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Nouveau Retórica Los mejores trucos para sección fotográfica Lo mejor del Impresionismo ALfonse Mucha Características de sus carteles

Técnica de ilustración

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Director

Guadalupe Sanchez Vidal

Director de arte

Guadalupe Sanchez Vidal

Colaboración

Nazaret Sanchez Vidal Josefina Vidal Gomez

Fotografia

Olivia Camellón

Publicidad

Guadalupe Sanchez Vidal

Administración Alan Ponce

Impresión

Fernanda Contreras

Deposito Legal S1646-2016

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Carta Editorial

A

migos lectores , nouveau (nuevo) es una revista que el dia de hoy lanza su primera edición pretendiendo ser de tu agrado y cumpla con tus expectativas.

El objetivo de nuestra revista es mostrar el conocimiento adquirido a través de composiciones, color , diseño, durante nuestra estancia en universitario BAUHAUS, Nouveau va dirigido para aquellos amantes del diseño llevándote a un recorrido en la historia del diseño y mostrando lo mas nuevo de la actualidad.

Agradezco en nombre del equipo de edición por su apoyo en este nuevo lanzamiento para que esta revista llegue ante ustedes y pueda lograr ser la mas adquirida.

En este mes de junio te traemos lo mas relacionado con el diseño y les recordamos que también pueden visitarnos en nuestros portales de red para estar informados sobre las nuevas ediciones que se llevaran acabo.

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3Carta Editorial.

6Notas 8Retórica 10 12 Offset 14Chema Madoz 18Alfonse Mucha

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Indice

20Jules Chéret 22La grafica en el bordado 24 impresionismo 26William morris 28Antony Goldsmich 30Seccion Fotografica

Técnica Tinta China

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Notas

Surrealismo Digital Despertar de sueño extraño es algo recurrente hoy. Estamos tan expuestos a estímulos gráficos que los mundos incoherentes que se forman en nuestras mentes durante el sueño son cada vez más bizarros. Tener la capacidad de plasmar dichas escenas es una virtud que se expande como virus en juego de survival horror.

El diseño gráfico es un arte y una práctica que consiste en planificar y proyectar ideas y experiencias con un contenido visual y textual.

Esta planificación y proyección de ideas se puede plasmar tanto física como virtualmente y puede incluir palabras, imágenes o formas gráficas. Por lo general, tiene un propósito que puede ser, bien comercial, educacional, cultural, político Las tecnologías y métodos utilizados antiguamente para transmitir una comunicación visual se han ido modificando paulatinamente. El diseño gráfico es una de las disciplinas que se han adaptado a los tiempos y han cambiado sus métodos de creación y de transmisión.

TENDENCIAS

DISEÑO GRAFICO

EN

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Diseños Polígono Recurrir a figuras geométricas es otra tendencia para este año. Delinear figuras o incluso palabras, aporta dinamismo y un amplio valor de innovación.

Diseñó Modular El diseño modular está centrado en el contenido para infografías, en el que las secciones se pueden ver de forma individual o como parte de un conjunto mayor. Esto proporciona una mayor flexibilidad para extraer porciones para compartir en las redes sociales, ayudando a extender el alcance de los contenidos. También se pueden utilizar en la creación publicitaria basando se en elementos de diseño infográfico para transmitir su mensaje, con un diseño simple, limpio y que los segmentos sean fáciles de leer.

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Retórica

“Es el arte del discurso persuasivo”

Esta disciplina permite que en cada ámbito el lenguaje utilizado (ya sea oral o escrito) permita la sencilla asociación de conceptos y, a la vez, que cumpla con los tres requisitos fundamentales de la comunicación: deleitar, conmover y persuadir.

Retórica visual

Hacemos uso del pensamiento visual como la mayor parte de nuestro conocimiento, vivimos en un mundo predominante visual, tenemos que ser capaces de leer y diseccionar y producir mensajes visuales efectivos.

¿Que son figuras retóricas?

Se conocen como figuras retóricas aquellos recursos que permiten alterar la sintaxis para darle un determinado sentido al comunicado.

Sirven para desviar al interlocutor a un sentido figurado de lo que se está expresando, evitando que se centre en el sentido literal o en el orden real de las palabras.

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Prosopopeya

Blanco

Tapia “es un tipo de metáfora que consiste en dar a lo inanimado una aparición animada. de este modo los objetos que no tiene vida pueden cobrar una forma humana o animal para hablar moverse o actuar como seres logrando a si decir lo que si mismos no podrían”

Tapia “ texto para que en el la imaginación proyecte lo que falta, es decir simboliza una supresión y da el efecto de que falta algo que el receptor tiene libertad de descubrir que es”

Antítesis

Hipérbole

Tapia “consiste en contraponer una idea a otra, generalmente poseen rasgos semánticos comunes, pero que no llegan a ofrecer contradicción ni se comparan diferentes entre si ( caso de la comparación) si no que solo hace hinca pie en su diferencia para producir el efecto de contraste entre ambos.

Tapia “Expresión que exagera una idea o un objeto semánticamente con el fin subrayado. El resultado es siempre desproporcionado en la relación al contexto”

Paradoja

Ironía

Tapia “similar al oximoron, plantea la alianza de ideas excluyentes, de modo que el resultado semántico es sorpresivo, pues hace enunciar una idea imposible que llama la atención porque pone al receptor frente a lo inusitado, lo que parece no realizable y que, sin embargo, cobra existencia”

Baylon “utilización de una palabra con el sentido de sus contrarios”

ETÓRICA 11

Ilustración

TÉCNICA TINTA CHINA

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s un método de ilustración antiguo y expresivo.

