SHAPELESS

ARTE DIGITAL

UCRANIA Arte y Guerra ASKtheArtist Interview: Sakimichan

Esta revista es un proyecto académico con la temática de Arte Digital, creado a partir del concepto “Sin forma, como el agua” que parte de la filosofía del maestro en artes marciales, Bruce Lee, que dice que la mente es como el agua y debe adaptarse a todas las situaciones posibles, así como el agua toma la forma de cualquier recipiente donde la viertan.

El arte, cualquier forma de arte, es igual que el agua, parte de una idea en nuestra mente y la plasmamos en un soporte, cualquier tipo de soporte, incluso uno no tangible como lo digital, y puede amoldarse a todas las situaciones imaginables.

La cromática de la revista corresponde a cada sección de acuerdo al contexto de sus artículos. El tono verde representa la esperanza en el futuro, el naranja simboliza la perseverancia de las protagonistas, y el violeta es el misterio y elegancia de la tecnología.

Sobre el Diseñador:

GUSTAVO ARREGUI

Soy estudiante de tercer nivel de Diseño Gráfico en la PUCE y cuento con conocimientos en diseño editorial, edición digital, fotografía e ilustración. Aspiro a especializarme en ilustración y animación, y crear un estudio de diseño, animación y videojuegos.

Me considero alguien en constante crecimiento, la música y el arte son una parte fundamental de mi pues sin estos elementos no sería quien soy el día de hoy. ga_art_99

Fuentes de los artículos:

•https://www.perfil.com/noticias/arte/arte-redes-socialesweb-coronavirus.phtml

•https://elpais.com/tecnologia/2022-01-09/la-artistadigital-anna-carreras-y-el-pelotazo-de-los-nft-flipo-jamaspense-que-podria-ganar-millones-con-esto.html

•https://elpais.com/mexico/2022-09-26/un-millonarioquema-un-dibujo-de-frida-kahlo-para-digitalizarlo-yvenderlo-como-nft.html

•https://www.cbsnews.com/news/ukraine-graphic-artistsrussia-war/

• https://www.npr.org/2022/08/02/1114969355/theukrainian-women-who-make-art-in-the-face-of-war

• https://streetartutopia.com/2022/05/27/art-in-war-photostory-by-street-artist-c215-in-ukraine-2022/

• https://www.theguardian.com/artanddesign/2022/apr/20/ ukraine-artists-venice-biennale-russia

• https://elpais.com/planeta-futuro/planetaunicef/2022-09-04/ser-artista-y-mujer-en-un-pais-queprohibe-los-desnudos-en-los-museos.html

•https://www.deviantart.com/thefluffyshrimp/art/ ASKtheARTIST-Interview-SAKIMICHAN-381515471

•https://www.ocimagazine.es/digital-art-museum-tokyo/

•https://www.infobae.com/america/culturaamerica/2019/05/03/mori-building-digital-art-museum-unrecorrido-por-el-museo-mas-tecnologico-del-mundo/ •https://arteneablog.wordpress.com/2019/01/17/lovingvicent-o-como-la-pincelada-cobra-vida-en-la-gran-pantalla/

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UCRANIA Arte y Guerra

El Mundo de los NFT

El arte llega a casa a través de la web y las redes sociales

Ser artista y mujer en un país que prohíbe los desnudos en los museos

ASKtheARTIST Interview: SAKIMICHAN Digital Art Museum Tokio

Loving Vincent o “cómo la pincelada cobra vida en la gran pantalla”

El arte llega a casa a través de la web y las redes sociales

El aislamiento social preventivo dispuesto para evi tar el aumento sin control de casos de infectados por COVID-19 llevó al público interesado a buscar formas alternativas de mantenerse al día sobre las nove dades y los proyectos en el campo de las artes.

Si bien las generaciones más jóvenes fueron las primeras en reemplazar las grandes pantallas por los pequeños dispositivos a la hora de buscar información y entretenimiento, los horarios estrictos de la progra mación de radios y canales de televisión y la dificultad de los primeros días del confinamiento para conseguir material impreso aceleraron la tendencia del público más conservador a reemplazar a los medios tradicio nales por otras plataformas en las que se puede deci dir qué ver o escuchar y en qué momento hacerlo.

La web y las redes sociales se convirtieron en una herramienta casi excluyente y reafirmaron que ante situaciones de excepción son el medio ideal para la difusión de nuevos proyectos artísticos y culturales gracias a su bajo costo de producción, el fácil manejo y la posibilidad de llegar a un público masivo y globalizado.

Instituciones como el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, Fundación Proa, el Museo Nacional de Bellas Artes, el Centro Cultural Kirchner, Muntref, Malba o la Fundación arteBA, por mencionar sólo algunos, organizan charlas, encuentros, conferencias y difusión de contenidos audiovisuales a través de sus cuen tas en redes sociales y sus páginas web. Por su parte, las galerías aprovechan las herramientas digitales para generar nuevos contenidos o dar a conocer la obra de sus artistas.

En tanto, muchos profesionales supieron aprovechar el recurso para producir con tenidos de alta calidad y ganan día a día nuevos seguidores gracias a la visibilidad que ofrece la web.

Las herramientas digitales ofrecen la posibilidad de encontrar contenidos de calidad que ayudan a mantener vivo el interés en las artes visuales.

Mira las entrevistas aquí escaneando el código QR.

Artistas de entrecasa

María Paula Zacharías lleva adelante el ciclo Artistas de entrecasa, video-entrevistas virtuales a artistas visuales argentinos en cuarentena.

“ Extrañaba el arte, visitar museos y galerías. Y entonces se me ocurrió este ciclo de minientre vistas de media hora, una incursión en cocinas y talleres de artistas visuales argentinos, para acompañar nos entre todos y darnos la cuota necesaria de arte que estamos extrañando”, dice la periodista y escritora.

Más de treinta creadores compartieron las bitácoras de sus días, blocs de bocetos y obras en proceso inspi radas en la cuarentena, además de ofrecer tours por sus casas, talleres y jardines. Los videos se comparten sin cargo, de lunes a viernes, en Instagram TV, en You Tube y en la página web de Zacharías. Ahí se puede ver el archivo con las entrevistas ya hechas, que incluyen a maestros como Delia Cancela, Marta Minujín, Marcia Schvartz, Matilde Marín, Luis Felipe Noé, Guillermo Roux, Antonio Seguí y Diana Aisenberg. También, como lo virtual acorta las distancias, hay charlas con Elian Chali (Córdoba), Julieta Hanono (París), Ernesto Ballesteros y Juliana Iriart (Chascomús), Lila Siegrist (Rosario), Sergio Roggerone (Mendoza), Ana Gallardo (México), Agustina Woodgate (Miami), María Rocha (Santiago del Estero) y Carlos Gómez Centurión (San Juan), entre otros.

Además hay casos especiales relacionados con la pan demia, como Desiree De Ridder, varada en Roma, y Solange Baques, en Finlandia, ambas después de cursar una resi dencia, artistas jóvenes que piensan la performance en el contexto de cuarentena (y su masividad a través de TikTok), como Natacha Voliakovsky y Lolo y Lauti, y artistas muy reconocidos como Mondongo, Chiachio&Giannone, Juan Becú, Verónica Gómez. También, artistas que inauguraron muestras justo antes de la cuarentena y quedaron aisladas y sin público, como Paola Vega y Hernán Salamanco.

María Paula Zacharías tiene tres libros publicados dedicados al arte: Guillermo Roux en sus propias pala bras (Ariel, 2018), Estado del Arte (India 2016 y 2019) y Entrevista con el Arte (India, 2019), y dice que “de este ciclo, quizá, salga el próximo”.

La Tierra, cualniña inquiet ,a oleiclerop dna a girandojun ot a us agima l a Luna, vienen y s e nav lrahc a n do. Ellaesnuestra acinú ac s a;tiene mill one s d e a ñ o s y en un tiempo euf atibah da por ne or sem soiruasonid . lyoH ahabitamosnosot alysor somatse aicusne ndo; p arece qeu p o c o a ocop es diah o enferm a n do.E s op resoqueselos pid :o asaB“ day e imatnoc n ar” , ap r aque en nuest r o p atenal upes e da v i iv r e npaz .

Los recursos naturales no tienen porqué convertirse en basura. Si existe un problema, existe una solución.

Intramuros

Marina Oybin es periodista especializada en arte y escribe en Radar, La Nación, Le Monde Diplomatique y el suplemento de cultura del diario PERFIL. A lo largo de su carrera entrevistó a Marina Abramovic, Orlan, Christian Boltanski, Sophie Calle, Tomás Sarraceno y León Ferrari, entre muchos otros, fue miem bro del jurado de diferentes Premios de artes visuales y realizó entrevistas públicas para diferentes instituciones.

Oybin lleva adelante Intramuros, un ciclo de entre vistas a través de Instagram Live (se puede seguir su cuenta) que luego permanecen en el feed de la perio dista y en su canal de YouTube para poder ser vistos por el público en cualquier momento.

“La entrevista es un género que me fascina” dice Oybin. “En este momento en que estamos aislados, creo que Instagram Live es una forma de encontrarnos con los artistas: es un gran refugio. En las entrevistas surgió material muy rico que luego usé para mis notas y que seguramente será materia prima para futuros proyectos”, afirmó Oybin.

La periodista comparte un resumen sobre las entrevistas que realizó hasta hoy en este ciclo:

Nicola Costantino abrió su taller y mostró sus nuevas obras en cerámica, con técnica milenaria japonesa y escenas post apocalípticas de sus obras, recreaciones de El jardín de las Delicias de El Bosco. Habló sobre su instalación informática Cochon sur canapé y sobre los desafíos que enfrenta el arte y el mercado del arte post cuarentena por la pandemia de coronavirus.

El fotógrafo Marcos López contó cómo vive estos días entre la incertidumbre por la pandemia de coronavi rus y la hiperproductividad.

Osías Yanov contó su experiencia en la residencia para artistas DAAD que cursa en Berlín y habló sobre el futuro de la performance y el contacto físico post coronavirus.

Daniel Santoro mostró sus cuadernos de apuntes, el manual del niño neoliberal que dibuja en estos días y sus pinturas, habló sobre su pasión por Borges, del deseo y del goce y sobre el peronismo.

Desde México, Ana Gallardo habló sobre sus proyectos en geriátricos y residencias de día, el que llevó adelante con las mujeres de la cárcel de la Giudecca, en Venecia y el de restauración de pinturas al óleo hechas por su madre. Tam bién sobre las dificultades que enfrenta y el lugar ocupan hoy las mujeres artistas en el mercado local.

Fátima Pecci Carou explicó el vínculo entre animé, iden tidad y cosplay. Recordó el encuentro con la madre de una de las retratadas en Algún día saldré de aquí, que reúne imágenes de mujeres víctimas de femicidio, desaparecidas o confinadas por trata. Mostró, además, las pinturas que hizo en cuarentena y que integrarán su próxima exhibición.

La periodista conversó con Gabriel Chaile desde Lisboa, donde se fue a hacer una residencia y terminó pasando la cuarentena. El artista mostró los dibujos en carbonilla que está haciendo estos días y que integran su próxima anima ción y habló sobre los recuerdos que lo marcaron.

