Operación mundo: Educación Plástica, Visual y Audiovisual 3 ESO (muestra)

3ES O

EDUCACIÓN PLÁSTICA, VISUAL

Y AUDIOVISUAL

¿Qué vamos a aprender?

1

2

Creación de una ilusión óptica en el centro escolar

3. Salud y bienestar

• Percepción y observación

• Ilusiones ópticas

• La percepción del color

• El juego de la percepción

• El proceso creativo

• Color y expresión

Diseño de un mural con objetos reciclados 14. Vida marina

• Representación de formas naturales

• Representación de la figura humana 3

Realización de un retrato en arcilla

4

• El volumen escultórico

• Explorando el volumen

• Instalaciones artísticas

• La cultura visual

• El lenguaje cinematográfico

Producción de un vídeo instalación 13. Acción por el clima

• Técnicas de producción

• El videoarte 5

Creación

6

• Los polígonos

• Los polígonos regulares

• Tangencias y enlaces

• Las escalas

• Movimientos en el plano

• Composiciones modulares

• Tipos de proyecciones

• Los sistemas de representación

• El sistema diédrico

• El sistema axonométrico

• La perspectiva cónica

CULTURA ANDALUZA TALLERES PORFOLIO

El grabado:

• Técnicas, materiales y procesos

• Taller artístico

• Protagonista: Manuel Rivera

• Patrimonio cultural: Hospital de los venerables

• Manifestación artística: Trampantojo

La acuarela:

• Técnicas, materiales y procesos

• Taller artístico

• Protagonista: Carmen Laffón

• Patrimonio cultural: Baelo Claudia

• Manifestación artística: La cultura del agua en el paisaje andaluz

• ¿Qué has aprendido?

• ¡Actúa! Una ilusión óptica para provocar sensaciones

• Reflexiona cómo has aprendido

• ¿Qué has aprendido?

• ¡Actúa! Un mural para preservar el ecosistema marino

• Reflexiona cómo has aprendido

La arcilla:

• Técnicas, materiales y procesos

• Taller artístico

El stop motion:

• Técnicas, materiales y procesos

• Taller artístico

Las redes modulares:

• Técnicas, materiales y procesos

• Taller artístico

Esbozos, croquis y planos:

• Técnicas, materiales y procesos

• Taller artístico

• Protagonista: Leonor Serrano Rivas

• Patrimonio cultural: Centro Andaluz de Arte Contemporáneo

• Manifestación artística: La cerámica en Andalucía

• Protagonista: Isabel de la Torre

• Patrimonio cultural: Centro de Creación Contemporánea de Andalucía

• Manifestación artística: La animación digital en Andalucía

• Protagonista: Manuel Barbadillo Nocea

• Patrimonio cultural: La Mezquita de Córdoba

• Manifestación artística: El arco de herradura

• Protagonista: Guillermo Pérez Villalta

• Patrimonio cultural: Kursaal de Algeciras

• Manifestación artística: La arquitectura tradicional andaluza

• ¿Qué has aprendido?

• ¡Actúa! Retratos de diversidad

• Reflexiona cómo has aprendido

• ¿Qué has aprendido?

• ¡Actúa! Una acción a favor del medio ambiente

• Reflexiona cómo has aprendido

• ¿Qué has aprendido?

• ¡Actúa! Un kolam por los vínculos fraternales

• Reflexiona cómo has aprendido

• ¿Qué has aprendido?

• ¡Actúa! Un mueble u objeto sostenible

• Reflexiona cómo has aprendido

Experimenta la ilusión de la percepción

Según los datos de la Dirección General de Tráfico, casi la mitad de los fallecidos en accidentes en la vía pública tuvieron lugar en zonas de peatones. Datos como estos han hecho surgir una nueva idea en Sarajevo, donde utilizan una técnica visual sorprendente para conseguir que los conductores presten la debida atención en los cruces: han creado pasos de peatones en tres dimensiones y, con ello, se ha generado un impacto muy positivo en la seguridad vial.

Las ilusiones ópticas

Esta creativa solución se basa en pintar ilusiones ópticas en los pasos de cebra, ya que recrean la sensación de tridimensionalidad utilizando la perspectiva y el efecto lumínico apropiado para general profundidad.

Con la ilusión de profundidad en el paso de peatones se logra reducir el número de accidentes.

Tú qué ¿piensas ¿

¿Crees que el camino que recorres en coche, a pie, bicicleta o patín hasta tu centro educativo es seguro?

¿Te atreves a diseñar una ilusión óptica para provocar sensaciones que hagan de tu centro escolar un entorno más seguro?

Para lograrlo, sigue esta ruta:

Percepción y observación

Ilusiones ópticas

La percepción del color

El juego de la percepción

Percepción y observación

1.1 La percepción

La percepción es la capacidad que tiene el ser humano de percibir a través de los cinco sentidos. En específico, la percepción visual es la capacidad de captar y procesar la información que recibimos a través de nuestros ojos. Se trata de la primera impresión que notamos cuando vemos algo.

El complejo proceso de la percepción comienza con la captación, a través de nuestros ojos, de la luz reflejada en los objetos. Luego, esta es enviada al cerebro por los nervios ópticos y este la interpreta. En la percepción interactúan aspectos objetivos y subjetivos:

• Aspectos objetivos: la forma, el color, etc.

• Aspectos subjetivos: serán interpretados en función de nuestra cultura, experiencia, intereses, estado de ánimo, etcétera. Esto provoca que la interpretación del mundo que nos rodea sea personal. Sentido de la cabeza (2002), Diana Ong. Colección privada.

1.2 La observación

La observación, posterior a la percepción e íntimamente unida a ella, pone en juego el análisis de lo percibido. Cuando observamos, miramos con atención y estudiamos las cualidades visuales, su significado y función.

Mientras que la acción de mirar se centra en el hecho de ver, observar supone fijar la atención en algo y procesarlo conscientemente a través del pensamiento.

1.3 ¿Cómo interpretamos lo que percibimos?

Esa misma pregunta debió hacerse un grupo de psicólogos alemanes a principios del siglo xx, por lo que centraron sus estudios en la percepción, dando lugar a la psicología de la Gestalt (o psicología de la forma) que generó una serie de leyes o principios que explican nuestra percepción. Estos principios se basan en la identificación del todo antes que de las partes.

Leyes de la percepción

Ley de cierre

Tendemos a cerrar o terminar las formas aunque estas no estén completas.

Ley de la proximidad

Percibimos como una unidad las formas que se encuentran próximas entre sí.

Ley de continuidad

Tenemos predisposición a continuar un patrón aunque este haya sido interrumpido por otra forma.

Ley de la semejanza

Tomamos como una misma forma los elementos que son semejantes entre sí.

