FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE GIJร N 28 NOVIEMBRE 2014 // nยบ 8
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PATROCINA
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00 NOVIEMBRE 2014 28 2013 // nº 80
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OFICIAL - OTRAS SECCIONES OFICIAL HILL OF FREEDOM Corea del Sur / 2014, 66 min
Hong Sang-soo
HOY • 22:30 h. // Teatro Jovellanos MAÑANA • 20:00 h. // Cines Centro sala 2
Si abandonar el romanticismo es negar esa prótesis que separa los cuerpos de la razón, si rechazarlo supone separar el significado del gesto y dejarlo huérfano, perdido, esperando que alguien acuda en su rescate, Hong Sang-soo siempre está ahí para recogerlo y configurar con él historias cotidianas basadas en la búsqueda de aquello que no somos: el deseo de lo que nos falta, la pasión contenida. Si el amor está fundado en una primera impresión, en un primer encuentro al que volvemos de forma regresiva, y después se estanca en un bucle con velocidad cada vez más reducida, Hong Sang-soo sabe representarlo a la perfección. Hill of Freedom es el nombre del café al que acude Mori con la esperanza de (re)encontrarse con Kwon. En esta película el porvenir amoroso se construye por medio de proyecciones, a través de una mirada recurrente hacia el horizonte, imagen que tiene vital importancia en el proceso de enamoramiento. La relación de Kwon y Mori se presenta, con los pocos datos que obtenemos al comienzo del relato, como una posibilidad, pero los sucesivos saltos temporales dificultan, de manera intencionada, dicho proceso. La liberación sexual es una suerte de mistificación, y en palabras de Guattari la liberación acontecerá “cuando la sexualidad devenga deseo, y deseo es la libertad de ser sexual, de ser algo más al mismo tiempo”. El deseo sólo puede ensamblar sin constituir. Las parcialidades y las discontinuidades producen deseo; si el deseo es producción y destrucción, composición y descomposición de ensamblajes, las cartas que Mori envía a Kwon representan esa pasión que al comienzo de la película ya se descompone y se deconstruye, fragmentándose y dando al traste con toda la coherencia narrativa. Las hojas de papel que se descolocan sin que exista posibilidad de recomposición son la justificación del desvío intencionado de la línea continua y lógica del tiempo y de la narración. El sentimiento de rechazo, la decepción del protagonista, es una emoción (auto)destructora que se traduce en un vacío
entre la información de que dispone y la realidad que le rodea. Mori no entiende por qué Kwon está desaparecida ni por qué no ha respondido a sus cartas. Todos nos hemos sentido negados o rechazados alguna vez y hemos tenido que recomponer los fragmentos de nosotros mismos; recuperar, juntar, montar, será, a partir de ese momento, tarea del espectador. En Mori el deseo es una fuerza impulsora, un motor, que le envía desde Japón hasta Seúl para buscar una explicación a la no-respuesta de todas sus cartas, a una correspondencia no correspondida. Pero al mismo tiempo, ese deseo se magnifica en la ausencia de Kwon en los espacios que va recuperando: en su apartamento, en el café, en la ciudad... Mori vive sumido en una angustia que se niega a confesar, con emociones y movimientos inducidos que parecen activados por el control remoto de una pasión contenida. El acertado eslogan de Baudrillard: “contra producción, seducción” hace referencia a la distinción entre amor romántico y amor funcional. El deseo primitivo se presenta como puro y todo lo que vivimos ahora son pasiones degradadas por el capitalismo. En su visión pesimista y desesperanzadora, los actos de amor de la era posindustrial se definen como una interrupción del ritmo laboral, o como una fuga del espacio del deber hasta el limbo del gozo. Herencia que se renueva en las teorías del acontecimiento: el valor del instante imprevisto, del azar impecable. Kwon interrumpe su trabajo para recuperarse no sabemos muy bien de qué y recomponemos su historia y su relación con Mori a través de acontecimientos, pero todo ello es fruto del azar, del (re)orden arbitrario de las hojas de papel. Es por tanto esa falta de coherencia narrativa lo que invita al espectador a abrirse al acontecimiento. El cine de Hong Sang-soo, basado en la sobriedad, a simple vista podría parecer simplón o superficial en cuanto a su forma, pero, al descodificar sus múltiples capas, se convierte en un pastiche denso y bien estructurado. El director coreano juega con la realidad afirmando que sus películas están basadas en “estructuras que se le ocurren”, negando el realismo al que comúnmente se le adscribe. El recurso del zoom, ejecutado de forma atrevida y deliberadamente imperfecta, dirige nuestro foco de atención a su antojo a lo largo de toda la narración. Definido como un director posmoderno y posestructuralista, Hong Sang-soo ha sido relacionado con la Nouvelle Vague e, incluso, con el neorrealismo italiano. No se considera a sí mismo como un autor (y tampoco se define como lo contrario), contradicción presente en toda su obra, que evoluciona desde el caos de las multitudes abarrotando las mesas y el espacio en sus primeras películas a las íntimas relaciones entre individuos solitarios de sus últimos trabajos. La comparación crítica de su cine con el de Eric Rohmer evidencia esa necesidad eurocéntrica y orientalista de compararlo todo con los modelos culturales de occidente. Es cine coreano: algo ajeno, exótico y desconocido, pero se parece mucho al cine de la Nouvelle Vague. Y ya nos sentimos más cómodos.
