesar de que esto, en un principio, se sentía peor, las impresiones obtenidas se convirtieron en el primer paso para reconocer y validar las emociones, y como punto de partida para futuras consideraciones y acciones terapéuticas.

Integración personal Las personas sintieron que, a través de la expresión de sus experiencias en el arte, se fortalecía la identidad y la imagen personal y se conseguía una mayor positividad. Tal vez, lo más importante es que la expresión artística hizo visible las emociones, lo que permitió seguir investigando los sentimientos y pensamientos en el transcurso de la terapia. Además, los sentimientos contradictorios se pueden reunir en una imagen coherente, algo que, a menudo, es imposible de hacer sólo con palabras.

Regulación de las emociones e impulsos A través de la expresión artística, las personas aprendieron a modular las respuestas emotivas, experimentando así una mayor libertad en cuanto a ellas y a «dosificar» y regular las emociones. En otras palabras, la expresión artística ofrecía un espacio experimental en el que las personas podrían practicar con respuestas nuevas frente a sentimientos difíciles, aumentando así la sensación de autoconfianza y eficacia personal.

Cambio de conducta En resumen, los cambios de conducta incluyen el comportamiento hacia uno mismo y hacia los demás. En este estudio, varias personas informaron de que aprendieron a cambiar sus respuestas conductuales a través del proceso de la expresión artística. Aún resulta difícil explicar cómo ocurre, pero puede que tenga algo que ver con la naturaleza autodirigida de la expresión artística, que implica elecciones acerca de qué hacer y cómo hacerlo exactamente. Dicho de otra forma, el arteterapia puede brindar la oportunidad de practicar, de verdad, posibles respuestas a testimonios personales existentes. Gracias a que este estudio se centró en grupos pequeños, es posible que los participantes hayan aprendido más acerca de sus propios patrones de comportamiento a través de la interacción con otras personas, en el contexto del arteterapia grupal.

Perspicacia y comprensión Las personas notificaron que la expresión artística les ayudó a poner en palabras sus emociones y experiencias no verbales. Cabe destacar que afirmaron «sentir un diálogo interno que guiaba sus elecciones mientras trabajaban en el producto artístico» al igual que después de completar la expresión del arte. Dicho con otras palabras, tanto la creación como la observación de lo que se estaba creando respaldaron la perspicacia y comprensión de las emociones, los pensamientos y comportamientos, y proporcionaron un mejor entendimiento de la experiencia con la ayuda del arteterapeuta.

Estos investigadores hicieron un avance importante en la identificación de lo que podría ser el arteterapia, construyendo un modelo teórico integrado con cinco categorías básicas para su investigación en el futuro.

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UPCYCLING DE LAS PERSONAS Y DE LOS OBJETOS Todos hemos oído hablar del recycling o reciclaje, pero ¿qué es el upcycling y cuál es la diferencia entre los dos conceptos?

Reciclaje, es el proceso de convertir los residuos

El upcycling tampoco es un concepto nuevo.

en un material o producto reutilizable. Implica

Algunos de los mejores ejemplos de upcycling

coger artículos de uso cotidiano como, papel,

moderno provienen de los años 1930-1940, cuando

vidrio y plástico, separar los materiales y usarlos

las familias apenas tenían recursos materiales y

para formar otro producto que a menudo es de

económicos. En esta época de ahorro, se reutilizaba

menor calidad. Por ejemplo, la calidad del

casi todo, rediseñando objetos una y otra vez hasta

plástico y del papel disminuye ligeramente cada

que ya no fuesen útiles. Por otra parte, el upcycling

vez que se recicla. El reciclaje se conoce desde

es una forma de vida para las personas en los países

hace cientos de años. Es el caso de la época

en vías de desarrollo donde las materias primas son

medieval, en donde fue bastante frecuente y se

costosas, por lo que utilizan lo que pueden

utilizó por diversas razones, los artesanos

encontrar para crear cuencos, cestas, joyas y otros

medievales eran sumamente creativos y astutos

artículos igual de bonitos y útiles.