Ley de simetría

Las formas simétricas en nuestro cerebro configuran una sola forma.

Ley de la dirección común

Determinamos como una misma forma aquellas que están alineadas según una dirección común.

Ley de fondo/figura

Nuestro cerebro no es capaz de percibir, a la vez, el fondo y la figura. Por ello, debemos decidir qué forma es figura y qué forma es fondo.

Límite del círculo II (1959), Maurits C. Escher. Fundación M. C. Escher. Baarn (Países Bajos).

La pareidolia

Nuestro cerebro interpreta las formas agrupándolas y formando con ellas otras nuevas, por ejemplo, cuando completa un rostro con dos formas a modo de ojos. Este curioso fenómeno recibe el nombre de pareidolia, y nos puede ayudar a desarrollar nuestra imaginación y creatividad.

1 Aplica al menos dos leyes de la percepción en la creación de una imagen que represente algún estado emocional.

2 Investiga cómo se produce la pareidolia con los sonidos. Redacta una explicación en tu cuaderno.

2 Ilusiones ópticas

En situación Ten en cuenta que las ilusiones ópticas provocan que se perciba movimiento o volumen que no es real.

En ocasiones, vemos cosas que no son lo que aparentan, líneas paralelas que parecen oblicuas, formas que se mueven aunque realmente están quietas, colores que no son los que parecen, formas que desaparecen aunque sigan estando ahí.

Las ilusiones ópticas generan confusión en su percepción debido a la colocación de los elementos que conforman la figura, al ritmo, a la repetición, etc. Las formas, tamaños y colores provocan que veamos efectos que no son reales, tales como vibración, movimiento, volumen, deformación, etc.

Algunos tipos de ilusiones ópticas

Ilusión de muro de café

Aunque todos los cuadrados son iguales y las líneas divisoras paralelas, por su disposición se produce una ilusión óptica por la cual dejan de serlo.

Movimiento aparente

¿Se mueve la imagen? La ilusión se produce cuando las formas se desplazan en distintas direcciones, aunque la imagen sea estática.

Ilusión de Ebbinghaus

Motion dazzle

Durante la Primera Guerra Mundial, Inglaterra y Estados Unidos pintaron sus barcos con patrones geométricos contrastados para despistar a los torpederos alemanes.

Esta ilusión óptica se basa en alterar la percepción de las dimensiones relativas. Por ejemplo, cuando colocamos cerca dos círculos de la misma medida y son circundados, uno por círculos grandes y el otro, por pequeños, el primer círculo central parecerá más pequeño que el segundo.

Ilusión del triángulo

Estas figuras pueden ser representadas en el plano, pero no construidas en tres dimensiones. En ellas encontramos trampas visuales que recrean espacios imposibles.

2.1 Ilusiones ópticas y figuras imposibles en el arte

Algunos tipos de ilusiones ópticas

Op Art

Este movimiento artístico recurre a formas geométricas y colores contrastados para crear composiciones abstractas que generan ilusiones ópticas. Una de sus representantes es la artista Bridget Riley, que crea un movimiento ficticio mediante líneas quebradas.

Blaze 4 (1964), Bridget Riley. Museo de Arte Moderno de Louisiana (EE. UU.). >>

Figuras imposibles

La representación de espacios imposibles ocupa una parte importante en la obra del artista neerlandés M. C. Escher, internacionalmente reconocido por sus complejos mundos imaginarios.

Cascada (1961), M. C. Escher. Galería Nacional de Arte (Londres). >>

Trampantojo

Julien Beever realiza dibujos en la vía pública en los que genera trampantojos. Sus obras representan espacios que no existen, pero el realismo en su ejecución engaña al público.

Chica en la piscina (2007), Julian Beever. Redondo Beach, California. >>

Otros juegos visuales

El pintor surrealista Salvador Dalí también quiso jugar con el espectador y crear figuras complejas que engloban diferentes significados.

Los cisnes reflejan elefantes (1937), Salvador Dalí. Colección privada. >>

3 Veo, pienso, me pregunto. Observa y analiza las figuras. ¿Por qué no pueden construirse tridimensionalmente? Después, dibuja tu propia figura imposible.

En situación

Op Art

4 Observa obras de diferentes artistas pertenecientes a este movimiento artístico. Después, dibuja un cuadrado de 10 cm de lado y representa en su interior una obra de este estilo utilizando regla y compás.

3 La percepción del color

En líneas generales, los factores que intervienen en la percepción del color pueden ser físicos o psicológicos.

3.1 Factores físicos

¿Cómo percibimos el color?

El color luz es aquel que percibe nuestro cerebro cuando la luz llega a nuestros ojos. La luz blanca es el espectro visible, es decir, la parte del espectro electromagnético que somos capaces de percibir. Está compuesta por todos los colores.

Espectro visible

El contraste simultáneo

El contraste simultáneo muestra cómo los colores interaccionan entre sí, en función de su fondo. En esta imagen se puede observar de qué manera un mismo color sobre un fondo oscuro o claro hará que varíe su valor en la percepción.

Nuestros ojos disponen de células fotosensibles, los bastones y los conos. Estos últimos son los responsables de la visión en color. Tenemos tres tipos de conos, cada uno sensible a una longitud de onda, por tanto, a un color luz primario: rojo, verde y azul.

Cuando la luz blanca llega a la superficie de un objeto este absorbe algunas longitudes de onda y refleja otras. Las reflejadas llegarán a nuestros ojos y serán, por tanto, percibidas por nuestro cerebro. Si la superficie absorbe todas las longitudes de onda, lo percibiremos como negro; si refleja todas, como blanco.

Luz blanca recibida

Luzverde

Superficie verde

3.2 Factores psicológicos

En nuestra percepción del color desempeña un papel determinante la forma en que nuestro cerebro procesa y condiciona la información que hemos recibido a través de la vista.

La relatividad del color

Precisamente, debido a los factores psicológicos que determinan su percepción, se puede afirmar que el color es relativo. Esto quiere decir que, en función de qué colores esté rodeado o tenga cerca, lo percibiremos de diferentes formas.

Otras percepciones del color

Las células responsables de la visión del color, los conos, pueden llegar a saturarse si observamos durante un espacio de tiempo un color. Esto provocará que, aunque no esté, veamos su complementario. Este efecto es el denominado contraste sucesivo.

Otra curiosa ilusión óptica relativa al color nos hacer percibir el círculo interior de color azul cuando solo las líneas lo son: nuestro cerebro «tiñe» el blanco que lo rodea. Esto se conoce como efecto del área circundante.

Otro factor determinante lo constituye el grado de adaptación de la vista a la intensidad de la luz. Por ejemplo, en la medida en que va atardeciendo, se percibe con mayor fuerza el color azul. Por eso, la última hora del día, al final del crepúsculo, se conoce como hora azul, pues todo se tiñe de una tonalidad azulada.