Tomás Espina habló de su nueva serie ahumada y pintada al óleo, de sus trabajos con pólvora, de su decisión de cerrar un ciclo, de sus obras claves, del rol de la mujer hoy y de su concepción del arte y de la vida.

Antes y después del arte

La periodista Mariana Gioiosa comenzó un ciclo de entrevistas en su Instagram en vivo todos los martes a las 18.00. Se trata de una propuesta a la que llamó Antes y Después del Arte.

“El ciclo lleva ese nombre debido a que por un lado entrevista a personas vinculadas íntimamente con el arte, y por otro, frente al cambio de la dinámica del mundo, acelerada por la pandemia del Covid 19, reflexiona con ellos acerca de la adaptación a nuevas formas de comuni cación, difusión y prácticas artísticas, teniendo en cuenta factores como la ecología, dispositivos tecnológicos y economía creativa” explica Gioiosa.

“Ya no vamos a volver a 2019 y si sabemos adaptarnos puede ser algo positivo”, contó entusiasmada.

En la primera emisión el invitado fue el reconocido curador internacional Marcello Dantas, quien aportó unainteresante mirada sociológica sobre el arte. También participó Diego Trulls, uno de los pioneros de la difusión del arte en la plataforma digital, que aportó su mirada sobre las diferentes oportunidades en el nuevo escenario en que se vive. En otra de las emisiones la presidenta de arteBA y coleccionista Amalia Amoedo habló sobre el coleccionismo en tiempo de pandemia y adelantó futuras acciones que hará la feria internacional para promover el arte argentino.

“Me preparo mucho antes de cada entrevista, ade más de periodista me estoy formando como curadora, la investigación es una parte importante de mi trabajo. Busco que la entrevista sea entretenida, pero sobre todo aportar información de calidad” concluyó Gioiosa.

Finalmente, el artista y docente Marcelo Gutman, desde su cuenta de Instagram, realiza posteos donde nos informa sobre las mejores muestras internacio nales y sobre los últimos libros dedicados al arte moderno y contemporáneo.

Durante la cuarentena comparte interesantísimos catálogos de arte que se descargan de forma totalmente gratuita. Hasta el momento ha ofrecido las publicaciones dedicadas a las retrospectivas “Internacional Pop”, rea lizada en el Walkerr Art Center en 2015, la de Alexander Calder realizada en Australia en 2018, la de William Blake en la Tate de este año, la de Carmelo Arden Quin realizada en Montevideo en 2010, la de Andy Warhol en el Malba del mismo año y la de Ernesto Neto en Brasil del 2019.

Desde hace algunos días realiza sorteos de publicacio nes de arte que vienen acompañados de un tote bag con frases de conocidos artistas internacionales.

Por último, dio a conocer que su proyecto “by appointment”, creado en 2007, acaba de ser seleccionado para BAphoto (la feria se realizará online entre el 1 y el 15 de Septiembre) y que durante el 2021 realizará muestras en la nueve sede de la galería, que estará en el histórico edificio “Pasaje General Paz” de Belgrano.

Existe en la web y las redes sociales una oferta variada de propuestas que pueden calmar la ansiedad de aquellos que extrañan las visitas a museos, ferias y galerías hasta que sea posible retomar las actividades tal como las conocíamos antes de la pan demia. Es cuestión de aprovechar los recursos que se tienen a mano.

El mundo de los NFT El mundo de los NFT

El mundo de los NFT

La artista digital Anna Carreras y el pelotazo de los NFT: “Flipo, jamás pensé que podría ganar millones con esto”

En teoría ya podría jubilarme con un huertecito y unas gallinas”, dice la ingeniera en telecomu nicaciones Anna Carreras (Barcelona, 1979). Lleva 17 años dedicada al oscuro arte generativo, la creación de obras únicas con código a partir de un algoritmo pro gramado por el artista. Hasta 2021 su vida se centraba en dar clases de programación creativa a diseñadores y exhibir su trabajo en museos, donde la tarifa puede rondar los 1.500 euros por muestra. El año pasado, con la explosión de los NFT (non fungible token, en inglés), todo cambió. Carre ras expuso sus creaciones en dos de las principales nuevas “galerías de internet”, Feral File y Art Blocks, en las que una sola de sus obras podía venderse por bas tante más de esos 1.500 euros. Y de su proyecto más numeroso, titulado Trossets, vendió 1.000 en 45 minutos.

Carreras no quiere centrar este cambio sustancial en su vida en el dinero ni en el éxito repentino e incomprensible: “Es todo muy

Tras una vida dedicada a la creación con ordenadores, todo cambió en 2021 para esta ingeniera catalana con la explosión de la nueva tecnología.

americano”, dice. El cambio increí ble en su sector gracias a los NFT le ha sorprendido casi tanto como al resto. Hace poco más de un año tampoco sabía qué era un NFT. Aún hoy “flipa”. “Nunca me imaginé que esto pudiera ocurrir. Ni hablar”, dice en conversación con EL PAÍS en un bar del barrio de Gràcia de Barce lona. “El arte digital existe desde los años sesenta, pero no había encon trado el canal para llegar a la gente y de repente ahora ha petado y lo que hacemos, llega. Tengo mensajes de gente desde una carretera de Colorado dentro de un parque nacio nal donde me dicen que han parado para comprar un Trosset y me mandan una foto con el ordenador encima del capó del coche. Y otro en Alaska. Es muy curioso”, dice.

Los NFT han sido una de las gran des irrupciones tecnológi cas de 2021. Su significado es registrar en un servidor la transacción de una obra digital y demostrar la propie dad única de un individuo. Esto es claramente contraintuitivo: ¿cómo algo que está en internet para que todos lo vean y copien puede per tenecer a una sola persona? Pues es

eso. No es tan raro, dice Carreras: “Es difícil de entender, pero de La Gioconda puedes tener posavasos, camisetas y posters. Pero quien tiene La Gioconda es el Louvre y es de ellos”, dice. La Gioconda es un objeto y una obra digital está en una pantalla. No puedes poseerla igual, aunque haya un archivo en un servi dor que pruebe propiedad.

La aventura de Carreras empezó en el confinamiento. Trabajaba con el ordenador en casa y colgaba en Twitter alguna obra para sus, enton ces, poco más de 1.000 seguidores (hoy tiene 4.400). No usa Instagram ni Facebook. “Un día apareció Casey Reas, un artista estadounidense muy conocido, que ha expuesto en el MOMA y en el Pompidou. Me invita a la exposición colectiva inaugural de Feral File en marzo de 2021. Es la primera vez que hago

NFT y tenía mis dudas”, explica. Allí expuso 75 piezas de su proyecto Arrels, “inspirado en Aragón, la zona profunda de donde viene mi familia, el Matarraña”. En media hora todos los artistas habían vendido todo.

El siguiente proyecto ya fue en septiembre en Art Blocks con las 1.000 obras de Trossets. Para enten der qué ocurre hay que pensar en estas páginas como galerías de arte. Art Blocks se queda con un 10% de las ventas, menos de hecho que las gale rías tradicionales. La gran peculiari dad de estos proyectos en Art Blocks es que todos son arte generativo. El artista programa un algoritmo que creará 1.000 piezas, pero esas piezas no existen hasta que se venden. Solo entonces se generan.

“En lugar de hacerlo con pin celes lo escribes y el ordenador lo dibuja por ti”, dice Carreras. “Puedo

cambiar el color, la forma, el com portamiento, que las líneas que caen cuelguen más o sean más orgánicas para que perezcan ramas o, al contra rio, sea más estructurado. Escribes un algoritmo para que dibuje un árbol, pero no lo dibujas literalmente con las ramas, le pides al ordenador que haga crecer un árbol y cada vez crece distinto. Las repeticiones son infinitas. Es como describir un árbol con código. Lo haces por ejemplo crecer más recto para que parezca un chopo o ciprés, que crezca más enredado para que sea una higuera. No pueden ser cosas perfectamente figurativas. Es todo más abstracto y geométrico”, explica.

Carreras va más allá de Photoshop u otras herramientas de ilustración. Usa código de un lenguaje llamado Pro cessing, creado en 2001 precisamente por Casey Reas: “Le pides ‘dibújame

un círculo aquí de color rojo’. Y lo ves. A partir de ahí vas creciendo. Si le das más vueltas te creas tus pinceles y con ellos pintas cosas que no puedes pintar de ningún otro modo”.

El éxito de Carreras en Art Blocks no fue extraordinario. La plataforma escogía a un artista cada semana y ven dían todo, hasta noviembre, cuando se frenó el ritmo. El año 2021 ha sido inimaginable para los NFT, que no solo son obras de arte. Cualquier cosa en

internet puede ser un NFT, pero el arte parece una opción perfecta.

Carreras apareció en noviembre en un reportaje largo de la revista Wired sobre el origen de los NFT. La periodista le dedicó tres párra fos a Trossets: “Una vez el precio bajó a cinco ether [en referencia a la criptomoneda ethereum, que se usa en estas transacciones y que hoy equivale a casi 14.000 euros por esos cinco ether], la subasta se

aceleró y se convirtió en un frenesí, y pronto las 1.000 obras se agotaron. El proyecto recaudó alrededor de 10 millones de dólares. Restando el 10% que se destinó a Art Blocks y dos donaciones benéficas elegidas por el artista [a Open Arms y Fundación Marilles, que protege el mar en las Baleares] por un total de alrededor de dos millones de dólares, Carreras obtuvo siete millones en ethereum antes de impuestos”. Carreras fue la primera sorprendida por esa cifra.

Aunque la subasta le supuso unos ingresos extraordinarios, asegura

que se parecen más a la mitad de lo publicado por Wired. Además, le dijo, la pieza había resultado muy polémica y había recibido muchos palos (los NFT generan conflicto) y que en todo caso estaba solo bajo suscripción, con lo que la iba a ver menos gente.

Carreras ha tenido que buscar una gestoría fiscal que sepa gestionar crip tomonedas para su nueva situación.

Los NFT tienen otras diferencias respecto al mercado del arte tradi cional. En sucesivas transacciones el creador se sigue quedando con el cinco por ciento de la venta.

Un millonario quema un dibujo de Frida Kahlo para digitalizarlo y venderlo como NFT

El millonario Martin Mobarak quemó un dibujo sin título de la artista mexicana Frida Kahlo para convertirla en 10.000 piezas digi tales y venderlas en forma de NFT, un certificado digital que se emplea para registrar la propiedad de algo colec cionable. El propietario de la obra, en la que se puede leer “fantasmones siniestros” y que está valorada 10 millones de dólares, señaló que los fondos se destinarán a transformar y revolucionar el arte digital, la caridad y el mundo de la salud.

El dibujo de Kahlo es una de las piezas de su diario, datado entre 1944 y 1954. Mobarak, que se pre senta así mismo como un filántropo y transformador de NFT, es fundador de la iniciativa Frida.NFT, una web en la que indica que, con la transfor mación digital, el arte de Kahlo “será compartido alrededor del mundo” para crear donaciones que continua rán creciendo “en la eternidad”.

