Operación mundo: Expresión Artística 4 ESO (muestra)

muestra IN

PRO CLUYE DIGYI ECTO TAL

4

ESO

N Ó I S E R P X E A C I T S Í T R A ío Arregui, aturana, Roc res Callejón M z u L a rí a M Dolo ueras, María Mayalen Piq

O peración ANDALUCÍA

mundo

¿Qué vamos a aprender?

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Explora el proceso creativo

PÁGINA

SITUACIÓN DE APRENDIZAJE • ODS

SABERES BÁSICOS

• Genera la idea.

• Produce la obra.

8

Análisis de la discriminación que han sufrido las mujeres a lo largo de la historia del arte 5. Igualdad de género

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3

4

5

Cambia la sociedad

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Convertir la obra en instrumento de denuncia y transformación

• Arte y cultura.

• Arte social.

10. Reducción de las desigualdades

Trabaja con la naturaleza

Diseña de manera sostenible

40

Llevar a cabo procesos de creación en colaboración con los ecosistemas

• Aprender a mirar.

• Interpretar y actuar.

13. Acción por el clima

64

Buscar nuevas posibilidades para los materiales de desecho

• Diseño sostenible.

• Produce la obra.

12. Producción y diseño responsable

Crea tendencias

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Análisis de nuestra relación con las tendencias sociales y los cánones establecidos

• La moda.

• Diseño de complementos.

3. Salud y bienestar

6

7

Dibuja tus historias

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Construir un mundo más pacífico, justo y solidario

• Narración visual.

• Imagen multimedia.

16. Paz, justicia e instituciones solidarias

Innova

104

• Objetos para la vida cotidiana.

Análisis de la importancia de innovar para • Dibujo industrial. encontrar nuevas soluciones a problemas medioambientales y económicos.

9. Industria, investigación e infraestructura

8

9

Crea espacios

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Observar y valorar la arquitectura en todos los aspectos

• Organizar espacios.

• Espacios compartidos.

11. Ciudades y comunidades sostenibles

Crea para una vida mejor

136

Análisis las mejoras que el conocimiento artístico aportan a nuestra educación 4. Educación de calidad

• El arte como forma de vida.

• El arte en la globalidad.

TALLER ARTÍSTICO

CULTURA ANDALUZA

PORFOLIO

Técnicas mixtas: • Materiales y procesos • Creamos • Técnicas mixtas en el arte: Remedios Varo; Microbo; Mona Hatoum

• Protagonista: Pepi Sánchez • Patrimonio cultural: El C3A • Manifestación artística: Scarpia • ¿Sabías que…?: El toro de Osborne

• ¿Qué has aprendido?

• ¡Actúa! Investiga sobre la discriminación de las mujeres en el arte • Reflexiona cómo has aprendido

La pintura mural: • Materiales y procesos • Creamos • Artistas y arte social: Rivera y el muralismo mexicano; Marina Abramović

• Protagonista: María Ortega Estepa • Patrimonio cultural: Murales de la Rábida • Manifestación artística: El proyecto Maus • ¿Sabías que…?: Comparsas y chirigotas

• ¿Qué has aprendido?

• ¡Actúa! Un arte revolucionario y transgresor • Reflexiona cómo has aprendido

La intervención ecoartística: • Materiales y procesos • Creamos • Ecoartistas: Lucía Loren; Ana Mendieta; artistas ecologistas

• ¿Qué has aprendido?

• Protagonista: Carmen Laffón • ¡Actúa! Reflexión sobre el respeto • Patrimonio cultural: El NMAC de Vejer a los ecosistemas y el uso de • Manifestación artística: Flora materiales sostenibles • ¿Sabías que…?: Celebración del Corpus Christi • Reflexiona cómo has aprendido

El reciclaje artístico: • Protagonista: Veredas López • Materiales y procesos • Patrimonio cultural: El Museo de Artes y Costumbres Populares • Creamos • • El reciclaje en el arte: Basurama; Bordalo II Manifestación artística: Genalguacil • ¿Sabías que…?: Las jarapas Diseño de moda. El figurinismo: • Materiales y procesos • Creamos • Diseñadores de moda y arte: Balenciaga; Emilie Flöge; Meret Oppenheim

• Protagonista: Álvaro Calafat y Ana Ponf • Patrimonio cultural:

La animación digital: • Materiales y procesos • Creamos • La ilustración y la animación en el arte: Spa Studios, Ana Jarén; Moebius

• Protagonista: María Cañas • Patrimonio cultural: El centro

La mezquita de Córdoba

• Manifestación artística: Trajes tradicionales • ¿Sabías que…?: La alta costura

Carlos Pérez Siquier

• Manifestación artística: Arte rupestre del arco

• ¿Qué has aprendido?

• ¡Actúa! Reflexionar sobre la necesidad de reducir la generación de desechos por su impacto medioambiental • Reflexiona cómo has aprendido • ¿Qué has aprendido?

• ¡Actúa! Plantearnos cómo el arte y la moda contribuyen a transformar los cánones actuales • Reflexiona cómo has aprendido • ¿Qué has aprendido?

• ¡Actúa! Analizar los problemas para un mundo más pacífico, justo y solidario • Reflexiona cómo has aprendido

mediterráneo

• ¿Sabías que…?: Las películas del oeste Proyecto de diseño industrial: • Materiales y procesos • Creamos • Diseñadores industriales: Charlotte Perriand; Javier Mariscal

• Protagonista: Nomad Garden • Patrimonio cultural: Fuentes de la Alhambra y el Generalife

• Manifestación artística: El caserío

• ¿Qué has aprendido?

• ¡Actúa! Reconocer la importancia de la innovación en las obras • Reflexiona cómo has aprendido

blanco y la calle estrecha

• ¿Sabías que…?: Las acequias El proyecto arquitectónico: • Materiales y procesos • Creamos • Artistas de la arquitectura: Dame Zaha Hadid; Antoni Gaudí; el movimiento Urban Sketchers

• Protagonista: Recetas Urbanas • Patrimonio cultural: Úbeda y Baeza • Manifestación artística: Dólmenes • ¿Sabías que…?: Expo 92

• ¿Qué has aprendido?

• ¡Actúa! Observar la utilidad, estética y sostenibilidad en la arquitectura • Reflexiona cómo has aprendido

Técnica interdisciplinar: • Materiales y procesos • Creamos • Artistas multidisciplinares: Friedensreich Hundertwasser; Leonardo da Vinci

• Protagonista: Pablo Picasso • Patrimonio cultural:

• ¿Qué has aprendido?

• ¡Actúa! Reconocer que el arte envuelve nuestra vida y la mejora • Reflexiona cómo has aprendido

Museo Picasso. Palacio de los Condes de Buenavista • Manifestación artística: Las ferias • ¿Sabías que…?: Gastronomía y arte

POWER SKILLS!

APRENDER

Haciendo

: Organiza un torneo

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Explora el proceso creativo

Situación de aprendizaje

Soledad Sevilla (Valencia, 1944) es una pionera española en la abstracción geométrica y la instalación artística. Sus obras representan módulos, describen ritmos, buscan ordenar, interpretan sensaciones… Su trayectoria artística es un referente que la une a generaciones de mujeres decididas a convertirse en pintoras profesionales venciendo prejuicios y discriminaciones de género.

La inspiración de esta instalación le llegó al contemplar en Japón una jaula llena de mariposas. Utilizó estos insectos, que de orugas pasan a convertirse en algo bello, como metáfora de su experiencia positiva del paso del tiempo: «Con el tiempo se pierde vigor y energía, pero se gana equilibrio y seguridad.

Quería hablar de la belleza de una edad, de la belleza de estar de otra manera en esta vida».

Tú qué ¿pie nsas

¿

El tiempo vuela (1998), de Soledad Sevilla.

