gabriel demasi
1. yo 2. como pienso imágenes 3. libro 4. fotografía analógica 5. fotografía digital — móvil 6. fotografía digital — cámara 7. textos 8. inspiraciones 9. curriculum
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“Somos aquello hacia donde miramos”, escribió el poeta Joseph Brodsky. Soy color, forma, contorno, rostro, marca, movimiento, mis ojos pertenecen al mundo. Soy Gabriel. Nací y crecí en Campinas, en la provincia, a 100km
yo
de São Paulo. Hijo de Ana y Renato. El más grande de tres hermanos. Me gradué en Comunicación Social - Periodismo en la Universidade Federal do Rio de Janeiro en fines de 2016 y volví a Campinas, donde vive mi familia. Me quedé sin trabajo, así que acabé por ingresar en el negocio de mi madre, una floristería. Me encanta la parte creativa, quizás por eso me llevó tiempo para que me diera cuenta de que no es para mi, tener un negocio, que debo seguir mis deseos. Y mi deseo es aprender, practicar y trabajar en la industria audiovisual. En mi trayectoria profesional, desde la época de la facultad, cuando vivía en Río de Janeiro y tenía que trabajar para mantenerme allá, la prioridad eran los estudios y sobrevivir. Así, tuve varios trabajos en lo que naturalmente surgía: como periodista, en una editorial, y por fin con cine. Tardé a darme cuenta que una vida tradicional, con trabajos automáticos y burocráticos, no me llenaba el alma, y me alejé del arte. Ahora, más viejo y experto, veo que no puedo escapar. Mi vida sin arte no es vida.
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marzo de 1997
noviembre de 1997
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En resumen, yo escribo, reviso, fotografo y tambien hago arreglos florales. Me gusta todo lo que es color, forma y movimiento. Polivalente, porque sé hacer muchas cosas, pero curioso sobre todo lo que aún necesito aprender. En mi experiencia en el cine, lo que más me gustaba no eran mis tareas de ayudante de producción o 3er ayudante de dirección (en el backstage con los extras), pero cuando podía quedar un rato, casi escondido, cerca de la directora, o del director de fotografía, mirando las actrices, la cámara, los movimientos, cómo dirigir, cómo encuadrar, cómo seguir el guión para darle vida a lo que estábamos haciendo. 2002
Mi relación con el lenguaje se despliega, con el paso de los años y la formación de un repertorio intelectual y afectivo, hacia una experiencia de vida intrínsecamente conectada a la narrativa: sentir el mundo y crear a través de las imágenes que cuentan historias. Las percibo, registro, y las paso adelante. Desde principios de mi formación, siempre me han llamado especialmente la atención las historias que se pasan en otros tiempos y otros lugares. Para un niño de 4, 5 anõs, era fascinante entender que Bella decía “Bonjour, Madame!” porque estaba en Francia, que Francia era otro país, otro sitio, donde la gente habla de manera distinta, y se viste de manera distinta, 2008
como Da Vinci, que viaja en el tiempo y es acogido por Morgana, en su castillo en el medio de São Paulo. Ya eran indicios de tiempo y espacio. Más tarde, un requinte: todo era mentira.
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2009
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Lo hago con el instinto. Con sentimiento. Sin muchos Descobri que las historias son inventadas. Pero, ¡uf, todavía tenía en lo que
conocimientos técnicos. Y necesito aprender. Practicar.
creer: la historia de la princesa Anastasia era verdad, y aquellos edificios
Trabajar mucho. Para sentirme realmente capable de
majestuosos con extremidades muy coloridas eran Moscú, aquella torre
hacer cine. Y poder hacer que el arte sea profesión, y
de hierro está en París y tiene nombre, Eiffel, y los vestidos de baile no
no pasatiempo.