El millonario mexicano compró la imagen 2015 a la galería neoyor quina Mary Anne Martin. Mobarak asegura que, con la creación del NFT, las fundaciones elegidas para recibir los fondos van a conseguir una ayuda “constante”. El millonario admite que la quema del dibujo es una parte “fuerte” y que se puede “malinterpre tar”, pero para él es un proceso para llevar a la artista a una “inmortaliza ción”. “Quemar la obra va a ayudar a crear los fondos”, ha señalado el fundador, quien cree que, si la artista conociera el destino de los fondos, le habría dicho que “quemara todo”.

Mobarak hizo arder el dibujo en un evento realizado el pasado 30 de

julio en Miami. En la web, el millo nario invita al público en general a que el próximo noviembre compre lo que, según señala, es el “NFT más histórico existente”.

La obra fue digitalizada por las dos caras de la página. En el reverso, incluye las palabras “Cromóforo” y “Auxocromo”, dos términos científicos que la artista mexicana adoptó como nombres para ella y su pareja, el también artista Diego Rivera. En otras de las páginas del diario, que forma parte de la colección del Museo Frida Kahlo en Coyoacán, la pintora se describe a sí misma como “Cromóforo, el que recibe color” y a Rivera como “auxocromo, el que cap tura color”.

Mobarak cuenta que la obra expresa el amor y el dolor. Por un lado, el amor reflejado por los términos con los que Kahlo se refería a ella y su pareja; por otro, los “fantasmas siniestros” que, según señala el millonario, la artista plasmó para mostrar los miedos.

El propietario de la pieza de la artista mexicana vende 10.000 copias del original a través de internet para, según cuenta, transformar el mundo del arte digital y el de la caridad.

UCRANIA ARTE Y GUERRA

“Ojalá nunca tuviera que dibujar esto”: artistas gráficos ucranianos comparten trabajo para crear conciencia y fondos para Ucrania

Un grupo de artistas gráficos ucranianos está respon diendo a la invasión rusa de su país de origen con creatividad. Se han unido para compartir su trabajo y crear conciencia y recaudar fon dos para Ucrania .

La artista Anna Sarvira cofundó el colectivo para compartir el arte gráfico de otros ilustradores. Ella le dijo a la moderadora de “Face the Nation” y corresponsal en jefe de asuntos exteriores de CBS News, Margaret Brennan, que huyó de Ucrania y no sabe cuándo regresará, ya que la guerra la persigue.

“No somos soldados ni somos médicos. Siendo un artista durante la guerra piensas: la gente se está muriendo y tú estás dibujando”, dijo Sarvira. “No tenemos experiencia de la guerra. Solo que sientes odio, odio y odio, y es un sentimiento terrible. Estaba dibujando este sen timiento, y cuando sientes que no puedes hacer nada más”.

Dijo que muchos de los artistas con los que trabaja decidieron no irse de Ucrania, como Oleksandr Sha tokhin; cuando las bombas rusas caían sobre su ciudad, le enviaba obras de arte a Sarvira todos los días.

El colectivo de Sarvira ayudó a organizar más de 40 exposiciones en todo el mundo para subastar obras de arte, incluida la Casa de Ucrania en Washington, DC.

El trabajo de la ilustradora Tania Yakunova está inspirado en la valentía de los ucranianos comu nes. Dibujó incluso cuando huía del bombardeo de Kyiv y ahora está documentando las horribles atrocidades que quedaron atrás.

Una de sus obras de arte se llama “Madre Bucha”.

“Esta imagen es una ima

gen colectiva de varias víctimas que, lamentablemente, no pueden com partir sus historias”, dijo Yakunova. “El ejército encontró los cadáveres de varias mujeres jóvenes desnudas y violadas al borde de la carretera, y los rusos intentaron quemarlas”.

Solía ilustrar libros para niños, pero dice que la guerra le ha robado a ella ya muchos otros esa inocencia.

“Hay más historias sobre una mujer que fue violada frente a su pequeño bebé, y ni la mujer ni el bebé sobrevivieron. Les dispararon”, dijo Yakunova.

“Ojalá nunca tuviera que dibujar esto”.

Salvar el arte ucraniano y ayudar a los artistas, un NFT a la vez

Lika Spivakovska cerró sus dos galerías de arte en Kyiv, Ucrania, horas después de que Rusia invadió su país y se sintió impotente mientras viajaba por Europa en busca de refugio con sus dos hijos. Los artis tas atrapados en Ucrania le habían estado enviando mensajes durante toda la semana, diciéndole que los atacantes habían destruido sus talleres y estu dios caseros.

Las explosio nes en el este de Ucrania dañaron alrededor de 20 espa cios dedicados a los artistas, dejando lienzos carbonizados, pinturas hechas jirones y medios de vida perdidos, según mensajes de texto envia dos a la Sra. Spivako vska. “Estoy sin estu dio, pinturas, lienzos y ninguna obra propia”, lamentó un artista en un mensaje.

“Me sentí tan culpable”, dijo Spivakovska, de 38 años, quien ha defendido a los artistas ucranianos emergentes durante casi una década, colocando su trabajo en una de sus galerías, Spivakovska Art:Ego, que abrió sus puertas en 2014.

Ahora era su responsabilidad, creía, ayudarlos durante la guerra.

Publicó una llamada de ayuda en Facebook en febrero, preguntando si alguien podía conectarla con una persona familiarizada con NFT , o

tokens no fungibles, una especie de artículo coleccionable digital que está sellado con un código único que sirve como un registro perma nente de su autenticidad.

Muchas de las obras de los artistas habían sido destruidas; pero tal vez, pensó, las fotos guardadas de sus pie zas podrían digitalizarse en NFT. Tal vez eso permitiría a los pintores ucranianos pobres mantenerse financieramente a flote a través de subastas en línea mientras la guerra se prolongaba.

Eventualmente, un amigo conectó a la Sra. Spivakovska con Crystal Rose Pierce, la fundadora de Lighthouse, una galería de arte de NFT en Puerto Rico.

“Cuando recibí su llamada telefó nica, eran las 4 de la mañana”, dijo Pierce, “y supe que era algo impor tante”. Ella le dijo a la Sra. Spivako vska que las fotos del arte de los ucranianos y las imágenes tomadas de las pinturas y dibujos dañados después de los ataques rusos podrían acuñarse en NFT y ser parte de una exhibición en el museo Ligh thouse en San Juan.

La Sra. Spivakovska, quien también fundó un teatro de celebridades y es editora en jefe de ARTNEWS. ONE, una publicación de arte en línea, quería aumentar el alcance del espectáculo.

Los artistas y los niños seguían dibujando y pin tando en los refugios antiaéreos, a menudo con iPads. Tal vez sus obras de arte también podrían venderse como NFT, dijo, y todo el dinero se destinaría directamente a los esfuerzos humanitarios o a los artistas y las familias de los niños que proporcionaron las obras de arte.

Lika Spivakovska se asoció con una galería

La Sra. Pierce estuvo de acuerdo, y solo un día después de hablar por teléfono, un espectáculo en marzo titulado “Faro para Ucrania” recaudó más de $ 30,000, con un NFT de una pintura parcialmente dañada por una bomba rusa que se vendió por alre dedor de $ 10,000. La Sra. Spivako vska pidió a la gente que le enviara más obras de arte para que su nación pudiera hacer una crónica completa del costo de la guerra.

En dos semanas, recibió más de 450 obras de arte, en su mayoría pinturas digitales que los ucranianos completaron en refugios antiaéreos, y las colocó en OpenSea , un mer cado para que las personas com pren y vendan NFT. Algunas piezas representan las oscuras realidades de la guerra, como cuerpos ensangren tados y una madre amamantando en un refugio antiaéreo, mientras que

otras expresan alegría en flores ama rillas y azules. Algunos también se burlan del presidente Vladimir Putin de Rusia y lo ilustran como un demo nio o una criatura parecida a una serpiente con cuernos.

Una de las artistas que contribuyó al proyecto, Marianna Gyshchak, de 30 años, de Kyiv, dijo a través de WhatsApp el miércoles que su dibujo “Lucha por la libertad”, que se convir tió en un NFT, era un “grito de mi corazón hecho en la bomba”. refugio.”

Se abrigaba en capas para mantener el calor en el refugio sin ventanas y ponía un iPad en su regazo, coloreando el cabello azul y amarillo de la mujer en el cen tro de su pieza, que sostiene un tridente plateado que se asemeja al símbolo nacional de Ucrania.

Después de que se vendió, dijo Spivakovska, trató de comunicarse con Gyshchak para compartir las bue nas noticias, pero no pudo comuni carse con ella. La Sra. Gyshchak había estado escondida en Irpin, un subur bio de Kyiv que se había convertido en una de las áreas de combate más ferozmente disputadas en marzo.

La Sra. Spivakovska dijo que recordó haber pensado en ese momento: ¿Qué pasa si la matan?

Unos días después, se conectó en línea con la Sra. Gyshchak. Cuando le dijeron que alguien había comprado “Fight for Freedom”, la Sra. Gyshchak le dijo a la Sra. Spivakovska que donara todas las ganancias al ejército ucraniano.

“Están salvando nuestras vidas y estoy feliz de que mi talento y mi arte puedan ayudarlos”, dijo. “Esto es lo menos que puedo hacer”.

La Sra. Pierce, de la galería Ligh thouse NFT, dijo que la galería estaba planeando otra exhibición de arte ucraniano NFT en mayo, y que todo el dinero de las ventas se destinaría a artistas o apoyo humanitario.

17 fotos: Art in War – Historia fotográfica del artista callejero C215 en Ucrania 2022

C215: Esta mañana vuelvo a Ucra nia, a pintar allí para los ucranianos, a mostrar nuestra solidaridad allí y también a encontrar a los que conocí. Entre otras cosas, haré este retrato de mi hijo Gabin, con atuendo ucra niano. Cuando regrese, pensaré en mi futuro. Me estoy haciendo viejo y cansado. Gracias por tu apoyo

C215: De vuelta en Ucrania, esta vez para pintar arte callejero en apoyo a los ucranianos, y arte que muestre nuestra solidaridad, en lugar de imágenes que muestren el horror de los bombardeos de áreas civiles, como hice hace un mes .

Para el primero de estos trabajos, con la complicidad del municipio de la ciudad de LVIV, realicé este fresco que representa a una niña con una corona de flores, símbolo del folclore ucraniano. Este muro es gemelo del que pinté al comienzo del conflicto en el distrito 13 de París. De la misma temática y del mismo tamaño que el primer muro parisino, este muro simboliza más allá de la distancia la amistad que nos une a los ucrania nos, y el apoyo incondicional que brindamos a sus familias refugiadas, que espero pronto puedan regresar. a Ucrania Encuentra sus hogares.

C215: Así continúa esta segunda estancia en Ucrania, aquí en Lviv, con este mensaje de amor y esperanza dirigido a todos los amantes separados por la guerra, inspirado en una canción francesa de otra época, otra guerra: “Esperaré, esperaré día y noche, siem pre esperare tu regreso…”

C215: En un campo de refugiados en Lviv, el poder de la vida, la juven tud, la inocencia...

