FFF2014 catalogo italiano/english by Future Film Festival

CON IL SOSTEGNO DI

CON IL PATROCINIO DI

IN COLLABORAZIONE CON

INDICE INDEX

INTRO

IN COMPETITION FILMS PLATINUM GRAND PRIZE

OUT OF COMPETITION FILMS PREMIERE

FUTURE FILM SHORT

INTRO Istituzioni Authorities 7 Futuropolis 11 Flying Man 15

PLATINUM GRAND PRIZE IN COMPETITION FILMS Platinum Grand Prize 2014: La giuria The Jury 17 Asphalt Watches 18 Aunt Hilda! 19 Aya of Yop City 20 Cheatin’ 21 The Fake 22 Jasmine 23 My Mommy Is in America and She Met Buffalo Bill 24 Rio 2096: A Story of Love and Fury 25 Short Peace 26 PREMIERE OUT OF COMPETITION FILMS Gatchaman 28 Goool! 29 It’s Such a Beautiful Day 30 Marco Macaco 31 McDull: The Pork of Music 32 Rio 2 33 The Wind Rises 34 FUTURE FILM SHORT La giuria The Jury 35 Future Film Short 2014 36

INDEX INDICE

SPECIAL EVENTS EVENTI SPECIALI

FOCUS ON

EVENTI SPECIALI SPECIAL EVENTS Dietro le quinte di Rio 2 45 Making of Rio 2 Walt Disney e l’Italia: Una storia d’amore 48 Walt Disney & Italy: A Love Story Il metacinema di Guido Manuli. Hitch Happy Hour 52 The Meta-Cinema of Guido Manuli. Hitch Happy Hour La mia vita 24 frames al secondo 56 My life 24fps Mad Entertainment: L’Arte della Felicità 60 Mad Entertainment: The Art of Happiness Drawing{a}live 64 Bottega Finzioni: 12 ore per creare un mondo 66 Bottega Finzioni: 12 Hours to Create a World FOCUS ON FFKIDS Fare TV con Mario Lodi Fare TV with Mario Lodi

FOCUS ON FRANCO LA POLLA AWARD Premio Franco La Polla 2014 70 Franco La Polla Award 2014 FOCUS ON FUTUROPOLIS Future Film Skyline 72 La città materiale 76 The material city La tua città del futuro 78 Your City of the Future Futuropolis 80

16° FUTURE FILM FESTIVAL

Festival Internazionale di Cinema, Animazione e Nuove Tecnologie International Festival of Cinema, Animation and New Technologies

Bologna, 1 – 6 aprile 2014

Cinema Lumière - Cineteca di Bologna piazzetta Pier Paolo Pasolini 2/b Cinema Capitol - via Milazzo 1 Cinema Odeon - via Mascarella 3 Cinema Galliera - via Matteotti 27 Cortile della Fondazione Cineteca di Bologna piazzetta Pier Paolo Pasolini 2/b Sala Cervi - Cineteca di Bologna - via Riva di Reno 72 Qubò - via Sampieri 3 Laboratori delle Arti - piazzetta Pier Paolo Pasolini 5/b Biblioteca Salaborsa - piazza del Nettuno 3 MAMbo - Museo d’Arte Moderna di Bologna via Don Minzoni 14 Bottega Finzioni - via delle Lame 114 Vanilia & Comics - via del Pratello 100 Fondazione del Monte - via delle Donzelle 2 Official Website: futurefilmfestival.org Future Film Festival è anche su Facebook, Twitter, Vimeo, YouTube, Instagram e Pinterest: seguici! Direttori: Giulietta Fara, Oscar Cosulich Collaboratori al programma: Luca Della Casa, Carlo Tagliazucca Curatore evento Archeologia del futuro: Mario Serenellini FFF2014 Character: Flying Man by Studio Croma Amministrazione: Rossella Rusi Responsabile Segreteria Organizzativa: Francesca Calafiore Responsabile tecnico e movimentazione pellicole: Carlo Tagliazucca Coordinamento Allestimenti: Francesca Calafiore Responsabile Allestimenti: Simone Aiello Coordinamento volontari: Nicola di Battista Responsabile biglietteria: Marta Massini Coordinamento programmazione: Carlo Tagliazucca Ufficio Accrediti: Elisa Bologna Ufficio Ospitalità: Giacomo Totani Fotografo Ufficiale: Alessandro Ruggeri Web Site: Alberto Balducci Ufficio Stampa: Gabriele Barcaro Responsabile comunicazione web: Letizia Mosconi Art Director: Mauro Luccarini Collaborazione al fund raising: Arcangelo Riganò Sottotitoli: AIKAPRO – immagini e parole Sigla Ufficiale del Future Film Festival: Studio Croma Service antipirateria: Cine Stat srl Laboratori Future Film Kids: Claudio Giapponesi, Luca Magi, Libreria Trame

Board of Honour: Bruno Bozzetto Joe Cornish Leslie Iwerks Bill Laswell Peter Lord Ikue Mori Bill Plympton Bruce Sterling Hanno collaborato alla realizzazione degli eventi speciali e dei focus: Evento Dietro le quinte di Rio 2: Carlos Saldanha, Cristina Partenza, Rosa Esposito, Francesco Marchetti, Osvaldo De Santis, 20th Century Fox Evento Walt Disney: Fabiola Bertinotti, Vera Capraro, Silvia Gobbi, Lia Gotti, Davide Romani, Ludovica Marinelli, Stefano Bethlen,Walt Disney Italia; Evento Archeologia del Futuro: Il metacinema di Guido Manuli: Mario Serenellini, Guido Manuli Evento La mia vita 24 frames al secondo: Alvise Avati, Cinesite Evento Mad Entertainment: L’Arte della Felicità: Alessandro Rak, Luciano Stella, Paola Tortora, Maria Carolina Terzi, Flavia Borzacchiello Evento Drawing{a}live: Fupete, Gianni Sinni, Università degli Studi di San Marino Evento Bottega Finzioni: 12 ore per creare un mondo: Mario Bellina, Bottega Finzioni Evento Futuropolis VS Metropolis Party: Mattia Ferragina, Valerio Pappalardo, Jakewalkers Society Focus on Futuropolis: Francesco Di Sanzo, Yamato Video; Claudio Trionfera, Medusa Film; Focus on Future Film Skyline: Daniele Vincenzi, Ordine Architetti Bologna Focus on Futuropolis – La città materiale: Luca Vandini, Elena Vincenzi, Vincenzo Valentino Ventura, Annalaura Ciampi, Architetti di Strada, Giovanni Ginocchioni, Urban Center Bologna Focus on Futuropolis Kids: Architetti di Strada Focus on Future Film Kids: Stefano Bessoni, Fupete, Cosetta Lodi, Carlo Ridolfi, Casa delle Arti e del Gioco Focus on Premio Franco La Polla 2014: Silvia Albertazzi, Michele Fadda, Leonardo Gandini, Susanna La Polla, Giacomo Manzoli, Roy Menarini, Massimiliano Spanu, Enrico Terrone, Università degli Studi di Bologna, Cineforum Evento Speciale Webseries: Silvia Primavera, Silvia Diaconale, Barbara Di Bello, Luigi Macallini, BNL Gruppo PNB Paribas, Ivan Cotroneo Evento My Mommy is in America: Caterina Marietti, Michele Foschini, Bao Publishing Future Film Short: Provincia di Bologna; tutti gli autori, le case di produzione e i distributori che hanno iscritto le opere da tutto il mondo.

Hanno collaborato alla realizzazione delle anteprime in concorso e fuori concorso: Anteprima Asphalt Watches: Seth Scriver, Shayne Ehman, Delusional Brothers Inc. Anteprima Aunt Hilda!: Claire Thibault, Zelda Camilleri, The Festival Agency Anteprima Aya of Yop City: Claire Thibault, Zelda Camilleri, The Festival Agency Anteprima Cheatin’: Bill Plympton, John Holderried, Plymptoon Studio Anteprima The Fake: Namyoung Kim, Youngjoo Suh, Finecut Co., Ltd. Anteprima Jasmine: Annie Toussaint, Virginie Millet, Les Films du Tambour de Soie Anteprima My Mommy is in America: Claire Thibault, Zelda Camilleri, The Festival Agency Anteprima Rio 2096: A Story of Love and Fury: Eleonora Loiacono, Petra Candelas, GA&A Productions Anteprima Short Peace: Atsushi Saito, Kanako Miyamoto, Ayumi Onodera, Dentsu Tec Inc. Anteprima Gatchaman: Tzeling Huang, Nippon Television Network Corporation Anteprima Goool!: Paola Menzaghi, Morris Forlin, Sara Sacchi, Frida Romani, Umberto Bettini, Koch Media Anteprima It’s Such a Beautiful Day: Don Hertsfeldt, Andrew, Bitter Films Anteprima Marco Macaco: Iben Julia Ingemann Sørensen, Danish Film Institute Anteprima McDull: The Pork of Music: Scorpio, Brian Tse, Bliss Concepts Ltd. Anteprima Rio 2: Cristina Partenza, Rosa Esposito, Francesco Marchetti, Osvaldo De Santis, 20th Century Fox Anteprima The Wind Rises: Lucky Red Per l’opera originale del FFF2014 Flying Man si ringraziano Guglielmo Trautvetter, Matteo Burani e Giacomo Giuliato dello Studio Croma Un ringraziamento particolare a tutte le maschere e ai volontari che prestano servizio al FFF. Si ringraziano per la preziosa collaborazione: Kenjiro Abe, Eugenia Angelini, Dede Auregli, Architetti di Strada, Gianluca Baldoni, Mariapia Baraldi, Alberto Barbera, Andrea Baricordi, Giuliano Barigazzi, Guido Bartorelli, Giorgia Bellentani, Claudia Belluzzi, Erika Belluzzi, Matteo Boscarol, Roberto Bosi, Bruno Bozzetto, Davide Bracco, Simona Brighetti, Roberto Calari, Duccio Campagnoli, Giovanni Campus, Elena Canzoni, Vincenzo Cappelletti, Valerio Caprara, Marina Caprioli, Cristiana Caimmi, Silvia Canini, Gualtiero Cannarsi, Cristina Casati, Enzo Chiarullo, Carlo Citro, Carlo Colliva, Cheti Corsini, Giorgio Costantini, Gianni Cottafavi, Giuseppe De Biasi, Laura Delli Colli, Ivano Dionigi, Dario Franceschini, Michael Dumontier, Pablo Echaurren, Nicoletta Elmi Vasco Errani, Gian Luca Farinelli, Mauro Felicori, Titta Fiore, Tiziana Fresi, Maria Pia Fusco, Pier Giorgio Giannelli, Vincenzo Gioanola, Mike Giuliani, Goldmine Factory, Christian Ghisellini, Giovanni Ginocchini, Alessandro Greco, Maria Cristina

Iaselli, Igers Bologna, Incontri Cinematografici Stresa, Istituto Giapponese di Cultura in Roma, Sumiko Kawanishi, Giuseppina La Face, Elena Lazzarini, Simona Lembi, Gianpaolo Letta, Luigi Lonigro, Enrico Lucherini, Nicoletta Maffini, Nicoletta Maldini, Ersilia Mandarà, Teresa Marchesi, Francesca Marchetti, Francesco Marchetti, Chiara Marzaduri, Fumo Matsunaga, Mauro Mazzali, Alessandro Mendini, Virginio Merola, Massimo Mezzetti, Marco Mingozzi, Paola Minoliti, Andrea Morini, Elisa Muratori, Tiziana Nanni, Nicholas Negroponte, Hiroshi Omori, Lorenzo Ornaghi, Maria Teresa Pantone, Annalisa Paolicchi, Edlin Paolone, Alfonso Papa, Paola Papi, Gianfranco Parenti, Daniele Passarini, Luca Pelusi, Raffaello Pierucci, Alex Pinna, Jessica Poce, Francesco Polieri, Silvia Pompei, Maura Pozzati, Anna Rabeyroux, Giuliana Ragusa, Vanna Ravazzoli, Stefano Rebollini, Adriano Reginelli, Antonio Rezza, Antonio Riello, Pier Giorgio Righi, Simonetta Robiony, Fabio Rodda, Sara Rognoni, Alberto Ronchi, Tiziana Roversi, Fabio Roversi Monaco, Ruben Sacerdoti, Federico Santolini, Sara Sasi, Atsuko Sato, Cristina Scognamillo, Maria Scoglio, Giovanni Sedioli, Giovanni Serra Zanetti, Leone Sibani, Tommaso Simili, Luca Soldati, Massimo Soumaré, Studio Croma, Superdeux, Studioazue, Riccardo Tinnirello, Timoteo Tommasini, Giancarlo Tonelli, Torino Film Festival, Maria Elisa Traldi, Guglielmo Trautvetter, Claudio Trionfera, Maria Cristina Turci, Maria Teresa Ugolini, Chicca Ungaro, Luca Valtorta, Vanilia & Comics, Riccardo Vastola, Daniele Vincenzi, Francesco Volta, Xue Yao. Si ringrazia Sercom Ser Data Bologna. Si ringraziano tutti i sostenitori del 16° FFF e in particolare chi ha dato il suo sostegno prima della chiusura del catalogo Digital Supporter: Alessandro Galatioto Cristian Loschi Loredana Mendicino Cesare Molin Catia Nicoli Andrea Pirondini 4D Supporter: Franco Basso Cesare Cioni Luisa Costa Roberto Maurizzi Paola Pallottino

Catalogo Future Film Festival 2014 Festival Internazionale di Cinema, Animazione e Nuove Tecnologie International Festival of Cinema, Animation and New Technologies

A cura di: Giulietta Fara, Oscar Cosulich Chief Editor: Luca Della Casa Redazione: Giulia Taurino Progetto e impaginazione: Mauro Luccarini Traduzioni: Allison Grimaldi Donahue Con il gentile contributo di: Silvia Albertazzi, Alvise Avati, Architetti di Strada, Mario Bellina, Oscar Cosulich, Giulietta Fara, Fupete, Guido Manuli, Alessandro Rak, Carlos Saldanha, Mario Serenellini, Daniele Vincenzi In copertina: Flying Man by Studio Croma Foto di Alessandro Ruggeri In quarta di copertina: The Wind Rises ©2014 Nibariki - GNDHDDTK Direzione Future Film Festival: via Pietralata, 65/2 – 40122 Bologna, Italy Tel: +39 051 2960664 Fax: +39 051 6567133 e-mail: ffinfo@futurefilmfestival.org Future Film Festival è un’iniziativa di Associazione Amici del Future Film Festival via Pietralata 65/2, 40122 Bologna, Italy Tel: +39 051 2960672 Presidente: Massimo Ferrarini

Il marchio e il logo del Future Film Festival sono ® di Associazione Amici del Future Film Festival. I testi sono ® degli autori. Le immagini sono © dei produttori, secondo quanto indicato nelle rispettive didascalie.

Le immagini in catalogo sono © dei produttori, secondo quanto indicato nelle rispettive didascalie, a meno che non sia stato diversamente indicato. Anteprime in concorso: Asphalt Watches ©2013 Delusional Brothers Inc.; Aunt Hilda! ©Folimage/Melusine Production/France 3 Cinema/ Rhone-Alpes Cinema/SND; Aya of Yop City ©2012 Autochenille Production - TF1 Droits Audiovisuels; Cheatin’ ©2013 Bill Plympton; The Fake ©2013 Next Eentertainment World Inc. & Studio Dadashow; Jasmine ©2013 Alain Ughetto; My Mommy is in America and She Met Buffalo Bill ©Label Anim - Studiocanal - Mélusine Productions - MMXIII; Rio 2096 - A Story of Love and Fury ©2013 Buriti Film/Gullane; Short Peace ©Short Peace Committee Anteprime fuori concorso: Gatchaman ©Tatsunoko Production/2013 Gatchaman Film Partners; Goool! ©2013 100 Bares Producciones/ Catmandú Entertainment/Plural Jempsa; It’s Such a Beautiful Day ©2012 Bitter Films; Marco Macaco ©2012 Nice Ninja ApS; McDull: The Pork of Music © 2012 Bliss Concepts Ltd.; Rio 2 ©2014 20th Century Fox; The Wind Rises ©2014 Nibariki - GNDHDDTK

Arrivato alla sua 16a edizione, il Future Film Festival è ormai un appuntamento per la città di Bologna, un’iniziativa unica nel suo genere in Italia, che ogni anno analizza le innovazioni del cinema e del digitale, in una carrellata di proiezioni e incontri con autori e tecnici degli effetti speciali attesa non solo da un pubblico di specialisti e appassionati, ma anche e soprattutto da famiglie e ragazzi. Nato nel 1999 e diventato il primo e più importante contesto in Italia dedicato alle tecnologie applicate all’animazione, al cinema, ai videogame e ai new media, il Future Film Festival ha reso Bologna una delle città italiane più importanti nel campo dell’animazione cinematografica tradizionale e digitale, ma anche centro di interessi e di scambi professionali a livello internazionale. Proprio per questo il tema portante di quest’anno, “Futuropolis”, è particolarmente interessante, in un epoca di cambiamenti strutturali del tessuto urbano e sociale della nostra città metropolitana: come saranno le città del futuro e come le rappresenta il cinema? In quest’ottica il FFF ha coinvolto i più importanti studi d’architettura di Bologna nell’iniziativa Future Film Skyline, aprendone le porte e svelando come si sviluppa l’innovazione architettonica, a partire da un’idea creativa come può essere quella contenuta in un film. La riflessione sulla città del futuro vede coinvolti anche gli Architetti di Strada, l’inaugurazione del nuovo Mercato di Mezzo, l’Urban Center di Bologna e un incontro aperto dedicato alle pratiche per una città sostenibile. A tutto questo si aggiungono le numerose anteprime cinematografiche e i concorsi internazionali di lungometraggi e cortometraggi, a cui ogni anno aderiscono autori e produttori provenienti da ogni nazione: un Festival da seguire con grande divertimento.

The 16 th edition of the Future Film Festival has arrived. By now it is a fixed appointment for the city of Bologna, a unique event in all of Italy, which each year, presents the latest innovations in cinema and digital technology, with an array of screenings and conferences with directors and special effects technicians and not only for a public of specialists or aficionados but above all for families and children. Established in 1999 the Future Film Festival was the first of its kind in Italy and it is the most important today in the fields of both traditional and digital animation. In addition to this it is also an international center for professionals to exchange ideas and innovations. It is precisely for this reason that this year’s theme, “Futuropolis” is particularly interesting; in an era in which the very fabric and structure of urban and social life is changing in our metropolitan city: we ask how cities will be in the future and how they will be represented in cinema. It is from this point of view that FFF has involved some of the most important architectural scholars in Bologna in the Future Film Skyline initiative; opening the doors to new ideas and revealing how architectural developments are made, starting from a creative notion not unlike content of a film. The reflection on the city of the future also involves the group Architetti di Strada, the opening of the new Mercato di Mezzo, Urban Center of Bologna and an open conference dedicated to practices for increased sustainability in the city. To all of this we can add innumerable film premiers and international competitions for both full-length films and short-films, all of which involve directors and producers from a wide array of nations: this is a festival that will be great fun to follow.

Virginio Merola Sindaco di Bologna

Virginio Merola Mayor of Bologna

Negli ultimi decenni il nome della città di Bologna si è andato fortemente caratterizzando a livello internazionale per le preziose attività riguardanti il cinema, a cominciare dalla presenza e dal ruolo svolto dalla Fondazione Cineteca. Tra gli appuntamenti più significativi figura senz’altro il Future Film Festival che, giunto alla XVI edizione, denota una caratterizzazione forte che lo rende unico nel panorama dei festival cinematografici italiani e non solo. Una “mission” incentrata sull’orientare il proprio cartellone verso le connessioni tra le più aggiornate opportunità tecnologiche e le modalità narrative, con una specifica attenzione nei confronti del cinema di animazione e dei new media. Tale specificità ha proiettato il Festival, nato e cresciuto nel nostro territorio, nel vasto panorama internazionale di appuntamenti dedicati al cinema, con un “filo rosso” su un tema guida che si rinnova di anno in anno e rafforza l’identità del “Future”, come viene amichevolmente chiamato ormai da tutti. Per il 2014 il Future Film Festival presenta il tema Futuropolis. Le città (e il cinema) del futuro, argomento di ampia portata che appare davvero affascinante. Si può dire che da sempre il cinema abbia stretto rapporti con l’ambito cittadino, sia per quanto riguarda l’ambientazione dei film – e alcuni generi in particolare non sarebbero neanche pensabili al di fuori della città o della metropoli, basti pensare, per esempio, al noir –, sia per quanto concerne la proiezione utopistica, fantastica, proiettata al futuro. Ancora una volta saremo guidati nel Festival attraverso la suddivisione in sezioni: le anteprime, attraverso cui potremo vedere le novità e le più aggiornate tecnologie utilizzate nelle cinematografie di tutto il mondo; i film in concorso, sui quali fatalmente viene catalizzata l’attenzione; i film fuori concorso. Dato il tema, ci sarà spazio anche per incontri di taglio urbanistico-architettonico, grazie ai quali si potrà riflettere sul rapporto tra architettura e cinema, sulle diverse forme di visioni, tra realtà possibili e progettualità: discussioni quanto mai attuali, anche in previsione della prossima trasformazione di Bologna in città metropolitana, dimensione che il Future Film Festival, con i suoi scenari in perenne divenire, ha ampiamente contributo ad anticipare, in questi sedici stimolanti anni visivi. Giuseppe De Biasi Assessore alla Cultura, Istruzione, Formazione, Lavoro Provincia di Bologna

Over the past decades the city of Bologna has become very well known internationally for its many precious cinema treasures, its many film related activities and the lively presence of the Fondazione Cineteca. Among these very important events there is, without a doubt, the Future Film Festival, now in its 16th edition. It is unique among Italian and international cinema events. It has a direct mission to make connections between the most up to date technologies and ways of telling stories, with particular attention to animation and new media. Something specific about the festival, which was created here in our region, that distinguishes it among the many other festivals dedicated to film of many kinds around the world, is that each year it is guided by a unique idea: the Future, the festival’s nickname. For 2014 the Future Film Festival introduces the title Futuropolis. Cities and Cinema of the Future. It is a far-reaching topic and has been fascinating to elaborate in this edition’s programming. On the other hand, you can say that cinema has always had a strong relationship with public life, whether that has to do with a film’s setting - among which there are films that wouldn’t even be imaginable outside of the city or metropolitan area, just think of noirs for example. This relationship is also reflected in the notion of utopian or fantastic films directed to the future. Once again we will be guided through the subdivisions of the sections: premiers, thanks to which we can see the latest films and the most up to date technology used by cinematographers from various countries. Then the films in competition, which draw a great deal of attention and then the films not in competition. Given the theme, there will certainly also be space for conferences dedicated to topics in urban planning and architecture. These conversations will also encourage reflection about the relationship between architecture and cinema, diverse forms of vision, between possible and projected realities, timely discussions, vital to the future of Bologna as a metropolitan city. A city made for the Future Film Festival, with its constant flux, which has amply contributed to and developed urban life over these stimulating sixteen years of visions. Giuseppe De Biasi Council Member for Culture, Education, Development, Work Province of Bologna

Ciò che maggiormente affascina della fantascienza è quel mix tra dati scientifici e profezie visionarie che investe l’umanità di potere e – perché no? – di presunzione nei confronti dell’Universo. È il suo essere contemporaneamente passato e futuro, grazie al collegamento con un presente tangibile, in cui tutti noi viviamo ogni giorno. Quando il cinema da utopia è divenuto realtà è stato in grado di donarci capolavori senza tempo, quali – e solo per citarne alcuni – Metropolis di Fritz Lang, Fahrenheit 451 di François Truffaut e Blade Runner di Ridley Scott, in cui le persone sono indissolubilmente legate alla città e all’ambiente in cui esistono e si muovono. Una nuova forma di pensiero e coscienza negli ultimi anni sta generando il bisogno di trasformare gli spazi in luoghi ideali in cui vivere, assegnando altre priorità da costruire e seguire. L’era industriale sta cedendo il posto a quella ambientale, e questo cambiamento in atto è destinato a intrecciare, in modo sempre più rilevante, i valori e le competenze che animano l’Ecologia e la Cultura. “Futuropolis”, confermando l’obiettivo del Future Film Festival di precorrere innovazioni e tendenze, è il tema portante di questa edizione, facendosi portavoce del bisogno di confronto sul domani delle città e delle nostre vite, e ci rende particolarmente orgogliosi vedere Bologna al centro di questa importante riflessione.

The most fascinating element of science fiction is the mix between scientific facts and visions of the future that grant humans power and – why not? – some arrogance, in dealing with the universe. It is its ability to be simultaneously in the past and the future, thanks to its links with the tangible present, in which all of us live. When utopian film became reality it was able to give us masterpieces outside of time, among which - only to name a few - Metropolis by Fritz Lang, Fahrenheit 451 by François Truffaut and Blade Runner by Ridley Scott, films in which the characters are undoubtedly linked to the cities and environments where they live and move. A new way of thinking and reflecting over the past years has created the need to transform spaces into ideal places to live, assigned new priorities to follow and build upon. The industrial era is giving way to an environmental era, and this act is destined to meet, in extremely relevant ways, the values and capabilities that inspire Ecology and Culture. “Futuropolis,” confirms this goal of anticipating innovation and the trends found in the Future Film Festival. The theme of this year’s edition asks much needed questions about the cities of tomorrow and the future of our lives. It makes us particularly proud to see Bologna at the center of this very important reflection.

Massimo Mezzetti Assessore Cultura, Sport Regione Emilia-Romagna

Massimo Mezzetti Council for Culture and Sport Emilia-Romagna Region

L’Associazione Amici del Future Film Festival con la XVI Edizione del Future Film Festival vi porta a Futuropolis, le città e il cinema del futuro. Cinema e Architettura insieme per raccontare non solo come sono state rappresentate sul grande schermo le città del futuro, ma anche per mostrare come, in alcuni film, l’innovazione architettonica sia un elemento distintivo e di grande interesse. Il tutto in un’ottica di confronto e riflessione anche sul tema dell’ecosostenibilità. Innovazione, tecnica, sperimentazione e coinvolgimento attivo della cittadinanza sono solo alcuni degli elementi che rendono il Future Film Festival il primo e più importante evento in Italia dedicato alle tecnologie applicate all’animazione, al cinema, al videogame e ai new media. Anteprime italiane e ospiti internazionali confermano per il 16° anno il FFF come osservatorio irrinunciabile sulle novità della settima arte: Carlos Saldanha con Rio 2 – Missione Amazzonia e il maestro Miyazaki con Si alza il vento sono fra le anteprime più attese di questa edizione. Bologna si conferma città del futuro, centro vitale di innovazione e attività culturali nonché capitale italiana del cinema d’animazione e degli effetti speciali. Una città in grado di riqualificare il proprio territorio e di riconoscere la cultura come valore di ricchezza. Un ringraziamento speciale al Comune di Bologna e alla Regione Emilia-Romagna, grazie ai quali il Future Film Festival continua a esistere e a confermarsi come appuntamento imprescindibile, sul territorio regionale e nazionale, sia per tutti gli amanti e appassionati del genere, sia per giovani e famiglie. Grazie anche a tutti i patrocinatori e i partner privati che come noi continuano a credere nel Futuro e ci permettono di condividerlo.

