Cinefilia

BIG HERO 6 Disney llega con mano de obra española

El Cine de James Wan Monstruos de ayer, temores de hoy

Top 10:

Actrices y actores de los últimos 20 años

4

Jonah Hill: De gordo gracioso a actor de primera

5

22 Jump Street: Sorprendente secuela

6

TOP 10: Actores y Actrices de los últimos 20 años

8

Jim Carrey: Nuestro comediante favorito

10

La Cruda Verdad

11

¿Cómo se hizo Coraline?

12

20 años del Rey León

13

Personajes de Disney escondidos en otras películas

14

Big Hero 6: Llega con mano de obra española

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El Libro de la Vida: Día de muertos y toreros

17

Maléfica: Metáfora de una violación

18

TOP 10: Películas de los últimos 20 años

20

No Le Temas A La Oscuridad

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El Orfanato

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El Cine de James Wan: Monstruos de ayer, temores de hoy

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El Ciempiés Humano

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El Exorcista

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Te recomendamos

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Actividad Paranormal

Ésta revista fue editada y trabajada por mas de 12 horas seguidas por la dedicada alumna, Gabriela García Briones, cuya matricula es 117238. Este proyecto está dedicado a todos aquellos estudiantes que aplazan todo hasta el último minuto, como su servidora.

Este proyecto es prueba de que aún asi se puede entregar un trabajo de calidad. Sin embargo, les recomiendo que eso lo eviten lo más que puedan. El estrés de tener solo un par de horas para darle los toques finales, convertirlo a un archivo PDF, llevarlo a imprimir y hacer recorte, es demasiado para su pobre cerebro. Sufrí las consecuencias de pasar la noche en vela y no es algo que le deseé ni a mi peor enemigo (You know who you are). Pero después de todo ese dolor y café, la revista quedo terminada, llena de muchas películas que tienen un lugar en mi corazón.

Dada la falta de preparación éste es solo un texto de relleno y ya me quede sin cosas que decir. Así que, les digo que estoy viendo El Planeta del Tesoro mientras escribo esto. Pero en este instante quisiera una taza de café mientras veo Big Hero 6 y escucho las frases graciosas de el tierno Baymax, admiro la belleza de Tadashi, aunque se muera después de unos minutos, quisiera admirar a la bella y perfecta GoGo y a sus lindras frases como “¡Sé mujer!”. Esa película me hace feliz.

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JONAH

HILL “Antes sólo era el gordo gracioso ¡Ahora juego en primera!”

Jonah Hill carece de complejos, y es mucho más listo que los personajes que interpreta en pantalla.

Hill (Los Angeles, 1983) es un tipo serio en las distancias cortas.

No confundamos seriedad con ser borde, pero muchos se sorprenden de que alguien bregado en la comedia o la astracanada no siga ese papel en la vida real. Eso sí, en su seriedad no deja de amagarse un sentido de la ironía entre lúcido y nada complaciente. “Pensaban que iba a ser el próximo John Candy o Chris Farley… y ahora se refieren a mí como alguien en la estela de Bill Murray. O sea, que antes era el gordo gracioso y ahora soy el gordo que puede jugar en Primera División sin complejos junto a Brad Pitt o Leonardo DiCaprio”.

Jonah Hill no reniega de la comedia (“vivo de ella y me ha dado las mayores satisfacciones de mi carrera”), pero se crece cuando, en lugar de preguntarle sólo por ‘Infiltrados en la universidad’, el film del que es productor, guionista y protagonista, le preguntamos por sus trabajos más serios. “Porque es así. ‘El Lobo de Wall Street’ también es una comedia”.

DECONSTRUYE LA COMEDIA ¿Es cierto que se menosprecia la comedia más comercial y a sus intérpretes? “No me nominaron a un Oscar por ‘Infiltrados en clase’ (primera entrega de esta traslación a la gran pantalla de la teleserie ochentera ‘Nuevos policías’)”, nos recuerda Hill. “Lo que sí es verdad es que los actores cómicos que se pasan al drama lo hacen de maravilla y reciben parabienes. En cambio, cuando es un actor dramático el que intenta

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una comedia… bueno, ahí sí que la cosa no suele funcionar. No sé… De Niro, Sean Penn… no acaban de estar bien en la comedia, pese a ser excelentes actores.

‘Cyrus’ es su camino de Damas dentro de la profesión, y dentro también de la comedia, un género en el cual Hill ha contribuido. ¿Qué le aporta pues el actor? “Respeto al espectador y trabajo riguroso, nada de ir por lo fácil”, responde Jonah Hill. “Por ejemplo, me ha hecho mucha ilusión que detectaras que la escena de las langostas era un homenaje a ‘Annie Hall’ (Woody Allen, 1977) o que en estos dos Infltrados… hay referencias directas al cine de Frank Tashlin. Si usas material de calidad todo será mejor, aun tratándose de una comedia de acción”.

GRADUADO EN DESMADRE ‘Infltrados en la universidad’ se sostiene sobre tres pilares que el mismo Hill nos comenta: “Es, en primer lugar, una secuela que se ríe con saña de las secuelas. Reunimos todos los tópicos y clichés que se ven en las secuelas y les hemos dado la vuelta además de darles un merecido capón. Somos una secuela y hemos hecho autocrítica cómica de esta condición con gags. En segundo lugar, ‘Infltrados en la universidad’ es un homenaje al cine de universitarios de finales de los 70 y principios de los 80. Y, en tercer lugar, el film es un canto a la amistad, es una historia romántica entre amigos.

22 JUMP STREET

En contra de los pronósticos, la comedia de Sony Pictures “22 Jump Street” se impuso en la taquilla a la familiar “How to Train Your Dragon 2” con una recaudación de 60 millones de dólares.

Dirigida por Phil Lord y Christopher Miller, la cinta vuelca toda la atención en la pareja de policías encarnados por Jonah Hill y Channing Tatum, quienes se hacen pasar por estudiantes para acabar con una serie de narcotraficantes en una universidad.

Se trata de una continuación de la cinta “21 Jump Street”, basada en una popular serie de televisión estadounidense de la década de los 80. La primera entrega ingresó algo más de 200 millones de dólares en todo el mundo, la mayoría provenientes de Estados Unidos.

La nueva misión de los muchachos de Jump Street es, esta vez, infiltrarse en un college, y siguen, como en 21 Jump Street, ganándose la risa y simpatía del público.

Phil Lord y Chris Miller regresan juntos en la dirección, un par de talentosos que saben dar en el blanco en distintos géneros –con títulos animados como Cloudy with a Chance of Meatballs y la extraordinaria The Lego Movie –e incluso cuando se trata de secuelas de policías haciendo, una vez más, “exactamente lo mismo”.

Son los agentes Jenko y Schmidt, protagonizados por un cumplidor y muy simpático Channing Tatum, y el aun mejor Jonah Hill –quien es también el de la idea original junto a Michael Bacall–, y su personaje de Schmidt, sensible e hilarante, le queda como

traje a la medida. Mientras uno es el atlético, saltador y trepador de muros y balcones de edificios, con increíble agilidad, el otro prefiere las técnicas más tradicionales y seguras: usar las escaleras.

Con el plan de desenmascarar a un nuevo repartidor de droga que solo podrían identificar por un tatuaje, los policías se integrarán de lleno en la dinámica escolar.

Jenko se incorpora al equipo de fútbol del campus; tan brillante es en el deporte, y tan buenas migas hace con un estudiante y líder de fraternidad (Wyatt Russell) que casi se cree que es parte real del grupo. En cambio Schmidt, más apocado, se inclina por las artes, y conoce a la bella Maya (Amber Stevens). Solo que, hay un detalle que hace que la muchacha sea la equivocada, teniendo en cuenta el iracundo temperamento del jefe, el capitán Dickson (Ice Cube), que nos reserva una escena deleitosa.

