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JUNIO, 2021
Sumario
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¿Que es la animacion?
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historia de la animacion
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Animacion 2D ¿Que es la animacion 2D?
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¿Que es la animacion stop motion?
animacion 3D ¿Que es la animacion 3D?
Editorial La animacion ha evolucionado a lo lorgo de los años, y el proceso fue largo, pero grandes dibujantes lograron hacer algo nuevo y revolucionario. esta revista se dedicara en hablar sobre las tres tipos de animaciones mas usadas hoy en dia y cual es el proceso por el cual se pasa para poder realizar dichas obras de animacion. se ha logrado grandes trabajos en la animacion y sigue manteniendose en un constante cambio, y cada año grandes dibujantes se hacen conocer por sus excelentes trabajos de animacion con diferentes tecnicas. Antonio Gonzalez
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¿Que es la animacion?
ban sobre el fondo dibujado. En 1917, Bray y Huer combinaron sus patentes y formaron la Bray-Hurd Process Company. Durante diecisiete años, extendieron licencias a todo aquel que quiso realizar animaciones utilizando el método cel que habían desarrollado conjuntamente. J.R. Bray produjo la primera película animada comercial en color: El debut del gato Thomas, una película coloreada a mano estrenada en 1917.
La animación es el proceso que logra dar movimiento a dibujos u objetos inanimados por lo general. Esto es posible gracias a una secuencia de dibujos o fotografías que al estar ordenadas consecutivamente logran generar un movimiento creíble ante nuestros ojos, los cuales se prestan al juego de la ilusión visual. Por ejemplo, si queremos generar la sensación de una caminata en un personaje, deberíamos dibujar cada uno de los pasos que realizará en hojas separadas (cada hoja dibujada con una pose distinta se define o se conoce como “fotograma” o “frame”) para que, al pasarlos consecutivamente, percibamos la sensación de movimiento.
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La calidad de este movimiento dependerá de la paciencia, esfuerzo y dedicación que
le dediquemos al proceso. A principios del siglo XX, J.R. Bray desarrolló numerosas patentes para los procesos técnicos relacionados con la realización de dibujos animados. Sin embargo, el componente más importante de su patente se refiere al sistema de dibujar el fondo en una hoja translúcida colocada sobre los personajes dibujados, de modo que se eliminaba la necesidad de redibujar el fondo para cada dibujo. También incorporó la animación con diferentes niveles, es decir, animar por separado las partes que se mueven, y las que no, mantenerlas fijas durante todo el plano. A raíz de esto, Earl Hurd registró una patente que implicaba el uso de un papel transparente (celuloide) para los dibujos que se coloca-
Desde entonces, los dibujos se pasaban a limpio y se transferían al acetato con plumillas, pinceles y tintas de colores. Luego se pintaban con pinturas opacas del reverso del acetato. El lado que se filmaba era el anterior. Posteriormente, con la invención de la xerografía, los dibujos son fotocopiados mecánicamente en un acetato. Los estudios Disney utilizaron este sistema por primera vez en 1966 para la película 101 Dálmatas. Actualmente, este proceso también se ha eliminado con la aparición del ordenador y del escáner. Los dibujos pasados a limpio en papel normal, se escanean y se pintan por ordenador, lo cual supone un ahorro importantísimo en cuanto a materiales, pero a su vez la desaparición de un oficio y su técnica.
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historia de la animacion 1650 Linterna Magica
1908 Fantasmagorie
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1915 La Rotoscopia
1933 Popeye
1923 Walt Disney
1930 Looney Tunes
1937 Blanca Nieves
1995 Toys Story
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que dibujo ha reaccionado Se trata de una secuencia stop motion que, aunque no está considerada como una animación en sí, fue en la primera en la que se empezaron a ver las posibilidades de esta técnica.
