Arte y Supervisión: El niño que dibujaba con la lengua.
El niño y su lengua El arte como fuente de conocimiento En la recreación En la creación
El niño y su lengua Cuando mi hija garabatea con una pintura el papel, la mesa, el suelo o la pared, saca la lengua. No es una burla. Es el signo externo de estar haciendo algo que le gusta. Algo que la aísla del mundo por un momento.
Yo nunca he creído mucho en las explicaciones genéticas para explicar este tipo de comportamientos. ¿Cómo es que mi hija me devuelve esa imagen tan mía?. ¿Veinte meses de convivencia sirven para transmitir esta marca desde la relación y el modelaje?. Muchas otras personas, sin ser de mi familia, también lo hacen. (En estos momentos llevo apenas unos segundos sintiendo a la mía, mi lengua, bailando entre mis labios). No necesito explicaciones. La imagen es tan poderosa que me hace vibrar por dentro. Me llena como nada me llena.
Mi lengua asoma entre mis labios explicando que estoy trabajando en algo que me absorbe, me aleja del cotidiano y me hace disfrutar. A veces me transporta. Escapo de mi cuerpo para quedarme muy cerca de él. Como cubriendo mi necesidad de estar solo por un momento y crear. A veces estos espacios tienen un producto tangible, otras curan y/o
provocan
procesos compartir.
más
por difíciles
dentro, para
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El dibujo ha sido durante mucho tiempo fuente privilegiada de ese placer.
Desde muy pequeño me recuerdo dibujando. Soy capaz de asociar momentos de mi vida con algunos dibujos. Además este empeño no era furtivo. Recuerdo la complicidad de mi padre, una persona orgullosa de su hijo y sus capacidades.
Las horas de dibujo, pintura y escultura en un pequeño estudio muy cerca de mi casa junto a chavales y chavalas de diferente edad, concursos de dibujo y carteles de fiestas, el taller de pintura de la empresa familiar paterna, mi tío dibujando, mi otro tío y el estudio de fotografía, el óleo y el colegio, las horas delante de esculturas clásicas primero en el museo de reproducciones y más tarde en la carrera de arquitectura, los apuntes de personas y edificios, el ordenador, las paginas web, el diseño grafico, …
No me había acercado nunca de esta manera a mi particular historia con la plástica. Siempre llegas a lugares nuevos. Se abren delante de mi más preguntas que respuestas: ¿Cómo siendo un lenguaje tan cercano para mi no lo he utilizado más?, ¿Cómo necesitando curarme he buscado en otras fuentes?, ¿Es el visual mi canal preferente?, Necesito tocar a las personas e incluso a las obras de arte, me gusta concentrarme cerrando los ojos y mirando hacia abajo, las imágenes y metáforas me ayudan mucho para entender-me, …
Sigo teniendo más duda que certeza. Llegados a este punto esto no me provoca especial ansiedad. Podía haber elegido trabajar sobre estas preguntas en este ejercicio. Creo que voy a centrarme más en algunas certezas. Seguro que las cuestiones aparecerán de manera furtiva.
El lenguaje plástico es parte significativa de mi persona.
Recuerdo la primera vez que entré en la casa de Larraya y me encontré con una de las gravitaciones de Chillida dándome la bienvenida. Fue como sentirme más acogido y reforzado de la decisión que había tomado, comenzar esta formación.
Me leo y pienso que tampoco es casualidad que el arte y la supervisión sean el objeto del trabajo con el que finalizo esta etapa de mi viaje.
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El arte como fuente de conocimiento Recuerdo, como sucesión de imágenes (algunas vividas y otras soñadas, seguro), mi primera visita al museo de Bellas Artes de Bilbao. Bajando unas escaleras y junto a la antigua cafetería una pequeña sala con los grabados de Goya, creo que los “desastres”, más descarnados (hoy diríamos “gores”).
Me vienen a la memoria estos dibujos disfrutando de la obra de Edmond Badouin
(dibujante
de
comics frances). En su trabajo el protagonista va topándose entre sus calles con escenas sacadas fielmente del trabajo del pintor aragonés.