El ritmo incansable, los diálogos hilarantes, las actuaciones, todo funciona en esta inteligente y chispeante comedia. Y en especial la empatía del disparejo par protagónico. El bono de regalo lo ponen los personajes secundarios, un par de gemelos muy curiosos y una insólita “bola de humo” (interpretada por la graciosísima Jillian Bell) que levanta la energía de los últimos minutos en una playa mexicana entre multitud de spring breakers para un final explosivo.

No se pierda la gran cantidad de secuelas más o menos parecidas que se anuncian en los créditos finales. A los chicos de la calle Jump les sobra sentido del humor.

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Tom Hanks Comenzó su carrera en los 80’s, participando en proyectos memorables como Big (1988). En Filadelfia demuestra su talento para el drama. Combinó su experiencia para participar en toda clase de proyectos. El personaje más reconocido en la trayectoria de Hanks es Forrest Gump (1994).

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Sandra Bullock Saltó a la fama gracias a la comedia romántica.

La actriz decidió probar fortuna en el drama, demostrando su talento en cintas como Un sueño posible (2009) –la cual le valió un Oscar a Mejor actriz– y Gravedad (2013) bajo las órdenes de Alfonso Cuarón. Los aficionados al drama dirán que su mejor actuación fue en Gravedad, cuya intensidad y dramatismo le dan una nominación al Oscar en la categoría de Mejor actriz.

Daniel Day-Lewis Un actor capaz de realizar absolutamente cualquier interpretación de manera perfecta. No se limita a una simple actuación, sino que cambia completamente su forma de vida para adentrarse en sus personajes. Con una técnica así ha obtenido cuatro nominaciones al Oscar y dos estatuillas.

Pandillas de Nueva York (2002) es considerada una de las máximas obras de Martin Scorsese, la cual muestra la violenta naturaleza de la urbe de hierro durante el periodo previo a la Guerra Civil.

Se aclama el filme por la actuación de Day-Lewis con el papel de Bill “el Carnicero” Cutting.

Meryl Streep Con 18 nominaciones al Premio de la Academia, la máxima nominada en la historia de la ceremonia, y dueña de 3 estatuillas, Streep sólo puede ser descrita como una leyenda viviente de Hollywood. La actriz ha demostrado su talento en toda clase de proyectos: desde dramas hasta musicales. Verla actuar sólo se define como un deleite. Los aficionados al drama se inclinan por el papel de Margaret Thatcher en La dama de hierro (2011), los de la comedia por Miranda Priestly en El diablo viste a la moda (2006).

Will Smith ¿Quién iba a pensar que el atrevido y loco príncipe del rap se convertiria en uno de los actores más populares y exitosos de su generación? Smith lo logra gracias a su talento, carisma y peculiar sentido del humor, características que se manifestan en cintas como Dos policías rebeldes y Hombres de negro (1997) y se consolidarían en dramas como En busca de la felicidad (2006).

Top 10

de los últi

Kate Winslet Con cinco nominaciones al Oscar y una estatuilla, es una de las actrices más importantes de todos los tiempos. La actriz cautiva al público con toda clase de interpretaciones, que van desde la fascinante Rose DeWitt Bukater de Titanic (1997) hasta la despiadada Jeanine de Divergente (2014). Consideran que podría convertirse en la sucesora de la gran Meryl Streep.

actores y actrices

Leonardo DiCaprio Demostró su talento desde temprana edad, obteniendo su primera nominación al Oscar por What’s Eating Gilbert Grape (1993). Su calidad le permitió salir adelante en cintas como Eclipse total (1995) y Romeo + Julieta (1996), para después obtener la fama absoluta con Titanic (1997). DiCaprio se ha consolidado como uno de los actores más talentosos de Hollywood, trabajando con los mejores directores y acumulando cinco nominaciones al Oscar pero sin ser capaz de llevarse ninguna estatuilla.

mos 20 años

Natalie Portman Luego de su brillante trabajo en El perfecto asesino (1994), muchos lamaban un futuro prometedor para Portman. Pocos imaginaron que lograría convertirse en una de las actrices más reconocidas de su generación y que ha llevado su talento a toda clase de proyectos: desde adaptaciones de comics hasta uno de las mejores dramas de los tiempos: El cisne negro (2010).

El brillante trabajo de Portman en El cisne negro cautiva al público y la crítica y de paso, le da el Oscar a Mejor actriz.

También pasó a la historia gracias a su trabajo como Padme en Star Wars.

Hugh Jackman Su carrera comenzó hace 15 años, convertirtiendose en uno de los actores más reconocidos de los últimos tiempos.

Aunque es fácil identificarlo con películas de acción, también nos ha deleitado con brillantes trabajos dramáticos, siendo su papel de Jean Valjean de Los miserables (2012). El Wolverine de Hugh Jackman es el estandarte de la franquicia mutante y los aficionados preguntan quién ocuparía su lugar.

Anne Hathaway El papel de Mia Thermopolis en El diario de la princesa (2001) marca su debut de cine y su primer gran éxito. Ha participado en una gran diversidad de proyectos.

Su trabajo más brillante llega con Los Miserables (2012)que le valdría el Oscar a Mejor actriz de reparto.

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JIM REY CAR

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! njaulado e l a m i n o un a ícil “¡Soy com con el que es dif po Soy un ti vivir” La extrovertida personalidad de Jim Carrey no es fruto de una evolución sostenida. Ya era así cuando era un crío en Newmarket, su pueblo de Canadá. Actuaba constantemente, ya fuera para sus parientes o para sus compañeros de clase. Con apenas 10 años apareció en The Carol Burnett Show, un programa de éxito en Norteamérica. Sin embargo, aún le quedaba trecho hasta llegar a ser una estrella. Su familia tuvo que mudarse a Scarborough, un suburbio de Toronto, y Jim se vio obligado a aceptar trabajos de conserje o vigilante para ganar dinero.

La mala racha no parecía tener fin, por lo que Jim decidió cortar por lo sano y hacer la apuesta de su vida: ser comediante. Se preparó a conciencia y entró en el circuito de monologuistas hacien-

do imitaciones celebridades como Michael Landon o James Stewart. En 1979 dio el salto a Los Ángeles, donde fue descubierto por el veterano cómico Rodney Dangerfield. Fue entonces cuando se inició la etapa televisiva y cinematográfica de Carrey, con títulos como Mordiscos peligrosos (1985) o Peggy Sue se casó (1986).

El programa humorístico In Living Color (1990) realzó la popularidad del actor, que cada vez recibió ofertas más suculentas a medida que sus personajes crecían en extravagancia: Ace Ventura (1994), La Máscara (1994), Dos tontos muy tontos (1994) o Un loco a domicilio (1995) encasillaron a Carrey como un intérprete histriónico con muchos fans pero también muchos detractores.

Consolidada su presencia en el star-system hollywoodiense, Carrey ha querido demostrar que también es un notable actor dramático.

En este sentido, sus mejores resultados llegaron con El show de Truman (1999) y Man on the moon (2000), por las que ganó sendos Globos de Oro. También fue muy aplaudido su trabajo junto a Kate Winslet en ¡Olvídate de mí! (2001).

En los últimos años ha alternado este tipo de films con su vena cómica habitual, e incluso se ha atrevido con los thrillers (El número 23, 2007).

Nuestras favoritas Dos Tontos Muy Tontos

¡Olvidate de mi!