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En 1937 Walt Disney cambió para siempre el mundo de la animación con el lanzamiento de la película ‘Blancanieves y los siete enanitos’. Sin embargo, la historia de los dibujos animados se remonta a finales del siglo XIX, y tuvo varias metamorfosis en las primeras décadas del siglo XX con la llegada de los primeros personajes mundialmente famosos. De ‘Felix el Gato’ a ‘Betty Boop’, pasando por los ‘Looney Tunes’ o los primeros trabajos de Disney, la era pre-Blancanieves estaba llena de movimientos exagerados, situaciones estrambóticas y
mucho sentido del humor. En 1896, el cineasta británico J. Stuart Blackton fue enviado como reportero del New York Evening World a entrevistar a Thomas Edison y hablar acerca de su último invento por aquella fecha, un proyector de cine llamado Vitascopio. La entrevista la realizaron en la cabaña estudio de Edison, donde el inventor grabó a Blackton haciendo dibujos sobre una pizarra. Blackton dibuja una cara con varios elementos, y luego borra y cambia algunos haciendo que parezca el
El dibujante y animador francés Émile Cohl está considerado como uno de los padres de los dibujos animados. Su leyenda cuenta que en 1907, a los 50 años, se encontró el póster de una película que estaba evidentemente sacado de uno de sus cómics. Tras hablar con el dueño del estudio fue contratado como guionista, y así empezó a involucrarse cada vez más en el mundo del cine. En 1908, Cohl creó Fantasmagorie, que es considerada la primera película totalmente animada que se hizo en la historia. La animación era bastante rudimentaria, y el tipo de dibujo que se utilizaba también. Utilizó unas 700 ilustraciones, las cuales fue poniendo encima de un cristal iluminado. Lo más interesante de todo es que los dibujos parecían dibujados encima de una pizarra, aunque esto no era más que una ilusión producida utilizando los negativos de los dibujos. El historietista estadounidense Winsor McCay es uno de los nombres más importantes de la historia del cómic con su clásico ‘Little Nemo in Slumberland’. En 1891 participó en una pequeña película muda llamada Little Nemo, en la que se incluye un fragmento de pura animación a partir del minuto ocho.
En 1920, Otto Messmer y el estudio Pat Sullivan crearon el personaje de ‘Felix el Gato’. Era un personaje del propio estudio, por lo que la audiencia podía esperar ver más capítulos. Esto a su vez le daba a Messmer y sus compañeros la posibilidad de explorar el personaje y mejorar su animación. Aunque había pasado relativamente poco tiempo desde que se empezó a experimentar con la animación, Félix demostró lo rápido que estaba avanzando. Además, este personaje se convirtió en el primer dibujo animado que produjo merchandising, y el estudio Pat Sulliven se hizo de oro con él. Lamentablemente, en aquella época era común que el crédito por el personaje se lo llevase el estudio, por lo que su creador Messmer siguió ganando su salario nor-
mal aunque el estudio ganase millones con su creación. Era una sencilla mezcla de imagen real y animación insertando textos entre medio
para contar la historia. Sin embargo era sólo el inicio del mito de un Walt Disney que empezó a consagrarse en 1928 con la mítica ‘Steamboat Willie’, la tercera entrega de un nuevo personaje que acababa de crear: Mickey Mouse. Con un Disney que empezaba a coger fuerza y asentaba a los personajes reconocibles y con personalidad, otros creadores empezaron a seguir sus pasos. En 1930, Max Fleischer lanzaba otro de sus capítulos de dibujos animados, en el que aparecía por primera vez un personaje llamado Betty Boop. En él podemos ver cómo evoluciona el sector con unos dibujos que ahora tienen voces y música. En 1930, dos ex-Disney llamados Hugh Harman y Rudolf Ising emitieron el primer capítulo de una nueva saga de dibujos animados a la que llamaron ‘Looney Tunes’.
