No. 1. Vol. 1, Enero-Junio de 2017
Barranquilla, 2017
Edición Especial
No. 1. Vol. 1, Enero-Junio de 2017
Recopilación de escritos realizados por estudiantes de Tercer Semestre de Arquitectura de la Universidad del Atlántico, en la asignatura Historia III -2017/01. Giovanni Durán Polo Dirección Aurora Canales Cotes Luis G. Vásquez Mariano Diseño y Diagramación
La Facultad de Arquitectura de la Universidad del Atlántico no se hace responsable por los comentarios y los contenidos de cada uno de los artículos publicados en esta revista.
Universidad del Atlántico Facultad de Arquitectura Barranquilla, 2017.
01. ARTE RENACENTISTA 8
Arte Renacentista: Nuevos materiales y técnicas pictóricas Miguel Ángel Díaz
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Escuela Florentina Johana Martínez Beltrán
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Miguel Ángel y los frescos de la Capilla Sixtina Luis G. Vásquez Mariano
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La Ultima Cena. Obra de Leonardo Da Vinci Gilberto Ramos Buitrago
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San Juan Bautista. Obra de Leonardo Da Vinci Nay Carrillo
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Más que pintura. La Gioconda de Leonardo Da Vinci Luis Charris
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El nacimiento de Venus de Sandro Botticelli Alberto Fidias Aguirre
48
Basílica de San Lorenzo Anderson Saavedra
50
Basílica de Santa María Novella en Florencia Mayra Alejandra De La Hoz
55
Iglesia de La Consolación. Templo grande y hermoso Jesus David Martinez
58
Palacio Medici Riccardi Kelly Torres Cantillo
62
Ospedale degli Inocenti. Hospital de los Inocentes Milena Oquendo
64
Capilla Pazzi Alejandra Quintero
66
La Capilla Sixtina Liz Milena Padilla Campo
03. PERSONAJES 72
Rafael Sanzio Julio César Gómez
27
Villa Barbaro Jhonny Benedetti
76
Donatello Andrés Ramos
28
Villa Farnesina Yesica Durango Mora
80
Leonardo Da Vinci Jordan García M.
30
Santa María del Fiore Alejandra amado Rodríguez
84
Filippo Brunelleschi Moisés Peñaloza
88
Giovanni Antonio Amadeo Yulai Martínez Quintero
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Urbanismo Renacentista. Palmanova, ciudad pensada Cristian Navarro Montaño Villa Capra. La Rotonda Cristian D. Pacheco Cantillo
90
Dante Alighieri Caroline Suárez Pinto
Miguel Ángel. La Maddona de Brujas Aurora Canales
92
Johannes Gutemberg Rafael Ángel Melo
Templo Malatestiano Yhael Castro
95
Piero Della Francesca Nicole Mendoza Cueto Leonardo Da Vinci Andrea Maestre
42
Templete de San Pietro Diana C. Verdeza
98
46
Basílica de San Andrés de Mantua Kevin Alfonso Pérez Meza
02. ARQUITECTURA
34 38 40
Galileo Galilei 100 Daniel Camargo Donato Bramante 103 Camilo Moreno Peláez
Editorial REVISTA PARA DOS SIGLOS LLENOS DE TALENTO GIOVANNI DURÁN POLO*
Producir una revista, es uno de los objetivos trazados dentro del plan para visualizar los procesos académicos de la Facultad de Arquitectura de la Universidad del Atlántico. Trazos, está pensada para hacer una publicación semestral que incluya los contenidos relacionados con el Urbanismo y la Arquitectura. Esta primera edición de Trazos, nos trae una recopilación de escritos a cargo de estudiantes del programa de Arquitectura en la asignatura de Historia de III semestre, cuyo énfasis especial es el Renacimiento Italiano. La Edad Moderna en la historia del arte nos trae un momento de esplendor artístico, científico, social, simbólico etc, con el Renacimiento. Florencia como punto de arranque en la Toscana Italiana, se convierte en el epicentro del renacer de las artes con el florecimiento de grandes artistas, mecenas y pensadores. En este momento los hechos significativos presentan a la razón y la fe como elementos claves para el desarrollo de nuevos descubrimientos, emprendimientos científicos y avances artísticos. El Renacimiento, permite abrir esa ventana que nunca se cerró, vuelve la mirada a esos recursos que dejó la antigüedad clásica para ser puestos en valor nuevamente, con el humanismo y el antropocentrismo como ejes estructurantes. Roma entiende que con el arte se transmite el poder de la Fe, apoyándose en los nuevos ideales pictóricos, escultóricos y arquitectónicos. Italia se convierte en el ojo de todo este período que logra llegar a España, Francia, Portugal y a otros países de Europa y por ende se transfiere a esos nuevos territorios conquistados por las grandes potencias de la época, como España, y Portugal. La realización de este tipo de ejercicio ojalá permita a los estudiantes socializar parte de las competencias aprendidas en cada semestre, para que surjan nuevas ediciones, que sirvan como referente a los alumnos de esta carrera tan atrayente e interesante dentro de un marco de tipo académico..*
* Arquitecto. Mg. Conservación del Patrimonio. Maestrante en Urbanismo y desarrollo territorial. Docente de las áreas de Teoría e Historia de la Arquitectura, Diseño y Comunicación Gráfica.
Arriba: Imagen de antigua calle renacentista. Medio: Escultura de MoisĂŠs de Miguel Angel, en la tumba de Julio II Abajo: Detalle de la Escuela de Atenas, de Rafael. Y Detalle de los frescos de la Capilla Sixtina, de Miguel Ă ngel.
“El Renacimiento hace referencia a los esfuerzos por hacer renacer de las tradiciones “antiguas”, de la venerada Grecia e Italia clásica. El artista toma conciencia del individuo, al que estudia tanto psicológica como físicamente. Alimenta el saber y respeta el estudio de la anatomía, donde las figuras respetan modelos clásicos. Se desarrollo el humanismo, y, por lo tanto, la concepción de que el hombre era lo más importante, el centro del mundo. Este artista, además, domina habitualmente varias áreas de conocimientos.”
ARTE
MIGUEL ÁNGEL DÍAZ
Arte Renacentista: Nuevos materiales y técnicas pictóricas L
a impresión que tengamos acerca de cualquier obra propia del renacimiento dependerá de la técnica como de los materiales utilizados durante su elaboración. De ahí la importancia de este breve ensayo que nos encamina a descubrir las diferencias entre una forma de representar y otra. La primera de la que me gustaría hablar es la técnica “pintura al fresco” cuyo máximo artífice es Michelangelo Buonarroti artista capaz de pintar directamente sobre la techumbre y muros en la reconocidas escenas religiosas de la capilla Sixtina. El truco consistía en usar un aglutinante capaz de mantener la pintura sobre la áspera superficie. Otra técnica que me parece importante resaltar y pertenece al periodo renacentista Es la pintura con oleos, Da Vinci fue el primero en darle un uso magistral de este novedoso avance, al pintar el retrato de la Gioconda o mona lisa. Tanto detalle solo fue posible gracias a que el Oleo es un aceite vegetal natural de secado lento, lo que le permitía al pintor crear varias capaz de pintura mejorando aspectos como el degradado de la luz y la perspectiva. La tempera es otra técnica con pinturas a base de pastel y, al ser pigmentos muy densos, permite marcar con gran nitidez los contornos y los detalles compositivos. Además los colores resultan muy vivos y con muchos matices y las superficies son extraordinariamente homogéneas. Esto se ve evidenciado en la calidad de pinturas Hechas por el artista renacentista Sandro Botticelli con: La primavera y El nacimiento de Venus.
David por Miguel Ángel. Escultura en mármol, en la Galería de la Academia de Florencia.
Podemos concluir entonces que así como existen diferencias en las construcciones arquitectónicas por el uso de materiales y formas de construir, la pintura no es la excepción, y claramente estos patrones varían según las convicciones propias de los autores. Referencias http://www.cossio.net/actividades/pinacoteca/ p_02_03/tecnicas.htm https://historiadelarteen.com/tag/tecnicas-pictoricas-renacentistas/
El David es una escultura de mármol blanco de 5,17 metros de altura y 5572 kilogramos de masa, realizada por Miguel Ángel Buonarroti entre 1501 y 1504 por encargo de la Opera del Duomo de la catedral de Santa María del Fiore de Florencia.
“Jezabel”, Óleo sobre lienzo Escuela Florentina del S. XVII
“Alegoría de la Paz”, Óleo sobre lienzo Escuela Florentina del S. XVII
ARTE
JOHANA MARTÍNEZ BELTRÁN
Escuela Florentina F
lorencia fue un epicentro del mundo por su importancia en cuanto al desarrollo del arte y la ciencia, de esta ciudad surge la época prerrománica acogiendo artistas, pensadores, arquitectos, movimientos científicos y artísticos, haciendo de esta ciudad cuna del arte. La escuela de Florencia y el Renacimiento desarrollan un nuevo estilo de temas profanos, retratos de monarcas y burguesía, pintura sobre el hombre y la naturaleza; teniendo como característica la representación del espacio, el dibujo y la línea para luego darle color. La técnica más usada fue el óleo sobre lienzo, y el contenido de la obras estuvo marcado por la importancia de la luz, la perspectiva y el sistema de proporciones, por otra parte, la inspiración fue la religión, el humanismo, el retrato y el pensamiento neoplatónico.
Entre sus principales artistas, resaltan en el quattrocento: Masaccio, Fra Angelico, Paolo Ucello, Sandro Boticelli, Piero Della Francesca, Andrea Mantegna. Y en el cinquecento aparece Leonardo Da Vinci quien hace énfasis al hombre, la sombra, la belleza y la tensión psicológica; entre sus obras se encuentran: La virgen de las rocas, La ultima cena. La gioconda. Luego encontramos a Rafael con su dramatismo, detalle y composición. Miguel Ángel; con la grandeza, tensiones musculares, movimiento, la espiritualidad, siempre aspirando a la perfección. Entre sus obras están los frescos de la Capilla Sixtina, una obra monumental de mas de 400 figuras. Se puede concluir que la escuela de Florencia tuvo su esplendor en el quattrocento y cinquecento y dejó un aporte artístico inigualable al mundo gracias a los artistas más famosos que se han conocido a lo largo de la historia. Como contexto histórico podemos observar que hay una coexistencia de la pintura hispano flamenca con la pintura espaola produciendo una tensión entre lo antiguo y lo nuevo. Bibliografía y webgrafía http://elartesinfronteras.blogspot.com https://www.aparences.net https://www.wikipedia.com http://www.nationalgeographic.com.es
Escuela Florentina
“La Sagrada Familia”, Óleo sobre lienzo Escuela Florentina, 1570.
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ARTE
LUIS G. VÁSQUEZ MARIANO
Miguel Ángel y los frescos de la Capilla Sixtina L
a obra de Miguel Ángel es, en sí misma, una expresión de genialidad. Los frescos de la Capilla Sixtina, la escultura de Moisés en la tumba de Julio II, David, e incluso el resultado de su incursión en la arquitectura manifestada en la Basílica de San Pedro, son evidencia presente de expresiones artísticas únicas en la historia del arte. Sea por el ambiente renacentista, el apoyo que otorgaba el mecenazgo, o la propia excelencia del artista, la obra de Miguel Ángel, estableció patrones y estándares que aun hoy son tenidos en cuenta. Su carácter irascible y su dedicación y compromiso con su trabajo, hicieron del artista un hombre amado y al mismo tiempo, odiado por muchos. Los frescos de la Capilla Sixtina, son una manifestación de lo que la resistencia física y la entrega al trabajo artístico de un hombre como Miguel Ángel pueden lograr en beneficio del arte y de aquellos que disfrutamos de su obra. Encargados por el Papa para mostrar el poderío de la iglesia y la majestuosidad de un espacio sagrado, los frescos hablan del artista, de su dedicación, de su templanza y de lo que el arte puede alcanzar en el deseo humano de mostrar y compartir la belleza, por encima del poder eclesial o político. Finalmente, es el propio artista quien plasma su obra y de esta forma deja para la posteridad, un legado, un mensaje y una de las maravillas del arte renacentista, que hoy podemos disfrutar. La Capilla Sixtina, hace parte del Palacio Apostólico, que es la residencia del Papa en el Vaticano,
Creación de las estrellas y los planetas, Capilla Sixtina, El Vaticano. Tomado de Müntz (2007).
está ubicada junto a la Basílica de San Pedro y toma su nombre del Papa Sixto IV, quien encargó su restauración en 1473. Tanto la capilla, como la basílica fueron concebidas como una expresión del poder de Dios y de los líderes católicos como representantes de Cristo en la tierra. En medio de todo este aire religioso y de poderío papal, surge la figura de Michelangelo Bounarotii (1475-1564) a quien hoy llamamos Miguel Ángel.
Miguel Ángel y los frescos de la Capilla Sixtina
LA CAPILLA SIXTINA, HACE PARTE DEL PALACIO APOSTÓLICO, QUE ES LA RESIDENCIA DEL PAPA EN EL VATICANO, LA CAPILLA ESTÁ UBICADA JUNTO A LA BASÍLICA DE SAN PEDRO Y TOMA SU NOMBRE DEL PAPA SIXTO IV, QUIEN ENCARGÓ SU RESTAURACIÓN EN EL AÑO 1473.
La Sibila Délfica. Fresco, Capilla Sixtina. Tomado de Müntz (2007).
Fue el papa Julio II (1443-1513), a quien se conoce como el Papa Guerrero, el que encargo a Miguel Ángel la decoración de la Capilla Sixtina, cabe anotar que Julio II fue un mecenas que tuvo bajo su patrocinio a Rafael y Miguel Ángel, entre otros. Fue Julio II quien también promovió la construcción de la Basílica de San Pedro, terminada bajo el papado de Paulo V. Además de los frescos, la tumba del propio Papa, fue encargada a Miguel Ángel, como resultado de este encargo, quedó la majestuosa escultura de Moisés, que es una muestra de la genialidad del artista.
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ARTE
Miguel Ángel empezó a trabajar en los frescos, en mayo de 1508; dos años más tarde, en 1510, ya había terminado la bóveda, y en 1512, los lunetos y las pechinas habían sido terminados. En un período de 4 años, Miguel Ángel terminó un trabajo que para muchos era imposible de realizar, tal logro es considerado único en la historia del arte. Resulta sorprendente que para los días en que el trabajo en la Capilla fue dado a Miguel Ángel, este no tenía mucha experiencia en la pintura, pues como el mismo lo manifestaba en sus cartas, era la Escultura lo que el consideraba “su arte”, el conocimiento adquirido por el en cuanto a la pintura provenía de los días en los que estudiaba con Ghirlandaio, sin haber puesto en práctica dichos estudios. Durante el proceso de ejecución de los frescos, hubo entre Miguel Ángel y la iglesia, ciertas diferencias y desacuerdos que de no ser por la determinación del artista, hubieran alterado completamente sus ideas, conceptos e intenciones en la obra. Según algunas teorías, hay a lo largo de toda la obra, una serie de códigos secretos por medio de los cuales, Miguel Ángel dejó plasmada su posición frente a lo que debía ser el hombre en su relación con Dios y la iglesia, e incluso la prevalencia de la inteligencia y la ciencia por encima de lo establecido por la autoridades católicas de la época. Un ejemplo de esto, es la forma que circunda a Dios en “la creación de Adán”, Miguel Ángel cubre a Dios con un manto cuya forma representa el cerebro humano, para sugerir que dotaba a Adán de inteligencia suprema. Por otra parte, se considera un delicado toque de victoria sobre la iglesia, la gran variedad de cuerpos desnudos, en su mayoría masculinos que hacen parte de toda la obra, es esta una posición que va en contra de la moral y exalta lo establecido por la iglesia como profano y mundano. La obra de Miguel Ángel, cargada de belleza y rica en detalles, convierte a este artista en todo un tema de estudio. En medio de una época en la que abunda la genialidad artística y resaltan los talentos propios y las habilidades del hombre, Miguel Ángel sobresale por su obra, por lo diferente y único de sus imágenes y por la acertada interpretación de escenas bíblicas que transmiten al mismo tiempo, fuerza, belleza y excelencia. Referencias Ching, F., Jarzombek, M. y Prakash V. (2007). Una historia universal de la arquitectura. Barcelona: Editorial Gustavo Gili. Müntz, E. (2007). Miguel Ángel. Bogota: Editorial Panamericana. www. Wikipedia.com National Geographic. La Capilla Sixtina, la maravilla del Renacimiento. Recuperado de http://www.nationalgeographic. com.es/historia/grandes-reportajes/la-capilla-sixtina_8594 History Channel. Los mensajes ocultos que Miguel Ángel dejó en la Capilla Sixtina. Recuperado de http://co.tuhistory. com/noticias/los-mensajes-ocultos-que-miguel-angel-dejo-en-la-capilla-sixtina
ARTE Luis XII, rey de Francia, quien llegó a Milán y destruyó el ducado
La Ultima Cena Por Leonardo DaVinci
E
n este artículo hablaremos de una pintura controversial, y la mas estudiada y famosa del mundo: LA ULTIMA CENA de Leonardo Da Vinci.