Leyendo un articulo titulado “ver pasar el tiempo” de Francisco arias, este pone en boca de Goya la frase: “el tiempo también pinta”. A mi se me ocurre decir que la pintura también influye en el tiempo. Es como si a veces tuviera dudas de sí fueron antes los fusilamientos o el cuadro.
Hay una fotografía que recoge a Eduardo chillida y a dos de sus hijos, en el peine de los vientos e imitando cada uno de ellos a una de las obras que forman el conjunto. Antes las obras tomaron forma de autor.
Las influencias mutuas entre el mundo de la estética, las corrientes pictóricas, los fenómenos culturales, la música y su tiempo creo que están de sobra justificados y argumentados por otros y otras antes que yo. El sociólogo alemán Max Weber dice algo así como que el hombre es un animal inserto en tramas de significación que él mismo ha tejido.
Entenderme a mi mismo es parte fundamental de mi vida. Estoy modelado a golpes de buril. Como si las personas, fundamentalmente que he querido y quiero, me quitarán y me añadieran trozos de madera para ir tomando forma. Necesito contármelo en alto para comprender y poder tomar iniciativa en lo que soy y quiero ser. En este empeño las fuentes han sido muy diferentes y complementarias: La política, la espiritualidad, la psicología,… Tengo experiencia, y me ratifico escribiendo estas
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líneas, de cómo para mí una de esas fuentes, y además significativa, ha sido y es el mundo de la plástica.
A veces las palabras no me alcanzan para poder dar forma a una emoción, que de tan profunda no acaba de salir a la superficie. Hay veces que esa forma ha sido imagen.
Entender-me. Y todo lo que no se puede tocar ni mirar también me pertenece y a veces sin conocerlo. La palabra me ayuda a sacar a la superficie lo que es mío y no podía manejar.
Antes de la palabra está la imagen.
Mi hija conoce y reconoce a “igela”, “astoa”, “leoia”, aize-errota”, … Además sabe nombrar a “ama”, “aita”, “amama”, “aitxitxe”, … Ninguna de estas palabras las lee y menos la escribe. Su leyenda, de su mapa para moverse por el territorio, multitud que
son de
ilustran
la
dibujos sus
cuentos. Es más una fotógrafa que una escriba.
Se desconoce la misión exacta de las pinturas rupestres. Se le asignan funciones en los rituales mágicos. Como si dibujar los animales fuera hacerse con aquellas piezas antes de la cacería.
El proceso creativo y la relación con las obras producto de este. Creación y recreación. Las dos maneras de acercarse a este mundo de oportunidades para volver a explicarnos.
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En la recreación Me ocurre, con bastante facilidad, que, sin buscarlo, encuentro pequeños detalles en mi alrededor que me hipnotizan por parecerme especialmente bellos. Es como si de pronto no hubiera nadie más que yo y esa imagen. Es como si de pronto se abriera otro canal para la percepción. Como si estuviera entendiendo un idioma que no hablo.
Son cosas muy sencillas: Una silueta, un graffitti de rotulador amarillo en una puerta verde, el agua de una fuente golpeando en azulejos de colores, … Recuerdo una de esta misma semana: La sombra de las hojas de un arbol –creo que roble americanoen la pared –color rosa palido- de una habitación –donde acababa de dar a luz una amiga.
En Larraya son varias las imágenes. Recuerdo con especial cariño los colores del campo y cielo enmarcados por las pequeñas ventanas: Verde, amarillo, azul.
Algunas de estas imágenes que me hacen disfrutar tanto han sido creadas por personas.
Cuando una persona me dice que no entiende tal o cual obra de arte mi reacción es muy sencilla: Te gusta o no te gusta.
En este caso la necesidad de “entender”, o tener cultura, para disfrutar de una obra de arte se me hace como tener que hacer un curso de cata para degustar un buen caldo. Explicar una obra que me mueve por dentro es como tener que definir mi placer al comer un buen cordero regado con un buen crianza.
Es muy probable que si lo hago bien y aprendo a distinguir aroma, color, textura, olor, … el siguiente vino será algo más. También pienso que corro el riesgo de perderme en el camino, cuando lo importante, para mí, es disfrutar.