La vida de Lloyd y Harry, dos amigos de una estupidez supina, es un auténtico desastre. El primero trabaja como chófer de una limousina, y el segundo se dedica a transportar perros. Cuando Lloyd se enamora de una chica de buena posición, que deja olvidado un maletín en el coche, los dos amigos emprenden un viaje por todo el país para devolvérselo. ¡Las risas estan garantizadas!

Joel sufre cuando descubre que su novia Clementine ha hecho que borren de su memoria todos los recuerdos de su tormentosa relación. Desesperado, contacta al creador del proceso, el Dr. Howard Mierzwiak, para que borre a Clementine de su memoria. Pero, cuando los recuerdos de Joel empiezan a desaparecer, redescubre su amor por Clementine.

Desde lo profundo de su cerebro intentará parar el proceso.

el GRINCH

BRUCE ALMIGHTY

El Grinch es una especie de ogro verde que siempre ha vivido aislado en la cima de una montaña nevada, en las afueras de Villa Quién. Habituado a la soledad, a exepción de su perro Max, lo que le destroza los nervios son los villancicos que la gente del pueblo canta en Navidad; para vengarse, decide robar los regalos de Santa Claus. Las cosas se complican cuando una pequeña niña se infiltra en su cueva.

Tras pasar el peor día de su vida, el reportero de televisión Bruce Nolan desafía a Dios reprochándole lo mal que está administrando el mundo. Dios se muestra frente a el en un edificio abandonado en donde acepta el reto, le otorga todos sus poderes, incluyendo sus responsabilidades y lo conmina a hacerlo mejor que Él. Después del abuso de poderes Bruce intentara recobrar el equilibrio en su vida.

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La Cruda Realidad

La batalla de sexos llega a su culmen en La Cruda Realidad, una comedia inteligente y sexy sobre los hombres y las mujeres, y el inmenso abismo que les separa en su forma de pensar, sus fantasías y sus tácticas de seducción. Katherine Heigl (Knocked Up, “Anatomía de Grey”) y Gerard Butler (300) hacen que salten chispas en el papel de dos compañeros de trabajo que se odian. Ella está buscando la media naranja de sus sueños, mientras que la misión de él es la de abrir los ojos a las mujeres, que vean la realidad y que admitan que los hombres tienen otras cosas en la cabeza. Pero cuando él la ayuda a conseguir lo que ansía, ambos se dan cuenta de manera inesperada, de que dos polos opuestos pueden llegar a atraerse.

Abby Richter (Heigl) es una ambiciosa productora de un programa matinal de televisión, “A.M. Sacramento”, que se vanagloria de encontrar a cada problema una solución inmediata, para cualquier problema excepto para su soltería. Cuando llega la hora de salir con hombres, la siempre correcta Abby cuenta con un impecable historial de fracasos.

Cuando su programa sufre una caída de audiencia, Abby se ve obligada a hacer equipo con una nueva incorporación, Mike Chadway (Butler), un hombre que no puede sacarla más de quicio. Éste pretende revelar el secreto de lo que realmente les gusta a los hombres. Su estilo escandalosamente subido de tono, alegremente chovinista y vulgar, fastidia a Abby hasta decir basta. La situación empeora aún más, cuando se convierte de un día para otro en un éxito de audiencia, asegurándose la continuación de su puesto dentro de la cadena.

Un día Abby conoce a Colin, su vecino, que además resulta ser médico y está soltero. Representa todo lo que Mike Chadway no es: afable, educado y nada peleón. Por lo que esta vez Abby no quiere estropearlo. Odia admitirlo, pero necesita la opinión de Mike sobre la mente masculina para dar los pasos correctos. Y es cuando Mike entrena a Abby y ésta pone en práctica si provocativa teoría de seducción, cuando descubren una gran ironía. Por muy diferentes que sean, los hombres y las mujeres tienen en común los más secretos sentimientos.

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Cómo se hizo

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Coraline

Coraline es una película de animación innovadora, siendo la primera realizada por medio del stop motion y rodada en 3D y HD. Está basada en la novela del mismo nombre del conocido escritor de ciencia ficción y fantasía Neil Gaiman. Es una historia compleja que no se limita al público infantil sino que incluye suspenso muy particular y fascinante; cuenta la historia de una niña que abre una puerta secreta en su nueva casa y descubre un mundo paralelo al que vive en ese momento.

Neil Gaiman pensó en el director y animador Henry Selick, que también se encargo de A Nightmare Befote Christmas y Jim y el Durazno Gigante, para llevar al cine su creación.

Una vez que Selick aceptó el proyecto, contrató al ilustrador y dibujante japonés Tadahiro Uesugi, quien trabajo un año en el desarrollo visual de los personajes antes de trasladarse a EEUU para reunirse con Chris Butler, quien dirigió el storyboard.

Butler y su equipo realizaron un storyboard del siglo XXI y usaron monitores LCD Cintiq, de Wacom, sobre los que se aplica un lápiz interactivo directamente a la pantalla.

La punta del lápiz y la goma tienen unos mil niveles de sensibilidad para obtener un control preciso.

Después se procedió a decidir la técnica que emplearían, para finalmente dar vida al proyecto. La animación stop motion siempre estuvo en el pensamiento del director.

La animadora Amy Adamy describe al stop motion como “mover marionetas sin cuerdas”. El encargado de animación Travis Knight dice: “Cada toma es pura acrobacia”.

“Se puede hacer cualquier cosa con stop motion, es como esculpir con luz”, dijo el grafista Ean McNamara.

El proceso de animación stop motion es muy especializado. Los animadores manipu-

lan fotograma a fotograma los objetos (personajes, decorados, etcétera) en una plataforma de trabajo. Se fotografía cada fotograma con la cámara de cine. Cuando se ensamblan y proyectan las miles y miles de fotografías, los personajes se mueven con fluidez y continuidad.

Filmar una película de animación stop motion tiene muchos parecidos con un rodaje convencional: hay que construir decorados, se debe peinar a los personajes, maquillarlos, vestirlos, iluminarlos y dirigirlos.

Henry Selick explica: “El milagro del stop motion y una de las razones por las que me parece mágico, es que los personajes actúan de verdad a través de las manos de los animadores”.

El primer antecedente de esta técnica es el corto Vincent -que Tim Burton produjo en 1982s- rodado en blanco y negro y narrado por Vincent Price. Diez años después, Tim eligió un equipo de animadores para crear el musical en stop motion Nightmare Befote Christman, a partir de su historia original.

Le pidió a Henry Selick que lo dirigiera: “Fue muy difícil, pero llevamos el stop motion a otros niveles en cuanto a movimiento de cámara, iluminación, etcétera”.

Diez años después Selick hizo lo mismo con Coraline con LAIKA Inc.

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EL

Rey leóN 20 Aniversario

Una de las películas más populares de la factoría Disney cumple 20 años. Es el ‘Rey León’ que fue estrenada el 15 de junio de 1994.

La película, dirigida por Rob Minkoff y Roger Allers, cuenta la historia de Simba, un joven león y futuro Rey. Scar, su tío, desea llegar al trono pero dos cosas se lo impiden.

Mufasa, el padre de Simba, y el pequeño cachorro. Por ello decide urdir un plan para asesinarlos. Provoca una estampida , que provoca la muerte de Mufasa y convence a Simba de que él es el responsable y que debe huir.

Simba llega hasta una selva donde conoce a Timón, un suricato, y Pumba, un jabalí, un dúo inseparable. El cachorro de león crece en compañía de sus nuevos amigos e interi-

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oriza el lema de ambos: ‘Hakuna Matata’. El león vive despreocupadamente hasta que se reencuentra con su amiga Nala. Ella le cuenta como es el reinado de Scar y como somete a la manada. Simba, al principio no escucha a Nala pero un encuentro con Rafiki, el chaman de la sabana, y un aparición de su padre hacen que decida volver a la sabana y vengar la muerte de su padre.