The Associazione Amici del Future Film Festival brings you to Futuropolis for the XVI Edition of the Future Film Festival, the cities and films of the future. Cinema and architecture meet in order to tell stories, not only as cities of the future have been represented on the big screen, but also to show how, in many films, architectural innovations can be a distinctive element and a point of great interest. In all of this there is also the discussion and reflection on themes of eco-sustainability. Innovation, technology, experimentation and active involvement of the community are only some of the elements that make the Future Film Festival the first and most important event in Italy dedicated to technologies applied to animation, cinema, videogames and to new media. Italian premiers and international guests confirm the 16th year of FFF will be a fundamental event for the seventh art: Carlos Saldanha with Rio 2 and the master Miyazaki with The Wind Rises are among the most anticipated premiers this year. Bologna is confirmed as a city of the future; it is a lively center of innovation and cultural activity as well as the Italian capital for animated cinema and special effects. It is a city able to value its own resources and know their inherent cultural value. A special thanks goes to the City of Bologna and to the Region of Emilia-Romagna, thanks to everyone who is a part of the Future Film Festival who continue to make this an essential event on the cultural calendar in the region and the nation. It is an event for fans of cinema and animation, for young people and for families. Thank you to all of the sponsors and private partners for their continued belief in the Future and sharing their vision with all of us.

Massimo Ferrarini Presidente dell’Associazione Amici del Future Film Festival

Massimo Ferrarini President of Associazione Amici del Future Film Festival

INTRO

Futuropolis Giulietta Fara, Oscar Cosulich Per la sua XVI edizione il Future Film Festival mantiene la barra dritta sull’animazione, quest’anno più che mai. Importante infatti il numero di opere d’animazione che il Festival propone, che sono la quasi totalità della programmazione. Animazione molto spesso europea, che testimonia come il vecchio continente inizi davvero a competere, con armi del tutto proprie, con i grandi colossi asiatici e nordamericani. Sudamerica, Francia, Danimarca, Inghilterra, e persino l’Italia quest’anno sono protagoniste delle sezioni in concorso e fuori concorso dei lungometraggi, così come le opere indipendenti degli americani (Bill Plympton, Don Hertzfeldt) fanno il paio con le opere ad alto budget, sempre “Made in USA”. Il concorso Future Film Short raggiunge quest’anno vette artistiche senza precedenti, ospitando sia i lavori delle maggiori scuole di cinema del mondo, sia le opere di autori indie noti a livello internazionale: dai “nostri” Stefano Bessoni, Alvise Avati, Alessandro Rak e Gianluigi Toccafondo fino a PES, Vincent Patar e Stéphane Aubier, Bill Plympton, Masaaki Yuasa. La suddivisione dei programmi per tecniche, dalla stopmotion al 2D animation, dal drawings al mixed media e alla 3D animation assicura una visione ragionata dei tantissimi piccoli capolavori selezionati quest’anno da un totale di oltre 200 corti arrivati. E per questa edizione si fa anche il pieno di autori e registi, da Carlos Saldanha (L’Era Glaciale, Rio, Rio 2) ad Alessandro Rak (L’Arte della Felicità), Guido Manuli (storico collaboratore di Bruno Bozzetto e autore tra l’altro di Volere Volare assieme a Maurizio Nichetti), Alvise Avati (regista di Beans e animatore per Double-face Negative, Cinesite VFX, MPCMoving Picture Company). Continua con successo anche la collaborazione con le Major del cinema, quali 20th Century Fox e Disney, mantenendo uno sguardo anche ai distributori italiani quali Koch Media, Lucky Red, GA&A Productions, Dynit, Nexo Digital. L’Oriente, sempre amato dal Future Film Festival come territorio ove guardare le sperimentazioni più ardite, è protagonista con i film di Hayao Miyazaki (Giappone), Yeon Sang-ho (Corea del Sud), Katsuhiro Otomo (Giappone), Brian Tse (Hong Kong), Touya Sato (Giappone). Rispetto agli scorsi anni, però, si nota una diminuzione nella produzione del Sol Levante, che fa intuire una crisi del mercato dell’animazione in quel paese, così come forse il crollo di un modello economico legato all’industria cinematografica. Laddove invece in Francia risulta molto fertile non solo l’inventiva dei registi ma anche il mercato.

Production I.G Kick-Heart (2013 Giappone Japan) Masaaki Yuasa

INTRO

L’indagine del Future Film Festival quest’anno si concentra poi sulle città del futuro, come le ha immaginate, e continua a immaginarle, il cinema e come le architetture futuribili abbiano un riscontro nell’urbanistica contemporanea, indagata assieme ad architetti, urbanisti, esperti di smart city e di sostenibilità. Il tema Futuropolis – Le città del futuro non solo percorre la XVI edizione (con titoli come Rio 2096, in concorso), ma addirittura la anticipa: il FFF ha infatti voluto coinvolgere in una speciale riflessione alcuni dei più importanti architetti di Bologna con l’iniziativa Future Film Skyline che racconta al pubblico i film che si sono distinti per il proprio valore di innovazione architettonica. Alimenta le riflessioni sulla città del futuro anche una serie di collaborazioni tra cui: Architetti di Strada, l’Urban Center del Comune di Bologna, e un BarCamp dedicato alle pratiche per una città sostenibile. Per celebrare il tema, inoltre, quattro film indicano le possibili vie di un fu-

Comics da tre grandi artisti quali Giuseppe Palumbo, Beatrice Boo e Emanuele Rosso fino al percorso per la città curato da Future Film Festival e Hera che invita i cittadini di Bologna a scoprire la loro città del futuro. Sempre in tema città del futuro è il concorso Futuropolis: la tua città del futuro, che il FFF ha lanciato nelle scuole primarie e secondarie di primo livello del territorio di Bologna e Provincia. Tanti disegni, scritti e plastici realizzati dai ragazzi dimostrano la grande fantasia dei più piccoli nell’immaginare una città del futuro: dai palazzi fatti con le caramelle fino a città in miniatura completamente alimentate da energia solare. Il concorso è realizzato in collaborazione con la Fondazione del Monte di Bologna. Una speciale maratona di scrittura è quest’anno il cuore della collaborazione tra Future Film Festival e Bottega Finzioni di Carlo Lucarelli: la 12 ore di scrittura è l’occasione per giovani scrittori in erba di dimostrare abilità e velocità nel creare un racconto fanta-

20th Century Fox Rio 2 (2014 USA) Carlos Saldanha

turo distopico e non sempre rassicurante: Jin-Roh – Uomini e lupi di Hiroyuki Okiura (1999), Metropolis di Rintaro (2001), La città dei bambini perduti di Jean-Pierre Jeunet e Marc Caro (1995) e In Time di Andrew Niccol (2011). Il FFF quest’anno si diffonde ancora di più in città, dalla collaborazione con Senape-Vivaio Urbano, Studio Azue, Ciclofficina Popolare Ampioraggio fino alle vetrine dipinte a tema “Futuropolis” del Vanilia &

scientifico. Un Festival ricco di opere d’animazione, un incrocio con tematiche della quotidianità con quelle del cinema: un’occasione unica per vedere film, corti e registi in una intensa settimana di appuntamenti. A completare questo ciclo di novità la bella sorpresa della sigla del Future Film Festival, nata grazie al giovanissimo Studio Croma di Bologna e pienamente in linea con le più importanti case di produzione internazionali.

INTRO

Short Peace Committee Short Peace (2013 Giappone Japan) Katsuhiro Otomo, Shuhei Morita, Hiroaki Ando, Hajime Katoki

Futuropolis For the XVI edition of the Future Film Festival the bar has been set higher than ever for animation. It is important to note the number of animated works the Festival offers, taking up nearly all of the programming in fact. A great deal of the animation comes from Europe, which is a testimony to the fact that the old continent is really getting in the game, competing with all of its force with the titans of Asia and North America. This year South America, France Denmark, England and even Italy are main players in competitions and selections as well as out of competition feature films. They rise to the occasion, like the independent films made by Americans (Bill Plympton, Don Hertzfeldt) that are just as strong as films with much higher budgets, and still “Made in USA.” The competition Future Film Short has reached new artistic heights with pieces out of the finest film schools around the world and works from indie authors well-known internationally, including: Italy’s Stefano Bessoni, Alvise Avati, Alessandro Rak and Gianluigi Toccafondo all the way to PES, Vincent Patar and Stephane Aubier, Bill Plympton, Masaaki Yuasa. The subdivisions based on varying technologies, from stop-motion to 2D animation, from drawings to mixed media and to 3D animation, ensure that the viewings were balanced and many little masterpieces have had a chance to shine. This year short film submissions topped 200.

This edition of the Festival is also packed with authors and directors, from Carlos Saldanha (Ice Age, Rio, Rio 2) to Alessandro Rak (The Art of Happiness), Guido Manuli ( long-time collaborator of Bruno Bozzetto and author of To Want to Fly along with Maurizio Nichetti), Alvise Avati (director of Beans and animator for Double-face Negative, Cinesite, VFX, MPCMoving Picture Company). There is also the continued success of the collaborations with major cinema outlets such as 20th Century Fox and Disney as well as Italian distributors such as Koch Media, Lucky Red, GA&A Productions, Dynit and Nexo Digital. The East has always been a point of interest for the Future Film Festival. It is a place to watch for the latest experimentation, with masters such as Hayao Miyazaki (Japan), Yeon Sang-ho (South Korea), Katsuhiro Otomo (Japan), Brian Tse (Hong Kong) and Touya Sato (Japan). But in respect to other years Japanese production has been down, indicating a bit of a crisis in the animation market there, perhaps linked to the general collapse of a system modeled very much after the cinema industry. Whereas in France, where difficulties have led to inventive solutions, not only on the part of authors but also in the market. This year’s Future Film Festival is dedicated to investigating the cities of the future, how they have been be imagined and how we will continue to imagine them. It is an investigation into how cinema and architecture in the future is connected to urban planning today in order to build with architects, planners and experts smarter,

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more sustainable cities. The theme Futuropolis – Cities of the Future is not only for the XVI edition (with a title like Rio 2096 in competition), but it is something to move forward with. The Future Film Skyline initiative will recount to the public films that are distinct for placing value on architectural innovation. The ideas about the cities of the future have been nurtured through collaboration. This means: architects from Architetti di Strada, the Urban Center of the City of Bologna and a BarCamp dedicated to sustainable urban practices. To celebrate the theme, there are four films that indicate dystopian futures and are anything but reassuring: Jin-Roh – The Wolf Brigade by Hiroyuki Okiura (1999), Metropolis by Rintaro (2001), The City of Lost Children by Jean-Pierre Jeunet and Marc Caro (1995) and In Time by Andrew Niccol (2001). This year FFF is more involved than ever in the city, from collaborations with Senape-Vivaio Urbano (an urban gardening center), Studio Azue, Ciclofficina Popolare Ampioraggio which helps all citizens with their bicycles, to the painted displays in the “Futuropolis” theme at Vanilia & Comics café created by three great artists Giuseppe Palumbo, Beatrice Boo and Emanuele Rosso. All of this and the city guides, curated by the Future Film Festival as well as the Plymptoon Studio Cheatin’ (2013 USA) Bill Plympton

collaboration of Hera, which invites the citizens of Bologna to discover their city of the future. There is also the educational program element of Futuropolis: Your City of the Future that FFF launched in primary and secondary schools throughout the region. The many drawings, stories and sculptures demonstrate great fantasy in how the children image the city of the future: from buildings made of sweets to a miniature city running on solar power. The program was created in collaboration with the Fondazione del Monte di Bologna. A marathon of writing is at the heart of the collaboration this year between the Future Film Festival and Carlo Lucarelli’s Bottega Finzioni. The 12 hours of writing proved a wonderful occasion for young emerging writers to demonstrate skill and speed in writing a science fiction story. It is a Festival rich in works of animation, a thematic meeting ground for daily life and cinema. It is also the only occasion to see so many films, shorts and directors in one week. To complete this round of surprises is the new symbol of the Future Film Festival, created thanks to the fresh ideas of the young production company Studio Croma in Bologna, who are right up there with the most important production houses worldwide.

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Flying Man

Studio Croma Nato a Bologna nel 2011 dall’unione di esperienze diverse, Studio Croma è un gruppo indipendente che produce animazione in stop-motion, dal contrometraggio allo spot pubblicitario. Fondato da Giacomo Giuriato, Guglielmo Trautvetter e Matteo Burani, lo studio ha sempre avuto come obbiettivo quello di creare lavori di qualità, cercando una combinazione tra artigianato e tecnologia, presupponendo una creazione finale che miri al divertimento. Nel 2011 è cominciata la lavorazione del primo corto Cena al Cimitero. Nel 2013 è stata la volta del primo teaser per il FFF: Tweet the Monster. Sempre nel 2013 lo Studio ha realizzato con Articulture e Frog’s film il cortometraggio La Valigia di Pier Paolo Paganelli. Ora lo Studio Croma collabora con diverse realtà sul territorio, portando avanti in diversi ambiti la tecnica della stopmotion. Established in Bologna in 2011 Studio Croma is the union of many diverse experiences. It is a group dedicated to independent animation production in stop-motion, from short films to advertising. Founded by Giacomo Giurato, Giulielmo Trautvetter and Matteo Burani, the studio has always had creative work of a high quality as their primary goal; aiming for a combination of handmade and technological, creating a final project filled with fun. In 2011 the group began to work on its first short Cena al Cimitero (Dinner in the Cemetery). In 2013 was their first teaser at FFF with Tweet the Monster. That same year the studio, along with Articulture and Frog’s Film, created the short La Valigia (The Suitcase) by Pier Paolo Paganelli. Presently Croma Studio collaborates with various organizations in the area, bringing advances in stop-motion film-making to all sorts of diverse fields.

FFF2014 Character: Flying Man, Studio Croma

Quest’anno l’opera-simbolo del Future Film Festival è Flying Man, il protagonista della sigla del FFF che, in una città futuribile, tenta di volare ma le cose non gli vanno esattamente come previsto. Durante la lavorazione della sigla, nello studio che è in una cantina di Bologna, abbiamo notato questo character e abbiamo pensato che ben incarnava quello spirito un po’ disincantato con il quale guarda il paesaggio futuribile in cui è inserito. Lo Studio Croma è composto da giovanissimi ragazzi che hanno la passione per l’animazione e la stop-motion. Classe 1991, Giacomo, Matteo e Guglielmo hanno frequentato il Liceo Artistico di Bologna F. Arcangeli dove si sono conosciuti. Già al liceo, iniziano a collaborare e a produrre stop-motion. Qui inizia il loro racconto: Quello che ci piace della stop-motion è che sia un lavoro artigianale, tutto quello che crei è reale, viene realizzato dall’esperienza delle mani e da conoscenze tecniche. In un mondo sempre più digitalizzato, ci piace avere un lavoro che abbia le sue origini nel passato. Poi la stop-motion è molto legata al cinema: hai un set reale, da illuminare con luci vere, le riprese sono fatte con una macchina da presa, puoi scegliere che ottiche usare e come muoverla, tutto questo gli dà uno spessore che non si ottiene solitamente con il computer. La tecnica ha molti limiti ovviamente, ma se si conoscono possono essere utilizzati addirittura a proprio vantaggio. Il Flying man è un supereroe dal look vintage, volevamo che questo abitante della città del futuro sembrasse saltato fuori dal passato, con un’attrezzatura tecnologica però. Per crearlo ci siamo ispirati a una serie di stereotipi: l’aviatore con il naso aquilino che però avesse una tuta da eroe, dei bei baffoni da agente di polizia anni Ottanta. Il tutto doveva avere un che di affascinante ma anche ridicolo, il personaggio è buffo e goffo ma imita un eroe: la combinazione di questi due elementi crea un’ambiguità che lo caratterizza molto. Per la sigla abbiamo deciso di dare un taglio di regia americano. Con i

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pochi mezzi a disposizione, abbiamo cercato di dare un look fumettistico attingendo dall’infinito immaginario dei supereroi della Marvel e della DC. La città sullo sfondo invece è ispirata a I Jefferson, riproponendo anche con le ambientazioni una visione tra passato e futuro, cercando di dare a tutto il video due facce, una seria e teatrale e un’altra ridicola e grottesca. La sigla ha come protagonista il blu, che del resto è il colore che rappresenta il festival.

Flying man This year the work-symbol of the Future Film Festival is Flying Man, the protagonist of the FFF emblem. In a city of the future he attempts to fly but things don’t always go as planned. While working on the emblem, in a basement studio in Bologna, we noticed this character and we thought how well he embodied the slightly disenchanted spirit of this journey to the future, in which he too plays a role. Studio Croma is made up of a group of young men who have a

passion for animation and stop-motion. Born in 1991, Giacomo, Matteo and Guglielmo met at F. Arcangeli Artistic High School in Bologna. When they were still in high school they began to collaborate and produce stop-motion films. The story begins here: What we like about stop-motion is that it is handcrafted work. Everything you make is real; it is brought to life with your hands and through technical abilities. In a world that is always becoming more digital and we like working in something with deep roots in the past. Stop-motion is also very connected to cinema: you have a real set, lighting with real lights, shots taken with a real camera, you can choose perspectives and move them around. All of these are things that cannot be attained using only digital. Obviously stop-motion also has its limits, but if you know them you can even use them to your advantage. The Flying Man is a vintage superhero. We wanted a city-dweller from the past who found himself in the city of the future, but with one technological tool. In order to create him we were inspired by a series of stereotypes: the sharp-nosed aviator dressed as a superhero, with a snazzy mustache like a policeman from the ’80s. He had to be fascinating and ridiculous, a funny, even clumsy character who imitates a hero. All of this in combination creates a rather ambiguous character and that is Flying Man. For the emblem we decided to add a slice of American-style direction. With only a few tools at our disposal we tried to give him a comic look drawing on the infinite imagery of Marvel and DC. On the other hand, the city behind him is inspired by The Jeffersons, again proposing this vision in which the past and the future meet, aiming to give each video two sides, one serious and theatrical and the other ridiculous and grotesque. The emblem is in blue, as is the protagonist, which is also the color of the festival.

IN COMPETITION FILMS PLATINUM GRAND PRIZE

Platinum Grand Prize 2014 La Giuria The Jury Come ogni anno il concorso internazionale lungometraggi del Future Film Festival 2014 assegna il Platinum Grand Prize, premio al film che meglio utilizza le tecniche dell’animazione applicate al cinema. I lungometraggi selezionati rappresentano la vivacità della sperimentazione cinematografica, tanto tra le produzioni più impegnative quanto tra le produzioni indie e indipendenti. Like every year the international competition for feature films of the Future Film Festival 2014 awards the Platinum Grand Prize. This prize is awarded to the film that bests uses technologies for animation in cinema. The feature films selected represent the vibrancy of experimentation happening in both the most demanding productions in cinematography and in independent film making at the present moment.

Marcello Fois

Fois was born in Nuoro in 1960. He graduated in Italian Studies from the University of Bologna in 1986. His first novel Ferro Recente was published by Luigi Bernardi’s Granata Press in 1992. That same year he came out with Picta, which one the Italo Calvino Prize. In 1997 he received the Dessì Prize for his novel Nulla. In 1998 Sempre caro is released, the first novel in a trilogy set at the end of the 1800s, which won the Scerbanenco Prize. With Dura madre he won the Fedeli Prize 2002. He has also worked in screenwriting, both for television (Distretto di polizia, L’ultima frontiera) and film (Ilaria Alpi. Il più crudele dei giorni), as well as in theater, where he has worked with various companies.

Elisabetta Lodoli

Lodoli is a director and writer from Bologna; she studied at CalArts (California Institute of the Arts) in Los Angeles. In 1996 her debut film The Venus of Willendorf was released and presented at international film festivals. She has directed miniseries for RAI 1 and the TV movie Più Leggero non basta (1998) with Giovanna Mezzogiorno and Stefano Accorsi. Her documentaries include: La pace a due voci (1992) about the Israeli-Palestinian conflict, Nisansala, la Tranquilla (2002) the portrait of a young Sri Lankan woman in Roma, Il futuro ha 50 anni (2011) on Italy’s 150th anniversary of unity, Stolica-Sedia (2013) about Bosnia 20 years after the end of the war. In 2007 she published Questo mare non è il mio mare, her first novel for children.

Carlo Sarti

Sarti is a director and screenwriter and representative of Central Italy at the Directive Council of 100autori. He has written and directed feature films: Se c’è rimedio perché ti preoccupi? (1995), with Sofia Spada and Carlo Sarti, Goodbye Mr. Zeus! (2010), with Fabio Troiano, Chiara Muti and Max Mazzotta, La Finestra di Alice (2013) with Sergio Muniz, Debora Caprioglio, Fabrizio Bucci and Clizia Fornasier, numerous documentaries and short films, including: Avere o Leggere? (1998), with Enzo Iacchetti and Roberto Citran. He has published short stories and in 1999 the novel 190 miliardi di anni dopo published by Baldini&Castoldi/Zelig. He has a forthcoming novel as well: L’aspirapolvere e la salvezza dell’anima.

Nato a Nuoro nel 1960, si laurea in Italianistica presso l’Università di Bologna nel 1986. Il suo primo romanzo Ferro Recente viene pubblicato dalla Granata Press di Luigi Bernardi nel 1992, stesso anno in cui esce Picta, con cui vince il Premio Italo Calvino. Nel 1997 riceve il Premio Dessì per il romanzo Nulla. Nel 1998 esce Sempre caro, primo romanzo di una trilogia ambientata a fine Ottocento, che vince il Premio Scerbanenco. Con Dura madre vince nel 2002 il Premio Fedeli. Si dedica anche alla sceneggiatura, sia televisiva (Distretto di polizia, L’ultima frontiera) sia cinematografica (Ilaria Alpi. Il più crudele dei giorni), e al teatro, dove collabora con varie compagnie.

Regista e scrittrice bolognese si forma alla CalArts (California Institute of the Arts) di Los Angeles. Nel 1996 esordisce nel cinema con La Venere di Willendorf, presentato in festival internazionali. Dirige fiction per Rai 1 e il TV movie Più Leggero non basta (1998) con Giovanna Mezzogiorno e Stefano Accorsi. Tra i documentari si ricordano: La pace a due voci (1992) sul conflitto israeliano-palestinese, Nisansala, la Tranquilla (2002) ritratto di una giovane cingalese a Roma, Il futuro ha 50 anni (2011) sul 150° dell’Unità d’Italia, Stolica-Sedia (2013) sulla Bosnia 20 anni dopo la fine della guerra. Nel 2007 pubblica Questo mare non è il mio mare, il suo primo romanzo per ragazzi.

Regista e sceneggiatore, rappresentante del Centro Italia nel Consiglio Direttivo dei 100autori. Ha scritto e diretto i lungometraggi: Se c’è rimedio perché ti preoccupi? (1995), con Sofia Spada e Carlo Sarti, Goodbye Mr.Zeus! (2010), con Fabio Troiano, Chiara Muti e Max Mazzotta, La Finestra di Alice (2013) con Sergio Muniz, Debora Caprioglio, Fabrizio Bucci e Clizia Fornasier, numerosi documentari e cortometraggi tra cui Avere o Leggere? (1998), con Enzo Iacchetti e Roberto Citran. Ha pubblicato alcuni racconti e nel 1999 il romanzo 190 miliardi di anni dopo edito da Baldini&Castoldi/Zelig. Di prossima pubblicazione il romanzo L’aspirapolvere e la salvezza dell’anima.

PLATINUM GRAND PRIZE IN COMPETITION FILMS

Asphalt Watches 2013, Canada

Asphalt Watches is a true story. A feature-length animation based on a real-life hitchhiking trip taken by the two filmmakers, Shayne Ehman and Seth Scriver. The movie details the hilarious and harrowing journey of Bucktooth Cloud and Skeleton Hat as they travel eastward across Canada in the summer of 2000. Asphalt Watches begins with the two protagonists – Bucktooth Cloud, a floating cloud holding an umbrella, and Skeleton Hat, a grey nebbish with part of a moustache – in Chilliwack, BC trying to hop a train, using an outdated train-hopping manual from 1988.

Shayne Ehman Disegnando elementi della vita e del sogno, negli ultimi quindi anni Ehman ha costantemente pubblicato scritti ed esposto le proprie opere in gallerie d’arte. Tra i progetti più recenti figurano un’esposizione delle sue sculture a Cracovia, in Polonia, e alla M+B Gallery di Los Angeles, oltre alla pubblicazione della sua poesia dipinta apparsa in The Last Vispo, un’antologia di poesia visiva edita da Fantagraphics (2012). Shayne Ehman vive a Thunder Bay. Sketching from life and dream, Ehman has published writing and exhibited art consistently over the past 15 years. Some recent projects include sculptural works shown in Krakow, Poland and at M+B Gallery in Los Angeles as well as painted poetry included in The Last Vispo, an anthology of visual poetry published by Fantagraphics (2012). Shayne Ehman lives in Thunder Bay. Seth Scriver Il libro di Scriver, Stooge Pile (2010), pubblicato da Drawn & Quarterly, è stato candidato al premio Doug Wright “Pigskin Peters”, conferito alla miglior opera sperimentale non-narrativa del fumetto canadese. Il suo cortometraggio di animazione è stato mostrato all’Images Festival (Toronto), all’Impakt Festival (Utretcht) e al Flashkino (Berlin). Seth Scriver vive a Toronto. Scriver’s book, Stooge Pile (2010), published by Drawn & Quarterly, was nominated for a Doug Wright “Pigskin Peters” Award, awarded to the best experimental and non-narrative works in Canadian comics. His short solo animations have been exhibited at Images Festival (Toronto), Impakt Festival (Utretcht) and Flashkino (Berlin). Seth Scriver lives in Toronto.

titolo originale/original title Asphalt Watches regia/direction Shayne Ehman & Seth Scriver sceneggiatura/script Shayne Ehman & Seth Scriver art direction Sebastián Barreiro fotografia/photography Amy Lockhart montaggio/editing Shayne Ehman & Seth Scriver character cocept Marc Bell musica/music Shayne Ehman voci/voices Shayne Ehman, Seth Scriver, Lydia Klenck, Katy Morley, Maura Doyle, Erin Zimerman, Stewart Scriver, Emily Green, Marc Bell produzione/production Delusional Brothers Inc. distribuzione internazionale/ international distribution Delusional Brothers Inc. animazione 2D/2D animation DCP, colore/colour, 94’ lingua/language Inglese/English

CAST&CREW

Asphalt Watches è una storia vera: un lungometraggio animato basato su un reale viaggio in autostop fatto da due filmmakers, Shayne Ehman e Seth Scriver. Il film racconta in dettaglio l’avventura esilarante e straziante di Bucktooth Cloud e Skeleton Hat, nel loro viaggio verso est attraverso il Canada nell’estate del 2000. Asphalt Watches inizia a Chilliwack, nella Columbia Britannica, con i due protagonisti – Bucktooth Cloud, una nuvola fluttuante in possesso di un ombrello, e Skeleton Hat, un grigio sfigato un po’ baffuto – mentre tentano di saltare su un treno, facendo riferimento a un vecchio manuale del 1988.

IN COMPETITION FILMS PLATINUM GRAND PRIZE

Aunt Hilda! 2014, Francia France Jacques-Rémy Girerd Attivo nel campo dell’animazione dal 1978, Girerd è l’autore dei film La profezia delle ranocchie (La Prophétie des grenouilles, 2003), Mià e il Migù (Mia et le Migou, 2008) e A Cat in Paris (Une vie de chat, 2010). Nel 1981 fonda a Valence lo studio d’animazione Folimage Production. Nel 1988 riceve il César per il suo corto Le Petit cirque de toutes couleurs. Attualmente dirige la scuola d’animazione La Poudrière. Jacques-Rémy Girerd has animated films since 1978. His films are Raining Cats and Frogs (2003), Mia and the Migoo (2008) and A Cat in Paris (2010). In 1981 he founded the Folimage Production studio in Valence. In 1988 he received a César Award for his short film, Le Petit cirque de toutes couleurs. He currently serves as the director of the animation school, La Poudrière.