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el que cambió para siempre el mundo de la animación. Lo hizo en 1937 con el que está considerado el primer largometraje animado, el de ‘Blancanieves y los siete enanitos’. La película no sólo es la culminación de una década de avances en la animación, sino que se atrevió a introducir un enorme realismo lejos de las exageraciones en los movimientos del resto de dibujos de la época. El 21 de diciembre de 1937 un filme animado cambiaría al mundo del cine. Blancanieves y los siete enanos, una producción revolucionaria para la época, se estrenaba en cines encantando a las audiencias y llevando al celuloide a otro nivel expresivo. Hasta que llegó la recordada cinta, hace exactamente 80 años, el cine animado era considerado un género menor, un relleno para las cintas de carne y hueso que comenzaban a popularizarse en todo el mundo. Pero Walt Disney tenía otros planes y nada lo detendría: sus dibujos en movimiento, hijos predilectos de su osada mente creativa, harían historia. El señor Walt estaba arriesgando casi todo su capital en la película, por lo que no fue casualidad que muchos llamaran a su arrojo la Disney’s Folly o la locura de Disney. Esta década de los años treinta está considerada como una era dorada de la animación estadounidense, ya que como hemos visto en ella nacieron algunos de los personajes
míticos que siguen estando presentes en nuestros días. Además, también fue la década en la que Walt Disney dio ese salto cualitativo con
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Animacion 2D
¿Qué es la Animación 2D?
La animación bidimensional o 2D se caracteriza por tener sus objetos y personajes creados en el espacio bidimensional. Significa que sólo tienen ancho y alto. Se considera un estilo de animación tradicional, conocido desde el siglo XIX. Inicialmente, se creó al juntar los fotogramas en los que un dibujo fue seguido por otro que difería ligeramente de él. Cada segundo incluye 24 fotogramas. El proceso de preproducción es la primera etapa de creación de animaciones. Durante esta etapa, el equipo de animación desarrolla la historia y escribe el guion de la animación, diseña los personajes, crea un guion gráfico, elige las paletas de colores, prepara los fondos y graba la voz en off. Esta es una etapa de preparación para el proceso principal, por lo que debe realizarse correctamente. El siguiente paso es crear los personajes, delinear los fondos y preparar otros elementos visuales de la animación. Comienza a partir de bocetos simples y se convierte en diseños e imágenes detallados. Luego, es hora de decidir las paletas de colores de la animación, incluidos los colores de varios objetos e iluminación.
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El siguiente paso es crear los personajes, delinear los fondos y preparar otros elementos visuales de la animación. Comienza a partir de bocetos simples y se convierte en diseños e imágenes detallados. Luego, es hora de decidir las paletas de colores de la animación, incluidos los colores de varios objetos e iluminación. La producción es el proceso de crear la animación reuniendo todos los materiales creados y produciendo las escenas. Esto incluye pintar los fondos, crear escenas individuales y actividades de los personajes, hacer la animación aproximada, limpiar la animación (trazado), tweening (intermediación), colorear y pintar los dibujos con la ayuda de un software de computadora, composición y exportación.
Para unir todo, los animadovres crean una hoja de exposición que incluye todas las instrucciones de cómo hacer cada escena. La hoja de exposición se divide en 5 partes: Acciones y tiempo Diálogos y música Capas de animación Fondos
El tweening se utiliza para hacer una animación suave agregando dibujos adiciona-
final está lista, se procesa y exporta a diferentes formatos. Entonces, es hora de combinar Estos eran los principios bátodos los elementos visuales sicos de la animación 2D y basados en la hoja de expo- su proceso de creación que sición. Durante el proceso de todo principiante debería cocomposición, los especialis- nocer. Para convertirse en tas agregan los fondos, foto- un animador avanzado, debe gramas, sonidos y cualquier aprender más sobre las técotro efecto que se requiera. nicas y las mejores práctiEsto se logra principalmente a cas para hacer animaciones. través de diferentes programas
les entre dos fotogramas. Por ejemplo, si desea crear una escena de pelota que rebota, debe dibujar fotogramas de transición entre la primera escena donde la pelota está en la parte superior y el segundo fotograma donde la pelota está en el suelo. Una vez que los fotogramas están completamente listos, se escanean en una computadora,
de animación. Cuando finaliza el proceso de composición, las escenas animadas se representan como videos o películas. La postproducción es el proceso de edición final de la animación 2D. Durante esta fase, la animación se mejora con efectos de sonido o grabaciones adicionales que aumentan el impacto emocional de la animación. Una vez que la versión
Una vez que se cree la animación aproximada, debe limpiarse y pulirse. Este proceso también se llama trazado y se puede hacer de dos maneras: en una nueva capa o directamente sobre la misma capa con diferentes colores.
si no se dibujan digitalmente.