Finalmente, nuestra percepción del color establece una jerarquía entre los elementos que observamos, otorgando más peso visual, es decir, mayor importancia, a determinados elementos, en función de su tamaño, pero también de su color y saturación.

Contraste sucesivo

Si se observa el punto negro durante un espacio de tiempo y se pasa la vista a un espacio en blanco se perciben los tres colores complementarios de los aportados.

5 Pienso, me interesa, investigo. Investiga sobre la ilusión de Munker. Realiza, utilizando rotuladores, este tipo de ilusión sobre una hoja en blanco tamaño DIN A5.

Crepúsculo en Alvaret (1904), Príncipe Eugenio de Suecia. Museo Príncipe Eugenio (Estocolmo).

4 El juego de la percepción

4.1 El juego de la percepción en la publicidad

El lenguaje publicitario es una herramienta fundamental en el mundo de la comunicación y el marketing. A través de él, las marcas y las empresas buscan captar la atención de los consumidores y consumidoras, y persuadirlos para que adquieran sus productos o servicios.

La imagen en el lenguaje publicitario tiene una función exhortativa, es decir, trata de ser persuasiva para convencer de hacer algo. La publicidad busca el impacto visual, por lo que recurre a imágenes provocativas, colores llamativos, y eslóganes y música que nos ayuden a recordar lo publicitado. Es por ello que la creatividad resulta una de las características fundamentales de este lenguaje. Un mensaje original destacará en un mercado saturado.

La percepción es otro aspecto importante del lenguaje publicitario. Los anuncios están diseñados para influir en cómo percibimos un producto o una marca. Utilizan imágenes y palabras cuidadosamente seleccionadas para transmitir ciertos valores y generar determinadas asociaciones. Por ejemplo, un anuncio de perfume puede utilizar imágenes elegantes y sofisticadas para transmitir la idea de exclusividad.

El uso de las leyes de la Gestalt en la publicidad

Nuestro cerebro tiende a percibir, en primer lugar, las formas más sencillas. Por eso, el uso de imágenes simples pero ingeniosas resulta un excelente recurso en la publicidad.

1. Ley del cierre.

2. Ley de fondo/figura.

3. Ley de proximidad, semejanza.

4.2 El juego de la percepción en el lenguaje de la forma

Para la representación de las formas se puede hacer uso de cuatro sencillos elementos como son el contorno, el dintorno, la silueta y el entorno, que ayudan a conferir énfasis a las formas, destacarlas o confundirlas, etc.

El contorno es la línea que bordea o delimita la figura. Podemos usarlo como dibujo o remarcarlo en nuestra composición.

El dintorno es el espacio interior generado por la línea de contorno. En él podemos dibujar texturas, formas, etc. El pintor surrealista René Magritte con frecuencia rellena los dintornos de las figuras con paisajes, cielos, etc.

La silueta hace referencia a la forma de un solo color y sin línea de contorno. La silueta generada por un contraluz o el uso de la sombra en fotografía son efectos artísticos muy utilizados.

Un cuarto elemento, el entorno, es decir, el espacio que rodea la figura, ayuda al artista a destacar o mimetizar la forma.

En esta obra, Víctor Vasarely potencia las formas colocándolas en un entorno oscuro y plano.

Un contorno bien definido permite destacar las figuras sobre el fondo.

Detrás de la estación de Saint-Lazare (1932), Henri Cartier-Bresson. Fundación Henri Cartier-Bresson (París).

6 Cabezas pensantes. Por grupos, realizad un cartel publicitario para concienciar sobre el buen uso del agua utilizando solo siluetas.

La bella sociedad (1965-1966), René Magritte. Fundación Telefónica (Madrid).

Cebras (ca 1938), Víctor Vasarely. Colección privada.

Técnicas y procesos

El grabado

El arte de grabar consiste en señalar, dibujar o generar trazos, que pueden ser en hueco o en relieve, sobre una superficie, plancha u objeto.

El grabado se ha consolidado como una disciplina artística para generar imágenes en planchas o matrices que permiten una posterior estampación o impresión. Una característica de este tipo de imágenes es que pueden ser reproducidas en serie.

Tipos de grabado

• Punta seca: consiste en tallar o grabar una imagen sobre una superficie plana, usualmente metal, utilizando ácidos o herramientas de corte. Posteriormente, se entinta la plancha y se imprime sobre papel con tórculo.

• Xilografía: se utiliza una plancha de madera para tallar la imagen. Se aplica tinta sobre la superficie grabada y se imprime la imagen en el papel.

• Litografía: la imagen se dibuja o pinta directamente sobre una piedra o plancha de metal. La tinta es repelida por el agua y se utiliza un rodillo para transferir la imagen al papel.

• Serigrafía: utiliza una pantalla de malla tensada sobre un marco. La imagen se forma al bloquear la tinta con una plantilla y se presiona para aplicarla sobre el papel o tela.

• Aguatinta: consiste en ampliar partículas de resina sobre una plancha de metal que, al ser sumergidas en ácidos, crean áreas de diferentes tonalidades. Se aplica tinta y se imprime.

Materiales

Los materiales dependerán de la técnica a desarrollar, pero los más comunes son:

• Planchas o matriz.

• Rodillos y tintas, generalmente de tipo calcográfico.

• Papel

• Tórculo

El tórculo es una prensa de palanca que se utiliza para aplicar presión sobre una matriz grabada o una plancha de impresión para transferir la imagen.

La monotipia es una técnica de grabado y estampación muy básica que se caracteriza por ser una forma de impresión única, a diferencia de otras técnicas —como el aguafuerte o la punta seca o linóleo— que permiten sucesivas estampaciones desde la plancha matriz.

Generación de la imagen

Sobre una placa de cristal o metacrilato (un sencillo DIN A4 de acetato será suficiente) se genera la imagen buscada con diferentes tipos de tintas, témperas o acuarelas. Es necesario que estén bien hidratadas para que permitan la estampación. Se pueden añadir hojas, hilos o elementos de poco volumen para que interfieran en la composición logrando texturas.

Estampación

A continuación, se coloca el papel encima de la superficie y se aplica presión, ya sea manualmente, por medio de rodillos o prensa de grabado, para transferir las tintas al papel. Se puede hacer presión con algún elemento punzante para generar diferentes grafismos sobre el reverso del papel, antes de levantarlo.

Reproducción. Una vez seco, se puede estampar sucesivas veces el mismo monotipo hasta conseguir la composición deseada.

Sin título. Museo del Hermitage, San Petersburgo (Rusia).