Medidas variables - 1 500 mariposas serigrafiadas.

Galería Soledad Lorenzo (Madrid).

¿Cuántos cuadros pintados por mujeres has podido admirar durante tus últimas visitas a un museo o a una galería? ¿Crees que las mujeres están integradas plenamente y en igualdad en el mundo del arte?

¡ACTÚA !

Las mujeres han sufrido discriminación a lo largo de la historia del arte. Analizar e investigar esta injusticia puede convertirse en un instrumento para vencerla y lograr la igualdad de género.

Para lograrlo sigue esta ruta:

5. Igualdad de género

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Genera la idea

Produce la obra

Taller de técnicas mixtas

Referentes artísticos

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1 Genera la idea

Todos tenemos algo de artistas en alguna faceta de nuestra vida: cocinando, decorando o a la hora de vestirnos. Tenemos una manera propia para realizar algunas tareas; sentimos una especial sensibilidad para algo... Y en eso que nos gusta y se nos da bien vamos poco a poco aprendiendo nuevas formas de hacer, encontramos caminos más y más sofisticados, e incluso conseguimos llegar a la maestría.

El artista y la artista también evolucionan en su proceso creador. Ser artista no es solo cuestión de técnicas; es sentir una imperiosa necesidad de expresar ideas o sentimientos; de comunicar el modo de pensar, el mundo interior o el modo de ver la vida, las vivencias, las alegrías o las frustraciones; o también, como crítico de la sociedad, dejar constancia de los problemas o de los conflictos que nos rodean.

Yayoi Kusama, junto a su obra My Flower Bed.

1 a) Y a ti, ¿qué se te da bien? ¿En qué eres artista? b) ¿Por qué crees que algunas personas sienten la necesidad de crear? Y a ti, ¿sobre qué temas te gustaría crear?

En situación

Extrañas mezclas No todos tenemos la maestría del pintor o de la pintora. La fotografía puede ser un medio más asequible para recrear nuestras ideas más originales. Un escenario, un disfraz, una determinada luz…, retocamos la foto y el sueño se hace realidad.

1 Busca información sobre la provocativa y atrevida Elsa von Freytag-Loringhoven (1874-1927). Esta artista no solo utilizaba la pintura y la escultura para expresarse; su cuerpo era su herramienta principal, capaz de convertir cualquier utensilio en una pieza de ropa o pasear desnuda por las calles de Greenwich Village (Nueva York).

2 Después, trata de imitarla mezclando tus imágenes con objetos propios o que te caractericen.

Retrato de Elsa von Freytag-Loringhoven.

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1.1 Todos somos artistas Con la Revolución Industrial, el trabajo del artesano se mecanizó, la figura del artista cambió y surgió el mito del genio creador (personas especialmente dotadas con rasgos de personalidad fuera de lo normal: melancólico, solitario o loco) y el proceso creativo se consideró producto de una iluminación.

Pero no es así; aunque el artista precisa una sensibilidad especial, necesita aprender su oficio y organizarse. La técnica, la habilidad y la creatividad forman parte del trabajo artístico.

1.2 La importancia de la imaginación Algunos artistas observan y se expresan con una gran imaginación, de una manera muy especial. Captan nuestra atención y nos hacen soñar; nos hacen ver más allá de lo evidente, con una mirada nueva.

Por ejemplo, la imaginación se desborda en la obra de Sandrine Boulet. Con su peculiar forma de mirar nos descubre cosas que no están.

Esta artista francesa fotografía objetos cotidianos en las calles de París y, después, dibuja sobre ellas para darles un nuevo sentido.

Con técnica, habilidad y creatividad, la artista Louise Bourgeois creó su obra Mamá, junto al Museo Guggenheim de Bilbao.

En situación Tanto las artistas como los artistas cumplen las distintas fases del proceso creativo y comparten la necesidad de expresarse con imaginación.

A veces veo caras…

La pareidolia es un fenómeno psicológico en el que el cerebro, por economía visual, completa las formas de lo que ve para identificarlo como algo conocido.

Pom Pom girl y La sorcière (La bruja), de Sandrine Boulet.

2 Podría parecer que estas dos imágenes pertenecen a un parque recreativo del estilo de Disney. Sin embargo, corresponden a la CasaMuseo Salvador Dalí en Figueras. Busca información sobre la vida y la obra de este artista. Seguro que te sorprenderás.

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Utilizando una cámara de fotos podemos estimular la visión de este fenómeno para que otros lo vean encuadrando determinados elementos. Busca ejemplos de pareidolia, como rostros que te estén mirando y haz fotografías. ¡Verás cómo encuentras un montón!

1. Museo-Teatro Salvador Dalí. 2. Salón Mae West (h. 1934), de Salvador Dalí.

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Genera la idea

1.3 Fases del proceso creativo Aunque la idea es importante, hay que reconocer la necesidad del estudio previo. En un proceso creativo se utilizan distintas metodologías y se cumplen distintas fases, que no siempre se distribuyen en orden lineal: • Fase lógica, de preparación, en la que se define el problema, se recopilan datos y se plantean posibles soluciones.

• Fase intuitiva, que es más creativa, en la que maduramos las distintas posibilidades.

• Fase crítica, en la que decidimos lo que haremos definitivamente tras analizar la validez de las distintas propuestas.

La creación de una obra comienza con una primera idea, producto de conexiones mentales, recuerdos y emociones. Después, el artista o la artista va concretando en líneas, formas, volúmenes, luces, colores, etcétera, y seleccionando los materiales y las técnicas que mejor se adaptan a lo que pretende expresar.

1.4 La importancia de los bocetos Secretos escondidos El cambio es habitual en el proceso creador. A veces, de las primeras ideas no queda nada. La obra evoluciona con el artista, con sus estados de ánimo, con sus nuevos descubrimientos. Hoy día podemos conocer, gracias a técnicas de análisis radiológicos, muchas de esas ideas descartadas por los maestros en la creación de sus obras que quedaron debajo de lo que ahora vemos.

¿Sabes cuántos trabajos preparatorios hizo Picasso del Guernica? Esa composición no se resuelve en un solo día y con un solo dibujo. Los bocetos son dibujos preparatorios en los que el artista cambia una y otra vez detalles, busca y encuentra haciendo. Son la semilla imprescindible de una gran obra.

3 Investiga para descubrir cuántos y cuáles fueron los bocetos del Guernica.

Reina Virgen (s. xvi), anónimo (Galería Nacional de Retratos, Londres).

Tras los análisis realizados con rayos X, se descubrió que el artista primero dibujó una serpiente enroscada en la mano de Isabel I de Inglaterra, pero la borró y la sustituyó por una rosa, ya que ese reptil es símbolo del mal.

Boceto para el Guernica (1937), de Pablo Picasso.

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1.5 El simbolismo y las metáforas visuales El arte está tamizado por la subjetividad de quien crea y del espectador que luego observa. Hasta las fotografías más realistas nos presentan solo lo que el artista ha decidido encuadrar.

El arte es un lenguaje simbólico y metafórico. Si analizamos con atención las formas, los personajes, los colores, los tamaños, la composición, los encuadres..., descubriremos que todo tiene un sentido y el significado puede ser diferente del que nos parece más evidente.

El virtuosismo a la hora de pintar y dibujar no está exento de la subjetividad de cada artista. Incluso cuando parece copiar la realidad de forma milimétrica, es él o ella quien decide qué y cómo quieres que veas lo que a él o a ella le interesa.

Lunch Specials (2001), de Richard Estes (Museo Frieder Burda, Baden-Baden, Alemania). Este artista hiperrealista recrea una imagen de ciudad fotográfica, pero en la que en realidad no hay movimiento urbano ni personas.