Una versión de Hamlet La película está basada en la obra de Shakespeare Hamlet. La trama es muy similar aunque el desenlace es diferente. Simba trata de vengar la muerte de su padre asesinado por la traición de su hermano, es desterrado del reino y además el fantasma de su padre le impulsa a volver al reino y tomar el control.

Recaudó casi 1.000 millones de dolares La película recaudó más de 400 millones de dolares en Estados Unidos y más de 500 millones de dolares en el resto del mundo, logrando casi 1.000 millones de dolares de recaudación. En 1994 fue la película más taquillera.

En la página web de cine ‘Rotten Tomatoes’ tiene un 90% de comentarios positivos,

basados en 110 críticas. Por su parte en la web ‘Filmaffinity’ tiene una nota de un 7,9, basado en 130.000 votos.

En 1994, ‘El Rey León’ obtuvo tres premios Annie, a la mejor película animada, Mejor guion en un film animado y mejor doblaje en un film animado. La película obtuvo dos Oscar en 1995, uno por su banda sonora y otro a la mejor canción original. Su banda sonora y la canción compuesta por Elton John, ‘Can You Feel the Love Tonight’, fueron premiadas también en los Globos de Oro. Además fue premiada con el Globo de Oro a la mejor película de comedia o musical.

Fue la película más taquillera de 1994, llegando a recaudar casi 1.000 millones de dolares en todo el mundo y obtuvo además 3 premios Annie, dos Oscar y 3 Globos de Oro. La película, que dirigieron Rob Minkoff y Roger Allers, ha pasado a la historia como una obra maestra del cine de animación.

El rey león puso el punto final a la época dorada para la Disney, en la que pudimos ver otras películas como Aladdin, La Bella y la Bestia y La Sirenita. Después de estos éxitos, la compañía decidió apostar por otro estilo de películas como por ejemplo Pocahontas.

Debido al éxito de la pelicula, el guión fue adaptado a un musical de Broadway.

Personajes de Disney

escondidos en otras peliculas

¿Sabías que los creadores de las peliculas de Disney a veces esconden personajes en escenas de sus grandes éxitos? Muchas veces estos personajes aparecen por solo unos segundos, así que es difícil identificarlos a todos. ¡Nostros te mostraremos algunos de los que nosotros hemos encontrado!

Pinnochio En Aladdin, en la escena de la isla el Genio transforma su cabeza a la de Pinnochio.

Sebastian El amigo de la Sirenita aparece en Aladdin, cuando el Genio le explica todas sus reglas en la isla.

La Bestia En Aladdin, el Sultán tiene figuras de animales, en su colección hay una figura de la Bestia de “La Bella y la Bestia”.

Mr. Increíble En Buscando a Nemo, en la sala de espera del dentista hay un niño que lee un comic del super héroe Mr Increíble.

Buzz Lightyear En la oficina del dentista en Buscando a Nemo, podemos ver un juguete de Buzz Lightyear en el área infantil.

Mike Wazowski En Buscando a Nemo, en los creditos puedes ver a Mike de Monsters Inc buceando por el mar.

Peg En la tienda de mascotas de 101 dálmatas, hay cachorritos, el de la esquina es Peg de “La dama y el vagabundo”.

Scar En Hércules el pintor se enoja y avienta su paleta, Phil se limpia con la piel del león, el es Scar del Rey León.

Mulán En Lilo & Stitch se puede ver un poster de la película que fue igual al que se usó para promocionar la película.

Nemo En Monsters Inc, en el cuarto de Boo se observa un juguete igual al pez payaso Nemo de Buscando a Nemo.

Stitch En el Planeta del Tesoro en la parte izquierda del cuarto de Jim, hay un muñeco de Stitch con su traje espacial.

Sra. Potts En Tarzán, se ve un juego de tazas y una tetera que son la señora a la sra Potts y sus hijas de La Bella y la Bestia.

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Los superhĂŠroes de Disney llegan con mano de obra espaĂąola

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En “Big Hero 6”, lo nuevo de Disney, trabajaron casi un centenar de animadores para crear personajes como Hiro o Baymax, de los que una decena son españoles, como es el caso de Valentín Amador y Martín Peixe.

“Big Hero 6”, dirigida por Don Hall y Chris Williams, es la séptima película del estudio desde que John Lasseter se convirtiera en su responsable. Y es el siguiente proyecto de Disney tras el éxito de “Frozen”, el filme de animación más taquillera de la historia.

“Durante el rodaje de ‘Big Hero 6’, de lo que más se hablaba en el estudio era que debíamos hacer otra buena película, pero que no tuviera nada que ver con ‘Frozen’.

Disney quiere un amplio abanico de géneros”, añadió.

Dicho y hecho: “Big Hero 6” es la primera película de animación de Disney derivada de un cómic de Marvel y en ella tienen robots, jóvenes científicos y una ciudad futurista a caballo entre Tokio y San Francisco.

La historia central se enfoca en la relación entre Hiro, un prodigioso inventor de 14 años, y Baymax, un robot médico inflable producto de las investigaciones de su hermano mayor, Tadashi.

“Uno de los quebraderos de cabeza fue el tono de la cinta”, admitió el animador español. “Se intentó que hubiera equilibrio entre la acción y los sentimientos del protagonista, fue delicado, porque son temas duros y es una película de Disney”, indicó Amador.

Tras la muerte Tadashi, Hiro se esmera en mejorar las habilidades del robot para localizar y detener al villano enmascarado. Para llevar a cabo su empresa, contará

además con la ayuda de cuatro compañeros, todos jóvenes promesas de la tecnología y la robótica, que terminarán convirtiéndose en improvisados superhéroes.

“Baymax no se pone a volar con Hiro para que quede chulo”, sostuvo Martín Peixe, “sino porque tiene una motivación, que es curar al protagonista. Le ayuda a superar su sufrimiento y a estar más feliz con la ayuda de sus amigos. Todo tiene una justificación”.

Su trabajo es dar vida y movimiento a los personajes. Se ven a sí mismos como actores, porque reciben indicaciones del director y le dan forma a la cinta.

“Hay una escena -explicó Amador- en la que trabajé hacia el final de la película con la que disfruté y sufrí a la vez. En ella, Hiro comprende su cometido.

Es muy sutil y tiene mucha planificación detrás”.

A Martín Peixe se encarga de secuencias de acción, como la que abre el filme con una pelea clandestina entre robots.

“Estuve bastante tiempo trabajando en ella, porque es una secuencia larga y me permitió presentar al mafioso que organiza las peleas y a la árbitro de los combates. Les saqué todo el jugo sobre cómo se mueven, cómo caminan y cómo se expresan”, explicó el mallorquín, de 37 años.

Ambos llegaron a Disney cuando Lasseter ya estaba a cargo del estudio y señala que comenzar a trabajar en esa empresa fue un punto y aparte en sus respectivas carreras.

Bajo el liderazgo de Lasseter, en Disney se

respira otro aire. Directivos y empleados se mezclan en zonas comunes, los creativos se juntan para ayudarse a crear el mejor guión posible, etc. Y qué duda cabe que esa filosofía procedente de Pixar, ahora instaurada en Disney, está dando resultados.

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El Libro de la Vida Día de Muertos y toreros

Esta historia se centra en el amor, la búsqueda de un camino propio, la amistad, la familia, la vida y la muerte; pero lo hace de una forma particular tomando el Día de Muertos, una tradición muy mexicana que se vuelve universal, sin perder lo que la caracteriza. Como dice Guillermo del Toro: “Para ser universal hay que ser particular”.