El grabado

El grabado en el arte

Francisco de Goya

A lo largo de su vida, Goya (1746-1828) realizó una amplia variedad de obras como pintor de la corte, con los retratos de la aristocracia y los encargos de la familia real, encontramos obras de gran valor. Sin embargo, lo que indudablemente hace de este artista uno de los más grandes fue su obra de carácter personal y libre, sin estar sujeto a encargos. En su serie de grabados más famosa, Los caprichos, Goya critica la sociedad en su época, revelando los vicios y las supersticiones que la aquejaban. La serie Los desastres de la guerra muestra la crudeza y el horror más descarnado. Goya experimentó una evolución artística notable, de un estilo más clasicista a una expresión más libre y personal en sus últimas obras. Sus grabados reflejan esta evolución, mostrando una técnica impecable y una maestría en el uso de la luz y la sombra.

El sueño de la razón produce monstruos (1799), Francisco de Goya. Colección Antonio Elorza (Madrid).

Mary Cassatt

Mary Cassatt (1844-1926) fue una de las pocas mujeres de su época que logró ingresar en el círculo de artistas impresionistas de París. Aunque de nacionalidad estadounidense, vivió gran parte de su vida en Francia. Cassatt realizó numerosos viajes a lo largo de su vida. Entre ellos visitó Madrid y Sevilla, donde se sumergió en la creación de diversas obras inspiradas en variadas temáticas españolas. Una de ellas es Spanish dancer wearing a lace mantilla, datada en 1873.

La artista es reconocida principalmente por sus pinturas y grabados que retratan la vida cotidiana de las mujeres. Su obra se centró en la representación de la maternidad, capturando la intimidad y la ternura de estos momentos. Utilizó distintas técnicas como el grabado al aguafuerte y la punta seca.

La lección de banjo (ca 1893), Mary Cassatt. Punta seca y aguatinta. Museo de Arte Carnegie, Pittsburgh, Pensilvania (EE. UU.).

En los siguientes ejemplos, las manchas previas de diversos monotipos han dado lugar a figuraciones concretas. Hay que recordar que, debido a la pareidolia, una persona percibe patrones reconocibles, como caras, figuras o formas familiares en manchas o superficies texturizadas. Es una forma de percepción en la cual nuestro cerebro intenta encontrar sentido y familiaridad en lo que observamos.

Crea manchas

1 Desarrolla tu creatividad y la exploración visual a través del experimento de la pareidolia. Sobre un acetato o superficie similar, aplica acuarela bien diluida en agua para crear manchas. Puedes mezclar diferentes colores. Después, coloca tu lámina de papel en blanco en contacto con el acetato para imprimir las manchas generando monotipos.

2 Una vez seco, utilízalo como plantilla sobre la que, posteriormente, con la ayuda de lápices, observar la imagen resultante en busca de formas reconocibles, como rostros, animales u objetos. Una vez comenzado el dibujo que te sugieren algunas manchas, puedes continuarlo libremente.

3 Pon título a tus creaciones y exponlas en clase.

PROTAGONISTA

CULTURA MANUEL RIVERA

Este artista granadino (1927-1995) fue uno de los principales exponentes del grupo El Paso, un movimiento vanguardista surgido en la década de 1950. Su obra se caracterizó por su enfoque abstracto y la habilidad para fusionar las ilusiones ópticas y la geometría. Rivera experimentó con una amplia variedad de técnicas y materiales, buscando composiciones visuales dinámicas, geométricas y vibrantes que permitieran generar ilusiones ópticas con un dinamismo muy particular.

SEVILLA

HOSPITAL DE LOS VENERABLES

PATRIMONIO CULTURAL

Fue construido sobre el terreno que solía ocupar el corral de las comedias de doña Elvira, un espacio que, durante los siglos xvi y xvii, fue lugar de representación de grandes obras teatrales escritas por reconocidos dramaturgos como Lope de Vega, Tirso de Molina y Miguel de Cervantes. El corral de doña Elvira era uno de los más famosos y concurridos de Sevilla durante el Barroco.

Hoy en día, este sitio se ha convertido en un lugar perfecto para eventos teatrales y espectáculos musicales.

AUTORREFLEXIÓN PERSEVERANCIA CONSTANCIA

Espejos (1975), Manuel Rivera. Museo Internacional de Arte Contemporáneo, Arrecife (Lanzarote).

MANIFESTACIÓN CULTURAL TRAMPANTOJO

El trampantojo es una técnica utilizada en las artes visuales que consiste en crear una ilusión óptica mediante la cual se engaña o confunde la percepción del espectador y de la espectadora.

A través de la manipulación de elementos como la luz, el color, la perspectiva y el espacio, se logra representar objetos o escenas de manera tan realista que parecen estar presentes físicamente pero, en realidad, solo son representaciones bidimensionales. Esta técnica fue especialmente popular durante el Barroco, donde los artistas buscaban crear imágenes que sorprendieran al público. Utilizaban diferentes métodos como el juego de sombras y luces, la aplicación de perspectivas forzadas y la mezcla de técnicas de dibujo y pintura para crear efectos visuales asombrosos.

El triunfo de la Santa Cruz (1668), Juan Valdés Leal, sacristía de la iglesia del Hospital de los Venerables (Sevilla). El autor nos hace creer que unos ángeles sujetan una cruz.

El moiré es un tipo de efecto muy común en ciertos tejidos que produce un efecto visual de distorsión, dando lugar a una apariencia acuosa.

PORFOLIO

¿Qué has aprendido?

1 Por parejas, buscad en las marquesinas de vuestra localidad o en medios impresos ejemplos publicitarios que utilicen algún juego visual. Analizad en qué elementos gráficos se basan, qué fin persiguen y cómo lo consiguen.

2 Copia en tu cuaderno y completa el siguiente mapa conceptual.

Leyes de la Gestalt

Entorno

Representación de la forma

Percepción visual

Relatividad del color

Percepción del color

Células fotosensibles

3 Explica en tu cuaderno la ilusión óptica que se aprecia en esta imagen y cómo se ha conseguido ese efecto.

Una ilusión óptica para provocar sensaciones

En esta unidad has aprendido los principios en los que se basa la percepción visual y cómo se producen determinados efectos ópticos. La combinación de formas, colores, movimientos y direcciones, así como de texturas, puede provocar ilusiones ópticas que «engañan a nuestro cerebro».

1 Realiza tu propuesta de ilusión óptica con la finalidad de que tu centro escolar sea un entorno seguro para todos.

2 En grupos, buscad el lugar adecuado para dibujarla.

3 Haced una lista del material necesario y realizad un croquis antes de llevarlo a la práctica.

4 Podéis grabar todo el proceso y hacer una presentación final en la que expliquéis vuestros objetivos y comentéis la reacción de las personas que se han encontrado con vuestra ilusión óptica por el camino.