No importa si es una animación 2D o cualquier otro tipo de animación, el propósito de sus creadores es hacerla más realista e impresionante Este tipo de animación es una de las que más se usa en la creación de dibujos y películas animadas.
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la sensación de movimiento. A continuación, te mostramos cuáles son los aspectos básicos que debes tener en cuenta si vas a trabajar con la animación 2D: -El bosquejo de los dibujos -Un diseño adecuado y adaptado a las necesidades de los personajes -La creación de storyboards -Crear efectos especiales -La animación de las escenas de la película -No dejes de lado los fondos que van a servir como transición Y esto es fundamental: la misión, el objetivo que persigue la creación de un vídeo animado es transmitir un mensaje o contar una historia involucrando a la audiencia y creando una gran experiencia para ello.
Es especialmente importante que, a diferencia de la animación 3D, la animación 2D da vida a personajes, objetos y fondo siempre en un espacio plano de dos dimensiones. Pero no solamente las figuras pueden ser bidimensionales, las figuras también siempre que tengan anchura y longitud. Si utilizamos una terminología propia del campo de las matemáticas, podemos decir que ambos conceptos, tanto el 2D como el 3D, no son más que diferentes configuraciones geométricas. La diferencia entre ellos está en el caso de la animación 2D se requieren dos valores, mientras que el 3D lo que necesita para conocer su posición son tres.
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Para conocer los orígenes de la animación hay que retroceder bastante en el tiempo, a la época en la que un experto en anatomía, Luigi Galvani (1737- 98), experimenta con impulsos eléctricos para estimular patas de ranas. En inglés, Animation es un acrónimo de ‘’animal’’ y ‘’movimiento’’ (animal y motion). Así, la animación 2D implica dotar de movimiento a cualquier imagen siempre que se encuentre en un espacio de dos dimensiones. En este tipo de animación, los dibujos e imágenes se combinan en una única secuencia. De esta forma, cuando se reproducen juntos, proporcionan
Uno de los consejos más importantes que debe recordar es: planificar cada detalle de su animación. Imagine cómo desea presentar todas las escenas y actividades, qué partes deben enfatizarse, definir las acciones principales y secundarias, desarrollar cada personaje y asegurarse de tomar notas. Por último, preste atención a la imagen completa de sus escenas. Es posible que se pierdan algunos detalles sin importancia, pero debe enfatizar las partes clave de su animación y hacer que sean el centro de atención.
En la actualidad un animador de gráficos computarizados puede encontrar en el mercado una variedad impresionante de equipos y programas. Pero la amplia gama de opciones de la cual se dispone no fue posible sino hasta finales de la década de los ochenta, cuando asomaron equipos lo suficientemente idóneos para manejar vídeo desde las computadoras. Con la introducción de la animación 3D mucha gente identifica al 2D en general como animación tradicional, algo que es incorrecto, la verdad es que la animación 2D tradicional es como se hacía en 1937, con miles de hojas y láminas transparentes, esto simplemente ya no se hace en el 2020 a menos de que la estética que estés
buscando requiera de esto.
pular para hacer animaciones.