Zia Hilda, amante della natura, ha creato un museo naturale dove conserva piante rare e in via di estinzione, provenienti da tutto il mondo. Nel frattempo viene prodotto a livello industriale un nuovo cereale geneticamente modificato, chiamato Attilem. In grado di crescere con poca acqua e fertilizzante, Attilem ha una produttività prodigiosa, tanto da sembrare una soluzione ideale per sradicare la fame nel mondo e fornire un’alternativa alle riserve di petrolio in esaurimento. Ma niente è come sembra...

Benoît Chieux Animatore allo studio Folimage Production dal 1992, Benoît Chieux ha lavorato alle serie TV Le bonheur de la vie e Mine de rien, realizzate da Girerd. Nel 2000 realizza insieme a Damien Louche-Pelissier il film Patate et le Jardin Potager, mentre nel 2002 è autore della serie animata Mica. Dal 2002 insegna alla scuola d’animazione La Poudrière e all’École Émile Cohl. Nel 2008 scrive e disegna il film Mià e il Migù (Mia et le Migou) diretto da Girerd. Benoît Chieux has been an animator at the Folimage Production studio in Valence since 1992. He has worked on the TV series Le bonheur de la vie and Mine de rien, working with Girerd. In 2000, with Damien Louche-Pelissier, he created the film Patate et le Jardin Potager, while in 2002 he authored the animated series Mica. Since 2002 he has taught at the animation school La Poudrière and at the École Émile Cohl. In 2008 he wrote and drew for the film Mia and the Migoo directed by Girerd. titolo originale/original title Tante Hilda!

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regia/direction Jacques-Rémy Girerd, Benoît Chieux sceneggiatura/script Jacques-Rémy Girerd, Benoît Chieux, Louri Tcherenkov montaggio/editing Hervé Guichard art direction Zoïa Trofimova, Jean-Charles Mbotti-Malolo, Pascal Gérard character design Benoît Chieux direttore dell’animazione/ animation director Susanne Seidel effetti visivi/visual effects Benoît Razy, Izú Troin color design Maryse Tuzi musica/music Serge Besset voci/voices Sabine Azéma, Josiane Balasko, François Morel, Bruno Lochet produttore/producer Jacques-Rémy Girerd, Stephan Roelants produzione/production Folimage Production, Melusine Production, RhôneAlpes Cinéma, France 3 Cinéma, SND distribuzione internazionale/international distribution SND Groupe M6 animazione 2D/2D animation DCP, colore/colour, 89’ lingua/language Francese/French

Hilda, a nature lover, has created a museum where she preserves endangered and rare plants from all over the world. Meanwhile, Attilem, a new genetically modified cereal, is launched on the market. Growing with little water and fertilizer while generating a high crop yield Attilem, looks like an ideal solution to eradicate starvation and provide an alternative to diminishing oil reserves. But nothing is what seems…

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Aya of Yop City 2013, Francia France

It is the late 1970s in the city of Abidjan in Côte d’Ivoire. We meet Aya, a very serious nineteen year old girl, who prefers studying to having fun. She lives in the working-class Youpogon quarter, it is nicknamed Yop City because it ‘’sounds more American.’’ Aya spends her days at school, with family and with her two friends Adjoua and Bintou. Unlike Aya, her friends only think about fashion, hair and boys. Things become more complicated when Adjou finds herself pregnant. What should she do, tell her family or have an abortion?

Marguerite Abouet Nata nel quartiere di Youpogon, ad Abidjan in Costa d’Avorio, nel 1971, Marguerite Abouet è una scrittrice ivoriana, conosciuta soprattutto per il romanzo a fumetti Aya de Yopougon, pubblicato a partire dal 2005 in sei volumi. Attualmente vive a Romainville con il marito illustratore Clément Oubrerie. Marguerite Abouet was born in the Youpogon quarter of Abidjan, Côte d’Ivoire in 1971. She is best known for her graphic novel series Aya of Yop City. She currently resides in Romainville with her husband, illustrator Clément Oubrerie. Clément Oubrerie Nato a Parigi nel 1966, Clément Oubrerie è autore di più di quaranta libri per bambini. Nel 2005 ha partecipato, con Marguerite Abouet, alla realizzazione del romanzo a fumetti Aya de Yopougon, di cui ha curato i disegni anche per i volumi successivi. Tra le altre opere, ha adattato a fumetti Zazie nel metrò (Zazie dans le métro), il romanzo di Raymond Queneau. Nel 2007 ha fondato, con Joann Sfar e Antoine Delesvaux, la Autochenille Production. Born in Paris in 1966, Clément Oubrerie is author of many children’s books. In 2005 he created, with Marguerite Abouet, the graphic novel of Aya of Yop City, for which he also curated the drawings for the subsequent volumes. His other work includes the comic adaptation of Zazie in the Métro (Zazie dans le metro), Raymond Queneau’s novel. In 2007 he founded, along with Joann Sfar and Antoine Delsvaux, Autochenille Production. titolo originale/original title Aya de Yopougon regia/direction Marguerite Abouet, Clément Oubrerie sceneggiatura/script Marguerite Abouet storia originale/original story Marguerite Abouet, Clément Oubrerie storyboard Jean-Charles Fink, David Garcia, Clément Oubrerie montaggio/editing Nils Fauth art direction Clément Oubrerie, Juli Weber character design Clément Oubrerie direttore dell’animazione/ animation director David Garcia compositing Jean-François Azzopardi animazione 3D/3D animation Stéphane Gamblin, Jeremie Mamo musica/music Paul Lavergne voci/voices Aïssa Maïga, Tatiana Rojo, Tella Kpomahou, Jacky ido, Emil Abossolo-mbo, Eriq Ebouaney animazione/animation Banjo Studio - Paris19e produttore esecutivo/executive producer Thomas Cornet produttori/producers Antoine Delesvaux, Joann Sfar, Clément Oubrerie, Didier Lupfer produzine/production Autochenille Production, TF1 Droits Audiovisuels Production distribuzione internazionale/ international distribution TF1 International animazione 2D-3D/2D-3D animation DCP, colore/colour, 84’ lingua/language Francese/French

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Alla fine degli anni Settanta, in Costa d’Avorio a Youpogon, quartiere popolare di Abidjan ribattezzato Yop City perché “così fa più americano”, vive Aya, una ragazza diciannovenne troppo seria che preferisce lo studio al divertimento. Aya passa le sue giornate tra scuola, famiglia e le sue due amiche Adjoua e Bintou, che invece pensano solo a moda, pettinature e come attirare i maschietti. Le cose si complicano quando Adjoua rimane incinta. Che fare, coinvolgere le famiglie o cercare di abortire?

IN COMPETITION FILMS PLATINUM GRAND PRIZE

Cheatin’ 2013, USA Bill Plympton Nato a Portland, in Oregon, Bill Plympton ha iniziato la sua carriera nell’illustrazione collaborando con pubblicazioni del livello di «The New York Times», «Vogue», «Vanity Fair» e «Rolling Stone». Da sempre appassionato di animazione, vi si dedica e realizza il cortometraggio Your Face, che nel 1988 ottiene la nomination all’Oscar®. Dal 1991 ha realizzato, praticamente da solo, più di 30 corti e 9 lungometraggi, di cui 6 animati, come The Tune (1992), Mutant Aliens (2001), Hair High (2004) e Idiots and Angels (2008). Nel 2005 ha ricevuto un’altra nomination all’Oscar® per il corto Guard Dog, che si è arricchito di vari seguiti, tutti presentati al FFF. Born in Portland, Oregon, Bill Plympton began his career creating cartoons for publications such as The New York Times, Vogue, Vanity Fair and Rolling Stone. Since 1991 he has made over thirty short films and nine feature films, six of them animated, including The Tune (1992), Mutant Aliens (2001), Hair High (2004) and Idiots and Angels (2008). In 2005 he received another Oscar® nomination for his short film Guard Dog, from which many sequels were developed, all of them are to be shown at FFF.

titolo originale/original title Cheatin’

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regia/direction Bill Plympton sceneggiatura/script Bill Plympton montaggio/editing Kevin Palmer art direction Lindsay Woods character design Bill Plympton musica/music Nicole Renaud artisti/artists Diana Chao, Courtney DiPaola, Krystal Downs, Maryam Hajouni, Lisa Labracio, Sandrine Plympton, Jonathan Rosen produttori esecutivi/executive producers James Hancock, Adam Rackoff, Cinco Dedos Peliculas, LLC produttore/producer Desirée Stavracos distribuzione internazionale/ international distribution Plymptoons Studio animazione 2D/2D animation TBD, colore/colour, 76’ lingua/language Inglese/English

Jake e Ella si incontrano in un fatidico incidente agli autoscontri e diventano la coppia più felice nell’intera storia del romanticismo. Ma quando una donna intrigante insinua una punta di gelosia nel loro perfetto corteggiamento, insicurezza e odio provocano una fine prematura. Solo con l’aiuto di un mago caduto in disgrazia e della sua “macchina dell’anima” proibita, Ella riesce a prendere forma nelle numerose amanti di Jake, combattendo disperatamente tra inganno e fallimento nel tentativo di recuperare il proprio destino. In a fateful bumper car collision, Jake and Ella meet and become the most loving couple in the long history of Romance. But when a scheming “other” woman drives a wedge of jealousy into their perfect courtship, insecurity and hatred spell out an untimely fate. With only the help of a disgraced magician and his forbidden “soul machine”, Ella takes the form of Jake’s numerous lovers, desperately fighting through malfunction and deceit as they try to reclaim their destiny.

PLATINUM GRAND PRIZE IN COMPETITION FILMS

The Fake 2013, Corea del Sud South Korea In un villaggio di provincia, destinato ad essere sommerso a causa della costruzione di una diga, l’anziano Choi fa costruire una chiesa per il reverendo Sung, chiedendogli di riportare la speranza nelle anime dei poveri concittadini. Dopo una lunga assenza torna in paese anche Min-chul, intenzionato ad appropriarsi dell’indennizzo per la casa di famiglia, con il quale intende pagare il college a sua figlia Young-sun. Quando Min-chul scopre che Choi non è altro che un truffatore ricercato, nessuno è disposto ad ascoltarlo a causa del suo oscuro passato, mentre tutti preferiscono credere allo stimato reverendo Sung. Il vecchio Choi sfrutta la situazione a suo vantaggio, mentre il conflitto tra Min-chul e il reverendo arriva al suo culmine.

Yeon Sang-ho Nato a Seul, in Corea, Yeon Sang-ho si è laureato all’Università Sangmyung in Pittura Occidentale e nel 2004 ha fondato il proprio Studio Dadashow. I suoi cortometraggi d’animazione The Hell - Two Kinds of Life (2006) e Love is Protein (2008) sono stati invitati e premiati a vari festival internazionali. Ha realizzato la sigla di apertura del Festival internazionale del Cinema di Busan nel 2010. Il suo primo lungometraggio d’animazione, The King of Pigs (2011), ha vinto tre premi allo stesso festival di Busan ed è stato invitato alla Quinzaine des Réalisateurs del Festival di Cannes 2012. Nello stesso anno ha realizzato il mediometraggio The Window. Born in Seoul, Korea, Yeon Sang-ho graduated from Sangmyung University with a degree in Western Painting and setup his production house, Studio Dadashow, in 2004. His short animations, The Hell - Two Kinds of Life (2006) and Love is Protein (2008), have been presented and awarded at various international film festivals. He directed the animated opening trailer for the Busan International Film Festival in 2010. His first feature-length animation The King of Pigs (2011) was the winner of triple awards at the Busan International Film Festival and was invited to Directors’ Fortnight in Cannes 2012. That same year he directed the short feature The Window.

In a small village that is destined to be buried under water because of the construction of a new dam, the elder Choi, decides to build a church for Reverend Sung, begging him to bring hope back to the people. Then Min-chul returns after a long absence from the village, hoping to collect the compensation for his family’s house in order to pay his daughter’s university fees. When Min-chul discovers that Choi is nothing but a wanted con man, no one is willing to listen to him because of his sordid past, they prefer to believe the respected Reverend Sung. The elderly Choi uses the situation to his advantage, while the conflict between Min-chul and the reverend reaches its pinnacle.

regia/direction Yeon Sang-ho sceneggiatura/script Yeon Sang-ho montaggio/editing Lee Yuenjung art direction Byun Kihyun direttore dell’animazione/animation director Yeon Chanheum musica/music Jang Youngkyu voci/cast Yang Ikjune, Oh Jungse, Kwon Haehyo, Park Heevon animazione/animation Studio Dadashow produttore esecutivo/executive producer Kim Woo-taek produttore/producer Cho Youngkag produzione/production Next Entertainment World Inc. distribuzione internazionale/ international distribution Finecut animazione 2D/2D animation DCP, colore/colour, 101’ lingua/language Coreano/Korean

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titolo originale/original title Saibi

IN COMPETITION FILMS PLATINUM GRAND PRIZE

Jasmine 2013, Francia France Alain Ughetto Regista francese, Alain Ughetto realizza il suo primo cortometraggio d’animazione, L’Echelle, nel 1981, vincendo il premio César per miglior corto d’animazione. Nel 1984 vince lo stesso premio per il corto La Boule. Tra il 1986 e il 1998 lavora come reporter per diverse stazioni televisive e successivamente si dedica alla realizzazione di due documentari per il canale France 3. Nel 2013 esce il suo primo lungometraggio di animazione, Jasmine. Alain Ughetto is a French director. He shot his first animated short film, L’Echelle, in 1981 and he won the César to the best animated short film. In 1984 he won the same prize again for La Boule. Between 1986 and 1998 he worked as a reporter for different TV stations and since then he has made several documentaries for France 3. In 2013 Alain Ughetto shot his first feature film, Jasmine.

titolo originale/original title Jasmine

CAST&CREW

regia/direction Alain Ughetto sceneggiatura/script Alain Ughetto, Jacques Reboud, Chloé Inguenaud fotografia/photography Pierre Benzrihem montaggio/editing Catherine Catella art direction Bernard Vezat, Sylvain Tétrel character design Alain Ughetto musica/music Isabelle Courroy voci/voices Jean-Pierre Darroussin, Fanzaneh Ramzi direttore di produzione/production director Nathalie Bély produttori/producers Alexandre Cornu, Michèle Casalta, Alain Ughetto produzione/production Alexandre Cornu, Les Films du Tambour de Soie, Michèle Casalta, Mouvement, Alain Ughetto distribuzione internazionale/ international distribution Les Films du Tambour de Soie animazione 2D/2D animation Blu-ray, colore/colour, 70’ lingua/language Francese/French

Una storia d’amore e di rivoluzione prende forma dalla plastilina… Francia, fine degli anni Settanta. Alain è un autore di film d’animazione. L’incontro romantico con la giovane studentessa iraniana Jasmine cambia il corso della sua vita. Teheran, 1978. La rivoluzione spazza via l’odiato regime dello Shah. Alain raggiunge Jasmine e il loro amore cresce nella clandestinità, con la speranza che una nuova vita sia possibile. L’istituzione della Repubblica Islamica distrugge le loro illusioni, separando i due amanti. Per quanto tempo? A distanza di 30 anni arriva il momento per Alain di ripercorrere le strade della propria memoria. Airgram sbiaditi, riprese in super 8… Non è rimasto molto. Con la punta delle dita, dal profondo del cuore, Alain resuscita il passato immagine per immagine. In una misteriosa e oppressiva Teheran, nella confusione della Storia, esseri di pasta e sangue combattono, come tanti altri, per l’amore e la libertà. A story of love and revolution emerging from plasticine… France, end of the Seventies. Alain is the author of several cartoon films. His romantic meeting with a young Iranian student, Jasmine, changes the course of his life. Teheran, 1978. The revolution sweeps away the despised regime of the Shah. Alain has joined Jasmine, their love grows in clandestinity, with the hope that a new life is possible. The introduction of the Islamic Republic will destroy their illusions, and separate the two lovers… For how long? 30 years later, it is time for Alain to revisit the theatre of his memory. Several faded blue airgrams, super 8 films… Not much remains. With his fingertips, from the bottom of the heart, he resurrects the past image by image. In the restitution of a mysterious and oppressive Teheran, in the helter skelter of History, beings of paste and blood fight, like many others, for love and freedom.

PLATINUM GRAND PRIZE IN COMPETITION FILMS

My Mommy Is in America and She Met Buffalo Bill

2013, Francia/Lussemburgo France/Luxembourg Marc Boréal Marc Boréal ha portato con successo sullo schermo i classici della letteratura per l’infanzia, in particolare in serie d’animazione come Corto Maltese, La storia infinita (L’Histoire sans fin), Kong, Les P’tits diables, Les Enfants d’Okura, Mot. Marc ha lavorato in vari ruoli ad Asterix e la grande guerra (Asterix et le coup de menhir), Le Big-Bang e Pourquoi j’ai (pas) mangé mon père. Marc Boréal has a history of successfully bringing classics of children’s literature to the screen, especially in animated series including Corto Maltese, The NeverEnding Story, Kong, Les P’tits diables, Les Enfants d’Okura, Mot. Marc has worked in various positions in Asterix and the Big Fight, The Big Bang and Pourquoi j’ai (pas) mangé mon père. Thibaut Chatel A 25 anni Thibaut Chatel fonda lo studio di produzione Torpedo, per il quale dirige video musicali e pubblicità. Nel 1991 forma lo studio di animazione Animage con Frank e Jacqueline Monsigny Bertrand. Nel 2003 Thibaut ha fondato una nuova società di animazione, Label Anim. Ha scritto e diretto diverse serie animate: Kangoo Junior 2, Kung-Foot e Teletoon and Magic Planet. At 25, Thibaut Chatel founded Torpedo, a production company, and directed commercials and music videos. In 1991 he formed the Studio Animage team with Frank and Jacqueline Monsigny Bertrand. In 2003, Thibaut set up a new animation company, Label Anim. He wrote and directed several animated series: Kangoo Junior 2, Kung-Foot and Teletoon and Magic Planet.

Adapted from the French comic of the same name by Jean Régnaud and Émile Bravo, the film is set in the 1970s. In a small provincial town, the young Jean has begun elementary school. When the teacher asks him and his classmates the professions of their mothers and fathers Jean realizes he is not like the other children. He grows nervous and invents an answer: “My mom, is a secretary.” In reality, his mother is always travelling and often sends him postcards, that Michèle, Jean’s young neighbor, reads to him. Jean begins to daydream. But the truth is completely different and in the months between September and Christmas of that year Jean begins to understand what it is.

regia/direction Marc Boréal, Thibaut Chatel sceneggiatura/script Jean Régnaud, Stéphane Bernasconi fumetto originale/original comic Jean Régnaud, Émile Bravo montaggio/editing Valérie Dabos art direction Pascal Valdès character design Nathalie Biston - Benoît Prévot direttore dell’animazione/animation director Yvon Bizimana animazioni 3D/3D animation Cédric Gervais color design Carine Pascal musica/music Fabrice Aboulker voci/voices Marc Lavoine, Julie Depardieu, Tom Trouffier, Alice Orsat, Théo Benhamour, Anatole Lebon produttori/producers Thibaut Chatel, Guillaume Galliot, Anim Label produzione/production Label Anim, Studiocanal, Mélusine Productions distribuzione internazionale/international distribution Gebeka Films animazione 2D/2D animation DCP, colore/colour, 75’ lingua/language Francese/French

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Adattamento dell’omonimo fumetto francese di Jean Régnaud e Émile Bravo, il film è ambientato negli anni Settanta. In un paesino di provincia, il piccolo Jean ha iniziato la prima elementare. Quando la maestra chiede a lui e ai compagni la professione del padre e della madre, Jean capisce di non essere come gli altri, si agita e inventa una risposta: “mia mamma, è una segretaria”. In realtà, la madre è sempre in viaggio e spedisce spesso delle cartoline, che Michèle, la giovane vicina di Jean, gli legge. Jean inizia a fantasticare. Ma la verità è completamente diversa e nei mesi tra settembre e Natale di quell’anno Jean inizia a capirlo.

titolo originale/original title Ma maman est en Amérique, elle a rencontré Buffalo Bill

IN COMPETITION FILMS PLATINUM GRAND PRIZE

Rio 2096: A Story of Love and Fury 2013, Brasile Brazil Luiz Bolognesi Nato a San Paolo, Luiz Bolognesi ha scritto le sceneggiature dei film Bicho de Sete Cabeças (2001), presentato ai festival di Toronto e Locarno, vincitore al Trieste Film Festival; O Mundo em Duas Voltas (2006) e Chega de Saudade (2007), premiato per la miglior sceneggiatura. Insieme a Marco Bechis, Bolognesi ha scritto la sceneggiatura di BirdWatchers – La terra degli uomini rossi (2008), in competizione al Festival di Venezia. È anche lo sceneggiatore del film Le migliori cose del mondo (As Melhores Coisas do Mundo, 2010), premiato al Festival di Roma e a Recife, nonché del documentario Amazonia (2013), film di chiusura a Venezia. Rio 2096, a Story of Love and Fury (Uma História de Amor e Fúria, 2013), vincitore al Festival di Animazione di Annecy, è il suo primo lungometraggio da regista. Born in São Paulo, Luiz Bolognesi wrote the screenplay for Brainstorm (2001), Official Selection at Toronto and Locarno, winner at Trieste Film Festival; The World in Two Round Trips (2006) and The Ballroom (2007), which was awarded Best Screenplay. Together with Marco Bechis he wrote the screenplay for BirdWatchers (2008), which was in competition at Venice Film Festival. Luiz was also screenwriter for the film The Best Things in the World (2010), premiered at Rome Film Festival and awarded Best Screenplay at Recife Film Festival; and for the documentary Amazonia (2013), closing film at Venice Film Festival. Rio 2096, a Story of Love and Fury (2013), winner at Annecy International Animated Films, is his first feature film as director.

titolo originale/original title Uma História de Amor e Fúria

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regia/direction Luiz Bolognesi sceneggiatura/script Luiz Bolognesi montaggio/editing Helena Maura art direction Anna Caiado direttore dell’animazione/ animation director Bruno Monteiro musica/music Rica Amabis, Tejo Damasceno, Pupillo voci/voices Selton Mello, Camila Pitanga, Rodrigo Santoro supervisore di produzione/ production supervisor Daniel Greco produttori esecutivi/executive producers Caio Gullane, Fabiano Gullane, Sônia Hamburger produttori/producers Fabiano Gullane, Caio Gullane, Luiz Bolognesi, Laís Bodanzky, Marcos Barreto, Debora Ivanov, Gabriel Lacerda produzione/production Buriti Filmes, Gullane distribuzione italiana/Italian distribution GA&A Productions animazione 2D-3D/2D-3D animation Blu-ray, colore/colour, 98’ lingua/language Brasiliano/Brazilian

Premiato come Miglior Lungometraggio al Festival del Cinema d’Animazione di Annecy 2013, Uma História de Amor e Fúria ruota intorno alla storia d’amore tra Janaína e un guerriero indio che, sul punto di morire, si trasforma in uccello. Per oltre sei secoli questa storia d’amore rinasce, passando attraverso quattro fasi della storia brasiliana: la colonizzazione, la schiavitù, il regime militare e il futuro del 2096, quando a Rio de Janeiro si combatte una guerra per l’acqua. Durante tutti questi momenti, i due amanti lottano contro l’oppressione. il film può essere considerato una biografia non ufficiale di Rio de Janeiro. Winner at Annecy International Animated Film Festival for Best Feature Film in 2013, Rio 2096 – A Story of love and Fury revolves around the love between Janaína and an Indian warrior who, upon dying, takes the form of a bird. For over six centuries, the couple’s story flourishes, passing through four phases of Brazil’s history: colonization, slavery, military regime and the future, in 2096, when a war over water takes place in Rio de Janeiro. Throughout all these periods, the two lovers struggle against oppression. The film could be considered an unofficial biography of Rio de Janeiro.

PLATINUM GRAND PRIZE IN COMPETITION FILMS

Short Peace 2013, Giappone Japan Katsuhiro Otomo Classe 1954, Katsuhiro Otomo debutta come fumettista nel 1973. Nel 1983 pubblica i manga Sogni di bambini (Domu) e Akira, poi trasposto nell’omonimo film d’animazione del 1988. Dai suoi manga ha prodotto il film a episodi Memories (1995) e il kolossal Steamboy (2004). Born in 1954, Katsuhiro Otomo began working as a cartoonist in 1973. In 1983 he published the manga A Child’s Dream (Domu) and Akira, that it was turned into an animated film in 1988. We produced the omnibus film Memories (1995) and the colossal Steamboy (2004) based on his manga. Shuhei Morita Nato nel 1978, Shuhei Morita si è fatto notare con il corto animato in CG KakuRenBo (2004) e per la serie di OAV in computer grafica Freedom (2006), che vede la collaborazione al design di Katsuhiro Otomo. Born in 1978, Shuhei Morita became known as a director for his work on the CG animated short KakuRenBo (2004). He is also known for the series of OAV in the computer graphic film Freedom (2006), with the designs of Katsuhiro Otomo.

Hiroaki Ando Nato nel 1966, Hiroaki Ando ha iniziato a lavorare nell’animazione in CG per il film a episodi Memories (1995). Ha animato la CG dei film Metropolis (2001), Steamboy (2004) e Tekkonkinkreet (2006). È anche regista per le serie animate Tweeny Witches (2004) e Freedom (2006). Born in 1966, Hiroaki Ando entered to work in CG animation for the omnibus film Memories (1995). He worked to the CG for the films Metropolis (2001), Steamboy (2004) and Tekkonkinkreet (2006). He also directed episodes of the animated series Tweeny Witches (2004) and Freedom (2006).

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COMBUSTIBLE (HI NO YÔJIN) Nel XVIII secolo, Owaka, la figlia di un mercante, e il suo amico d’infanzia Matsukichi sono attratti l’uno dall’altra, ma Matsukichi viene rinnegato dalla sua famiglia. Nel frattempo, iniziano le trattative per combinare il matrimonio di Owaka. Un incendio spettacolare si staglia sullo sfondo dell’antica metropoli di Edo. It is the 18th Century; Owaka and her childhood friend Matsukichi are drawn to each other, but Matsukichi is disowned by his family. Meanwhile, negotiations begin for the arrangement of Owaka’s marriage. An epic spectacle set against the stage of the massive metropolis of Edo.

Hajime Katoki Nato nel 1963, Hajime Katoki è un designer e illustratore, famoso per il mecha design delle serie di Mobile Suit Gundam e l’ideazione dei relativi modellini e action figures. Si è occupato anche di design per videogiochi come VirtualOn e Super Robot Wars. Born in 1963, Hajime Katoki is a designer and illustrator. His most notable works are the mecha designs for the series Mobile Suit Gundam and the models and action figures he created in their image. He also works in videogame design for games such as Virtual-On and Super Robot Wars.