Me gusta disfrutar del arte, en cualquiera de sus expresiones, como lo hago de los juegos de sombras y los colores de las habitaciones, libre de más ideas. Y además es cierto que a veces la curiosidad me puede e intento navegar para conocer más. Sobre todo me interesan las personas que están detrás, las creadoras. Estas obras son sus
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respuestas a sus preguntas. ¿Qué se preguntaron para llegar a esta respuesta?. Curiosamente las preguntas no difieren mucho de las que nos podemos hacer desde otros lugares. También desde la supervisión.
En los últimos años han sido muchos los autores/as que he querido conocer un poco más. Entre estos y necesitado de dimensiones manejables elijo para este trabajo a tres: Hundertwasser, Jorge Oteiza y eduardo Chillida.
HUNDERTWASSER
JORGE OTEIZA
EDUARDO CHILLIDA
Alguien, más preocupado que yo por los procesos más misteriosos de la maduración de la uva, podría explicar en unas líneas las semejanzas y distancias entre unos y otros. Incluso hablar de escuelas y corrientes. Yo sabría deciros que son tres personas con enorme fuerza (al menos para mí), apuestan por una manera de representar la “realidad” orgánica escapando de lo rígido y exacto, se preocupan por la persona en su contexto y esto se concreta en la reflexión escrita e intervenciones arquitectónicas y/o urbanísticas, los tres son contemporáneos y han muerto en los últimos cinco años.
Llegados a este punto, el juego que me he propuesto ha sido el siguiente: Tras leer varios textos que recogen opiniones y reflexiones de estas tres personas en primera persona, me he permitido el lujo de sacarlos de su contexto y transcribirlos en las siguientes paginas. No me acercaba con ningún propósito. Solo rescatar los que me movían de alguna manera. Más tarde pensé que pudiera ser interesante darles cierto orden. Llegué a tres niveles para su clasificación: El modelo de persona y sociedad, El proceso de aprender-crecer y Sobre el arte y la “curación”.
Los dos primeros me ayudan a unir y profundizar, desde las palabras de los tres autores claves, un resumen de mi trabajo en la formación en supervisión durante estos
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últimos meses. El último me sirve como puente para reflexionar sobre la creación y su potencial para el trabajo de crecimiento personal.
El modelo de persona y sociedad -
“En el fondo de todo se encuentra el ser, la persona, sus deseos y temores; sobre esta, pero siempre girando entorno a ella misma, se van depositando capas de significaciones que lo relacionan con todo el universo. Estas pieles,
muchas
veces
olvidadas,
nos
conforman como individuos, partes de una sociedad y miembros de un entorno natural. 1. La epidermis es la zona membranosa más cercana al yo interior, la que encarna la desnudez del hombre y del pintor. 2. La ropa. Hundertwasser fabricaba su propia ropa. Su ropa denuncia los tres males de la segunda piel: - La uniformidad, la simetría en la confección y la tiranía de la moda 3. La vivienda. A lo largo de su vida Hundertwasser diseñó, construyó y reparó edificios en diferentes países con su idea y discurso en mente. Un buen edificio debe lograr unir dos cosas: La armonía con la naturaleza y la armonía con la creación humana individual. 4. El entorno social y la identidad. Para Hundertwasser la identidad no estaba conformada sólo por quien somos sino de quienes nos rodeamos, siendo la familia y los amigos el círculo menor ampliándose hacia la vecindad, la región y el país. 5. La quinta piel se extiende hasta el infinito.”
-
“Vivimos sin comunicarnos entre nosotros y tenemos que aprovechar una ventana que se abre con el viento, para sacar la cabeza a la calle y saludarnos, (...). Parece siempre que somos representantes de otros y que nunca somos responsables de nuestra acción. Hemos perdido una virtud cívica fundamental que debemos de hacer lo posible por recuperar: la libertad de opinar por nosotros mismos y de dejar expresar su opinión a los demás y de escucharles.” (Jorge Oteiza)
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-
“(...) Sólo nosotros hacemos paraísos con nuestra propia creatividad, en armonía con la creatividad libre de la naturaleza.” (Hundertwasser)
-
“Se trata de reconquistar la dignidad humana en
la
arquitectura,
o,
simplemente,
reconquistar la dignidad humana. ¿A qué se debe el uso indiscriminado de la regla, si todo el mundo sabe que la línea recta es una quimera cómoda, pero peligrosa, que lleva a la ruina? Es increíble que los edificios sigan siendo
inhumanos
y
antinaturales.”