C215: Muy feliz de haber podido producir una “Libertad guiando al pueblo” con los colores de Ucra nia en la terraza de la Embajada de Francia en Kiev, para marcar simbóli camente el regreso de Francia por su cuerpo diplomático a la capital.

C215: En el centro de la ciudad de Kiev, Ucrania, este edificio fue parcial mente destruido por un misil ruso.

C215: En el centro de la ciudad de Kiev, áreas civiles destruidas por bombas rusas.

Artista callejero C215

El artista de esténcil C215 fue a Ucrania. Esta es su historia.

C215: Gostomel/Bucha, óblast de Kiev, Ucrania.

C215: En Gostomel/Bucha, óblast de Kiev, Ucrania.

C215: Mi forma de desear un feliz Día de Vyshyvanka a todo el pueblo ucraniano pintando a mi hijo Gabin con esa camisa tradicional frente a un edificio destruido por un cohete ruso en Kiev.

C215: Llegará el momento en que la vida se haga cargo... En Kiev, Ucrania.

C215: Cerca de Kyiv, sobre la carcasa de este tanque ruso, cuando el arte intenta desafiar el absurdo de la guerra.

C215: Recuerdo del campo de refugiados de Lviv en Ucrania. Regre sar a París fue muy difícil. Tendré que digerir lo que vi en Voutcha, los ros tros apagados, los agujeros de bala por todos lados, los casquillos en el suelo, los cementerios con múltiples tumbas recién excavadas, los edifi cios destruidos, la desolación.

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C215: Una figura importante en la identidvad cultural ucraniana, Taras Shevchenko (1814-1861) fue un poeta humanista, pintor y etnógrafo. Se le considera el mayor poeta romántico en lengua ucraniana, el equivalente de nuestro [Francia] Victor Hugo. Para los ucranianos, en Kyiv, con ternura.

C215: En Lviv, Ucrania.

Felicidad de encontrar a mi familia ya mis hijos, aunque la reco nexión no sea fácil.

Me gustaría decirles que a pesar de (o debido a) mis muchas publi caciones de murales realizadas en los últimos dos meses en Ucrania, desde entonces un número impre sionante de artistas rusos se han suscrito a mi cuenta de Instagram y validan mis publicaciones.

Hay esperanza.

Algunas de las principales artistas femeninas de Ucrania cuentan ahora historias de guerra en la Galería Fridman de Nueva York, así como en una galería en Kyiv. Las mujeres son activistas además de artis tas, y están respondiendo con pintura, fotografías y videos a la invasión rusa y conflictos anteriores por la anexión de Crimea. Las obras poderosas e inquietantes demuestran que el arte no se trata solo de imágenes bonitas.

El retrato de Lesia Khomenko de su nuevo esposo Max muestra a uno de los muchos hombres ucranianos recluta dos para luchar contra los rusos. Había sido músico y artista de los medios antes de la guerra. Él y Lesia eran pareja. Cuando Max ingresó al ejército, Lesia pudo salir del país.

Durante los meses de separación, él le enviaba regular mente selfies. Pero durante esos meses, notó cambios en Max. “Ahora, él está totalmente en uniforme militar”, dice ella. Y pinta una nueva tensión en él. Hay un ceño fruncido en su rostro. Se para lo más derecho posible, saludando. Su expresión es seria, decidida y concentrada. Su ropa es demasiado grande. “Me pregunto si todavía puedo reconocerlo”, dice ella.

Lesia habló con NPR un día antes de volar de Nueva York a Ucrania, para una visita de solo una semana. Había sentido que tenía que dejar su país, aunque eso signi ficaba estar lejos de Max. “Es demasiado peligroso en Ucrania. Tengo una hija pequeña y soy muy responsable de ella. No puedo vivir con ella en Ucrania”. Tres veces al día había tenido que correr al sótano para esconderse de los bombardeos: “Estás llena de miedo”. Pero con la ayuda de la tecnología, ella y Max pudieron hacer que el miedo fuera casi soportable. Se casaron en línea.

Otros artistas en la exposición “Mujeres en la guerra” hacen obras sobre historia, política, guerra y el dolor y el

Las mujeres ucranianas que hacen arte frente a la guerra

costo de la misma. Muestran las secuelas de las violacio nes: dolorosos dibujos de partes íntimas, ensangrentadas por la agresión; una madre y sus hijos pequeños al pie de la escalera de un sótano sucio; la imponente imagen de un hospital psiquiátrico. Rodeadas de bombardeos y muerte, las mujeres ucranianas hacen obras de arte.

“En todas las guerras, había vida artística”, dice la curadora e historiadora del arte Monika Fabijanska, “ya sea bajo tierra o en la superficie, siempre que sea posible”. Crear es una salida esencial. “El arte te permite procesar y nombrar nuestros sentimientos, y encontrar otras personas que lo sientan y lo procesen”.

En dibujos, películas e incluso escritura a mano en retazos de ropa de cama, estos artistas son testigos de la historia de las realidades de la guerra: su coti dianidad y el número de víctimas que cobra.

‘Estamos luchando por nuestra cultura’: artistas ucranianos se dirigen a la Bienal de Venecia

Ese fue el sentimiento que impulsó a Pavlo Makov , el artista ucraniano oficial de la 59 Bienal de Venecia , a viajar a Italia para instalar su exposición.

Makov y su equipo, incluida la curadora Maria Lanko, estaban decididos, dijo Pavlov, a “mostrar que estamos aquí y existimos. No estoy citando a Churchill directa mente, pero habló sobre las cosas por las que estamos luchando, y estamos luchando por nuestra cultura, nues tra forma de ver el mundo”.

El trabajo de Makov se llama Fuente del agota miento: una pirámide de 78 embudos de bronce colo cados en niveles, a través de los cuales fluye el agua. La idea original surgió en 1995, cuando, debido a graves inundaciones, la ciudad de Kharkiv se quedó sin suminis tro de agua durante varias semanas.

Cuando comenzó la invasión el 24 de febrero, Lanko se subió a su automóvil, con las chimeneas de bronce en el maletero. Seis días después, con las carreteras bom bardeadas y las carreteras secundarias atascadas, llegó a la frontera. En Milán, encontró un fabri cante que podía recrear las partes de la obra de arte que no había podido llevarse.

Makov describió cómo él y su familia inicialmente se habían mostrado reacios a abandonar Kharkiv, a pesar de un período aterrador en febrero cuando “la vida era como un péndulo que se balanceaba primero de esta manera y luego de esa: ¿comenzará la guerra? Si o no.”

Después de una semana durmiendo en un refugio antiaéreo debajo del centro de artes de la Universidad de Kharkiv, él, su esposa, algunos amigos cercanos y su madre (y sus gatos) se pusieron en camino. Una vez que su madre se instaló a salvo en Viena, partió hacia Venecia. “Sentí que no soy tanto un artista o un indivi duo, sino más bien un ciudadano de Ucrania. Sentí que Ucrania tiene que estar representada”, dijo.

El equipo también está organizando la Piazza Ucra ina, un pabellón temporal en la sede principal de la Bienal, los Giardini, que albergará charlas “centradas”, dijo Lanko, “en descolonizar Ucrania de Rusia y dar importancia a la cultura ucraniana”.

eliminar Ucrania y eliminar la cultura ucraniana. Si no tiene cultura, Ucrania no existe”.

Mientras tanto, la escritora y artista Yevgenia Belo rusets pasó los primeros 40 días de la guerra durmiendo (o mejor dicho, no durmiendo) en un pasillo de su casa de Kiev, lo más lejos posible de cualquier cristal que se rompiera, “con mi computadora y en coche, un teléfono cargado, un pasaporte y documentos a mi lado”.

Su diario de guerra, acompañado de sus sencillas foto grafías, se mostrará en This is Ukraine, una exposición colateral oficial de la Bienal de Venecia. El lugar del espec táculo, la espectacular Scuola Grande della Misericordia, está adornado con carteles azules y amarillos con las palabras “Estamos defendiendo nuestra libertad” escritas a mano por el presidente, Volodymyr Zelenskiy.

“La idea de Rusia es

En un exceso de celo por complacer al presidente iraní Hassan Rouhani durante su viaje a Roma en 2016, las autoridades italianas decidieron cubrir las majes tuosas esculturas clásicas de los Museos Capitolinos.

Con ello pretendían aplacar el rubor sexual del mandatario persa durante su paseo entre cuerpos desnudos de la Antigüedad grecorro mana. Una decisión que encolerizó a los responsables del Patrimonio Cultural, al considerar inaceptable la claudicación de una autoridad euro pea ante postulados reaccionarios de una legación extranjera.

Ser artista y mujer en un país que prohíbe los desnudos en los museos

Desde la fundación de la Repú blica Islámica en 1979, las galerías de arte en Irán no pueden mos trar un desnudo. El rechazo a la exhibición pública del cuerpo humano tiene su explicación en los principios islámicos profundamente conser vadores que restringen de forma severa las libertades individua les. En este ambiente represor, las iraníes han encontrado en el arte un poderoso cataliza dor del anhelo de libertad, a través del cual expresar todo aquello que de otra forma queda silenciado.

“Para la mayoría de artistas iraníes, viajar al extranjero es imposi ble. Tienen que probar que volverán mediante un arraigo: hijos, dinero en la cuenta o un domicilio en propie dad. Las que no tienen nada de eso son sospechosas de no regresar”

La Casa de los Artistas, en el centro de Teherán, es el punto de reunión con dos reconocidas pinto ras cuyas obras raramente obtienen permiso para ser exhibidas en las galerías de la ciudad.

Parnian Omidi afirma entender el mundo solo con imágenes. Crea sus obras sobre una base de cuerdas, cientos de hilos entrelazados que dejan infinitos espacios vacíos. Para ella, el lienzo es una tela entera y segura, justamente todo lo contra rio de cómo se ha sentido toda su vida: quebrada, inestable, llena de agujeros. “Si quería expresarme de forma sincera debía empezar por el soporte”, explica. Sus huecos emocionales son las cavidades que quedan entre los hilos.

El alma perforada

En su última serie, Omidi se ha centrado en el cuerpo feme nino desnudo y, en varias de las obras, uno de los pechos no está. Hay un hueco, un vacío. Solo se adivina el pezón, incrustado entre las cuerdas. “Creo que en la sociedad iraní el alma femenina no tiene lugar, por eso el pecho no existe”, declara. También a causa de la relación tóxica que, según dice, existe entre los pechos femeninos y los hombres. “El pecho es el símbolo de la feminidad y ser mujer en Irán me hace sentir insegura. Debemos esconder siempre nuestra feminidad para no ponernos en peligro”, lamenta.

Es en este contexto hostil donde, a través de sus obras, Omidi da rienda suelta a su interior herido: rostros de mujer de aspecto sombrío con una cara de bebé asomando por detrás. Retazos de torsos femeninos con flechas cla vadas en la espalda. La artista tiene

En el ambiente represor de Irán, las creadoras han encontrado en el arte un poderoso catalizador de sus anhelos de libertad.

clientes en Dubái y en Irán. Las principales galerías de Teherán quieren mostrar sus obras, pero, según afirma, ninguna obtiene el permiso del Gobierno. Con la prohibición, las autoridades se adueñan del cuerpo femenino y lo condenan a la oscuridad.