están hechos por hadas-madrinas, eran ropas de verdad que la gente usaba, diferentes de las que veía yo en Campinas — hasta en la mágica
Con ese portfolio, quiero mostrar mi mirada y el bagaje
São Paulo — porque nosotros estábamos en el 1998 y ellos, 1900. Miraba
que traigo, de imágenes, películas, todo tipo de
a muchas telenovelas. Aprendía, pues, presente y pasado, hoy y ayer:
inspiración. Me gustaría que quedara claro que ahora,
tiempo que pasa en cada lugar, para la gente de cada lugar. Y aprendía,
con la fotografía, hago lo que me sale naturalmente,
gradativamente, a distinguir realidad, ficción y los matices. Como plantea
visando un reto estético, formal, que es todavía estático,
Martín Barbero en Los ejercicios del ver, “la televisión ocupa un lugar
pero tiene potencial de volverse movimiento, escena,
estratégico en las dinámicas de la cultura cotidiana de las mayorías,
diálogo, encuadres.
en la transformación de las sensibilidades, en los modos de construir
nuevas herramientas, que es lo que espero conseguir
imaginarios e identidades”. Veo la vida como si fuera una película.
en un curso de cine, todo eso se va a sistematizar en
Apuesto a que con practica y
algo más completo y consistente. Recoger todo lo que Cuando llevo la cámara en la mano, haciendo imágenes estáticas, me
aprendí en el camino y aplicarlo en una práctica artística
pregunto qué dirían los personajes. El momento del disparo, de la escena
profesional.
que se compone para mi, es un regalo. Es uno de los momentos de la vida que más me gusta vivir. Y siento el deber de registrarlo porque cuenta una
Al terminar el proceso intenso de selección del material
bella historia.
para el portfolio, después de investigar en mis archivos, releer textos, rever las fotos, me quedé con la fuerte
2018
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semana pasada
sensación de que me dedicaría a esto con mucho gusto todos los días de mi vida. Que así sea.
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como pienso imágenes
Con la fotografía, busco reencantar el mundo. Repoblar el imaginário. Revelar, contar y recontar escenas. Ver y hacer ver ver histórias. Gracias a las narrativas que me anteceden, puedo contar mi propia vida y ver el escenario de mi vida como un escenario posible de una historia. Soy un cazador de imágenes en las calles, capturando instantes, creando poéticas, estéticas, y narrando mi propia vida y de los que veo. Y el tiempo: fotografar para reencontrar vestigios del pasado, encuadrar el presente y proyectar el futuro. Se nota la presencia de significantes icónicos, referencias a mi repertorio cultural, emocional, subjetivo, lo que repercute en la aprehensión del lector, que interpreta con su propio universo. Como en la teoría de la iconofagia, de Baitello Junior — imágenes devoran imágenes; hombres devoran imágenes; imágenes devoran a los hombres —, las imágenes que produzco son ecos, repeticiones y reproducciones de otras imágenes.
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Somos nuevas imágenes, recicladas, creamos nuevos iconos. Imágenes son, en ese sentido, indomables: no pertenecen a nadie, son pura expresión de las ideas que representan. En toda imagen hay una referencia a las imágenes que la precedieron. Tomemos la fotografía de las películas de Almodóvar — cuya vida está “determinada por el color, se experimenta por el exceso de color" — como ícono: sus colores se alimentan del imaginario latino, barroco, de la Corona Española, de México. Inmortalizado por artistas como Frida Kahlo, que, por su vez, tenía como ícono la tradición maya de adoración al sol. Ese laberinto de referencias está poblado por imágenes que se devoran unas a las otras. Los tonos calientes, el rojo y el amarillo, tan estimados por Almodóvar, por Frida y por el arte latino, no les pertenece, son ideas de alegría, de calor, de una vibración, son íconos. Ahora lo que planteo es poner estos íconos en movimiento, a través del cine. Tratar de poner en práctica mis ideas visuales, pero con el poder mágico y trascendental del séptimo arte. Poner la vida en movimiento también. El cine es universal, es la fotografía moviéndose en frames que saltan de la pantalla y te tocan, física y sensorialmente. Es un viaje sin vuelta. Y me muero de ganas de despegar.