(Hundertwasser)
-
“Ya tenemos lo liso. Todo resuma lisura. Hasta Dios. Porque la línea recta es atea. La línea recta es la única línea no creativa. La única línea que no se presenta ante el hombre como la imagen de Dios. La línea recta es el verdadero instrumento del demonio. Quien la utiliza,
contribuye
a
la
ruina
de
la
humanidad.”
(Hundertwasser)
-
“El ángulo recto es algo intolerante, no admite dialogo nada más que con sus iguales. Creo que la virtud esta cerca del ángulo recto, pero no en él” (Eduardo Chillida)
Creo que gran parte de la fuerza de la propuesta de supervisión parte de la propuesta de concepción de la persona.
Una persona con una biografía, con un genero, una historia familiar, un lugar en el ranking de hermanos/as, una cultura, … Las personas como seres bio-psico-sociales, considerando sus múltiples dimensiones; fisica, afectiva, intelectual, social y espiritual. Y además entendiendo que la experiencia es fruto de la interacción del individuo con su ambiente.
Cada uno y cada una hemos desarrollado una manera de estar en el mundo y de relacionarnos. Es producto de nuestra adaptación a nuestros contextos. Hemos ido construyendo un mapa del territorio y nos movemos siguiendo este. Es la mejor
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manera que hemos encontrado de vivir y relacionarnos. Las personas son como son y como son están bien.
La necesidad de cambio surge de la persona cuando encuentra un limite y le hace sufrir. Nada es inadecuado hasta que no se llega a este punto y la suma beneficios + dificultades da negativo.
La persona que viene con un problema trae también las capacidades para salir de este. Las crisis son nuestro derecho y manera importante de trascender y seguir creciendo.
La apertura de nuestro mapa es el camino para flexibilizar nuestras respuestas ante informaciones nuevas que de otra manera cuestionarían nuestro escaso repertorio. Complejizar nuestra representación-esquema-muleta.
Esta manera de entender a la persona nos lleva a una manera de estar y relacionarnos.
El proceso de aprender-crecer -
“Tengo problemas con la enseñanza, creo que vale más el deseo de saber de un ignorante para la ciencia, que el que el que sabe puede transmitir al que no sabe.” (Eduardo Chillida)
-
“(...)"esto no puede ser arte, es demasiado fácil". Yo notaba que mi mano iba demasiado rápida y dejaba detrás a la cabeza y a la sensibilidad, a la emotividad y a todas las cosas que tienen que acompañar al arte. Lo único que había era una mano hábil, pero yo tenía que frenar lo peligroso de esto. Entonces, se me ocurrió dibujar con la mano izquierda, y así mi mano tendría que ir más despacio que mi cabeza y mi emotividad.” (Eduardo Chillida)
-
“Tengo las manos de ayer, me faltan las de mañana” (Eduardo Chillida)
-
“La experiencia se orienta hacia el conocimiento. La percepción hacia el conocer. En arte todo se puede aprender y nada o casi nada enseñar. Trabajo para conocer, valoro más conocer que el conocimiento. Creo que
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debo aventurarme en hacer lo que no sé. Buscar, visualizar donde no veo, anhelar reconocer lo que no puedo discernir” (Eduardo Chillida)
-
"El arte, está ligado a lo que no está hecho, a lo que todavía no se crea. Es algo que está fuera de ti, que está más adelante y tienes que buscarlo. Soy un hombre que trata de hacer lo que no sabe hacer".(Eduardo Chillida)
-
“Soy una persona que todo mi trabajo esta fundado en una cantidad tremenda de interrogaciones, son las muchas preguntas que tengo yo dentro. Es decir, todo lo que me hace saber lo que yo tengo que saber y no sé, eso es lo que mueve todo mi trabajo.” (Eduardo Chillida)
-
"Cuando conocí la tierra con la que yo quería trabajar, le puse la mano encima y enseguida me di cuenta por el oído, que me decía que era posible hacer mi obra con ella". (Eduardo Chillida)
-