GILBERTO RAMOS BUITRAGO
LA ULTIMA CENA Obra de Leonardo Da Vinci
La obra más famosa de la época del Alto Renacimiento y una de las más conocidas del arte cristiano religioso. Pintada por Da Vinci. En ella representa los últimos momentos que Jesús pasa con sus discípulos antes de ser crucificado, mostrando el majestuoso talento del pintor al representar cada una de las personas dibujadas en la obra, al pintar la reacción de cada uno de los doce apóstoles cuando Jesús anuncia que uno de los presente lo traicionara, donde podemos resaltar el tiempo que duró Da Vinci en realizarla más de 3 años, ya que no es
La Ultima Cena
apóstoles, en su alma, gestos, forma de expresión, entre otras; según otras versiones, ante la queja del priorato por la demora de la pintura, Da Vinci hace referencia a la situación diciendo que si no encuentra una cara colocaría la del Priorato. Para así agilizar como ellos querían. Otro misterio es el cuchillo en las manos de Pedro, que supuestamente representa la actitud del apóstol que siempre defendería a Jesús, por detalles como este, cada pequeño aspecto de la obra se ha convertido en un misterio, y es quizás por esto que a Da Vinci le llevo más tiempo de lo pensado la realización de la obra.
una pintura común, pero género que el Priorato se quejara en ese tiempo con el Duque por la demora, a lo cual Da Vinci respondió que le era imposible establecer un rostro para Judas, si nos ponemos a pensar, ¿quién querría ser el rostro que representara la traición a Jesús? Y si fuera el caso ¿Como sería el rostro de un hombre tan repugnante? Aun con tantos tropiezos, logra terminar la obra en 1498. Esta pintura ha generado gran controversia y ha sido estudiada por muchas personas, ya que se han planteado muchas hipótesis de lo que Da Vinci quiso mostrar en la obra, y de como hizo para representar la cara de cada uno, haciendo especial enfasis en el rostro de Judas, algunos dicen que se basó en el comportamiento de las personas que se asimilaban a los 12
En 2003, se publica la novela El Codigo Da Vinci, escrita por Dan Brown, y llevada al cine en 2006. Los hechos publicados tanto en la novela como en la película, hacen que la pintura tome más fama y sea criticada y especulada por muchos. Pero siempre quedará la duda de que si uno de los hombres más brillantes del mundo quiso realmente reflejar en una sola imagen tantos misterios o solo deslumbrar con un hermoso cuadro, sin ninguna trampa, solo talento, pero eso seguirá siendo un misterio. Referencias https://es.wikipedia.org/wiki/La_%C3%BAltima_cena_(Leonardo_da_Vinci) http://eldiariony.com/2017/02/16/ultima-cena-da-vinci-secreto-misterio-piedras-preciosas/
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ARQUITECTURA
NAY CARRILLO
SAN JUAN BAUTISTA Obra de Leonardo Da Vinci
P
ara poder comprender una corriente tan compleja como el Renacimiento, tendremos que irnos a sus inicios a mediados del siglo XIV en Europa con el Renacimiento Italiano que da origen a nuevas formas de concebir y explicar la realidad, y logrando grandes cambios culturales. El Renacimiento Italiano comenzó en Toscana, con epicentro en las ciudades de Florencia y Siena. Luego tuvo un importante impacto en Roma. Lo novedoso que trajo esta nueva época fue su ideal antropocéntrico poniendo al hombre como eje principal de la vida. Dándole prioridad a la razón, el individualismo, el progreso artístico y científico que impulso los grandes descubrimientos. Se puede dividir en cuatro periodos: protorrenacimiento, renacimiento temprano, alto renacimiento y manierismo. Surge el concepto de artista: Giorgio Vassani que fue el primero en recopilar la vida de los artistas, en este momento la sociedad era mas materialista, interesada en la objetividad teniendo una mentalidad capitalista y así ayudando al crecimiento de las ciudades.La pintura del renacimiento italiano en la pintura del periodo que comenzó a finales del siglo XIII y floreció desde principios del siglo XV hasta finales del siglo XVI en la península itálica. El renacimiento italiano es bien conocido por sus logros culturales. Esto incluye creaciones literarias, grandes obras de arquitectura y obras artísticas como por ejemplo san juan bautista uno de
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los últimos cuadros del pintor renacentista reconocido y artista polifacético, Leonardo Da Vinci ( Leonardo di ser Piero da vinci), San Juan Bautista, principalmente podemos decir que es una pintura hecha entre 1508 y 1513 o de 1513 a 1516 al oleo sobre tabla, cuyas dimensiones son de 69 x 57 cm y que actualmente, se conserva en el museo del Louvre de parís, una obra llamativa gracias por lo enigmático Es una de los pocas obras de Leonardo en la que el paisaje de segundo plano se ve sustituido por un fondo oscuro. Obra que tuvo mucha polémica por el significado del santo apuntando hacia arriba, y su sonrisa misteriosa semejante a la de la Mona Lisa. Representa a Juan Bautista en la soledad del desierto. Representado a medio cuerpo que cuadra con el ideal de belleza humana de Leonardo, San Juan viste pieles, tiene largo pelo rizado sostiene una cruz de junco en su mano izquierda mientras que la derecha apunta hacia el cielo. Se cree que la luz y las pieles se añadieron mas adelante por otro pintor. La figura está envuelta en una mórbida sombra. Mientras que el tronco tiene una cierta solidez y fuerza, el rostro y la expresión tienen una delicadeza y misteriosa suavidad que parecen contradecir la personalidad de Juan, el intransigente y abstemio predicador en el desierto, como lo describe la Biblia. Puede ser que haya escogido retratar al santo en el momento de bautizar a Jesucristo, el momento en el que el Espíritu Santo desciende sobre Jesús en forma de paloma.
La expresión del rostro, lánguida y ambigua, es típica de las últimas obras de Leonardo. La mirada es estrábica, pues muestra la embriaguez de amor (Baco); el índice señala hacia el cielo, pues el amor solo se completa en Dios, según enseña Platón.
la ve y que el gesto de su cara no concuerda con la forma de su cuerpo lo que se supone que debe representar “algo religioso”, como Da Vinci siempre de un modo u otro trataba de decir algo en sus pinturas mas allá de lo que le pedían que expresara.
Algunos han indicado que la apariencia de San Juan es hermafrodita, una teoría apoyada por un esbozo de Leonardo conocido como “el ángel encarnado” y el salvador Mundi.
Yo cuando veo la pintura y miro el gesto de su cara pienso como si se burlara con esa sonrisa amistosa y con esa mirada misteriosa lo que es contradictorio ya que san juan bautista fue bautizado antes que cristo y esta ligado a la religión y al mandato de Dios.
El gesto de señalar al cielo sugiere la importancia de la salvación a través del bautismo que san Juan representa. Pero Da Vinci nos quiere decir algo mas aparte de lo ya dicho. Leonardo creía que el primer ser humano en bautizarse no fue Jesús, si no el propio Juan Bautista, por lo que el pintor italiano lo identifica con el verdadero mesías, el enviado a Dios. Se podría decir que esta obra llamativa misteriosa e intrigante tiene un significado diferente para el que
Referencias http://eltesorodesauniere.blogspot.com.co/2011/10/sanjuan-bautista-de-leonardo-da-vinci.html http://www.biografiasyvidas.com/monografia/leonardo/ fotos8.htm https://es.wikipedia.org/wiki/San_Juan_Bautista_(Leonardo)
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La Gioconda o Mona Lisa. Leonardo Da Vinci (1503-1519).
LUIS CHARRIS
MÁS QUE PINTURA La Gioconda de Leonardo Da Vinci
Adentrándonos en el contexto histórico del renacimiento italiano nos damos cuenta del gran papel que tuvo el arte(El principal) y como impacto e influencio la manera simple de vivir sometidos a estatutos y leyes que impedían al ser humano progresar y desarrollar el pensamiento, esto lo podemos ver claramente en el momento en que algunos personaje se revelaron en contra del imperio cristiano (Falsos piadosos) dando a conocer otras alternativas de buscar a Dios sin someterse al poder religioso de la época, el culto a la divina naturaleza, la critica plasmada en las obras de artes, etc.; En este Articulo vemos como el humanismo y la libertad de pensamiento dio inicio al gran auge de códigos y secretos en las obras de arte con ejemplo de La Gioconda. ¿Por qué Leonardo da Vinci tenia fascinación con una obra de arte de tan solo ochenta centímetros? La mona lisa que sin duda es la obra de arte mas importante del mundo no había conseguido tal admiración por su sonrisa inquietante ni mucho menos a la interpretaciones misteriosas de historiadores del arte o a defensores de la teorías conspiradoras, la realidad era que su fama se debía a la afición de su propio creador diciendo que era su obra mas lograda (La representación mas sublime de la belleza femenina). La increíble interpretación de esta pintura la podemos admirar leyendo el capitulo 26 del Código da Vinci donde el profesor Langdon da una clase en una cárcel del condado de Essex. Podemos culminar este articulo dándonos cuenta como en el Renacimiento el ideal por ser exploradores del conocimiento y la verdad absoluta se vuelve el inicio de toda una cultura intelectual que hasta el día de hoy sigue en auge. Para mas ejemplo de el secretismo impregnado en las obras de artes del renacimiento italiano podemos ir al Hombre de Vitrubio y La Ultima Cena.
Referencias Brown D. (2003). El Código Da Vinci. Random House. Pintura Renacentista Italiana – Wikipedia Renacimiento Italiano – ArteEspana http://wallpaperssea.blogspot.com.co https://es.pinterest.com/pin/416371928019186309/
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ARTE
ALBERTO FIDIAS AGUIRRE
El nacimiento de Venus de Sandro Botticelli E
l nacimiento de Venus es una de las obras cumbres del pintor Sandro Botticelli, está hecha al temple sobre lienzo y sus medidas son de 1,72 m x 2,78 m, fue hecha principalmente para la casa de campo de un primo de Lorenzo de Médicis y fue inspirada por un poema de Poliziano. En el cuadro podemos observar cuatro personajes: tres mujeres y un hombre destacándose en el centro de la pintura una mujer denuda identificada como Venus, los otros tres personajes son Flora a su izquierda (queriéndola arropar) y los vientos Cérifo y Aura, el paisaje donde se desarrolla la escena es un mar azul de fondo y una orilla a la derecha del cuadro donde se encuentran algunos árboles, la posición de Venus está inspirada en la postura que utilizaban los romanos para sus esculturas. Como conclusión podemos observar que esta obra tiene características claramente renacentistas y que Botticelli muestra un especial cuidado por las líneas (se ven las líneas más que el color), gusto por el color pastel y el dibujo decorativo.
Actualmente se conserva en la Galería de los Uffizi, Florencia.
El nacimiento de Venus
Arquitectura del Renacimiento o renacentista es aquella diseñada y construida durante el período artístico del Renacimiento europeo, que abarcó los siglos XV y XVI. Se caracteriza por ser un momento de ruptura en la Historia de la Arquitectura, en especial con respecto al estilo arquitectónico previo: el Gótico; busca su inspiración en una interpretación propia del Arte clásico, en particular en su vertiente arquitectónica, que se consideraba modelo perfecto de las Bellas Artes. Produjo innovaciones en diferentes esferas: tanto en los medios de producción (técnicas de construcción y materiales constructivos) como en el lenguaje arquitectónico, que se plasmaron en una adecuada y completa teorización.
JHONNY BENEDETTI
VILLA BARBARO
V
illa Barbaro, también conocida como villa Di Maser, fue diseñada por el arquitecto italiano Andrea Palladio en Maser, Venecia. Aproximadamente en el año 1650, los hermanos Barbaros solicitan al arquitecto Andrea Palladio que construya una casa de campo y al pintor italiano Paolo Veronese que decore los muros. Por siglos la familia Barbaro vivía en un edificio antiguo cerca a las colinas dolomitas, por esta razón ordenaron al arquitecto que lo sustituyera por una Villa de estilo moderno. 50Km al sur, Venecia estaba pasando por una crisis económica, la ciudad había perdido la superioridad en el comercio, es por eso que se decide ocupar hasta ese entonces terrenos baldíos, los nobles debían dejar atrás sus palacios y pasar parte de su tiempo prestando atención a sus tierras, este nuevo estilo de vida traía consigo un nuevo tipo de residencia donde estuviera
el palacio y la granja dando lugar a una residencia conocida como Villa. La edificación es estrictamente simétrica, el eje de simetría es imponente frontis, la casa principal está designada especialmente para habitaciones de recepción, al mismo tiempo esta proporciona a los propietarios un punto de observación para estar al pendiente de las tierras. La fachada de la casa principal posee columnas jónicas, estilo que Palladio trajo de Roma. En la parte de atrás de la casa principal se abren dos alas, dedicadas a la vivienda y el trabajo, en esta parte de la edificación se trabajó una mayor simpleza acorde a su carácter debido a que era una zona más intima, ambas partes cuentan con una galería exterior techada y abierta por uno de sus lados mediante el uso de arcos. Rodeando la casa principal se encuentran las habitaciones y hacia los lados se encuentra la zona de trabajo como los graneros, establos, etc.
La villa no posee una gran entrada, el acceso a las áreas nobles de la casa principal está por los costados por medio de un par de escaleras. Veronese pintó en los muros, frescos poco tiempo después de que el edificio fue terminado, siguiendo un programa por los mismo hermanos Barbaro, Veronese represento aquí temáticas del renacimiento italiano como dioses y musas humanizados. En la villa se encuentra un patio en claustro, el cual no se alcanza a visualizar desde la parte exterior, este mismo se suple de un manantial, este elemento se toma de la antigüedad, en Grecia y Roma se conocía como ninfeo, el cual era un santuario para las ninfas.
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ARQUITECTURA
YESICA DURANGO MORA
Villa Farnesina Villa-Palacio de Roma
Arquitectónicamente es una construcción renacentista la cual se compone de jardines a sus alrededores, una obra arquitectónica de un bloque central con dos alas menores a ambos lados y principalmente la componen interiormente una variedad de salas en su interior (la sala de Galatea la cual era el vestíbulo principal de la planta baja con el fresco: el triunfo de Galatea, la lógica de cupido y psique, el salón de la perspectiva decorado por Peruzzi, y sala de los amores de Alejandro y Roxana), en cada una de ellas se encuentran frescos con temáticas realizados por numerosos artistas como Rafael y Sebastián de Piombo a cargo de la sala de Galatea.
E
s una construcción iniciada en 1509 y finalizada en 1511 por Baldassarre Peruzzi, se encuentra bajo el Gianículo, en el barrio de Trastévere (Via della Lungara), fue mandada a construir al otro lado del río por el banquero Agostino Chigi. La obra es de estilo Renacentista. La Villa cambio su nombre a su actual nombre tras la muerte de Chigi, que deja la casa deshabitada hasta años mas tarde que fue comprada y restaurada por Alessandro Farnase y es de ahí donde se toma su nombre. La villa sufrió algunos deterioros con el pasar del tiempo, además, de un desastre natural a manos de la crecida del río Tiber; sin embargo, aun se conservan muchos de estos frescos, estucos y mosaicos en una operación rescate que se realizo en 1879 a manos de Domenico Marchetti. El principal atractivo de esta obra arquitectónica, mas que tu exterior, es el interior con sus frescos. Fue una de las primeras villas suburbanas que se realizaron en Roma y el banquero quiso rodearse de toda la belleza posible. Recurrió para ello a una generación de jóvenes pintores que la engalanaran con escenas mitológicas y de la antigüedad. En este edificio no tuvo cabida el tema religioso y sí el disfrute de la sensualidad.
Referencias
Fue construida entre 1505 y 1511 por Baldassarre Peruzzi en el barrio del Trastevere, por encargo del banquero sienés Agostino Chigi.