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libro
Pรกginas del Trabajo de Fin de Curso Insta dizer: imagens, palavras e o poder da narrativa, producido en 2016 bajo la orientaciรณn de la Profesora Doctora Maria Cristina Franco Ferraz (Escuela de Periodismo de la Universidade Federal do Rio de Janeiro).
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esbozos de las primeras versiones del libro
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pรกgina del libro 18
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pรกgina del libro
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fotografĂa
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analĂłgica
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experimentos con el mĂłvil
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CINEMA - Allen dá sua festa à francesa
Terça, 28 de Maio de 2019..21:03 (-2 GMT)
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CINEMA - Allen dá sua festa à francesa Sex, 17 de Junho de 2011 12:40 (BR Press) - Batem os sinos da igreja. É meia noite. Um Peugeot antigo aparece na rua e convida o homem sentado nos degraus da escada a adentrar o universo de seus sonhos: os anos 20 parisienses. Cole Porter, Gertrude Stein, Dali, Buñuel, Hemingway, T.S Elliot, Picasso, Zelda e Scott Fitzgerald, Man Ray... Todos estes artistas e intelectuais estão reunidos em uma festa. E é para esta festa que Woody Allen convida o espectador em Meia Noite em Paris (Midnight in Paris, 2011), seu novo filme que estreia no Brasil nesta sexta (17/06).
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textos
Marion Cotillard e Owen Wilson em cena de Meia Noite em Pari...
Allen apresenta a história de Gil Pender (Owen Wilson), um escritor californiano que viaja à Paris com sua futura esposa e seus sogros. Pender tem dificuldades para escrever seu romance e para aceitar que sua vida não é o que desejava. Ele sente nostalgia de um tempo que nem mesmo viveu. Até que descobre uma passagem para o que considera a "era de ouro". À meia noite ele deixa sua esposa no hotel para receber conselhos dos grandes mestres da literatura e se apaixonar por Adriana (Marion Cotillard), bela jovem francesa, amante de todo o círculo de surrealistas.
Artículos escritos para O Redentor, revista del Festival de Cinema
Alter-ego em cartão postal
do Rio de Janeiro (ediciones de 2012 y 2015), colaboraciones
Owen Wilson interpreta um personagem que é claramente o alter-ego do diretor que, em Meia Noite em Paris, não atua mais. Desajeitado, existencial, Wilson foi muito bem dirigido e atua com graça no papel do eterno sonhador.
para blogs de cine, reseñas para la facultad y textos personales. CONTEÚDO Licenciamento Imediato Arquitetura Artes, Cultura e Entretenimento Beleza Comportamento Ciência Conflitos Diversos Decoração Design Economia, Negócios e Finanças Educação Esportes Geral
Neste possível blockbuster, vemos a verve do realismo fantástico de A Rosa Púrpura do Cairo misturada à leveza da comédia romântica e da metalinguagem.Diferente do filme anterior, Vicky Cristina Barcelona, com seus mosaicos, cores quentes e música vibrante, desta vez Woody Allen escolheu o glamour de Paris para enaltecer, como se mostrasse a um amigo cartões postais ou fotos de uma viagem deslumbrante. Ao longo de todo o filme, o diretor de fotografia iraniano Darius Khondji brinca com tons de bege e dourado – a aura da Cidade Luz – e encanta com longos planos-sequência, cenas sem corte em que a câmera acompanha o caminhar dos atores pelos bulevares e margens do Sena. Madame Bruni-Sarkozy Além das boas atuações de Rachel McAdams, Kathy Bates e Adrien Brody, Madame Bruni-Sarkozy também aparece na trama, em três cenas carregadas de sotaque frenchie. Porêm, poderia ser qualquer outra bela mulher francesa. Num golpe de marketing, Allen preferiu chamar a primeira-dama da França. No roteiro do cineasta nova-iorquino ainda vemos sua sagacidade e seu excêntrico senso de humor, mas há uma visível alteração no ritmo. Aos 75 anos, Woody Allen trocou de marcha. Do fulgor de Penélope Cruz para o charme de Marion Cotillard – o que, convenhamos, não teve o menor problema! Meia Noite em Paris não é um grande filme, mas retrata, com o primor de um mestre talvez já "açucarado" pela idade, uma belíssima cidade. Se em Paris É Uma Festa, Ernest Hemingway rendeu sua homenagem à capital francesa, sob a lente de Allen, Paris ganha mais uma declaração de amor. (Gabriel Demasi/Especial para BR Press)