“El cromlech pone ante nuestros ojos abiertos, aquello que hemos aprendido a ver cuando cerramos los ojos. Cerrar los ojos, es suspensión espiritual, se borra la expresión se desocupa el espacio, convirtiéndolo en sitio receptivo para actividad con conciencia, en
espacio-iglesia.” (Jorge Oteiza)
-
“La mierda se convierte en tierra que se posa sobre el tejado – se convierte en hierba, bosque y jardín, la mierda se convierte en oro. El círculo se cierra y deja de haber desechos”. De esta misma manera el entorno mundial tiende también a ser la espiral: “El arte es el punto de partida y la meta a conseguir”. (Hundertwasser)
Recuerdo a Heinz Kersting cuando hablaba de la relación con el supervisando y decía: “Con frecuencia nos preguntan como tiene que hacerlo. Nos dan poder para que se lo digamos. Tenemos que ayudarles a que se hagan sus preguntas. No es mi casa es la suya y no sé lo que significa algo hoy para esa persona. Esto nos hace libres a los supervisores”. Y con terrible contundencia: “Una competencia importante del supervisor es la habilidad de no saber”.
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La responsabilidad y la capacidad para cambiar es de uno mismo. En la medida que uno cambia las relaciones y los otros cambian. Cada persona es responsable de sus sentimientos, pensamientos y acciones.
Nos queda a nosotros y nosotras, supervisores/as, crear espacios, protegidos, ofreciendo relaciones de confianza y aceptación, para la experimentación, crecimiento y cambio, para ver desventajas y ventajas. Para cuestionar, al ritmo de cada persona, nuestro modelo más conocido e introducir cambios que nos hagan bien.
Y las preguntas, la curiosidad, el silencio, la escucha y querer entender son nuestras herramientas.
Nos fijamos y focalizamos nuestra atención en los potenciales de las personas y los grupos. Tendemos a hacer lo malo, malo, olvidando aspectos positivos “mierda es siempre mierda, pero de la mierda sale el mejor de los abonos”.
No queremos cambiar a nadie y es entonces cuando las personas cambian. Lo único que podemos hacer es ocuparnos de nosotros/as mismas.
Sobre el arte y la “curación” -
“El arte trastorna el orden aparente del mundo exterior, provoca la necesidad de una más profunda comprensión de uno mismo, nos obliga a poner en juego una zona intima de nuestra conciencia cuya revelación es ejercicio de sensibilidad.” (Jorge Oteiza)
-
“Así, el mundo se vuelve feo y pequeño. Necesitamos urgencias.
barreras Estas
de
barreras
bellezas de
con
belleza
consisten en irregularidades no reguladas y estas irregularidades no reguladas consisten, bien en vegetación espontánea, o en la creatividad del individuo.” (Hundertwasser)
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-
“El derecho a la ventana: El que vive en una casa debe tener derecho a asomarse a su ventana y a diseñar como le apetezca todo el trozo de muro exterior que pueda alcanzar con el brazo. Así será evidente para todo el mundo desde la lejanía que allí vive una persona.” (Hundertwasser)
“Si dejas bailar a tus ventanas, diseñándolas en estilos diferentes, y si dejas que aparezcan todo tipo de irregularidades en fachadas e interiores, las casas se recuperarán, las casas empezarán a vivir. Cualquier casa tiene cura, por fea o enferma que esté.” (Hundertwasser)
A esta tercera cuestión dedico mis ultimas reflexiones desde mis experiencias y algunos textos de apoyo. Rescato, para comenzar, algunas ideas a este respecto del fin de semana de Octubre de 2003. Más concretamente de la primera actividad plástica de nuestro proceso de formación supervisión. Trabajando sobre la comunicación, y reflexionando sobre el trabajo por parejas sobre una cartulina y con pinturas, salían algunas ideas que quiero rescatar: -
Lo que vemos, cada uno y cada una, tiene que ver con un diálogo entre nosotros/as y la obra. No tiene porque pertenecer a las autoras.