Por: CARMEN DÍAZ-FAES
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GRAN ANGULAR
MELBOURNE Irán / 2014, 91 min
Nima Javidi
HOY • 20:00 h. // Teatro Jovellanos MAÑANA • 17:00 h. // Cines Centro sala 2
Ropa siendo envasada al vacio. Sobre esta imagen y al ritmo de una cadenciosa banda sonora aparecen los títulos de Melbourne, la primera película de Nima Javidi. Un tubo succiona el aire y el plástico se pliega sobre las prendas. Hay una asepsia perturbadora en la imagen, también una belleza rara, esa de la cotidianidad cuando es amplificada por el ojo de la cámara. Realidad aumentada que, paradoja, no es más realidad, sino irrealidad. Esta imagen, intrigante, ofrece el momento de mayor belleza cinemática de una película espartana. También sintetiza sus significados. El plástico como bolsa funeraria, el aire aspirado como esa casa que se cierra entorno a su pareja protagonista, atrapada en un problema que no ha creado, pero que al no resolver de inmediato crece hasta absorber todo el aire. La circunstancia, el contexto, el lugar; todo envasado al vacío. Uno puede quejarse de que Melbourne no se desmelene, de que se mantenga pegada a una imagen y un tono monocorde, basado en la repetición y la variación sobre una melodía a la que siempre vuelve. Las posibilidades de lo grotesco, del esperpento tragicómico, están en potencia, incluso lo polanskiano… Pero esas serían ya otras películas. La Melbourne que existe se ciñe a las primeras decisiones de tono y puesta en escena y se mantiene en ellas, envasada al vacío también. Teatral, Nima Javidi emplea los aparatos tecnológicos del día a día, insuflando el aire suficiente para prevenir la asfixia, y el carrusel de visitantes -la pareja protagonista está preparándose para dejar Irán (vacíos, envasados; ya saben)-, son útiles que impiden que el drama se estanque. Y después está la carga, el peso que va de mano en mano, transitivo, y que se queda atrás, al fondo del estómago.
Por: ADRIÁN SÁNCHEZ
HOY • 17:00 h. // Cines Centro sala 3
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OTRAS SECCIONES
ENFANTS TERRIBLES - CONVERGENCIAS
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OTRAS SECCIONES
RELLUMES
HOY • 19:30 h. // Cines Centro sala 2
ENTREVISTA
PETER ANDERMATT
Responsable de la gestión de la Fundación MEDIA Desk España y de la dirección de su oficina en Madrid, Peter Andermatt atesora un profundo conocimiento de la industria audiovisual, sobre todo en el desarrollo de proyectos, distribución y formación. Durante su visita al FICX ha tenido la gentileza de hablar para El52.
Hoy en día nadie puede dudar de que el FICX es un referente del cine europeo Por: JOSÉ HAVEL
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ACTIVIDADES PARALELAS
PREMIOS GAVA
HOY, a las 22:00 h. en el Teatro de La Laboral
OTRAS SECCIONES
HOY, a las 22:30 h. en la sala 4 de los Cines Centro.