Una de las diferencias entre la producción de animación tradicional y digital radica en que esta última se hace en tabletas digitales que permiten más facilidades. Estas tabletas se deben conectar a una computadora y se debe contar con algún software que permita la creación de animaciones, estos programas solucionan la gran mayoría de los problemas que existían en el método tradicional de dibujar en hojas de papel. El estado de la animación 2D depende totalmente de la región de la que hablemos, por ejemplo en Japón aún hay estudios que hacen dibujos de manera tradicional. En este país el 2D digital o tradicional es sin duda el método más po-
el 3D apenas se está incorporando en sus flujos de trabajo pero no lo hace de manera que vaya a reemplazar al 2D, claro que hay series o películas hechas totalmente en 3D. Como ejemplo tenemos a Land of the Lustrous, Knights of Sidonia o la próxima película de Ghibli Aya and the Witch; pero por otro lado tenemos propuestas como la película de Trigger Promare la cual es una combinación de 2D con 3D y es algo que funciona. Del lado de Europa también es algo parecido a Japón, existen obras exitosas en 3D como Miraculous Ladybug, pero el 2D ha tenido un resurgimiento importando y prueba de esto es la galardonada Klaus.
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En Estados Unidos el 3D ha reemplazado completamente al 2D en cuestión de largometrajes, es difícil recordar cuál fue la última película en 2D de Disney o DreamWorks. Netflix tuvo un éxito rotundo con BoJack Horseman, DreamWorks recientemente lanzó la segunda temporada de su serie Kipo y la Era de los Magnimales, en las últimas semanas se han anunciado el regreso de múltiples series de los 90s como Ren & Stimpy, Beavis and Butt-Head y Clone High, no se ha dicho que vayan a ser en 2D pero creo que es algo que va a suceder y Sony ganó el Oscar a mejor cortometraje por Hair Love, la cual va a tener su propia serie.
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Uno de los estudios más importantes en latinoamérica es Ánima Estudios, quienes tienen una trayectoria considerable en producciones en 2D, desde su serie de películas La Leyenda de… hasta producir El Chavo Animado, la cual fue vista en múltiples países. La animación 2D es un arte que ha evolucionado mucho a lo largo de los años y que veo que se ubica en un punto muy sano, esto se debe a la facilidad que existe para aprenderlo, hay una gran cantidad de programas gratuitos y de paga como Toon Boom, Animate, Photoshop, Procreate o incluso Blender que hacen todo más sencillo y además existen escuelas que ya tienen carreras totalmente enfocadas a la animación. La mayor limitante que existe (aparte de lo económico) es la imaginación para crear historias.
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¿Qué es la animacion Stop Motion?
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Stop Motion es una técnica de animación que consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos por medio de una sucesión de imágenes fotografiadas. El movimiento del objeto estático se construye, fotograma a fotograma, manipulando el objeto entre tomas En general se denomina animaciones de stop motion a las que no entran en la categoría de dibujo animado, ni en la de animación por ordenador; esto es, que no fueron dibujadas ni pintadas, sino que fueron creadas tomando imágenes de la realidad. Así pues, el stop motion se utiliza para producir movimientos animados de cualquier objeto, tanto rígido como maleable. Como los juguetes, bloques de construcción, muñecos articulados o personajes creados con plastilina. Podríamos también definir esta forma de animar como la animación en estado puro, debido a que se construye el movimiento fotograma a fotograma; manipulando el muñeco con las propias manos, así como trabajando con otros materiales (plastilina, arena, recortes de papel, tizas sobre suelos y muros...) de manera progresiva, hacia adelante, sin posibilidad alguna de retroceso. Consiste en aparentar el movimiento de dichos objetos capturando fotogramas: en cada fotograma se ha movido ligeramente el objeto y en cada nuevo cambio de posición debe haberse siempre orientado el objeto en una cierta dirección en relación al cambio de posición y fotograma anteriores.
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Los orígenes del stop motion se remontan prácticamente a los inicios del cine. El francés Georges Méliès ya utilizó esta técnica en sus películas en el año 1896.