-
Intentando hacer cosas se hacen.
-
La cooperación tiene fases y todas son cooperación, también poner limites.
-
Los limites son punto de conexión.
-
La cultura y las imágenes de nuestra biografía y contexto surgen en el trabajo. También los conflictos sociales y políticos.
-
Comunicación inconsciente al comenzar a dibujar lo que iba a dibujar la otra persona.
-
En las manifestaciones nos exponemos continuamente.
Intentaré avanzar y profundizar sobre los procesos creativos y plásticos en la supervisión.
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En la creación Mi tío, un artesano de la pintura, me regalo hace muchos años un trozo de arcilla. Después de pensarlo un tiempo cogí un molde y le di forma. Ya seca la pinte y pegué en una madera barnizada. Mi tío se enfado muchísimo. No entendía como había podido malgastar aquel trozo de tierra sin haber creado una figura diferente y única.
Tengo recuerdo, desde hace mucho tiempo, de miedo ante las expectativas de lo que vaya a hacer. Me genera-ba inseguridad y me resta-ba placer. Las miradas puestas en el producto de un chaval con aptitudes. Seguramente no era solamente así. Ese es uno de los recuerdos que mantengo conmigo mismo como foto sepia y antigua y como experiencia de vértigo actual ante la posibilidad de comenzar y terminar algo parecido a una obra.
En este particular viaje que realizo a mi historia de relación con la plástica me encuentro como nunca con esta imagen y realidad de bloqueo. Para mí es muy importante que lo que yo dibuje pueda ser algo interesante para el resto de las personas y sobre todo para mí. (Soy mi peor censor y un verdadero intransigente con las propuestas estéticas que no comparto. Recuerdo en este momento como en una de las actividades más plásticas de la formación reconocí que todos los trabajos me parecían sugerentes estéticamente. Un verdadero hito en mi historia particular.
Esta reflexión, además de abrirme alguna puerta para seguir avanzando en mi particular historia, me ayuda a introducir una de las claves de lo que yo propongo como experiencias de creatividad y crecimiento personal: propuestas para la supervisión.
Potencial de la propuesta. La plástica es otra manera de comunicarnos distinta a la verbal. Esta menos entrenada y es, por tanto, más difícil de controlar. Más espontánea. La sitúa por estas razones en un lugar privilegiado para dar forma a los aspectos más emocionales y significativos.
Esta misma extrañeza puede ser una primera barrera para la experimentación. Es importante recordar que lo que nos interesa es el proceso y que cualquier resultado es bueno, irrepetible e intransferible.
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También la comunicación verbal y escrita sirve de obstáculo para algunas personas. Estos procesos pueden ayudarnos a hacer más asequible el trabajo y a equilibrar grupos con personas con diferente formación y cultura.
La propuesta bien llevada se convierte en algo lúdico. Puede ser una actividad, atractiva. Hay tantas propuestas de trabajo como capacidad y tiempo para pensar y crear. Se pueden combinar: Los colores, las texturas, los materiales, …
En el camino y en coherencia con la técnica estamos desarrollando la capacidad de percibir y ver, la capacidad de crear y la capacidad de comprender. Los sentidos y la percepción son las puertas de entradas al conocimiento. Hacen posible comprender la realidad, vivir e interactuar con el mundo.
Proceso frente a producto. Situar las expectativas de un trabajo plástico en el resultado final no es acertado, no es interesante y además condiciona absolutamente la actividad. En la creatividad, lo importante no es tanto el resultado final, como su desarrollo. La creación es un medio de conocimiento.
Entiendo que en estos procesos y aplicados al crecimiento personal podemos hablar de tres momentos: Observación, mirarse por dentro y tomar contacto con uno mismo. Creación, crear algo nuevo dando forma a los materiales y Comunicación, nos permite tomar conciencia del aprendizaje, de nuestras emociones puestas en juego, intercambiar percepciones,…
El lenguaje visual y su gramática. La plástica es un lenguaje, una forma de expresión con una gramática visual mediante la cual podemos expresarnos y comunicarnos con los demás.