ACTIVIDADES PARALELAS
MAÑANA, a las 18:00 h. en la Colegiata // Programa Europeo + Programa español
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ACTIVIDADES PARALELAS
NI UNA PALABRA
Llegamos al clímax del festival con las últimas películas a concurso. A las 11:30 en el CCAI nos espera Nima Javidi con Melbourne para rueda de prensa y fotos. A esa misma hora, en el otro extremo de la ciudad, la Universidad Laboral presenta Tom Sawyer & Huckleberry Finn junto a su director, Jo Kastner. Más lejos, en la vecina Avilés, Ivan Ikic lleva consigo a los Barbarians; será a las 12:00 en la Casa de Cultura. Entre las 12:15 y las 13:00 el CCAI continua siendo el epicentro del festival para recibir a Esteban Lamothe y Julieta Zylberberg, protagonistas de El 5 de Talleres. A continuación, Brillante Mendoza ofrecerá una rueda de prensa en compañía de Nacho Carballo. Sin más actividad mañanera nos espera en el café Dindurra (entre las 16:00 y las 16:30) Erol Mitas, director de Song of My Mother. Los Cines Centro empiezan la tarde desde las 17:00. En la Sala 1, Bande de filles con la presencia de la actriz Karidja Touré, el director de la oficina del Parlamento Europeo en España, Ignacio Samper, los eurodiputados Jonás Fernández y Tania González, y el director del FICX, Nacho Carballo. En la Sala 3, el corto Safari junto a su director Gerardo Herrero, y en la Sala 5 la guerrillera FEMEN Oxana Schachko y el director de I am FEMEN, Alain Margot. Las 18:00 son hora de Dindurra, para una charla con los galardonados con los premios honoríficos GAVA. Allí estarán Gonzalo Suárez, Luis San Narciso, Manuel Campo Vidal y Juan Ramón Lucas. Un poco después, a las 18:40, toma el relevo el jurado del ValetudoDVD. Y aún más: a las 19:20 los actores y jurados del FICX Mikel Rueda, William Miller y Nadia de Santiago nos dejarán sus impresiones. Son ya las 19:30 y toca volver al cine. La sala 4 de los Centro alberga Cautiva, presentada por Brillante Mendoza, y la sala 5, a las 20:00, proyecta El 5 de Talleres junto a su pareja protagonista. A esa misma hora, en el Jovellanos, Melbourne, presentada por su responsable, Nima Javidi. La Laboral se pone guapa a las 20:00 para la I Gala de los Premios GAVA, que se entregan a las 22:00. Si prefieren seguir en las salas, a las 22:15 Erol Mintas acompaña su Song of My Mother en la Sala 1 de los Centro. A la misma hora pero en la Sala 2 Vivian Qu presenta Trap Street. En la Sala 3, Sam hace lo propio con Pos Eso.Manteniendo hora y lugar, la Sala 4 se llena de cortometrajes y cineastas: Félix Fernández de Castro, José Luis Montesinos, Aitor Gutiérrez, Isaac Rodríguez y Tànit Fernández. La velada se cierra a las 00:30 en la Sala 1 de los Centro con La noche de…Beatriz Sánchis. La propia directora estará presente, acompañada de la actriz Nadia de Santiago. Y luego la música: Molotov Jukebox, el grupo de Natalia Tena, y Supersonora en la Sala Acapulco, en el Casino, y después al Lanna Club con Kresy Estrada. FE DE ERRATAS: La reseña correspondiente a la película Under the Skin, atribuida en el52 de ayer a Jesús Palacios, fue escrita por Adrián Sánchez. Pedimos también disculpas por cualquier molestia que pudiera haber causado nuestra información errónea, en cuanto a horarios y localización, relativa a la sesión “Día d’Asturies”.
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ENTREVISTA
BRILLANTE MENDOZA
CON APENAS DIEZ AÑOS DE ANTIGÜEDAD EN EL NEGOCIO, BRILLANTE MENDOZA SE HA CONSTITUIDO EN EL PRINCIPAL EXPONENTE DE UN CINE -QUE A OJOS OCCIDENTALES NO DEJA DE TENER CIERTO ALICIENTE TURÍSTICO- OBSTINADO EN EL NATURALISMO, IMBATIBLE EN EL FRESCO URBANO Y PERSEVERANTE EN LA REALIDAD DE SU PAÍS.