La película se hizo con la idea de celebrar a México y a esas diferencias que tiene con el resto del mundo.

Jorge Gutiérrez trabajó en esta cinta desde hace años y pasó por muchas cosas para hacerla como él la imaginaba desde un principio.

La primera vez que el director le mostró el guión al ejecutivo más alto del estudio a cargo de la producción animada, le pregunto si era comedia después de leer la parte que decía que México es el centro del universo. Al principio fue difícil convencer a la gente de hacer la cinta, pero valió la pena.

La cinta muestra a Manolo, un joven que sueña con ser músico y siente presión por no defraudar a su padre, quien quiere que sea un valiente y reconocido torero al igual a todos los hombres de su familia para mantener la buena reputación que ha tenido su apellido a lo largo de varias generaciones.

El torero es muy bueno sin querer y siempre esta ligado a la muerte en la película, ya que la Catrina ama a los toreros.

Mientras intenta tomar su camino, el protagonista intenta conquistar a María, la mujer que ama desde niño, lo

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complicado es tener que competir contra su mejor amigo, Joaquín, el héroe del pueblo.

Para que la historia de Manolo fuera más allá, el director involucró a Xibalba y la Catrina, un par de personajes que llegan desde el inframundo para hacer una apuesta en la que hay mucho en juego. Al estar involucrado en los planes de Xibalba y la Catrina, Manolo emprendera un viaje con obstáculos para poder estar junto a su amada María.

Además de una historia diferente, interesante y muy entretenida; El Libro de la Vida tiene diseños extraordinarios y personajes únicos.

Los personajes están hechos de tal manera que se ven como si fueran de madera raspada y tuvieran la pintura caída, parte del encanto de la película. La esposa del director diseñó a los personajes femeninos y él a los masculinos, ambos diseñaron a la Catrina.

Cuando se diseñó a los personajes y se mostraron a los diseñadores, dijeron que no se podían hacer por lo complejo de la textura pero al final se pudo y quedó muy bien. En cuanto a los personajes, del Toro dijo: “tenemos una línea de figuras de acción con estos personajes, hay gente que hace películas para vender juguetes y yo las hago para quedarme esos juguetes”.

El elenco de las voces cuenta con la participacion de Diego Luna, Zoe Saldana, Channing Tatum, Ice Cube, Kate del Castillo, Ron Perlman, Héctor Elizondo, Ana de la Reguera y Danny Trejo, entre otros.

M

aléfic

Angelina Jolie ha confirmado que Maléfica, la producción de Disney que protagoniza, contiene una escena que es una metáfora de una violación. La alegórica escena es la que relata qué ocurrió para que Maléfica pasara de ser una encantadora hada con alas a una vengativa y oscura hechicera.

Ese es el momento en el que un hombre del que ella estaba enamorada la droga y le arranca sus preciadas alas quitándole la capacidad de volar. Ella despierta sangrando, adolorida y desencantada con todo y con todos. Una secuencia que evoca a la violencia sexual, algo que fue intencional. “La raíz de Maléfica es el abuso y de cómo las víctimas de esos abusos tienen que decidir si abusar también a otros o superarse y seguir amando al prójimo”, afirmó la actriz a BBC Radio.

La metáfora de una violación

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En la cumbre de Londres asistió a una cumbre global destinada a erradicar la violencia sexual en conflictos. Una muestra más, según el secretario de Asuntos Exteriores de Reino Unido, William Hague, del poder de las celebridades que están ayudando a poner atención sobre el problema.

1.200 ministros de gobierno, funcionarios, activistas, tribunales y militares de más de 120 países se encuentran en la cumbre que intenta encontrar maneras prácticas de sancionar a los responsables por actos de violencia sexual en conflictos y de ayudar a las víctimas. Hague dijo que su cooperación con Jolie, había colocado el tema de la violencia sexual en conflictos en la agenda mundial y era un ejemplo de cómo la política exterior puede llevarse adelante en el futuro.

Se necesita algo más que un gobierno para poder llegar a la gente que no escucha fácilmente a los gobiernos, y Angelina aporta eso, además de tener gran conocimiento y pasión por estos temas”, agregó.

“Nosotros, como comunidad internacional, no hemos hecho lo suficiente para detener estos abusos y generamos un prejuicio para los supervivientes cuando ellos saben que estamos informados pero no hacemos nada para responsabilizar a los autores”, dijo Jolie.

“Hoy tenemos una oportunidad de empezar a cambiar eso”, agregó. La cumbre sigue una serie de casos de violencia contra mujeres, entre como el secuestro de 200 estudiantes nigerianas, la lapidación hasta la muerte de una mujer paquistaní embarazada y la violación y asesinato de dos jóvenes indias.

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Películas TOP 10

de los últimos 20 años

Tiempos violentos (Dir. Quentin Tarantino, 1994) Pulp Fiction triunfa en crítica y taquilla por su singular narrativa, brillantes actuaciones, e interesante mezcla de humor y violencia, y vaya que hay escenas violentas.

El momento inolvidable

Vincent Vega tiene la misión de cuidar de Mía –esposa del temible mafioso Marsellus Wallace–, ella le pide que la lleve a un restaurante temático de los 60s. Una vez ahí la pareja participa en un concurso de baile, el cual ganan por su brillante ejecución del twist.

Toy Story (Dir. John Lasseter, 1995) Marcó el inicio de una saga que es una de las mejores trilogías de todos los tiempos.

El momento inolvidable El valiente guardián espacial hace gala de su astucia empleando sus alas para desprenderse del explosivo y caer con estilo– hasta su dueño. ¡Al infinito y más allá!

Eterno resplandor de una mente sin recuerdos (Dir. Michel Gondry, 2004) Conquista al público con su trágica, pero increíblemente original historia de amor. La trama gira alrededor de una pareja que recurre a nuevas tecnologías para borrar cualquier recuerdo de la relación con el único objetivo de seguir adelante, dando como resultado un romance increíblemente innovador y plagado de debates que se mantienen hasta nuestros días. La película es recordada

Belleza americana (Dir. Sam Mendes, 1999) Explora la vida de Lester, quien sufre la crisis de mediana edad al conocer a la sensual amiga de su hija, llevandolo a un viaje de auto exploración que provoca cambios en su vida.

El momento inolvidable Luego de ser flechado por Angela Hayes, Lester pasa la noche fantaseando la afrodisíaca versión de la joven, su cuerpo desnudo cubierto solo por unos cuantos pétalos de rosas. Una de las escenas más memorables y sensuales de la década.

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por las brillantes actuaciones de Jim Carrey y Kate Winslet.

El momento inolvidable Joel contempla la destrucción del momento en que conoció a Clementine, el cual culminara el proceso de borrado y marcará el desenlace absoluto de la relación. Mientras ella se pregunta cómo interrumpir la supresión, nuestro protagonista prefiere sentarse para disfrutar los últimos instantes con la mujer que ama.

X-Men (Bryan Singer, 2000) Fue la primera adaptación contemporánea de un cómic mainstream lo que permitirá sentar las bases para futuros proyectos de este tipo.

El momento inolvidable Los malévolos mutantes aprovechan la distracción de los X-Men para derrotarlos con gran facilidad, haciendo gala de sus poderes y provocando una enorme destrucción que genera pánico entre los homosapiens.

Titanic (James Cameron, 1997) La historia de una pareja de condiciones sociales opuestas que terminan enamorándose a bordo del gigante barco, pero que seran separados por la tragedia del navío; con espectaculares efectos, brillante diseño de producción y emotiva música, y con magistrales actuaciones de DiCaprio y Winslet como Jack Dawson y Rose DeWitt Bukater.