Reflexiona cómo has aprendido

1 ¿Te has planteado objetivos para este curso que acaba de empezar? Menciona tres que podrían ayudarte a obtener un mejor rendimiento de tus horas de dibujo.

2 Céntrate en los tres objetivos que te has planteado y haz una lista de todo lo que podrías necesitar para poder llevarlos a cabo.

3 ¿Qué podrías hacer cuando te surjan obstáculos? En pósit de colores escribe palabras motivadoras que te ayuden a superar los problemas.

2 Situación de aprendizaje

Descubre tu potencial artístico

Numerosos artistas contemporáneos demuestran su activismo y dedicación creando conciencia sobre el cambio climático. A través de intervenciones plásticas en la naturaleza, transmiten, por un lado, la belleza y la fragilidad de estos espacios naturales y, por otro, el impacto de su deterioro en los mares y océanos.

Los elementos del lenguaje plástico

En numerosas ocasiones, mediante una asombrosa habilidad en el manejo de las líneas, las formas, los colores o las texturas, los creadores y creadoras reproducen los detalles más minuciosos y sensibles de la naturaleza, transmitiendo así un poderoso mensaje de concienciación sobre el cuidado de nuestros entorno, y la necesidad de preservar su riqueza.

La ballena (2020), Studio KCA. Trienal de Arte Contemporáneo, Brujas (Bélgica). >>

Tú qué ¿piensas ¿

¿El arte puede inspirar cambios en nuestras actitudes e impulsarnos a adoptar prácticas más sostenibles y responsables con el entorno?

¿Te animas a diseñar un mural reciclando plásticos para concienciar sobre la importancia de cuidar nuestros mares y océanos?

Para lograrlo, sigue esta ruta:

El proceso creativo

Color y expresión

Representación de formas naturales

Representación de la figura humana

1

El proceso creativo

En situación Dispón de una libreta en la que apuntes pensamientos, ideas y dibujos que, aunque la mayoría no los uses en el mural, es posible que te ayuden en nuevos proyectos.

El proceso creativo no suele ser una idea genial que surge de la nada; la inspiración implica mucho trabajo y una serie de pasos que llevarán, de una forma más segura, a la creación de una obra artística.

Este proceso no se cumple del mismo modo en todos los artistas, pero sí ayuda a que el trabajo sea meditado y se adentren en él con la seguridad de saber lo que quieren hacer.

1.1 Etapas del proceso creativo

La observación del mundo que nos rodea, las noticias que nos llegan, los sentimientos hacia sucesos cotidianos… cualquier detalle puede ayudarnos a llegar a una gran idea. Solo hay que prestar atención. Una vez que encontremos algo que nos resulte inspirador, debemos recopilar información acerca del tema e investigar sobre otros artistas que también hayan trabajado esa temática.

Disponer de un amplio imaginario de obras y artistas ayuda a ser más creativos; no se trata de copiar la obra de otra persona. Los artistas beben de diferentes fuentes para generar un código visual con el que expresarse. >>

Se debe prestar atención a la elección de la técnica y el material. Las diferentes disciplinas tienen su propia forma de expresarse y, dentro de cada una, la elección de un material u otro puede provocar que una idea parezca muy diferente. Por tanto, es recomendable hacer pruebas antes de tomar una decisión.

El boceto es un dibujo previo, un estudio de composición, de forma, de color, de texturas, etc., que ayuda a ordenar y aclarar las posibles dudas antes de la ejecución de la obra. Puede acompañarnos a lo largo del proceso creativo, pues es un elemento vivo sobre el que pensar y tomar decisiones.

El boceto permite ordenar las ideas para facilitar el pensamiento creativo. >>

1.2 Elementos básicos de la expresión artística

Expresarse plásticamente implica hacer uso de determinados elementos básicos que se pueden utilizar de forma aislada o combinarse entre sí. Los elementos básicos de la expresión artística son:

• El punto.

• La línea.

• La textura.

• El color.

• El plano.

El punto necesita del conjunto para generar formas. Es posible encontrarlo como huella, como un grupo de pinceladas sumándose a una forma, con más o menos presencia, etc. Por ejemplo, la obra de Paul Signac, La boya, realizada con la técnica del puntillismo, se estructura a partir de puntos de vivos colores. Por su parte, la línea se vale por sí sola para configurar una forma. Varía su expresión en función del grosor, de la dirección o del tipo de trazo.

El otro elemento básico, la textura, también aporta expresividad. Los artistas juegan con las texturas generadas por los propios materiales, como una pincelada cargada de materia que deja su huella al secar, o con el trazo del material sobre un papel con una textura específica. Artistas como Antoni Tàpies añaden a sus composiciones telas y arena para crear sus texturas.

1 Veo, pienso, me pregunto… Piensa en una idea (un texto, el atardecer…) que te inspire e investiga sobre cómo otros artistas la han trabajado. Prepara una presentación digital para explicar los resultados de tu trabajo.

2 Realiza dibujos del natural utilizando diferentes materiales (lápiz, carboncillo, témperas, acuarelas, etc.). Analiza el resultado. ¿Con cuál de ellas te ha resultado más fácil trabajar? ¿Cuál te gusta más? Justifica tus respuestas.

La gestualidad del trazo

La gestualidad del trazo determina el carácter de la obra, confiriéndole, por ejemplo, mayor dinamismo o sutilidad, como el trazo sencillo realizado por Egon Schiele.

Este tipo de trazo más gestual se utiliza en dibujo del natural con un modelo delante, ya sea un bodegón, una persona o un paisaje. Requiere de un análisis formal rápido antes de realizar los detalles.

Autorretrato (1910), Egon Schiele. Colección privada.

La boya roja (1985), Paul Signac. Museo de Orsay (París).

Ocre y negro con tela encolada (1972), Antoni Tàpies. Colección privada.

2 Color y expresión

Clasificación de colores

La empresa Pantone® creó una guía de colores identificados con un código. Este código es el más reconocido y utilizado en las artes gráficas.

Cada año eligen un color, que representa el estado de ánimo global.

Es imposible permanecer impasibles ante los estímulos y las sensaciones que nos rodean. Nuestro día a día está lleno de colores que captan nuestra atención y ante los que manifestamos algún tipo de reacción o sentimiento. A menudo nos sobrecogemos ante una puesta de sol. ¿Será por el color?

2.1 El color

El color es un elemento plástico con un gran valor expresivo. La armonía o el contraste entre colores o, incluso, su ausencia, hacen de él una herramienta poderosa que permite transmitir emociones, ideas y conceptos de una manera visualmente impactante.

Los colores transmiten significados simbólicos: se trata de mucho más que de una simple combinación de tonos y matices. Cada color posee su propia personalidad y puede comunicar diferentes emociones.