4 ¿Conoces la obra Esto no es un pipa, de René Magritte (1898-1967)? ¿Sabes lo que significa? Investiga sobre la metáfora en el arte y la poesía visual seleccionando imágenes de obras artísticas que las ilustren. Puedes empezar comparando obras de Joan Brossa (19191998) y Chema Madoz (1958).

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1. Ceci n’est pas une pie (Esto no es una pipa) (1929), de René Magritte. Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (EE. UU.).

2. Obra de Joan Brossa de la exposición Poesía Brossa (MACBA, 2017).

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2 Produce la obra

Existen muchas disciplinas artísticas, pero en todas el artista o la artista ha de plantearse: «¿Cómo lo hago?». Con independencia de la motivación o de la fuerza para crear, hay que afrontar el hecho de elegir materiales y técnicas, y aprender los procesos que permitan realizar la obra.

Cada artista se organiza a su manera en función de su personalidad y del trabajo que realice. En los talleres de los artistas hay espacios llenos de objetos, en los que el caos y la entropía reinan entre botes, pinceles y otras herramientas; pero hay otros talleres en que todo está limpio y ordenado, y cada cosa ocupa su lugar. Son lugares llenos de olores peculiares y de objetos curiosos, diseñados para el trabajo de creación, para permitir la experimentación, para el ensayo y el error, para tantear las distintas posibilidades de expresión.

Artista en su taller.

Especificidad de los materiales Las cualidades de cada material (grande o pequeño, suave o rugoso, frágil o fuerte, etc.) lo hacen más o menos adecuado para construir un determinado objeto y precisan el uso de determinadas herramientas. ¿Qué materiales serían los más adecuados para fabricar una escultura en una rotonda de la ciudad, un ninot para las Fallas y un disfraz de carnaval? En grupo, podéis hacer otras propuestas y encontrar la mejor de las soluciones.

1 a)

Mesa redonda. ¿Cómo crees que empezó Velázquez a pintar? ¿O Rodin a tallar su primera piedra de mármol? ¿Y cómo piensas que era el proceso creativo de la escultora Camille Claudel?

b) ¿Has visitado alguna vez el taller de un artista? Cuenta cómo era. c) Y tú, ¿qué materiales has utilizado? ¿Qué técnicas de expresión artísticas conoces?

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Escultura realizada con porexpán.

Escultura realizada con cartón piedra.

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2.1 Materiales y soportes: posibilidades de expresión El artista utiliza variadas técnicas y emplea diversos materiales, que pueden ser naturales (piedra, madera, barro) o sintéticos (porexpán, látex…). Algunos materiales exigen sofisticados recursos; otros, de manejo más artesanal (como la tela, el esparto, incluso el metal), no precisan grandes herramientas.

En algunos casos también es preciso un soporte (papel, cartón, lienzo, madera). Todo esto conlleva un vocabulario específico que un artista debe conocer y aprender con la práctica.

Taller de impresión con tórculo.

Pintura mural con acrílicos.

2 ¿Sabes que el agua puede ser el soporte para crear un trabajo artístico? Hace miles de años surgió en Asia la técnica decorativa ebru (‘nube’ en turco) o marmoleado, que aprovecha la diferencia de densidad entre el agua y las pinturas al aceite para pintar sobre el agua. Una vez hecho el dibujo en el agua, se traspasa a un papel.

Busca información sobre esta técnica y realiza una obra pequeña utilizando laca de uñas de colores.

Pasos del proceso de la técnica ebru.

Primero, se dibuja en el agua, y luego se traspasa al papel.

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2

Produce la obra

2.2 Tipo de técnicas: planas y en volumen Estamos acostumbrados a trabajar sobre un plano, pero la mayoría de las cosas son volumétricas. Los artistas y las artistas pueden dibujar de manera figurativa o abstracta sobre distintos soportes: papel, lienzo, tablas de cartón, madera, una pared, etc. Y aplican color con distintos materiales y técnicas: grafito o carboncillo, lápices o ceras, óleo, acrílico, espray, etc.

Para construir formas volumétricas, disponen de técnicas como el modelado con materiales flexibles, la talla en madera o en piedra, la fundición de metales; también disponen de nuevos materiales, como el látex o el porexpán.

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2

Ejemplo de distintas posibilidades de trabajo artístico con volumen: 1. Talla en madera.

2. Fundición de metal.

3 Hay artistas que utilizan como soporte objetos cotidianos. Gilbert Legrand los utiliza transformándolos con humor e ironía. Tunea algún objeto de tu casa para cambiar su significado.

4 ¿Sabías que puedes construir grandes obras en volumen con corcho o incluso solo con papel?

Para ello, puedes imitar las tarjetas pop-up de Peter Dahmen (Alemania, 1967) o las esculturas de Li Hongbo (China, 1974) hechas a base de láminas.

Utiliza papel maché modelando la pasta o aplicándolo sobre un molde; o bien construye en volumen con piezas planas ensambladas.

Gilbert Legrand junto a dos obras suyas de la exposición «El Juego de las Pequeñas Cosas» (Segovia, 2017).

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Flower (Flor) (2016), escultura pop-up de Peter Dahmen.

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2.3 Más allá del objeto: arte conceptual, arte de acción y arte digital El arte es reflejo de una época. El resultado deja de tener importancia con el arte conceptual, en el que lo primordial es la idea, o con el arte de acción y la performace, que tiene una determinada duración.

En la era de las nuevas tecnologías surge el arte digital cuando los artistas sustituyen sus materiales habituales para crear obras multidimensionales con ordenadores, tabletas y móviles. Dibujantes de cómics, creadores de videojuegos, diseñadores gráficos de todas las especialidades, pintores y hasta escultores utilizan las nuevas tecnologías.

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1. El Reichstag (Parlamento alemán) empaquetado, instalación de Christo y Jean-Claude.

2. Fotografía de Esther Ferrer, parte de la exposición «Al paso del tiempo», celebrada en 2007 en Río de Janeiro (Brasil).

2

Arte en tabletas ¿Sabes que la obra más reciente de David Hockney expuesta en la Royal Academy no está hecha con pinceles sino con tableta?

Busca información y debate con tus compañeras y compañeros sobre cómo las nuevas tecnologías han cambiado el mundo del arte y sobre cómo han multiplicado las salidas profesionales en el campo del arte.

Llegada de la primavera a Woldgate (2011), de David Hockney (Reino Unido, 1937).

5 ¿Sabes que puedes utilizar el sol para realizar composiciones artísticas gracias a que las radiaciones solares decoloran los objetos? Comienza organizando una composición con hojas de árbol, tapones o cualquier otro objeto sobre una cartulina de color oscuro. Déjala expuesta unas horas al sol intenso.

Después, levanta los objetos. Verás que las siluetas han quedado estampadas en el papel.

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Taller artístico

Técnicas mixtas Podemos hablar de técnicas mixtas para el dibujo, para la pintura o para la escultura.

Se consideran técnicas mixtas todas aquellas que utilizan más de un material o de una técnica en la materialización de la obra: estampaciones o grabados con pinturas acrílicas; acuarelas con rotuladores; dibujos a carboncillos con sanguina y tinta; modelados de arcilla con incrustaciones de madera; etc.

Materiales En una técnica mixta pueden mezclarse materiales específicos de las bellas artes (acrílicos, gouache, tintas, rotuladores, lápices de grafito, barro, acero, madera) con otros que no le son propios, es decir, con cualquier tipo de material u objeto (café, té, semillas, tierras…); el abanico de posibilidades resulta inagotable y tiene su límite en la imaginación del artista.

Proceso En una técnica mixta, el proceso puede ser muy diverso, pero podemos destacar algunas normas de carácter general.

Creamos Hago mi autorretrato simbólico 1

La imagen personal es importante, y por eso el retrato y el autorretrato son una constante en la historia del arte. En este tipo de obras, el artista busca expresar algo de la personalidad del personaje, de su estado de ánimo, su poder..., o las utiliza para divertirse, disfrazarse, reinventarse, denunciar o criticar algo.