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https://es.wikipedia.org/wiki/Villa_Farnesina https://www.101viajes.com/roma/villa-farnesina http://www.nationalgeographic.com.es/historia/grandesreportajes/la-villa-farnesinauna-galeria-de-pintura-bajoel-tiber_8137 http://algargosarte.blogspot.com.co/2014/10/la-villa-farnesina-de-roma-los-frescos.html
Interior de la Villa Farnesina
ALEJANDRA AMADO RODRÍGUEZ
Santa María del Fiore Corona di Firenze
E
s uno de los más grandes iconos de la ingeniería de toda la historia, se le considera un milagro a base de ladrillos y mortero, la cúpula de Santa María del Fiore llega a la ciudad italiana de Florencia como un reto para los escépticos al renacimiento. Construida por Filippo di Ser Brunellesco Lapi, conocido simplemente como Filippo Brunelleschi un orfebre sin previa formación en la arquitectura, y sin la tecnología necesaria para hacer de la cúpula algo posible.
Hace 600 años, Florencia experimentó lo que se le podría llamar el Big Bang de la creatividad renacentista, grandes exponentes como Miguel Ángel y Leonardo Da Vinci crecieron en esta ciudad, tanto así que muchos creen que el renacimiento surge a partir del más reconocido hito de la ciudad la cúpula de la catedral de Santa María del Fiore. Construida 60 años antes de que Colón cruzara el océano Atlántico, sin ayuda de máquinas o materiales modernos, la cúpula sigue siendo una de las más icónicas del mundo.
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Dicha estructura tiene ciertas características que la hacen única, posee una forma de arco puntiagudo con ocho lados que se elevan hasta un punto central rematado por una gigantesca linterna de mármol.
Pero hay mucho más de lo que se puede ver a simple vista, las tejas recubren muros de ladrillos, aunque parece ser una única y sólida estructura, oculta en realidad dos cúpulas una dentro de otra. La longitud que recubre la cúpula interior es de una cifra de 45,72 metros, mientras que la exterior se eleva 32,92 metros por encima de los muros de la catedral que poseen 51,82 metros de altura.
”
Las preguntas acerca de la construcción de la cúpula persisten hasta nuestros días; Filipo tenía fama de ser un hombre desconfiado y a diferencia de Leonardo Da Vinci no dejo ningún documento para la posteridad, por esta razón durante siglos los estudiosos han intentado descubrir el secreto de la cúpula de Brunelleschi.
Santa María del Fiore
La búsqueda de ese secreto comenzó en los años previos al renacimiento a comienzos del siglo XIV se da lugar a lo que han llamado algunos expertos «una carrera armamentista medieval» entre Florencia y otras ciudades tanto influyentes como emergentes, tales como Siena y Pisa, todas intentaban derrocarse entre sí a través de la construcción de catedrales cada vez más grandes. Los florentinos vieron la necesidad de competir con los templos de las otras ciudades ya que se caracterizan por ser personas creativas, como expresa el autor del libro «la cúpula de Brunellenschi» Ross King en una entrevista “decidieron que otras ciudades de la toscana, otras ciudades de Italia tenían templos más grandes que los suyos y querían competir con ellas sobre todo superarlas”. En 1293 las autoridades de la ciudad de Florencia formaron un comité de supervisión para la construcción de la nueva catedral (Santa María del Fiore), que fuese
diferente a las demás ya que poseían un estilo gótico el cual rechazaban al considerarlo recargado, regresando a un estilo mucho más simple, el estilo Clásico, inspirándose en la cúpula del panteón romano. Florencia se decidió a superar todas las glorias de la arquitectura pasadas y presentes. Concluimos con la cita de Monseñor Timothy Verdón encargado del museo de la catedral “con la cúpula, Florencia entra en una dimensión diferente el domo se convierte en el centro de una nueva ciudad de un nuevo mundo es una estructura absoluta elevada, retadora, llena de confianza es como una obra de Dios”. Referencias https://www.casadellibro.com/libro-la-cupula-debrunelleschi-historia-de-la-gran-catedral-de-florencia/9788445502358/856969 http://timothyverdon.com/
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CĂşpula de Santa MarĂa del Fiore en Florencia
Urbanismo Renacentista
Palmanova, ciudad pensada CRISTIAN NAVARRO MONTAÑO
C
orriente cultural la cual produjo un realce en las artes y las ciencias. El renacimiento se dio concretamente en la Europa occidental, en ciudades como Venecia y Florencia expandida posteriormente en Europa a partir de los siglos XV y XVII, su desarrollo corresponde al origen de la edad moderna, la consolidación de los estados europeos, la fragmentación del feudalismo y los viajes tras oceánicos enlazando Europa con América, despertando así un gran interés por el continente americano. En este periodo emergen maneras de ver el mundo y al ser humano siendo este el centro de todas las cosas, donde factores políticos, científicos y filosóficos lo llevaron a un cambio inminente de lo teocentrismo medieval por el antropocentrismo. Durante este tiempo la pintura, escultura y la arquitectura estuvieron en la cima de su grandeza, se intentaba representar la ilusión de profundidad buscando la belleza pura llegando a un realismo casi perfecto de las cuales muchas de estas obras ha sido imposible replicarlas debido a su perfecta simetría. Una de las mas impresionantes esculturas realizada por Francesco queirolo , (la libertad del cautivo) hecha de una sola pieza de mármol , parece imposible que un ser humano halla hecho tan semejante obra, al igual que la obra de Giuseppe san martino , cristo velato una de las mayores obras maestras en el campo de la escultura de todos los tiempos , se dice que el alquimista raimondo di sangro habría enseñado al escultor la calcificación de los tejidos en cristales de mármol.
Apoyándose en cálculos geométricos y matemáticos la llamada perfección técnica se consagraba en el renacimiento italiano y en su arquitectura, la cual paso de tocar la nubes a una arquitectura horizontal obteniendo la máxima armonía y proporción. Esta arquitectura buscaba una visión total del edificio desde el interior. Entre los mas destacados del quattrocento son destacables los siguientes arquitectos ; Brunelleschi cúpula catedral de Florencia León Battista Alberti. Junto con Brunelleschi templo malatesta riminiy tambien responsable de , Giuliano Sangallo. Artífice de Santa María delle Carceri en Prato en esta época se sigue apreciando los ordenes clásicos, concretamente de la arquitectura romana, con la utilización de pilastras, arcos de medio cañón, aristas cúpulas y implementación de estructuras exagonalaes como la ciudad ideal, ciudad palmanova. Diseñada por el arquitecto y artista vincenzo, es una una ciudad construida estratégicamente con forma exagonal, costa de 3 puertas: Aquileia, Udine y Cividale orientadas hacia un solo destino (antiguo patio de armas) la ciudad consta con cortinas, bastiones, falsebraghe, foso y revelines. Referencias http://buenavibra.es/por-el-mundo/palmanova-la-rigurosaciudad-fortaleza/ http://www.arteespana.com/arquitecturarenacentistaitaliana. htm https://es.wikipedia.org/wiki/Arte_del_Renacimiento
ARQUITECTURA
CRISTIAN D. PACHECO CANTILLO
Villa Capra
La Rotonda Considerada cómo uno de los modelos arquitectónicos renacentistas, patrimonio de la humanidad, mas estudiados e imitados y la villa mas famosa del arquitecto Andrea Palladio, La Rotonda en uno de los edificios mas icónicos de la historia de la arquitectura en la Edad Moderna, siendo la representación y definición del Renacimiento Italiano, que se Inspira en el Panteón romano.
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a idea de la construcción de la Villa Capra nace por la petición del conde y sacerdote Paolo Almerico quien después de retirarse de la curia romana en 1565 decide volver a su ciudad natal Vicenza y construirse una residencia de campo que respondiera a su distinción social y religiosa, y fue lo que Palladio ideo para el; una casa suburbana de una imagen social pero también un refugio tranquilo y de estudio, aislada en la cima de una colina, alejada del movimiento y ajetreo tipico de la ciudad. El edificio consiste en la superposición de una cuadrado simétrico con una cúpula planteada en su centro, sobre una cruz griega formada por 4 escalinatas, flanqueadas por muros decorados con estatuas, que conducen hacia las logias, cada una conformada por con seis columnas jónicas que rematan en un frontón decorado con dos óculos y un escudo en el centro, al igual que con estatuas de deidades clásicas de Lorenzo Rubini en sus vértices. Estas logias conducen hacia unos cortos pasillos que llevan hacia la planta central circular cubierta por una cúpula y circundada por cuatro habitaciones. Además cuenta con un sub nivel o sótano, generado por la altura de las escalinatas, dedicado a los servicios de la cocina y administración. Este proyecto refleja el ideal humanístico de la arquitectura renacentista al igual que tiene una fuerte conexión con el entorno del campo ya que es de arquitectura abierta, desde sus pórticos se puede gozar de la maravillosa vis-
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ta del campo circundante. También se destaca la decoración interior, realizada por la mano de muchos artistas y la cual tomo mucho tiempo, principalmente se destacan la sala oeste que muestra una alegoría a la vida del conde Paolo Almerico y a sus habilidades retratadas en frescos y la sala central circular con un cielorraso semiesférico decorado con frescos de Alessandro Maganza donde representa la religión, la beningnidad y la castidad, las paredes de esta sala están decoradas con columnas falsas y deidades mitológicas griegas obras de Ludovico Dorigny. La villa rotonda se puede considerar como una de las obras mas destacadas de la trayectoria artística del arquitecto Andrea paladio, es la representación del modelo de construcción típico renacentista que toma elementos de la cultura antigua clásica y los renueva con otros propios de la época, estando inspirada en el modelo del panteón romano, que lleva a concluir como al poeta Goethe que Palladio había adaptado el templo griego para ser habitado, influido por elementos pictóricos religiosos, griegos mitológicos y del propietario original. Referencias https://es.wikipedia.org/wiki/Villa_Capra http://artelallusser.blogspot.com.co/2010/03/villa-capra-orotonda-palladio-fue.html https://artemaestre.blogspot.com.co/p/evolucion-de-la-arquitectura-del.html
Villa Capra. La Rotonda
Villa Capra de Andrea Palladio
ARQUITECTURA
Miguel Ángel La Maddona de Brujas AURORA CANALES
Como una de las primeras esculturas de mármol independientes que adornan un altar cristiano, La Madonna de Brujas ( Bélgica ) refleja el innovador estilo de Miguel Ángel al representar arte religioso, aunque poco se sabe sobre la comisión o creación de la escultura, se dice que no encaja en la iconografía de las representaciones anteriores de la misma materia e incluso biógrafos de Miguel Ángel no identificaron la escultura correctamente.
A
pesar de sus inconvenientes históricos y sus quinientos años en Bélgica lejos de su país de origen Italia, (es la única obra que salió de Italia mientras Miguel Ángel aún vivía) la obra tiende a despertar cierta fascinación, hay quienes sugieren que guarda un misterio y que el interés que despierta es considerable. Ante la escasez de pruebas documentales sobre las circunstancias originales de la creación y comisión de la
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obra, nos vemos obligados a hacer frente a una pregunta: ¿era Miguel Ángel consciente del destino final de la Madonna de Brujas? la respuesta a esta pregunta, creo, reside en la escultura misma y, más específicamente, en su relación recíproca con su significado litúrgico y su altar. Desde un punto de vista visual, la ubicación actual de la escultura aporta sensaciones a la proporción y expresión de las figuras. Examinando la estatua desde otros puntos de vista, se hace evidente que Miguel
La Madonna de Brujas
La Madonna comparte ciertas características de La Piedad, que se completó poco antes de la Madonna de Brujas sobre todo, el claroscuro efecto y el movimiento de las cortinas. La cara larga, ovalada de María es también una reminiscencia de La Piedad.
Ángel pretendía que la estatua residiera en un lugar específico con cierta altura para lograr un efecto óptimo. El Mouscron encargó una Madonna junto a una escultura infantil que en poco tiempo encontró camino a su capilla familiar, Mouscron fue un reconocido comerciante de telas en Brujas, una de las ciudades comerciales más importantes de Europa. La escultura fue vendida por 4.000 Florines. La madonna sería dedicada a “Langhe Moeder Gods “en una iglesia con el nombre de “Nuestra Señora“ conclusión lógica que señala que Miguel Ángel creó la Virgen de Brujas con un altar específico en mente, aunque no hay conocimiento de primera mano del lugar mismo. A demás del aspecto formal y artístico de la obra, mas allá de eso encontramos la inconfundible relación maternal entre Madre e Hijo. El paso tentativo del Niño Jesús desde el brazo de su madre sugiere el destino que le depara. Jesús está de pie, casi sin apoyo, solamente restringido de la mano izquierda de María, y parece estar a punto de alejarse de su madre. Mientras tanto, María no se aferra a su hijo, ni siquiera le mira, pero mira hacia abajo y lejos, como si ya supiera lo que el destino le depara a su hijo. Las miradas
A diferencia de la Piedad, que marcó una ruptura singular de la tradición escultórica, la Madonna de Brujas es sólo un ejemplo en una narrativa continua de cambio de actitudes hacia la escultura religiosa durante el Renacimiento. Más que trastornar la tradición cristiana, Miguel Ángel aprovecha el poder y la belleza de la escultura de mármol, el material primario de los romanos para representaciones religiosas de un sujeto cristiano y para cristianos. El miedo a la idolatría pagana que había perseguido a la Iglesia durante siglos parece haberse calado lo suficiente como para permitir la instalación de una escultura de mármol independiente sobre un altar, la Virgen de Brujas demuestra no sólo la innovación radical que rompe lo tradicional ,si no, más ampliamente, las cambiantes percepciones de escultura como arte religioso en el Renacimiento.
hacia abajo de ambas figuras realzan al espectador la expectativa de que algo se encuentra ante la escultura, literal y figurativamente. La Madonna comparte ciertas características de La Piedad, que se completó poco antes de la Madonna de Brujas sobre todo, el claroscuro efecto y el movimiento de las cortinas. La cara larga, ovalada de María es también una reminiscencia de la Piedad. En la Madonna de Brujas, la manipulación de tela de Miguel Ángel también actúa de manera similar a la Piedad de Roma, manipula el tejido del manto de la Virgen para crear una conexión literal entre la madre y el Hijo, reforzando la separación emocional que ocurrirá cuando Cristo se separe de su madre. Referencias http://www.tadeuszimm.com/la-guia-de-brujas-de-tadeuszimm/el-misterio-de-la-madonna-de-miguel-angel http://www.tadeuszimm.com/la-guia-de-brujas-de-tadeuszimm/el-misterio-de-la-madonna-de-miguel-angel
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YHAEL CASTRO
Templo Malatestiano Símbolo del humanismo renacentista
P
ara empezar, El renacimiento, fue uno de los grandes momentos de la historia universal, y se conoce como la época de transición entre la edad medieval y la moderna. Se le denomina de esta manera porque durante este periodo se despierta un avivado interés de volver al mundo clásico y se caracteriza por el surgimiento de las corrientes antropocentristas, en las que se exalta al hombre y se deja a un lado la visión teocéntrica. En el transcurrir de este tiempo, se desarrollan una serie de eventos que marcan las tendencias a seguir en el arte, arquitectura, literatura, y demás. Y partiendo de esta premisa, que el centro de todo es el hombre y su felicidad terrenal, comienzan a surgir grandes pensadores, científicos, inventores, artistas, arquitectos, etc. La arquitectura renacentista, refleja en absoluto la filosofía humanista del momento, basada en la iluminación, libertad y claridad mental oponiéndose a la oscuridad y espiritualidad de la Edad Media, y tuvo repercusiones directas en la escala y métrica de las edificaciones. Se destacan arquitectos como Leonne Battista Alberti, quien nació en Génova, y provenía de una familia netamente humanista. Era un hombre culto en toda su esencia, conocedor de todas las artes y escritor de tratados de escultura, pintura y arquitectura. Alberti junto con Filippo Brunelleschi son dos de los arquitectos más reconocidos del Renacimiento. Una de sus obras cumbres fue la del Templo Malatestiano, en Rímini. Segismondo Pandolfo Malatesta, quien tenia bajo su poder la ciudad de Rímini, encargó al arquitecto remodelar la iglesia de San Francesco y convertirla en
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un templo dedicado a su gloria, al estilo de los templos paganos del mundo antiguo, sirviendo, a su vez, de panteón para él y su corte. Alberti proyectó un recubrimiento para la edificación completamente aislada de lo ya existente, que envolviera al estilo gótico que poseía. Sin embargo, existía una total conjunción entre la fachada de templo antiguo y el interior gótico, que combinado con una serie de símbolos complejos glorificaban al duque. La fachada del templo remite a la composición de un arco de triunfo y los laterales a los acueductos romanos. El edificio está compuesto por una nave de seis tramos, con capillas laterales, y rematado por una cabecera circular. En las capillas interiores, que fueron decoradas por artistas como Mateo de’Pasti, Agostino di Duccio, y otros, aparecen signos del zodiaco y símbolos de culturas antiguas, así con el remate de una representación de Segismondo como el sol.