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regia/direction Katsuhiro Otomo (Combustible), Shuhei Morita (Possessions), Hiroaki Ando (Gambo), Hajime Katoki (Farewell to Weapons) sceneggiatura/script Katsuhiro Otomo, Shuhei Morita, Katsuhito Ishii, Kensuke Yamamoto, Hajime Katoki storia originale/original story Katsuhiro Otomo, Keisuke Kishi, Katsuhito Ishii fotografia/photography Jiro Tazawa montaggio/editing Takeshi Seyama art direction Junichi Taniguchi, Goki Nakamura, Yoshiaki Honma, Hiromasa Ogura character concept Yoshiyuki Sadamoto character design Hidekazu Ohara, Daisuke Sajiki, Yusuke Yoshigaki, Tatsuyuki Tanaka mechanical design Hajime Katoki, Kimitoshi Yamane direttore dell’animazione/animation director Tatsuya Tomaru, Hiroyuki Horiuchi, Yusuke Yoshigaki direttore della CG/CG director Shûji Shinoda, Ryûsuke Sakamoto, Masashi Kokubo, Makoto Wakama supervisore effetti visivi/ visual effects supervisor Takashi Hashimoto, Ryûsuke Sakamoto color design Yuichi Kuboki, Akiyo Yamaura musica/music Makoto Kubota, Reiji Kitazato, Hikaru Nanase, Tomohisa Ishikawa voci/voices Masakazu Morita, Saori Hayami, Aoi Yûki, Takeshi Kusao, Daisuke Namikawa, Mutsumi Tamura, Akio Ôtsuka animazione/animation Sunrise produzione/production Bandai Visual distribuzione internazionale/international distribution Dentsu Tec Inc. animazione 2D-3D/2D-3D animation Blu-ray, colore/colour, 68’ lingua/language Giapponese/Japanese

POSSESSIONS (TSUKUMO) Nel XVIII secolo, durante una notte di tempesta, un uomo vaga tra le montagne e si imbatte in un piccolo tempio sperduto. Quando vi entra, il luogo si trasforma improvvisamente in una stanza di un mondo differente. 18th Century. On a stormy night, deep in the mountains, a man loses his way and comes across a small abandoned shrine. When he enters, the space suddenly transforms into a room in a different world. GAMBO Alla fine del XVI secolo, una guerra civile è allo stadio finale. Nelle montagne a nord-est del Giappone appare un demone, che devasta un villaggio isolato. Una ragazzina del villaggio, di nome Kao, chiede l’aiuto di un misterioso orso bianco. Inizia così una feroce lotta tra il demone e l’orso. At the end of 16th century, during final moments of a civil war. A giant demon appears and plunders an isolated village in the mountains of northeast Japan. Meanwhile, a young girl from the village named Kao seeks help in a mysterious white bear. The fierce battle between the demon and the bear begins. FAREWELL TO WEAPONS (BUKI YO SARABA) In un futuro molto vicino, un drappello di cinque soldati protetti da tute corazzate attraversa le rovine di Tokyo immerse nel deserto e si imbatte in un carro-armato automatico chiamato GONK. Grazie al gioco di squadra e a una perfetta tattica di combattimento, riescono a respingere il nemico. Ma il gruppo viene messo alle strette... In the near future in Tokyo a platoon of five men armored in protective suits travels to city ruins in the middle of a desert and encounters an unmanned military tank called GONK. Using teamwork and precise combat, they are able to drive back the enemy. But, the platoon becomes forced into a tight corner…

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Gatchaman 2013, Giappone Japan

At the beginning of the 21st Century mankind is under attack by invaders Galactor. Within 17 days half of the civilization is annihilated. On the verge of extinction humankind’s only hope against the invaders are mysterious crystals called the Stones. These Stones empower certain humans who were born Receptors. Statistically there is only one Receptor in 8 million. After the International Science Organization combs the land for Receptors, the chosen few gather to train as special agents by Dr. Nambu. They are to be groomed as the ultimate weapon against the deadly invaders. These modern day ninjas, empowered by extraordinary Stones are called Gatchaman: Ken the Eagle, Joe The Condor, Jun the Swan, Jinpei the Swallow, Ryu the Owl.

Tôya Sato Figlio del regista Jun’ya Sato, Tôya è nato a Tokyo nel 1959. Entrato alla Nippon Television Network Corporation nel 1983, Tôya Sato ha diretto molti TV drama, tra cui The Straight News (Storeito Nyusu, 2000), The GokuSen (Gokusen, 2002-08), il live action di The Grave of Fireflies (Hotaru no Haka, 2005), My Boss is My Hero (Mai bosu mai hiro, 2006). Ha inoltre diretto i film Gokusen the Movie (2009), Kaiji (Kaiji: Jinsei gyakuten geimu, 2009) e Kaiji 2 (Kaiji 2: Jinsei dakkai geimu, 2011). Sato was born in 1959 in Tokyo. His father, Junya Sato was also a film director. Tôya Sato joined Nippon Television Network Corporation in 1983 and has directed many TV dramas since. Credits include, The Straight News (2000), The GokuSen (2002-08), the live action The Grave of Fireflies (2005), My Boss is My Hero (2006). Other movies he has directed include Gokusen the Movie (2009), Kaiji (2009) and Kaiji 2 (2011).

titolo originale/original title Gatchaman regia/direction Tôya Sato sceneggiatura/script Yûsuke Watanabe storia originale/original story Tatsunoko Production, Tatsuo Yoshida fotografia/photography Takahiro Tsutai montaggio/editing Yoichi Shibuya scenografia/art direction Yasuaki Harada character design Shinji Aramaki effetti visivi/visual effects Jun’ya Morita, Naomi Tanaka, Soltane Salah make up & hairstylist Michio Miyauchi costumi/costume designer Daisuke Iga musica/music Nima Fakhrara interpreti/main cast Tori Matsuzaka, Go Ayano, Ayame Goriki, Tatsuomi Hamada, Ryohei Suzuki, Eriko Hatsune, Ken Mitsuishi, Shidou Nakamura, Goro Kishitani produttori/producers Akira Yamamoto, Naoto Fujimura, Tadashi Tanaka produzione/production Django Film, NTV, Nikkatsu distribuzione internazionale/international distribution Nippon Television Network Corporation live action DCP, colore/colour, 109’ lingua/language Giapponese/Japanese

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All’inizio del 21° secolo, l’umanità viene attaccata dagli invasori Galactor: in soli 17 giorni metà della civiltà terrestre viene annientata. Sul punto di estinguersi, il genere umano ha una sola speranza: usare contro gli invasori dei misteriosi cristalli conosciuti semplicemente come Pietre. Queste Pietre forniscono superpoteri ad alcuni esseri umani, uno su 8 milioni, che sono nati come Recettori. Tra i Recettori rintracciati dall’International Science Organization, solo pochi eletti sono selezionati per diventare agenti speciali. Addestrati dal Dott. Nambu come arma finale contro i mortali invasori, questi moderni ninja con i superpoteri delle Pietre vengono chiamati Gatchaman: Ken l’aquila, Joe il condor, Jun il cigno, Jinpei la rondine, Ryu il gufo.

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Goool! 2013, Argentina/Spagna Argentina/Spain Juan José Campanella Dopo la laurea presso la scuola di cinema dell’Università di New York, Juan José Campanella ha iniziato la sua carriera negli Stati Uniti lavorando a serie TV come Dr. House e Law & Order: Special Victims Unit. Ha diretto e scritto i film El mismo amor, la misma lluvia (1999), Il figlio della sposa (2001), Luna de Avellaneda (2004) e Il segreto dei suoi occhi (2009) oltre all’acclamata serie TV spagnola Vientos de Agua (2006). Ha ricevuto due premi Emmy per il suo lavoro negli Stati Uniti ed è stato candidato due volte nella categoria miglior film straniero agli Oscar®, conquistando la statuetta nel 2010 per Il segreto dei suoi occhi e un Goya per il miglior film latinoamericano. After graduating from NYU film school, Juan José Campanella started his career in the US, working on TV series such as Dr House and Law and Order: Special Victims Unit. He wrote and directed the films The Same Love Same Rain (1999), The Son of the Bride (2001), Avellaneda’s Moon (2004) and The Secret in their Eyes (2009), as well as the critically acclaimed Spanish TV series Vientos de Agua (2006). Campanella was awarded two Emmys for his work in the United States and has been nominated twice in the best foreign film category at the Oscars®, winning in 2010 for the film The Secret in Their Eyes, which also won a Goya for the Best Latin America film. titolo originale/original title Metegol

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regia/direction Juan José Campanella sceneggiatura/script Juan José Campanella, Eduardo Sacheri, Gastón Gorali, Axel Kuschevatzky storia originale/original story Roberto Fontanarrosa fotografia/photography Félix Monti montaggio/editing Juan José Campanella art direction Nelson Luty, Mariano Epelbaum direttore dell’animazione/ animation director Sergio Pablos production design Nelson Luty, Mariano Epelbaum musica/music Emilio Kauderer voci/voices Pablo Rago, Miguel Angel Rodriguez, Fabian Gianola, Horacio Fontova, David Masajnik produttori/producers Jorge Estrada Mora, Ricardo Freixa, Roberto Schroeder, Modesto Rubio, Carlos Benito, Mikel Lejarza, Mercedes Gamero produzione/production 100 Bares Producciones, Catmandú Entertainment, Plural Jempsa, Atresmedia Cine, Antena 3 Films distribuzione italiana/italian distribution Koch Media animazione 3D/3D animation DCP, colore/colour, 105’ lingua/language Spagnolo/Spanish

Amadeo vive in un paesino sperduto. Lavora in un bar, gioca a calcio balilla meglio di chiunque altro ed è innamorato di Lara, anche se lei non lo sa. La sua semplice routine giornaliera crolla quando Asso, un giovane del suo paese diventa il miglior giocatore di calcio nel mondo. Un giorno torna a casa pronto per prendersi la rivincita nei confronti di Amadeo, che in passato l’aveva sconfitto a biliardino. Una volta distrutti il biliardino, il bar e il suo spirito, Amadeo scopre qualcosa di magico: i giocatori del suo amato calcio balilla possono parlare! Insieme a loro, inizia un viaggio avventuroso per salvare Lara, il paese e diventare una vera e propria squadra di calcio professionista. Ma ci sono miracoli nel calcio? Amadeo lives in a small, unknown village. He works in a bar, plays foosball better than anyone and is in love with Lara, although she doesn’t know it. His simple daily routine collapses down when Ace, a young man from his town becomes the best football player in the world. One day, he returns back to his hometown ready to take revenge because he was once defeated at foosball by Amadeo. Having his foosball table, his bar and even his soul destroyed, Amadeo discovers something magic: the players of his beloved foosball table can talk! Together, they will take an adventurous journey in order to save Lara, the village and become a competitive and proper football team. But, are there miracles in football?

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It’s Such a Beautiful Day 2012, USA Don Hertzfeldt Cineasta indipendente americano, Don Hertzfeldt è apprezzato in tutto il mondo per i suoi cortometraggi d’animazione, che hanno ricevuto oltre 200 premi. Tra i riconoscimenti di maggior rilievo vanno ricordati la Palma d’Oro per il cortometraggio Billy’s Balloon al Festival di Cannes 1999, una nomination agli Oscar® per il miglior corto animato (Rejected), il premio Lawrence Kasdan per il miglior film narrativo (Everything Will Be OK) e miglior film e miglior sceneggiatura al Fargo Film Festival (I Am So Proud of You). Nel 2010, a 33 anni, Don ha ricevuto al Festival Internazionale di San Francisco il premio “Persistence of Vision” alla carriera. Don Hertzfeldt is an American independent filmmaker whose animated films have screened around the world, collectively receiving over 200 awards. Some notable honors include a Short Film Palm D’Or nomination at the 1999 Cannes Film Festival (Billy’s Balloon), a 2001 Oscar® nomination for Best Animated Short (Rejected), the Lawrence Kasdan Award for Best Narrative Film (Everything Will Be OK), and Best Picture and Best Screenplay from the Fargo Film Festival (I Am So Proud of You). In 2010, Don received the San Francisco International Film Festival’s “Persistence of Vision” Lifetime Achievement Award at the age of 33.

L’animatore candidato all’Oscar® Don Hertzfeldt ha unito senza soluzione di continuità i suoi tre cortometraggi con protagonista il tormentato Bill, Everything Will Be OK (2006), I Am So Proud of You (2008), and It’s Such a Beautiful Day (2011), trasformandoli in un incredibile e comicamente grottesco nuovo lungometraggio. Tutti e tre i capitoli della storia sono stati interamente ripresi con una vecchia macchina da presa 35mm: costruita negli anni Quaranta, è una delle ultime macchine da presa di questo tipo sopravvissute ancora operanti in America, ed è stata indispensabile nella creazione delle immagini sperimentali e degli effetti visivi unici di questo film. Il nuovo lungometraggio di It’s Such a Beautiful Day riunisce l’intera storia di Bill per la prima volta, rimodellandola con nuovo materiale aggiuntivo. titolo originale/original title It’s Such a Beautiful Day regia/direction Don Hertzfeldt sceneggiatura/script Don Hertzfeldt montaggio/editing Brian Hamblin character design Don Hertzfeldt produzione/production Bitter Films distribuzione internazionale/ international distribution Bitter Films animazione 2D/2D animation Blu-ray, colore/colour, 65’ lingua/language Inglese/English

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Academy Award nominated animator Don Hertzfeldt has seamlessly combined his three short films about a troubled man named Bill, Everything Will Be OK (2006), I Am So Proud of You (2008), and It’s Such a Beautiful Day (2011), into a darkly comedic, beautiful new feature film. All three chapters of the story were captured entirely in-camera on an antique 35mm animation stand. Built in the 1940s, it is one of the last surviving cameras of its kind still operating in America, and was indispensable in the creation of the films’ unique visual effects and experimental images. It’s Such a Beautiful Day, the new feature film, brings Bill’s entire story together for the first time, remastered with additional new material.

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Marco Macaco 2012, Danimarca Denmark Jan Rahbek Nato nel 1980, Jan Rahbek si è diplomato in cinema d’animazione alla Scuola Nazionale di Cinema in Danimarca, dove ha relizzato diversi cortometraggi, tra cui Poor Bob (2005) e Mambo Grill (2006). Il suo cortometraggio di diploma, Space Monkeys (2008), ha vinto diversi premi in patria. Marco Macaco è il suo primo lungometraggio. Born in 1980, he majored in Animation Filmmaking at the Denmark National Film School, where he directed several short films, including Poor Bob (2005) and Mambo Grill (2006). His graduation short film Space Monkeys (2008) won many awards in his home country. Marco Macaco is his first feature length film.

titolo originale/original title Marco Macaco

CAST&CREW

regia/direction Jan Rahbek sceneggiatura/script Jan Rahbek, Thomas Borch Nielsen montaggio/editing Kirsten Skytte, Jan Rahbek art direction Anders Bierberg Hald, Christian Munk Siebenkäss character design Dan Harder, Jan Rahbek, Kim Hagen, Teddy Kristiansen, Tonni Zinck direttore dell’animazione/ animation director Tonni Zinck visual effects Daniel Silwerfeldt, Mikkel Jans, Luca Fattore musica/music Jonas Severin voci/voices Peter Frödin, Mille Hoffmeyer Lehfeldt, Rune Tolsgaard, Tommy Kenter animazione/animation Touraj Khosravi, Esben Jespersen, Carina Løvgreen, Michael Bech, Tue Toft Sørensen, Elin Andersson produttori/producers Thomas Borch Nielsen, Nynne Selin Eidnes produzione/production Nice Ninja ApS distribuzione internazionale/ international distribution Danish Film Institute animazione 3D/3D animation Blu-ray, colore/colour, 75’ lingua/language Danese/Danish

Nei suoi sogni, Marco Macaco è un poliziotto cool in grado di sventare i crimini peggiori. In realtà è solo un guardiano della spiaggia, su un’isola tropicale dove non sembra accadere mai nulla. Le sue speranze di conquistare il cuore della bella Lulu sembrano andare in frantumi quando l’affascinante Carlo arriva sull’isola per costruire un gigantesco Casinò a forma di scimmia, proprio sulla spiaggia di Marco. Geloso e sospettoso del rivale, Marco inizia un’indagine sotto copertura e scopre l’incredibile verità: Carlo vuole prendere possesso dell’isola e diventare presidente! Quando Marco tenta di arrestare Carlo, sorge un problema: letteralmente da terra! Perché il Casinò di Carlo è un robot gigante... In his dreams, Marco Macaco is a cool cop solving major crimes – in fact, he is just a dedicated beach officer on a tropical island where nothing seems to happen. His hopes to win beautiful Lulu’s heart get shattered when charming Carlo arrives on the island to build a gigantic monkey-shaped casino right on Marco’s beach. Jealous and suspicious of his rival, Marco starts an undercover investigation and reveals the incredible truth: Carlo wants to take over the island and instate himself as president! When Marco tries to arrest Carlo a problem rises. Literally from the ground! Because Carlo’s Casino is a giant robot....

PREMIERE OUT OF COMPETITION FILMS

McDull: The Pork of Music 2012, Hong Kong/Cina Hong Kong/China

Springfield Kindergarten is desperately in need of money - The principal is behind on the rent, and the electricity is getting cut off. After a fundraising dinner ends in spectacular failure, the music-loving principal decides to form a student choir as last resort. With the help of a shady talent manager named Big M, the Springfield Kindergarten Choir becomes a huge success, and little McDull discovers that a little thickness really can make a great voice.

Brian Tse Brian Tse è autore, produttore e direttore creativo del famoso maialino McDull. Nel 1997 Tse ha iniziato a produrre la serie animata per la TV McDull. Nel 2001, ha prodotto il film d’animazione hongkonghese di più grande successo, My Life as McDull. Nel 2004 ha realizzato il secondo film, McDull, Prince de la Bun. Nel terzo lungo, McDull, The Alumni (2006), ha combinato animazione e live action. Il quarto film, McDull, Kung Fu Kindergarten (2009), è una parodia animata dei film d’arti marziali. Brian Tse is author, producer and creative director of the famous animal character McDull. Since 1997, Tse started the production of McDull animation TV series. In 2001, he produced the most successful Hong Kong made feature animation My Life as McDull. In 2004, he produced the second movie, McDull, Prince de la Bun. His third feature McDull, The Alumni (2006) combined animation with live motion pictures. The forth feature McDull, Kung Fu Kindergarten (2009) was a humorous martial arts animation movie.

titolo originale/original title Màidōu· dāng dāng bàn wǒ xīn Brian Tse sceneggiatura/script Brian Tse storia originale/original story Brian Tse, Alice Mak art direction Alice Mak, Yeung Hok Tak character design Alice Mak musica/music NG Chek Yin voci/voices Sandra Ng Kwun Yu, Anthony Wong, Ronald Cheng, The Pancakes produttore producer Brian Tse produzione/production Bliss Concepts Ltd. distribuzione internazionale/ international distribution Bliss Concepts Ltd. animazione 2D 2D animation Blu-ray, colore colour, 80’ lingua/language Cantonese Cantonese

CAST&CREW

L’asilo Springfield è alla disperata ricerca di denaro: il preside è indietro con l’affitto e la corrente elettrica è stata tagliata. Dopo che una cena di raccolta fondi si è conclusa in un completo fallimento, il preside, appassionato di musica, decide di formare un coro studentesco come ultima spiaggia. Con l’aiuto di un oscuro e talentuoso manager, chiamato Big M, il coro dell’asilo Springfield ottiene un enorme successo, e il piccolo McDull capisce che un po’ di pancetta può davvero fornire una gran voce.

OUT OF COMPETITION FILMS PREMIERE

Rio 2 2014, USA Carlos Saldanha Nato in Brasile a Rio de Janeiro, Carlos Saldanha si laurea alla Scuola d’Arti Visive di New York nel 1993, dopo aver realizzato due corti animati, The Adventures of Korky, the Corkscrew (1992) e Time For Love (1993). Nel 1993 entra negli studi Blue Sky di Chris Wedge. In coppia con Chris Wedge, Saldanha dirige il primo film animato di Blue Sky, L’era glaciale (2002), e poi Robots (2005). Nel 2002 Saldanha realizza il cortometraggio animato Gone Nutty, quindi prende le redini della regia con L’era glaciale 2 – Il disgelo (2006). Il capitolo successivo, L’era glaciale 3 – L’alba dei dinosauri (2009), ottiene anche più successo. Nel 2011 Saldanha crea e dirige Rio. Born in Rio de Janeiro, Brazil, Carlos Saldanha graduated with honors at New York’s School of Visual Arts in 1993, after completing two animated shorts, The Adventures of Korky, the Corkscrew (1992) and Time For Love (1993). In 1993 he joined to Chris Wedge in Blue Sky Studios. Saldanha teamed with Chris Wedge to co-direct Blue Sky’s first animated features, Ice Age (2002), and then Robots (2005). In 2002 Saldanha directed the animated short film Gone Nutty. Saldanha took the directorial reins on Ice Age: The Meltdown (2006). Next came the even more successful Ice Age: Dawn of the Dinosaurs (2009). In 2011, Saldanha created and directed Rio.

titolo italiano/italian title Rio 2 – Missione Amazzonia

CAST&CREW

regia/direction Carlos Saldanha sceneggiatura/script Don Rhymer, Carlos Saldanha montaggio/editing Jason Fricchione character animation Gianluca Fratellini character design Andrew Hickson art direction Isaac Holze direttore dell’animazione/ animation director Heath A. Hollingshead fotografia/photography Renato Falcão musica/music John Powell, Janelle Monae, Wondaland voci/voices Jesse Eisenberg, Anne Hathaway, Bruno Mars, Jamie Foxx, Andy Garcia, John Leguizamo, Kristin Chenoweth, Rita Moreno animazione/animation Blue Sky Studios produttori/producers Bruce Anderson, John C. Donkin produzione/production 20th Century Fox distribuzione italiana/Italian distribution 20th Century Fox animazione 3D/3D animation DCP, colore/colour, 102’ lingua/language Inglese/English

È una giungla là fuori per i papagallini Blu, Gioiel e i loro tre piccoli, dopo che si sono trasferiti dalla magica città di Rio nella selvaggia Amazzonia per una riunione di famiglia. Fuori dal suo elemento, in una terra che non conosce, Blu deve affrontare il suo più temibile avversario, il suocero, mentre cerca di sventare i diabolici piani di vendetta di Nigel, pennuto al soldo dei bracconieri. Rio 2 vede la partecipazione di nuovi artisti brasiliani e la musica originale di Janelle Monae e Wondaland. It’s a jungle out there for the parrots Blu, Jewel and their three kids, after they venture from that magical city of Rio into the wilds of the Amazon for a family reunion. Out of his element in a land he doesn’t know, Blu must face his most fearsome adversary - his father-in-law while evading Nigel’s, who is in debt to fiendish poachers, plans for revenge. Rio 2 also features new Brazilian artists and original music by Janelle Monae and Wondaland.

PREMIERE OUT OF COMPETITION FILMS

The Wind Rises 2013, Giappone Japan Jiro sogna di volare e di progettare splendidi aeroplani, ispirati dal famoso ingegnere aeronautico italiano Caproni. Miope dall’infanzia e quindi impossibilitato a diventare pilota, Jiro entra a lavorare in una delle più importanti ditte aeronautiche giapponesi nel 1927 e diviene uno dei progettisti di aerei più innovativi al mondo. Il film ripercorre gran parte della sua vita, raccontando i gli eventi storici, tra cui il grande Terremoto del Kanto del 1923, la Grande Depressione, l’epidemia di tubercolosi e l’entrata in guerra del Giappone. Jiro conosce Nahoko e se ne innamora, coltiva e conserva l’amicizia con il collega Honjo e realizza innovazioni straordinarie, proiettando il mondo dell’aviazione verso il futuro. L’autore Hayao Miyazaki trae ispirazione dalle storie vere dell’ingegnere Jiro Horikoshi e dello scrittore Tatsuo Hori, in questa epica storia d’amore, di determinazione e di sfida per vivere le proprie scelte in un mondo tumultuoso.

Hayao Miyazaki Nato a Tokyo nel 1941, Hayao Miyazaki inizia la sua carriera come animatore alla Toei Animation, dove conosce il regista Isao Takahata. Nel 1978 dirige la serie TV Conan, il ragazzo del futuro (Mirai shônen Conan) e nel 1979 il film Lupin III: Il castello di Cagliostro (Lupin III: Cagliostro no shiro). Nel 1985 fonda con Takahata lo Studio Ghibli, con il quale realizza Il castello nel cielo (Tenkû no shiro Rapyuta, 1986), Il mio vicino Totoro (Tonari no Totoro, 1988), Kiki consegne a domicilio (Majo no takkyûbin, 1989), Porco Rosso (1992). Con La città incantata (Sen to chihiro no kamikakushi, 2001) conquista l’Orso d’Oro alla Berlinale e l’Oscar®. Nel 2004 Il castello errante di Howl (Howl’s Moving Castle) riceve l’Osella d’Oro alla Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia. Born in Tokyo in 1941, Hayao Miyazaki began his career as an animator at Toei Animation, where he met the director Isao Takahata. In 1978 he directed the TV series Future Boy Conan and in 1979 the film Lupin the Third: Castle of Cagliostro. In 1985 he and Takahata founded the Ghibli Production Studio, where they made Castle in the Sky (1986), My Neighbor Totoro (1988), Kiki’s Delivery Service (1989) and Porco Rosso (1992). With Spirited Away (2001) they conquered the Golden Bear of the Berlin International Film Festival and the Oscar®. In 2004 Howl’s Moving Castle received the Osella d’Oro prize at the Venice International Film Festival.

Jiro dreams of flying and designing beautiful airplanes, inspired by the famous Italian aeronautical designer Caproni. Nearsighted from a young age and unable to be a pilot, Jiro joins a major Japanese engineering company in 1927 and becomes one of the world’s most innovative and accomplished airplane designers. The film chronicles much of Jiro’s life, depicting key historical events, including the Great Kanto Earthquake of 1923, the Great Depression, the tuberculosis epidemic and Japan’s plunge into war. Jiro meets and falls in love with Nahoko, and grows and cherishes his friendship with his colleague Honjo. Writer and director Hayao Miyazaki pays tribute to engineer Jiro Horikoshi and author Tatsuo Hori in this epic tale of love, perseverance, and the challenges of living and making choices in a turbulent world.

regia/direction Hayao Miyazaki sceneggiatura/script Hayao Miyazaki fotografia/photography Atsushi Okui montaggio/editing Takeshi Seyama art direction Yôji Takeshige character design Kitaro Kôsaka, Katsuya Kondô direttore dell’animazione/ animation director Kitaro Kôsaka supervisore delle animazioni chiave/key animation supervisor Katsuya Kondô color design Michiyo Yasuda musica/music Joe Hisaishi voci/voices Hideaki Anno, Miori Takimoto, Hidetoshi Nishijima, Masahiko Nishimura, Steve Alpert animazione/animation Studio Ghibli produttore esecutivo/executive producer Koji Hoshino produttore/producer Toshio Suzuki distribuzione italiana/Italian distribution Lucky Red animazione 2D/2D animation DCP, colore/colour, 126’ lingua/language Giapponese/Japanese

CAST&CREW

titolo originale/original title Kaze tachinu

FUTURE FILM SHORT

Future Film Short 2014 La Giuria The Jury Il Future Film Festival riceve ogni anno centinaia di cortometraggi da tutto il mondo, realizzati con le più svariate tecniche di animazione e di effetti speciali. Il concorso Future Film Short si conferma quindi una vetrina delle migliori produzioni internazionali realizzate negli ultimi due anni: anche quest’anno, al tradizionale premio del pubblico, si affianca il Premio Provincia di Bologna, assegnato da una giuria di autori ed esperti: Every year the Future Film Festival receives hundreds of short films from all around the world. They are made in a variety of ways, using all sorts of animation techniques and special effects. Therefore the competition of the Future Film Short displays the very best in international production over the past two years. This year, next to the traditional prize there is the Province of Bologna Award, assigned by a jury of authors and experts:

Mario Bellina

Autore televisivo e sceneggiatore specializzato in programmi per l’infanzia (L’Albero Azzurro) e serie animate (Le straordinarie avventure di Jules Verne), Mario Bellina insegna sceneggiatura per l’animazione alla Bottega Finzioni di Bologna e coordina il corso di animazione paperless dello IED di Roma. Fondatore del gruppo di scrittura Monkey4, collabora con i maggiori festival italiani di animazione. Tra le sue pubblicazioni vi sono libri umoristici, per l’infanzia, e saggi sul cinema e sul mondo dell’animazione (Flash Revolution).

Television writer and screenwriter specializing in children’s TV shows (L’Albero Azzurro) and animated series (Le straordinarie avventure di Jules Verne). Mario Bellina teaches screenwriting for animation at Bottega Finzioni in Bologna and coordinates the course in paperless animation at IED Rome. He is the founder of the writing collective Monkey4, collaborating with major Italian animation festivals. Among his publications there are books of humour, books for children and essays on cinema and the world of animation (Flash Revolution).