Reflexiona sobre tu identidad y realiza un autorretrato que sea simbólico, utilizando una técnica mixta (collage, decollage, acrílicos, plantillas, aerógrafos, rotuladores…). Comienza haciendo una lista con tus datos: tu estilo, objetos importantes para ti o que te describan, tus rasgos físicos y psicológicos, tus sentimientos, etcétera. Selecciona de esa lista lo que te gustaría mostrar de ti. Puedes tomarte una foto en primer plano y luego trabajar sobre ella.

A continuación, formad grupos estableciendo un criterio de pertenencia: tener un mismo hobby, ser de un mismo equipo, pertenecer a una tribu urbana o género. Cada miembro realizará su autorretrato. Luego se expondrán agrupados por temas, de forma que el espectador o la espectadora puedan descubrir la huella personal, la impronta de cada uno a pesar de su pertenencia a un grupo.

Con independencia de la técnica elegida, resultará muy interesante fotografiar el proceso de creación mientras se va llevando a cabo.

En técnicas húmedas (como el óleo, la acuarela o el acrílico), una norma básica que hay que seguir es la «regla graso sobre magro».

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Es decir, las técnicas al aceite o a la cera se pueden aplicar sobre otras que no los lleven en su composición, como los acrílicos; pero nunca al revés, pues la pintura al agua sería repelida sobre la pintura al aceite.

Fotografía el proceso de creación

En técnicas de dibujo en las que se aplican aguadas, la norma será primero aplicar la técnica al agua, y sobre esta utilizar otras técnicas para hacer grafismos, como rotuladores, tintas, tizas o ceras; pero no al contrario.

2 Fotografiad todo el proceso de creación para montar un gif o time lapse, para presentar a la clase. También deberéis explicar en un breve escrito la idea que sustenta el proyecto y lo que pretendéis expresar con vuestro trabajo.

Autorretrato simbólico de una alumna del IES Heliche (Sevilla, 2017).

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Técnicas mixtas en el arte Remedios Varo (Girona, 1908-México, 1963) Fue una artista española perteneciente a la generación del 27 y al grupo de pintores surrealistas de París. Con una personalidad propia y libre, destacó por la creación en sus obras de mundos esotéricos llenos de enigmas, objetos y personajes de cuentos. Uno de los méritos más destacados de esta artista es conseguir que en sus obras los elementos fantásticos y oníricos adquieran cualidades reales gracias a su significado simbólico.

Tiforal, de Remedios Varo. Colección privada.

Mural de Microbo.

Microbo (Catania, 1970) La artista italiana Microbo está interesada en lo pequeño y en lo que no siempre es visible, pero sí fundamental para nuestra existencia. Su inspiración la encuentra en la microbiología y en microcosmos en general, ya que utiliza formas orgánicas que expresan la complejidad y la diversidad de la vida.

Mona Hatoum (Beirut, 1952) Por los conflictos en Oriente Próximo, la familia palestina de Mona Hatoum huyó primero al Líbano y después a Londres. Como mujer palestina que nunca ha podido vivir en su país, trabaja sobre temas que hablan de conflictos políticos y religiosos, del papel de la mujer en el mundo árabe, de la violencia doméstica y del exilio. Ha realizado performances, vídeos y grandes instalaciones escultóricas protagonizadas por objetos domésticos sacados de contexto para encontrar nuevos significados.

Mona Hatoum, junto a su obra Remains to be Seen.

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Andaluza

CULTURA PROTAGONISTA

PEPI SÁNCHEZ Pepi Sánchez (Sevilla, 1930-Madrid, 2012) estudió pintura desde muy pequeña y asistió a clases por libre a la recién creada Escuela Superior de Bellas Artes Santa Isabel de Hungría, hasta que el profesor Hernández Díaz repara en ella y la anima a matricularse. Como solo tenía 12 años necesitó una dispensa especial del Ministerio. Destacó desde el comienzo de su carrera y recibió numerosos premios y becas de estudios en el extranjero.

CÓRDOBA

EL C3A

Hay que resaltar su estancia en Italia en la que conoce de primera mano las obras de Andrea Mantegna (1431-1506), Paolo Uccello (1397-1475) y Piero della Francesca (¿?-1492), que marcaron para siempre su obra.

OBRA Pepi Sánchez posee un estilo muy imaginativo independiente de modas. En sus trabajos sobre piedra nunca trabajó con bocetos previos, y rompió con la regla del fondo y figura y con la perspectiva. Sus obras están plagadas de figuras oníricas y surrealistas. Aparecen príncipes, brujos, hadas, niños y personajes legendarios habitando sus cuadros.

AD D I S R IO

CU INNOVACIÓN

IÓ C A C I N U M O C 20

PATRIMONIO

Su principal aportación a la historia de la pintura fue la utilización, como soporte para sus obras, de piedras sin tratar. Los personajes se ajustan a los recovecos de las piedras en una mezcla curiosa entre pintura y escultura.

POWER SKILLS!

N

El C3A o Centro de Creación Contemporánea en Andalucía (2016) es obra de los arquitectos Nieto y Sobejano.

A pesar de su arquitectura vanguardista y novedosa, tiene elementos tomados de la cercana mezquitacatedral.

Este centro está concebido no solo para albergar exposiciones, sino también eventos, performances y, sobre todo, talleres y «residencias artísticas». Es un lugar de creación.

1

MANIFESTACIÓN ARTÍSTICA

SCARPIA En el pueblo de El Carpio (Córdoba), en el año 2002, nace el proyecto de arte público Scarpia en unas jornadas de formación en el campo del arte público y de las intervenciones artísticas en el ámbito natural y urbano. El objetivo principal de estos encuentros era la participación del vecindario y la interacción con los jóvenes creadores que, desde distintas partes del mundo, venían a formarse de manos de los principales creadores del panorama nacional e internacional.

Estas jornadas contemplaban un proyecto pedagógico de un gran valor experimental para mayores y niños y niñas, un programa de conferencias, exposiciones en espacios históricos del pueblo y la muestra de los resultados de los participantes, propiciando un verdadero museo mutante y un espacio de reflexión y debate en torno a las prácticas del arte público, medioambiental y relacional.

Arroba, de Martí

n Solís (2002).

e se vincula a arte permanente qu La primera pieza de Fernando Sánchez r po o Grande, cread .

Scarpia fue el Burro to al toro de Osborne 0) como contrapun Castillo (Madrid, 197

¿SABÍAS QUE...?

IÓN C A IV IÓN T O M AC VIDAD C I N EATI U M CR CO

POWER SKILLS!

La silueta del toro de Osborne fue creada por el diseñador Manolo Prieto (Cádiz, 1912-1991) para publicitar el brandi de esta marca. En 1988 la Ley General de Carreteras prohibió cualquier tipo de publicidad.

Pero el toro de Osborne, ya sin rotulación, consiguió salvarse y se convirtió en un símbolo de la marca España, trascendiendo su uso comercial.

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PORFOLIO ¿Qué has aprendido?

1 Completa en tu cuaderno escribiendo el número y la palabra correspondiente. Aprende a hacer un mapa conceptual con el recurso disponible en anayaeducacion.es.

d) ¿He comprendido la organización del proceso creativo en fases para culminar adecuadamente una obra artística? e) ¿Comprendo lo que es una metáfora visual? f) ¿Soy capaz de elaborar metáforas visuales para expresar una idea o un sentimiento personal?

El proceso creativo

g) ¿Entiendo las diferencias entre la representación y la interpretación de las imágenes? h) ¿Nombro y reconozco diferentes técnicas de dibujo, pintura y escultura?