El templo estaba diseñado originalmente por Alberti con una cúpula, de grandes dimensiones a semejanza del panteón de Roma, y su intención era convertirla en la mayor cúpula de Italia superando a la de la Santa María di Fiore. Fue un proyecto ambicioso, sin embargo quedó inacabado debido a los bajos recursos económicos. El templo es hoy la catedral de la ciudad de Rímini, que oficialmente lleva el nombre de San Francesco. En síntesis, considero que esta edificación es una obra arquitectónica digna de reconocimiento ya que, como ha sido mencionado, fue la primera iglesia en utilizar el arco triunfal romano como parte de su estructura, además de poseer un impactante diseño que a pesar de no haber sido culminado resalta en medio de las edificaciones de la época por la forma en como el arquitecto juega con la concepción del espacio y la forma existente y su ingenio para dar como resultado un monumento que en todas sus caras nos habla de ese gran poder y gloria del hombre, convirtiéndolo en un símbolo del movimiento humanista. Referencias http://masdearte.com/especiales/alberti-malatestay-el-templo-pagano/ https://es.wikipedia.org/wiki/Templo_Malatestiano http://mihistoriauniversal.com/edad-moderna/renacimiento-italiano/ http://www.artehistoria.com/v2/contextos/4334. htm
DIANA C. VERDEZA
Templete de San Pietro In Montorio Obra del renacimiento italiano ubicada en Roma en uno de los patios del convento del mismo nombre, en castellano “San Pedro en el Monte de Oro” perteneciente a la Orden Franciscana. El lugar antiguamente era un sitio que se utilizaba para la ejecución de cristianos; inclusive es el punto donde la cristiandad latina cree que fue crucificado el apóstol Pedro.
E
n el primer patio del convento se encuentra el afamado Templete de San Pietro in Montorio, obra arquitectónica atribuida al arquitecto italiano cinquecentista Donato d’ Ángelo Bramante, quien además fue un gran pintor formado durante el Quattrocentro, pero que alcanzó su máxima expresión artística ya en el Cinquecento, es decir, cuando corría el Siglo XVI. Su obra más influyente se le atribuye al participar en la planeación de la Basílica de San Pedro, la cual solo comenzó y sería modificada y continuada por otros importantísimos personajes como Rafael y Miguel Ángel para ser posteriormente finalizada en el siglo XVII por Carlo Moderno. Por cuenta de los Reyes Católicos, al mencionado arquitecto se le pide erigir un templo en conmemoración del martirio del apóstol Pedro, el cual fue terminado en el año 1502. El templo se le atribuye una subdivisión en tres cuerpos con ciertos significados de la siguiente forma:
La Iglesia de San Pietro in Montorio y el Templete de Bramante en el Janículo son el exvoto de los Reyes Católicos por el fallecimiento del Príncipe Juan de Aragón y Castilla el 1497, según figura en las inscripciones del Templo. Esta obra se considera como el manifiesto de la arquitectura del clasicismo renacentista, dada su pureza de líneas y austeridad decorativa. El templete fue realizado en granito, mármol y travertino, con acabados de estuco y revoco.
La cripta subterránea, la cual simbolizaría el martirio de San Pedro y el primitivo origen de la iglesia cristiana en las catacumbas. La cripta fue consagrada en el año 1500 y tras una pequeña pausa, se continuaría con la parte superior y visible externamente del templo. El peristilo y la capilla simbolizarían la iglesia militante de hoy (en peregrinación en la Tierra). Y la cúpula simbolizaría la iglesia Triunfante en el gozo del cielo. Bramante recurrió a la forma clásica griega “Tholos” de planta circular teniendo en cuenta que era un martyrium. Además de la forma clásica griega circular, también la recreó en cuanto a función, pues a pesar de que contaba con dimensiones pequeñas, en comparación a las monumentales obras clásicas griegas, en el interior se encontraba el altar.
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ARQUITECTURA
La planta la rodeó de 16 columnas (número perfecto según Vitrubio) con fuste de orden dórico. Estas dos características, tanto la forma griega “tholos” más el origen dórico de las columnas, eran tradicionalmente dedicadas a los héroes, identificando de esta manera a San Pedro como un héroe cristiano. Adicional a esto, la similitud con la tradición del medioevo de utilizar plantas centrales como la del templo para los “Martyria”, logró unir todavía más las tradiciones cristianas con las paganas, y dándole mayor peso a la importancia de San Pedro como primer pontífice y fundamento de la iglesia cristiana. Bramante además había planeado un patio con columnas que rodearían el templo, pero no lo materializó debido a que le fueron encargados proyectos mucho más impresionantes como la Basílica de San Pedro. El templo rápidamente ganó la admiración de la crítica y del público en general, llegando a incluirse en la lista de monumentos tan importantes como el Panteón o el Coliseo.
San Pietro in Montorio. Corte .
En 1605 le hicieron algunas transformaciones y trabajos como el realzamiento de la cúpula y una renovación a la cripta en el año 1628. Desde entonces no se le hicieron mayores retoques, además del necesario mantenimiento y restauración. Referencias
San Pietro in Montorio. Planta .
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https://es.wikiarquitectura.com/edificio/templete-de-san-pietro-in-montorio/#Columnas http://www.artehistoria.com/v2/monumentos/999.htm https://4.bp.blogspot.com/-GzZyHDt671M/ V7dLCvuAmcI/AAAAAAAALQU/c6ZZxBUEcTg h Z 6 v _ Pc 4 Nc Fq Z 9 AT U Vd 4 9 w C L c B / s1600/1510i01.jpg http://www.accademiaspagna.org/el-templeto/ http://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/ bramante.htm
Detalle de Arcos de la fachada lateral
Detalle del Campanario
Esta es una iglesia católica italiana de estilo renacentista erigida en Mantua, Lombardía. Encargada por Luis III Gonzaga, la iglesia se emprendió en 1462 según diseños de Leon Battista Alberti en un lugar ocupado por un monasterio benedictino, del que solo queda el campanario (1414). El edificio, sin embargo, no fue terminado hasta 328 años después. Aunque cambios posteriores alteraron el diseño de Alberti, la iglesia aún se considera una de las obras más completas de Alberti.
Arquitectura del Renacimiento Italiano
Basílica de San Andrés de Mantua KEVIN ALFONSO PÉREZ MEZA
E
l renacimiento italiano fue un periodo de grandes cambios en muchos ámbitos durante los siglos xv y xvi, donde se desarrollaron formidables movimientos artísticos y se obtuvieron grandes logros respecto a otros países europeos. Uno de los grandes representantes de este periodo con sus obras arquitectónicas fue León Batittas Alberti, un erudito y filosofo que se movía en círculos humanistas de Florencia y la corte papal en Roma. Sus ideas y propuestas arquitectónicas fueron el resultado de sus estudios e investigaciones ya que, Alberti nunca recibió una educación formal sobre la arquitectura, pero a pesar de eso no dejo de impresionar con sus diseños y escritos urbanísticos. Alberti se fundamentaba en los principios de la geometría y la composición armoniosa de todos los elementos de la edificación, además de hacer que todo girara en torno a lo humano, creando así múltiples diseños y proyectos.
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Se define por un gran arco central, flanqueado por pilastras corintias. Hay aberturas menores a la derecha y la izquierda del arco. Un aspecto novedoso del diseño era la integración de un orden inferior, comprendiendo las aflautadas columnas corintias, con un orden colosal, comprendiendo a las pilastras más altas, no aflautadas. Todo el conjunto estaba coronado por un frontón y por encima una estructura abovedada, cuyo propósito no se conoce exactamente, sino presumiblemente para ensombrecer la ventana abierta en la iglesia detrás de ella.
Uno de esos proyectos fue la Basílica Di Sant´Andrea o Basílica de San Andrés de Mantua ubicada en Lombardía (Italia). Esta obra fue encargada por el ll Marques de Mantua Luis lll Gonzaga. El lugar escogido para el desarrollo de esta obra fue el emplazamiento de un antiguo monasterio perteneciente a la Orden benedicta. Esta obra tiene como función albergar la reliquia mas importante de la ciudad, la sagrada sangre de cristo, y dar cavidad a los miles de fieles que llegan a adorarla. Este diseño de Alberti se apoyaba en el concepto de «Templum Etruscum». Consta de una planta de cruz latina con una sola nave, cúpula de crucería y capillas laterales que se abren a la nave. En el interior se cubre con bóveda de medio cañón. La fachada consta de un gran arco de medio punto dispuesto sobre pilastras de orden corintio, flanqueado por tres pisos de vanos enmarcados entre pilastras corintias, además de colindar con un campanario preexistente (1414), se basa en el esquema del antiguo Arco de Tito. Es en gran medida una estructura de ladrillo con estuco endurecido usado como superficie.
En esta obra de vital importancia del renacimiento italiano se puede observa como Alberti da una prueba de la homogeneidad que puede existir en una estructura tan compleja como lo es la basílica de san Andrés, además del enfoque antiguo que le aplica a la fachada de la edificación, ya que esta actúa como ente independicen de la edificación, dándole asi un toque innovador a la parte exterior del templo, además que fuese agradable a la vista de los feligreses y pobladores de esta ciudad. Referencias https://luisaugustopascual.wordpreess.com/2010/01/11/ san-andres-de-mantua/ http:/masarteaun.blogspot.comco/2011/02/alberti-sanandres-de-mantua-iniciada.html Fachada Principal de la Basílica
ARQUITECTURA
Basílica de San Lorenzo
La cúpula tiene un óculo en el eje central y se asienta sobre cuatro grandes pechinas.
ANDERSON SAAVEDRA
L
a arquitectura renacentista se genera por deseo a realizar edificios de “perfección técnica”, basándose en cálculos matemáticos y geométricos para tener máxima armonía y proporción. Se dice que quien sentó las bases de la arquitectura renacentista fue el Arquitecto, escultor y orfebre Filippo Brunelleschi (1377-1446), siendo una de sus principales obras, la Basílica de San Lorenzo, ubicada en Florencia, Italia. La basílica fue diseñada para ocho familias Florentinas, pero fue adquirida por Cosme de Médici, quien encargo el proyecto a Brunelleschi con la finalidad de mostrar al mundo su riqueza familiar y su predominio en la política y cultura de Florencia. Se pretendía crear una edificación comparable con las de la antigüedad, implementando modelos de antiguas basílicas cristianas, por lo cual fue construida con una planta de Cruz Latina, como símbolo de la religión cristiana, esta divido en 3 naves longitudinales, con capillas adosadas a sus lados, un transepto de la misma anchura que la nave central que cruza el cuerpo central de forma perpendicular y un ábside de planta cuadrada, la nave central con mayor altura y anchura que las otras, presenta techumbre adintelada y usa elementos de arcos de medio punto sostenido por columnas corintias, cuyos capiteles sostienen cubos de entablamento con arquitrabe, friso y cornisa. En el centro del crucero se dispuso una cúpula con linterna, la cubierta inferior de la nave es plana, con casetones decorados mediante rosetones dorados y presenta cubierta exterior a dos aguas en la nave central y a una agua en las naves laterales. El transepto está rodeado por cinco capillas a cada lado, A la basí-
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lica se accede a través de tres puertas: Una principal coincidiendo con la nave central y una a cada uno de sus lados que dan acceso a las naves laterales. La zona del crucero está cubierta por una cúpula en forma de hemiciclo asentada sobre pechinas que a su vez descansa sobre dos pilares cruciformes corintios y los dos lados del muro del ábside decorado con pilastras corintias. La zona del crucero donde se encuentra la cúpula está formada por un prisma cuadrangular recorrido por una arquería en la parte superior y está culminado por una cubierta piramidal formada por cuatro vertientes que convergen en un vértice común. La cúpula tiene un óculo en el eje central y se asienta sobre cuatro grandes pechinas. La basílica de San Lorenzo de Florencia comprende dos amplios espacios adosados a los lados del transepto del diseño original de Brunelleschi, que sobresalen de la estructura del templo. Son las llamadas “Sacristía Vieja” (obra del propio Brunelleschi) y “Sacristía Nueva” (obra de Miguel Ángel). actualmente es un museo
Basílica de San Lorenzo
estatal de Florencia y lugar de sepultura de la familia Medici. Al exterior el templo presenta una fachada inconclusa, hecha en piedra y ladrillo, ya que no se llevó a cabo su revestimiento con decoración de mármoles. Este templo, sin duda, es un claro ejemplo de la arquitectura renacentista del Quattrocento italiano, ya que este se basa en las primeras basílicas paleocristianas y en los patrones de la arquitectura clásica, donde se refleja el interés de Brunelleschi por conseguir la armonía y la proporción en la construcción, y genera el comienzo del estilo renacentista. Referencias http://wwhttp://www.operamedicealaurenziana.org/w. operamedicealaurenziana.org/ https://es.wikipedia.org/wiki/Bas%C3%ADlica_de_San_ Lorenzo_(Florencia) http://aprendersociales.blogspot.com.co/2008/02/la-baslica-de-san-lorenzo-de.html?m=1 http://www.uv.es/mahiques/ENCICLOPEDIA/BRUNELLESCHI/SanLorenzo.pdf
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ARTE
MAYRA ALEJANDRA DE LA HOZ
Basílica de Santa María Novella en Florencia
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l renacimiento fue un movimiento que se desarrolló durante los siglos XV y XVI, mencionando sus inicios del siglo XV en el quattocento, donde fue una época de grandes cambios dentro de los ámbitos sociales. Culturales, políticos, comerciales, y religiosos, surgidos en Italia , el cual implicó un retorno al mundo clásico greco-romano. Esta inclinación por el mundo clásico se manifiesta no solo en los movimientos culturales, artísticos, filosóficos y políticos, sino también en las grandes obras arquitectónicas que en su momento le dieron paso a los arquitectos de crear obras majestuosas, bellas , sólidas e impresionantes, dando valor a su trabajo, respondiendo así a las necesidades del espacio. La arquitectura del renacimiento se basaba en la proporción, uso prácticos de cálculos matemáticos y la utilización de medios o sistemas para llevar a cabo los proyectos. Se buscaba la unificación de los espacios, el juego de la perspectiva, y la uniformidad en todas las partes. Una de las obras más importantes a mencionar dentro del renacimiento italiano es la Basílica de Santa María Novella, la cual es una de las obras arquitectónicas de carácter fundamental de la ciudad italiana de Florencia. Esta basílica fue construida sobre una pequeña iglesia de monjes dominicanos que llegaron a Florencia aproximadamente en el año 1200 y a partir de esto, este proyecto arquitectónico comienza sus obras en 1279 y finaliza a mediados del siglo XIV. La basílica fue hecha como vocación a la virgen María; Durante el siglo IX se encontraba una especie de oratorio pequeño en memoria a Santa María de la viña, que se edificó en 1049, la iglesia de Santa María De Novella, fue cedida a doce frailes dominicos cuando estos se instalaron en los suburbios o en la periferia de la ciudad, guiados por Giovanni Da Salerno; la Basílica fue consagrada en 1420 por el papa Eugenio IV. En 1246, se inicia la construcción de la iglesia por parte de dos frailes dominicanos: Sisto da Firenze y Rostoro da Campimás mas adelante, en 1360 se com-
ARQUITECTURA
plementa la basílica con la construcción de la sacristía y el campanille de Santa Maria Novella. Su fachada fue diseñada por Leon Battista Alberti y los altares por Giordo Vasari. Leon Battista fue el arquitecto elegido por Giovanni Rucellai para cumplir la labor de finalizar una de las piezas claves del renacimiento: la fachada de la Basílica. Esta cuenta con una planta de cruz latina divida en 3 naves, una central y dos laterales, que se encuentran separadas por pilastras sostenidas por arcos ojivales y obras de arte en su interior . La decoración de la basílica se acomoda a una idea de proporción, es de carácter geométrico, el material utilizado es el mármol en colores blanco y verde, dentro de los elementos constructivos, presenta columnas con órdenes clásicos como el corintio, y pilastras de poco resalte de igual orden y arcos de medio punto. En su fachada destaca un frontón de forma triangular tomado de la antigüedad acompañado de un óculo ciego, la implementación de dos volutas que complementan el cuerpo, pilastras, una puerta adintelada que se encuentra enmarcada en un arco de medio punto, rosetón y arcos de medio punto decorativos en su interior. Tiene en su fachada proporciones matemáticas, basadas en cuadrados y círculos. En el interior de la Basílica hay una gran variedad de detalles artísticos, como frescos religiosos que muestran la vida cotidiana de Florencia . Batistta le dio un concepto original dentro de los planes de estudio de esta fachada, respetando así las ideas originales mezclando lo gótico presente, con la presencia de ideas de construcción originales para el resultado de una de las obras arquitectónicas más importantes dentro del mundo del Renacimiento, a través de la utilización de nuevos sistemas que permitieran el levantamiento de esta.El renacimiento entonces es la consecuencia del interés de retomar al pasado clásico grecorromano , el cual tenía como pun-
Fotografía del interior de la Basilica Santa Maria Novella
Basílica de Santa María de Novella
ARQUITECTURA
EN EL INTERIOR DE LA BASÍLICA HAY UNA GRAN VARIEDAD DE DETALLES ARTÍSTICOS, COMO FRESCOS RELIGIOSOS QUE MUESTRAN LA VIDA COTIDIANA DE FLORENCIA.