Maura Pozzati

Docente di Storia e metodologia della critica d’arte all’Accademia di Belle Arti di Brera, Maura Pozzati si occupa di arte contemporanea e di didattica dell’arte. Ha pubblicato vari libri e saggi tra cui: Nel segno di Giacometti (1995); Alberto Giacometti. Il mio lungo cammino. Conversazioni (1998), 3D. La scultura contemporanea: luoghi, spazi, materiali (2002); Nicola Renzi. Siamo sempre soggetti (2003), L’arte come amante. Da una collezione privata contemporanea (2007); Racconti d’arte. Quando le parole incontrano le immagini (2013). Scrive sul «Corriere di Bologna», inserto regionale del «Corriere della Sera».

Silvia Ziche

Dopo aver pubblicato le sue prime tavole su «Linus» nel 1987, Silvia Ziche approda sulle pagine di «Cuore», «Smemoranda», «Topolino», «Comix». Nel tempo si sono susseguite varie altre collaborazioni a periodici, più alcune uscite in libreria. In generale, alterna la scrittura di lunghe storie a puntate (Disney), alla ideazione di strisce e vignette. Prosegue, in parallelo, una costante collaborazione con le testate Disney, oltre a una produzione autonoma. Il suo personaggio più recente, Lucrezia, appare settimanalmente sulle pagine di «Donna Moderna» e, saltuariamente, in libreria.

Instructor of History and Methodologies for Art Criticism at the Accademia di Belle Arti di Brera, Maura Pozzati works in contemporary art and art pedagogy. She has published various books and essays among which are: Nel segno di Giacometti (1995); Alberto Giacometti. Il mio lungo cammino. Conversazioni (1998); 3D. La scultura contemporanea: luoghi, spazi, materiali (2002); Nicola Renzi. Siamo sempre soggetti (2003), L’arte come amante. Da una collezione privata contemporanea (2007); Racconti d’arte. Quando le parole incontrano le immagini (2013). She writes for the «Corriere di Bologna,» the regional section of «Corriere della Sera.»

After publication of her first strips on «Linus» in 1987, Silvia Ziche arrived on the pages of «Cuore,» «Smemoranda,» «Topolino» and «Comix.» During that time she also pursued various other collaborations and some books were published. In general, she alternates writing long stories in episodes (Disney) and creating strips and vignettes. At the same time, she works in a constant collaboration on projects with Disney and independent productions. Her most recent character is Lucrezia, who appears weekly in the pages of «Donna Moderna» and occasionally in bookstores.

FUTURE FILM SHORT Abita Shoko Hara, Paul Brenner 2013 Germania Germany 3’50’’

Airy Me Yoko Kuno CaRTe bLaNChe 2013 Francia France 5’38’’

Alone So’ Nuni Fragata 2013 Portogallo Portugal 6’30’’

Along The Way Chemin Faisant Schwizgebel Georges 2012 Svizzera Switzerland 3’30’’

Annie Léa Justum, Chloé Nicolay, Laura Pannetier, Taylor Price, Xavier Sailliol Gobelins 2013 Francia France 2’40’’

Ants’ Songs Sasha Svirsky 2014 Russia 12’45’’

Around the Lake Autour du Lac Noemie Marsily, Carl Roosens 2013 Belgio Belgium 5’06’’

Astigmatismo Nicolai Troshinsky 2013 Spagna Spain 4’

Balance Mara Fradella 2013 Regno Unito United Kingdom 5’13’’

Batz Max Maleo, Aurelien Prédal 2013 Francia France 7’24’’

Beans Alvise Avati 2013 Regno Unito United Kingdom 47’’

La bête Vladimir Mavounia-Kouka Caïmans Productions 2013 Francia France 8’

Beyond the Lines Chloé Bonnet, Séraphin Guery, Elodie Houard, Baptiste Lebouc, Pierre Tarsiguel ESMA 2013 Francia France 5’30’’

Billie’s Blues Louis J. Gore 2013 Francia France 13’25’’

FUTURE FILM SHORT

Bird Father Yoo-Ri Kim, KiafaAniseed 2013 Corea del Sud South Korea 10’

Blue & Malone Detective Imaginarios Abraham López, Marcos Valín OFF ECAM 2013 Spagna Spain 20’

Briganti Senza Leggenda Gianluigi Toccafondo 2013 Francia France 14’39’’

Burka Avenger Aaron Haroon Rashid 2013 Pakistan 22’

Canis Mark Riba, Anna Solanas 2013 Spagna Spain 17’

Canti della Forca Stefano Bessoni 2013 Italia Italy 16’13’’

El Canto Ines Sedan 2013 Francia France 8’30’’

Cargo Cult Bastien Dubois Sacrebleu 2013 Francia France 11’20’’

Catch a lot Yohann Clément, Roman Dumez, Richard Lim, Kévin Palluet, Martyn Stofkooper, Jean-Marie Vouillon ArtFx 2013 Francia France 3’47’’

Cats in the Pool Kim Bo-kyoung Kiafa AniSeed 2013 Corea del Sud South Korea 8’

Chinti Natalia Mirzoyan 2012 Russia 8’15’’

Coincidenze Paola Luciani 2013 Italia Italy 4’51’’

Comme 3 Pommes Fabrice Robin 2013 Francia France 11’13’’

Cool Lulù Cancrini, Marco Varriale 2013 Italia Italy 3’07’’

FUTURE FILM SHORT Déjà-moo Der Notfall Stefan Müller 2013 Germania Germany 9’59’’

Dip n’ Dance Hugo Cierzniak 2013 Francia France 6’15’’

Donna Maria Alessandro Rak 2013 Italia Italy 3’17’’

Don’t Fear Death Louis Hudson 2013 Regno Unito United Kingdom 3’03’’

Double Occupancy Zweibettzimmer Fabian Giessler 2012 Germania Germany 9’22’’

Dreamless Daniel Valle Esdip School of Art 2013 Spagna Spain 6’

Drunker Than a Skunk Bill Plympton 2013 USA 3’30’’

East End Nicolas Balas, Rémi Cauquil, Clément Domergue, Camille Fourniols, Marie-Lou Gely 2013 Francia France 7’

Electrodoméstico Erik De Luna 2013 Messico Mexico 13’

Entracte Valentin Dely, Damien Garrigue, Laury Guintrand, Valentine Hemery, Clélia Magurno ESMA 2013 Francia France 5’05’’

Eugenia Deborah Cywiner 2013 Israele Israel 14’05’’

Ex Animo Wojciech Wojtkowski Polish Film Institute 2013 Polonia Poland 6’52’’

Fat & Skinny Gruby i Chudy Aleksandra Brozyna 2005 Polonia Poland 8’41’’

Fight Steven Subotnick 2012 USA 3’45’’

FUTURE FILM SHORT

Floating in my Mind Helene LaRoux Gobelins 2013 Francia France 3’08’’

Fly David Uloth 2012 Canada 2’50’’

Fol’Amor Marthe Delaporte, Maïlys Garcia, Augustin Clermont, Gilles Cortella, Clément De Ruyter, Pierre Rütz, Gaspard Sumeire Gobelins 2013 Francia France 2’23”

Forward, March! Pierrick Barbin, Rimelle Khayat, Loïc Le Goff, Guillaume Lenoël, Garrick Rawlingson ESMA 2013 Francia France 4’21’’

Fresh Guacamole Pes 2012 USA 1’40’’

Futon Yoriko Mizushiri CaRTe bLaNChe 2012 Giappone Japan 6’02’’

Greenfields Luis Betancourt, Benjamin Vedrenne, Joseph Coury, Michel Durin, Charly Nzekwu Supinfocom 2013 Francia France 7’05’’

High Wool Moritz Mugler Filmakademie Baden-Württemberg GmbH 2013 Germania Germany 2’22’’

Hollow Land Uri Kranot 2013 Danimarca Denmark 14’

Home Sweet Home Pierre Clenet, Alejandro Diaz, Romain Mazenet, Stéphane Paccolat Supinfocom 2013 Francia France 10’

Hotzanak, for your own Safety Izibene Oñederra Eusko Jauraritza / Gobierno Vasco 2013 Spagna Spain 5’11’’

The House of Dust La Maison de Poussière Jean-Claude Rozec, Vivement Lundì 2013 Francia France 11’35’’

The Hungry Corpse Gergely Wootsch Rankin Film Production 2013 Regno Unito United Kingdom 10’

Ici, Là et Partout Sawako Kabuki CaRTe bLaNChe 2014 Giappone Japan 2’09’’

FUTURE FILM SHORT Juan Lives Laísa Ramthun, Luciana Ramos 2012 Brasile Brazil 12’42’’

Juste de l’Eau Patrick De Carvalho 2014 Francia France 4’42’’

Kamienica Agnieszka Burszewska 2013 Polonia Poland 12’43’’

Kick-Heart Masaaki Yuasa Production I.G 2013 Giappone Japan 12’29’’

Land Masanobu Hiraoka 2013 Francia France 3’41’’

Leucotopia Mehdi Louala, Geoffrey Godet, Nicolas Lejeune, Céline Hermann, Simon Legrand Supinfocom 2013 Francia France 8’

Life With No Tricks Anne-Laure Daffis, Leo Marchand 2013 Francia France 26’

Love Game Yumi Joung CaRTe bLaNChe 2013 Corea del Sud South Korea 15’50”

M.o.M Margherita Premuroso 2014 Regno Unito United Kingdom 2’37’’

Maman Ugo Bienvenu, Kevin Manach Miyu Production 2013 Francia France 5’

The Master’s Voice: Caveirao Guillherme Marcondes Autour de Minuit 2013 Francia France 11’

Meet Meat Eve Guastella, Maël Jaouen, Christine Shin, Juliaon Roels, David Martins Da Silva Gobelins 2013 Francia France 2’16’’

The Mega Plush Matthew Burniston 2013 USA 4’

The Missing Scarf Eoin Duffy 2013 Canada 6’35’’

FUTURE FILM SHORT

Mister Mirror Man El don de los espejos Mara Soler Guitián IMCINE 2014 Messico Mexico 9’39’’

Mite Volbers Walter 2013 Germania Germany 3’38’’

Mr Hublot Laurent Witz 2013 Lussemburgo Luxemburg 11’48’’

Myosis Emmanuel Asquier-Brassart, Ricky Cometa, Guillaume Dousse, Adrien Gromelle, Thibaud Petitpas Gobelins 2013 Francia France 3’14”

Navajo Song Roman Sokolov 2012 Russia 6’30’’

New Tokyo Ondo NuQ CaRTe bLaNChe 2012 Giappone Japan 4’52’’

Night Lights Tatiana & Marina Moshkova 2012 Russia 1’

Nuisible Tom Haugomat, Bruno Mangyoku Avalon - Cube Creative 2013 Francia France 12’

Origami David Pavon 2013 Spagna Spain 5’52’’

Padre Santiago Bou Grasso 2013 Francia France 11’55’’

Passing Hamish Lambert 2013 Canada 5’09’’

Planets Igor Imhoff 2012 Italia Italy 9’11’’

Portraits de Voyages, Côte d’Ivoire: Le Wax Bastien Dubois Sacrebleu Production 2013 Francia France 3’

Portraits de Voyages, Pakistan: Le Basant Bastien Dubois Sacrebleu Production 2013 Francia France 3’

FUTURE FILM SHORT Portraits de Voyages, Senegal: Sabar Bastien Dubois Sacrebleu Production 2013 Francia France 3’

Premier Automne Carlos De Carvalho, Aude Danset 2013 Francia France 10’30”

Quälen Rebecca Blöcher Aug&ohr Medien M. Kaatsch, J. Hardt & Co. GbR 2013 Germania Germany 4’03’’

The Railway Watchman Piotr Szczepanowicz Stowarzyszenie Filmowców Polskich - Studio Munka 2013 Polonia Poland 11’

Reality 2.0 Victor Orozco Ramirez Hamburg Academy of Fine Arts 2013 Germania Germany 11’

The Ringer Chris Shepherd Autour de Minuit / Hornet Films 2013 Francia France 17’

Rinkaku Keita Kurosaka CaRTe bLaNChe 2012 Giappone Japan 6’47’’

Le Scenariste Fanny Brotot, Loic Degenève, Nicolas Joly, Marion Walle, Emilie Zamiri Supinfocom 2013 Francia France 7’08’’

Shades of Gray Alexandra Averyanova 2014 Russia 6’18’’

Simpsons Channel Changer Bill Plimpton 2013 USA 44’’

Sneeze Paolo Ferro, Francesco Gallo, Domitilla Pirro 2013 Italia Italy 2’21’’

Snowflake Natalia Chernysheva 2012 Francia France 5’46’’

Socksewer Street Sukkavartaankatu 8 Elli Vuorinen 2013 Finlandia Finland 6’30’’

Sonata Nadia Micault Autour de Minuit 2013 Francia France 11’

FUTURE FILM SHORT

Spotted Yoann Bomal, Estelle Chaloupy, Cyrille Chauvin, Sarah Colmet-Daage, Karina Gazizova, Jeanne Sylvette Giraud Gobelins 2013 Francia France 3’28’’

Stardust Mischa Rozema 2013 Olanda Netherlands 4’

Sticky Jilli Rose 2014 Australia 19’50”

Stop the Show Max Hattler 2013 Regno Unito United Kingdom 1’

Tales of Wizard Cousas de Meigas Ivan Fernandez 2013 Spagna Spain 8’30’’

A Town Called Panic: the Christmas Log La Buche de Noel Vincent Patar, Stephane Aubier Aubier Autour de Minuit 2013 Francia France 26’

Tulkou Mohamed Fadera, Sami Guellaï 2013 Francia France 11’

Unicorn Blood Pedro Rivero 2005 Spagna Spain 9’

Usalullaby Asami Ike CaRTe bLaNChe 2013 Giappone Japan 5’33’’

Vudu Dolls Riccardo Boccuzzi, Raimondo Della Calce 2013 Italia Italy 15’

Way Home Lee Sohyun Kiafa AniSeed 2013 Corea del Sud South Korea 7’08”

When You Broke My Heart Laura Fleischmann, Charles Lemor, Anaïs Gresser, Anna Masquelier, Lisa Fenoll Supinfocom 2013 Francia France 7’

Wind Robert lobel Aug&ohr Medien M. Kaatsch, J. Hardt & Co. GbR 2013 Germania Germany 3’49’’

The Wires Tatiana & Marina Moshkova 2014 Russia 7’13’’

FUTURE FILM SHORT Wonder Mirai Mizue CaRTe bLaNChe 2014 Giappone Japan 8’08’’

XYZtopia Martinus Klemet 2013 Estonia 14’19’’

Yet, the Best Universe Ever Edoardo Palma 2013 Italia Italy 10’14’’

You Were So Precious Mi-Young Baek La Fabrique Production 2012 Corea del Sud South Korea 20’

Yuki Onna Jiri Barta 2012 Repubblica Ceca Czech Republic 14’

SPECIAL EVENTS EVENTI SPECIALI

Dietro le quinte di Rio 2 Carlos Saldanha Carlos Saldanha   Nato in Brasile a Rio de Janeiro, Carlos Saldanha si laurea alla Scuola d’Arti Visive di New York nel 1993, dopo aver realizzato due corti animati, The Adventures of Korky, the Corkscrew (1992) e Time For Love (1993). Qui Saldanha incontra Chris Wedge, uno dei fondatori degli studi Blue Sky, che nel 1993 lo invita a unirsi al suo gruppo di artisti. Per lo studio Saldanha è supervisore animatore nel film Joe’s Apartment (1996) e direttore dell’animazione dei personaggi digitali in Fight Club (1999). In coppia con Chris Wedge, Saldanha dirige il primo lungometraggio animato di Blue Sky, L’era glaciale (2002), e poi Robots (2005). Nel 2002 Saldanha realizza il cortometraggio animato Gone Nutty, quindi prende le redini della regia con L’era glaciale 2 – Il disgelo (2006). Il capitolo successivo, L’era glaciale 3 – L’alba dei dinosauri (2009), ottiene anche più successo. Nel 2011 Saldanha crea e dirige Rio, una dichiarazione d’amore alla sua città natale. Born in Rio de Janeiro, Brazil, Carlos Saldanha graduated with honors at New York’s School of Visual Arts in 1993, after completing two animated shorts, The Adventures of Korky, the Corkscrew (1992) and Time For Love (1993). Here Saldanha met Chris Wedge, one of the co-founders of Blue Sky Studios, who invited him to join their growing team of artists in 1993. Saldanha was Blue Sky’s supervising animator in the feature film Joe’s Apartment (1996) and the director of animation for the computer generated characters in Fight Club (1999). Saldanha teamed with Chris Wedge to co-direct Blue Sky’s first animated features, Ice Age (2002), and then Robots (2005). In 2002 Saldanha directed the animated short film Gone Nutty. Saldanha took the directorial reins on Ice Age: The Meltdown (2006). Next came the even more successful Ice Age: Dawn of the Dinosaurs (2009). In 2011, Saldanha created and directed Rio, a love letter to his hometown.

20th Century Fox - Blue Sky Studios Rio 2 (2014 USA) Carlos Saldanha

Negli ultimi venticinque anni la tecnologia e l’arte sono stati il cuore e l’essenza del mio modo di fare cinema. Dal mio primo cortometraggio animato Time for Love al mio ultimo film Rio 2, ho tentato costantemente di spingermi in avanti e costruire il processo creativo da utilizzare per produrre un film animato in CG. In oltre due decenni, con l’aiuto di tecnologie sempre più avanzate e dell’incredibile talento dei miei colleghi ai Blue Sky Studios, sono stato in grado di condividere visivamente le mie storie sul grande schermo. Subito dopo la mia laurea presso la Scuola di Arti Visive a New York, nel 1993 sono entrato a lavorare nel team dei Blue Sky Studios. Da allora, ho partecipato a questa veloce e continua rincorsa, esplorando e apprendendo come la tecnologia sia sempre all’avanguardia nella continua evoluzione del nostro mezzo. L’era glaciale è stato il primo vero lungometraggio creato da Blue Sky. I nostri protagonisti dell’era preistorica dovevano essere completamente ricoperti di peli. Purtroppo la nostra tecnologia e i software dell’epoca avevano dei limiti, ma questi a loro volta ci servivano come stimolo per farci individuare una tecnica di creazione texture che finiva per delineare lo stile e i personaggi del film. Queste prime limitazioni spingevano le conoscenze tecniche e creative degli studi Blue Sky a ridefinire il processo e migliorare l’aspetto dei film successivi. La capacità comica di un folle scoiattolo all’inseguimento della sua ghianda non ha solo compensato i limiti tecnici, ma ci ha anche motivati a migliorare. Sapevamo che tutti avrebbero voluto vederlo di nuovo. Blue Sky ha continuato ad alzare il livello di ciò che il connubio fra arte e tecnologia è in grado di portare sullo schermo, attraverso i film Robots, L’era glaciale 2 – Il disgelo e L’era glaciale 3 – L’alba dei dinosauri. Quando ho avuto l’opportunità di raccontare una storia più personale mi sono catapultato nella realizzazione di Rio. Dovevo trovare un modo giusto per raccontare al pubblico la storia di Blu, che fosse sincero ma anche pieno di vita, colore e musica della mia città: Rio de Janeiro. Con il supporto dei nostri artisti e maghi della tecnologia abbiamo alzato di nuovo la posta in gioco, creando uccelli con piume che sembravano vere, ballerine con copricapo in un mondo con giungle miniaturizzate e svariati scenari sullo sfondo del Carnevale, la più grande festa del mondo.

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Sull’onda del successo di Rio la festa doveva continuare e perciò abbiamo fatto di nuovo un salto nel buio, lavorando con tutti i nostri team per dare vita all’Amazzonia sul grande schermo con mio ultimo film animato Rio 2. La storia di Blu e Gioiel porta la loro nuova famiglia nella giungla più grande del pianeta, nel tentativo di scoprire da dove provengono e rendere la loro famiglia più forte. Per molti aspetti, è il viaggio del nostro team alla Blue Sky. Blu ha bisogno di andare oltre, prendersi dei rischi, tentare nuove esperienze in questa giungla e imparare, lungo la strada, più di quello che mai avrebbe immaginato.

20th Century Fox - Blue Sky Studios Rio 2 (2014 USA) Carlos Saldanha

Making of Rio 2 For the past twenty-five years technology and art have been the heart and essence of my filmmaking process. From my early animated short Time for Love to my latest feature animated movie Rio 2, I have been constantly striving to push and build the creative procedure that is involved when producing a CG animated film. In over two decades, with the help of the technologically advanced tools and incredible talents of my colleagues at Blue Sky Studios, I have been able to visually share my stories on the silver screen. After graduating from the School of Visual Arts in New York, I soon thereafter joined the Blue Sky Studios team in 1993. Since then, I have been on this fast and continuous ride of exploring and learning as technology is at the forefront of our ever-changing medium.   Ice Age was the very first feature film that Blue Sky created. Our main characters

from this prehistoric era had to be entirely covered in fur. Unfortunately, our proprietary technology and software at the time had its limitations which in turn, served as a catalyst to make us figure out a way to create a texture map technique that ended up defining the styles and characters of the movie. These early restrictions pushed the technical and creative minds at Blue Sky Studios to redefine the process and enhance the look of future movies to come. The entertainment value of the crazy squirrel going after his beloved acorn not only compensated for any technical shortcomings but also motivated us to improve it. We knew the world would want to see him again. Blue Sky continued to raise the bar of what the marriage of art and technology can bring to the screen through Robots, Ice Age: the Meltdown and Ice Age: Dawn of the Dinosaurs. When I had the opportunity to tell a very personal story I jumped into making Rio. I had to figure out a way to properly

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tell the story of Blu to the world that was heartfelt and could also convey the life, colors and music of my home city - Rio de Janeiro. With the support of our artists and technical wizards we raised the stakes yet again in creating life-like birds with feathers, dancers with headdresses in a world with micro jungles and varied landscapes set against the backdrop of Carnival, the biggest party in the world.    On the heels of Rio’s success the party needed to continue and for that we jumped into the abyss once more, working with all of our teams to now bring the Amazon to life on the big screen in my latest animated movie Rio 2. It tells the story of Blu and Jewel taking their new family to the biggest jungle on the planet and risking it all to discover where they came from and how to make their family stronger. In many aspects, it’s the journey of our team at Blue Sky. Blu needs to raise the bar, take risks, try new techniques in this jungle and learn more than he ever thought he could along the way.

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Walt Disney e l’Italia Una storia d’amore Oscar Cosulich

Walt Disney era un genio visionario, che è riuscito a trasformare i propri sogni sfrenati nel più grande Impero dell’Animazione e del Fumetto del mondo, ma che per tutta la vita ha dovuto fronteggiare i rischi finanziari a cui lo sottoponevano le sue stesse innovazioni e sperimentazioni. Eppure in America Disney è stato visto a lungo soprattutto come un tycoon e un abile affarista, mentre i primi a rendere omaggio al suo talento artistico sono stati gli italiani, creando un rapporto preferenziale con l’autore, che ha contraccambiato felice le attenzioni che gli erano rivolte dal nostro piccolo paese. Paese piccolo l’Italia, ma che nel tempo è diventato il maggior serbatoio delle produzioni Disney a fumetti, dove (insieme al talento) non serve altro budget che carta, pennelli e inchiostro: qui è nata l’Accademia Disney e qui si produce la maggior parte degli albi e delle storie di Topolino e Paperino diffuse nel pianeta. Walt Disney e l’Italia – Una storia d’amore è il documentario diretto da Marco Spagnoli e prodotto da The Walt Disney Company Italia in associazione con Kobalt Entertainment, che esplora gli scambi intercorsi tra Walt Disney e i suoi eredi e il nostro paese, miscelando rari e preziosi filmati d’archivio, selezionati tra quelli dell’Istituto Luce – Cinecittà e delle teche Rai, a testimonianze contemporanee, raccolte per l’occasione. La spina dorsale del documentario è fornita dal materiale d’archivio

che documenta i numerosi viaggi in Italia di Walt: dal primo nel 1935 (Topolino era l’unico fumetto americano che aveva superato la censura del MinCulPop, grazie all’intercessione di Mussolini in persona, che ne era fan), a quelli in visita alla Mostra del Cinema di Venezia, fino all’ultimo, il più interessante in assoluto, del 1961 a Torino, in occasione della presentazione del Circarama Disney (schermo circolare a 360°), di cui la Fiat offrì una dimostrazione col film Italia 61, celebrativo del centenario dell’Unità d’Italia. Del Circarama il documentario non parla, ma le immagini di Disney accolto dagli operai Fiat come un’autentica rockstar, con Vittorio Valletta assolutamente defilato e schiacciato dal contatto diretto tra l’artista e il suo pubblico, sono la migliore spiegazione della pletora di testimonianze raccolte dal documentario. Introdotto dalla voce di Serena Autieri (sempre più «disneyzzata» dopo il doppiaggio di Frozen) e con la narrazione di Vincenzo Paperica (alterego papero di Vincenzo Mollica), il docufilm raccoglie nei suoi 62 minuti innumerevoli testimonianze, dai maestri della nostra animazione come Bruno Bozzetto e Enzo D’Alò all’autrice Disney e non solo Silvia Ziche, da responsabili di doppiaggio come Roy De Leonardis e Luca Ward a Massimo Caviglia e allo sceneggiatore Giacomo Scarpelli. Ci sono appassionati come il Walt Disney Pictures ‘O Sole Minnie (2013 USA) Paul Rudish, Aaron Springer, Clay Morrow

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regista Fausto Brizzi e gli attori Fabio de Luigi, Lillo & Greg, Enrico Brignano, Micaela Ramazzotti, Marco Giallini e Riccardo Scamarcio, fino ad arrivare al musicista Edoardo Bennato, allo stilista Elio Fiorucci e a diversi giornalisti e studiosi. Tra i pezzi pregiati c’è da segnalare uno splendido dialogo, risalente agli anni Sessanta, in cui si confrontano sull’essenza disneyana lo scrittore Gianni Rodari e il semiologo Umberto Eco, con Rodari a spiegare che «Disney ha colto la chiave per parlare con i piccoli e i grandi». È poi gustosissima la rivelazione di Attilio Bertolucci che racconta come i figli Bernardo e Giuseppe lo obbligassero da bambini a proseguire la narrazione delle avventure a fumetti di Topolino e Paperino ben oltre le pagine degli albi che leggeva loro, facendogli creare vicende estemporanee sempre nuove che, se fossero state raccolte e documentate, sarebbero il sogno di qualunque appassionato. Godibilissima, infine, la divertita testimonianza di Fellini, che ricorda l’invito a Disneyland ricevuto da Walt in occasione dell’Oscar da lui vinto per La strada nel 1956. Fellini ride pensando a Walt che ha accolto lui e Giulietta Masina guidando una banda che suonava il tema di Gelsomina e, dopo un tour completo del parco, ha portato i suoi ospiti a pranzo in un saloon, inscenando un attacco degli indiani, con il padrone di casa a difendere col fucile gli ospiti, fatti rifugiare sotto i tavoli.