Por ejemplo, el rojo se asocia comúnmente con la pasión o la energía, mientras que el azul transmite serenidad.

Para algunos artistas, el color es el protagonista absoluto que, desligado prácticamente de la forma, se vale de su propia expresión para transmitir.

Mark Rothko, por ejemplo, trabajó grandes planos de color sin contorno definido que parecen flotar y que envuelven al espectador y a la espectadora, invitando a la meditación.

Yves Klein, por su lado, dedicó una parte importante de sus creaciones al estudio del azul intenso, realizando numerosas composiciones de forma monocromática y llegando a registrar un color como International Klein Blue.

N.° 210/N.° 211- Naranja (1950), Mark Rothko. Crystal Bridges. Museum of American Art. Bentonville, Arkansas (EE. UU.).

L’accord bleu (RE 10) (1960), Yves Klein. Stedelijk Museum, Ámsterdam (Países Bajos).

2.2 La expresividad de la luz

La luz dota de expresión a la forma. Tiene, además, el poder de transmitir emociones y crear atmósferas únicas. Los artistas expresan con la intensidad y la dirección de la luz diferentes sentimientos.

La luz puede ser utilizada de diversas formas, desde la iluminación natural hasta la artificial. Cada tipo posee sus propias características y crea efectos distintos en una pintura, fotografía o escultura. Por ejemplo, la luz natural puede ser suave y difusa, y transmitir calma y tranquilidad. O la luz artificial puede ser más intensa y directa, generando un ambiente más dramático y misterioso.

Las claves tonales son fundamentales para controlar la luz. Estas claves se refieren a las diferentes gradaciones de luz y sombra presentes en una composición.

Clave tonal

Alta

Predominan los tonos claros y los valores altos, que suavizan la composición.

Baja

Presenta una escena poco iluminada, predominando las tonalidades oscuras.

En Atardecer (1830-1835), Caspar D. Friedrich resalta el cielo oscureciendo a los personajes.

Contrastada

Genera zonas de luz y de sombra muy marcadas, potenciando texturas, contornos y volúmenes que destacan algunas formas. También puede focalizar la atención en un objeto o figura haciendo que resalte del resto de la composición.

Joven con aguamanil (1662), Johannes Vermeer. The Metropolitan Museum of Art (Nueva York, EE. UU.).

3 Coloca algunos objetos sobre una mesa y crea un bodegón. Ilumínalos con una lámpara y realiza una grisalla usando una cartulina de color medio como fondo. Con un lápiz blanco, recrea las luces y con otro del mismo color que la cartulina, pero más oscuro, las sombras.

La grisalla

El claroscuro dota de volumen a las composiciones. La grisalla es una composición monocroma donde se trabajan las luces y las sombras. Lo habitual es partir de un fondo blanco y componer las sombras dejando el blanco del papel como luces. Pero se puede utilizar un valor medio, por ejemplo el gris, como fondo y centrarse en las luces con blanco y las sombras con negro, como se puede observar en Manos en oración (1508), de Alberto Durero. Albertina Museum, Viena (Austria).

El balandrito (1909), Joaquín Sorolla. Museo Sorolla (Madrid).

3

Representación de formas naturales

3.1 Los paisajes

En sus inicios, la representación del paisaje desempeñaba una función escenográfica, como espacio en el que colocar una escena. Pero, durante el siglo xix, con el Romanticismo, empezó a considerarse un género pictórico.

El movimiento impresionista, por su parte, le otorgó un gran protagonismo: los artistas comenzaron a pintar la naturaleza en el exterior, no dentro de un estudio, lo que ayudó a que la pincelada fuera más rápida y desenvuelta.

La representación realista del paisaje

En el dibujo del paisaje se debe hacer uso de determinados recursos para la representación del espacio, la perspectiva lineal, la superposición y la perspectiva aérea o atmosférica, además del correcto uso del color o las texturas.

Siempre se debe tener en cuenta la perspectiva lineal desde la que se observa el paisaje.

• Desde un punto de vista alto, se obtiene una visión general.

• Desde un punto de vista bajo, situado cerca del suelo, los elementos se observan más próximos, como en Triana, de Emilio Sánchez Perrier.

La marina

Dentro del género del paisaje, son frecuentes los entornos inspirados en el mar. Este tipo de representación también es considerado como género pictórico y se conoce como marina.

En un entorno natural existen elementos, como la vegetación, que se representan con formas abiertas. Esto implica que, primero, se trabajen los fondos (el cielo, las montañas…), y, después, se realice la superposición de los otros elementos (los animales, las personas, etc.)

La recreación de la sensación espacial y de profundidad resulta de gran importancia. Por eso, la perspectiva aérea (que consiste en hacer una gradación de los colores según se van alejando), así como la definición de las texturas y la disminución del tamaño, potencian estos efectos.

Torre del Oro (1833), David Roberts. Museo del Prado (Madrid).

Marina, paisaje marino con pescadores (1822), Theodore Gericault. Museo de Arte e Historia de la Ciudad, Ginebra (Suiza).

Triana (1888-1990), Emilio Sánchez Perrier. Museo de Bellas Artes de Sevilla.

3.2 Los animales

Desde la prehistoria, los animales también han estado presentes en el mundo del arte. Su representación requiere el estudio de sus estructuras y movimientos.

Simplificar su formas en figuras geométricas básicas ayuda a encajar y situar los elementos de manera proporcionada. También se deben tener en cuenta las direcciones de los movimientos, realizando líneas que señalen la posición de patas, aletas, cabezas…

Es posible conseguir un encaje más preciso utilizando formas tridimensionales sencillas como conos, prismas… En el caso de que la figura se encuentre en movimiento, resulta más sencilla la representación de formas escorzadas, es decir, en perpendicular a quien observa el dibujo. Una vez encajada la forma, se completará el dibujo con líneas de contorno y se dibujarán los detalles. En este momento, se debe prestar especial atención a la representación de las texturas propias de la piel del animal. Finalmente, las luces y las sombras potenciarán el volumen.

El rinoceronte

En el siglo xvi, Durero realizó este grabado sin haber visto nunca un rinoceronte. Solo se valió de la descripción escrita y un boceto de otro artista.

Rinoceronte (1515), Alberto Durero. Albertina Museum, Viena (Austria).

Estudio de seis cabezas de ovejas (1880), atribuido a Franciscus Andreas Milatz. Colección privada.

El águila herida (1870), Rosa Bonheur. Los Angeles County Museum of Art (EE. UU.).

Vaca amarilla (1911), Franz Marc. Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York (EE. UU.).

Animales marinos en peligro de extinción

4 Rompecabezas. Investiga qué animales marinos se encuentran en peligro de extinción. Por grupos, diseñad un catálogo en el que resumáis sus características acompañadas de croquis de cada uno.