to volver a dar vida a aquellos ideales que habían inspirado a grandes pueblos del pasado. y como punto clave del desarrollo más a fondo de las obras arquitectónicas que produjo nuevas innovaciones dentro de las esferas de ideales clásicos, antropocentrismo y nuevas actitudes de arquitectos que pasaron de lo anónimo a la fecundación de lo profesional. Referencias http://artpower-ana.blogspot.com. co/2012/02/la-arquitectura-italianadel.html https://www.google.com/maps/place/4 3%C2%B046’28.6%22N+11%C2%B 014’57.5%22E/@43.773368,11.24904 3,1141m/data=!3m1!1e3!4m5!3m4!1s 0x0:0x0!8m2!3d43.7746!4d11.2493?h l=en https://www.youtube.com/ watch?v=TWG-7la10F0 http://megaconstrucciones. net/?construccion=iglesia-santa-marianovella#ixzz4b47wEuS4
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JESUS DAVID MARTINEZ
Iglesia de La Consolación Templo grande y hermoso C
ada objeto arquitectónico además de su estructura, arte, y diseño, lleva consigo un significado que lo hace único, y tiende a ser de gran valor para muchas personas, ya sea por interés social, cultural, político o religioso. Son muchos los ejemplos relacionados con lo anteriormente dicho, como las estructuras arquitectónicas que han destacado al pasar del tiempo; las pirámides, castillos, templos, y edificaciones de gran tamaño que abarcan muchos estilos artísticos realizados por personajes que fueron inmortalizados en la historia. Estos son algunos de los tantos modelos representativos causantes de grandes descubrimientos importantes. Como resultado de esto, se considera al templo de Santa María de la Consolación en Italia. En ese santuario según los habitantes del lugar; cuentan sobre una leyenda de un suceso milagroso ocurrido en la localidad de la provincia de Perugia de Todi, que aconteció el proyecto de realizar una construcción de un santuario albergando la imagen de una virgen en su interior. Además, la obra ha sido considerada por muchas personas, de gran importancia internacional y uno de los edificios-símbolos de la arquitectura renacentista, pero ¿porque es de gran importancia?¿A que se le debe tanto reconociendo a nivel internacional?. Aplicando lo investigado sobre el tema, se tratara solucionar los interrogantes enlazando diferentes puntos de vista. . La iglesia de la consolación ha sido catalogada como una de las mas importantes de la arquitectura renacentista, obteniendo un gran reconocimiento a nivel
internacional. Pasando a ser considerada como unos de los edificios-símbolo de la época, y aumentando mas su identificado en la actualidad. Enfatizando en la leyenda sucedida a principios de siglo XVL, donde expone: un trabajador estaba ocupado limpiando las zarzas de la imagen de la virgen y el niño con santa catalina de Alejandría; con el paño que usaba se limpio el ojo molesto por cataratas y esto lo curo milagrosamente. Claro esta que, gracias a este hecho se pudo realizar la construcción de la parroquia, aun así la iglesia tuvo la obligación de instalar la imagen de la virgen, para así poder pasar a convertirse en un punto de peregrinaje destinado a los enfermos de todo tipo. Claro que esto se realizo con el fin de atraer visitantes de todas partes del mundo. Cabe señalar que se pudo financiar la obra con las oportunas ofrendas de los peregrinos procedentes de toda Italia. Laura prieto destaca en su pagina (la guía), que en la construcción de la obra participaron diferentes arquitectos que en aquella etapa poseían una gran reputación, como son PERRUZ, SANGALLO el joven, VIGNOLA no obstante el personaje principal en la construcción de santa maría della consolacione será sin duda la figura de BRAMANTE. Hay que advertir, que aun no han encontrado documentos que puedan justificar esta atribución, además cuentan que bramante nunca estuvo presente durante la obra.
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Respecto al diseño de la obra, está forma una cruz griega a la vista exterior, cuenta con una planta centralizada, es simétrica en planta y en alzado, tiene cinco cúpulas, una central y una para cada ábside. Alcanza los 70 metros de altura; su decoración es de doble orden corinto de delicadas lesenas. Es oportuno añadir que muchas personas dicen que este, objeto arquitectónico se asemeja a la basílica de san pedro en roma, debido al diseño y su composición. A continuación, se agrega que aun a día de hoy la antigua creencias de las curaciones milagrosas ha sobrevivido. Al llegar este punto se da a entender que gracias al buen manejo de los elementos arquitectónicos y a otros aspectos no menos importantes mencionados anteriormente; la iglesia de la consolación es una de las entidades mas significativas del renacimiento italiano, que se ha visto inmortalizada a lo largo de la historia. Referencias http://www.nostraitalia.it/es/il-tempio-della-consolazione-di-todi/ http://timerime.com/en/event/2491154/SANTA+MARI A+DELA+CONSOLACIN+DE+TODI/ http://arte.laguia2000.com/arquitectura/santa-mariadella-consolazione-en-todi https://es.wikipedia.org/wiki/Templo_de_Santa_ Mar%C3%ADa_de_la_Consolaci%C3%B3n_(Todi) Vista del altar mayor, obra barroca de Andrea Santini, al interior de la Iglesia.
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Fachada e Interior de la Iglesia de la Consolaciรณn en Todi
KELLY TORRES CANTILLO
Palacio Medici Riccardi E
l Palacio Medici Riccardi es uno de los hermosos y más importantes lugares que hay en Florencia, ubicado en la vía Cavour n°1, antiguamente vía larga, frente a la basílica de San Lorenzo. Se empezó a construir en 1444 y su obra finalizó en 1460, encargado por Cosme I de Medici “el viejo” a Michelozzo di Bartolomeo. Los palacios urbanos tuvieron gran auge durante el renacimiento, por lo que fueron un símbolo de una burguesía urbana y adinerada, sustituyendo a los castillos medievales de los señores feudales. La familia Medici habitó en el palacio por cien años hasta que en 1659, los Medici vendieron el edificio a la familia Riccardi, quienes también vivieron allí y le hicieron algunas modificaciones (barrocas) y ampliaron el edificio por la parte trasera. Cuenta con una arquitectura sencilla, sin alardes ni adornos y sobria, ejemplar de los comienzos del Renacimiento, también lo es del Barroco; con algunos elementos del Gótico, como el esgrafiado.
El palacio Medici se encuentra en Florencia, en la Vía Larga, en la actualidad Vía Cavour 3. Realizado por Michelozzo di Bartolomeo en el año 1444
Tiene gran tradición florentina, por eso es llamado palacio florentino, dicha tradición la vemos presente en la planta y el patio interior cuadrado. El palacio se forma de dos cuerpos, el interior tiene una arcada sobre una serie de columnas de orden compuesto, mientras que el cuerpo superior es macizo, en él se abren una serie de vanos.
Como expresa el autor del artículo Palacio Medici-Riccardi en Florencia.es La imponente mole cúbica y la elegante fachada, con su almohadillo gradual, para dar esbeltez, y las ventanas ojivales con arcos se convirtieron en el prototipo oficial de la arquitectura civil renacentista y el símbolo de la potencia política de los Medicis. El palacio por lo tanto, se convirtió en símbolo de la arquitectura renacentista, y los Medicis como esa familia de gran poder durante el Renacimiento. El interior del palacio destaca la cultura, como se puede ver en la galería de los espejos, llamada actualmente galería de Luca Giordano, en la cual prevalecen magníficos frescos, y es una de las principales piezas del palacio, cuyo tema de la decoración del techo es la apoteosis de la familia Medici, salpicada de figuras alegóricas y episodios mitológicos. Además el palacio contiene una de las bibliotecas más conservadas y completas. A pesar de que actualmente, el palacio no está abierto al público, o por lo menos no completamente abierto, sigue siendo interesante para visitar. Los Riccardi cayeron en una crisis económica y les tocó subastar el palacio al estado y posteriormente paso a ser propiedad de la provincia, donde el ministerio realiza reuniones. Actualmente es un palacio-museo, y se pueden visitar ciertos espacios como la capilla, el patio y la galería de Luca Giordano.
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ARQUITECTURA
Fachada del Palacio Medici Riccardi
En conclusión, este palacio manifiesta el nuevo gusto arquitectónico, el cual debía responder en su imagen al progresivo poder de la familia de banqueros, los Medici, cuyo poder fue tan numeroso que llegó a gobernar la ciudad, y siendo este edificio el mejor ejemplo de la arquitectura civil del renacimiento, y como propio del renacimiento con algunos estilos del mundo clásico como sus capiteles. Siendo también la base o esencia para los palacios toscanos del renacimiento como el Palacio Rucellai o el Palacio Pitti, lo que prueba es una verdadera joya arquitectónica. Incluso, cabe resaltar que este palacio denota esa armonía existente entre el Renacimiento temprano y el Barroco tardío.
Interior del Palacio Medici Riccardi
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Referencias http://queverenflorencia.com/lugares-para-visitar-palazzo-medici-riccardi/ http://arte.laguia2000.com/arquitectura/palacio-mediciriccardi-michelozzo-michelozzi https://www.studyblue.com/notes/note/n/italian-renaissance-test-3/deck/14507629 http://queverenflorencia.com/lugares-para-visitar-palazzo-medici-riccardi/ http://www.florencia.es/arquitectura-y-arte/los-palacios/ palacio-medici-riccardi.htm
OSPEDALE DEGLI INOCENTI
ARQUITECTURA
MILENA OQUENDO
Ospedale degli Inocenti
Hospital de los Inocentes
L
a arquitectura renacentista se refiere al nacimiento de culturas que hacen uso de elementos arquitectónicos usados anteriormente en diferentes estilos.
Filipo Brunelleschi (Florencia 1377-1445) Arquitecto y escultor italiano, con gran conocimiento matemático, es el pionero del renacimiento al diseñar hospitales, catedrales, palacios, basílicas entre otros, con este estilo, el cual tomó ciertos elementos del arte clásico, con el fin de crear edificios con el concepto de proporción y ordenación , por lo que es construido a partir de generación de módulos. Un ejemplo de esto es la imitación de la arquitectura romana y gótica en el Hospital de los Inocentes (Ospedale degli Inocenti), Orfanato ubicado en Florencia, en la Plaza della Santissima Annunziata. Es una de las construcciones mas importantes de la arquitectura del primer renacimiento italiano y fue construido a partir del 1419. Esta consta de dos plantas, en la planta baja se observa la utilización de arcos de medio punto, los cuales son sostenidos por
Fachada. Vista del hospital por Brunelleschi.
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columnas redondas con capitel del orden corintio, Arquitrabe, cornisas, bóveda de cañón y de Arista, en el pórtico un conjunto de bóvedas vaídas, en la segunda planta se observan ventanas con frontones en su parte superior. Para su elaboración usaron materiales como la piedra. Su aporte al renacimiento fue acogido y otros arquitectos siguieron el nuevo estilo de Filipo como por ejemplo en el hospital yule en pisoia, por lo que se puede concluir que la arquitectura siempre va a estar avanzando, sin embargo siempre se conservarán etilos pasados para traer algunos elementos básicos, agregando nuevas tendencias que irán apareciendo a través del tiempo, sea por belleza, firmeza o utilidad. Referencias http://www.viajaraitalia.com/hospital-de-los-inocentes/ http://www.arteespana.com/arquitecturarenacentistaitaliana.htm http://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/brunelleschi.htm
Planta del Hospital de los Inocentes
Hospital de los Inocentes
Bรณveda del Hospital de los Inocentes
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ARQUITECTURA
ALEJANDRA QUINTERO
Capilla Analizamos la Capilla Pazzi, encargada por un miembro de una importante familia Florentina, Andrea de Pazzi para que cumpliera una función de capilla funeraria; fue construida entre 1430 y 1451 por el arquitecto Filippo Brunelleschi. Esta hermosa capilla situada en la ciudad de Florencia, es considerada el ejemplo más representativo de la arquitectura de Filippo Brunelleschi, y una de las obras fundamentales y más bellas del Renacimiento Debido a los cambios en la forma de pensar de la época, con la aparición del humanismo el tamaño de la capilla está en función del hombre y no de Dios. Se encuentra en Florencia, Italia; dentro del claustro de la basílica de Santa Croce, Fue la última obra de Filippo Brunelleschi, quien
murió antes de que la capilla hubiese sido terminada, inspirado por todo lo que representaba y significaba el renacimiento, Brunelleschi volvió la vista atrás y recurrió a los elementos constructivos grecorromanos, tales como las columnas y pilastras corintias, los entablamentos, los arcos de medio punto y las bóvedas de cañón con casetones utilizándolos con cierta libertad creativa que consiguió generar un estilo muy origina, pero sin llegar a hacer una mera copia de edificaciones del mundo clásico. Destaca la sobriedad decorativa y la claridad compositiva resaltando los elementos constructivos construidos en piedra gris serena, mientras que los muros permanecen en blanco. La decoración queda reducida a elementos florales en los casetones de las bóvedas, la
Capilla Pazzi (Corte)
Capilla Pazzi (Planta)
Foto de la capilla de los Pazzi, realizada por Filippo Brunelleschi en 1441
A la Capilla se accede desde el Claustro de la Basílica de la Santa Croce ya que se encuentra ubicada en el jardín de ésta.
repetición del Agnus Dei en el entablamento y, principalmente, en medallones de cerámica con figuras blancas sobre fondo azul que representan a los apóstoles y que aparecen distribuidos entre las pilastras de orden corintio que articulan los muros. La pequeña capilla está conformada por tres espacios: la fachada y el pórtico de acceso, la capilla de planta rectangular y un ábside cuadrangular.
espíritu artístico iniciado en el siglo XV o Quatrocentto y que suponía por un lado la superación de la arquitectura gótica, tanto en la distribución de los espacios, como de los elementos constructivos, cubiertas, decoración, etcétera y el retorno a las formas clásicas, lo que suponía que Florencia fuera para el mundo la cuna del nuevo estilo renacentista, que se habría de expandir por el resto del continente europeo hasta el siglo siguiente. Rererencias
El pórtico de entrada se divide en cinco tramos. Se trata de una estructura adintelada que descansa sobre seis columnas de orden corintio y cubiertas con bóveda de cañón con casetones. El tramo central se ve resaltado por el arco de medio punto que se corresponde con una cúpula sobre pechinas con decoración de conchas.
http://www.arqhys.com/construccion/capilla-pazzi. html http://www.artehistoria.com/v2/monumentos/1201. htm https://www.youtube.com/watch?v=X3ayocXD1No
La fachada de la capilla se encuentra dividida por pilastras de orden corintio, entre las cuales se abren ventanales que iluminan el interior. La puerta adintelada aparece rematada por un frontón triangular a la manera clásica. En el interior encontramos un espacio de reducidas dimensiones pero tratado con grandiosidad. Se trata de un espacio rectangular en el que encontramos dos grandes arcos de medio punto sobre la entrada principal y el acceso al ábside central.
Fotografías de la cúpula de la capilla, tomadas en 2015.