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Walt Disney and Italy Walt Disney was a visionary who was able to transform his wildest dreams into the greatest Animation and Comics Empire the world has ever seen. He did all of this despite the great financial risks that loomed over every one of his innovations and experiments. While Disney has long been appreciated in America as a tycoon and business man; the first people to see his artistic talent, however, were Italians. Italians created a preferential relationship with the author, and in return he happily gave a great deal of attention to our little country. Italy may be small, but in time it became the main resource for Disney’s production of comics, where (together with talent) there were no costs besides paper, pens and ink. The Accademia Disney was created and it produced the majority of books

and stories about Mickey Mouse and Donald Duck, which came to be distributed around the world. Walt Disney e l’Italia – Una storia d’amore (Walt Disney and Italy – A Love Story) is a lovely documentary directed by Marco Spagnoli and produced by The Walt Disney Company Italia in association with Kobalt Entertainment. The film explores the exchanges between Walt Disney and his successors and our country, putting together rare and precious footage from archives, selected amongst those from the Istituto Luce – Cinecittà and from archives at RAI. It is a contemporary testimony collected for the occasion. The backbone of the documentary is made of archive material that documents Walt’s many travels through Italy. From the first trip in 1935 (Mickey Mouse was the only American comic that passed the MinCulPop censors, thanks to Mussolini intervening personally as he was a fan), to Disney’s visits to the Cinema Exhibition of Venice, up to the last journey, absolutely the most fascinating, in 1961 in Turin, for the presentation of the Circarama Disney (a 360° screen) sponsored by Fiat to show the film Italia 61 to celebrate 100 years of Italian unity. The documentary doesn’t tell about the Circarama, but the images of Disney collected by the Fiat workers portray him as a real rockstar, with Vittorio Valletta totally shocked by how the artist and his public interact so casually. The best explanation of this is in the plethora of testimonies and interviews in the documentary itself. Introduced with the voice of Serena Autieri (always more disneyized after her dubbing for Frozen) and with narration by Vincenzo Paperica (the duck alterego of Vincenzo Mollica). The docu-film includes

Walt Disney & Mickey Mouse by Silvia Ziche

Walt Disney Pictures ‘O Sole Minnie (2013 USA) Paul Rudish, Aaron Springer, Clay Morrow

Walt Disney riceve il premio David di Donatello Wal Disney received the David di Donatello Award

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countless interviews in its 62 minute running time; from Italian animation masters like Bruno Bozzetto and Enzo D’Alò, to the Disney author Silvia Ziche, from dubbing managers like Roy De Leonardis and Luca Ward to Massimo Caviglia and the screenwriter Giacomo Scarpelli. There are enthusiasts like Fausto Brizzi and the actors Fabio de Luigi, Lillo & Greg, Enrico Brignano, Micaela Ramazzotti, Marco Giallini and Riccardo Scamarcio. Then there is the musician Edoardo Bennato, the stylist Elio Fiorucci and loads of journalists and scholars. Among the most distinguished scenes there is a splendid dialogue, dating back to the 1960s, in which the writer Gianni Rodari and the semiologist Umberto Eco discuss the essence of Disney, with Rodari, who explains that “Disney found the key to speaking to both children and adults.” Attilio Bertolucci tells the wonderful story of how his sons Bernardo and Giuseppe made him read the adventures of Mickey Mouse and Donald Duck to the as children. But he didn’t only read to them, he encouraged them to create their own, new stories about the characters and if those could be collected and documented they would surely be fascinating as well. One last enjoyable testimony comes from Fellini, who remembers an invitation to Disneyland from Walt after winning the Oscar for La Strada in 1956. Fellini laughs thinking of how Walt welcomed him and Giulietta Masina with a band playing Gelsomina’s theme from the film. After a complete tour of the park he brought his guests to have lunch in a saloon, staging an Indian attack, and having the owner of the saloon defend his guests with a rifle and making them hide under the table.

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Archeologia del futuro: Il metacinema di Guido Manuli

Hitch Happy Hour Mario Serenellini

La doccia di Psycho diventa un fuoco d’artificio, uno spezzatino in celluloide che innaffia a pioggia il suspense dell’intero cinema di Alfred Hitchcock: una sorta di doccia al quadrato, dove all’elementare coltello si aggiungono martello e sega elettrica, lasciando sul campo corpi sacrificali fuori copione. Più che un bignamino divertito delle sequenzeclou, il corto di Guido Manuli I love Hitchcock è un neo-montaggio del brivido, che evita la scolastica successione di sketches di culto per rimescolarne invece le carte, miscelando, sotto una doccia battente, “tutti gli altri” Hitchcock, da Intrigo internazionale a Finestra sul cortile, da Il delitto perfetto a Notorious, a L’uomo che sapeva troppo: con la conseguenza – che all’ignaro protagonista di cartoon non interessa affatto, ma a noi spettatori sì – che risultano alla fine evidenziate le costanti – i tòpoi – del suo cinema, come la testa riversa, ma maschile (qual è il film?), in posizione identica a quella di Janet Leigh sul bordo della doccia. Sempre attratto da parodia e paradosso, sodale a matita d’un maestro dell’eccesso comico – il Tex Avery di Bugs Bunny –, da cui mutua il gusto spasmodico nel capovolgere ogni convenzione, tradizione, senso logico, Manuli, Tex Avery italico, mette a segno in I love Hitchcock l’assalto a un ulteriore tabernacolo cinematografico, forte

Guido Manuli Ha iniziato a lavorare nel campo dell’animazione all’età di venti anni. Dal 1961 al 1982 ha collaborato con Bruno Bozzetto come animatore, direttore artistico e sceneggiatore. Dal 1982 come free-lance ha realizzato sigle, spot pubblicitari, serie televisive, programmi televisivi, cortometraggi premiati ai festival internazionali e lungometraggi: Volere Volare (1991) in co-regia con Maurizio Nichetti, L’eroe dei due mondi (1994), Aida degli alberi (2001). He began working in the field of animation at age twenty. From 1961 to 1982 he collaborated with Bruno Bozzetto as an animator, art director and screenwriter. Since 1982 he has worked freelance, creating openings, television ads, television series, television programs, short films which have won awards at international festivals and the feature films: To Want to Fly (1991) co-directed with Maurizio Nichetti, L’eroe dei due mondi (1994), Aida of the Trees (2001). Mario Serenellini Giornalista, critico, dedica mostre, studi, rassegne al mondo dell’immagine, in Italia e all’estero. Con la sezione Archeologia del futuro collabora al FFF dal 2002. Dirige il cartoon festival AniMav a Ercolano e Napoli e coordina EuroCiné a Cognac. Il DVD con il cortometraggio di Manuli sarà allegato al suo prossimo libro su Alfred Hitchcock. Mario Serenellini is a journalist, critic, arts organizer and scholar in the world of the image, who works both in Italy and abroad. He collaborates with FFF since 2002 in the project, Archeology of the Future. He directs the AniMav cartoon festival in Hercolaneum and Naples and coordinates EuroCiné in Cognac. Serenellini’s forthcoming book on Alfred Hitchcock will includ a DVD of Manuli’s latest short film.

Alfred Hitchcock, Harper’s Bazaar, 1973 Photo by Albert Watson

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Psychointerview by Guido Manuli 1: In your short “I love Hitchcock” you changed Psycho’s ending… 2: Yesssss… When I see a film I identify with the characters and I want to change the plot… to save the other characters 3: But in your short the cockroach that’s in love get’s squashed… 4: Yeah… to save the girl I had to squash the cockroach… Is it serious doctor? 5: Yes! Pow! 6: Me too, I identify with the characters. I would never make King Kong, Godzilla, Alien, Jaws or Orca the Killer Whale die...

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Guido Manuli I love Hitchcock (2014 Italia Italy)

di una lunga pratica di varianti e attraversamenti sacrileghi nei territori addirittura del Dio del cartoon, Walt Disney. Artefice osé d’una trilogiasberleffo su Topolino & C. – Trailer (con Mickey miliardario), Casting (i provini di Biancaneve, Strega e Sette Nani), Solo un bacio... (affondo suicida del cartoonist dentro il disegno di Biancaneve, quasi fosse lo schermo di La rosa purpurea del Cairo) –, Manuli prende stavolta a testimonial, complice e vittima della sua nuova tappa di metacinema, uno scarafaggino: inconsapevole discendente del protagonista del cartoon d’esordio di Terry Gilliam ma soprattutto consanguineo d’uno dei migliori corti di Manuli, chiave di lettura, a sua volta, del suo cinema

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Alma Reville nella sua casa di Bel Air, fotografata da Philippe Halsman. La testa nel frigo Revco Gourmet è una di quelle usate sul manichino di Hitchcock nel trailer di Frenzy. Photograph of Alma Reville at her Bel Air home, taken by photographer Philippe Halsman. The head in the Revco Gourmet fridge is the one used on the dummy of Hitchcock in the trailer of Frenzy.

e dei suoi tòpoi, dietro gli irrisi Topolini: Più uno meno uno, dimostrazione, «a fronte», di quel che sarebbe la vita degli altri se non ci fossi tu. Sapevamo quel che era il cinema di Hitchcock senza lo scarafaggino di Manuli: adesso, con I love Hitchcock, sappiamo quel che sarebbe stato. Archeology of the Future: The Meta-Cinema of Guido Manuli

Hitch Happy Hour

A shower from Psycho turns into fireworks; a celluloid stew rains down on Alfred Hitchcock’s entire body of work. It is its own shower stall where the simple knife meets a hammer and a chain saw, leaving the field littered with sacrificed bodies never found in the movie. Guido Manuli’s short film isn’t an irreverent summary highlighting Hitchcock’s most important scenes, I Love Hitchcock is a neo-montage of chills. It manages to avoid a pedantic succession of the typical cult sketches by shuffling the cards and pointing out “other” Hitchcock moments. These scenes come from films such as North by Northwest, Rear Window, Dial M for Murder, Notorious and The Man Who Knew Too Much, among others. The consequence – something the ignorant protagonist of the cartoon cares little about, but the spectators do – being that the main tòpoi found in Hitchcock’s films are presented but twisted. Things like backwards heads, but this

time a man’s head (which film is it from?) in the exact position as Janet Leigh, found on the edge of the shower. Manuli is something of an Italian Tex Avery. He was always attracted to parody and paradox, finding ways to turn convention, tradition and logic upside down, just like his companion in the trade who changed everything with Bugs Bunny. Manuli proposes an alternative version to the great temple of cinema with his I Love Hitchcock; he presents alternative story lines and crosses some sacrilege territory when dealing with the God of Cartoons, Walt Disney. There is the risqué trilogy-slapstick of Mickey Mouse & Co. in Trailer (with Mickey as millionaire), Casting (Snow White’s, the Witch’s and the Seven Dawrf’s auditions), One a Kiss… (the suicide of the cartoonist inside the drawings of Snow White, nearly a scene from The Purple Rose of Cairo). Manuli grants the spectators a testimonial this time, admitting his role as accomplice and victim in this new venture into meta-cinema, with a little beetle. He is the unwitting descendent of Terry Gilliam’s debut protagonist, but above all cut from the same cloth as one of Manuli’s best shorts. It is an interpretation, in its way, of his cinema and his tòpoi, found behind the parodies of Mickey Mouse; such as in One More One Less, which shows what others’ life would be like if you didn’t exist. We know what Hitchcock’s cinema was like without Manuli’s little beetle; now with I Love Hitchcock we know what it would have been.

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La mia vita 24 frames al secondo Alvise Avati Ho iniziato a lavorare nel mondo della computer grafica all’età di 23 anni (era il 1993!) a Roma. Come tutti i computer artist di quell’epoca, anche io facevo il generalist, mi occupavo quindi un po’ di tutto. Dalla modellazione al texturing, animazione, compositing e rendering. All’occorrenza creavo anche pagine web. Ci ho messo circa nove anni per scoprire che l’animazione era il campo che più mi interessava e dove riuscivo ad esprimermi al meglio. Questa scoperta mi portò a creare il mio primo showreel in VHS, composto per la maggior parte da animation tests fatti a casa la sera, che spedii a 20 società sparse per il mondo. Di quelle 20 società solo una mi rispose offrendomi un lavoro come animatore, la Weta Digital. King Kong (Weta Digital – Nuova Zelanda) Alla Weta Digital, sono stato assunto per lavorare al King Kong di Peter Jackson. In 14 mesi ho animato 70 inquadrature, 50 riguardanti Kong, le altre 20 altre creature o assets. Ad ogni animatore venivano assegnati in media tre inquadrature alla volta. A seconda del grado di difficoltà delle inquadrature si poteva avere più o meno tempo a disposizione per realizzarli. In media circa un mese a inquadratura, dal blocking al clean-up finale. Capitava che Peter Jackson non fosse convinto di una particolare inquadratura e così l’animatore se lo portava dietro per mesi (ricordo qualcuno che lavorò alla stessa inquadratura anche per 5 mesi consecutivi). A differenza di adesso, dove al regista generalmente viene

Alvise Avati Nato e cresciuto a Roma, dopo aver studiato Arti figurative al Liceo e all’Accademia, Alvise Avati ha intrapreso la sua carriera di animatore lavorando per numerosi film come King Kong, Avatar, Transformers2, ecc. Nel frattempo ha sempre sviluppato idee per cortometraggi e pubblicità. Ha scritto, animato e diretto due mock commercials: Coca-Cola vs Pepsi e Hayens Beans Commercial (con Cinesite). Continua a scrivere idee da animare e dirigere. Born and raised in Rome, Italy. After studying fine arts Alvise Avati moved into computer graphics and worked as animator for various feature films such as King Kong, Avatar, Transformers 2, etc. Meanwhile he continued to develop new ideas for short films and commercials. He has written, directed and animated two mock commercials: Coca-Cola vs Pepsi and the Hayens Beans Commercial (with Cinesite). He is still developing ideas for commercials and short films to direct.

fatto vedere uno slap-comp dell’animazione sul plate (con ombre e motion blur), ai tempi di King Kong (2005) Peter Jackson approvava le animazioni guardando i playblast in Open-GL. Ovviamente l’inquadratura veniva considerata final solo dopo il compositing finale. Avatar (Weta Digital – Nuova Zelanda) Subito dopo King Kong, sempre in Weta Digital abbiamo realizzato le animazioni per Water Horse, Eragon e Fantastici 4, aspettando l’imminente inizio lavorazione di Avatar. Ho speso circa un anno della

Universal Pictures King Kong (2005 Nuova Zelanda/USA New Zealand/USA) Peter Jackson

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Cinesite VFX Beans (2013 Regno Unito United Kingdom) Alvise Avati

mia vita su Avatar. Mi sono occupato principalmente di creare il blocking di due sequenze con il Thanator, panterona nera che Neytiri cavalca quando va in guerra contro i terrestri. Mentre l’animazione degli Avatar è quasi sempre motion-capture, tutte le creature sono state animate a fotogrammi chiave. Il reparto d’animazione per Avatar era distribuito tra animatori e motion-editor (credo ci abbiano lavorato 80 motion-editor contemporaneamente). Molti animatori, soprattutto quelli alle prime armi, hanno dovuto animare code e orecchie degli Avatar per tutta la durata del loro contratto, visto che il motion capture non riusciva a catturarne i movimenti. Transformers 2 – La vendetta del caduto (Industrial Light & Magic – San Francisco) Durante la lavorazione di Avatar mia moglie aspettava il nostro primo figlio, così decidemmo di comune accordo di tornare in Italia per avere quell’aiuto dai familiari indispensabile quando diventi genitore. Tornati a Roma e con bimbo appena arrivato, venni contattato dalla Industrial Light & Magic per lavorare a Transformers - La vendetta del caduto. Così dopo pochi mesi facemmo nuovamente le valige e partimmo per San Francisco. Tra le inquadrature di Transformers 2 che ho animato, ho avuto il piacere di lavorare alla sequenza in cui Optimus Prime si arrampica sul dorso di Elibot e con due uncini al posto delle mani gli strappa letteralmente la testa. Ogni frammento, bullone, vite, che esce dalla testa fracassata di Elibot è stato animato a mano. La pipeline d’animazione di ILM consentiva di animare qualsiasi geometria del robot, anche se non dotata di controlli d’animazione.

John Carter (Double Negative - Londra) L’imminente nascita del nostro secondo figlio segna la decisione di lasciare anche San Francisco per avvicinarci ulteriormente all’Italia. Londra è la meta ideale per gli italiani che vogliono lavorare nell’industria dei visual effects e rimanere vicino a “casa”, così decisi di accettare l’offerta di Double Negative per lavorare a John Carter, il primo film liveaction del regista Pixar Andrew Stanton. In questo film mi sono occupato principalmente di animare i due gorilloni bianchi (White Apes) che tentano di uccidere il protagonista. Avere un regista come Stanton che proviene dall’animazione è stato molto utile per noi animatori. I suoi commenti al nostro lavoro erano sempre molto precisi e mirati. È capitato spesso che, con l’ausilio di una tavoletta grafica, disegnasse la posa che il personaggio in questione doveva assumere in un determinato fotogramma. John Carter, nel picco della lavorazione, vantava un team di oltre 120 animatori. Il motion-capture è stato usato quasi esclusivamente per la folla sugli sfondi. Nella mia carriera di animatore ho sempre cercato di dare più importanza al progetto, al film a cui lavorare, che alla compagnia. Quindi nonostante mi trovassi molto bene a Double Negative decisi di lasciarla per andare ad MPC che al momento aveva progetti di creature animation più interessanti a cui lavorare. La furia dei Titani, 47 Ronin e Seventh Son sono i film a cui ho lavorato in un anno e mezzo ad MPC London. Contemporaneamente al lavoro da animatore ad MPC, la sera sviluppavo idee per cortometraggi animati, camuffati da finte pubblicità. Il mio primo mock Commercial si chiama Coke vs Pepsi Commercial ed

Walt Disney Pictures John Carter (2012 USA) Andrew Stanton

è un progetto decisamente ambizioso per chi come me ha così poco tempo. L’ho realizzato grazie al prezioso aiuto di un gruppo di talentuosi ragazzi (tutti italiani) Giuseppe Chisari, Mario Aquaro, Andrea De Martis, Giovanni Di Francesco, Mirco Paolini. Ci abbiamo messo un anno e mezzo a “finirlo”, ma devo dire che ne è valsa la pena visto il successo che ha ottenuto soprattutto nel mondo della pubblicità. Beans (Cinesite VFX – Londra) Dopo un anno e mezzo ad MPC venni contattato da Eamonn Butler, capo del reparto animazione di Cinesite, il quale mi propose di raggiungerlo per sviluppare progetti d’animazione per la società. Una volta a Cinesite e galvanizzato dal successo del mio primo mock Commercial decisi di realizzarne un altro, questa volta utilizzando elementi a me più familiari, come i mostri. Così mi venne l’idea per Beans, un grosso mostro violentissimo che fa a pezzi tre poveri astronauti intenti a piantare la bandiera americana sul suolo lunare. Deciso a realizzarlo nel tempo libero con l’aiuto dello stesso team di ragazzi con cui realizzai in precedenza Coke vs Pepsi Commercial, volli però mostrare l’animatic ad Eamonn. A lui piacque talmente tanto che mi propose di realizzarlo con e per conto di Cinesite. Il link ufficiale al video su YouTube è stato visto da nove milioni di persone in meno di tre mesi, senza contare le centinaia di “cloni” sparsi per la rete. Al momento, oltre al lavoro come animatore per Double Negative VFX, mi occupo di scrivere soggetti per corti e lungometraggi animati.

My life 24fps I began to work in the world of computer graphics at age 23 (it was 1993!) in Rome. Like all computer artists of that time period, I was also a generalist; I did a little bit of everything. From model-making to texturing, to the animation, compositing and rendering. I made web pages at the same time. I took 9 years to understand that animation was the

field I was most interested in and where I was best able to express myself. This discovery led me to create my first show reel on VHS, made mostly of animation tests done in the evenings at home. I sent them to 20 different companies around the world. Only one responded to me, it was Weta Digital. And they offered me a job as an animator. King Kong (Weta Digital – New Zealand) I was hired at Weta Digital to work on Peter Jackson’s King Kong. In 14 months I animated 70 shots, 50 of Kong, the other 20 of other creatures or assets. Each animator was assigned three shots at a time. According to their difficulty each shot would be granted more or less time to be completed. On average we had one month per shot, from blocking to the final clean-up. Sometimes Peter Jackson wouldn’t be satisfied with a shot and so the animator would have to work on it for months on end (I remember one animator who had to work on the same shot for 5 months). The difference today is that a director, in general, can see a slap-comp of the animation (with shading and motion blur) and during King Kong’s time (2005) Peter Jackson approved animation watching the playbacks in Open-GL. Obviously the shot was considered finished only after a final compositing. Avatar (Weta Digital – New Zealand) Immediately after King Kong, we at Weta Digital created animation for The Water Horse, Eragon and The Fantastic 4, up until the eminent beginning of the work on Avatar. I mostly worked on creating the blocking of two sequences with Thanator, the black panther that Neytiri rides when he fights against the earthlings. While the animation of the Avatars is nearly always motion-capture, all of the creatures were animated with key-frame animation. The animation department for Avatar was distributed between animators and motion-editors (I believe there were 80 motion-editors working simultaneously). Many animators, especially the novices, had to animate the

20th Century Fox Avatar (2009 USA) James Cameron

tails and ears of the Avatars for their entire contracts, given that the motion capture wasn’t able to capture their movement. Transformers 2 – Revenge of the Fallen (Industrial Light & Magic – San Francisco) While working on Avatar my wife was expecting our first child, therefore, we decided together to return to Italy in order to have the help and support needed from our families as we became parents. After having returned to Rome with a new baby, I was contacted by Industrial Light & Magic to work on Transformers - Revenge of the Fallen. So after just a few months we packed up our bags again and headed to San Francisco. Between the shots of Transformers 2 that I animated, I had the pleasure of working on the sequence in which Optimus Prime climbs up the back of Elibot and with two hooks instead of hands literally tears off his head. Each fragment, bolt, screw, that falls out of Elibot’s shattered head was animated by hand. The pipeline of animation at ILM allowed every angle of the robot to be animated, even if they were unwieldy. John Carter (Double Negative - London) It was the imminent birth of our second child that spurred us to leave San Francisco to be closer to Italy once again. London is the ideal location for Italians who want to work in the visual effects industry and stay close to home. So I decided to accept an offer from Double Negative to work on John Carter, the first live action film by Pixar’s Andrew Stanton. In this film I mostly worked on animating the two white apes that try to kill the protagonist. Having a director like Stanton, with a background in animation was a very useful to us animators. His comments on our work were always very precise and clear. It often happened that, with the help of a graphics tablet, he would design the pose of the character in question in a particular frame. John Carter, at the height of our work, had a team of 120 animators. The motion-capture was used almost

exclusively for the background crowds. In my career as an animator I have always tried to give priority to the work I was doing rather than the company. Therefore, despite being quite happy at Double Negative I decided to leave them for MPC, who at that time was working on creature animation, which was more interesting work for me. Wrath of the Titans, 47 Ronin and Seventh Son are the films I worked on in a year and a half at MPC London. While I was working as an animator at MPC I would develop ideas for short films in the evening, eve if they were camouflaged as ads. The first was a mock commercial called Coke vs. Pepsi Commercial and it was a decidedly ambitious project for someone with limited time. I created it thanks to the invaluable help of a very talented group (all Italian) including Giuseppe Chisari, Mario Aquaro, Andrea De Martis, Giovanni Di Francesco and Mirco Paolini. We took a year and a half to “finish it” but I must say it was very worth it, given the great success it had in the ad world. Beans (Cinesite VFX – London) After a year and half at MPC I was contacted by Eamonn Butler, head of the animation department at Cinesite, who invited me to come and develop animation projects for his company. Once I was at Cinesite and riding the success of my first mock commercial I decided to make another, this time using elements more familiar to me, like monsters. That is how I got the idea for Beans, a giant violent monster who tears three American astronauts who are trying to plant their flag on the surface of the mood to shreds. I decided to create this project in my free time with the help of the same crew from Coke vs. Pepsi Commercial, but I wanted to show the storyboard to Eamonn. He liked it so much he asked me to produce it for Cinesite. The official YouTube link to the video was view my over nine million people in three months, not to mention the views of all of the “clone” links around the web. At the moment, other than working as an animator for Double Negative VFX, I am working on writing scripts for short and feature films.

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Mad Entertainment: L’Arte della Felicità Alessandro Rak La storia di questo film comincia proprio dal titolo: L’Arte della Felicità, appunto. Il titolo, tra le altre cose, di una manifestazione culturale che Luciano Stella organizza a Napoli dal 2005 e che consiste di una serie di incontri aperti tra pubblico e personaggi “illustri” provenienti da vari ambiti – arti, filosofia, scienza, religione – alla ricerca o riscoperta di un’arte sapienziale della felicità. Ispirato dagli incontri e dalle esperienze condivise nel corso di ogni edizione dell’evento (giunto quest’anno alla decima), nell’estate del 2010, Luciano, produttore e cosceneggiatore del film, decide di realizzare un documentario in animazione sulla base delle autorevoli e sorprendenti testimonianze raccolte, e mi propone di dirigerlo. Inizia così una collaborazione di pensiero e scrittura che determina l’evoluzione del progetto in una storia di finzione scritta e concepita per un lungometraggio in animazione. È stato il film stesso a convogliare le giovani professionalità che hanno preso parte alla produzione: circa quaranta ragazzi tra disegnatori, animatori, esperti del 3D, informatici, musicisti tutti napoletani, la cui partecipazione ha fortemente influenzato stile, scelte, scenari e clima di una lunga traversata di diciotto mesi, in cui abbiamo lavorato a vista, (ma) consapevoli di vivere una grande sfida: quella di realizzare in Italia un’opera in animazione destinata ad una platea adulta. E lavorare insieme a quella che è da sempre la nostra passione ha significato spendere bene i nostri giorni e sentirci fortunati. Non lo abbiamo mai dimenticato durante tutta la lavorazione. Perché è una storia che è iniziata dal “basso”, che si è nutrita della stessa terra che racconta, delle esperienze di ciascuno, delle aspettative personali e dei propri affetti e che ha trovato forma nel racconto di un uomo che, lontano dalla luce, solo grazie alla coscienza del dolore, decide infine di andarla a ricercare. Rappresentare una condizione di “imprigionamento”, quella che appunto vive il protagonista del film, utilizzando l’animazione, per statuto arte senza limiti (di espressività), è stato uno strano ed edificante gioco di contenimento della fantasia, che mi ha comunque consentito di

Alessandro Rak Nato nel 1977 a Napoli, Alessandro Rak si diploma nel 1999 al corso di Animazione del Centro Sperimentale di Cinematografia a Roma con i saggi Again e Looking Death Window, che vincono svariati premi internazionali. Dal 2001 al 2011 realizza mostre d’arte, pubblica fumetti e libri illustrati quali Ark, Bye Bye Jazz, A Skeleton Story. Cura il character design e la direzione artistica per progetti in animazione tra cui Il piccolo Sansereno e il mistero dell’uovo di Virgilio; realizza cortometraggi animati come Và e Teste al muro, videoclip musical tra i quali Kanzone su Londra dei 24 Grana, La Paura dei Bisca, O sciore e ‘o viento e Donna Maria dei Foja. L’Arte della Felicità – Evento Speciale d’Apertura della 28° Settimana Internazionale della Critica all’ultima Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia e Miglior Opera Prima al London Raindance Festival – è il suo primo lungometraggio in animazione, prodotto da Mad Entertainment. Born in Naples in 1977, Alessandro Rak graduated from the Animation Course at the Centro Sperimentale di Cinematografia in Rome in 1999 with projects Again and Looking Death Window. These two projects won various international prizes. From 2001 to 2011 he created art exhibitions, published comics and illustrated books, among which are: Ark, Bye Bye Jazz, A Skeleton Story. Rak curated the character design and the artistic direction for animation projects including Il piccolo Sansereno e il mistero dell’uovo di Virgilio. He created short films such as Và e Teste al muro, musical videoclips including Kanzone su Londra by 24 Grana, La Paura by Bisca, O sciore e ‘o viento and Donna Maria by Foja. The Art of Happiness - Special Event for the 28th International Week of Criticism at the International Cinematic Arts Show of Venice and the Best First Work at the London Raindance Festival - is his first animated feature films, produced by Mad Entertainment.