Generar la idea

i) ¿Sé utilizar distintas técnicas gráfico-plásticas a la hora de realizar mi trabajo creativo?

Producir la obra

j) ¿He conocido nuevos artistas, estilos y movimientos artísticos?

Todos somos 1

La importancia de la imaginación

La importancia de los bocetos

El simbolismo y las 2 visuales

Materiales y 4

k) ¿He aprendido nuevas técnicas de expresión plástico-visual?

Tipos de técnicas

Más allá del objeto

Arte conceptual

l) ¿He sido capaz de coordinarme con mis compañeros y compañeras en los trabajos en grupo?

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Para describir determinados procesos o técnicas, debes expresarte con las palabras adecuadas; es decir, utilizar un vocabulario específico como en cualquier ciencia. En grupo, elabora un diccionario ilustrado de términos artísticos que incluya conciertos, técnicas, materiales y herramientas.

Arte Las fases del proceso 3

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Arte de acción

2 Responde a las siguientes preguntas; puedes comentarlas con tus compañeras y compañeros. Después, evalúa tu aprendizaje y puntúa tus respuestas del 1 al 5. a) ¿Conozco las posibilidades de expresión que hay por medio del lenguaje visual? b) ¿Soy capaz de expresar ideas utilizando alguna técnica de creación gráfico-plástica? c) ¿Reconozco la importancia de los bocetos como desencadenante del proceso creativo?

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Artesano decorando una cantimplora de barro. Artesanía de Úbeda (Jaén).

1

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Preguntas provocadoras. El cuaderno de campo es el soporte primordial del artista. Surge de su necesidad de crear cuando sale a la calle o se va de viaje. En él toma notas o lleva registro de lo que ve o piensa, plasma el bullicio de la ciudad o de la naturaleza en un día de campo.

Coge un pequeño cuaderno y dibuja en él durante siete días. Luego enséñalo a tu clase y habla de las historias dibujadas.

Pienso, me interesa, investigo… En numerosas ocasiones, la historia ha robado a las mujeres la autoría de sus obras o sus méritos.

Por ejemplo, está constatado y datado que Hilma af Klint (1862-1944) fue la creadora del arte abstracto, pero los libros de historia siguen adjudicando este mérito a Kandinsky (1866-1944). Varias generaciones así lo han aprendido y lo siguen creyendo.

Además, debemos tener en cuenta que el proceso creativo pasa por unas fases que son idénticas, en gran medida, para todo el mundo.

Vamos a reflexionar sobre esto con la técnica Pienso, me interesa, investigo…

Pienso

Me interesa

Investigo

Situación de aprendizaje

¡ACTÚA !

Reflexiona cómo has aprendido 1 ¿Cómo te has sentido en el desarrollo de este tema?

2 Reflexiona sobre las cualidades que tienes para generar ideas y producir obras. ¿Qué se te da mejor y qué se te da peor? Anótalo en tu cuaderno.

3 Con tus compañeros y compañeras, evalúa del 1 al 3 los trabajos realizados.

4 Comparad vuestros trabajos buscando diferencias entre los realizados por chicos y chicas.

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BORDALO II (Lisboa, 1987) nació en una familia de artistas.

De hecho, el número II es un homenaje a otro artista llamado Bordalo, su abuelo. Ya de niño dibujaba y realizaba pinturas urbanas. Su trabajo, de gran destreza manual, es difícil de clasificar, ya que, aunque sus obras parecen graffitis, en realidad son relieves escultóricos.

No obstante, lo más interesante es su implicación con los problemas sociales y medioambientales. Generalmente, representa animales que se encuentran en peligro de extinción, ya sea por la contaminación o por la explotación de sus ecosistemas, y están realizados, además de con pintura, con materiales de desecho causantes de este gran problema.

Está comprometido con la denuncia de las injusticias y colabora en campañas de apoyo a los refugiados o a las personas que se encuentran en situaciones de desamparo.

Escultura de Bordalo II que representa a una gaviota realizada con plástico reciclado.

Tú qué ¿pie nsas

¿

Situación de aprendizaje

2 Cambia la sociedad

¿Qué papel crees que tiene el artista con los cambios sociales? ¿Se puede trabajar por la reducción de las desigualdades a través del arte?

¡ACTÚA !

Estamos rodeados de desigualdades.

El artista ha tenido y tiene un gran papel en la historia del arte como cronista de estas situaciones. Sin embargo, también puede tenerlo como revolucionario.

Su mirada crítica hace que su obra traspase la función estética y se convierta en instrumento de denuncia y transformación.

Para lograrlo sigue esta ruta:

10. Reducción de las desigualdades

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Relaciona arte y cultura

Conoce diferentes manifestaciones del arte social

Celebra una efemérides con un mural

Decora el SUM de tu centro

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El arte va unido y cambia con la sociedad y con los avances de los diferentes momentos históricos: las culturas primitivas representaban elementos y símbolos de la naturaleza; en el Renacimiento se produjo una gran revolución por la aplicación de la perspectiva; el expresionismo abstracto se desarrolló en el período de entreguerras, cuando era difícil posicionarse… Las evoluciones histórica y artística van de la mano.

Arte y cultura

Incluso dos obras del mismo autor pueden ser muy diferentes porque cambian sus experiencias personales, la sociedad en la que vive, o sus intenciones. El arte, como espejo de la sociedad, nos ayuda a construir nuestra identidad dentro de un colectivo.

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2 Dos esculturas de la artista Camille Claudel (Francia, 1864-1943) de estilo muy diferente: 1. La Fortune (1900). Museo Camille Claudel (Nogent-sur-Seine, Francia).

2. L’Âge mûr (fragmento) (1899). Museo de Orsay (París).

Muchas de nuestras experiencias sensoriales actuales forman parte de ritos vinculados al pasado, conectados con objetos artísticos y culturales de distintas épocas y estilos (como la escultura barroca a la Semana Santa o las máscaras al carnaval). Es lo que llamamos patrimonio, que nos ayuda a saber de dónde venimos.

1 a) ¿Qué sabes de la historia del arte? ¿Por qué crees que cambian los estilos? ¿Qué los diferencia? b) ¿Cuál es tu patrimonio? ¿Qué imágenes son más populares hoy?

Cuando la gente del futuro las vean, ¿cómo creerá que fuimos?

2 Celebración de la romería del Rocío (Huelva).

Las romerías forman parte del patrimonio cultural inmaterial.

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Busca elementos de tu patrimonio (natural o cultural, material o inmaterial), descríbelos, clasifícalos y observa cómo van cambiando a lo largo de la historia para diferenciar estilos. Discute cuáles deben formar parte de la historia del arte y por qué.

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1.1 El arte como patrimonio Creamos objetos que, como memoria colectiva, van formando parte de nuestro patrimonio material e inmaterial (un edificio, un objeto ritual, un cartel, un plato típico, un tejido tradicional, un mueble...).

No siempre se le da el mismo valor a estos objetos, ni se considera igual a los artistas. Estas creaciones se valoran en función de aspectos como la estética, la expresividad, la ética, la ideología, el coste, etc., valores que una mayoría le otorga de una forma más o menos subjetiva.

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3 a) Desde tu punto de vista, ¿es valioso el arte? ¿Qué crees que le da valor? Observa los botelleros: ¿qué crees que hace que uno esté en un museo y el otro no? b) ¿Has visitado alguna vez una exposición? ¿Cuál? ¿Qué recuerdas de lo que viste? ¿Qué te aportó? ¿Qué consideras arte? ¿Por qué?

1. Porte bouteilles (Secador de botellas, 1914/1964), de Marcel Duchamp (1887-1968).

Galería Estatal de Stuttgart (Alemania).

2. Botellero antiguo hecho a mano.

Entre estas dos obras hay una diferencia fundamental: una es una obra de arte de una forma más o menos consensuada (1) y la otra no (2).