Justiça Lifestyle
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Meio Ambiente Gastronomia Política
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Midnight em Pânico
Pânico
Você sabe quem foi Wes Craven? Se você foi adolescente nos anos 1980 e já teve pesadelos com Freddy Krueger, ou nos 1990 e teve medo de ver o Ghostface, ou mesmo se viu esses ícones do terror reunidos em Todo mundo em pânico, nos anos 2000, então você sabe. Craven dirigiu os clássicos A hora do pesadelo e Pânico, entre outros sucessos. Em homenagem ao diretor, falecido em agosto, ao 76 anos, o Festival do Rio exibirá Pânico dentro da programação da mostra Midnight Movies. Nascido em 1939 em Cleveland, Craven foi o grande nome do subgênero do cinema de horror batizado de slasher movies (do inglês “slash”, que significa golpear com faca ou punhal), em que um serial killer aterroriza a
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sessões de gala
vida dos personagens sem um motivo aparente. Com Pânico, o diretor reinventou novamente o terror moderno. Mostrando a vida de jovens privilegiados de uma pacata cidade do interior da Califórnia, assombrados pela eminente presença de um assassino, o diretor marcou uma geração, trazendo ídolos como Neve Campbell, Rose McGowan, Drew Barrymore e Courteney Cox, então no auge de sua fama com o seriado Friends. “Era uma combinação de um esperto comentário social, sustos e diversão. Tudo embalado em um ritmo novelesco com um mistério no ar”, afirmou no lançamento do quarto filme da franquia, em 2011. Criado em um ambiente familiar de regras pro-
gALA sCReenings
testantes muito rígidas, Craven também critica o moralismo norte-americano através dos grupos que retrata: “A família é o melhor microcosmo para se trabalhar. Cresci numa família branca, de classe média, muito religiosa. Havia muitos segredos permeando as relações. Sentimentos e argumentos eram imediatamente refutados. E comecei a ver que enquanto nação, estávamos fazendo a mesma coisa”. Pânico é também recheado de metalinguagem, com diversas referências ao cinema de horror, tanto em tom de sátira como de homenagem. Na trama, o assassino liga para as suas vítimas e faz perguntas sobre filmes emblemáticos do gênero, e os personagens, envolvidos na atmosfera de tensão do
assassino à solta, discutem clichês do cinema e inclusive assistem ao clássico Halloween – A noite do terror, do mestre John Carpenter. Wes Craven faleceu no dia 30 de agosto, em sua casa, em Los Angeles, vítima de câncer, deixando uma grande legião de fãs e filmes emblemáticos da história do cinema. O Festival do Rio presta esta homenagem, relembrando o melhor de seu cinema. Por Gabriel Demasi
Confira os horários de PâniCo na Programação: 3/10, 23h59 – Cine Odeon – CCLSR 13/10, 21h30 – Cinépolis Lagoon 6 14/10, 16h30 – Kinoplex São Luiz 1
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Otelo de Shakespeare a Welles: a problemática da adaptação by Gabriel Demasi Otelo, o Mouro de Veneza, texto de William Shakespeare escrito por volta de 1600, foi a segunda obra que o cineasta estadunidense Orson Welles adaptou para o cinema – ele inclusive havia feito diversas montagens teatrais no início de sua carreira, nos Estados Unidos. Welles, que dirigiu o filme e atuou como o protagonista, o general mouro, com o rosto pintado de preto, enfrentou muitas dificuldades durante a produção do filme e falta de orçamento para concluir o projeto, que se estendeu por 14 anos entre as décadas de 1940 e 1950. Rodado em Veneza e no Marrocos, uma das principais questões foi a engenharia de som, que não era adequada para as cenas externas; muitas cenas foram dubladas posteriormente. O próprio diretor não chegou a ver o filme finalizado. Em 1992, Michael Radford restaurou o filme, melhorando a qualidade da imagem e dos efeitos