4 Representación de la figura humana

El canon clásico

Los escultores griegos buscaron plasmar en sus producciones la belleza «ideal». Policleto, en el siglo v a. C., estableció con su Doríforo el canon de siete cabezas y media.

Doríforo (450-440 a. C.), Policleto. Museo Arqueológico Nacional de Nápoles (Italia).

En el siglo iv a. C., los escultores realizaban figuras más esbeltas. Lisipo instauró el canon en ocho cabezas.

La figura humana es la forma más representada a lo largo de la historia del arte. La concepción de su proporción ha variado con el tiempo, pero ya en la Grecia clásica se forjó el canon que ha determinado su representación.

4.1 La proporción

La proporción es la relación entre cada una de las partes y el todo. En el caso de la figura humana, el canon será la medida de la cabeza, que marcará la altura y la posición de las diferentes partes del cuerpo. Un cuerpo adulto está formado por ocho cabezas. Este esquema ayuda a colocar de manera proporcionada las diferentes partes del cuerpo, teniendo en cuenta las articulaciones. Será de utilidad a la hora de dibujar una figura en movimiento: para ello, se deben trazar las direcciones de la columna, los hombros, la cadera, las piernas y los brazos. Una vez dibujado el esquema, debe dotarse de volumen.

La representación del cuerpo en movimiento puede presentar algunas partes escorzadas. Para conseguirlo, se dibujan más grandes o más pequeñas, sin tener en cuenta su proporción. El artista Salvador Dalí representa la figura humana aplicando un escorzo a algunas partes del cuerpo, como las piernas y el tronco.

Apoxiómeno (siglo i), Lisipo. Museos Vaticanos.

Piedad (1958), Salvador Dalí. Colección Pérez Simón (México).

4.2 La representación del rostro

Para la representación del rostro también se debe tener en cuenta la proporción. Con un sencillo esquema se puede colocar cada elemento en su lugar.

La expresión en el rostro varía con mucha facilidad: por ejemplo, tan solo un cambio en la dirección de las cejas o de la boca hacen que pase de la alegría al enfado.

La combinación del cuerpo y el rostro permite representar personajes cargados de expresión. Cambiando su apariencia, se trabaja la diversidad (más bajos, más altos…). Cada cuerpo puede variar ligeramente el canon, aunque seguirá siendo proporcionado.

4.3 La figura humana en el arte

Cada momento de la historia muestra formas de representar adaptadas al gusto, a la necesidad y a los códigos visuales de la época, desde las formas esquemáticas de la prehistoria o las figuras hieráticas egipcias, hasta el idealismo del Renacimiento, o la abstracción y el hiperrealismo del siglo xx, sin olvidar el arte religioso de la Edad Media.

5 Elige algunas imágenes de figuras humanas en movimiento, coloca un papel vegetal sobre ellas y dibuja su esquema de movimiento. Después, selecciona una de ellas, dibuja su esquema en una hoja y complétalo.

6 Inventa un personaje: piensa cómo será su personalidad (alegre, dinámico, tranquilo, etc.) y sus rasgos físicos. Escribe una breve descripción y, luego, dibújalo cuidando su proporción.

Dibujo del natural

7 Disponed un círculo lo más grande posible. En el centro, modelos voluntarios (individuales y en pareja) posarán para que el resto de la clase los dibuje de forma general, sin prestar atención a los detalles.

Pinturas rupestres de la cueva Khao Chan Ngam (Tailandia).

Frontal del altar de la iglesia de Farrera (1200). Museo Nacional de Arte de Cataluña.

Máscara funeraria de Tutankamón. Museo Egipcio de El Cairo (Egipto).

David (1502-1504), Miguel Ángel. Galería de la Academia, Florencia (Italia).

Desnudo bajo un pino (1959), Pablo Picasso. The Chicago Art Institute, Chicago (EE. UU.).

Pareja de ancianos en un banco, Duane Hanson. Exposición en el Museo Frieder Burda de Baden Baden (Alemania).

Técnicas y procesos

La acuarela

La acuarela es una técnica pictórica que utiliza pigmentos diluidos en goma arábiga. La transparencia de los colores depende de la cantidad de agua con que se mezclan los pigmentos, que se aplican por capas, reservando las zonas más claras y traslúcidas o incluso áreas sin pintar.

Tipos de aplicación de la acuarela

• Este material otorga mucha luminosidad y transparencia en las mezclas de color, así como las llamadas veladuras, que se producen mediante la superposición de un tono sobre otro ya seco. Por ello, es una de las mejores técnicas para representar el agua, el cielo y los líquidos en general.

• La aguada es una mancha de color de acuarela con mucha agua. El resultado es muy traslúcido y se recomienda para empezar los primeros tonos e ir después añadiendo el resto.

• Sobre papel mojado se pueden aplicar manchas de acuarela con pincel o esponja. Se crearán efectos en los que la mancha se dispersa.

• Los colores resultarán vivos y llamativos, especialmente si se aplican con poca agua con la técnica que se conoce como «seco sobre seco».

Materiales

• Es una técnica que precisa gran cantidad de agua, por lo que el papel ha de ser de mayor gramaje. También deberá presentar una textura rugosa.

• Acuarelas en tubo o en pastillas. Las primeras están más hidratadas y son más untuosas.

• Pinceles de diferentes tipos (redondos, cuadrados, planos, «lengua de gato» o en abanico), así como esponjas para aplicar la acuarela.

La acuarela es una técnica pictórica de secado rápido y, por ello, obliga a una ejecución segura. Resulta difícil corregir errores. Siempre se recomienda realizar un borrador en el que probar los trazos y aguadas con antelación. Si se comete un error, se puede corregir con cuidado, utilizando una esponja húmeda o raspando.

El artista August Macke, representante del expresionismo alemán, utilizó acuarelas en varias de sus obras.

Las líneas irregulares, imperfectas, separan los espacios.

Con pinceladas gruesas de color negro realza los rasgos de sus personajes.

Para los pequeños detalles decorativos utiliza pinceles de un menor grosor.

Mujer en diván (1914), August Macke. Museo Nacional Thyssen-Bornemisza (Madrid).

Búsqueda de materiales

Se reúnen los materiales necesarios y unos pliegos de papel extra que se podrán utilizar para realizar diferentes bocetos.

Dibujo previo

Se dibujan a lápiz algunos trazos muy suaves que representen las formas básicas de la composición y que servirán para el proceso posterior.

Hoja de pruebas

Se experimenta primero en la hoja de pruebas. Es conveniente practicar aguadas con el papel previamente mojado, veladuras una vez seco y, volviendo a aplicar color encima, transiciones de colores.