Mad Entertainment L’arte della felicità (2013 Italia Italy) Alessandro Rak

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sperimentare le più disparate soluzioni tecniche e visive. Ad accompagnarmi in questa avventura sperimentale: un’allegra banda di persone giovani (dai 25 ai 35 anni) e dall’eclettico talento, con alle spalle esperienze completamente diverse, ma tutte di Napoli e fortemente legate al proprio territorio. Credo, infatti, che l’animazione sia bello farla giocando in casa, senza smistare parte del lavoro in altri paesi (come si fa invece in gran parte delle produzioni). Nel caso de L’Arte della Felicità ogni fase è stata concepita, sviluppata e realizzata nella stessa stanza, tra persone che si sentivano tutte importanti e

coinvolte. Soluzioni visive e scelte narrative sono state sempre calibrate su tutti gli aspetti relativi ad una produzione: artistico, economico, tecnico e territoriale (nel senso del territorio umano). Abbiamo cucito il film sul corpo di cui disponevamo, riadattandolo di continuo. Ora questo “corpo, questo territorio umano” ha acquisito un senso di squadra e si è riunito sotto il nome di MAD Entertainment, una sigla che sta per Musica, Animazione e Documentari, un polo sorto nel pieno centro storico di Napoli e che spero permetterà all’enorme sottobosco creativo di questa città (e non solo) di emergere.

Mad Entertainment: The Art of Happiness

2010, Luciano, producer and co-screenwriter of the film, decided to create an animated documentary based on the distinguished and surprising collection of statements. And he asked me to direct it. What began as a simple collaboration of thought and writing evolved into a work of fiction that became a feature length animated film. It was the film itself that brought all of the young professionals together to take part in its production: around forty people - illustrators, animators, 3D experts, IT experts, Neapolitan musicians -, whose participation deeply influenced the film’s style, choices, scenes and tone over the film’s eighteen month trajectory. During that time we worked

The story of this film begins with its very title: The Art of Happiness. Exactly. The title, among other things, is a cultural exhibition that Luciano Stella has organized in Naples since 2005. It consists of a series of public conferences between the audience and “illustrious” characters from the worlds of art, philosophy, science, religion, in the search for and rediscovery of the enlightened art of happiness. Inspired by the conferences and the shared experiences over the course of each edition of the event (this year will be the tenth), in the summer of

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optimistically, but all the while knowing we were dealing with a great challenge: making an animated film in Italy aimed at an adult audience. Working together on something that had always been our passion was the best way to spend our time and we felt lucky. We never forgot this during all of our production time. Because it is a story that begins from the “bottom”, that is nurtured by the same land from which it is born, from everyman’s experiences, from personal expectations and attachments that find a story in the tale of one man, who is far from the light and only thanks to the knowledge of his sadness,

finally decides to search for something better. To represent the condition of being “imprisoned,” as the protagonist is in the film, using animation, which is by definition an art without limits (of expression), was a strange and educational game in restraining fantasy. This restraint, however, did allow me to experiment with some extremely varied technical and visual solutions. Accompanying me on this experimental adventure: a joyful gang of young people (from 25 to 35 years old) who are full of eclectic talents, with diverse backgrounds, but all of them from Naples and closely tied to their city.

I believe, in fact, that the animation was enriched because it was made at home, without sending parts of the work to other countries (how it is done for the major part of productions). In the case of The Art of Happiness every phase was conceived, developed and created in the same room, among people who all felt listened to and involved. Visual solutions and narrative choices were always decided with all production aspects in mind: artistic, economic, technical and territorial (in the sense of human territory). We stitched the film to a body and arranged and rearranged it continuously.

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Now this “body, this human territory” has acquired sense of collaboration and this team is united under the name MAD Entertainment, an acronym that stands for Music, Animation and Documentaries. It is a twisted focal point in the historic center of Naples and I hope it will allow the enormous creative undercurrent of the city (and beyond) to emerge.

Mad Entertainment L’arte della felicità (2013 Italia Italy) Alessandro Rak

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Drawing{a}live Fupete Fupete Nasce a metà degli anni Settanta a Livorno. Artista, performer e illustratore, Fupete è l’alter-ego di una coppia creativa Toscana. Tra le ultime produzioni vi sono Strati Graphie al MAM - Museo de Arte Moderno di Città del Messico e alla GAMC - Galleria d’Arte Moderna di Viareggio, e i disegni dal vivo per i concerti dei Twin Tones al CCE di Città del Messico e al Museo del Ferrocarril a Oaxaca. Ha lavorato come Art Director Associato per la leggendaria rivista spagnola «ROJO», che nel 2008 pubblica la sua monografia Punkie Totalista.

Drawing{a}live è un workshop e una performance di improvvisazione per musica e disegni dal vivo. Il sogno di un artista visivo che voleva essere rockstar ci porta a esplorare il mondo degli strumenti di disegno per le arti performative: dall’Olofono di Futurama al caso Tagtool. Come progettare e disegnare musica visiva per uno psichedelico concerto rock, scrivere e disegnare dal vivo la regia e le luci d’un monologo teatrale, permettere ai bambini di disegnare con la luce il grigio mondo intero… idee, metodi e divagazioni sul tema. Usando tecnologia d’avanguardia con semplicità e approccio DIY, Daniele Tabellini, metà di Fupete, da quest’anno insegna Generative design e Creative code al secondo anno magistrale dell’Università di San Marino, dove l’obiettivo dichiarato del suo corso è di far progettare agli studenti nuovi strumenti di disegno e di espressione per le arti performative. Un workshop quindi che vede gli studenti disegnare dal vivo usando il Tagtool di fronte ad un pubblico, come esperienza propedeutica e necessaria al progettare: in fondo è un po’ come provare a suonare una chitarra dal vivo prima di mettersi a progettarne una inutilizzabile a 45 corde. Il rapporto col pubblico, il ritmo, l’ansia, la presenza, la regia, lo spartito visivo... cenni e approfondimenti di metodo e approccio. L’improvvisazione alla chitarra è di Andrea Angelucci. Il Corso di laurea magistrale in Design dell’Università della Repubblica di San Marino - UniRSM, in collaborazione con l’Università IUAV di Venezia, comprende due piani di studio che riguardano il Motion Graphic design e il Product Interaction design. Temi che si confrontano con le più avanzate proposte formative universitarie a livello internazionale, approfondendo quelli che appaiono senza dubbio come due dei più promettenti indirizzi di ricerca del design prossimo futuro.

Created in the mid 1970s in Livorno. Artist, performer and illustrator, Fupete is the alter ego of a creative Tuscan couple. Among their most recent projects are Strati Graphie at the MAM - Museo de Arte Moderno of Mexico City and at the GAMC - Galleria d’Arte Moderna of Viareggio, live drawing at the Twin Tones concert at CCE Mexico City and at the Museum of Ferrocarril in Oaxaca. Fupete has been Art Director Associate for the famous Spanish magazine «ROJO», which published its monograph Punkie Totalista in 2008.

< Fupete, Foco Theory (2011, Italia Italy) > Performance Strati Graphie, Fupete dipinge con la luce sopra il dipinto Abstraction di David A. Siqueiros al MAM Museo d’Arte Moderna di Città del Messico, 2012 Performance Strati Graphie, Fupete paints with the light above the paint Abstraction by David A. Siqueiros at MAM Museum of Modern Art of Mexico City, 2012

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Concerto live, Fupete feat. Twin Tones, Museo del Ferrocarril, Oaxaca, Messico, 2012 Live Concert, Fupete feat. Twin Tones, Museum of Ferrocarril, Oaxaca, Mexico, 2012

Drawing{a}live Drawing{a}live is a workshop and an improv performance made of music and live drawing. It is the dream of a visual artist who always wanted to be a rock star that brings the audience on a journey, exploring the world of instruments and drawing for performing arts: from the Holophone in Futurama to the use of Tagtool. It’s like planning and drawing visual music for a psychedelic rock concert, writing and drawing live with direction and lights for a dramatic monologue,

allowing children to draw the whole grey world with lights… ideas, methods and digressions on a theme. Daniele Tabellini, half of Fupete, who has started teaching this past year in the masters course, Generative Design and Creative Code at the University of San Marino, aims to help students create new drawing instruments and modes of expression for performing arts. He does this simply using cuttingedge technology and a DIY approach. It is a workshop in which students draw live, using Tagtool before a public audience. It is a preparatory experience and vital in the ideas process. It is similar to playing a 45 stringed guitar, wonderful to dream up but useless to play. The relationship with the public, the rhythm, the anxiety, the presence, the direction, the visual arrangement… beginnings and investigations of method and approach. The improvisation on guitar is by Andrea Angelucci. The masters course in Design at the University of the Republic of San Marino - UniRSM, in collaboration with IUAV University of Venice, include two courses of study that explore Motion Graphic Design and Product Interaction Design. These are themes that meet in the most advanced studies at universities worldwide. These are two areas of design that will be, without a doubt, extremely important in the field’s near future.

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Bottega Finzioni: 12 ore per creare un mondo

Una sfida per gli aspiranti sceneggiatori di cartoni animati Mario Bellina Non tutti sanno che il documento progettuale alla base di una serie animata si chiama bibbia. In essa gli autori del progetto racchiudono tutti gli elementi necessari per fare vivere il mondo della storia. Dal concept, ovvero l’idea alla base della serie, ai personaggi, alle ambientazioni, fino ai dettagli più “tecnici” come la scansione drammaturgica delle singole puntate, gli argomenti da trattare, le declinazioni trans-mediali e persino la tecnica di realizzazione, la durata e il target. Scopo della bibbia: seguirla durante l’ideazione dei soggetti e la scrittura delle sceneggiature per rendere coerente il mondo a cui si dà vita. Una volta che la bibbia è scritta, il progetto può prendere vita. Gli autori possono cominciare a scrivere le puntate e non solo loro: anche sceneggiatori che fino a quel momento non sanno neppure di cosa parli il progetto, grazie alla bibbia hanno tutti gli elementi per costruire le loro storie. Da questa introduzione è chiaro come la bibbia sia il documento “sacro” dello sceneggiatore. È chiaro anche il perché si chiami in questo modo… dentro di essa sono racchiuse tutte le informazioni necessarie allo sceneggiatore per infondere la vita alla propria serie: darle un’anima (da cui il termine animazione). Detto ciò, il passaggio successivo del nostro ragionamento è chiaro: l’autore/sceneggiatore che crea il mondo è un po’ come se fosse il dio di quel mondo, almeno finché non si scontra contro forze più grandi di lui come i broadcaster o i produttori che possono farglielo modificare o addirittura bocciarlo, facendo miseramente crollare il suo lavoro. Ma questa è un’altra storia… Torniamo all’autore che crea il mondo della sua Storia. Quanto può impiegarci a farlo? Un mese? Un anno? Alle volte dipende dalle scadenze che ha o dal cliente. Una buona idea può venire in un secondo come in una vita intera. Ebbene Bottega Finzioni, ExpoPixel e il Future Film Festival hanno deciso di chiedere agli aspiranti sceneggiatori presenti al Festival di farlo in 12 ore.

Mario Bellina Mario Bellina è autore e conduttore televisivo e radiofonico specializzato in programmi per ragazzi. È autore de L’Albero Azzurro (Rai 2), L33t (Rai2), Versione Beta (Radio2), Identikids (DeAKids) e sceneggiatore di serie animate (Elfoodz) e fiction (Talent High School) per ragazzi. Consulente del festival Cartoons on the bay e coordinatore del master in Cartoon Animation dello IED di Roma, ha fondato un gruppo di scrittura per la tv e l’editoria dal nome Monkey4 (www.monkey4.it). Ha pubblicato vari libri umoristici e per l’infanzia, e saggi sul cinema e sul mondo dell’animazione. Mario Bellina is both author and host for TV and radio and specialises in kids’ programmes. He is one of the authors of L’Albero Azzurro (Rai2), L33t (Rai2), Versione Beta (Radio2), Identikids (DeAKids) and scriptwriter of animated series (Elfoodz) and fiction (Talent High School) for kids. Festival consultant for Cartoons on the Bay and coordinator of the Cartoon Animation master at IED in Rome, he has founded Monkey4 (www.monkey4.it), which comprises a group of writers for television and the publishing industry. He has published several funny books and books for children, and essays on cinema and the world of animation.

Lux Vide Le straordinarie avventure di Jules Verne (2011 Italia Italy)

Dodici ore per avere l’idea giusta. Dodici ore per identificare i personaggi. Dodici ore per identificare il mondo della narrazione. Dodici ore per raccontare il fulcro della storia. È questa la sfida lanciata da Bottega Finzioni a chi vuole indirizzare il proprio futuro verso il mondo dell’animazione: una 12 ore di scrittura, con l’obbiettivo di costruire un progetto di prodotto animato. Al miglior progetto la possibilità di essere letto da alcune società di produzione che collaborano con il Festival e con la Bottega come LuxVide, Melazeta o Mbanga. Chissà che da quelle dodici ore di fatica non venga fuori un progetto capace di incuriosire chi i cartoni animati li produce. È questo l’augurio di Bottega Finzioni e del suo corso di scrittura per l’infanzia che da due anni forma, tra gli altri, giovani sceneggiatori specializzati in cartoni animati. Una realtà diversa dalle scuole di sceneggiatura perché coinvolge gli allievi (o forse meglio definirli “ragazzi di bottega”) in progetti reali. Un esempio? La scrittura della bibbia e della puntata pilota della serie del progetto Gabriella & Gedeone per Melazeta realizzate lo scorso anno. Lo sviluppo di sceneggiature di prova per la serie Le straordinarie avventure di Jules Verne prodotta da LuxVide, a cui lavorano gli allievi di quest’anno. Dodici ore sono poche per sviluppare un progetto solido e completo. Noi che lo facciamo di mestiere lo sappiamo. Ma possono essere abbastanza per suggerire un mondo o dei personaggi interessanti e suggestivi, che possano incuriosire chi li legge e perché no, posare la prima pietra per la loro realizzazione futura.

Bottega Finzioni: 12 Hours to Create a World A Challenge for Aspiring Animation Screenwriters

Not everyone knows that the planning at the beginning of an animated series is called the bible. In this bible the authors include all of the elements necessary to make the world of the story come alive. From the concepts, the basic ideas of the series, from the characters and the settings, on down to the most “technical” details like dramaturgical points of singular episodes, themes to be discussed, the interaction across media, even the technicalities of actual productions and length and target audience. The objective of the bible: to track the entire creation process of the subject and scene writing to make a coherent world to which to give life. Once the bible is written, the project can be born. The authors can begin to write episodes and not only them: the screenwriters, who until that moment don’t even know what the project may be about, thanks to the bible,

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have all of the elements needed to create their stories. From this introduction it is clear that the bible is a “sacred” document for the screenwriter. It is also clear why it is called as such…it contains everything needed to make a series: to give soul. Having said this, the reasoning is clear enough: the author/screenwriter who creates the world is like the god of that world, at least until he meets someone bigger than he is, like a broadcaster or producer, who can force him to change things or even throw things out, causing the entire world to collapse. But that’s another story… Let’s return to this business about the author and his Story. How much work does it take to make one? A month? A year? Sometime it depends on an external deadline. A good idea can hit in a second as much as it can over a whole life. Well, Bottega Finzioni, ExpoPixel and the Future Film Festival have decided to give aspiring screenwriters at the Festival just 12 hours to make a story. Twelve hours to get the right idea. Twelve hours to identify characters. Twelve hours to create the world of narration. Twelve hours to tell the arch of the story. This is the challenge proposed by Bottega Finzioni to those who would like their futures to be in the world of animation: 12 hours of writing with one goal: to construct a project that is an animated product. The best project has the possibility of being read by one of the production groups that collaborate with the Festival and with Bottega such as LuxVide, Melazeta or Mbanga. Who knows what kind of work will come out of twelve hours of labor, something to interest animation producers perhaps. This is Bottega Finzioni’s wish as well as that of its two year course in writing for children, which includes young screenwriters specialized in animation. It is a world quite different from that of other screenwriting schools because it involves the students (or perhaps it’s better to call them bottega boys) in real projects. An example? Writing the bible and pilot episodes for the projected series Gabriella & Gedeone for Melazeta, created last year. The development of test scenes for the series Le straordinarie avventure di Jules Verne, produced by LuxVide, which the students will work on this year. Twelve hours aren’t much to develop a solid and completed project. Those of us who work in the field know this. But it can be enough to suggest a world or interesting characters or ideas, things that spark the interest of those reading about them, and they can even be launching points for future endeavors.

FOCUS ON FFKIDS

Fare TV con Mario Lodi Giulietta Fara «Dobbiamo imparare a fare le cose difficili, come disse Gianni Rodari in una delle sue ultime poesie: “parlare al sordo, mostrare la rosa al cieco, liberare gli schiavi che si credono liberi”». Il Future Film Festival vuol ricordare così, con queste parole che ripeteva spesso, la figura di Mario Lodi, scrittore, maestro e straordinario pedagogista, scomparso domenica 2 marzo 2014 nella sua casa di Drizzona, in Provincia di Cremona. Insieme al FFF, Lodi aveva lavorato alla creazione di Fare TV, una “cosa difficile”, appunto: costruire la TV assieme ai bambini, renderli inventori dei propri programmi, trasformarli da spettatori in attori, autori, tecnici del suono, macchinisti, montatori. Nato dalla collaborazione tra l’Associazione Amici del Future Film Festival e la Casa delle Arti e del Gioco di Mario Lodi, il percorso di Fare TV ha avuto inizio a Bologna e, pur con mille difficoltà, prosegue, perché crediamo che l’educazione all’immagine in movimento debba passare anch’essa dal “fare”. Perché

solo facendo – e sbagliando – si sfatano i miti della scatola magica dove ogni giorno passano tanti contenuti fatti da altri. Fare per imparare, ma anche per difendersi dall’aggressività e dal potere ipnotico di un elettrodomestico onnipresente. Se i bambini imparano a fare la TV, diventano meno passivi e più protagonisti della loro stessa educazione. Ecco una cosa che sembra difficile: far fare la TV ai bambini. E invece si può. Perché i bambini sono avidi di conoscenza, e non vedono l’ora di “mettere le mani in pasta”.

Fare TV Lab - FFKids 2013 Photo by Alessandro Ruggeri

Mario Lodi Photo by Alessandro Ruggeri

In questi undici anni sono state tante le classi che hanno partecipato al progetto, a Bologna e in provincia. Grazie anche al lavoro delle amministrazioni locali che hanno saputo sostenere Fare TV, le scuole primarie e secondarie hanno potuto sperimentare la gioia di creare il proprio show televisivo, e hanno dato vita ad autentici gioielli di creatività: sono nati così i collari per stare svegli durante le lezioni, la medicina per apprendere tutto in poco tempo, la scarica elettrica per “svegliare” genitori annoiati, la pubblicità progresso per togliere i bambini dalle sale d’attesa, mentre i genitori sono dal dentista, dal medico, ecc. Negli ultimi anni le risorse economiche delle scuole pubbliche sono diventate quasi inesistenti e il lavoro di Fare TV è diventato per forza di cose più sporadico. Ma non vogliamo mollare, perché abbiamo visto e vediamo gli occhi felici dei ragazzi quando presentano il loro video ad amici e parenti. Un grazie di cuore quindi a Mario e a tutti quegli insegnanti che hanno condiviso e condivideranno con noi il percorso di Fare TV. Future Film Kids continuerà con più forza di prima a promuovere questi laboratori, consapevole che in un territorio come l’Emilia-Romagna questi esempi debbano continuare a promuovere un’educazione di qualità.

Fare TV with Mario Lodi «We need to learn to do difficult things, as Gianni Rodari said in one of his last poems: ‘to speak to the deaf, show roses to the blind, liberate slaves who think they’re already free.’» The Future Film Festival would like to remember, with these words he repeated so often, the figure

FFKIDS FOCUS ON

of Mario Lodi, writer, teacher and extraordinary pedagogue. He left us on Sunday 2 March 2014 at his home in Drizzona, in the Province of Cremona. Together with FFF, Lodi worked to create Fare TV (Making TV), a “difficult thing,” precisely: to build TV along with children, to make them inventors of their own programs, to transform them from spectators into actors, authors, sound technicians, stagehands, editors. Born out of a collaboration between the Associazione Amici del Future Film Festival and the Casa delle Arti e del Gioco of Mario Lodi, the journey Fare TV had its beginning in Bologna, and despite many difficulties, continues, because we believe education about the moving image must also include “making.” Because it is only in doing - and making mistakes – that we can break the myths of the magic box, in which each day loads of content made by others passes before our eyes. To do, to learn, but also to defend against aggressiveness and the hypnotic power of this very present home appliance. If children learn to make TV they become less passive and more at the center of their own educations. Here is something that seems difficult: to have children make TV. But it isn’t. Because children are greedy for experiences and can’t wait to get involved. Over the past eleven years there have been many classes that have participated in this project, in Bologna and in the region. Thanks to the work of local administrators who have known how to support Fare TV, the primary and secondary schools were able to experience the joy of creating their own television show, and have given life to such a gem of creativity. This is how to keep students alive in the classroom, the cure for fast learning, the electric shock for bored parents, the progressive call to action for children waiting around while their parents are at the dentist or doctor. In the past years economic resources in public schools have become nearly inexistent and the work and presence of Fare TV has become rare. But we don’t want to give up: we have seen the faces and eyes of the children, so happy when they present their videos to their friends and families. A great big thanks then, to Mario and to all of the teachers who have shared and will share this Fare TV journey with us. Future Film Kids will continue, with more strength than before, to promote these workshops, knowing that in a region like EmiliaRomagna, these examples are needed to move forward and encourage quality education.

FOCUS ON FRANCO LA POLLA AWARD

Premio Franco La Polla 2014 Silvia Albertazzi “A che servono le storie che non sono neanche vere?”: non è solo la domanda che riecheggia come un tormentone in una favola, Harun e il mar delle storie di Salman Rushdie. È anche e soprattutto la questione che si pongono, oggi purtroppo con frequenza quasi ossessiva, politici, manager, burocrati e paladini della razionalità ad oltranza, che temono l’immaginazione e guardano con sospetto ogni sorta di narrazione fantastica, denunciandone l’inutilità. Compito di chi si occupa di storie – tanto letterarie quanto cinematografiche – per mestiere, dovrebbe essere, in primo luogo, confrontarsi con quella domanda, non per trovare un’impossibile risposta univoca, ma per trasmettere ad altri e condividere il proprio entusiasmo per la narrazione gratuita, per la menzogna che nasconde sempre profonde verità. Franco La Polla, critico cinematografico, studioso di letteratura americana, docente universitario, attraverso le sue parole, nei suoi brillanti scritti e con le sue indimenticabili lezioni ha saputo dimostrare a generazioni di lettori, spettatori e studenti quanto sia utile l’inutile fantasia, quanto sia, anzi, necessaria, come strumento di sopravvivenza. Dedicare un premio al suo nome non significa tanto rendere omaggio

La giuria Il Premio Franco La Polla, istituito sotto il patrocinio dell’Università di Bologna, è conferito a giovani studiosi italiani per il miglior saggio sulla cinematografia americana, specificamente su temi di animazione, effetti speciali, musical, serie TV, fantascienza, fantastico. La giuria del premio, assegnato sotto la supervisione di Susanna La Polla, è composta da: Silvia Albertazzi (Docente di Letteratura Inglese, Università di Bologna), Michele Fadda (Docente di Storia del Cinema, Università di Bologna), Leonardo Gandini (Docente di Storia del Cinema, Università di Modena e Reggio-Emilia), Giacomo Manzoli (Docente di Storia del Cinema, Università di Bologna), Roy Menarini (Docente di Cinema e Industria Culturale, Università di Bologna), Massimiliano Spanu (Docente di Semiologia del Cinema, Facoltà di Scienze della Formazione all’Università di Trieste), Enrico Terrone (Docente di Storia e Critica del Cinema, Università del Piemonte Orientale), Giulietta Fara e Oscar Cosulich (Direttori del FFF). The Jury The Franco La Polla Award, instituted under the patronage of the University of Bologna, is conferred upon young Italian scholars for the best essay on American cinematography, specifically about themes such as animation, special effects, musicals, TV series, science-fiction and fantasy. The jury for the prize, under the supervision of Susanna La Polla, includes: Silvia Albertazzi (Instructor of English Literature, University of Bologna), Michele Fadda (Instructor of the History of Cinema, University of Bologna), Leonardo Gandini (Instructor of the History of Cinema, University of Modena and Reggio-Emilia), Giacomo Manzoli (Instructor of the History of Cinema, University of Bologna), Roy Menarini (Instructor of Cinema and Cultural Industries, University of Bologna), Massimiliano Spanu (Instructor of Semiotics of Cinema, Education Department, University Trieste), Enrico Terrone (Instructor of History and Criticism of Cinema, University of Piemonte Orientale), Giulietta Fara and Oscar Cosulich (Directors of FFF).

alla sua memoria, quanto constatare la sua presenza ancora viva nel lavoro di chi, da lui o attraverso di lui, ha imparato non solo a coltivare il piacere della visione, ma anche, e soprattutto, a scoprire nelle creazioni dell’immaginario nuove angolazioni da cui osservare (e capire) il presente, oltre a inattesi modi per accostare ed elaborare senza timore il futuro. Si tratta, quindi, di porsi in cammino sulle sue orme, alla ricerca di una curiosità, di una passione e di un coinvolgimento simili al suo, nei lavori di giovani studiosi che purtroppo forse lo hanno conosciuto solo attraverso i suoi scritti. Perché se è vero che ciò che resta di noi sono le nostre storie, come abbiamo imparato proprio da un film fantastico, Big Fish di Tim Burton, è altrettanto vero che di noi restano anche le storie che gli altri hanno imparato a leggere e a vedere attraverso i nostri occhi e le parole con cui abbiamo offerto ad altri una chiave per entrare in queste storie, e in quelle che verranno dopo di noi. Premiare il miglior saggio di critica cinematografica scritto da un/a giovane su un argomento tra quelli più cari a Franco La Polla, all’interno di un festival dedicato al futuro della fantasia, è anche un modo per ribadire che le “storie che non sono neanche vere” servono a farci vivere meglio, soprattutto se c’è chi ce le sa raccontare, spiegare, commentare: e servono a far vivere per sempre chi è stato capace di farcele amare.

FRANCO LA POLLA AWARD FOCUS ON

of stories but their necessity, as tools of survival. To dedicate a prize in his name isn’t so much to make homage to his memory, but it is to reaffirm his living presence in those who have learned from and through him. It is an award for those who have learned not only to cultivate pleasure in vision, but most of all, to discover the present moment by looking at things from a different point of view and to move beyond the present and elaborate fearlessly on the future. It is therefore for someone who is following his footsteps, following curiosity driven research, with passion and fascination similar to his, in the work

Franco La Polla Award 2014 “What is the point of stories if they aren’t even true?”: it isn’t only the question that echoes throughout the fable, Haroun and the Sea of Stories, by Salman Rushdie. It is also, above all, the question posed today, unfortunately in a nearly obsessive way, by politicians, business managers, bureaucrats and defenders of rationality and the like, who fear the imagination and look with suspicion upon any sort of fantastic narration, denouncing it as useless. The task of those who concern themselves with story telling - writers as much as cinematographers - as a job, should be to, in the first place, answer that question. And this wouldn’t be to discover some singular answer, but rather to transmit to others and to share their personal enthusiasm for free narration, for lies that always hide great truths. Franco La Polla, film critic, American literature scholar, university professor, demonstrated, to multiple generations, that these useless fantasies are in fact, quite useful. Through his brilliant writing and his unforgettable lessons he proved not only the use

Sony Pictures Entertainment Big Fish (2003 USA) Tim Burton

of young scholars who unfortunately, may have only had the opportunity to know him through his writing. Because if it is true that what remains of us are our stories, as we have learned from the wonderful film, Big Fish by Tim Burton, it is likewise true that within us also lie the stories others have learned to read and to see through our eyes and through our words; it is an offering to those who come after us to enter into these stories. To award the best critical essay on cinema to a young person during this festival dedicated to the future of fantasy is also a way of reiterating one of Franco La Polla’s beliefs, that “even stories that aren’t true” teach us to live better, especially if there is someone who knows how to recount, explain and comment well and they live forever in the hearts of those who have managed to love them.