sonoros, com a aprovação da filha de Welles. A recepção da crítica e do público em relação ao filme não podia ser menos controversa, já que toda adaptação por si só automaticamente desencadeia uma série de julgamentos dos espectadores, ávidos por comparar e analisar as escolhas do roteiro e da direção – e isso fica ainda mais grave em se tratando de Orson Welles, que já era uma figura aclamada no cinema, e, sobretudo, por falarmos de Shakespeare, um dos bastiões da cultura anglo‑saxã. Poderíamos talvez comparar a empreitada de Welles ao filmar uma obra de Shakespeare, aos olhos anglo‑saxões, com Manoel de Oliveira se filmasse baseado em Camões ou Fernando Pessoa, para a cultura portuguesa, ou Nelson Pereira dos Santos com seu Vidas Secas, de Graciliano Ramos, para a cultura brasileira. Houve muita crítica quanto à velocidade dos cortes, à descontinuidade das tomadas e à ênfase na visualidade em detrimento do texto, julgando o resultado infiel à peça. Por outro lado, houve também quem compreendesse a decoupagem veloz como algo autoral, uma escolha estética do diretor, com ângulos inusitados e uma linguagem sombria e claustrofóbica emprestada dos filmes noir, que Welles explorou tão bem em sua vasta obra.
Orson Welles no set no Scala, em Mogador
https://gabrieldemasi.wordpress.com/2016/02/02/oteloomourodevenezadeshakespeareothellodeorsonwelleseaproblematicadaadaptacao/ 1/4 A dramaticidade do texto – que expressa a agonia do herói, com uma estrutura circular, se abrindo e
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“Sinto falta das câmeras”
“É o que tivemos de melhor”
A priori, não é possível entender qual a intenção do diretor Leos Carax com
Além do figurino e da caracterização impressionante com a maquiagem,
Da torrente de falas descontínuas e desconexas dos personagens, alter-egos
que não são compreendidas em português.
o filme Holy Motors. A atmosfera ora de suspense, ora de ficção científica
que o fazem mudar totalmente de expressão, vemos através da montagem
do diretor, duas se sobressaíram: “Ça m’est égal” (A mim, dá no mesmo) e
Godard brinca com o ver, o não ver, em imagens embaçadas, em vaivém,
dá a impressão de que sempre algo está por acontecer, de que algo será
ágil e cativante o uso do recurso da pantomima. Na Roma antiga, era a
“Je fais l’image” (Eu faço a imagem). Depois de terminar de assistir ao filme,
deixando pontas soltas nessa montagem, mas que dão sinais, como o
revelado em breve, mas isso não se dá: a trama gira em torno de um homem,
representação dramática com um dançarino solista e um coro narrativo. Ou
percebo que não foi por acaso, que já estava no “caminho” que Godard
vermelho do sangue da banheira, o vermelho das flores, o vermelho do
Monsieur Oscar, que roda por Paris em uma limusine branca e recebe
ainda, em termos teatrais, é a representação de uma história exclusivamente
provavelmente pretendia que seguíssemos. Porque é essa a sensação que
close na aquarela no godê. Como Monet, que ele cita na cena da chuva
missões, para as quais se prepara, se maquia, e atua em cada momento
através de gestos, expressões faciais e movimentos, especialmente no
o conjunto da trama transmite mesmo, sensação de que Godard pintou e
e do limpador de para-brisas, ele “pinta para não ver”. Ele experimenta
como um determinado personagem. Por mais que busquemos explicações
drama ou na dança.
bordou uma colcha de retalhos de livres associações, de suas referências,
linguagens, cortes, ângulos, sobreposições, e inclusive a escolha pelo 3D já
para essa rotina, não fica claro por que ele tem esse trabalho, se faz parte
Após interpretar alguns papeis durante o dia, em seus “compromissos”,
de seus questionamentos mais íntimos e primitivos. Em Adeus à linguagem,
indica que sua pretensão é ser apreendido, e não compreendido.
de uma máfia ou seita, e qual o objetivo dessas ações. A cidade é real, mas
Oscar é questionado por seu chefe, em uma conversa no interior da limusine.
ele logo no início (e mesmo logo no título também) anuncia que dessa vez,
Com exceção de algumas parcas cenas com mais começo-meio-fim –
a história é fantasiosa e esses detalhes não são explicados.