De la imitación a la reinterpretación Aunque necesitamos experimentar nosotros mismos, la mejor manera de aprender es de lo que otros ya han hecho. Busca ejemplos de ello y compártelos. Después, reinterpreta la obra de algún artista que te guste. Cámbiale la gama de color, el esquema compositivo, el tamaño o la escala, introduce elementos nuevos, etc. ¿Te sigue transmitiendo lo mismo? ¿Ha cambiado su sentido? Pregunta a tus compañeras y compañeros por sus impresiones.

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1. La Gioconda (1403), de Leonardo da Vinci (1452-1519). Museo del Louvre (París).

2. Mona Lisa (1983), de Jean-Michel Basquiat (1960-1988). Colección privada.

3. Collage sobre La Gioconda (2019), de Solange Gautier. Colección Solange Gautier.

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Arte y cultura

1.2 Análisis formal de la obra Los diferentes elementos que conforman una obra se pueden distribuir de múltiples maneras. Dependiendo de dónde esté el centro de interés, hacia dónde vayan las líneas de fuerza, cómo distribuyamos los colores, la luz, las texturas, el tipo de líneas que usemos, etc., estaremos transmitiendo un mensaje distinto. El análisis termina implicando una interpretación personal, una valoración emocional.

4 Observa las imágenes siguientes: a) ¿Qué sentimientos te provoca cada una?

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b) ¿Por qué crees que son distintos?

1. El cuadrado negro (1915), de Kazimir Malévich (1879-1935). Museo del Hermitage (San Petersburgo).

2. Dos postes (1987), de Miquel Barceló (1957). Galería Soledad Lorenzo (Madrid).

5 Observa las obras siguientes: a) ¿Es realista el uso del color en ellas? ¿Qué intención tiene? b) ¿Dónde está centrada la atención? ¿Por qué? c) ¿Qué pretendieron sus autores?

1. Amantes azules (1914), de Marc Chagall (1887-1985). Colección privada.

2. El beso, de Gustav Klimt (1862-1918).

Galería de Arte Austriaco (Viena).

6 En las siguientes obras, la luz no se refleja igual:

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a) ¿Por qué? ¿Crees que es intencionado? b) ¿Qué sentimientos te despiertan?

1. Rabbit (1986), de Jeff Koons (1955).

Ileana and Michael Sonnabend Collection (Nueva York).

2. Le chien (1957), de Alberto Giacometti (1901-1966). Museo Guggenheim (Nueva York).

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1.3 Análisis sociocultural de la obra Las obras de arte no se pueden separar del contexto histórico y sociopolítico en el que han sido creadas. El análisis crítico de una obra, más allá de lo puramente formal, abre una ventana a la época, las costumbres, las ideas y a los intereses en los que el autor o la autora estaban inmersos. Por ello, el arte es una buena manera de entender las reglas y los valores que han regido o rigen una sociedad concreta.

No necesitamos ser expertos en historia y crítica de arte para contemplar, gozar y valorar una obra; aunque conocer lo que rodeó su creación nos ayuda a entenderla y a disfrutarla mejor.

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Representaciones de diferentes maternidades en distintos países y épocas, en las que podemos observar que no solo cambia la técnica, también muestran diferentes conceptos de la maternidad: 1. Descanso en la huida a Egipto (s. xvi), de Gérard David (Francia, ca. 1460-1523).

Museo del Prado (Madrid).

2. El abrazo de amor del universo, la Tierra (México), yo misma, Diego y el Señor Xólotl (1949), de Frida Kahlo (México, 1907-1954).

Colección Jacques y Natasha Gelman.

3. Mujer y niño (Oaxaca, México; ca. 1929), fotografía de Tina Modotti (1896-1942).

MoMA (Nueva York).

4. La maternidad (1996), de Fernando Botero (Colombia, 1931-2023).

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1.4 El artista, reflejo de una sociedad Ser artista ha ido cambiando a lo largo de historia: artista mago o maga, a cuyas obras se les atribuye una función mística (buena temporada de caza, fertilidad, etc.); propagandista, que realza las hazañas de algún tipo de poder; narrador o narradora, que ayuda a entender el mundo, la historia, las escrituras; genio incomprendido, que está en un plano superior de existencia; artista eminentemente social, cuyo arte está especialmente pensado para el bien comunitario, para y por el colectivo.

Elabora un catálogo de imágenes de diferentes épocas de la historia del arte que transmitan distintas sensaciones (paz, confusión, velocidad, peso, ligereza, etc.).

Analiza cómo son y cómo se distribuyen los diferentes elementos de su composición.

8 ¿Con qué tipo de artista te identificas más? ¿Por qué?

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2 Arte social

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El artista y la artista son reconocidos por su capacidad para hacernos observar, sentir, entrar en otros mundos. Pero su obra nace, se desarrolla y cobra sentido en contacto con la sociedad que lo rodea.

Todas las formas de creación artística son necesarias; desde la que hace una crónica de la sociedad y sus obras se convierten en testigos de la memoria y de la identidad de cada pueblo, mostrando la realidad más o menos objetiva, a la revolucionaria que nos invita a la movilización y sus obras buscan el cambio y la evolución.

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1. El baño del caballo (1909), de Sorolla (1863-1923).

Museo Sorolla (Madrid).

2. La Libertad guiando al pueblo (1830), de Delacroix (1798-1863).

Museo del Louvre (París).

2.1 El valor del arte Las instituciones museísticas se apuntan a las redes Los museos han pasado de ser lugares para depositar y preservar a ser repensados como espacios de interacción y encuentro, de experiencia artística. Se han modernizado creando incluso aplicaciones móviles para la participación de los visitantes. ¿Sabes qué medios utilizan para atraer a sus clientes? ¿Conoces espacios web o aplicaciones informáticas de museos?

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Aunque el valor monetario del arte es bastante subjetivo y cuestionable, su importancia testimonial y la necesidad de su conservación parecen estar completamente consensuadas.

Los museos y los centros de arte tienen la función de conservar las obras artísticas y la de difundirlas, favoreciendo una educación cultural. Son muchas las profesiones implicadas en estas funciones: la restauración, la conservación, la dinamización de los públicos, la difusión de las exposiciones, la atención en las salas, etc. El arte, además, ha salido de los grandes espacios cerrados a la calle, a pequeños centros de gestión social donde se hace útil: galerías, espacios culturales alternativos, etc.

1 ¿Cómo crees que el momento histórico en el que se realiza una obra de arte influye en lo que cuenta y la manera en que lo hace? ¿Por qué crees que se guardan las obras de arte? ¿Para qué se exponen? ¿Para qué sirve el arte?

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2.2 El arte del pueblo El arte popular y el arte comunitario tienen la capacidad de unirnos en un proceso creativo común, compartiendo experiencias. El sentimiento de grupo y de identidad colectiva ayuda a nuestro bienestar.

Hay quien considera «artes menores» a la artesanía, los objetos de fiestas populares, los bailes regionales, las tradiciones, etc. Les atribuyen falta de originalidad y de calidad estética, pues consideran que cuanto más útil es un objeto o una manifestación, menor valor artístico tiene.

Sin embargo, son los que mejor reflejan el carácter de un pueblo.

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Manifestaciones de arte floral: 1. Desfile de silleteros, en Medellín (Colombia).

2. Paraíso, delirio y deseo (2017), instalación del belga Tomas de Bruyne en la sala Vimcorsa de Córdoba. Festival Internacional de las Flores de Córdoba.

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Esto está que arde

Hitos compartidos

Las Fallas empezaron siendo fiestas purificadoras, en las que se quemaban trastos viejos en honor de San José y se celebraba la entrada a la primavera. Pero han evolucionado hasta convertirse en auténticas obras de arte efímero, con un elevado contenido reivindicativo y crítico. ¿Qué fiestas y tradiciones populares conoces? ¿Cómo son los objetos y las vestimentas usados? ¿A qué artesanía das valor? ¿Por qué? Recopila imágenes de ellas y compártelas con tus compañeros y compañeras para clasificarlas.