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te, gracias a películas como El mundo perdido (1925) y King Kong und die weisse Frau (1933), de Willis O’Brien
Curiosamente, uno de los pioneros fue el español Segundo de Chomón. Uno de los mejores ejemplos es su cortometraje La masion ensorcelée (conoci-
poráneos como Wes Anderson, con Fantastic Mr. Fox (2009). O Charlie Kaufman con Anomalisa (2015). Hoy en día, la animación con Pero sobre todo, gracias a un marionetas ha sido utilizada alumno de Willis O’Brien. Se por muchos animadores, entre trata de Ray Harryhausen, que ellos se encuentran el americaen los años 50 hizo muchas no Henry Selick (Slow Bobin in películas de aventuras y fanta- the lower dimensions en 1991, sía con monstruos animados. James and the giant peach E incluso se llegó a utilizar en 1996); los hermanos Quay,
do también como La casa encantada o La casa embrujada. Hay que destacar también como un gran avance técnico el cortometraje La venganza del camarógrafo (1912), de Ladislaw Starewicz. Con el paso de los años, la técnica del stop motion fue perfeccionándose. En par-
el stop motion en películas de los 80 como Terminator, o la trilogía de Star Wars. En los últimos 30 años, otros directores también han trabajado con esta técnica. Tim Burton, por ejemplo, con su primer cortometraje, Vincent (1982) o con La novia Cadáver (2005). También directores contem-
Stephen y Timothy, con su animación Street of crocodiles; y de las más actuales, Tim Burton con El cadáver de la novia (traducción utilizada en México de la película Corps Bride) en 2005, donde se utilizó ingeniería mecánica para crear movimientos cuadro a cuadro.
La técnica de animación con marionetas es llevada a cabo a través de muñecos articulados o por sustitución construidos con diferentes materiales como madera, metal, caucho, tela, piel, papel, plástico (látex) o con cualquier otro material sólido, que en el caso de animarse a través de una estructura metálica (muñecos articulados) puede utilizarse alguna aleación de alambre resistente y maleable o estructuras ya prefabricadas especiales para animación.
técnica, sin embargo, existen muchas referencias que evidencian que la técnica con marionetas es mucho más antigua.
Para empezar, en los inicios del cine fue el francés George Mèliés, conocido por su película El Viaje a la Luna en 1902, quien utilizó esta técnica para crear efectos especiales en sus películas de fantasía y ciencia ficción. Así mismo, se encuentra su contemporáneo, el español Segundo Víctor Aurelio Chomón y Ruíz, uno de los pioneros del cine, Se debe tomar en cuenta que a quien le debemos los funla estructura debe soportar el damentos del lenguaje cinecuerpo completo del perso- matográfico, así como grannaje y que sus articulaciones des inventos como el Dolly y pueden moverse para generar la disolvencia (fade in-fade movimientos a través de fo- out) por mencionar algunos; tografías cuadro por cuadro. Si el muñeco no soporta su peso y no puede mantenerse en pie, será necesario utilizar una plataforma perforada o una plataforma metálica, que a través de tornillos o imanes pueda sujetarse por los pies, espalda o cabeza para mantenerlo erguido.Ahora bien, en general una animación con marionetas no sólo se trabaja a través de muñecos articulados, sino que también se complementa con la técnica de sustitución para alguna o varias tomas, la que se refiere a que se sustituirá alguna parte del cuerpo o toda la marioneta por otra para generar la sensación de movimiento. Por muchos años la práctica de la animación con marionetas está fuertemente relacionada con Europa del Este y muchos consideran al checo Jirí Trnka como el creador de esta
y muchos trabajos que realizó con arcilla para crear secuencias, dando el comienzo a la animación con plastilina como El escultor mágico de 1909. También encontramos el pionero Ladislaw Starevich quien creó diferentes cortometrajes utilizando insectos (Lucanus Cervus, 1910) y George Pal, a quien se le debe la técnica de sustitución, por haber utilizado cientos de piezas diferentes para cada una de las expresiones de sus personajes, como en el caso de The Puppetoons, creado para Paramount en la década de los cincuentas.