al utilizar lo que tenían o lo que encontraban, de

Existen muchas oportunidades de upcycling a

una manera nueva y sorprendente. Fue un

nuestro alrededor. Un jersey viejo, por ejemplo,

período en el que se disponía de menos recursos,

puede rediseñarse como funda para los cojines del

ya que muchas rutas comerciales utilizadas por

sofá. Si se combina con un poco de creatividad, un

la antigua Roma se habían cortado y los objetos

par de pantalones usados se pueden transformar en

no eran tan fáciles de conseguir como lo había

un organizador para bolsas. Las latas de café se

sido antes, de modo que a veces, se acudía al

pueden suprareciclar en macetas para flores y

reciclaje dada la falta de materiales. El reciclaje

plantas. Los proyectos de upcycling pueden ser tan

adquirió un nuevo significado cientos de años

sencillos como doblar un periódico viejo en una

más tarde, a medida que las sociedades

maceta biodegradable. Otras opciones incluyen

industriales comenzaban a producir cantidades

joyas hechas de cremalleras, zapatillas de fieltro

cada vez mayores de basura. En lugar de reciclar

hechas con lana de jerséis usados, bolsos hechos de

materiales debido a razones puramente

ganchillo con tiras de plástico de las bolsas del

económicas, las comunidades empezaron a

supermercado, y camisetas convertidas en ropa a la

pensar cómo reducir el flujo de residuos en los

última para los niños, etc. Hoy en día, varios

vertederos e incineradoras.

diseñadores han prosperado en los negocios de

Upcycling o suprareciclaje, es una forma muy

upcycling, convirtiendo productos usados en

concreta de reciclaje que transforma los residuos

prendas atractivas, accesorios y complementos para

en un material o producto de mayor calidad. Si

el hogar. Por lo general, quieren hacer saber a sus

se quiere realizar upcycling, no es necesario

clientes que los artículos han sido diseñados de

enviar artículos a un centro de reciclado para

manera creativa a partir de productos usados,

separarlos. En lugar de eso, sólo tiene que usar la

llegando a un número de clientes que aprecien esta

creatividad para descubrir nuevas formas de

práctica. A menudo, el uso que tenía el producto

rediseñar e idear artículos.

con anterioridad resulta evidente, en lugar de ocultarlo, para jugar con el aspecto creativo.

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Cuando las personas suprareciclan, no sólo le dan una vida nueva al artículo, sino que también reducen el consumo de nuevas materias primas al crear productos novedosos. Reducir este consumo puede resultar en una disminución del consumo de energía, la contaminación, emisión de gases del efecto invernadero, etc. Además, de esta manera, las personas pueden reducir la cantidad de residuos que generan.

Upcycling está diseñado para funcionar en contra de la cultura de consumo, animando a la gente a pensar en maneras nuevas e innovadoras de utilizar los objetos, en lugar de comprar nuevos bienes de consumo. También beneficia al medio ambiente, promoviendo la reutilización frente al descarte siempre que sea posible.

Simple y llanamente, el upcycling tiene un impacto positivo en el medio ambiente, pero a veces es incluso mayor en las personas.

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Reconozco que cuando fundé Reestore y comencé con el suprareciclaje o upcycling, estaba centrado por completo en sus beneficios ambientales. Sin embargo, hace poco me he dado cuenta de que el proceso de elaboración, retoque y upcycling resulta muy beneficioso para muchos en términos de rehabilitación, problemas de salud mental y, por supuesto, en inspirar a la próxima generación de diseñadores e ingenieros.

Max McMurdo, emprendedor, fundador de Reestore, empresa de upcycling Participar en actividades artísticas y artesanales es tan gratificante como relajante. Resulta difícil, pero no tanto como para dejar a alguien exhausto mentalmente, lo que hace que sea perfecto para desestresarse. Por lo tanto, no es muy probable que sea una sorpresa que tenga una serie de beneficios para la salud. No hay muchas cosas que sean agradables y saludables a la vez, pero la artesanía y las manualidades forman parte de esas dos categorías. Un estudio acerca del tema concluye que ambas ayudan al bienestar emocional hasta un extremo que, una búsqueda de actividades más dinámicas, como el deporte, no tengan demasiado éxito especialmente entre la gente mayor. Las manualidades brindan una oportunidad para que las personas tomen parte en actividades que sean atractivas y agradables, que pueden ayudar a reducir el estrés. Hay ciertas actividades artísticas y artesanales que también ofrecen desafíos de matemáticas y geometría, y que ayudan al cerebro a mantenerse en forma. Las personas que realizan manualidades suelen desarrollar: Mejor coordinación Ya que la necesitamos los diversos sentidos para llevar a cabo actividades como pintar, recortar y coser; ejercitamos y desarrollamos la coordinación ojo-mano, percepción espacial y las habilidades motoras.