Ele pergunta se Oscar ainda gosta do que faz, porque algumas pessoas não
vai falar de nada. E de tudo. Godard usa um homem e uma mulher – “e
como quando o casal está sentado na beira da cama, em frente a outro
Aos poucos, começamos a perceber que talvez não haja mesmo nenhuma
têm acreditado em sua atuação. Oscar responde: “Sinto falta das câmeras,
se for preciso, coloco até um cachorro que faça mais sentido do que a
casal na tela da TV, talvez um aceno às cenas emblemáticas da Nouvelle
intenção pré-determinada, a não ser a de chocar com boas histórias. Faz
antes elas eram maiores do que nossas cabeças, hoje não dá nem para ver.
humanidade”, deve ter pensado ele, e de fato o cachorro está aí – para
Vague – Adeus à linguagem é puro não-pensamento. “Aqueles que não
falta às vezes no cinema algo que seja apenas uma história, sem intenção.
Assim fica difícil de acreditar”.
retratar o zero e o infinito, a vida e a morte, o sexo, o amor, as estações
têm imaginação buscam refúgio na realidade”. Vocês vão procurar nexos,
Esse personagem ator que se prepara para interpretar diversos personagens
A última cena do filme mostra a garagem da Holy Motors, e só aí entende-
do ano, a chuva, a neve, o fogo, fazendo uma colagem fragmentária da
respostas, realidade..., mas não há, pensou Godard.
durante o dia, é uma metáfora dos papeis que todos nós acabamos fazendo
se o título do filme. No interior, vemos todas as limusines estacionadas. Elas
existência humana. Por isso também ele separa “A natureza” e “A metáfora”:
Ele tira sarro dos céticos. Monta insanidade, esbanjando imaginação,
na vida? Representa nostalgia do diretor, que quer retomar seus próprios
começam a conversar entre si. Uma delas diz: “Logo, logo, vamos ficar
Godard mostra uma mulher que fala truncado, balbuciando, pedaços de
explorando cores, diálogos, ângulos, e o espectador tenta encontrar alguma
papeis? Ou, no fim das contas, é um filme sobre atuação, sobre o cinema?
obsoletos. Os seres humanos não querem mais ação, não querem mais
conversas que não são terminadas, reações aleatórias, o nonsense mais
realidade nisso. Aos 80 anos, chutou o balde, não faz mais política, não
Ou sobre a vida mesmo? O mais provável é que esses elementos presentes
motores”. Leos Carax aparentemente tenta anunciar os dias contados do
rudimentar do homem – “resta saber se o não-pensamento contamina o
dissemina ideologia. Ele pode fazer o que quiser. “Adeus, linguagem. Não
na trama sejam referências cinematográficas do diretor, cenas marcantes
cinema como se fazia até então.
pensamento”, ele adverte – representando a filosofia mais pura, natural, e o
preciso mais disso”, poderia ter exclamado. E opta por usar a beleza, a
ridículo da metáfora, da fala, da sofisticação de relações quando por si só
imagem, as dimensões do plano: o que há de mais rudimentar, primordial e
o homem já não se sustenta e é mais nonsense e não-pensamento do que
elementar, e ao mesmo tempo mais assustadoramente complexo. Porque,
Alex, com o nome Oscar) e é também o nome da premiação de Hollywood
um cachorro. Afinal, “o homem é cego por sua consciência”.
no fim das contas, Flaubert tinha razão: “é o que tivemos de melhor”.
– e tem a cabeça careca igual à da estatueta.