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Las marionetas de stop motion actualmente cuentan con cabezas intercambiables y bocas reemplazables para hacer el trabajo del animador más sencillo. El Cadáver de la Novia no utilizó ninguna de las técnicas tradicionales. En la película de Tim Burton se utilizaron cabezas con un mecanismo de relojería controlado por llaves ocultas para lograr un control milimétrico en las expresiones de los personajes. Las maquetas de los sets en El Cadáver de la Novia eran tan grandes que los animadores podían entrar a través de las puertas sin agacharse. Fueron veinticinco animadores los encargados de marcar el movimiento de los personajes ante las cámaras.
El Cadáver de la Novia está basada en un cuento ruso-judío del siglo XIX. El cuento narra el asesinato de una mujer el día de su boda, quien es enterrada con su vestido de novia. Un hombre que va camino a su propia boda ve un dedo sobresalir de la tierra, creyendo que es una rama recita sus votos y coloca la alianza en el dedo de la novia muerta. El cadáver emerge de la tierra y se declara casados. En el cuento la historia aca-
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ba con el rabino anulando la ceremonia y la novia viva prometiendfo honrar la memoria del cadáver.
Las marionetas en El Cadáver de la Novia miden 61 centímetros de alto. Para el rodaje se crearon catorce marionetas de Emily, catorce de Víctor, y trece de Victoria. Las bases de las marionetas eran de metal para asegurar la estabilidad de los personajes y su piel estaba hecha de silicona.
Todos sabemos que a Tim Burton le gusta trabajar con Johnny Deep, ya que el actor ha Stop Motion protagonizado varias películas El Cadáver de la Novia fue del director, incluyendo El Carealizada con la técnica de dáver de la Novia. El personaje animación stop motion. El ro- de Víctor fue diseñado exclusidaje de la película duró cin- vamente para ser doblado por cuenta y cinco semanas en las Johnny Deep, modelado a las que compusieron y fotogra- características físicas del actor. fiaron individualmente 109 440 fotogramas diferentes
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Basada en Coraline, la exitosa novela del escritor británico Neil Gaiman, Los mundos de Coraline gira en torno a una niña llamada Coraline Jones (a la que dobla Dakota Fanning) que, con tan solo 11 años de edad, sueña con vivir miles de experiencias. Coraline es una película de
te; cuenta la historia de una niña (con la voz de Dakota Fanning), que abre una puerta secreta en su nueva casa y descubre un mundo paralelo al que vive en ese momento.
animación innovadora, pues es la primera realizada por medio de la técnica stop motion y rodada en 3D y HD. Está basada en la novela del mismo nombre del conocido autor de historietas y escritor de ciencia ficción y fantasía Neil Gaiman. Es una historia compleja que no se limita al público infantil sino que incluye un suspenso muy particular y fascinan-
“Cada toma es pura acrobacia”. “Se puede hacer cualquier cosa con stop motion, es como esculpir con luz”, añade el grafista Ean McNamara.
La animadora Amy Adamy describe el arte del stop motion como “mover marionetas sin cuerdas”. El encargado de animación Travis Knight dice:
El proceso de animación stop motion es muy especializado. Los animadores manipulan fotograma a fotograma los objetos (personajes, decorados, etcétera) en una plataforma
de trabajo. Se fotografía cada fotograma con la cámara de cine. Cuando se ensamblan y proyectan las miles y miles de fotografías, los personajes se mueven con fluidez y continuidad. Es magia cinematográfica hecha a mano. Filmar una película de animación stop motion tiene muchos parecidos con un rodaje con-
vencional: hay que construir decorados, se debe peinar a los personajes, maquillarlos, vestirlos, iluminarlos y dirigirlos. Henry Selick explica: “El milagro del stop motion y una de las razones por las que me parece mágico, es que los personajes actúan de verdad a través de las manos de los animadores”.
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ANIMACION 3D ¿Qué es la animació 3D?