Mejor autoestima Cada ámbito del arte es una destreza específica y un talento, y puede mejorar esas habilidades practicando la que más disfrute. Con el tiempo, verá una mejoría apreciable en la calidad de sus obras terminadas y eso hará que aumente la autoestima. Terminar una obra de arte puede proporcionar una gran satisfacción, demostrando capacidad para gestionar la técnica y expresar la visión propia. La autoestima se basa en el reconocimiento de los logros propios y en la comprensión de sus consecuencias el resto de la vida. Si lo puede conseguir, también puede hacer otras cosas. El arte da la oportunidad de potenciar su crecimiento y contemplar la expresión externa de sus emociones en distintas etapas.

Pensamiento creativo El arte, la música y la danza son formas creativas de expresión que utilizan una parte distinta del cerebro. El proceso de reflexión creativa involucra al cerebro de diferentes maneras y produce distintas sustancias químicas cerebrales, mayores que el pensamiento lógico cotidiano. Es recomendable ejercitar al cerebro de esta manera. Cuando se es experto en la creatividad, se puede aplicar a los problemas para sugerir otras soluciones alternativas. En el arte no hay respuestas correctas e incorrectas, todo es subjetivo. Esto abre la mente a la creación y a la consideración de posibilidades alternativas. Ejercer el pensamiento creativo, en la búsqueda de actividades artísticas, mejora la salud mental y prepara al cerebro para hacer frente a los problemas cotidianos de formas nuevas y positivas.

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Se cree que cuando damos rienda suelta a nuestra creatividad, sentimos que vivimos de manera más plena que durante el resto de la vida. Sabemos que es posible hacer lo que tenemos que hacer, aunque sea difícil, y la noción del tiempo desaparece. En estos momentos, nos olvidamos de nosotros mismos y sentimos que somos parte de algo más. Esto se debe a que nuestro sistema nervioso sólo puede procesar cierta cantidad de información a la vez. Es por ello que no puede escuchar y entender a dos personas que le estén hablando al mismo tiempo. Así que cuando alguien empieza a crear, su existencia fuera de esa actividad se suspende temporalmente y no tiene suficiente atención como para controlar cómo se siente su cuerpo o los problemas en su hogar.

Los efectos del arte se asemejan a la meditación y a la ciencia; la meditación puede, entre otras cosas, reducir el estrés y combatir la inflamación. El movimiento constante de tejer, por ejemplo, activa el sistema nervioso parasimpático, que calma esas respuestas emocionales. Según los estudios, los pacientes podrían aprender a utilizar actividades como el dibujo o la pintura para despertar la circulación que ofrece una manera no farmacéutica de controlar las emociones fuertes como la ira o evitar pensamientos irracionales. La circulación podría ayudar potencialmente a los pacientes a mermar el daño interno.

Participar en actividades artísticas y artesanales puede ayudar a prevenir la depresión, ya que cubren al propio cerebro en «unas sustancias que nos hacen sentir bien» y crean una especie de vitamina mental. Los efectos del arte y las manualidades son más complejos que tomar antidepresivos y que activar varias zonas del cerebro, lo que significa que a veces pueden ser tan efectivos como las prescripciones médicas cuando se trata de luchar contra la enfermedad mental.

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LA BASURA DE UN HOMBRE ES ARTE RECICLADO PARA OTRO El movimiento upcycling es una tendencia creciente en arte de todo el mundo, desde el artista que crea un retrato a partir de la colocación estratégica de unos botones multicolores hasta el artesano que utiliza la madera de una mesa vieja para crear una silla nueva. Vamos a explorar el trabajo de cuatro artistas diferentes que hacen cosas increíbles con materiales reciclados.