Los cuatro arcos permiten la creación de cuatro pechinas que posibilitan la transición del rectángulo al círculo, susceptible éste de ser cubierto con una cúpula de doce nervios entre los cuales abre ventanas y remata con una linterna. El pequeño ábside central, donde se encuentra el altar, también se trata de un espacio cuadrangular cubierto de nuevo por cúpula sobre pechinas. Nos encontramos ante una obra que ejemplifica el nuevo espíritu renacentista en la arquitectura, una obra que sirve como testimonio del nuevo Los cuatro arcos permiten la creación de cuatro pechinas que posibilitan la transición del rectángulo al círculo
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ARQUITECTURA
Ciudad del Vaticano
La Capilla Sixtina LIZ MILENA PADILLA CAMPO
En la ciudad del Vaticano (Roma), en 1471 comienza la construcción de la Capilla Sixtina y finaliza en 1484, una edificación popular por sus frescos, encontrados en sus paredes, rincones y su bóveda, increíbles imágenes realistas que relatan sucesos importantes de La Biblia, aunque inicialmente se llamo Capilla Palatina.
ARQUITECTURA
La Capilla Sixtina
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ARQUITECTURA
Construcción y diseño dirigido por el arquitecto Giovanni d’Dolci, quien siguió los modelos de las antiguas plantas basílicas romanas, que a su vez, fueron inspiradas por los antiguos templos griegos. La Capilla es de forma rectangular y mide 40,93 m de longitud por 13,41 m de anchura (las dimensiones del templo de Salomón según el Antiguo Testamento) su altura es de 20,7m. Las pinturas en su interior fueron realizadas en un principio por Prieto Perugino, Sandro Botticelli, Domenico Ghirlandaio y Cosimo Rosselli, estos pintaron los frescos que se encuentran en las paredes laterales, en los que se representa la vida de Moisés (Antiguo Testamento) de una parte y la vida de Cristo (Nuevo Testamento) de la otra. Luego en 1508, Sixto IV confía a su escultor favorito, el encargo de pintar la bóveda y los lunetos (9 escenas de la creación y caída del hombre, flanqueadas por Profetas y Sibilas, antepasados de Jesús y trampantojos). y en el ábside del altar mayor se representa el juicio final; Miguel Ángel, no necesito de ayudantes, ni permitió que nadie las viera antes de terminarlas, estando bajo tensión por la prisa del Papa, los pagos no recibidos y la humedad que estropeaba la pintura; fueron presentadas estas obras sin precedentes, públicamente en octubre de 1514, que cuentan con una increíble complejidad estas obras iconográficas. Referencias http://www.nationalgeographic.com.es/historia/grandes-reportajes/la-capilla-sixtina_8594/1 https://es.slideshare.net/leixo/lacapillasixtina?qid=8562bf1a-e6ea-428e-895a857031c7bfd8&v=&b=&from_search=2 https://es.slideshare.net/amarcos/la-capilla-sixtina?qid=8562bf1a-e6ea-428e-895a857031c7bfd8&v=&b=&from_search=4
La Ciudad del Vaticano, oficialmente Estado de la Ciudad del Vaticano, o simplemente el Vaticano, es un país soberano sin salida al mar, cuyo territorio consta de un enclave dentro de la ciudad de Roma, en la península Itálica.
Visión optimista del hombre y de la naturaleza. La recuperación de la filosofía platónica trajo como consecuencia la búsqueda de la armonía y de la proporción. La preocupación por el hombre tuvo como efecto un arte humanizado, creando el concepto del “autor”, que dio lugar a la aparición de hombres que marcaron la historia.
PERSONAJES
Rafael Sanzio, autorretrato. Ă“leo sobre tabla (1504-1506) Raffaello Sanzio, tambiĂŠn conocido como Rafael de Urbino o, simplemente, como Rafael fue un pintor y arquitecto italiano del Renacimiento.
Johannes Gutemberg
Pintor y arquitecto JULIO CÉSAR GÓMEZ
R
afael Sanzio, fue un pintor y arquitecto italiano, considerado uno de los principales exponentes del arte en la época del Renacimiento. Nació el 6 de abril de 1843 en Urbino, Italia. Su madre, Magia di Battista di Nicola Ciarla, murió en el año 1491, cuando Rafael tenia 8 años de edad, quedando bajo el cuidado de su padre Giovanni Santi, un pintor de modesta relevancia, quien introdujo a Sanzio en las ideas filosóficas de la época y en el arte de la pintura, su padre al ser consiente de sus habilidades artísticas dejo en manos de Perugino, un artista mucho más capacitado, la educación de su hijo. Santi falleció en el año 1494, dejando a Sanzio huérfano a los 11 años de edad. Los primeros años de su carrera tuvieron lugar en Umbría, donde se conoce que obtuvo su primer encargo documentado, un gran retablo que pintó en 1500-1501 para la iglesia de San Agustín de Città di Castello. Luego, entre los años 1504 -1508, en Florencia se sumergió en las tradiciones artísticas de la ciudad, influenciadas por Miguel Ángel y Leonardo da Vinci, esto se puede ver reflejado en su obra La Sagrada Familia del cordero (1507, Prado), aquí también realiza varias obras, de las cuales darán lugar a esas composiciones marianas que tanto reconocimiento le han concedido, por ejemplo la llamada Madonna del Gran Duque (1504), la Madonna del Jilguero (1506), la Madonna de Casa Colonna (1507) o La Bella Jardinera (finalizada por Ghirlandaio). En Roma, Rafael Sanzio vivió la etapa mas importante de su carrera artística, en 1508 se trasladó a la ciudad para iniciar labores al servicio del papa Julio II, al cual en sus habitaciones, conocidas actualmente como Estancias del Vaticano, pintó uno de los frescos más famosos de la historia de la pintura. Las Estancias de Rafael, son cuatro habitaciones situadas en el segundo piso del Palacio Apostólico (Ciudad del
Vaticano), las cuales fueron decoradas con frescos de este pintor y sus discípulos en el periodo entre 1508 y 1524. Sus nombres eran: Estancia de la Signatura, Estancia del Incendio del Borgio, La Sala de Heliodoro y La Estancia de Constantino. La primera estancia que empezó a pintar y una de las más elogiadas fue la Estancia de la Signatura (1509-1511), donde representó la Teología, la Filosofía, la Poesía y la Justicia de forma simbólica sobre las paredes de la habitación, la cual fue utilizada como biblioteca. En cada pared se puede apreciar una composición, las cuales son: La disputa del sacramento, La escuela de Atenas, El Parnaso, Gregorio IX promulgando las Decretales y Triboniano remitiendo las pandectas a Justiniano. En este fresco se puede apreciar el perfecto uso de la perspectiva lineal. La escuela de Atenas, es considerada una de sus obras más importantes y con mayor reconocimiento, fue realizada entre los años 1509 - 1510. En esta obra destaca Platón y Aristóteles, que debaten sobre la búsqueda de la Verdad; el primero señala al cielo y el segundo a la tierra. A parte de sus reconocidas e importantes obras, Sanzio constituyó el más grande taller de la época, que según Vasari, un historiador del arte, contó con cincuenta pupilos, convirtiéndose en un modelo para las grandes empresas artísticas del siglo XVII. Rafael Sanzio muere el 6 de abril de 1520 en Roma, siendo para muchos historiadores el final del renacimiento clásico y dando inicio al Manierismo. Referencias https://www.museodelprado.es http://www.biografiasyvidas.com/biografia/r/rafael.htm https://es.wikipedia.org/wiki/Rafael_Sanzio#Primeros_a. C3.B1os_.281483-1504.29 https://www.pakistantribe.com/37807/lets-tribute-raffaellosanzio-on-his-birthday
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Cristo bendiciendo, Rafael Sanzio. Ă“leo sobre tabla, 1505.
Dama con unicornio, Rafael Sanzio. Ă“leo sobre lienzo, 1505 - 1506.
PERSONAJES
Pintor y escultor ANDRÉS RAMOS
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onato di Niccolò di Betto Bardi, conocido como Donatello, nacio en Florencia-Italia, 1386 y muere el 13 de diciembre de 1466 es esa misma ciudad, fue un famoso e importante artista y escultor italiano de principios del Renacimiento, junto con Leon Battista Alberti, Filipp Brunelleschi y Masaccio, fue unos de los padres del Renacimiento Italiano. Donatello se convirtió en una fuerza innovadora en el campo de la escultura monumental y en el tratamiento de los relieves, donde logró representar una gran profundidad dentro de un mínimo plano, denominándose con el nombre de stiacciato, es decir relieve aplanado o aplastado. Donatello siendo allegado de personas como Brunelleschi introduce en su escultura fue del Quattrocento el método de racional de la perspectiva conjugándolo con el conocimiento de otros elementos populares. Su padre, Niccolò di Betto Bardi, fue un cardador de lana, y nacido en Florencia y educado en la casa de la familia Martelii, recibió su formación en un taller de orfebrería. Entre 1402 y 1404 viajo a roma junto a Brunelleschi a estudiar el arte de la antigüedad viendo gran cantidad de ruinas antiguas que lograron estudiar y copiar para posteriormente inspirarse en ellas, con su estancia en Roma fue de decisiva para el completo desarrollo del arte italiano en el siglo XV. Las construcciones de Brunelleschi y los monumentos de Donatello fueron la expresión suprema del espíritu de la era, donde la arquitectura y la escultura fueron una potente fuente de influencias en los pintores de esta época. En su regreso a Florencia en el 1404 Donatello empieza a trabajar en el taller del orfebre arquitecto Lorenzo Ghiberti donde ayudo con la realización de la cera para la fundición de los modelos de la puerta del Baptisterio de San Juan, posterior a esta colaboración empezó sus primeros tra-
bajos en el 1406, como El Pequeño Profeta, considerado como uno de sus primeras obras en mármol blanco. Posteriormente se le fue encargado una obra para la galería del coro de la ópera del Duomo de Florencia, el famoso David de mármol, que data de 1408-1409 hecha en mármol blanco, una altura de 192 cm de altura representando el momento de la victoria contra el gigante Goliat, cuya cabeza se encuentra a sus pies con la piedra todavía en medio de la frente. Logra mostrar rasgos de elementos del repertorio clásico con detalles del arte anatómico realista: una cabeza coronada de amarantos, el torso, las manos. Realzando rasgos como la expresión de su rostro es un poco inexpresiva, pero la actitud de su cuerpo demuestra el orgullo de su conciencia divina. Donatello realizo gran cantidad de obras artísticas a lo largo de toda su vida, realizando aproximadamente un poco más de 36 esculturas representativas y unos 15 relieves además de monumentos fúnebres, pulpitos, cantorías o tribunas, alusivas a la humanización y escenas religiosas. Entre ellas podemos mencionar tales como; La escultura de San Juan Evangelista en 1408 se encuentra en el Museo de Opera del Duomo en Florencia. San Marcos en el 1411 encargado para el Gremio de los Hiladores en la Iglesia de Orsanmichele en Florencia. San Jorge en 1417, fue en cargo del gremio de fabricantes de armadura, actualmente se encuentra en el Museo Nazionale del Bargello en Florencia. Tiempo después, en 1425, se inicia la asociación entre el taller de Donatello y Michelozzo que dura hasta finales de 1430 con una serie de importantes obras en cooperación, después de completar la obra del Púlpito exterior
Busto de Niccolò da Uzzano, Donatello (1432).
Donatello
de la catedral de Prato se divide la asociación y casa quien se dedica independientemente a su fuerte, Michelozzo en obras arquitectónicas convirtiéndose en el arquitecto de Cosme de Médeci y Donatello en sus obras escultóricas, entablo amistad con el Cosme de Médeci y le animo en sus adicciones artístico. Uno los principales encargos de Cosme de Médeci fue El David de Bronce en 1440. Es una obra representativa del Quattrocento con la representación del cuerpo humano que por primera vez se representaba desnudo en bronce, de tamaño natural desde la antigüedad clásica. Donatello representó un gran conocimiento de los conceptos clasicos humanista del renacimiento, buscando la perfección de la belleza en el cuerpo del David. En 1443, Donatello dejo su residencia en Florencia por un periodo de diez años para trasladarse a la ciudad de Padua por motivo de múltiples encargos, encontrando un ambiente mucho más libre que el antiguo clasicismo humanista de Florencia. Donde u primer encargo fue el Crucifijo de bronce para la basílica de San Antonio situada en el altar mayor. Tras la complacencia de esta escultura se le fue concedida el importante encargo para el altar mayor, en 1446, fue proyectado por un grupo escultórico en bronce que fue realizado con la técnica de la cera perdida, donde Donatello pudo experimentar total libertad para elaborar todas las esculturas del altar. Con el desarrollo de los años y ya con Donatello con una edad avanzada de 75 años decide volver a su ciudad natal Florencia donde aún esperaban grandes obrar para realizar, nuevas obras donde demuestra ciertas dudas sobre el humanismo sobre aquella belleza total en la figura humana, y comienza a resaltar mucho más las expresiones y los valores psicológicos que no se habían visto nunca antes. Al regresar a Florencia en 1457, Donatello recibió el encargo realizar una imagen de María Magdalena penitente para el baptisterio de san juan de santa María
de Fiore, inspirado en la leyenda dorada de Jacobo de Vorágine, donde narra el retiro de María Magdalena para conseguir la redención de sus pecados, peregrinó d hizo vida ermitaña. Realizada ya en una edad avanzada y demacrada por el sufrimiento, vestida con prendas de piel y manos huesuda unidas en forma de oración, sus rostro expresa fatiga y el dolor por el que había pasado, con ojos hundidos y pómulos pronunciados por la extrema delgadez apreciada en todos sus músculos como brazos y piernas. A manera de conclusión, podemos decir que fue uno de los padres de la escultura en la edad moderna con fantásticos trabajos de relieve y perspectiva arquitectónica, se puede decir que sus obras fueron semejantes a las de los antiguos griegos y romanos, desde su juventud hizo bellas obras que le dieron la fama, su técnica de trabajar la piedra y otros materiales posteriormente. Fue una persona de tal admiración en todas sus obras que puede decirse que es un cuanto a oficio, juicio y saber, fue unos de los primeros que ilustraron el arte de la escultura y la buena composición. Era liberalista, amable y cortes y nunca estimo el dinero, a la llegada de sus 83 años de vida llego a un grado de parálisis que no pudo seguir trabajando en lo absoluto, tuvo que resignarse a quedarse en cama y allí en adelante empezó a empeorar de salud, muriendo el 13 de diciembre de 1466, siendo sepultado en la Iglesia de San Lorenzo, junto a la sepultura de su amigo Cosme de Médeci Referencias Donatello - Escultor Florentino - www.youtube.com/ watch?v=S5EtHL40BLM&t=6s. Arte y vida de Donatello - www.youtube.com/watch?v=xo1td4pnQk&t=216s Donatello - es.wikipedia.org/wiki/Donatello Vida y obra de Danatello. La escultura en Renacimiento Italiano - historiaybiografias.com/donatello/ Obras de Donatello - es.wikipedia.org/wiki/Anexo:Obras_ de_Donatello
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PERSONAJES
JORDAN GARCÍA M.