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Si bien la animación consiste en dar vida a aquellos objetos que no la tienen, en la animación 3D, además de esto, dichos objetos se pueden girar y mover en un espacio tridimensional. La forma de realizarla es diferente a la animación tradicional, ya que para ello se utiliza software que permiten modelar y esculpir de manera digital. Con ello, los diseñadores dotan de personalidad propia a un personaje o a un objeto cuya misión es transmitir emociones o contar historias. A diferencia de la animación 2D, la tradicional, en la animación 3D los fotogramas deben someterse a un proceso de renderizado una -Anuncios publicitarios para vez se finaliza el modelo. diferentes medios -Simulaciones y modelos para su misión principal es la de dar distintos sectores vida a objetos inertes, lo que -Videojuegos y apps se puede aplicar a un sinfín de -Realidad virtual y realidad sectores. Además, se puede aumentada utilizar en muchos proyectos . Películas animadas audiovisuales. Entre otros, algunos usos que puede tener Se trata de una forma de anila animación 3D son estos: mar objetos muy flexible y
versátil que puede adaptarse a distintas necesidades, según sea el sector al que te dedicas. No obstante, si estás pensando empezar a trabajar en este sector es fundamental que te formes adecuadamente, ya que se trata de una salida que, si bien cuenta con una gran demanda, también es muy exigente.
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La animación 3D ha experimentado un gran cambio desde sus inicios con la incorporación de nuevas tecnologías, y, las necesidades han ido haciendo aparecer técnicas distintas con las que abordar dichas demandas de los diferentes sectores. La evolución tecnológica en estos 25 años ha sido tan espectacular como puede imaginarse. en 1995 Toy Story necesitó cerca de 300 “máquinas” (concretamente servidores Sun) para generar los 114.240 fotogramas que conformaban los 80 minutos de película (curiosidad: era tan corta que se proyectó en cines precedida por otro cortometraje de animación). Se calculó el trabajo de esos ordenadores, y éste fue el equivalente a 800.000 de “horas de CPU”, que es como se miden esas cosas.
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Pasemos ahora a la parte más práctica: ¿cómo se realiza la animación 3D? La preproducción no es muy diferente a la de la animación 2D. Comienza con el desarrollo de un argumento y un guión gráfico, el esbozo de los personajes en 3D, la creación de los diseños de fondo y el establecimiento de las bases para el proceso de producción. El proceso completo de animación es bastante com-
plejo y lleno de matices, pero he aquí las principales fases. La tecnología crece; hay actualizaciones constantes, nuevos programas informáticos, funciones mejoradas, y a veces puede ser difícil mantenerse al día. Pero si está decidido a estar actualizado en su campo, tiene que crecer con la tecnología. El software de animación 3D
ha avanzado mucho, y las herramientas adecuadas pueden ahorrarle tiempo para que pueda trabajar en más proyectos. Asegúrese de elegir un programa de animación 3D que corresponda a su nivel de dominio. Nunca debe optar por sistemas extravagantes y complejos que no pueda usar hábilmente.
MODELADO Antes de que podamos tener una escena que funciWWWone con personajes e interacciones, primero tenemos que construir nuestros objetos 3D. Como ya hemos dicho, los
objetos se basan en modelos informáticos 3D. Un modelo básico es una malla 3D que consiste en puntos, líneas y curvas dispuestas de tal manera que se mapea el objeto. Un ordenador ve los modelos como puras formas geométri-
cas. No es hasta que se aña- Una vez que los personajes den colores y texturas que el 3D están listos, es hora de mapa del objeto cobra vida. colocarlos en sus respectivas escenas y animar sus moviPero antes de que el persona- mientos con el software de je pueda moverse, necesita un animación 3D. Como verá en esqueleto controlable, al igual
que los humanos y los animales. El rigging es el proceso de producción de ese esqueleto. Una vez formado el esqueleto, el modelo 3D (también llamado piel) se une al rig para que el personaje esté listo para ser animado.
el siguiente video, las primeras etapas del proceso de animación son muy toscas; los movimientos y las transiciones son bruscos y poco naturales.
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¡proximamente!
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¡proto una nueva aventura de una familia vs maquinas f !
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