El momento inolvidable Rose descubre su amor por Jack tras encontrarlo en la proa del barco, el joven le pide que guarde silencio y que cierre los ojos por un momento, para después pedirle que los abra y contemple el atardecer. Al final la pareja sella su amor con un emotivo beso.

Harry Potter (2001-2011) El joven mago pasa a la historia de la literatura y del cine con una brillante adaptación de la obra creada por J.K. Rowling. Su triunfo entre las audiencias es posible gracias a la fascinante historia y al trabajo histriónico de todo su elenco, desde Radcliffe, Watson y Grint hasta actores como Gary Oldman, Alan Rickman y Ralph Fiennes, entre muchos otros. Una aventura mágica recordada como una de las sagas cinematográficas más importantes de todos los tiempos.

El momento inolvidable Nos quedamos con la Batalla de Hogwarts explorada en Las Reliquias de la Muerte - Parte 2, la cual estuvo plagada de heroísmo, pero también de momento dolorosos ante la muerte de varios de nuestros personajes favoritos.

Fight Club (David Fincher, 1999)

La adaptación del libro de Chuck Palahniuk y sus críticas a la sociedad explora los pesares de un hombre cuyo insomnio termina convirtiéndolo en el líder de un grupo que dara una lección de humildad a la civilización occidental con un estilo visual fascinante, uno de los giros más dramáticos de los últimos años y las geniales interpretaciones de Brad Pitt y Edward Norton.

El momento inolvidable En una de las secuencias más destacadas de la filmografía de Fincher, Tyler Durden –uno de los mejores trabajos de Brad Pitt– explica las inquebrantables leyes del Club de la Pelea.

Y tu mama también (Dir. Alfonso Cuarón, 2001) Cuarón se consolida dentro de la competida industria cinematográfica con este film.

Explora el viaje de 2 amigos, inolvidables Diego Luna y Gael García Bernal, quienes intentan seducir a una mujer mayor; la historia de amistad, risas, lágrimas y descubrimientos.

El momento inolvidable Luego de un turbulento viaje, los 3 personajes llegan a su destino en Boca del Cielo, en donde la mezcla de deseo, alcohol y el doloroso tema Si no te hubieras ido darán como resultado un inesperado ménage à trois que ha pasado a la historia por su intensidad.

Moulin Rouge! (Dir. Baz Luhrmann, 2001) Luhrmann recurre a éxitos de pop para narrar uno de los romances de cine más importantes de los últimos años. La cinta brilló en su aspecto técnico, destacando el impresionante diseño de producción que mezclo escenarios reales, computacionales y maquetas para la espectacular reinvención del París de principios de siglo. Mención aparte para las brillantes actuaciones de Ewan McGregor y Nicole Kidman.

El momento inolvidable Cuando todo parecía indicar que Christian y Satine serían separados por obra del perverso Duque, la cortesana recuerda su promesa de amor con una emotiva interpretación de “Come What May”, canción secreta de los protagonistas.

Aunque la dupla logra sellar su amor en un emotivo número que provoca el revuelo de los asistentes, la magia termina cuando Satine muere en brazos de Christian por su enfermedad, pidiendole que inmortalice su historia para siempre.

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No Le Temas A La Oscur idad ¡La historia de Sally definitivamente te mantendra despierto con la luz encendida en la noche!

Recuerdo haber visto la pelìcula original filmada para la televisión en 1973, dirigida por John Newland, en aquella serie de “Misterio en su casa”, cuyo título original era “Don’t be afraid of the dark” con Kim Darby, la cual pasaban por ahí de los ochentas en el canal 13 que entonces era gubernamental. Recuerdo que era francamente aterradora para los niños. Sin efectos digitales, la pequeñas criaturas que salían de la chimenea, – y que tenían como cabeza de calabaza- eran el perfecto ejemplo de criaturas extrañas y aterradoras que pueden acecharnos desde los sitios que pensamos mas familiares y comunes.

Sobre todo, la original mantenía todo el tiempo un aire oscuro, sombrío y aterrador. El punto es que la película original (una película simple, hecha solamente para televisión) lograba lo que Nixon no logra mantener en esta cinta a pesar de contar con la asesoría de Del Toro y del gran Mike Elizalde en el diseño de los pequeños monstruos: nunca llega a ser lo suficientemente asfixiante para ser aterrador.

En el siglo XXI Guillermo del Toro coescribe el guión y produce esta cinta, que además está muy lejos de las cosas a las que el tapatío nos tiene acostumbrado, así que es probable que muchos de sus fans salgan algo decepcionados de la sala.

La frase aquella de “soy la razón por la que no querías apagar la luz en las noches” es un buen preámbulo para esta cinta.

Y no es que sea una mala cinta, pero se queda a la mitad de muchas cosas. Personajes construidos en lo superficial y confianza en que las pequeñas criaturas producirán terror en el espectador a pesar de diálogos poco consistentes acaban por hacer la película como de muy mediana hechura. De hecho, el asunto es intrigante y estremecedor, mientras solo oímos las voces y medio se ven las criaturas en la penumbra. Una vez descubiertas, el misterio se acaba porque no son “digitalmente” tan aterradoras como pensábamos.

El caso es que Del Toro debía considerar si el “remake” es lo suyo. Y francamente parece que es mejor desarrollando sus propias ideas originales.

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La historia de “No temas la oscuridad” gira en torno a una casa, en donde su último dueño – un pintor muy famoso- sufre la misteriosa desaparición de su hijo, lo que lo enloquece profundamente antes de de desaparecer también. La enorme mansión es ahora objeto de un ambicioso proyecto de restauración llevado a cabo por un arquitecto divorciado (Pearce) y su nueva pareja. (Holmes). Con ellos llega a vivir a la vieja casa la hija del primero (Madison), una niña solitaria que no asimila el divorcio de sus padres y el nuevo romance del padre.

Sin embargo la niña – Sally- pronto se dará cuenta que los problemas en su vida está a punto de comenzar. Unas extrañas criaturas que solo aparecen en la oscuridad y que salen de una chimenea en el sótano, hasta logran que su nueva madrastra se vuelva un tierna y dulce mujer, que también empieza a estar muy asustada. La naturaleza de los monstruos es interesante, ya que son una interpretación torcida del hada de los dientes o del ratón Pérez. Del Toro ya nos había mostrado algo de eso en Hellboy II. El ejército dorado.

El Orfanato Laura y Carlos, un matrimonio con un hijo pequeño, Simón, se dispone inaugurar una residencia para niños discapacitados, situada a las afueras de una localidad costera. El antiguo caserón fue años atrás un orfanato, en donde creció Laura, antes de ser adoptada. Recién instalados con la ilusión de ayudar a los futuros huéspedes, y en vísperas de ponerla en marcha, se acentúa la costumbre del pequeño de jugar con sus “amigos invisibles”. Lo que sus padres consideran una afición inofensiva crece cuando el chaval asegura tener como compañeros de sus juegos a antiguos habitantes del lugar. El extremo de su conducta se alcanza en la inauguración: entre los niños que van a ser internados y sus familiares, se ve un pequeño con uniforme de otra época y la cabeza cubierta con un capuchón; quien crea una discusión entre Laura y su hijo, que termina con la desaparición de el. Los esfuerzos de la policía para encontrarlo se revelan inútiles, y la madre, cree que la explicación no es puramente racional, confía en la ayuda de un equipo de espiritistas.