2 El origen de la máscara es tan antiguo como la necesidad del ser humano de buscar lo trascendente. Confiere a quien la lleva un poder místico, vigor, sabiduría, etc. ¿Has usado alguna vez una? ¿Cómo te sentiste?

Busca ejemplos de máscaras y recrea que represente el poder que más deseas.

Fallas de Valencia.

Máscara Noh japonesa.

Máscara mexicana.

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Arte social

2.3 El arte urbano Imágenes de arte urbano: 1. Barrio de Las Palmitas (Pachuca, México), pintado por Germen Colectivo (fachadas de 209 casas).

2. Catanianonsiferma, obra de arte urbano en Catania (Sicilia).

3. Children on the Swing, de Louis Gan, en Georgetown (Malasia).

4. Versos de amor anónimos escritos en los pasos de peatones de Madrid, de Boa Mistura.

El arte urbano es cualquier intervención o manifestación artística en la calle, de la calle y para la calle, instantánea o rápida y generalmente efímera. Es el arte más cercano. Para verlo, no hace falta ir a un museo y no nos pide permiso para entrar en nuestras vidas, nos aborda mientras paseamos.

Algunas obras son de promoción, pero muchas otras llevan mensajes críticos, subversivos o que invitan a la reflexión; obras que ocupan calles o barrios completos, intervienen el espacio, sobre el mobiliario o elementos vegetales; pueden ser realizadas por uno o varios artistas; contra la vulneración de derechos humanos, política, salud, etc.

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3 a) ¿Qué imagen tienes del arte urbano? ¿Es para ti un arte como los demás? b) Da un paseo por tu barrio o por tu ciudad: ¿qué expresiones de arte urbano has encontrado?

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4 a) ¿Qué crees que aporta el arte urbano a las ciudades? ¿Conoces algún artista o colectivo que se exprese de esta manera? b) ¿Crees que se debería regular el arte urbano (espacios privados o públicos, espacios abandonados) mediante un contrato?

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2.4 El arte relacional Más allá del arte de acción, que se centra en el proceso de creación y que ya invita a la participación, aparece el arte relacional, que plantea el arte como «estado de encuentro» entre el espectador o la espectadora y una obra que establece relaciones con el lugar. Las obras relacionales son abiertas y participativas.

5 ¿Has intervenido alguna vez en una performance o en una instalación u otra obra en la que el artista o la artista invitara a participar en ella? Descríbela a tus compañeros y compañeras: ¿Cómo te sentiste? ¿Qué es lo que más te gustó? Etc. Después, busca información y recopila imágenes sobre este tipo de arte.

Candy, de Damien Hirst y Félix González-Torres.

Galería Blain Sothern (Londres, 2013). La obra consistía en pilas de caramelos envueltos en papel celofán de colores, extendidos o amontonados por el suelo, que se podían coger.

2.5 El artivismo El artivismo supone una mayor implicación social del artista. Plantea un cambio social e invita a la movilización y a la subversión por medio del arte. Nos hace cuestionar las bases sobre las que nos asentamos y mirar con otros ojos la realidad que nos rodea.

Para los artistas artivistas, la calle ya no es solo un territorio, sino un espacio de vida y de reflexión. Hacen del espacio público compartido un centro de revolución y evolución, temido por las autoridades.

Suicide Penguins (2010), de Vincent Huang. Instalación en el puente Millennium de Londres en protesta por la amenaza ecológica global.

El milagro de Candeal ¿Conoces al cantante Carlinhos Brown y la película El milagro del Candeal? Es un documental que trata sobre un proyecto de intervención social en las favelas de Brasil, que implica a la comunidad en la mejora del barrio. Su escuela de música, Pracatum, es un centro sociocultural. Busca información de otros proyectos similares de acción social por medio del arte.

El milagro de Candeal, de Fernando Trueba (2004).

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Taller artístico

La pintura mural La pintura mural es un tipo de expresión artística bidimensional que se realiza sobre una pared o un muro; este soporte habitualmente condiciona la obra.

La pintura mural siempre ha estado presente en la historia, desde las pinturas en las cavernas hasta los grafitis en las calles de las ciudades.

Se ha utilizado en decoración de tumbas, palacios y templos, pero también de viviendas y plazas, ilustrando escenas de la vida cotidiana y del universo religioso.

Muchos murales tratan temas sociales y políticos, pues son un buen medio de transmisión sociocultural por su exposición pública. La pintura mural, además de ser «material didáctico», se identifica con luchas y críticas sociales.

Proceso El proceso va a depender de la envergadura del proyecto. Si es de grandes dimensiones, requerirá mucha preparación y trabajar en equipo. Se puede intervenir directamente sobre el muro o hacerlo sobre soportes que luego se colocan en él. La composición debe interactuar con los elementos que ya están en la pared. ➞ Decidiremos si nuestro trabajo va a tener relieve o no, si pintaremos, pegaremos o haremos ambas cosas. ➞ Hay que realizar dibujos preparatorios, elegir materiales y técnicas, y preparar el soporte.

Creamos Decora el SUM de tu centro

Materiales Pintar un mural es una oportunidad para conocer y experimentar con diversos materiales y diferentes técnicas gráfico-plásticas: • Pinturas al agua o al aceite; hoy se utilizan los acrílicos. Puede pintarse en colores saturados o en transparencias.

• Se pueden usar plantillas (esténcil) o pintar con brocha, pincel, esprai, etc.

• Los murales con relieve se crean con capas de texturas o llevan fijados materiales (teselas, cerámicos, estucos), que se adhieren al muro con aglutinantes o están grabados o esgrafiados (descubriendo la capa bajo la superficie).

En este tipo de mural, las luces desempeñan un papel importante, pues generan volúmenes; incluso las vidrieras se pueden considerar murales que ocupan espacios huecos del muro (engarzando vidrios de colores con plomo o con resinas).

• El wheatpasting es una técnica que usa un engrudo adhesivo (generalmente, harina de trigo y agua) para pegar sobre el muro un trabajo preparado en el taller (sticker). Además, puede darse color a algunas zonas y pintar también con pintura.

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1 El salón de usos múltiples (SUM) suele ser un espacio muy visitado en los centros, pero a veces no está decorado y carece de personalidad.

Os proponemos realizar una propuesta de decoración colorista y positiva en la que quede presente vuestra comunidad educativa. Se puede realizar en soportes reutilizados del almacén del centro, debidamente preparados. El acrílico, el esténcil, el wheatpasting, etc., son buenas opciones de trabajo. Podríais interpretar acciones como la del colectivo Boa Mistura, titulada Ama lo que haces.

Ama lo que haces (2012), mural de Boa Mistura (Barrio de las Letras, Madrid).

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Artistas y arte social Rivera y el muralismo mexicano Diego Rivera (1886-1957) fue uno de los artistas más importantes del muralismo mexicano, un movimiento artístico surgido a principios del siglo xx que buscaba una revolución política, social y económica, enalteciendo el nacionalismo frente al colonialismo.

Las ideas y la vida de un artista influyen en su obra y, a veces, son causa de problemas: Rockefeller encargó un mural a Rivera, y este lo llenó de símbolos comunistas e incluyó el retrato de Lenin. Por ello fue destruido, aunque el artista lo repitió en otro lugar.

El hombre controlador del universo (fragmento) (1934), mural de Diego Rivera (485 × 1 145 cm).

Palacio de Bellas Artes, Ciudad de México.

Marina Abramović (Belgrado, 1946) Esta artista ha sido llamada la «Madrina del arte de la performance». Está especializada en performance con una estrecha relación entre la artista y el público.