El hombre del Renacimiento
M
úsico, botánico, cartógrafo, arquitecto, escritor, matemático, escultor, geólogo, pintor, anatomista, inventor e ingeniero militar; Lionardo Di Ser Piero Da Vinci (1452 Villa Toscana de Vinci – 1519 Amboise-Turena) representa todo lo que es el hombre renacentista por excelencia,; mas conocido como Leonardo Da Vinci, fue un hombre que se sintió atraído por múltiples disciplinas, pero sería la pintura a la que dedicaría su mayor interés, a pesar de que su obra pertenece a comienzos del Cinquecento (Siglo XVI), su espíritu y su visión del mundo y las artes es atemporal, Leonardo fue un hombre que no conoció limites que frenaran su ingenio y grandeza. Leonardo nació en 1452, en la villa toscana de Vinci, fue hijo ilegitimo de una campesina, Caterina y de Ser Piero, un rico notario florentino. Pasó sus cinco primeros años en la casa de su padre, donde fue tratado como un hijo legítimo a pesar de que no lo era; allí aprendió a leer, a escribir y algo de aritmética, se dice que Leonardo, siendo aún un niño, creó un escudo de Medusa con dragones que aterrorizó a su padre cuando se topó con él por sorpresa. Después se formó como artista en Florencia como aprendiz de Andrea Verrochio. No obstante, desempeñó gran parte de su carrera en otras ciudades de Italia como Roma o Milán. Leonardo estudió con el célebre pintor florentino Andrea de Verrocchio. Sus primeros trabajos de importancia fueron creados en Milán al servicio
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del duque Ludovico Sforza. Trabajó a continuación en Roma, Boloña y Venecia, y pasó los últimos años de su vida en Francia, por invitación del rey Francisco I. Leonardo Da Vinci es el arquetipo y símbolo del hombre integral que representa el Renacimiento, desarrolló ideas muy adelantadas a su tiempo, hizo progresar el conocimiento en numerosos campos, pero no transcendió mucho en ellos por esta misma razón, le apasionaban tantas cosas que nunca se dedico a una por completo; Leonardo da Vinci impulsó y perfeccionó importantes investigaciones en materias como la anatomía humana, profundizando en el conocimiento existente acerca de los músculos humanos o la circulación de la sangre, la zoología, la geología o la astronomía, campo en el que defendió que la Tierra formaba parte del Sistema Solar, adelantándose incluso a Galileo Galilei, no obstante, dónde mejor quedó demostrado su talento fue en el terreno de la ingeniería, ya que se desenvolvió como ingeniero militar. A pesar de todo ello, el hecho de que la genialidad de Leonardo da Vinci se fijara en objetivos tan diferentes, hizo que apenas tuviera influencia sobre los mismos, aunque sí que logró un gran prestigio personal, pero había un campo que siempre atrajo la mente de Leonardo, la pintura, su arte preferida, y la más noble de todas, donde se destacó en gran manera, aun con muy pocas obras, en comparación con los otros grandes artistas de la época, pero todas ellas, consideradas como grandes obras maestras, que se basan en la perfección
Bautismo de Cristo. Óleo sobre madera. Por Leonardo Da Vinci & Andrea del Verrochio
del dibujo y en las que utilizó la graduación del color para generar perspectiva; asimismo introdujo en ellas su novedosa técnica de ‘’Sfumato’’ en la que difuminan las siluetas y contornos mas nítidos, elimina las líneas negras para dar cierta suavidad a las pinturas y donde aparece ese halo misterioso tan característico en todas sus obras: todas estas técnicas, terminaron posicionándolo a el, como uno de los principales personajes en la historia del arte En el plano artístico, Leonardo conforma, junto con Miguel Ángel y Rafael, la tríada de los grandes maestros del Cinquecento. En su vida fue acusado por la Iglesia como alquimista, hereje y ocultista; pero al final siempre era liberado de las acusaciones. La Iglesia no aceptaba estos tres elementos de ninguna manera. Dicen incluso que su pasión por la alquimia hizo que sus símbolos fueran escondidos tras sus obras pictóricas
PERSONAJES
Dama con ermellino 1483 - 1490
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Leonardo Da Vinci. El hombre del Renacimiento
y no ser hallados por los hombres de la Santa Fe. También hay que destacar que Leonardo realizó exhumaciones ilegales de cadáveres e incluso de fetos humanos, para realizar importantes y detallados estudios anatómicos, dibujando con todo detalle los órganos internos del ser humano. Las Obras de Leonardo La Gioconda (1503), La Ultima Cena (1498), La Virgen de Las Rocas (1485), Anunciación (1472), La Dama del Armiño (1490), Adoración de los Magos (1481), San Juan Bautista (1513), El Hombre de Vitruvio, Salvator Mundi (1490), La Virgen, el niño Jesús y Santa Ana, La Batalla de Anghiari (1505), Ginebra de Benci (1474), Bautismo de Cristo (1475), Virgen de la Rueca (1507), La Belle Ferronière (1490), Autorretrato (1512), Virgen del Clavel (1480), Madona Benois (1478), San Jeronimo (1480), Madonna Litta(1490), Baco (1515), Cartón de Burlington House, La Bella Principessa, Retrato de un músico (1490), Leda y el cisne (1506), Medusa, Horse And Rider, Sala delle Asse, Caballo de Leonardo, Retrato de Isabel de Este (1500), Madonna Dreyfus, Mona Lisa de Isleworth, Dibujos de dispositivos de elevación de agua, Santa Maria Della Neve (1473), Studio Di Mani
(1474), Retrato de una joven dama, Perfil de un capitán anciano (1472), Central Plan Buildings (1480), Estudio anatómico del hombro, Madona y Niño con Juan el Bautista. Leonardo Da Vinci fue uno de esos hombres que nacen cada muchos años y que sirven para que la humanidad de un salto cualitativo, permitiendo que la sociedad, la ciencia y el arte avancen. El hombre integral por excelencia del renacimiento nos dejó un legado que aun sorprende a muchos, su genialidad nos muestra como pensaban las personas de la edad moderna, retomando toda la sabiduría de las civilizaciones Greco-Romanas y cuestionando todo lo establecido por la religión, desafiando limites y rompiendo esquemas. Referencias http://www.biography.com/people/leonardo-da-vinci-40396 https://www.youtube.com/watch?v=YNjTVEAvxRM https://www.youtube.com/watch?v=DoRl0Q3vbpQ http://historiaybiografias.com/leonardo_da_vinci/ http://www.historiadelartemgm.com.ar/leonardodavincibiografia.htm
La Ultima Cena 1495 - 1497 Sobre un muro del refectorio del convento dominico de Santa Maria delle Grazie en Milán.
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Personajes
MOISÉS PEÑALOZA
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a Edad Moderna o Renacimiento fue una época donde se dieron diferentes cambios y también la aparición de nuevos avances, eso se vio reflejado en el arte, la arquitectura, la política, la religión y hasta en la cultura, entre otras. Italia fue la cuna del Renacimiento, dado que contaba con alguna ciudades de grandes poderes económicos, gracias a esto aparecen distintos personajes que impulsaron el arte y la arquitectura del Renacimiento Italiano. Uno de estos fue Filippo Brunelleschi, un escultor y arquitecto nacido en Florencia (Italia) en 1377. Brunelleschi, fue uno de los primeros en implantar la arquitectura del Renacimiento Italiano dado que se dedicó a construir muchas obras arquitectónicas a los inicios del Renacimiento o la Edad Moderna. Este hombre nos brindó a las nuevas generaciones de la arquitectura, un sistema de representación gráfica en volumen sobre un plano, llamado perspectiva cónica que también fue utilizado en varias pinturas renacentistas. Esto ha facilitado infinidad de construcciones, ya que es una forma de ver en tres dimensiones y ofrece una visión real de lo que se construye. Una de sus obras mas representativas fue la cúpula de la catedral de Florencia o Santa María del Fiore, esta es una obra arquitectónica muy destacada en Florencia y en todo el resto de Italia y Europa, gracias al gran tamaño que tiene su cúpula y la complejidad de su construcción. Otra obra que estuvo a cargo de este arquitecto, fue la basílica de San Lorenzo, inspirada en el modelo de la antigua basílica paleocristiana que este hombre estudio, este es un templo con una planta de cruz latina y tres naves. Otras obras fueron la muralla de Signa, la capilla de Pazzi, el palacio Bardi, entre otras. Este brillante hombre marcó los inicios del Renacimiento Italiano y en otros países de Europa, ya que sus métodos constructivos permitieron mayores avances a las edificaciones de la edad moderna y en el actual mundo, porque no solo dejo un legado arquitectónico sino también matemático y artístico que gracias a ello, permite facilitar las formas de construir Referencias https://www.google.com.co
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FotografĂa de Santa Maria del Fiore y su cĂşpula (Filippo Brunelleschi)
Interior de la Capilla Pazzi (Filippo Brunelleschi)
Retrato de Giovanni Antonio Amadeo, Catedral de Milàn.
Fue un arquitecto, ingeniero y escultor del Renacimiento. Trabajó fundamentalmente en el norte de Italia, en Milán y Lombardía, donde alcanzó gran reputación y fama, hasta el punto de influir en grandes maestros como Donato Bramante o Leonardo da Vinci.
Fachada de la Cartuja de Pavía, diseñada y ejecutada en su mayor parte por Antonio Amadeo.
Personajes
YULAI MARTÍNEZ QUINTERO
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iovanni Antonio Amadeo, reconocido arquitecto, ingeniero y escultor del Renacimiento, nace en Pavía en el año 1447 y fallece en Milán el 28 de agosto de 1522, a los 4 años de edad ya huérfano de padre con el tiempo su madre decide llevarle a Milán junto a unos familiares donde a través del tiempo se convierte en aprendiz del arquitecto e ingeniero Giovanni Solari y su hijo francesco. Uno de sus primeros trabajos le ubica en la cartuja de Pavía en la fecha 1466, sirviendo a la familia Sforza, donde lleva a cabo esculturas para el claustro mayor, el lavabo del claustro pequeño y la portada del transepto sur delmonasterio. Para su realización contó con la ayuda de Mantegazza. Amadeo intervino en diferentes edificaciones donde se le otorgan trabajos en cuanto su especialidad que se caracteriza en la abundancia y por la riqueza de la decoración (incrustaciones polícromas, profusión de elementos esculpidos), típicas del estilo arquitectónico lombardo, fue requerido por personas importantes en su época, como el duque Galeazzo Maria Sforza y el cardenal Ascanio Sforza. Es importante destacar que amadeo a los alrededores de 1489-1490 es nombrado ingeniero ducal de Ludovico el Moro, posteriormente realiza el diseño de las fortificaciones de Chiavenna y Piattamale, también realiza la reconstrucción y arrelgo de carreteras y puentes en Valtellina y algunas obras hidráulicas; En el año 1982 se demuestra documentalmente que el Santuario de Santa Maria alla Fontana de Milán, reconocido hasta la época a Leonardo da Vinci, fue en realidad diseñado por Amadeo.
bibliografía y webgrafía
http://lostonsite.com/2010/07/10/cuando-se-construye-a-medio-camino/ https://es.wikipedia.org/wiki/Giovanni_Antonio_Amadeo http://ec.aciprensa.com/wiki/Giovanni_Antonio_Amadeo http://www.epdlp.com/arquitecto.php?id=11581
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CAROLINE SUÁREZ PINTO
Durante la Edad Moderna, surgió un importante movimiento cultural, ideológico y artístico en la Europa occidental durante los siglos XV al XVII, y que trajo consigo una serie de cambios, en el campo de las artes, y también una renovación en las ciencias naturales y humanas. El lugar donde nació y desarrolló el Renacimiento fue Florencia en Italia. En este movimiento se estableció una nueva concepción del hombre, convirtiéndose este en la escala de todo, se crea el concepto antropocéntrico de la vida. También se desarrollaron cambios en el ámbito técnico y científico con los descubrimientos de nuevos territorios ( América y Europa), los cambios políticos y económicos provocaron la decadencia del feudalismo, migraciones a grandes ciudades, creación de un nuevo estado moderno y la practica del mercantilismo y capitalismo. El Renacimiento Italiano es el periodo artístico mas fastuoso de Europa, en este, toma mucha relevancia la figura del artista y sus talleres. La arquitectura retoma los modelos clásicos, la regularidad, el esteticismo, orden dórico, jónico y corintio, la horizontalidad, se utilizan arcos de medio punto, bóvedas de cañón, aristas, cúpulas, cubiertas de madera y elementos decorativos como guirnaldas, conchas y grutescos. Pienso que, para lograr el gran apogeo de este movimiento artístico, se necesitaban grandes representantes que influyeran significativamente en cada aspecto de la época. Uno de estos representantes fue Dante Alighieri conocido como el “poeta supremo”, quien causó un fuerte impacto en el mundo literario de la época con su obra mas representativa: “La Divina Comedia”. Una de las obras fundamentales que facilitó la transición del pensamiento medieval al renacentista y una de las obras cumbres de la literatura universal. Aunque no se tiene con exactitud la fecha de su nacimiento, se ha logrado estimarla gracias a registros bibliográficos en algunas de sus obras. Dante (o Durante) Alighieri fue un poeta, prosista, teórico de la literatura, filósofo y pensador político italiano na-
cido en Florencia entre el 15 de mayo y el 15 de junio de 1265 hijo del primer matrimonio del comerciante Bellincione d’Alighiero con Gabriella o Bella Abati. Perteneció a una familia de la nobleza urbana, con pocas propiedades, dedicada al comercio. Sus años de infancia y juventud coincidieron con los más pacíficos que conoció Florencia. Aunque no se tiene mucho conocimiento de la educación y formación de Dante y se cree que se educo en casa. También se supone que estudio en la universidad de Bolonia. Dante participó activamente en las luchas políticas de su tiempo, lo que en mi opinión no fue muy bien visto por la comunidad por lo que fue desterrado de su ciudad natal, fue un activo defensor de la unidad italiana y también escribió varios tratados sobre literatura, política y filosofía, en este tiempo se hizo doctor y farmacéutico pero no ejerció ninguna de estas profesiones. La ciudad de Florencia, en 1316, le ofreció a Dante volver a la ciudad bajo condiciones poco humanas, por lo que obviamente la rechazó y continuó viviendo en el completo destierro donde murió el 14 de septiembre de 1321. En su importante carrera como escritor y poeta, tuvo como inspiración para sus primeras obras “la vida nueva” y “la divina comedia” a Beatriz Portinari, la única mujer a la que amo y exaltó en estas obras. En conclusión, Dante dejo un legado tan importante, que permitió el entendimiento filosófico de gran parte de este significativo movimiento, lo cual dio a conocer mediante el planteamiento de ideas que, por decirlo así, rompieron con el bloque ideológico que acarreaba la sociedad y en la representación de forma prestigiosa los valores renacentistas en los que se podría regir para ellos, el estado y porque no, el mismo individuo. Referencias https://es.wikipedia.org/wiki/Renacimiento https://es.slideshare.net/mavipastor/renacimiento-arquitectura-y-escultura-2091562 https://es.wikipedia.org/wiki/Dante_Alighieri http://www.biografiasyvidas.com/monografia/dante/
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PERSONAJES
Johannes Gutemberg
Inventor de la prensa de imprenta
RAFAEL ÁNGEL MELO
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n la antigüedad los libros eran difundidos por medio de copias a mano hechas por monjes y frailes dedicados exclusivamente a su religión y a la copia de libros, encargados por personas de alta estirpe social como reyes, nobles y hasta el mismo Clero. Este proceso podía tardar hasta 10 años dependiendo de factores como la decoración y el tamaño del libro. Los grandes inventos surgen ante la existencia de una necesidad, es cuando aparece Johannes Gutenberg, un orfebre alemán nacido alrededor de 1400 en Maguncia, sacro imperio Romano Germánico. Gutenberg inició desde muy temprana edad el arte de orfebrería y en las técnicas de acuñación de monedas lo que le dio las bases para luego ser director de la casa de la moneda de su ciudad, esos fueron sus primeros 30 años, hasta que como en toda ciudad renacentista empezaba a sufrir por las consecuencias de violentas agitaciones sociales y políticas. En ese entonces, Gutenberg era parte del partido político de los patrios el cual perdió frente a los gremialistas, esto hizo que le tocara huir de su ciudad natal. Luego de este hecho no se tiene registro de su vida por los 4 años siguientes, de ahí en adelante el único registro que se tiene de su vida son los reconocimientos de deudas contraídas. Johannes Gutenberg llega a Estrasburgo donde se compromete a enseñar el arte de tallado de gemas y pulimiento de espejos en asociación con tres personas muy adineradas en su época: Hans Riffe, Andreas Dritzehn y Andreas Heilmann. Sin embargo, en secreto, iría desarrollando un gran proyecto en el cual gastaba la mayor parte su tiempo, secreto que no duraría mucho debido a la necesidad de dinero que tenía el orfebre. Sus socios estaban muy interesados en participar de dicho asunto
por lo cual se realizó un contrato en el cual los tres socios deberían abonar una cantidad de 125 florines. Al investigar más a fondo sobre la invención de la imprenta tipográfica nos vamos topando con todos los trabajos importantes que desarrolló Gutenberg en Estrasburgo durante este periodo. Johannes era un hombre muy obstinado, muy perseverante, hubo muchos intentos en los que tuvo éxito como también muchos en los que fue un total fracaso, pero esto no lo detuvo, porque estaba totalmente convencido de que podía alcanzar el resultado que esperaba. Después de todo, la formación de Gutenberg en su infancia en las técnicas de orfebre, gravados de monedas, fundición de metales y confección de matrices, lo llevaría a realizar una obra totalmente original. Gutenberg regresa a su ciudad natal Maguncia, donde se asocia con Johann Fust, un adinerado burgués, juntos logran establecer un negocio llamado Das Werk der Bucher. Ahí se construyó la primera imprenta tipográfica; en ese momento el principal colaborador era Peter Schoffer, un calígrafo muy talentoso. En 1455, aproximadamente, Gutenberg terminó su obra más famosa, “la Biblia de 42 líneas”, fue llamada así porque el número promedio de líneas por columna en cada página es 42, también es llamada simplemente Biblia de Gutenberg, fue una versión escrita de San Jerónimo, se editaron 120 ejemplares en papel y 20 en pergamino, de los cuales sólo se pudieron conservar 33 y 13, respectivamente. Referencias http://www.proyectosalonhogar.com/tecnologia/la_imprenta. https://es.pinterest.com/pin/30153013753
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PERSONAJES
Los trabajos en el taller se llevaban a cabo en un período de tiempo muy largo por lo que su socio Fust, veía el negocio poco rentable y exigía un mayor valor en la comercialización del producto o una mayor rapidez para la terminación de los trabajos. Este hecho llevo a una discordia entre las dos partes. La disputa entre ellos terminó en una gran demanda por parte de Fust que llevó a Gutenberg directamente a la quiebra. Johannes Gutenberg inventó los moldes que formaban las letras individuales e hizo posible los tipos móviles, inventó la tinta de impresión, que fue utilizada en los libros antes de haberse inventado la imprenta móvil que se convertiría en su invención más importante.