Otro obstáculo importante para las artistas iraníes es su proyección internacional. Para la mayoría, viajar al extranjero es imposible. Tienen que probar que volverán mediante un arraigo: hijos, dinero en la cuenta o un domicilio en propie dad. Las que no tienen nada de eso son sospechosas de no regre sar. “Cuando los iraníes queremos cruzar una frontera debemos hacerlo en pedazos. Nos vamos descomponiendo como personas por el sufrimiento”, explica con sonrisa forzada Negin Ehtesabian, ilustradora y diseñadora.

“Si te divorcias, tus hijos se irán a vivir con el padre, y si este muere, vivirán con su abuelo. Si estás divorciada no podrás inscribirlos sola en el colegio y si te casas de nuevo, perderás la custodia”

Negin Ehtesabian, ilustradora y diseñadora

La obra de Ehtesabia n muestra la recomposición personal de esos iraníes que han logrado un visado y que, una vez en el exterior, se esfuer zan por recuperar su identidad. Otro de sus proyectos más importantes, Medusa (2016), disecciona el complejo perfil de la mujer iraní. “El arque tipo de Medusa, la figura mitológica griega, es el de una mujer poderosa, símbolo del feminismo, pero también reprimida. Seducida, después victimi zada y finalmente convertida en un monstruo”, detalla. El proyecto, que viajó a Canadá y a Colombia, explora los miedos de la maternidad.

“Existe una concepción muy hipócrita de la figura materna en Irán. Si te divorcias, tus hijos se irán a vivir con el padre, y si este muere, vivirán con su abuelo. Si eres una mujer divorciada no podrás inscribirlos sola en el colegio y si te casas de nuevo, perderás la custodia”, aclara. La realidad es que “también se nos menosprecia como madres”, lamenta.

Prohibida la distribución de preservativos

Las iraníes cada vez tienen menos niños, una tendencia que alarma al régimen. En un intento autoritario de potenciar la reproducción, el Gobierno prohi bió hace unos años la vasectomía. También suprimió los programas de planificación familiar que durante décadas habían permitido a los jóvenes acceder a preservativos y pastillas anticonceptivas.

En noviembre de 2021, el Consejo de los Guardianes de Irán aprobó la Ley de Población Juvenil y Protección de la Familia, que restringe de forma drástica el derecho de la mujer a proteger su salud sexual y reproductiva. También limita la venta de anticonceptivos en las farmacias y prohíbe su distribu ción gratuita en la red nacional de atención sanitaria.

En las últimas semanas, la República Islámica ha aumentado la presión para que las mujeres mantengan un comportamiento púdico en público, lo que ha provo cado protestas contra la represión que ejerce la policía de la moral contra las iraníes que no llevan el hiyab de manera apropiada. Desde la llegada al poder del ultracon servador Ebrahim Raisí el pasado 21 de agosto, han aumentado los arrestos de jóvenes y adolescentes por no llevar de manera correcta el preceptivo velo islámico.

“Desde la llegada al poder del ultraconservador Ebrahim Raisí han aumentado los arrestos de jóvenes por no llevar de manera correcta el hiyab”

La autora multidisciplinar F. H. (que prefiere no ser identificada por su nombre) reflexiona sobre la imposición del hiyab en su país. Es viernes, festivo en Irán, y el habi tual bullicio de la capital cesa por unas horas. Paseando por el Parque Velayat, lugar de reunión de cientos de familias, desgrana la que en su opinión es la razón por la cual el velo es intocable: “El poder rechaza suavizar la obligatoriedad del velo porque si se consiguen avances en los derechos de la mujer, la sociedad no se quedará ahí”. Esta artista cree que una relajación de la norma abriría la caja de pandora y llegarían los gri tos de libertad en todos los ámbitos: política, sexual, de expresión, de conciencia, de religión, de reunión...

“El régimen teme una revolución de terciopelo”, dice, en alusión al movimiento pacífico que terminó con el comunismo en Checoslova quia en 1989. “Una revolución no violenta que confronte la represión a través de la educación”, deta lla. Las artistas juegan un papel decisivo en ese reto porque sus obras denuncian los atropellos contra la mujer. Y si el lienzo no encuentra un espacio físico, las redes sociales hacen el resto.

En esta atmósfera de degradación de la mujer, el estallido mundial en 2017 del movimiento Me Too (yo también) fue deci sivo en Irán. Hizo tambalear las creencias de miles de iraníes que comprendieron que aquello que sufrían era acoso, y era denunciable. “Fue clave para que salieran a la luz casos de acoso a estu diantes en las univer sidades. Antes jamás se habrían atrevido a hablar”, explica.

de Niavaran

En el interior de los Palacios de Niavaran, símbolo arquitectónico de las dinastías Qajar y Pahlavi, Sahar Moussavi admira la singularidad de los cuadros que la emperatriz Farah Diba y el sha Mohamed Reza Pahlevi adquirieron a lo largo de su ostentoso reinado. Aunque el régimen islámico las confiscó, el legado fue conservado, y en 2019 el Museo de Arte Contem poráneo de Teherán exhibió más de 200 obras de Marcel Duchamp, Andy Warhol, Fernand Léger, Mark Rothko, Paul Gauguin o Pablo Picasso. Los desnudos de Renoir o Francis Bacon fueron censurados.

“Instagram es la galería natural en Irán, donde se compra y se vende arte, y es también una forma de obtener ingresos para muchas artistas que soslayan la censura”

Sahar Moussavi, artista

Con su estilo moderno y expre sivo, Sahar Moussavi ha partici pado en el diseño del interior de la espectacular torre Milad de Tehe rán y es miembro del movimiento TechExpressionism International Movement, con sede en EE UU, junto con Negin Ehtesabian. Utilizan la tecnología para expresar emociones: colores brillantes, símbolos abstrac tos, geométricos, y música. Un arte poliédrico e innovador que le permite curar heridas y reconstruirse.

Moussavi asegura que se está produciendo un cambio muy impor tante en las nuevas generaciones de artistas que están rompiendo con miedos y tabúes. “Instagram es la galería natural en Irán, donde se compra y se vende arte, y también una forma de obtener ingresos para muchas mujeres artistas que sos layan la censura”, declara. El arte

El arte conservado de los Palacios

como vehículo de empoderamiento femenino. El arte como salvación para todas ellas.

Las mujeres atrapadas de Anahita Shams

Mujeres atrapadas, sometidas a un dominio masculino, que gritan desesperadas mientras varias manos les tapan la boca. Las obras angustiosas de Ana hita Shams no dejan indiferente. De origen azarí, se mudó de muy pequeña del norte del país a Shiraz, la ciudad de Hafez. Su padre escribía poesía, litera tura y era traductor del francés al farsi. Ella heredó el amor por las humanida des y se formó en ilustración.

nante, acosador, y la mujer grita, pero nadie la oye”, dice. La cadena BBC le pidió que escogiera una pin tura que pudiera relacionar con el Me Too en Irán, y ella eligió esta.

Es frecuente la presencia de ani males en sus obras. Bestias salvajes, depredadores, pájaros, peces, insec tos y arácnidos venenosos, siempre en contacto hostil con una mujer dominada. En la mayoría de sus pin turas aparecen mujeres con manos que les tapan la boca, sentadas al borde de una cama frente a una silueta masculina en posición intimi datoria o estiradas ante un hombre que se abrocha el cinturón.

le dije que era igual de decente que antes”, exclama, mientras muestra sus obras en un moderno y concurrido café al norte de Teherán.

En el proyecto Toxic Love, the modern slavery (Amor tóxico, la esclavitud moderna), esta joven dise ñadora dibuja la sumisión femenina al lado de hombres con cuerpo humano y cabeza de perro. A los hombres les dibuja una cabeza de animal porque cree que estos anteponen sus “ins tintos más animales para someter”.

“En

mis cuadros soy libre, fuera no”

Anahita Shams, artista

“Mi familia era abierta y moderna, así que solo cuando crecí des cubrí la represión que sufri mos las iraníes y la falta de libertad a todos los niveles”, relata en el salón de su casa.

En el fondo de la estancia, tiene un pequeño estudio donde se encuentra Fading out (Desvaneciéndose, 2021), un cuadro de grandes dimen siones envuelto en papel rasgado del que emergen las caras de dos mujeres que pare cen querer escapar. “El día de la exposición todos los pinto res mostramos nuestras obras envueltas en papel para denunciar la censura. El comprador no sabía qué adquiría hasta que desenvolvía el cuadro”, cuenta.

En otra obra perturba dora, una cabeza de mujer está atrapada dentro de un televisor con un gallo encima. “El gallo representa al hombre domi

Farnoosh Doroudgar, elegida por la artista rumana Mihaela Noroc para su libro The atlas of beauty (El atlas de la belleza) como el rostro que mejor representa a la mujer iraní, habla muy flojo, casi susurra. En sus obras, las protagonistas hablan con los ojos, siempre resaltados con una luz blanca celestial. “Destaco sus ojos porque en Irán no nos podemos expresar en voz alta”, apunta. No solo la legislación islámica es limitante. La familia, la cultura del qué dirán y la tradición cor tan también sus alas. “Me hice un tatuaje y mi padre me dijo: ‘¿Qué haces? ¡Tienes que ser decente!’ Yo

Doroudgar es una artista cien por cien digital, un género en auge que atrapa a los creadores más jóvenes. “Las redes lo están acelerando todo. Son un vehículo fabuloso para mostrar nuestras obras, sobre todo las que en la galería son censuradas”, asegura.

Campaña para concientizar la importancia de la educación en adolescentes.

ASKtheARTIST Interview: SAKIMICHAN

Bienvenido a ASKtheARTIST. Mi nombre es *thefluffyshrimp y hoy tengo el gran privilegio de entrevistar a Sakimichan, una ilustradora muy talentosa y creadora de muchas obras conocidas en DeviantART.

Gracias por brindarnos esta oportunidad de entrevistarte, Sakimi-chan.

Gracias, el placer es todo mío.

BalloonBear pregunta “¿Cómo crees que “mejora” y “cambio” ¿es diferente? Cuando estabas/ estás desarrollando tu propio estilo artístico, ¿cuál es la “línea” que separa su mejora y cambio en sus dibujos? Algunas personas asocian desarrollo con el cambio, pero ¿qué piensas?”

La mejora es la búsqueda del conocimiento, es tu comprensión hacia un tema. Por ejemplo, mejora a medida que obtiene una mejor comprensión de la perspectiva, de anatomía, del color, o técnicas pictó ricas. cambiar un estilo es más como si pudieras dibujar ambos anime y dibujos animados al mismo tiempo. Puedes pasar de ser un artista de anime a un caricaturista, ese tipo de cosas. Para mi quiero mejorar, prac tico anatomía a diario y lo estudio, también quiero diversificarme en entornos, estoy trabajando en con ceptos ambiente en el trabajo y eso me ayuda con ese aspecto.

~CaelanStudios pregunta “¿Tienes algún consejo para un lineart limpio?”