En sus polémicas obras realiza un profundo estudio de los límites del cuerpo y de la mente.

The Artist Is Present (2010), performance de Marina Abramović (1946) sentada frente a una silla en la que cualquiera se puede sentar, pero ella no reaccionará ante su presencia.

(MoMA, Nueva York).

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Andaluza

CULTURA PROTAGONISTA

MARÍA ORTEGA ESTEPA Artista plástica cordobesa, afincada en Sevilla, es arteterapeuta y muralista. Su obra está muy ligada al ámbito social, trabajando con el arte en la calle desde 2008. En la actualidad realiza murales de intervención comunitaria en diversos contextos: campamentos de refugiados, hospitales, centros penitenciarios y de menores, barriadas periféricas, festivales de arte urbano y centros educativos de todo el panorama español.

HUELVA

MURALES DE LA RÁBIDA

OBRA

Observadora y anotadora del mundo vegetal, María posee una mirada que nos introduce en el microcosmos de lo natural a través de atmósferas llenas de poesía y misterio. Con su trabajo, trata de invitar al espectador a penetrar en su espacio interior desde el autoconocimiento como punto de partida, concibiendo la expresión artística como un viaje, una reflexión sobre nuestro lugar en el mundo con una autobiografía que no tiene carácter narrativo, sino vivencial; una cartografía de vida.

Las raíces, mural de María Ortega, en Córdoba.

AD D I S R IO

CU INNOVACIÓN

IÓ C A C I N U M O C 36

PATRIMONIO

Su obra se sitúa entre la pintura y el mural, la mayor parte de las veces materializada en proyectos comunitarios de índole social y educativa, interactuando siempre con el público en el proceso o en la ejecución final.

POWER SKILLS!

N

El monasterio de la Rábida, en Palos de la Frontera, es un enclave primordial en la historia del descubrimiento de América. Fueron los monjes de la orden franciscana de este monasterio quienes sufragaron parte de los gastos del gran viaje de Cristóbal Colón, y desde allí salieron las naos. En ese enclave singular, uno de los grandes maestros andaluces del siglo xx, el onubense Daniel Vázquez Díaz, recibe el encargo en 1929 de representar la gran gesta del descubrimiento de América; y durante un año pinta en los muros del monasterio un mural, en un estilo vanguardista y geométrico adelantado a su época, y no exento de críticas, que, sin embargo, es por el que será recordado.

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MANIFESTACIÓN ARTÍSTICA

EL PROYECTO MAUS Cerca del CAC de Málaga, en 2013, surge el proyecto Maus (Málaga Arte Urbano Soho), en el que, deseando emular el movimiento artístico del SOHO neoyorquino, se pretendía revalorizar la zona conocida como Muelle Heredia, llenando sus calles de arte contemporáneo e implicando a la vecindad en proyectos artísticos y actividades culturales. Esta iniciativa ha adornado los muros del barrio con obras de arte urbano de muchos de los mejores artistas de esta disciplina, como Obey, Boa Mistura, Dal East, Pejac, Abraham la Calle, Manuel León, y muchos otros, creando una ruta de graffitis que se ha ganado la fama de ser uno de los grandes exponentes del street art.

aPOPcalytica, de D Face, y Paz y libertad, de Málaga. de Obey, en el Soho

Camaleón, mural de

el ROA, en Málaga para

Proyecto Maus.

¿SABÍAS QUE...?

IÓN C A IV IÓN T O M AC VIDAD C I N EATI U M CR CO

POWER SKILLS!

«Tipo» es el nombre que define el disfraz de las comparsas y chirigotas del carnaval gaditano. Pero el tipo es más que un simple disfraz. Cuando se piensa y se crea un tipo, se incluyen todos los gestos, el talante personal y las características psicológicas de un personaje, incluso cómo se mueve en el espacio o qué entonación tiene.

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PORFOLIO ¿Qué has aprendido?

1 Completa en tu cuaderno escribiendo el número y la palabra correspondiente. Aprende a hacer un mapa conceptual con el recurso disponible en anayaeducacion.es.

d) ¿Identifico diferentes elementos que intervienen en el análisis de una obra de arte? e) ¿Reconozco distintos tipos de arte social? f) ¿Identifico varios tipos de arte popular? g) ¿Valoro el arte popular como una forma más de expresión artística?

ARTE Y SOCIEDAD

h) ¿Entiendo la diferencia entre artista y activista? i) ¿He conocido nuevos artistas, estilos y movimientos y nuevas técnicas artísticas?

Arte y cultura (Patrimonio)

j) ¿Han contribuido nuestros trabajos murales a mejorar la sociedad?

Arte social 3 Arte como valor testimonial

Análisis 1 de la obra

Análisis 2 de la obra de arte Activismo artístico Artista cronista Arte 3

Artista revolucionario

Arte 4

Arte comunitario

Arte relacional

Reflexiona sobre la sociedad en la que vives a partir de las imágenes que te rodean a lo largo de un día. Usa una cámara o un dispositivo móvil para irlas recopilando. Luego explica qué cuentan, qué crees que pretenden, cómo te has sentido ante ellas… Descubrirás cómo te han influenciado y te van conformando como persona. Puedes hacer con ellas un collage e incluir palabras para definirlo.

4 Un nuevo estilo artístico surge cuando un artista se salta las reglas. La obra Almuerzo en la hierba (1863), de Manet, fue vanguardista y supuso un punto de ruptura con el arte de la época. Cuando se presentó para ser expuesta en el Salón de París, se rechazó por escandalosa, por mostrar a una mujer desnuda junto a hombres vestidos. Recopila otros ejemplos de imágenes rompedoras e investiga por qué lo fueron.

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2 Responde a las siguientes preguntas; puedes comentarlas con tus compañeras y compañeros. Después, evalúa tu aprendizaje y puntúa tus respuestas del 1 al 5. a) ¿Entiendo las relaciones entre la obra y su contexto histórico y cómo se reflejan en la obra? b) ¿Soy capaz de reflexionar e intervenir para mejorar la sociedad con recursos artísticos? c) ¿Sé qué es el patrimonio y su función social?

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Almuerzo en la hierba (1863), de Édouard Manet. Museo de Orsay (París).

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5 ¿Has pensado en que haces algunas cosas porque siempre se han hecho así? ¿O en las modas que sigues sin saber por qué? ¿Cómo te afectan las tradiciones y los convencionalismos?

Reflexiona sobre algún hábito o conformismo absurdo, o alguna costumbre poco saludable, etc.

Escribe un pequeño texto sobre sus causas y consecuencias, y condensa tus ideas en una imagen.

Después, busca ejemplos de otros artistas que critiquen la sociedad actual, los mitos y ritos que hoy tenemos. Por ejemplo, Steve Cutss o John Holcroft.

Grafiti realizado para criticar el consumo de carne (DüsseldorfEller, Alemania).

Desarrollo del pensamiento. El papel que ha ido desarrollando el artista dentro de la sociedad en la que vive y a lo largo de la historia del arte cambia dependiendo del momento histórico y del lugar. Así tenemos desde la descripción de la sociedad y sus costumbres de Julio Romero de Torres hasta el arte más revolucionario y transgresor de Banksy, con su crítica a las injusticias sociales que crean desigualdades.

Vamos a reflexionar sobre esto con la técnica 8. Viajes en el espacio y en el tiempo.

Situación de aprendizaje

¡ACTÚA !

Reflexiona cómo has aprendido 1 ¿Cómo te has sentido en el desarrollo de este tema?

2 Reflexiona sobre las cualidades que tienes denunciar las desigualdades sociales a través de tu producción artística. Anótalo en tu cuaderno.

3 Evaluad del 1 al 3 los trabajos realizados, con tus compañeros y compañeras.

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