Esta gramática esta formada por el alfabeto visual (que está compuesto por el punto, la línea, la superficie, el color, la textura, el volumen y la forma), que serían las letras que podemos combinar para expresarnos; y la sintaxis visual (que tiene en cuenta la medida, la proporción, el agrupamiento, la estructura, la dirección, el movimiento, el rtimo, el equlibrio, la simetría, la asimetría, la armonía y el contraste) que son las formas que tenemos de poder combinar las letras del alfabeto visual.
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Conocer mismamente esta gramática nos ayudaría a entender un poco más el lenguaje visual.
Y al final también producto Escribía antes que es el proceso la estrella de esta propuesta. Siendo así no podemos olvidar que a diferencia de otras esta tiene un resultado inmediato convertido en objeto, en obra. Coge forma y permanece de manera que se sigue pudiendo trabajar con ella. Desde uno mismo, desde el profesional de ayuda o supervisora, desde otros y otros compañeros / as.
El resultado siempre es bueno. Es un lugar de llegada y de partida.
Dicen que, para un creador, lo más difícil, no es el inicio de su obra, sino determinar el momento de ponerle un final. Otro momento difícil es el de desprenderse de la obra, de los significados de la obra, permitir que otros vean otra cosa.
Oportunidad para la apertura frente a otras tentaciones (Interpretación) La obra es imposible de cerrar. Tiene múltiples significaciones, tanto para el autor como para cada uno/a de los observadores / as. Nos relacionamos con esta desde nuestro mundo, el único desde el que nos podemos asomar, de necesidades y expectativas.
Por lo tanto lo que creemos percibir en estos resultados del trabajo individual o grupal de personas tiene que ver más con nosotras mismas que con lo que pudiera haber puesto allí el autor o autora. Me parece importante como barrera a la tentación de interpretar buscando datos “objetivos”.
Lo que percibimos de estos trabajos, siendo una información clara de nuestros ecos, también puede ser una información valiosa para las otras personas: autora y el resto. Los títulos que cada uno ponemos a la obra cuestionan, apoyan, complejizan,… el que el auto o autora hubiera sugerido al principio. Otra manera de hacer más completo nuestro mapa del territorio.
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“En una línea el mundo se une, con una línea el mundo se divide, dibujar es hermoso y tremendo” (Eduardo Chillida)
“Lo he explicado ya, pero sigo recibiendo, de amigos sinceros, muestras de pésame como si mi abandono de la escultura fuese una deserción. Soy el primer artista que ha tomado esta decisión como conclusión experimental de su trabajo. El hombre se define por lo que le falta: ya no me faltan a mi estatuas, luego ya no soy escultor.” (JorgeOteiza)
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Bibliografía -
“Aromas”. Eduardo Chillida. Editions Edouard Weiss. 2004
-
Apuntes de la Formación en Supervisión (años 2004-2005)
-
“El desarrollo de la subjetividad desde la creatividad y arte-terapia”. Francisco Jesús Coll Espinosa. Ref. Rev. Educación Social, núm. 28 pp. 41-55
-
“EducArt. Intervención educativa y Expresión Plástica”. Lurdes Civit y Sandra Colell. Ref. Rev. Educación Social, núm. 28 pp. 99-120.
-
“Hundertwasser”. Harry Hand. Ed. Taschen 1998
-
“Hundertwasser: El pintor Rey con sus cinco pieles”. Pierre Restany. Ed. Taschen. 1999.
-
“Jorge Oteiza. Ahora tengo que irme” Ed. Txalaparta 2003
-
“Le chant des baleines” Edmond Badouin Ed. Aire Libre 2005
-
“Palabra de Chillida”. Florencio Martínez Aguinagalde. Gobierno vasco. 1998
-
“Terapia de Arte o Como la Plastilina y los Colores Ayuda a Sonreír”. Art. Rosario Torres Rodríguez.
-
“OTEIZA Jorgeri” litera&musika/1 Pamiela argitaletxea 2004
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