FOCUS ON FUTUROPOLIS

Future Film Skyline

Percorsi tra le città del cinema di fantascienza Daniele Vincenzi Fin dal suo esordio il cinema è stato un luogo di riferimento per la sperimentazione e la riflessione sull’architettura, nelle sue varie scale di approccio, dal paesaggio alle città, dagli edifici agli ambienti, fino agli arredi e ai singoli oggetti. Gli apparati scenografici dei film, sia realistici che di finzione, propongono spesso l’architettura in un ruolo di primo piano, con una attenzione ed un seguito forse più incisivo di quanto non accada invece nella realtà. E sempre l’architettura diventa protagonista quando è chiamata a sostanziare le immagini del futuro, che in genere si esplicitano con immediatezza proprio attraverso edifici e costumi.

Le avanguardie storiche dell’architettura hanno segnato profondamente gli scenari utopici, portentosi e spesso inquietanti, che all’esordio del Novecento prefiguravano nei film le società del futuro, creando un immaginario che tuttora costituisce un generale riferimento. Le scenografie del teatro e del cinema spesso hanno dato una concretezza, seppure effimera, a programmi e indagini progettuali che altrimenti sarebbero rimasti inattuati. Altrettanto sovente, però, queste creazioni di architetti e scenografi hanno anticipato quanto si è venuto determinando per davvero nei nostri paesaggi artificiali, a volte secondo gli schemi tradizionali della pianificazione e della tecnologia, altre volte testimoniando trasformazioni inconsulte, deterioranti gli ordini e gli equilibri invano ricercati. Soprattutto in epoche più recenti il futuro è stato rappresentato nel cinema con le quinte delle nostre città cadute in rovina, o adattate pesantemente e in modo quasi ingovernabile da aggressive mutazioni tecnologiche oppure da catastrofici rivolgimenti sociali, climatici, economici. In questo confronto tra realtà e fantasia, tra presente e futuro, si può constatare come le suggestive e drammatiche visioni delle metropoli di Blade Runner o di 1997 Fuga da New York, diventate subito dei veri archetipi nel nostro immaginario di città del

Architetti Bologna L’Ordine Architetti Bologna offre una volta di più uno spazio di incontro e divulgazione dedicato all’architettura moderna e contemporanea, proseguendo un programma di attività culturali in tal senso orientate, costantemente proposte per incontrare la città e i suoi abitanti sulle tematiche legate alle varie prospettive che il mondo dell’architettura può intrecciare. Le attività sono pubbliche, aperte a tutti. Tra le iniziative che correntemente si organizzano figurano le Ciclovisite all’architettura moderna, i Dialoghi di architettura moderna, gli Studi aperti, proposti in occasione di appuntamenti di particolare interesse cittadino, i Cicloarchivi, itinerari tra archivi storici ed edifici costruiti, fino alle mostre tematiche di architettura e design, usualmente affiancate da visite guidate, percorsi in città e incontri con i protagonisti. Daniele Vincenzi (Bologna, 1960) è coordinatore della Commissione Cultura dell’Ordine, struttura che grazie al contributo volontario di vari iscritti cura e realizza in genere le attività divulgative. The Order of Architects of Bologna will once again offer a space for informing the public and discussing modern and contemporary architecture. It is a continuation of a series of programming that brings the city and its inhabitants, through various themes and activities, to a better understanding of the wide world of architecture. The activities are public and open to everyone. Among the initiatives offered are: Ciclovisite, bicycle tours of modern architecture; dialogues on modern architecture; open studios; special programs for city dwellers’ lives; the Cicloarchivi guides through historic archives and various buildings; even thematic exhibitions on architecture and design, with special guided visits and journeys through the city to meet important players in urban life and development. Daniele Vincenzi (Bologna, 1960) is the coordinator of the Culture Commission of the Order, an organization that exists thanks to the contributions of volunteers of its members and who make all sorts of activities and initiatives reality. < Scenografia di Erich Kettelhut per Metropolis di Fritz Lang Set Design by Erich Kettelhut for Fritz Lang’s Metropolis > UFA Metropolis (1927 Germania Germany) Fritz Lang

domani, sono oggi ormai molto vicine al paesaggio urbano di certe megalopoli dell’estremo oriente o del sud del mondo. Sono altresì particolarmente affascinanti quegli episodi di ambientazione degli scenari del futuro nelle architetture “vere” delle città, rivisitate in un nuovo ruolo, alienato dal contesto in cui normalmente vengono percepite, con una energia visionaria e metafisica di grande suggestione. La forza della bella architettura

FUTUROPOLIS FOCUS ON

è anche questa, di potere supportare gli sguardi senza epoca delle nostre passioni. L’Ordine Architetti Bologna ha accolto con entusiasmo l’invito a partecipare a Futuropolis, XVI edizione del Future Film Festival, lanciando questa sintetica rassegna di film, proposti in vari luoghi della città. Le proiezioni saranno l’occasione per commentare e puntualizzare le visuali architettoniche salienti di quelle pellicole.

Future Film Skyline

FUTUROPOLIS FOCUS ON

From its very beginnings, cinema has been a place for experimentation and reflection in regards to architecture. With its various approaches: cityscapes, from buildings to environments, to decor and single objects. Whether the background of a film is realistic or fantastical, architecture plays a major role in creating the imagined world. In fact, architecture’s place in cinema is sharper and more direct than in real life. Architecture is a protagonist in creating an idea of the future, and clarifying and explaining instantly through buildings and props, what the world may be like. Avant-garde architecture throughout history has had great influence on the early films of the 20th century, with utopic, magical and often disturbing scenery. These early visions of the future still weigh on our collective imagination today. The background found in theater and cinema, even the most ephemeral, has often lent a concrete, stable element to ideas, programs and investigations that would have otherwise remained impractical. There have often been times when these architectural creations and background have anticipated our passages to new aesthetics. This has been at times in line with more traditional plans and technology, other times it has been a testimony to

sudden transformation, deteriorating order and impossible balance. Above all, in most recent times, the future has been represented with our own cities falling into ruin, or irreparably changed into ungovernable states where aggressive technological changes or catastrophes have overturned all social and economic order. This contrast of reality and fantasy, of present and future, can be found in the metropolises of Blade Runner or Escape from New York. These films immediately became archetypes for our vision of cities of tomorrow, but in reality they are much more similar to modern day mega-cities in the Far East or extreme south. Moreover, there are some particularly fascinating episodes in which scenes of the future are made with “real” architecture from actual cities. It is only that they are looked at through a new lens; they take on a new role, alienated from the context in which they are normally seen. With a change in vision great things can happen. This is also one of the strengths of great architecture: to be observed outside of a particular era, outside of particular sentiments. The Order of Architects of Bologna was enthused to participate in Futuropolis, XVI Edition of the Future Film Festival. They have granted this succinct exhibition of films, shown in various locations throughout the city. The screenings will be a time for discussion and understanding of the architectural points present in the films.

< Compagnia Cinematografica Champion La decima vittima (1965 Italia Italy) Elio Petri

Warner Bros. Batman Begins (2005 USA) Christopher Nolan

Journeys Through Film’s Science Fiction Cities

FOCUS ON FUTUROPOLIS

La città materiale

Campionario per il futuro spazio urbano Architetti di strada Architetti di Strada Architetti di Strada è un’associazione di architetti, urbanisti, esperti di diritti umani, comunicazione, partecipazione e sostenibilità energetica; si propone di migliorare la risposta ai disagi sociali ed abitativi mediante progetti e realizzazioni sostenibili in termini economici, ecologici e sociali. Architettura intesa non solo come “opere” ma piuttosto come creazione di opportunità. Architetti di Strada is an association of architects, urban planners, human rights experts; it is collaboration, participation and energy sustainability. The group aims to improve social issues and housing problems through projects and initiatives that are economically, ecologically and socially sustainable. Architecture is not intended here to mean only finished products, but rather the creation of opportunities.

La vita è ora. Anni fa era lo slogan di una nota compagnia telefonica. Mai come oggi il nostro mondo è stato completamente immerso nel presente: social network, alta velocità, messaggeria istantanea, programmi di lavoro sempre più efficienti hanno reso la nostra vita – i nostri rapporti, i nostri desideri e le nostre necessità – immediata, veloce, mai noiosa. Il commercio globale, la crisi finanziaria, la capacità di innovare i modelli di gestione della pubblica amministrazione delineano il livello di crescita o decrescita su macro aree geografiche, incidendo con le nuove tecnologie anche sulla morfologia degli agglomerati urbani, oltre che sul livello di produzione materiale e immateriale della popolazione che del resto anima una determinata città. Assisteremo sempre di più alla costante migrazione delle popolazioni su tutta la superficie della Terra, seguendo flussi di ricchezza e di opportunità di lavoro. Scopriremo che l’istantaneità del mondo tecnologico che ci circonda si tramuterà nella temporaneità di determinati fabbisogni che le città del futuro dovranno riuscire a soddisfare con uno sfruttamento intelligente delle risorse, sia macro e micro finanziarie sia legate al territorio – in termini anche di equilibrio ambientale. Sarà una variazione continua dei confini e dei contatti tra le persone. I nuovi processi – quasi tutti spontanei – che in modo capillare stanno innervando le nostre città, come sottili dune o tesate aeree di interventi, esperimenti, azioni di riuso, reinterpretazione, condivisione virtuale e fisica, ribaltamento di usi, tempi, spazi, modi alludono già a un riconoscibile futuro o stanno preparando un cambiamento ancora indecifrabile? L’urgenza comune sembra comunque essere quella della rottura di alcune superfici e di alcuni legami. Anche attraverso il riuso degli spazi, costruiti o liberi.

< The Architecture Foundation, Bankside Open Spaces Trust and ProjectARKs The Union Street Urban Orchard, Wayward Plants (2010, London) > Boris Duhm The Concilium. Garden Eden Performance (2010, Berlin Oranienburg)

Si vuole esplorare una visione concreta della città futuribile trattando il tema del riuso degli spazi urbani grazie all’attraversamento di soluzioni e tecniche in qualche modo inconsuete e capaci di innescare processi a catena, basati principalmente sulle persone e il loro modo di abitare la città, concorrendo alla sua costruzione o decostruzione positiva.

The Material City

Compendium for Future Urban Spaces Life is now. Years ago it was the slogan for a popular telephone company. Our world has never been so emerged in the present as it is today: social networks, high speed internet, instant messaging, software that makes our work and our lives more efficient – our relationships, our desires and our needs as well. Immediate, fast, never boring. Global markets, the financial crisis, the ability to innovate in the public sector delineating growth and decline of large geographic areas; new technologies have the power to wield great influence and change over diverse urban masses. This influence is not only felt on the level of material and immaterial production of the population but also on the soul of the particular city. We will always be present for the constant migration of peoples all over

FUTUROPOLIS FOCUS ON

the earth, following wealth and work opportunities. We will discover that the immediacy of this technological world that surrounds us will transform our basic needs, needs that cities of the future should be able to satisfy. They should be able to use resources intelligently, with global and local financing and grassroots efforts – all the while keeping the environment in mind. The borders between people and their relationships will be in constant flux. New processes – nearly all of them spontaneous – are becoming widespread in our cities, like small dunes or telephone wires viewed from above, intervention, experimentation, recycling, reinterpretation, physical and virtual sharing, overturning use, time, space, these things are already making themselves known. Whether we are seeing glimpses of the future or we are still in the dark is yet to be determined. The common urgent call seems to be for change in certain superficial areas and in particular relationships between entities; but this does also include the reuse of space, both manmade and natural. We want to attempt concrete visions of the city of the future, taking the theme of reuse of urban space and combining it with the latest technology and finding sustainable solutions, triggering worldwide response. But this change will always be based on individuals and their ways of living in the city, greatly effecting both positive and negative change.

FOCUS ON FUTUROPOLIS

La tua città del futuro Giulietta Fara Tema portante del Future Film Festival 2014, Futuropolis vuole essere, prima di tutto, una riflessione sulla visione moderna, oltre che fantascientifica, della città metropolitana. Fin dagli esordi del cinema registi, sceneggiatori e scenografi si sono spinti oltre i limiti del presente per inventare mondi fantastici ma anche architetture avveniristiche e città moderniste, capaci di ispirare l’immaginario della società umana attraverso indelebili linee guida. Per questo Futuropolis diventa anche un’occasione per esplorare il tema della “città del futuro”: come si svilupperà e quali saranno i progetti innovativi per il futuro delle città? La città del futuro è lo spazio che ci accoglierà di qui a breve, e serviranno delle regole ambientali, sociali e creative da inventare e da seguire per costruire un mondo migliore. Questi argomenti sono al centro della discussione che vede coinvolti quest’anno registi, animatori, disegnatori, fumettisti, ma anche architetti, designer ed urbanisti. Il Future Film Festival ha voluto però andare oltre e coinvolgere anche quelli che saranno i veri cittadini delle città del futuro: i bambini e ragazzi di oggi. Da qui è partito il progetto educativo “Futuropolis: la tua città del futuro”, nato in collaborazione con la Fondazione del Monte di Bologna e Ravenna, a cui hanno potuto partecipare tutte le classi e i rispettivi alunni delle scuole primarie e delle scuole secondarie di primo grado del territorio di Bologna e Provincia. I giovani partecipanti, come singoli o come gruppi, sono stati invitati a pensare, descrivere e disegnare la loro personale idea di città del futuro: hanno così potuto inviare l’idea in forma di disegno, fotografia rielaborata, testo o “plastico”. Per valorizzare il lavoro collettivo ma anche il contesto “sociale” del progetto, si è deciso di premiare tutta la classe di riferimento del singolo o del gruppo.

> Scuola Media Statale E. Panzacchi Classe 3B, Ozzano Emilia, Bologna

Scuola Primaria Statale Don Bosco Classe 4A, Bologna

Your City of the Future The theme of the 2014 Future Film Festival, Futuropolis, is above all, a reflection on modern perception, not only in terms of science fiction, of the metropolitan city. From the very beginnings of cinema directors, screenwriters and art designers have been pushing the limits to invent fantastic worlds but also futuristic architecture and modernist cities, capable of inspiring new visions of human society through subtle lines. It is for this very reason that Futuropolis is also an occasion for exploring the theme of the “city of the future.” How will it develop and what will be the latest innovative projects for these cities? The city of the future will be our home very soon and we are in need of environmental, social and creative rules in order to invent and create a better world. These arguments are at the center of the discussion this year

FUTUROPOLIS FOCUS ON

with directors, animators, illustrators, cartoonists, but also with architects, designers and urban planners. The Future Film Festival went beyond expectations and involved the true citizens of the future: children and young adults of today. From here the educational program, “Futuropolis: Your City of the Future, was created. It was established in cooperation with Fondazione del Monte di Bologna e Ravenna, which made possible the participation of all primary and middle school students in the province of Bologna. The young participants, as individuals or groups, were invited to think, describe and design their personal idea of the city of the future. They could send their ideas in the form of a drawing, modified photograph, writing or “plastic model.” In order to evaluate the students’ collective work in the “social” context of the project, it was decided that the entire class would be awarded a prize, for both individual and group work.

FOCUS ON FUTUROPOLIS

Futuropolis Giulietta Fara Futuropolis è il tema di quest’anno: un tema complesso che coinvolge in primis tutta la fantascienza e la letteratura fantascientifica. Città del futuro come luogo dello spazio e del tempo, con architetture futuribili o estremamente liquide, dove gli spazi possono essere verticali o a strati. Anche gli uomini del futuro sono strani abitanti di queste città: uominilupo, androidi, ciclopi. E nel futuro, oltre a mancare molto spesso uno spazio urbano razionale e vivibile, prevalgono città fitte di case, grattacieli infinitamente alti, spazi caotici e iper-urbanizzati. Nei quattro titoli scelti per questo omaggio alle città del futuro, ci si muove anche in mezzo a problematiche sociali, dove ci attende un futuro distopico e per nulla rassicurante. La carenza di spazio vitale e l’infittirsi di costruzioni e caos vanno di pari passo con l’impoverimento dell’essere umano: dalla mancanza di sonno a quella del tempo, fino alla lotta tra umani e androidi e terroristi del futuro. Nulla di buono sembrano prometterci le fantasie futuribili di registi di varia nazionalità: ma il consumo di suolo è oggi uno dei temi portanti del ragionamento sul futuro dei territori italiani. Da qui parte il nostro viaggio per Futuropolis, che ci conduce anche a scoprire quale prospettiva ci sarà per le nostre città, accogliendo e guardando con entusiasmo le sfide del futuro prossimo. La città dei bambini perduti (La cité des enfants perdus, Francia 1995) di Jean-Pierre Jeunet e Marc Caro Secondo e ultimo lungometraggio realizzato dal duo più visionario del cinema francese, Jean-Pierre Jeunet e Marc Caro, La città dei bambini perduti è uno dei pochi esempi di fantascienza europea a reggere il confronto col cinema americano, ma purtroppo anche uno dei film più sottovalutati e invisibili. Nella parte più vecchia e fatiscente del porto, ogni giorno vengono rapiti alcuni bambini. Il mandante è Krank, un uomo che non sa più sognare e che vuole prelevare i sogni dal cervello dei bambini. Per farlo si serve dei Ciclopi, criminali che hanno perso la vista, e li paga con occhi artificiali. Quando scompare anche Denrée, il fratello del gigante One, quest’ultimo decide di fare di tutto per ritrovarlo e far cessare i rapimenti. © 1995 Canal+ / Studio Image / CNC

La città dei bambini perduti (The City of Lost Children, 1995 Francia France) Jean-Pierre Jeunet e Marc Caro

FUTUROPOLIS FOCUS ON

voluta da Duke Red, l’uomo più potente della città. L’investigatore Higeoyaji arriva in città accompagnato dal nipote Kenichi, con lo scopo di indagare su un misterioso scienziato, il dottor Laughton, che sembra implicato in loschi traffici e in attività illegali che coinvolgono i robot.

Jin-Roh – Uomini e Lupi (Giappone 1999) di Hiroyuki Okiura L’autore giapponese che più ha messo in evidenza le geometrie architettoniche nella città del futuro è indubbiamente Mamoru Oshii, che già in film come Ghost in the Shell (1994) ha ridefinito la skyline avveniristica di Tokyo. Sempre da un soggetto di Oshii nasce il film d’animazione Jin-Roh, diretto dal suo giovane animatore Hiroyuki Okiura, qui alla sua prima regia. In una grigia e corrosiva realtà parallela, Tokyo è stretta nella morsa della crisi economica e delle agitazioni politiche. Gli agenti della DIME, il corpo speciale della Divisione di Pubblica Sicurezza Metropolitana, devono reprimere l’ultimo nucleo di terrorismo urbano. Uno di loro, Kazuki Fuse, entrerà in crisi dopo aver assistito al suicidio per detonazione esplosiva di una giovane “cappuccetto rosso” (corriere delle cellule terroristiche). Metropolis – (Giappone 2001) di Rintaro Il kolossal tedesco Metropolis (1927) di Fritz Lang è entrato nell’immaginario fantastico universale come un punto di riferimento imprescindibile, tanto da ispirare anche autori giapponesi come il “dio dei manga” Osamu Tezuka, che ne realizza una sua personale versione a fumetti nel 1949, poi trasposta in un film d’animazione all’inizio del nuovo millennio: scritto dall’autore di culto Katsuhiro Otomo e diretto –, il Metropolis dal veterano dell’animazione Rintaro animato fonde il design tipico dei manga di Tezuka con la rappresentazione avveniristica della megalopoli, ricreata con le più recenti tecniche di computer grafica. In questa metropoli per antonomasia, dove gli uomini sono serviti da robot tuttofare, torreggia, imperioso, lo Ziggurat, sorta di moderna torre di Babele

In Time (USA 2011) di Andrew Niccol Scritto e diretto da Niccol, regista del profetico Gattaca e sceneggiatore di The Truman Show, In Time è uno dei migliori action degli ultimi anni, crudelmente politico e spettacolare, con una delle visioni di futuro distopico più convincenti di sempre. In un futuro non troppo lontano, il mondo è diviso drasticamente tra ricchi e poveri e persino il tempo ha un prezzo: dopo i 25 anni, solo chi può permettersi di comprare letteralmente il tempo non invecchia, tutti gli altri muoiono. Il giovane Will, dopo aver visto la madre morire per un banale ritardo nella ricarica del tempo, decide di sfidare l’ordine costituito diventando un moderno Robin Hood e rapinando le banche del tempo.

Futuropolis Futuropolis is this year’s theme. It is a complex theme that involves first of all, science fiction and fantasy literature. The city of the future is a location in space and time, with architecture either futuristic or extremely liquid, where spaces can be vertical or horizontal. Even the future man is a strange inhabitant of this city: a wolf-man, androids, Cyclopes. And in the future, besides the lack of rational and livable space, cities are filled with houses, infinitely high skyscrapers, chaotic and hyper-urbanized spaces. Within the four chosen titles for this homage to the cities of the future, there are also themes dealing with social problems, in which humans await a dystopian future that gives little reassurance. The lack of livable space and the increased density in construction creates a chaos that impoverishes humanity: from the lack of sun to the lack of time, all the way to wars between man, androids and terrorists of the future. Nothing positive is promised in the fantasies of the future from any country. The growing lack of natural resources and our ever growing consumer culture is something that Italy surely must look out for. It is from this point that Futuropolis sets out, to discover the various ways our cities can be, understanding and observing with great energy the challenges of what is soon to come. The City of Lost Children (La cité des enfants perdus, Francia 1995) by JeanPierre Jeunet and Marc Caro. The second and last feature film by the most visionary French duo, Jean-Pierre Jeunet and Marco Caro, The

City of Lost Children is one of the few European films to stand up to American science fiction. But it has also been undervalued and invisible. In the oldest and most decrepit part of the port, children vanish every day. Krank is the culprit, a man who no longer knows how to dream and wants to steal the dreams from the minds of children. In order to do this he needs Cyclopes, criminals who cannot see, who Krank pays with artificial eyes. When Denrée, the brother of the giant One, disappears, One decides to do anything possible to find him and stop these kidnappings. Jin-Roh: The Wolf Brigade (Japan 1999) by Hiroyuki Okiura The Japanese author who put forward the architectural geometry of this future city more than any other is certainly Mamoru Oshii, who already in films like Ghost in the Shell (1994) redefined the view of Tokyo’s skyline. Continuing Oshii’s vision is Jin-Roh, directed by the young animator Hiryuki Okiura, in his directorial debut. In a grey and crumbling parallel reality, Tokyo is deep in economic crisis and political upheaval. The DIME agents, a special division of the Metropolitan Public Security, must break up the latest urban terrorist cell. One of them, Kazuki Fuse, has a breakdown after having assisted in the suicide bomb of a young ‘red hood’, a member of the terrorist cell. Metropolis – (Japan 2001) by Rintaro The colossal German Metropolis (1927) by Fritz Lang entered into the collective imagination as an essential point of reference for the fantastical. It certainly inspired Japanese authors like the ‘god of manga’ Osamu Tezuka, who made his own version of the film in a comic in 1949 and then transposed it into an animated film at the beginning of the new millennium. It was written by the cult author Katsuhiro Otomo –. This and directed by the animation veteran Rintaro

animated Metropolis is drawn in the typical manga style of Tezuka with futuristic visions of mega-cities, recreated with the most cutting edge computer graphics. In this exemplar megalopolis, where men are served by robots that do everything, living under the towering, imperial, Ziggurat, a modern day tower of Babel, created by Duke Red, the most powerful man in the city. The investigator Higeoyaji arrives in the city with his nephew Kenichi, hoping to search for a mysterious scientist, Doctor Laughton, who seems to be implicated in dubious trafficking and in other illegal activities dealing with the robots. In Time (USA 2011) by Andrew Niccol Written and directed by Niccol, director of the prophetic Gattaca and scriptwriter of The Truman Show, In Time is one of the best action films of recent years. It is cruelly political and spectacular, with a dystopian vision of the future that is ever more convincing. In a not so distant future, the world is drastically divided between the rich and the poor, even time has its price. After only 25 years, only those who can afford to buy time will cease to grow old, everyone else will die. Young Will, after having seen his mother die for simply not having recharged her time within limits, decides to challenge the powers that be and become a modern day Robin Hood, stealing from the time banks. © 2011 Medusa Film / 20th Century Fox In Time (2011 USA) Andrew Niccol

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Trova i totem del Future Film Festival posizionati in alcuni dei punti della città in cui saranno installate le nuovissime isole ecologiche interrate per un’innovativa raccolta differenziata dei rifiuti di Hera e del Comune di Bologna. Inquadra con il tuo smartphone il QR CODE che trovi su ogni totem e...

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Via Righi - Angolo Via Oberdan 19b

Via de’ Castagnoli - Largo Respighi 7

Via degli Artieri 2f

Via Marchesana 4 - 4d

Via delle Moline 1 - Via Borgo San Pietro 1

Via Belle Arti 13 - Incrocio Via Mascarella

Via Righi 2a

Piazza Aldrovandi 4

Salaborsa, Piazza del Nettuno 3

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BOLOGNA

spettacoli mostre EVENTI CITTA’ E DINTORNI 107.600 MHz

Future Film Festival 2014 è Carlos Saldanha, Hayao Miyazaki, Guido Manuli, Jean Régnaud, Émile Bravo, Alvise Avati, Bill Plympton, Don Hertzfeldt, Stefano Bessoni, Alvise Avati, Alessandro Rak, Juan José Campanella, Gianluigi Toccafondo, PES, Vincent Patar e Stéphane Aubier, Masaaki Yuasa, Luiz Bolognesi, Katsuhiro Otomo. Per la sua XVI edizione il Future Film Festival mantiene la barra dritta sull’animazione, quest’anno più che mai. L’indagine del Future Film Festival quest’anno si concentra anche sulle città del futuro, come le ha immaginate e continua a immaginarle il cinema e come le architetture futuribili abbiano un riscontro nell’urbanistica contemporanea, indagata assieme ad architetti, urbanisti, esperti di smart city e di sostenibilità. Città del futuro come universi distopici, spazi dilatati o compressi, elementi verticali di universi che tendono sempre più verso il cielo e mondi dove acqua, aria e terra sono da difendere come spazi ma anche come elementi vitali.

Future Film Festival 2014 is Carlos Saldanha, Hayao Miyazaki, Guido Manuli, Jean Régnaud, Émile Bravo, Alvise Avati, Bill Plympton, Don Hertzfeldt, Stefano Bessoni, Alvise Avati, Alessandro Rak, Juan José Campanella, Gianluigi Toccafondo, PES, Vincent Patar and Stéphane Aubier, Masaaki Yuasa, Luiz Bolognesi, Katsuhiro Otomo. For its XVI edition the Future Film Festival raises the bar even higher for animation. The investigations of the Future Film Festival this year are concentrated on cities of the future, how they have been imagined and how we will continue to imagine them. This research is in cinema and architecture, in urban planning and vision. The project has involved architects, urban planners, smart city experts and experts on sustainability. Cities of the future always tend towards dystopias, expanded or compressed spaces, universes that are always moving higher up towards the sky, worlds where water is scarce and the air and the earth are places in need of defending, places where vital elements are at risk.