Vik Muniz Vik Muniz es un artista y fotógrafo brasileño. Fue en este país donde, cuando era joven, se interesó por las artes. Después de que le pagaran por guardar silencio sobre un incidente en el que recibió un disparo en la pierna, viajo a la ciudad de Nueva York para comenzar una trayectoria creativa. Al principio se inició como escultor, comenzando su primera exposición en solitario en 1988. En esta época, empezó a experimentar con el dibujo y la fotografía, el último de los cuales se convertiría en su interés principal y le haría saltar a la fama. Combinó la escultura con la fotografía de una manera nunca vista hasta entonces. Vik incluye múltiples materiales poco comunes durante este proceso fotográfico. A menudo, trabajando en un conjunto, ha utilizado tierra, diamantes, azúcar, cuerdas, sirope de chocolate y basura para crear imágenes atrevidas, ingeniosas y a menudo embaucadoras, extraídas de las páginas del fotoperiodismo y de la historia del arte. Su trabajo ha recibido gran éxito tanto comercial

«Magna»,, Vik Muniz

como desde el mundo del arte, recibiendo buenas críticas y siendo exhibido en todo el mundo. .

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David Edgar El artista David Edgar procedente de Charlotte, Carolina del Norte, utiliza plástico reciclado para construir obras de arte escultóricas como lámparas, peces y cangrejos. Es probable que su trabajo más famoso sea una serie de figuras denominadas «Plastiquarium». La palabra describe una combinación del plástico post-consumo y aquarium. La idea de su arte surgió después de trabajar en una escultura prefabricada en acero durante 30 años cuando se mudó a Charlotte y montó un taller de soldadura en su casa. Todo comenzó cuando se dio cuenta de los materiales coloridos y útiles que había en los contenedores de reciclaje de los vecinos durante sus paseos matutinos por el vecindario. No pasó mucho tiempo antes de que «Plastiquarium» cobrara vida, que consiste en distintas figuras con forma de pez, medusa y rostros humanos hechas de botellas de detergente recicladas. Cada figura tiene un nombre diferente, desde «Barb-Tailed Electra» hasta «Pink-Eyed Terror». La mayoría de los materiales en sus figuras son botellas de detergente recicladas que proceden de los contenedores de reciclado en su vecindario. Trabaja con el plástico al cortarlo, remodelarlo y unirlo con piezas distintas, sin añadir colores nuevos o pintura. Según él mismo declara, sus obras estuvieron influenciadas por la tradición del siglo XX del ensamblado con objetos, que consiste en recoger objetos que por lo general no se consideran arte y recrearlos en él. Aunque sentía que su anterior trabajo en la escultura de acero fabricado se basó en el intelecto académico, trabajando en «Plastiquarium» se centra en una creatividad y estética única.

«Freddy» de David Edgar

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Jane Perkins Antes de comenzar su carrera en las artes, Jane Perkins fue enfermera durante 17 años, y a continuación ama de casa durante 10 años más. No fue hasta que comenzó a estudiar diseño textil en el Somerset College of Arts and Technology en 2006 cuando se dio cuenta de lo mucho que le gustaba trabajar con materiales reciclados y, desde 2008, ha estado trabajando exclusivamente en esa misma línea.

Jane concibe el arte reciclado como un desafío entretenido. Disfruta sobre todo con las sorpresas inesperadas que descubre mientras obtiene inspiración de objetos que encuentra en los centros de reciclaje y las chatarrerías. Hoy en día, sin embargo, busca muchos menos objetos para utilizar en sus obras, una vez que sus vecinos descubrieron lo que hacía, comenzaron a dejar bolsas de cosas no deseadas en su puerta.

«Reina Isabel II» de Jane Perkins

Aurora Robson Aurora Robson es una artista canadiense-estadounidense que trabaja en esculturas, montajes, pintura y collage centrándose en temas relacionados con el medioambiente.

Aurora Robson nació en Toronto, Canadá, en 1972, pero creció en Hawái y ha vivido durante 20 años en Nueva York.

Tiene una Licenciatura en Arte Visual e Historia del Arte por la Universidad de Columbia y el certificado en soldadura estructural. Robson utiliza la basura del día a día como las botellas de plástico desechadas y propaganda postal para crear esculturas, montajes y collages enrevesados. Aurora Robson calcula que hasta el momento ha recuperado unas treinta mil botellas de plástico, evitando que acaben en vertederos, océanos o en un sistema costoso de reciclado. Al parecer, con este material frío e inflexible, es capaz de crear esculturas y montajes magistrales que se asemejan a la vida marina y el espacio. Además de sus obras tridimensionales, también trabaja en collages utilizando su propia

«Todo a la vez, para siempre» de Aurora Robson

propaganda postal como técnica. .