La gran resolución cuando se redi mensiona tiende a verse más limpia, pero prefiero pintar sin líneas para no tener que cambiar mi lineart si quiero cambiar la imagen.

Eeddey y *Dark-Merchant pregunta “Aproximadamente ¿cuánto te lleva de principio a fin completar una obra de arte?” Realmente depende, podría tomar de 1 hora a 24 horas. Si solo quiero garabatear un retrato que puede ser rápido como 30 minutos a una hora, pero mi trabajo más termi nado como Jack Frost puede tomar de 5 a 10 horas solo para poder bloquear todos los detalles. Cuanto más detallado y refinado mis pin turas son cuanto más tiempo me toma terminarlas. Además, si hago muchas correcciones que también podrían ocu par mucho de mi tiempo.

~Alonaria y :devostangel786: preguntan “¿De dónde sacas tu inspiración (principalmente)?”

Me inspiran las películas, los juegos, la televisión, la historia de la vida real y muchas otras cosas, pero principalmente una cosa que me impulsa a pintar es mi deseo de mejo rar y hacer mi arte mejor que ahora. También me gusta buscar profesio nales en la industria del juego o del cine para inspiración, CGhub es un sitio increíble para eso, hay muchos profesionales allí.

*Vindette pregunta “¿Cuánto tiempo te llevó llegar a dónde estabas ahora, con tus dibujos digitales?”

Empecé a hacer CG cuando me uní a Gaiaonline cuando tenía entre 16 y 17 años, así que alrededor de 4-5 años de pintura digital y mucha práctica, recuerdo que estaba dibu jando todo el día, como literalmente 17 horas al día, dibujaba tanto que uno de mis dedos ahora está un poco deformado por la forma en que lo presiono para sujetar el bolígrafo y el lápiz de la Tablet.

*jemaica pregunta “¿Usas pinceles especiales para el cabello y la piel?”

Tengo un pincel que me gusta usar para el cabello, es el que tiene un montón de puntos en Photoshop, me gusta usar una combinación de tiza dura y pincel redondo con el aerógrafo para la piel, pero en su mayor parte uso mucho el estándar de Photoshop. Yo recomendaría experimentar con diferentes pinceles para encontrar el que más te guste.

=JaezX pregunta “¿Estás satisfecha con tu trabajo? Y ¿cuál de tus obras son de las que más te enorgulleces?”

Nunca estoy realmente satisfecha con mi trabajo, siempre pienso que hay espacio para mejorar, creo que uno de mis trabajos favoritos en los que trabajé fue “Hello friend”, porque fue un experimento y pude simplemente relajarme y hacer lo que quiero hacer.

*SSJAyiela pregunta “¿Qué consejo le darías a los artistas en desarrollo que buscan perfeccionar sus habilidades para trabajar como profesionales?”

Diría que observar a un artista realmente bueno, como un artista conceptual profesional en el juego o película, y si puedes tomar clases específicamente relacionadas con lo que quieres hacer. Si estás solo como yo lo estaba en su mayor parte, solo práctica, práctica, práctica, con la debida referencia. ¡Haz dibujos de la vida, estudia anatomía, estudia pers pectiva, etc. ¡Y sean apasionados!

=DarthRose pregunta “¿Cuánto tiempo sugieres un artista novato que practique el dibujo si quiere mejorar?”

Debes practicar para siempre, el artista nunca debe dejar de practicar si quiere mejorar, ¡así que practica tanto como puedas!

~KawaiiKoinu pregunta “Tenía curiosidad sobre cómo configuraste tus paletas de colores y cómo realizas tu proceso de dibujo/construcción para colorear digitalmente.

Normalmente empiezo blo queando la forma básica, como una forma ovalada para la cara. Luego solo pinto en sombreado básico, casi como sombreado de celdas, luego uso el aerógrafo para agregar un ligero sombreado. Es difícil de explicar, así que estoy pensando en subirlo. Tal vez como un video de cómo suelo empezar, una vez que tenga tiempo, con suerte durante la Navidad

Los colores que uso son más una cosa instintiva, supongo que pinté lo suficiente como para tener una idea de qué color quiero, pero por lo general pruebo cosas para ver qué color funciona mejor, así que es bueno usar referencias para colorear si no estás seguro. Normalmente pinto con cosas que aprendí.

Es principalmente por experiencia y memoria, pero uso referencias si no estoy segura de cómo puedo pintar un tema determinado.

*Clue000 pregunta “¿Haces todo el trabajo en una pieza en PS? ¿O cambias programas para delinear/colorear, etc.?” y ~Maan11j pregunta “¿Qué tan grande es el lienzo que dibujas digitalmente?”

Sí, durante los últimos 2 años, he estado trabajando en Photoshop CS 4 a CS 6, y me encanta. Solía usar Paint Tool Sai, OpenCanvas y Corel Painter cuando era más nueva al arte digital. Mi lienzo tiene un mínimo de 1,2 k píxeles de ancho o alto, puede llegar hasta 8 k píxeles de ancho o altura.

~Redshadowstriker, ~Maan11j, *DCLzexon y ~rhyelee preguntan “¿Con qué frecuencia dibujas?” y “¿Cuánto tiempo dedicas a tu arte por día? (incluido el dibujo, la pintura, el estudio de referencia, etc.)”

Dibujo todos los días, voy a trabajar a las 10 am (artista conceptual) dibujo hasta las 6 pm con una hora de descanso para almorzar, luego tomo el tren a casa que toma como 1.3 horas y luego paso tal vez 2-3 horas en mis propias pinturas personales y luego me voy a dormir. Así que sí, mi velocidad de publicación ha reducido mucho desde el año pasado cuando solo hacía freelancincg.

=DarthRose pregunta “¿Alguna vez te has enfrentado a un bloque de arte? Si es así, ¿cómo lo superas? ¿Algún consejo?”

Sí, tengo bloques de arte, pero no es nada que una buena noche de sueño y un videojuego no puede arreglar Si estoy frustrada con algo en lo que estoy tra bajando, me tomo un descanso y vuelvo más decidido que nunca... Te reco mendaría un descanso de lo que estás trabajando, regresa con ojos nuevos o simplemente divertirse haciendo otras cosas por un rato, o pídele críticas a tu amigo y mira si eso te ayuda a ver cosas que no estaban allí antes.

*DarylLaRocque pregunta “¿Es más inteligente estudiar color-luz o formalínea primero?”

Sí, creo que es una gran idea, nece sitas algunos conocimientos de forma y luz para ser capaz de entender cómo pintar un personaje o un paisaje, ¡es

bueno empezar con lo básico!, recuerda primero la simplicidad y luego puedes entrar en lo más refinado y cosas complicadas después de tener un sólido cono cimiento básico.

~Maan11j pregunta “¿Cuántas capas requiere tu trabajo?”

Depende, pero cuando pinto personajes normalmente prefiero usar 3 capas, 1 para el fondo, 1 para el personaje y otro para las cosas extra que quiero agregar como efectos, detalle extra en el perso naje. Para paisajismo puedo tener hasta 10 capas así que si lo daño, puedo corregirlo fácilmente.

=illustratorJI pregunta “Estás estudiando algo de la vida que crees de verdad? Si es así, ¿qué tan importante es para ti y con qué frecuencia lo practicas?”

Sí, dibujar el natural es muy útil si quieres entender la forma de un objeto o una persona. Me gusta usar referencias si quiero tener una mejor comprensión de ello. Lo uso con el propósito de obtener más conocimiento de él y aplicarlo a mi estilo artístico. Para poder desarrollarme y mejorar. No uso referencias a menudo porque me gusta practicar lo que he apren dido en lugar de depender de las referencias todo el tiempo. Me gusta desafiar a mis recuerdos.

*adlovett pregunta “¿Cómo manejas el trabajo independiente/ clientes para que puedas permitirte vivir de la creación de arte? ¿Tienes un trabajo de medio tiempo adicional que te ayude a cubrir el dinero?”

Trabajo como freelance princi palmente para portadas de libros, y solía trabajar como freelance para empresas de videojuegos para la ilustración relacionada con personajes, pero ahora tengo un trabajo de artista conceptual a tiempo completo.

~JammyJen pregunta “¿Hay algún tutorial que hayas encontrado que realmente te ayudó, o la mayor parte de la habilidad provino de un montón de práctica?”, y *sera fan pregunta “¿Hay algunos buenos recursos sobre el estudio de la anatomía que pueda sugerir?

La mayor parte proviene de la práctica, me referí de algunos tutoriales aquí en Deviantart cuando empecé. Uno de mis libros de ana tomía favoritos en este momento se llama Figure Drawing Design and Invention de Michael Hampton.

*Rattycake pregunta “¿Qué piensas sobre la originalidad? ¿Crees que eres una artista original?” y “¿Cuál es tu reacción al ver a un artista con un estilo similar?”

Creo que la originalidad es impor tante, es lo que te separa del otro. Yo digo, si puedes reconocer el arte de alguien por su estilo artístico, es un estilo original de alguna manera. Yo quiero ser original con mi trabajo, por eso trabajo principalmente para mejorar mis habilidades y para no cambiar mi estilo. Creo que tengo un estilo propio, pero seguro que siempre habrá estilos similares, por lo que no se puede evitar. Depende de mí impulsar mi arte aún más para que sea más original.

~Maan11j pregunta “¿Usas referencias? ¿Cuál es la forma más efectiva de usarlas? ¿Cuál es tu opinión sobre la medida en el uso de referencias?

Utilizo referencias cuando estoy atascada en cómo dibujar algo. Intento aprender de la referencia para que esté en mi banco de memoria para uso posterior. El calco puede a veces es bueno si tienes problemas para comprender la forma, pintar encima no es malo tampoco si lo usas para tener una idea de cómo se forman ciertas cosas, pero recomiendo tratar de retener la información que obtu viste al realizar esas acciones para que no sea todo calco o pintura encima.

Digital Art Museum Tokyo

Un nuevo concepto de museo basado en el poder de la tecnología digital y la creatividad se ha instalado en Odaiba, la isla artificial creada en la Bahía de Tokyo, para derribar los límites dentro del arte, las barreras entre el arte y los visitantes e incluso las existentes entre las personas, fundiendo a los visitantes en las obras digita les y convirtiéndolos en parte de las mismas. El Museo de Arte Digital de Tokyo posee unas instalaciones en cons tante evolución que reaccionan en tiempo real mediante las conexiones entre la actividad humana, los objetos digitales y el entorno circundante. Una experiencia sensorial que acerca a grandes y pequeños al arte digital y su universo infinito de posibilidades.

La exposición permanente se titula Borderless, e invita al espectador a vivir una experiencia inmersiva de luces, formas y colores. El viaje experiencial comienza en la primera zona, llamada Borderless World, un paisaje digital interactivo donde se anima a los visitantes a crear su propio camino. Las per sonas caminan a través de cascadas digitalizadas, tocan pájaros luminiscentes y se desplazan a través de bos ques y campos generados por computadora; la segunda zona es el Bosque de Atletismo, una zona destinada a “entrenar las capacidades de reconocimiento espacial del

cerebro y hacer que la gente se mueva”, según teamLab. El espacio tiene visitantes trepando en postes destellan tes, saltando en un trampolín a través de una simulación de galaxias y balanceándose en tablas colgantes sobre un espectáculo de luces de colores.