Acabado

Para producir sensación de volumen, se añaden las sombras necesarias que han de ser suaves, ya que es una técnica muy traslúcida y no deben de quedar empastadas ni demasiado saturadas.

La acuarela

La acuarela en el arte

William Turner (1775-1851) fue un destacado pintor romántico inglés del siglo xix. Conocido por su habilidad para capturar la luz y el movimiento, sus obras se caracterizan por paisajes impresionantes y dramáticos. Turner fue un innovador en el uso del color y la representación expresiva de los fenómenos atmosféricos y lumínicos, que lograba a través de pinceladas sueltas y difuminadas.

Además de su talento en la pintura al óleo, Turner también fue reconocido por su dominio de la acuarela. Revolucionó esta técnica al utilizarla de manera audaz y experimental, logrando efectos de transparencia y luminosidad únicos. Sus acuarelas capturaban la esencia de la naturaleza. Su estilo vanguardista y su enfoque innovador sentaron las bases para la pintura moderna.

El último viaje del «Temerario» (1839), William Turner. National Gallery (Londres).

Helen Allingham (1848-1926) fue una destacada acuarelista inglesa. Su obra se caracteriza por el realismo y unas detalladas representaciones de paisajes. No solo era conocida por sus escenas rurales, sino también por sus marinas.

Helen creó numerosas acuarelas que representaban la vida rural, con casas antiguas y pintorescas de los alrededores y jardines con flores. Sus pinturas se volvieron extremadamente populares en Londres.

Allingham tenía un talento innato para capturar la belleza del paisaje, y su habilidad para crear atmósferas serenas y bucólicas es notable. Su estilo se distingue por la delicadeza de sus pinceladas y la maestría en el manejo de la acuarela. A lo largo de su carrera, dejó un legado importante en la historia del arte, convirtiéndose en una de las acuarelistas más reconocidas de su tiempo.

Estudio a orillas del mar (s./f.), Helen Allingham. Colección privada.

Los colores se mezclan entre sí suavemente, creando una transición perfecta de tonos claros y oscuros que evocan la riqueza de flora y fauna marina.

Las manchas de acuarela nos invitan a dejar volar nuestra imaginación, permitiendo que cada persona encuentre su propia interpretación. Las tonalidades evocan diferentes emociones.

Crea una marina

1 Observa la imagen. Con acuarelas, realiza una pintura en la que aparezcan elementos naturales del fondo del mar de múltiples colores.

2 Realiza otra composición abstracta de manchas de colores que se superpongan y mezclen, creando veladuras y diferentes sensaciones cromáticas.

Río Este. Amanecer (1862), Charles de Wolf Brownell. National Gallery of Washington (EE. UU.).

PROTAGONISTA

CULTURA CARMEN LAFFÓN

Carmen Laffón (1934-2021) es una artista sevillana conocida por su destacada producción artística y un estilo particular en el que utilizó con maestría los elementos del lenguaje plástico.

En sus numerosos paisajes consigue una atmósfera poética, en donde la bruma y la humedad parecen palparse.

Laffón logra capturar la belleza de los paisajes y sus obras transmiten una sensación de lirismo visual, componiendo atmósferas cargadas de emoción. A través de sus formas abiertas y vaporosas, los colores se mezclan de manera suave y nos invitan a sumergirnos en un mundo en el que la naturaleza adquiere serenidad y fuerza.

Vista del coto (1990), Carmen Laffón.

CÁDIZ

BAELO CLAUDIA

CONOCIMIENTO DE LA NATURALEZA HUMANA POWER SKILLS!

MANIFESTACIÓN CULTURAL

LA CULTURA DEL AGUA EN EL PAISAJE ANDALUZ

El paisaje costero andaluz ha sido fuente de inspiración para numerosos artistas, quienes han plasmado en sus obras la majestuosidad y la belleza del mar. El entorno andaluz está fuertemente marcado por las playas, los puertos y los pueblos pesqueros.

El mar en Andalucía es mucho más que un paisaje, es un elemento intrínseco a su cultura y su identidad. La presencia del agua ha sido fundamental en la historia de esta tierra, desde los fenicios y los romanos hasta las grandes exploraciones y la presencia árabe. El mar ha sido testigo de intercambios culturales, comerciales y artísticos a lo largo de los siglos.

Vista del puerto de Málaga (1881), Emilio Ocón y Rivas. Museo de Bellas Artes de Córdoba.

Andalucía es la única comunidad autónoma de España que cuenta con costas bañadas tanto por el mar Mediterráneo como por el océano Atlántico. En total, son unos 1000 km de litoral, divididos en cuatro tramos: costa de Almería, costa Tropical, costa del Sol y costa de la Luz.

PORFOLIO

¿Qué has aprendido?

1 Redacta un texto de unas quince líneas sobre el proceso creativo en el lenguaje plástico y cómo los elementos fundamentales y la representación de las formas pueden ayudar a transmitir emociones y mensajes, y la interpretación y estilo del artista. Cita ejemplos de artistas que ilustren tus ideas.

2 Copia en tu cuaderno y completa el siguiente mapa conceptual.

Calma Amarillo Canon

Punto

Rojo Escorzo

Verde Azul Morado Negro Color Forma

Elementos del lenguaje plástico

Expresividad Clave tonal

3 Observa el cuadro y comenta cuáles son los elementos que lo dotan de gran expresividad.

Laocoonte y sus hijos (1590-1595), El Greco. National Gallery of Art, Washington (EE. UU.).

¡ACTÚA !

Un mural para preservar el ecosistema marino

En esta unidad has aprendido que los elementos configuradores del lenguaje artístico se combinan de manera estratégica para comunicar un mensaje y transmitir emociones, logrando así crear una experiencia estética en el público.

¿Te animas a diseñar un mural con plástico reciclado para concienciar sobre la importancia de conservar nuestros mares y océanos?

1 Por grupos, trabajad diferentes aspectos y elementos del ecosistema marino, teniendo en cuenta sus cromatismos, texturas y formas fundamentales.

2 Buscad objetos de plástico que puedan servir para la instalación y clasificadlos según sus formas y colores.

3 Realizad un boceto del mural y buscad un sitio donde situarlo (puede ser en el aula, en el patio, en algún pasillo, etc.).

4 Finalmente, realizad la fusión y el montaje de los productos de cada grupo para integrarlos en el mural definitivo.

Reflexiona cómo has aprendido

1 ¿Te ha resultado fácil buscar la información que has necesitado a lo largo de tu trabajo? Explica cómo la has referenciado en los proyectos que has ido presentando.

2 ¿Cómo has resumido la información que has ido necesitando? Describe cómo has conseguido que tus resúmenes sean claros y concisos.

3 La síntesis que realizaste, ¿te resultó útil para exponer los contenidos en clase? Explica qué deberías mejorar.

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