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EXHIBIENDO EL PODER DEL ARTE Una vez que alguien comienza a mostrar un gran interés y disfruta a fondo en el proceso de creación, es el momento de considerar al arte con un fin específico. Hace poco, ha habido varias ferias y espacios de exposición para presentar el arte de las personas con problemas de salud mental y apoyarlos a llevar su arte a un nuevo nivel. Tal exhibición también es una nueva oportunidad para presentar a dichos artistas de forma positiva y romper con los prejuicios actuales

En el verano de 2017, el Instituto de Salud Mental de Nottingham organizó una exposición llamada «Aquí y Ahora». Fue la novena exposición inaugurada, realizada en asociación con City Arts Nottingham, que mostraba el trabajo de 33 artistas de todo el Reino Unido y abarcaba desde personas con experiencia personal en cuestiones de salud mental hasta artistas inspirados en el tema, al igual que profesionales de la salud mental. Sus obras de arte son intrigantes y diversas, capturan momentos únicos que tocan nuestras consciencias.

Detalle de «Sin título (41)», 2017 de Phil Robinson

Los socios del proyecto Artcycling Coop también organizan espacios de exposición a nivel local para mostrar sus creaciones a tanta gente como sea posible.

Por ejemplo, en el verano de 2017, el equipo de artcyclers o artistas de la Fundación INTRAS organizó una jornada de puertas abiertas en el centro de día para personas con enfermedad mental en Toro (Zamora, España). Fue una fiesta para el equipo antes de las vacaciones de verano y también una oportunidad para compartir su trabajo con toda la ciudad. Una gran fiesta para celebrar el verano, el arte y la creatividad. Las creaciones artísticas realizadas por los artcyclers (alfombras de tejidos reciclados, cerámica, jardines verticales, fundas de sofá hechas de pantalones vaqueros, etc.) se mostraron al público en general y los propios artistas se encargaron de explicarlas: qué querían expresar, cómo lo hicieron, qué materiales utilizaron, etc.

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Otro sitio ideal para observar obras de arte, de artistas con problemas de salud mental, es la Outsider Gallery en Londres, una galería de arte dedicada, de manera exclusiva, al tema de la salud mental. Fue fundada por el artista Ben Wakeling y el musicoterapeuta Jon Hall. La galería funciona de la siguiente manera, ofrece sesiones de musicoterapia y arteterapia, en las que las personas con problemas de salud mental pueden crear arte y trabajo a través de la enfermedad, y luego mostrarlo. Todo lo que está expuesto en la galería ha sido creado por personas con enfermedad mental. Los médicos pueden remitir a los pacientes al programa y estos eligen si desean recibir ayuda mediante musicoterapia o arteterapia. La primera implica improvisación, composición de canciones, grabación y creación de un video musical para ayudar a los pacientes a ganar confianza y volver a la normalidad después de permanecer en el hospital. Las sesiones de arte permiten a los mencionados crear su propia obra de arte y analizar los problemas durante el proceso, con las piezas creadas, bien expuestas en la galería o funcionando como obras de arte en las portadas de los discos creados en las sesiones de musicoterapia.

Imagen de Molly Manning Walker, Outsider Gallery

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FIESTA DE LAS ARTES Y LA SALUD MENTAL Hay varios festivales conocidos de las artes y la salud mental que tienen lugar en todo el mundo. Al relacionarse con artistas y conectar con las comunidades, celebran los logros artísticos de las personas con algún tipo de problema de salud mental, exploran la relación entre creatividad y mente, reducen el estigma, cambian las percepciones que hay sobre la salud mental y promueven el bienestar. A continuación, se enumeran algunos de los más famosos.

Festival The Big Anxiety El festival The Big Anxiety, una iniciativa de la Universidad de Nueva Gales del Sur con una duración de siete semanas en Sídney, no solo intenta hacer que la gente hable sobre la salud mental, sino también que alivie parte del dolor que los acompaña. Uno de los mayores festivales de las artes y la salud mental en el mundo presenta a artistas y científicos de toda Australia y a nivel internacional, presentando más de 60 eventos, que incluyen instalaciones de arte relajante y charlas, y gira en torno a cinco temas principales: • Awkward Conversations, estudia la manera en que nos comunicamos, sobre todo cuando se trata de temas difíciles como el suicidio y la ansiedad.