Future Park es la zona diseñada para expandir la ima ginación de los niños y enseñarles conceptos científicos. En este espacio pueden interactuar con el arte a través de varios juegos y actividades, como un acuario repleto de peces digitales diseñados por ellos mismos y un muro musical que reproduce sonidos al tocarlo; en la zona llamada Bosque de Lámparas los visitantes quedan sumergidos en un mar de lámparas de colores donde la luz se propaga de una lámpara a otra con un simple toque; En Tea House es la zona que recoge la experiencia final, una actividad tranquila durante la cuál los invitados beben té verde mientras la tecnología de realidad aumentada hace que las flores digitales florezcan dentro de sus copas. A través del acto comunitario de disfrutar del té, la exposición alienta a los visitantes a hablar entre ellos. Los cinco espacios diferentes del museo están en exhibición per manente, aunque la naturaleza del arte digitalizado de las instalaciones cambiará constantemente.

El poder de la tecnología digital y la creatividad

Mori Building Digital Art

Museum: el museo

japonés que convirtió a la tecnología en una

inmensa obra de arte

Afincado en la isla de Odaiba, el espacio posee una propuesta única en el planeta, en la que las obras -visiones de flores, plantas, peces, montañas y otros elementos siempre asociadas a la naturaleza- son producidas enteramente por 520 computadoras y 470 proyectores distribuidos por todo el lugar. Infobae Cultura dialogó con teamLab, el grupo de creadores interdisciplinario, que está al frente de una propuesta.

Un museo com pletamente digital que se transforma con cada estación del año, que propone una fuerte comunión con la naturaleza, y donde la experiencia, para cada visitante, nunca es la misma. Así podría pre sentarse sin rodeos al increíble MORI Building DIGITAL ART MUSEUM: teamLab Borderless, una experiencia afincada en la isla japonesa de Odaiba, Tokyo que abrió sus puertas hace poco menos de un año para romper con todos los pará metros museísticos y que no deja de sorprender.

En menos de seis meses desde su inauguración, en junio del año pasado, un millón de personas recorrieron este edificio, un inmenso espacio de diez mil metros cua drados donde las obras -visiones de flores, plantas, peces, montañas y otros elementos siempre asociadas a la natu raleza- son producidas enteramente por 520 computado ras y 470 proyectores distribuidos por todo el lugar.

“Como en la naturaleza, el paisaje está cambiando y nunca verás el mismo escenario dos veces. Ese momento nunca se repetirá y nunca podrá volver a verse. Paisajes aparentemente inmutables, van, año tras año, por la eter nidad”, cuenta a Infobae Cultura el colectivo de artistas teamLab, un grupo de creadores interdisciplinario, que incluye ultratecnólogos, programadores, ingenieros, animadores de imágenes generadas por computadoras, matemáticos, arquitectos y artistas, cuya práctica colabo rativa busca navegar por la confluencia del arte, la ciencia, la tecnología, el diseño y el mundo natural.

Las obras van cambiando literalmente a cada paso de cada visitante, una experien cia única y singular que invita a perderse en los laberintos de estas obras completamente digitales y que vibran a tono de cada estación. Un museo atípico, sin mapa o recorrido predefinido, con obras de arte que forman un mundo sin fronteras, salen de las habitaciones, se comunican con otras obras, influyen y, a veces, se entremezclan unas con otras sin límites.

Así, el clima se traduce en las imágenes que reciben a los visitantes por estos días marcados por la primavera nipona, los campos de arroz son pequeños y exuberan tes. Luego, en verano, comienzan a madurar, y en otoño, adquieren un color dorado. Y con el paso del tiempo, también cambian los insectos y las flores que hacen su aparición. El movimiento de los insectos está influenciado por el movimiento y las acciones de las personas. Y a medida que la gente se mueve, el flujo de aire cambia y sopla las plantas de arroz o dispersa los pétalos de las flo res en diferentes direcciones. Con este espíritu es que los artistas de teamLab van moldeando este particular centro de arte, cuyas “obras” van mutando cuando el calendario marca la llegada de una nueva estación.

Las flores de ciruelo se abren de febrero a marzo, mientras que las peonías brotan de abril a mayo, por men cionar algunas de las creaciones cambiantes y vistosas que se presentan ante el espectador.

Pero además, las obras cambian por la interacción entre los propios visitantes. En el denominado Bosque de lámparas resonantes, otro de los impresionantes espacios del museo, brillan suspendidas desde el techo cientos de lámparas circulares que imitan el impresionante efecto de la ceremonia de los cherry blossom, la llegada de los cere zos en flor, un tradicional evento casi mágico que cada año disfrutan miles de personas en Japón y que el museo, de manera digital, intenta emular.

En una era signada por la apabullante tecnología que promete colarse cada vez más en nuestras vidas, el teamLab Borderless encontró una ecuación casi perfecta entre naturaleza y arte, o al menos, en el modo de perci

birla y de inspirarse en ella para sus creaciones.

Las obras funcionan como conste laciones y es por eso que se vuelve vital la relación con otros espectadores: uno puede ingresar a una gran sala repleta de etéreas y lumino sas lámparas que cambian de color al acercarse, pero que volverán a cambiar de tono cromático si se acerca ésta vez otro de los visitantes.

“TeamLab pretende explorar una nueva relación entre los seres humanos y la naturaleza, y entre uno mismo y el mundo a través del arte. La tecnología digital ha permi tido al arte liberarse de lo físico y trascender las fronte ras. teamLab no ve límites entre los seres humanos y la naturaleza, y entre uno mismo y el mundo; uno está en el otro y el otro en uno. Todo existe en una continuidad de vida larga, frágil pero a la vez milagrosa, sin fronteras”, se presentan los artistas, a modo de manifiesto.

Alcanzar la perfección es cuestión de tiempo.

Las creaciones de este colectivo interdisciplinario se han visto en numerosos espacios artísticos del mundo y se encuentran en la colección permanente de museos y galerías de Sydney, San Francisco; Nueva York, Estambul, Melbourne y Helsinki, entre otras ciudades. Un largo camino desde su primer exposición en con la que debuta ron en el mundo del arte en 2011, en la galería Kaikai Kiki en Taipei gracias al artista Takashi Murakami.

“Nuestras obras son interactivas y fomentan la partici pación de los espectadores, para que su presencia cambie el arte. Si un cambio causado por una tercera persona es hermoso, entonces la presencia de esa persona se vuelve hermosa y apreciativa. El espectador se convierte en un artista en nuestro espacio co-creativo y también lo hace más consciente de los demás de una manera positiva”, opinan en un correo electrónico desde Japón.

Los teamlab ya afinan los detalles de las exposiciones que presentarán próximamente como por ejemplo Flores impermanentes que flotan en un mar continuo, en el Museo de Arte Contemporáneo del siglo XXI, Kanazawa, Ishikawa, Japón, desde agosto próximo; o una exposición en The Academy Museum of Motion Pictures de Los Ánge les, hacia finales de 2019. Además, acaban de ser reconoci dos por sus sobresalientes logros en la 25 gala anual de los prestigiosos premios THEA que se otorgan en California.

¿Creen que el museo se parece en cierto modo al futuro que le espera a la humanidad: una experiencia inmersiva y digital? No sabemos qué futuro le espera a la humanidad, todo lo que queremos hacer es explorar una nueva relación entre los seres humanos y la naturaleza a través del arte.

La tecnología digital nos ha permitido liberar el arte de lo físico y trascender las fronteras. No vemos ningún límite entre nosotros y la naturaleza; uno está en el otro y el otro en uno. Todo existe en una larga, frágil pero milagrosa continuidad de vida. Lo que pretendemos hacer es crear una experiencia que convierta la existencia de otros que

no conocemos en algo positivo. Es un modo de repensar la frontera entre el mundo y uno mismo. Aunque sea solo un poco, el mundo es algo que cambia debido a tu existencia. Creemos que existe una relación continua y sin fronteras entre nosotros y el mundo. En este museo, disolvemos los límites entre las obras de arte. Trascien den, se relacionan y se entremezclan. Al experimentar eso, podrías pensar que todo en este mundo puede estar sin fronteras, y eso provoca un nivel de belleza inspirador.

¿Y cuáles son las expectativas de esta idea a futuro? Experimentar la belleza del mundo sin fronteras no solucionará los problemas de mañana, pero después de 10 o 50 años, creemos que el comportamiento de las perso nas puede cambiar inconscientemente poco a poco debido a su nuevo estándar de belleza. Eso es lo que esperamos hacer. Cuando miramos el mundo a través de una lente intelectual, está lleno de problemas. Y cuando ves los problemas que no podemos resolver, simplemente te sientes desesperanzado. En esta era, pensamos que lo más importante, al menos como artistas, es buscar y afirmar una parte idealista de la humanidad y presentar una idea del futuro. No estamos hablando de una simple ficción de manga o videojuegos; sino, en cambio, un mundo ficticio ideal que puede realizarse de alguna manera. Hay proble mas que no se pueden resolver en este mismo momento. Pero lo que podemos hacer es sugerir que podemos ser capaces de crear un mundo ideal una vez más al conectar las pistas que se pueden encontrar en la larga historia de la humanidad. Simplemente nos parece más importante crear el mundo que criticar al mundo.

En una de las salas del museo los niños pueden diseñar sus propios animales marinos y luego esos mismos peces los ven nadando en un acuario digital, por las paredes de la sala. ¿Cómo creen que enriquece esta experiencia para los más pequeños?

Estamos tratando de fomentar el concepto de crea ción colaborativa, o co-creación, entre todos. La inteli gencia artificial podría reemplazar gran parte del trabajo existente que conocemos hoy en día. En una sociedad futura, los rasgos que solo los humanos poseen, como la creatividad, serán cada vez más importantes. Los huma nos somos naturalmente colaborativos y creativos, sin embargo, las oportunidades para fomentar experiencias co-creativas están disminuyendo. Y son muy importantes para la sociedad. Al centrarse en crear un cambio en las conexiones entre las personas, así como crear experien cias positivas, teamLab espera convertir los actos creati vos individuales en actividades co-creativas. Esperemos que a través de disfrutar de la co-creación, las personas puedan encontrar creatividad en su vida diaria. Fue de tal deseo que nació este proyecto.

Loving Vincent» o cómo la pincelada cobra vida en la gran pantalla

SINOPSIS

Loving Vincent se sitúa en la Francia de 1891 para hacer un recorrido por la trágica y misteriosa vida de Vincent van Gogh a través de sus pinturas.

La película comienza en un café de la ciudad de Arlés, en una noche estrellada, un entorno cuanto menos familiar. Joseph Roulin, el que fuera cartero y confidente de Vincent van Gogh hasta su muerte un año atrás, encomienda a su hijo Armand la misión de entregarle a Theo, el hermano del artista, la última carta que escribió Vincent para él. Joseph, antes de que su hijo parta rumbo a París, expresa sus inquietudes acerca de la muerte del pintor, ya que en sus últimas epístolas se mostraba ilusionado y nada hacía presagiar que fuera a quitarse la vida.