Com um roteiro cíclico e falas que se retomam e se repetem ao longo do
que ele quis evocar. Aliás, o personagem principal carrega no nome a semelhança com o diretor (Leos Carax é um anagrama de seu nome real,
*Reseña hecha para la asignatura de Lenguaje Audiovisual
filme, ele cria jogos de sentidos e significações com as palavras, com o tom
*Reseña hecha para la asignatura de Lenguaje Audiovisual
e o ritmo da fala, e muitos trocadilhos e experiências sonoras e linguísticas 50
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inspiraciones Lo que veo cuando veo
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1. Henri Matisse, “O quarto vermelho”, 1908.
19. “Cléo das 5 às 7”, Agnès Varda, 1962.
2. Edward Hopper, “Nighthawks”, 1942.
20. “O som ao redor”, Kleber Mendonça Filho, 2012.
3. Tarsila do Amaral, autorretrato de 1923.
21. C.R.A.Z.Y, Jean-Marc Vallée, 2005.
4. Toulouse-Lautrec, “Ambassadeurs: Aristide Bruant”, 1892.
22. “Bruno smoking a joint (Valerie’s legs), Paris 2001”, Nan Goldin.
5. “Deserto vermelho”, Michelangelo Antonioni, 1964.
23. Casa Modernista de los años 1930 en el barrio donde viví en la infancia,
6. “Beleza Roubada”, Bernardo Bertolucci, 1996.
en Campinas, São Paulo, Brasil.
7. “Cópia Fiel”, Abbas Kiarostami, 2011.
24. Bauhaus, década de 1920, Alemanha.
8. “A single man”, Tom Ford, 2010.
25. Casa Azul de Frida Kahlo, Ciudad de México, 1904.
9. William Eggleston, “Los alamos” series, 1965-1968.
26. Página del libro “El design del siglo XX”, que me regalaron cuando niño.
10. “Central do Brasil”, Walter Salles, 1998.
27. Dibujos del autor, tipos humanos d’àprès “El design del siglo XX”.
11. “A câmera de Claire”, Hong Sang-soo, 2017.
28. “Todo sobre mi madre”, Pedro Almodóvar, 1999.
12. “Aquarius”, Kleber Mendonça Filho, 2016. 13. “Bologna”, Luigi Ghirri, 1973. 14. “La ciénaga”, Lucrecia Martel, 2001. 15. “Hiroshima mon amour”, Alan Resnais, 1959. 16. “Roma”, Alfonso Cuarón, 2018. 17. “Os sonhadores”, Bernardo Bertolucci, 2003. 18. “Terra em transe”, Glauber Rocha, 1967. 28
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Formación académica
Otras experiencias
Idiomas Francés
Graduado en Periodismo por la
Trabajo de Fin de Curso:
Movilidad Académica en Argentina
Universidade Federal do Rio de Janeiro
trabajo práctico (libro) Insta
- Facultad de Periodismo de la
dizer: imagens, palavras e
Universidade de Buenos Aires (2013)
curriculum
o poder da narrativa, bajo la orientación de la Profa. Dra.
Curso en la Escuela de Artes Visuales
Maria Cristina Franco Ferraz.
(EAV Parque Lage), Rio de Janeiro, “Fundamentos del arte”, 2012
Experiencias profesionales Taiga Filmes
Ayudante de producción
(Rio de Janeiro, RJ)
(En tres actos, 2014) y 3er
2014 - 2016
ayudante de dirección (Plaza París, 2016), de la directora Lucia Murat.
Intercambio en Francia (Première Littéraire
Español Inglés
gabriel demasi Campinas, Brasil 16/04/1992 carvalho2gabriel@hotmail.com memoriadacor gabrieldemasifoto gabrieldemasi.wordpress.com
en el Lycée International de FerneyVoltaire, 2009-2010) Actualmente alumno del Grupo de Estudios en Fotografia, con el fotógrafo André Penteado, en São Paulo.
Festival Internacional de Cinema do Rio
Reportero en las ediciones de
(Rio de Janeiro, RJ)
2012 y 2015.
2012 - 2015 Editorial Objetiva
Corrección y revisión de
(Rio de Janeiro, RJ)
texto.
2012 - 2015
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