• Lived Experiences, examina los problemas de la vida como el trauma, pérdida, recuperación y esperanza mediante la creatividad y vulnerabilidad.

- NeurodiverseCity, festeja la diversidad de la mente al preguntar por qué la diferencia provoca ansiedad y estigmatización.

«Descansando bajo las nubes dentro de la Snoosfera».

Fotografía de Steven Siewert; Bridging Hope Charity Foundation

• Power, Politics and Institutions, investiga la creciente lucha por mantener la salud mental en

que el arte tiene una gran repercusión cuando

nuestra sociedad dinámica e hiperconectada y el

hablamos de salud mental. No es solo una

papel que juegan las instituciones en perpetuar la

distracción, hay evidencias de que tiene un

enfermedad.

impacto en el estado de ánimo y el bienestar». Esta

Mood Experiments, descubre la forma en que el

conexión es «algo que no tendemos a aprovechar,

medio ambiente puede influir de manera drástica

por lo que queríamos crear algo nuevo en el

en la forma en que conocemos el mundo.

panorama cultural».

El festival es una idea original de la catedrática Jill

Este año el festival tendrá lugar del 2 de

Bennet, que decidió que «hay muchas pruebas de

septiembre al 11 de noviembre.

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Festival Scottish Mental Health Arts El festival Scottish Mental Health Arts es un programa anual de teatro, cine, música, comedia y arte visual de algunos de los artistas más fascinantes de Escocia y de todo el mundo, y que abarca más de 300 eventos y 17 zonas de Escocia.

Comenzó en 2007 como un evento a pequeña escala con la idea de utilizar las artes para reducir el estigma y desafiar los prejuicios que rodean a la salud mental. «Cuando se trata de cambiar la mente de las personas acerca de algo, una buena película, obra o pieza musical puede ser mucho más efectiva que una campaña de publicidad, porque tiene una historia humana con la que la gente puede relacionarse». Andrew Eaton-Lewis, protagonista de las artes de la Mental Health Foundation dijo que «es un festival comunitario en el corazón y esta comunidad es una que está presente por toda Escocia y por el resto del mundo».

Cada año, el festival elige una palabra única como tema central para que artistas, activistas y organizaciones comunitarias respondan y participen. Este año, los coordinadores del festival han votado por la palabra «reclamar», para reflejar, por ejemplo, la manera en que las personas reclaman su lugar en la sociedad después de un periodo de trastorno mental. Sin embargo, está abierta a interpretación, con algunos artistas optando a reclamar espacios y lenguas.

El festival anual tiene lugar en toda Escocia del 10 al 29 de octubre, en cual hay más de 300 eventos y 25 000 asistentes. Su enfoque innovador combina eventos artísticos de alta calidad con una programación llevada a cabo por la comunidad y una agenda de justicia social que se ha repetido a nivel internacional.

Los objetivos principales de este festival son desafiar las percepciones, establecer conexiones, llegar al público y fomentar la participación.

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Fes-Map, Festival de Arte y Salud Mental de los Pirineos Fes-map es parte de una red de festivales cada vez mayor que busca aunar esfuerzos para erradicar los estigmas relacionados con la salud mental a través de proyectos artísticos. Su principal objetivo es ser un marco y una plataforma para los artistas, cineastas, asociaciones e investigadores en la lucha para erradicar el estigma que sufren, en la sociedad, las personas afectadas con problemas de salud mental. Al mismo tiempo, busca internacionalizar las iniciativas locales y presentar propuestas mundiales a los territorios lejos de las grandes ciudades.

El festival tiene lugar entre octubre y noviembre, coincidiendo con el festival amigo de Scottish Mental Health Arts and Film, que colabora cada año con Fesmap. La sede se encuentre en Ayerbe y Huesca y desarrolla actividades en otros lugares del Pirineo Navarro-Aragonés como Abizanda y Pamplona.

El año pasado, el festival tuvo lugar entre el 15 de septiembre y el 31 de noviembre, con más de 60 actividades que tuvieron lugar en diferentes lugares de los Pirineos, desde San Sebastián a Girona, pasando por Pamplona, Ejea, Ayerbe, Huesca, Jaca, Monzón, Sabiñánigo, Zaragoza y Lleida.

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