El éxito de sus películas en los festivales más importantes del mundo le ha convertido, prácticamente, en embajador del cine filipino. ¿Siente alguna responsabilidad en ese sentido?
Es inevitable. Para mí el reto está en implicarse y conseguir reflejar nuestra cultura sin que ello comprometa la calidad y la sustancia de la propia película. ¿Se protege en Filipinas el tipo de cine que usted hace o por el contrario se le considera un cineasta incómodo?
Lo cierto es que allí mis películas han sido criticadas por dar a conocer la cara negativa del país, que es la pobreza, y también por representar el sexo como parte de la realidad de la vida. Yo insisto en que la pobreza y el sexo no son el tema central de mis películas, que en realidad hablan de las luchas y los triunfos de gente corriente en situaciones extraordinarias, pero eso mismo implica hablar de los abundantes problemas inherentes a nuestra sociedad. Problemas legales o de censura nunca he tenido, pero sí es verdad que se echa en falta algo más de apoyo en cuanto a posibilidades de distribución para películas un poco alternativas. Las suyas parecen ser producciones modestas, ¿cuáles son las dimensiones aproximadas de un proyecto de Brillante Mendoza?
La magnitud varía según cada proyecto, pero en cuanto a calendarios, la parte más larga del proceso suele ser la preproducción, que incluye la documentación y la escritura del guión. Cuando la producción ya está en marcha, el rodaje no suele llevarme más de dos o tres semanas. La película de mayor envergadura que he hecho fue Cautiva, una producción internacional en la que conté con Isabelle Huppert, y la rodamos en 21 días. El rasgo más claro en todas ellas es la urgencia por representar esa realidad social de que hablaba.
Es la realidad en la que vivimos. La sociedad tiene problemas que se mantienen, que han estado siempre y que siguen estando, lo que delata un inmovilismo, una falta de reacción para cambiar esa realidad. Eso es lo que me motiva a hacer películas que de alguna manera promuevan el cambio. Y su estilo se funda en la inmersión...
Mis películas siempre están basadas en historias reales. Como director, lo que me interesa es capturar esa realidad en forma cinematográfica, y eso hay quien lo considera ultra-neorrealismo. ¿Qué espacio queda para la intuición en su manera de filmar?
En buena parte trabajo instintivamente, pero nunca dejo de guiarme por la naturaleza de la historia. Por supuesto, el reto creativo se encuentra en reinterpretar esa historia, en hacer de ella una ficción cinematográfica sin llegar a perder nunca su coherencia interna ni sacrificar la veracidad.
De ahí el esfuerzo que se percibe en su cine por no ser más que testimonio, esa preocupación por no juzgar ni caer en el sermón que desacredita a mucho cine social…
Si tu materia prima es la realidad, y si eres capaz de mantener una fidelidad narrativa basada en esa realidad, la película nunca resultará evangelizadora o moralista. Como cineasta, una de mis preocupaciones es dejarle espacio al espectador, darle un margen para que él mismo saque sus conclusiones. Pero los hechos verídicos no pueden ser rebatidos. Alguna vez ha citado a los hermanos Dardenne o a François Truffaut como autores de su interés.
Siento un gran respeto por todos aquellos directores en cuyas películas se perciben motivaciones nobles. Todo cineasta tiene una historia que contar, y mientras su película sea reflejo de la realidad creo que debe tomarse en consideración, a mí siempre me va a interesar verla. La fantasía también es una manera muy útil de explicar el mundo, de organizarlo y de darle –o al menos buscarle- un sentido. ¿No ha necesitado nunca aproximarse a ese territorio?