El plan de Armand parecía sencillo: ir a París, darle la carta a Theo y volver a casa, pero la historia se complica. En la capital francesa, Roulin visita la tienda de Père Tanguy, el vendedor de pintura y comerciante de arte que mantenía una estrecha relación con Van Gogh. El hombre le pone al corriente de la muerte de Theo y le propone la alternativa de buscar al Doctor Gachet, una figura funda mental en los últimos años del artista holandés. De modo que el joven se encamina a Auvers-sur-Oise, donde conocerá a la hija de Gachet, a su ama de llaves, a la hija del posadero, al barquero… Su estancia en Auvers despertará en Armand el interés por conocer la verdad que se esconde tras la muerte de Van Gogh: ¿Realmente se suicidó o fue asesinado?

Personajes de pintura y realidad

Los personajes principales de la obra son Vincent van Gogh y Armand Roulin. Van Gogh, aunque solo apa rezca en flashbacks, es el verda dero protagonista de la película, toda la historia gira en torno a su vida y su obra. Fue un hombre que no tuvo una infancia fácil y eso forjó su personalidad insegura y atormen tada. Lo que más le llenaba era pin tar, aunque empezó tarde, con 28 años. Siempre tuvo el respaldo económico de su hermano Theo, con el que se mantenía en contacto a través de cartas.

Esta película hace un buen retrato del pintor, lo muestra como la persona incompren dida que fue, algo retraída, pero de buen corazón, como puede verse en la escena en la que juega con la hija pequeña de los posaderos. Tenía pocos amigos, a algu nos como Gauguin los fue perdiendo por el camino, pero los que lo conocían realmente guardaban un muy buen recuerdo de él, como Joseph Roulin, la hija

de la posada, Marguerite Gachet… Con esta última se insinúa que tuvo algún acercamiento, pero no pasó nada entre ellos porque el doctor Gachet se encargó de interponerse. Murió solo, en circunstancias extra ñas (no se acaba resolviendo si fue a causa de un intento de suicidio o de asesinato), y su talento no le fue reconocido en vida. Los años acabarían colocándolo en lo más alto de la historia del arte contem poráneo, base de movimientos posteriores como el expresionismo y considerado por muchos el padre del arte moderno, como dicen en los créditos de la película.

Armand Roulin es un joven algo problemático que se mete fácil mente en peleas. Acepta el encargo de su padre con desgana porque él también opinaba al principio que Van Gogh era un viejo chiflado, pero a medida que va conociendo la his toria del artista, se va interesando más por él y por lo que le pasó. Es un joven serio, inteligente y defen sor de las causas perdidas, como cuando se enfrenta a tres hombres, teniendo todas las de perder, para que dejaran en paz al joven del que se reían. Al final de la película se dice que terminó viviendo en Túnez y trabajando como policía.

Después de los dos protago nistas, podríamos destacar las dos figuras que más ayudan a Armand en sus pesquisas: Adeline Ravoux y Marguerite Gachet. Ravoux es la hija de los dueños de la posada en la que se hospedaba Van Gogh y en la que también se queda Armand durante su estancia en Auvers. Es una joven alegre y dicharachera, también algo entrometida, sabe mucho de los vecinos del pueblo porque se pasa el día trabajando en la posada.

Marguerite es la hija del doc tor Gachet. Entabló una relación especial con Van Gogh, pero lo suyo no llegó a nada más por culpa de su padre, que le pidió que se alejara del artista. La joven siguió guardán dole un cariño especial después de haber muerto, iba cada día a llevarle flores a su tumba y en los créditos cuentan que tuvo el retrato que le hizo Van Gogh colgando en su habi tación durante 44 años.

Los demás personajes tienen importancia dentro de la historia, pero salen en momentos más bien puntuales: Joseph Roulin (cartero y amigo de Van Gogh, padre de Armand), Père Tanguy (dueño de una tienda de pintura y marchante de París), el doctor Gachet (médico que trató en los últimos meses a Van Gogh, le tenía envidia porque a él también le hubiera gustado pintar), Louise Chevalier (ama de llaves de los Gachet), el barquero, el doctor Masery, René Secrétan (sospechoso de haber matado a Van Gogh), Theo van Gogh, el teniente Milliet…

Una época y un lugar para la historia

La película se desarrolla en 1891, justo un año después de la muerte de Van Gogh. La historia oscila entre el presente de la ficción, representado con una paleta de colores vivos e intensos, y los recuerdos de los protagonistas que se introducen a lo largo del filme a modo de flashback, con imágenes en blanco y negro.

De esta manera, el espectador va siguiendo el eje de la trama princi pal, el viaje de Armand, a la vez que conoce la vida de Van Gogh, aque

llos aspectos y acontecimientos que marcaron su personalidad y, sobre todo, su obra. Es una propuesta interesante, ya que los saltos en el tiempo hacen de esta película una narración dinámica y entretenida.

Loving Vincent se sitúa en tres escenarios distintos, en tres ciuda des que marcaron la vida y la trayec toria artística de Van Gogh: Arlés, París y Auvers-sur-Oise.

La historia comienza en Arlés, el pueblo al que el artista llegó en 1888 huyendo de la alborotada vida pari sina. Van Gogh decidió irse al campo en busca de tranquilidad y nuevas imágenes para pintar y Arlés supuso todo un aliento de aire fresco para el artista, como se puede apreciar en su obra. En ese pueblo del sur de Francia abrió un taller, con la ayuda de su hermano Theo, a modo de comuna de artistas y por él pasaron figuras como Gauguin. Ese edificio, que el propio artista retrató en su obra La casa amarilla (1888), es el punto de partida de la película. En la primera secuencia nos adentramos en un café (Terraza de café por la noche, Place de Forum, Arlés, 1888), cuyo interior recrea El café de noche (1888). Más adelante, se nos mues tra el dormitorio del pintor (Habi tación de Vincent en Arlés, 1888) durante su estancia en Arlés.

Armand viaja en busca de Theo hasta la segunda localización de la película, París. La capital francesa era en aquel momento un hervi dero de artistas; “si hablamos de arte, hablamos de París” dicen en la propia película. Van Gogh llegó a París tras haber estado en Bruse las y alternó en los ambientes más bohemios de la ciudad. Conoció en la Academia Cormon a los otros tres artistas más representativos del pos

timpresionismo: Cézanne, Toulou se-Lautrec y Gauguin. Coincidió tam bién con los impresionistas, lo que hizo que cambiara completamente su paleta de color y que se nutriera de algunas de las características de este grupo como la intensidad de la luz o la influencia de las estampas japonesas. De este ajetreo fue del que quiso escapar yéndose a Arlés. Finalmente, el hijo del cartero Roulin se dirige a Auvers-sur-Oise, la ciudad en la que Van Gogh pasó sus últimos meses de vida. La mayor parte de la historia se desarrolla en Auvers, donde se ven las casas que retrató en obras como La casa blanca de noche (1890), Casas en Auvers (1890) o Les Vessenots, Auvers (1890) y paisajes como el de Orilla del Oise en Auvers (1890) o Trigal con cuervos (1890). Armand regresa a Arlés al término de la película y se recrea la obra Noche estrellada sobre el Ródano (1888).

Entre los eleme|ntos estéticos de la película, el más destaca ble es, sin duda, la realización plástica y visual. Supone el principal reclamo de esta obra, el laborioso trabajo realizado por un grupo de más de cien artistas encargados de crear todo un largometraje inspirado en el estilo de Vincent Van Gogh. Cerca de 65.000 fotogramas de pin turas al óleo hechas a mano compo nen la película que rinde homenaje a la obra del artista, por lo que todo lo que aparece en ella (fotografía, vestuario, iluminación…) se hace respetando lo que el propio Vincent pintó en sus lienzos.

Más de cien artistas y mucha tecnología

Para llevar a cabo esa ardua labor, se hizo un casting al que se presentaron más de 5.000 pintores de todas las partes del mundo y, de entre estos, se seleccionó a 125.

Las escenas se rodaron con actores, primeramente, en sets construidos con la apariencia de los cuadros de Van Gogh o en cromas. El equipo de la película estudió durante un año aproximadamente cómo recrear esos cuadros, todo tenía que estar cuidado al detalle.

En total se hicieron cerca de 65.000 cuadros, pero, al terminarlos, se retiraba la pintura con espátulas y se pintaba encima el siguiente, de modo que, al final, solo se conser varon 1.000; 800 fueron vendidas y las restantes fueron empleadas en estrenos y funciones especiales.

Para hacer la película tardaron cinco años y medio: “tres para escribir y desarrollar el filme, un mes de graba ción, cinco de edición y dos años de pintura”, según su directora, Welch man. También necesitaron una gran inversión económica que les costó conseguir porque era un proyecto muy arriesgado. Otro recurso estético a destacar es la música que utilizan para ahondar en la expresividad que ya poseen las imágenes de por sí, intensificar las emociones y ambientar las escenas en la Francia de finales de siglo XIX. La película termina con la canción Vincent (Starry Starry Night) de Don McLean, interpretada por Lianne La Havas, haciendo un tributo al artista y a su obra. Por otro lado, es menester destacar la lentitud de los diálogos. Al ser una obra hecha ente ramente a base de fotogramas de pin turas, el movimiento de los personajes se ralentiza y, por lo tanto, también su habla, que debe adaptarse a una transición más lenta de imágenes.

Las obras del maestro

Como ya hemos señalado, el mayor atractivo de este filme reside en que es un museo hecho película. Toda la obra es una recreación y una puesta en escena de pinturas de Van Gogh. Se reco noce cada escena, cada campo, cada noche estrellada, cada cara amiga… Todo. Por lo tanto, la lista de las obras que podemos encontrarnos en ella es muy extensa. En total, 94 cua dros aparecen de manera muy similar a la obra original y 31 son representa ciones parciales.

Los exteriores se sitúan en lugares extraídos de cuadros como La noche estrellada (1888), La casa amarilla (1888), Terraza de café por la noche, Place de Forum, Arlés (1888), o Noche estrellada sobre el Ródano (1888), entre otras.

Algunas escenas interiores se centran en obras reconocibles como El café de noche (1888) o Habitación de Vincent en Arlés (1888).

En los personajes se introducen algunos cambios. Se basan en retra tos que realizó Van Gogh, pero las escenas fueron grabadas con actores de carne y hueso antes de realizar los cuadros por lo que los personajes tie nen también características de estos.

De todos modos, hay retratos del artista muy reconocibles a lo largo de toda la película: Autorretrato (1889), Retrato de Armand Roulin (1888), Retrato del cartero Joseph Roulin (1888), Retrato de Paul-Eu gène Milliet (1890), Retrato de Père Tanguy (1887), o Retrato del doctor Gachet (1890).

El lugar dónde la cultura deja huella.

Empty your mind. Be formless, shapeless, like water. You put water into a cup, it becomes the cup. You put water into a bottle, it becomes the bottle. You put it into a teapot, it becomes the teapot. Now water can flow or it can crash. Be water, my friend.

- Bruce Lee