Johannes Gutemberg
NICOLE MENDOZA CUETO
Renacimiento en Italia Tiempo de artitas y arquitectos
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ntre el siglo XV y VXIII se desarrolla una época conocida como la Edad Moderna, en ella surgen en la humanidad una serie de cambios significativos, tanto en la forma de pensar como en el arte y la arquitectura; entre estos cambios resaltan el Renacimiento como el estilo artístico y cultural, propio de esta época, nacido en Italia, el cual toma como base la cultura griega y romana . Italia, lugar donde el Renacimiento se desarrolla, se caracteriza por la gran cantidad de manifestaciones artísticas de este estilo. Tanto en Siena,como en Florencia y Roma aparecen una variedad de obras arquitectónicas, obras de arte y avances científicos que hacen de estas ciudades la cuna del Renacimiento. Es así como en este período, los artistas pasaron de ser vistos como simples artesanos a ser grandes personajes con una gran influencia, donde cada uno juega un papel importante dentro de la sociedad, en diferentes aspectos, ya sea en el arte, la literatura, la ciencia etc. Muchos de estos personajes marcaron la diferencia con sus inventos y creaciones; un claro ejemplo es Piero Della Francesca quien fue el pintor mas importante del periodo central del quattrocento La pintura de Piero della Francesca reúne y resume prácticamente todas las cualidades de lo que es a nuestros ojos el arte del Renacimiento: una perspectiva lineal, referencias visuales a la arquitectura y a la escultura grecoromana, y un profundo interés humanista por la identidad y la realización del individuo Este artista logró armonizar de una forma única los valores intelectuales y espirituales de su época, las influencias artísticas y las tensiones entre la religiosidad y el progreso humano; durante su carrera realizó obras majestuosas donde plasmaba todos sus conocimientos matemáticos y geométricos, factores como la perspectiva, el ritmo y la armonía se ven reflejados en estas; casi todas sus obras son de carácter religioso, pero el punto culminante en su carrera fue la serie de grandes frescos de la leyenda de la Vera Cruz (c. 1452-1465) para la iglesia de San Francesco
en Arezzo, estos se caracterizan por los grandes contrastes que crean un poderoso efecto de grandiosidad, así como también en los que presenta escenas de sorprendente belleza. Otra de sus magnificas obras es la de la sacra conversación o también conocida como la virgen con el niño y santos, donde se aprecia un equilibrio en la arquitectura, el dominante el uso de los colores delicados, los efectos del uso de la luz y una tendencia a la pintura flamenca. En sus ultimas obras se nota una preocupación por el detalle y un tratamiento de la naturaleza muerta . Ciertos aspectos de su pintura tuvieron una significativa importancia en pintores del norte de Italia como Mantegna y Giovanni Bellini, así como también en Rafael. Piero Della Francesca hace parte de esta época en la que salen a relucir la innovación, la apreciación del autor y sus creaciones, donde la figura del hombre toma un papel fundamental y se convierte en el centro de atención; este personaje lo hace a través de la armonía profunda de los cuerpos geométricos, la belleza de las formas simples, de sus correspondencias y simetrías . Durante el Renacimiento se presenta un fenómeno tanto social, como político y cultural que abarco todo el continente europeo. El artista se convierte en un individuo con valores característicos que lo hacían sentirse atraído por la cultura y el saber en general, desarrollando nuevas técnicas arquitectónicas, escultóricas y artísticas que harán que estos personajes sean exaltados dentro de la sociedad de la edad moderna . Es así como demás cambios evidenciados durante este periodo, la forma de pensar, la nueva economía y factores sociales fueron influyendo hasta llevar acabo todas las obras y avances que hoy en día aun se conservan . Referencias http://arteinternacional.blogspot.com.co/2014/08/pinturadel-quattrocento-piero-della.html
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La resurrecciรณn de Cristo, 1463 - 1465 Fresco, Museo Civico Sansepolcro.
Retrato de Piero della Francesca de Segismundo Pandolfo Malatesta, 1451, Ă“leo al temple sobre tabla.
ANDREA MAESTRE
Y sus obras
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eonardo da vinco nació en 1452 en Villa Toscana de Vinci y falleció en 1519; fue considerado el sabio renacentista, su personalidad polifacética , capaz de dominar todas las ciencias, incursiono en varios campos como la filosofía, arte, pintura, escultura, arquitectura, entre otras.
Leonardo Da Vinci hijo natural de Caterina una campesina, y de ser Piero un rico notario; a pesar de que su padre tuvo 11 hijos, Leonardo se crio como hijo único desde pequeño dibujaba animales mitológicos de su propia invención, inspirados en su observación a el entorno natural en que creció. Fue reconocido mundialmente gracias a sus pinturas como: el bautismo de cristo, la virgen de las rocas, la mona lisa o la Gioconda, la ultima cena, entre otras obras. La mona lisa (Gioconda) es la obra mas famosa de Leonardo; en honor a Lisa Gherardine hija de un fabricante de lanas florentino llamado Antonio gherardine; sin embargo existen otras teorías acerca de quien es la mujer representada, incluso se dice que el retrato no se basa en único modelo sino en la suma de varios, hasta se dice que es Leonardo mujer. Trabajo en este retrato probablemente desde 1503 durante 4 años aunque jamás lo considero terminado, en 1516 el cuadro fue llevado a Francia por francisco I, y atreves de la familia real francés fue llevado a el museo de Louvre de parís. La ultima cena (cenacolo vinciano) es una de las obras mas famosas del mundo creado en 1495 y 1497 ubicada en la pared del comedor del antiguo convento de los dominios de santa maría delle Grazie, fue realizada con tempera y oleo sobre una preparación de yeso, esta pintura mide 460cm de altura y 880cm de ancho. Leonardo da vinci se le hace llamar genio capaz de materializar en obras de turbadora sugestión y delicada poesía. Referencias http://www.biografiasyvidas.com/monografia/leonardo/obra.htm http://www.biografiasyvidas.com/monografia/leonardo/gioconda.htm
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PERSONAJES
Johannes Gutemberg
Padre de la astronomía moderna
DANIEL CAMARGO
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os grandes avances que observamos en el campo de la astronomía contemporánea (naturaleza de la Vía Láctea, la implementación de una nueva herramienta eficaz para la observación espacial y el actual modelo heliocéntrico), no hubieran sido posible sin ayuda de un importantísimo hombre, propio del Renacimiento: Galileo Galilei, un ser que en mi opinión, se convirtió en símbolo de la lucha por la verdad y la ciencia.
En esta sección de texto resaltaré como Galileo, un italiano nacido en 1564, se opuso fervientemente al esquema dogmático medieval aun presente en ciertas áreas del conocimiento, auspiciado por la fuerza vigente de la Iglesia Católica. Claramente, Galileo desde temprana edad se interesó por las matemáticas mostrando desde ya su carácter decidido al no querer ejercer la vocación de médico. Pronto se convertiría en profesor de mecánica, astronomía y geometría, pero a pesar de ser un sujeto de renombre entre la comunidad científica, nunca dejó de mantener su posición, contraria a los modelos aristotélicos que afirmaban que la tierra era el centro del universo. Esto, en mi opinión, se ve evidenciado cuando Galileo dice lo siguiente: Me parece que aquellos que solo se basan en argumentos de autoridad para mantener sus afirmaciones, sin buscar razones que las apoyen, actúan en forma absurda, desearía poder cuestionar libremente y responder
libremente sin adulaciones. Así se comporta aquel que persigue la verdad.
Desde entonces, las ideas del italiano terminaron por molestar a una amplia gama de detractores apegados al modelo tradicional aceptado por la iglesia. No obstante, demostró con pruebas irrefutables, como las manchas solares, las mareas oceánicas, y nuevas estrellas eran indicadores de que la tierra solo era un planeta mas dentro del sistema solar. En 1610, los astrónomos seguidores del modelo ptolemaico se reúnen para desvirtuar a Galileo. Para el año de 1616 el papá Paulo V y el tribunal de la inquisición censuran todo rastro de la teoría amenazante de Galilei. A pesar de que la actividad científica se vio diezmada, Galileo consiente del peligro, siguió realizando sus estudios con sigilo. Otra forma de defender los ideales propios del renacimiento se vio claramente cuando publicó en Florencia su diálogo de los Massimi sistemi, donde se burla implícitamente del modelo de Ptolomeo. El papa Urbano VIII le pide explicaciones y seguidamente es obligado ante el tribunal de la inquisición a negar lo dicho. Él lo hace pero al final dice: “Eppur si muove” (y sin embargo se mueve). A pesar de que murió confinado en su casa en 1664 aquejado por la enfermedad, los aportes de Galileo al conoci-
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miento científico, sirvieron para que personajes como Johannes Kepler los tomaran como base de sus teorías. También, si no fuese por el, los viajes espaciales y la observación interestelar no serian posibles. Concluyo diciendo: ¿Qué personaje podría representar el pensamiento humanista y libre propio del Renacimiento, si no GALILEO GALILEI?, Considerado por muchos el padre de la astronomía moderna.
Ilustración elaborada por Galileo sobre las fases lunares
Durante el otoño, Galileo continuó desarrollando su telescopio. En noviembre, fabrica un instrumento que aumenta veinte veces. Emplea tiempo para volver su telescopio hacia el cielo. Rápidamente, observando las fases de la Luna, descubre que este astro no es perfecto como lo creía la teoría aristotélica.
Referencias http://www.prensalibre.com/hemeroteca/1663-y-sin-embargo-se-mueve http://galileiylafisica.blogspot.com.co/2012/05/teoriaheliocentrica.html Enciclopédia temática visual (astronomia) https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Galileo. arp.300pix.jpg
Johannes Gutemberg
Otro crack italiano
CAMILO MORENO PELÁEZ
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l renacimiento es un movimiento cultural que se dio en Italia desde los siglos XV- XVI haciendo parte de la edad moderna que tuvo fin en el siglo XVIII empezando casi a la par con el renacimiento, pero hoy no vinimos a hablar de cuanto tiempo estuvo presente o algo por el estilo, si no de esas influencias que hicieron este movimiento tan importante. Cuando nos dicen Italia lo primero que a la mente nos llega es DaVinci, Michel Angelo, y otros pintores, escultores o arquitectos, porque era como la moda en ese entonces ¿Quién no era escultor, pintor, arquitecto?. Pero hoy hablaremos de uno que vivió la primera etapa del Renacimiento, otro crack italiano, hablo de nada mas y nada menos que Donato di Pascuccio d’Antonio o Donato di Angelo di Antonio, mas facil Donato Bramante, ¿No lo conocen?... Listo, Donato fue un pintor y arquitecto Italiano, raro si no, este señor nació en 1444, exacto cuando apenas estaba iniciando esta etapa llena de arte y artistas mostrando sus grandes talentos, por lo que mas es recordado Bramante es por el proyecto que realizó de la Basílica de San Pedro en Roma, cuando el papa Julio II se decidió a continuar con las obras que habían tenido una pausa, el 18 de abril de 1506 se inicio la construcción de la actual edificación, llevando acabo el proyecto Bramante que acababa de llegar de Milán, pero ahora nos metemos mas de lleno en el tema de las obras, Bramante nació en
el Monte Andruvaldo o Asdrualdo lo que hoy es Fermignano cerca de la provincia de Urbino, se inició en el arte del dibujo y la pintura gracias a su padre, mas adelante mostrando un gran favoritismo por los estudios de las perspectivas y el dibujo arquitectónico. Uno de sus mas antiguos trabajos fue en Milán en 1477, los frescos de la fachada del Palacio de Podestá en Bérgamo o también el fresco que ahora esta en la Pinoteca Di Brera, situada en Milán y que contiene una colección de las mas destacadas obras italianas. La arquitectura de Bramante hizo un poco al lado sus habilidades como pintor, después de que se trasladó a Milán a mediados de 1474. Ya en Milán el Duque Ludovico Sforza lo hizo su Arquitecto de Corte en 1476, los encargos que le hacían, el espacio era muy limitado y eso lo llevo a la famosa tecnica pictora “trampantojo”, que intenta engañar a la vista combinando con la arquitectura ya sea real o simulado, culminó con la famosa trampantojo de la iglesia de Santa Maria presso San Satiro. En Milán, tuvo muchas construcciones; una de ella fue la iglesia Santa María Delle Grazie en los años 1492 y 1499, y otras obras menores como ten Pavía y en Legnano cada una no a mas de 35 kilómetros de Milán. Dejando a un lado a Milán, que, como hemos podido leer, fue la ciudad de inicio de este crack, Bramante partió a
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Roma en 1499 porque su patrón el Duque Ludovico Sforza fue expulsado de Milán, por en ese entonces, el ejercito francés estaba invadiendo, pero esto no fue ningún impedimento para Bramante ya que en Roma era conocido por el cardenal Rafaelle Riario, eso lo llevó a trabajar para el propio Papa Julio II, una de las primeras obras que realizó fue un pequeño templo circular cubierto por una cúpula semiesférica llamado el Templette de San Pietro in Montorio, en 1502, eso fue un encargo de los Reyes Católicos, para conmemorar la toma de Granada unos 7 años atrás, decidieron levantar una iglesia en honor en San Pedro Apóstol . Todo en esa época si giraba entorno a la religión, se tenia que hacer a lo grande, con decir que el templete fue una prueba puesta por el papa, el cual nuestro crack obvio la pasó, esta edificación es considerada una de las mas armoniosas del Renacimiento, y a pesar de ser una construcción bastante chica, la simetría de esas estructuras clásicas, rodeada por finas columnas toscanas, con una cúpula por encima, ¿hermoso no? Pero como dije antes, esto solo era una prueba, los planes que venían para nuestro amigo eran grandiosos, todo un reto. Ahora si se puso bueno, en 1503 nuestro arquitecto, y ya no tanto pintor, fue nombrado Arquitecto Pontificio, con 59 años, todo un jovencito todavía, con dos proyectos a cargo “El palacio de los Papas y la nueva Basílica de San Pedro” no se con que lo pueda comparar en la actualidad, digamos algo como que el presidente de tu país te nombre arquitecto personal y tu eres el que le va construyendo sus “casitas”, un ejemplo claro esta.
Incluso hay algo, un lugar, el Patio de Beldevere que fue construido por un señor llamado Antonio Pollaiuolo, que adivinen también era pintor, arquitecto, escultor, orfebre, que además perfecciono el arte del esmaltado, ¿casi nadie no? Años después el Papa le pidió a Bramante que lo uniera con el Vaticano, creando el Cortile del Belvedere en el que estuvo el Apolo de Belvedere, entre otras famosas esculturas antiguas. Lastimosamente, Donato empezó el proyecto de la basílica, el proyecto consistía en un edificio con planta de cruz griega inscrita en un cuadrado y cubierta por cinco cúpulas, la central de mayor tamaño y apoyada en cuatro grandes pilares, inspirándose en la Basílica de San Marcos, y un claro ejemplo de planta centralizada típica del Renacimiento, todo una maravilla, la cúpula estaba inspirada también en el Panteón de Agripa que se apoyaba en el crucero y lo restante en los ángulos, el proyecto empezó en 1506 comenzaron a demoler, y esto fue muy criticado por otros arquitectos, diciendo que Bramante era un blasfemo, y otras envidias, el proyecto no lo pudo terminar el, ya que falleció en 1514, y esto se extendió otros años mas. En fin, podemos decir con todo lo que hizo y dejo de hacer que es otro crack italiano. Referencias http://www.foroxerbar.com/viewtopic.php?t=9077 https://es.wikipedia.org/wiki/Donato_d’Angelo_Bramante http://www.buscabiografias.com https://upload.wikimedia.org
Templete de San Pietro in montorio
Barranquilla, 2017