No lo descarto, tal vez en el futuro, pero ahora mismo siento que todavía tengo la responsabilidad de que el tipo de cine que hago llegue a más gente, de educar al espectador, especialmente en mi país. Todavía no he tenido oportunidad de verla, pero tengo entendido que en Sapi, su última película, reflexiona sobre el terror como género…
Sí, en Sapi me serví del cine de terror para yuxtaponer un comentario social sobre el miedo a lo desconocido y el miedo a lo evidente, a cosas que están más asimiladas y que por ello han dejado de asustarnos. De lo que habla la película es de cómo los medios de comunicación están poseídos y obsesionados con la idea del poder, hasta el punto de que se han convertido en una institución regida por las conductas malignas. ¿Tiene algún otro proyecto en marcha?
Ahora mismo estoy trabajando en la postproducción de Taklub, una película que trata sobre la concienciación medioambiental con respecto a los efectos del cambio climático. Es una película que hemos rodado en Tacloban, el lugar más afectado por el tifón Yolanda, cuyas consecuencias son el telón de fondo la historia.
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ENTREVISTA
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VIVIAN QU
Por : ADRIÁN SÁNCHEZ
Vivian Qu abandera una nueva visión de China, esa que se abre al capitalismo occidentalizado y utiliza los resortes del relato noir para contar esa realidad en tránsito, cambiante y vertiginosa. Black Coal, como productora, y ahora Trap Street, como directora, la consagran como nombre fundamental del cine asiático contemporáneo.
¿Siente usted que está protagonizando un revival del noir en la cinematografía de la China Continental? Creo que es incidental. El origen de Black Coal hay que fecharlo en 2006, incluso antes de la película que Yi’nan Diao dirigió. La razón es que, para nosotros, es muy difícil encontrar el dinero para levantar películas artísticas, independientes, para otros circuitos. Así que le sugerí al director que podríamos combinar esto con el cine de género, a fin de buscar una audiencia más amplia y atraer inversores. Así que primero consideramos usar una historia detectivesca, pero después, durante el desarrollo del guión, derivamos hacia el film noir. Debido a mi estancia en Nueva York pude tener acceso a multitud de filmes noir y descubrí a Claude Chabrol, a quien considero un maestro que usó el género en esta línea. Eso me llevó a sugerirle a mi director un tipo de acercamiento al material. Pienso que en el noir puedes combinar las intenciones artísticas y una trama interesante para el público. Así que en realidad se trató de sobrevivir en un entorno muy duro y competitivo. Trap Street tiene elementos noir, pero también un tono casi fantastique e influencias europeas, en especial, pienso, de Michelangelo Antonioni, en los espacios, la ciudad… Bueno, yo crecí viendo a los maestros europeos, cine de autor… Y sí, Antonioni es uno de mis favoritos, pero no estaba pensando en sus trabajos en particular al hacer Trap Street, creo que la suya es de esas influencias que permanecen en ti a lo largo de los años. Mi protagonista es un topógrafo, así que su relación con la ciudad y el espacio es crucial en la película. Quería usar las calles como metáforas de un secreto, algo que estamos acostumbrados a ver todos los días y no nos damos cuenta de que guarda secretos. Por eso, cuando hacía la película pensaba en cómo retratar adecuadamente la relación entre la ciudad y las personas y expresar esta idea de algo que es visible e invisible al mismo tiempo. En cierto modo, la chica y la ciudad representan lo mismo. ¿Habla también Trap Street de la modernidad que está llegando a China? A lo largo de la última década, China se ha convertido en uno de los países más ricos del mundo. Esto es algo que ha ocurrido demasiado rápido y hay un montón de cosas sucediendo al mismo tiempo. El cambio de mentalidad no ha ido, desde luego, a la misma velocidad que el crecimiento económico, así que esto ha provocado un contraste enorme. Alguna gente permanece mentalmente en el mismo lugar en el que estaban hace veinte o treinta años, aunque en la superficie parezcan hacer cambiado. Este era el sentimiento que quería capturar. Todos estos contrastes están creando una época muy confusa para nosotros los chinos. Dónde estamos y hacia dónde vamos es algo que no tenemos demasiado claro en este momento. Además es un tema muy personal para mí, así que quería retratarlo.