Notable muestra del género de terror, supone el debut del director Juan Antonio Bayona. El cineasta, apoyado por Guillermo del Toro, consigue producir auténtico miedo; con sutileza y sin recursos fáciles: incluso los golpes de efecto –el atropello, los hallazgos macabros, el recurso a los juegos infantiles...– tienen un punto de contención. En El orfanato están presentes muchas de las convenciones del género, pero Bayona les da un toque personal, aplicala “asignatura” del género; la creación de atmósferas, de tensión y angustia crecientes; además, sabe concluir de modo sugerente; todo apoyado de un concepto fuerte capaz de sostener la trama, el del amor de una madre por

su hijo. Belén Rueda lleva la mayor parte del peso interpretativo del film, y resiste bien, primero en su faceta de madre de familia ilusionada con la residencia, luego como mujer destrozada por la desaparición del hijo y la sensación de que se distancia de su marido.

Bayona rodó El orfanato en Llanes, Asturias, un lugar con localizaciones naturales; grutas, acantilados y bosques, ideales para el film.

Ahí encontró el caserón, el palacio de Partarríu, una casona construida por indianos. “Una finca colonial del siglo XIX, de aspecto misterioso. Lo mejor es que cada una de sus fachadas es diferente, que produce el efecto de que la casa cambia continuamente”, afirma Bayona.

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EL CINE DE JAMES WAN Monstruos de ayer, temores de hoy Tanto el cineasta de origen malayo como su colaborador habitual, Leigh Wannell, han demostrado un pleno conocimiento de la herencia formal, temática y estética recibida de sus predecesores en el medio.

Wan se ha ganado por mérito propio un lugar fundamental reformulando el género desde sus elementos medulares. Hablamos de una trayectoria que establece un fructífero y muy inteligente diálogo entre lo viejo y lo nuevo, donde la recurrencia a la cita no obtiene un interés nostálgico ni se reduce al homenaje llano, sino que contribuye a modelar objetos cinematográficos que, en fondo y forma, desean ser plenamente actuales. Pero, aunque los ojos de Wan están decididamente puestos en el hoy, su afán innovador no le ha impedido saberse heredero de una serie de tradiciones culturales que a veces lo persiguen a modo de estigmas o heridas sin cicatrizar: en Saw y sus continuaciones, los personajes han de redimir a través del sufrimiento de la carne sus tropiezos morales; Jaime Ashen, en Silencio desde el mal, intenta escapar en vano de la maldición que sufre su linaje desde tiempos ancestrales; en Sentencia de muerte.

En este nuevo cine de terror ya no hay un enemigo externo al que erradicar; más bien, los demonios parecen emerger de las frustraciones cotidianas, de cobardías de andar por casa y de la trágica imposibilidad de armonizar con nuestro presente un pasado —tanto a nivel individual como social— que a menudo nos deja atrapados en sus neblinosos dominios —como aquel abstracto paraje que recorría Patrick Wilson en los últimos minutos de Insidious.

Una tragedia que parece haber alcanzado a James Wan de lleno con Expediente Warren: The Conjuring, película que nos alerta de algunos problemas a los que puede llegar a enfrentarse el realizador a la hora de concebir sus futuros trabajos. La ficción se mantiene en pie gracias a una arrolladora puesta en escena, dos o tres set-pieces antológicas y una perversa lectura sobre las relaciones familiares, donde las mujeres/madres —Lorraine Warren y la señora Perron— cobran un especial protagonismo debido a una sensibilidad y empatía extremas que las hace tan vulnerables al Mal como susceptibles de comprender su naturaleza y vencerlo. Sin embargo, The Conjuring también es la película más convencional y narrativamente menos valiente de Wan. Para suplir la falta de espesor dramático y el simplísimo desarrollo de los acontecimientos —que se limita a fabricar nuevas

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ramificaciones de la trama principal y acumular situaciones tétricas— se recurre a la (auto)complaciente aglomeración de citas y autorreferencias, impidiend que el producto levante el vuelo, excepto en contadas secuencias. Una opción que se nos antoja excesivamente conformista, sobre todo teniendo en cuenta la sofisticada arquitectura de su película anterior, Insidious, y el despliegue de libérrima imaginación que ofrecía. Por ello, quien suscribe este texto teme que Wan se sienta demasiado cómodo en el papel que juega ante parte de la crítica y de los aficionados al género y caiga en la trampa que él mismo ha tendido, como otros tantos cineastas afincados en la posmodernidad, incapaces de asimilar críticamente el pasado cultural del que beben y demasiado perezosos para establecer un puente robusto entre los monstruos de ayer y los temores de hoy.

El Ciempiés Humano La primera parte de un bizarro experimento.

Uno de los films del género de terror más actuales, que se han convertido en película de culto, con críticas que van desde excelente y brillante hasta mala y asquerosa, llega El ciempiés humano o The Human Centipede (First Sequence) del director Tom Six que nos regala una de las ideas más locas y bizarras que puede haber, crear a trillizos siameses conectados por el sistema digestivo.

Tom Six nos entrega esta nueva idea de terror en El ciempiés humano, estrenada en 2009, El ciempiés humano llego para convertirse rápidamente en una película de culto debido a la historia y el suspenso que te atrapa desde un principio, así como del morbo que genera el hecho de saber que veras a 3 personas conectadas por la boca al ano, formando un ciempiés el cual se conecta por el sistema digestivo; suena bastante asqueroso pero en esta primera entrega esta imagen visual aun tiene sus límites.

El ciempiés humano nos cuenta la historia de dos chicas americanas que viajan por Europa y en ese momento se encuentran en Alemania, cuando se dirigen en carro a un punto de visita es cuando comienza la desgracia para ellas ya que su automóvil se avería, deciden buscar ayuda y llegan a una casa abandonada, con esta premisa tal vez suena a la típica película de horror pero todo cambia cuando llegan a la casa del Doctor Josef Heiter (Dieter Laser) un cirujano retirado que odia a los seres humanos, el se especializaba en la separación de siameses, pero como él lo explica más adelante el no de-

Se te pondra la piel de gallina cuando veas de lo que este científico loco es capaz.

sea separar sino crear nuevas especies al unirlas como su perro de 3 cabezas, este las droga y secuestra, llevándolas a su sótano donde hace todos sus raros experimentos.

Esta película holandesa grabada con un bajo presupuesto posiciono rápidamente a Six a nivel mundial y su maravilloso film, en el que la idea de observar a un Doctor alemán totalmente desquiciado y su afán de creerse Dios envuelve a la película en una atmósfera de suspenso y de alerta en todo momento, teniendo al espectador cuidadoso de lo que pasara en cada escena.

Con una historia exquisita, una excelente narrativa, una ambientación creada para dar el dramatismo necesario al film, sumado a la concepción de una idea bizarra y contando con el apoyo de actuaciones excelentes; en especial la de Dieter Laser que interpreta de forma magistral a este doctor enfermizo, lo que le da como resultado una excelente y brillante película que no puedes dejar de ver.

El ciempiés humano es una de esas películas que odias o amas, pero que tienes que ver, esto es solo una pequeña mirada de lo que es este film (para ver el tráiler dar clic aquí) expande tu mente a nuevas ideas y adéntrate al mundo maquiavélico del Dr. Heiter y su ciempies humano.

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El exorcista Curiosidades, accidentes y sus extrañas muertes ‘El exorcista’ es una de las películas de terror más conocidas a nivel mundial, pero no solo por ser una cinta multipremiada, sino por el misterio que forma parte de su filmación.

La cinta nominada a 10 premios Oscar- Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actriz, Mejor Actor de Reparto, Mejor Actriz de Reparto, Mejor Guión Adaptado, Mejor Fotografía, Mejor Dirección Artística, Mejor Montaje y Mejor Sonido- en 1973 y ganadora de dos por Mejor Guión Adaptado y Mejor Sonido, es una de las más controversiales pues su rodaje fue testigo de las muertes y trágicos accidentes de varios miembros de la producción.