Crecí viendo a los maestros europeos, cuya influencia permanece en ti a lo largo de los años
Trap Street HOY • 22:30 h. // Cines Centro sala 2 (Encuentro)
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ENTREVISTA
OFICIAL - RELLUMES
Por : ADRIÁN SÁNCHEZ
En la India tenemos una tradición cinematográfica muy rica, con mucha historia
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En cuanto alguien te dice que esto ha de ser así o ha de ser asá, todo nuestro esfuerzo se concentra en alejarnos de esas convenciones
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FIRMA INVITADA
Rodar una película me recuerda siempre a ese antológico momento del arranque de En busca del Arca Perdida en el que Indiana Jones corre como un poseso tratando de evitar que un pedrusco de proporciones gigantescas que rueda desbocado a sus espaldas le dé alcance y le aplaste con toda la contundencia de su peso. Esa es más o menos la sensación que tiene el director ante el advenimiento de un rodaje, con su enorme carga de responsabilidad, ambición, angustia e intensidad. Noto la proximidad del inicio de un rodaje cuando me asalta de nuevo una pesadilla recurrente. Yo estoy profundamente dormido y suena repentinamente el teléfono. Es mi ayudante de dirección, que me pregunta bastante molesto dónde demonios me he metido. Me explica que es el primer día de rodaje y aún no he acudido al set, lleva toda la mañana tratando de cubrir mi ausencia pero considera que ya va siendo hora de que me decida a aparecer por allí. Yo me doy cuenta de que me he quedado dormido y, al borde mismo del pánico, salto desnudo de la cama y salgo a correr por las calles. Corro por una concurrida autopista y trato de recordar, mientras esquivo coches que me rebasan a velocidad mortal, dónde se encuentra la localización del primer día pero no lo consigo, no hay forma de acordarme. A veces me despierto en este punto del sueño, agitado y sudoroso, como en las películas de terror. Otras, la pesadilla continúa y tras varias y penosas vicisitudes consigo llegar al set de rodaje justo cuando finaliza la jornada. El equipo está recogiendo, los actores se están marchando y todos me miran con ojos de reprobación o directamente me rehuyen. Mi ayudante se acerca y me explica que ya no es necesario que venga al día siguiente. Se las han apañado muy bien sin mí, mi presencia no es necesaria… No hace falta ser Sigmund Freud para desentrañar toda la carga de miedos atávicos que contiene la susodicha pesadilla. Pero lo cierto es que, cuando por fin se manifiesta –y lo hace siempre– de alguna manera me siento bien. Es como un indicativo emocional que me asegura que ya tengo el nivel de tensión requerida para embarcarme de nuevo en el proceso… Saber canalizar esa tensión de manera que se convierta en algo creativo y no paralizante es, en gran medida, en lo que consiste tu trabajo. Y, en cierto modo, en la posibilidad de llegar sin perder el resuello al final de la carrera contra esa piedra que te quiere arrollar día tras día estriba el primer éxito de hacer una película. Porque el hecho de terminar el rodaje sin que te haya estallado ningún órgano interno (corazón, cerebro o incluso vejiga, por lo mucho que puedes haber llegado a aguantar su músculo en aras de aprovechar el tiempo) es un éxito en sí mismo. El proceso de rodaje es como bajar a la mina con una nutrida cuadrilla de personas provistas de picos y palas para procurarse las mil y una piedrecillas, gemas, trozos de loza y demás componentes que necesitas para, ya en la tranquilidad de la sala de montaje, proceder a armar el aparatoso mosaico. Tu lucha contra la enorme piedra ha terminado pero empieza otra de una intensidad si cabe mayor, tratar
Por : DANIEL MONZÓN Director y guionista de cine.
de darle un sentido a todo el material obtenido... La piedra de alguna manera puede volver a aparecer con la proximidad del estreno. Aunque ahora quizá sea minúscula y decida alojarse dentro de tu riñón. No sería la primera vez que a un director la asalte un cólico nefrítico ante la expectación de comprobar que todo lo que lleva años preparando y soñando que le va a gustar al público, en efecto, al final le complace. En el fondo, es por el afán de agradar por lo que nos ponemos a tiro de piedra… Puede que todo esto de rodar una película tenga un curioso componente masoquista, pero en realidad la respuesta es más fácil: hacer cine, tal como decía Sidney Lumet, es el mejor oficio del mundo.
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24 VIร ETAS POR SEGUNDO
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