-Ellen Burstyn, actriz que interpretaba a la madre de Regan MacNeil- una niña de tan solo 12 años que es poseída por un demoniotuvo un accidente en pleno rodaje del filme.

-En la escena donde su hija poseída la lanza lejos contra el suelo, el arnés que la sostenía se soltó logrando que Ellen sufrierá una caída bastante aparatosa y lastimando su coxis .

El grito que pega la actriz fue incluido en la cinta.

-En la escena en la que Chris MacNeil (la mamá) sale de la habitación de Regan, para preguntar quién había colocado el crucifijo bajo la almohada, se puede observar en el lado izquierdo de la puerta la figura del demonio Pazuzu.

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- La producción de esta película duró cerca de un año (224 días cuando tenían previsto acabarla en 85 días), ¿por qué?.. porque murieron nueve personas relacionadas con la producción:

-De los fallecidos, tres de ellos perecieron en un incendio inexplicable en varios decorados de Warner, y esto aplazó la producción de la cinta por seis semanas.

-Otra de las personas que murió fue un guardia de seguridad. Su deceso tuvo lugar en el set que era el dormitorio de Regan (el dormitorio frigorífico como era conocido).

-Los otros dos que eran actores de la película- Jack MacGowran y Vasilik Maliaros-, quienes murieron en extrañas circunstancias antes de que se estrenara la película.

- Con el estreno de ‘El exorcista’ Linda Blair, actriz que dio vida a la niña poseída, recibió fuertes amenazas al estrenar la película, al extremo de que tuvieron que ponerle dos guardaespaldas.

-Un año después de estrenarse en el cine, ‘El exorcista’ se estrenó en el teatro donde también ocurrieron varias desgracias: la actriz que hacía de niña poseída en la obra de teatro (Mary Ure) fue hallada muerta en un charco de vómitos: la autopsia determinó que fue una mala combinación de tranquilizantes y whisky.

- Para la escena en donde Regan gira su cabeza, se hizo una muñeca de latex a tamaño natural que era controlada a control remoto.

Si te gustó el exorcista....

Aquí te recomendamos tres películas que seguramente te mantendran despierto por la noche:

- El set de la habitación de Regan fue refrigerado con cuatro acondicionadores de aire que permitían reducir la temperatura hasta cerca de 40 grados bajo cero. El frío era tal que cada cierto tiempo debían limpiar el set pues por la humedad se formaba nieve en el techo. Este sistema se construyó para captar el vaho auténtico de la respiración.

- Para interpretar el personaje de Chris MacNeil , se llegó a pensar en diferentes actrices, las que destacan, las ganadoras del Oscar: Jane Fonda(rechazó formar parte del proyecto),Geraldine Page (rechazó el papel), Audre yHepbur n (hubiera aceptado si se hubiera filmado en Roma) y Anne Bancroft (fue una opción, pero se encontraba en su primer mes de embarazo).

---> Dato curioso: ¿Sabías que William Friedkin, director de la cinta, después de la muerte de estos actores trasladó la postproducción de película al número 666 de la Quinta Avenida?

Halloween (1978) Durante la noche de Halloween, Michael, un niño de seis años, asesina a su familia con un cuchillo de cocina. Es internado en un psiquiátrico del que huye quince años más tarde, precisamente la víspera de Halloween. El psicópata vuelve a su pueblo y comete una serie de asesinatos. Mientras, uno de los médicos del psiquiátrico le sigue la pista.

El Conjuro (2013 Antes de el terror de Amityville, ya existía Harrisville.

Basada en una historia real, “El Conjuro” cuenta la historia horrorosa de cómo los investigadores de renombre mundial de fenómenos paranormales, Ed y Lorraine Warren, fueron llamados para ayudar a una familia aterrorizada por una presencia oscura en una granja aislada. Obligados a enfrentarse a una poderosa entidad demoníaca, los Warren se encuentran atrapados en el caso más terrible de sus vidas.

Annabelle (2014) John a encontrado el regalo que tanto andaba buscando Mia, su esposa embarazada: Annabelle, una muñeca con un vestido de novia. Pero una noche, la casa de John y Mia es asaltada por los miembros de una secta satánica que terminan por atacar de forma violenta a la pareja. Los asaltantes dejan trás de sí sangre derramada, un terrible trauma... y un conjuro que dota de una identidad malvada a Annabelle.

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Actividad Paranormal GUION Y DESARROLLO: La trama puede ser simple, pero lo que impacta es la cuota de realismo con que se maneja toda la cinta. Y así suene cliché, “Paranormal Activity” es una montaña rusa que lo deja a uno sin aliento. No quiero comentar mucho sobre su desarrollo porque cualquier cosa puede arruinar la experiencia que es ver “actividad paranormal”, lo único que diré es que no creo que puedan dormir bien la noche después de videar este perturbador, horripilante, realista y macabro filme.

DIRECCIÓN Y ASPECTOS TÉCNICOS: Lo que mas se puede aplaudir de este proyecto es como hicieron tanto, con tan poco. y todos saben que el presupuesto de este trabajo fue muy mínimo (15.000 dolares) lo cual no es nada en la industria del celuloide, y es de admirar que lograran realizar un producto de tan buena calidad, demostrando así que no se necesita dinero para hacer buen cine que impacte (si, eso va para ustedes Michael Asshole Bay y Roland Emmerich), aparte de que en nuestro genero ya son contadas las películas que dan verdaderamente miedo, que son verdaderamente de horror y cumplen su cometido como tal, y eso lo consigue satisfactoriamente esta la primera película de Oren Peli (y a diferencia de muchos, si me entusiasma su nuevo proyecto “área 51” que manejara el mismo estilo de la película aquí reseñada). en resumidas cuentas, Oren Peli logro dotar a la cinta de lo que mas necesitaba y a pesar de no ser un producto original, revoluciona el cinema veritas a su modo.

ACTUACIONES: Son bastante buenas, sobre todo Katie (se llama Katie en la vida real tambien), su novio Micah no lo hace mal tampoco, pero se ve

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opacado por Katie quien en su puesta en escena da un toque de realismo tal a su personaje que ayuda en demasía en el efecto que quiere lograr la película en el espectador. El parapsicologo que los visito no lo hizo nada mal tampoco a pesar de ser tan breve su aparición en pantalla.

CONCLUSIONES: Ruego que perdonen mi brevedad en esta reseña, pero en serio no quiero arruinarles absolutamente nada.

“Paranormal activity” es una película que los dejara sin aliento pero que también se la gozaran. puede que su simpleza haga que otros la dejen a un lado y no la consideren tan imprescindible como se considera, pero la verdad es que es el único film en mucho tiempo (o al menos este año), que cumple a cavalidad con la principal premisa del cine de horror, el asustarnos de verdad. y puede que yo sea muy escéptico respecto a los temas tratados en esta cinta, y esperaba encontrarme con espíritus y ya, pero me encontre con algo mas... y si hay algo que de verdad me asusta en una película son los demonios, pero me aterran. incluso en los trabajos mas hilarantes al respecto me aterrorizan y debo decir que esto no es como ya dije, el típico filme de espíritus que me esperaba, aquí hay es fuerzas demoníacas, y resultan bastante perturbadoras.

LO BUENO: Lo perturbadora y aterradora que llega a ser, su realismo, sus actuaciones y el hecho de que es la primera película que me asusto en muchísimo tiempo que llevaba sin asustarme de verdad.

LO MALO: Hay una escena en donde investigando sobre lo que sucede en su casa, se encuentran con una filmación de un exorcismo que resulta mas bien risible dañando por un momento el ritmo de la película.