El dibujo a tinta permite una gran elaboración tanto del trazo como de las valoraciones tonales, las cuales pueden ser realizadas de dos maneras diferentes, una mediante el trazado, aproximando líneas para aumentar la intensidad de los grises, o bien a partir de la valoración realizada con aguada, aplicando las tintas grises con la misma técnica de trazo que se utiliza en el trazado de la trama con tinta sin aguar.

Los patrones básicos son

La elaboración del dibujo a plumilla es compatible con todo trabajo a tinta, pidiéndose alternar en un dibujo, posibles trazados o manchas realizadas por otros instrumentos de dibujo, como caña, pincel o estilógrafo. Las tintas pueden ser de varias calidades, pero, una cuestión importante, siempre que se rebaje, debe hacerse con agua destilada, evitando la cal y el cloro.

Requiere ensayar, y estudiar tipos de trazos que se obtienen de ella, con la combinación de trazos obtenemos los tramas que sirven para crear efectos de sombras.

Formas de tramas

Rectas Curvas líneas en espirales Puntos

Simples: líneas cortas, rayas Red: trazos en forma de cruz o añadidos en diagonal dan algunos tonos “grises” a dibujos de trazos simples.

Complejas son tramas que siguen formas del tema y que están compuestas por tramas simples en red y curva.

MODO DE EMPLEO Plumilla.

La característica principal de esta técnica es la elaboración de tramas para definir las texturas del dibujo a ilustrar y rellenar.

1.

Definir el contorno del dibujo con la plumilla.

2.

La aplicación de las tramas se aplica saturándolas en las zonas de oscuridad y desaturacion en las zonas de luz.

Contraste.

La característica principal de esta técnica es el alto contraste.

1.

Definir el contorno del dibujo con la plumilla.

2. Se aplica la tinta china sin diluir

en las zonas definidas como oscuridad, dejando las zonas de luz sin pintar.

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Aguada. La característica principal de esta técnica es la

soltura de la tinta en su aplicación utilizando el agua como medio de control.

1. Definir el contorno del dibujo con la plumilla.

2. Elaborar dos tonos de gris. En el godet poner una gota

de tinta en cada cuenco y dos gotas de agua en uno y una gota de agua en otro de manera que queden dos tonos de negro uno gris medio y otro gris claro.

3. Con el pincel aplicar agua en la zona de oscuridad, secar el pincel y aplicar una gota del gris medio sobre la zona el agua de manera suelta controlando la aplicación con el pincel seco. Dejar secar.

4. Aplicar el tono gris claro en la zona de medio tono, dejando la zona de luz sin pintar.

Blanco sobre negro. La característica de esta técnica es modelar la zona de luz con la tinta blanca. Ejemplo

1. Aplicar la tinta china sin diluir. En toda la figura dejando

en blanco los contornos internos de la figura. Debe quedar toda la figura negra total con los contornos internos en blanco del papel.

2. Aplicar la tinta china blanca a partir de la zona de luz a la zona de oscuridad. Dejar secar. Quedará un gris oscuro.

3. En las siguiente pasada, aplicar la tinta china a partir de la luz hasta medio tono. Quedarán dos tonos, uno gris oscuro y uno gris claro.

4. En la siguiente pasada, aplicar la tinta china a partir de la luz hasta la mitad del medio tono a la luz. Quedarán tres tonos, uno gris oscuro y uno gris medio y uno gris claro.

5. En la siguiente pasada, aplicar -la tinta china solo en la zona de más luz, para reforzarla Quedarán cuatro tonos, uno gris oscuro y uno gris medio y uno gris claro y la zona de luz.

Claroscuro.

La característica de esta técnica es modelar la zona de oscuridad, medio tono y zona de luz. Quedará una figura de modelada a medio tono.

1. Definir el contorno del dibujo con la plumilla.

2. Elaborar tres tonos de gris. En el godet poner una gota

de tinta en cada cuenco y tres gotas de agua en uno y dos gota de agua en otro y una gota de agua en el otro; de manera que queden tres tonos de negro uno gris oscuro, gris medio y otro gris claro.

3. Aplicar el gris claro sobre toda la figura. El dibujo quedará todo en un solo tono, gris claro. Dejar secar.

4. Aplicar el gris medio a partir de la zona de oscuridad hasta el medio tono. No pintar la zona de luz. El dibujo quedará todo en dos tonos, gris claro y gris oscuro.

5. Aplicar el gris oscuro a partir de la zona de oscuridad sin tocar la zona de medio tono ni la zona de luz. El dibujo quedará todo en tres tonos, gris claro, gris medio y gris claro.

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Imagen Impresa

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OFFSET

a impresión offset es un método de reproducción de documentos e imágenes sobre papel o materiales similares que consiste en aplicar una tinta, generalmente oleosa, sobre una plancha metálica compuesta generalmente por dos o más elementos de aluminio.

El desarrollo de la imprenta offset se dio a través de dos inventores en distintos lugares del mundo: en 1875por el inglés Robert Barclay quien desarrolló una versión para impresión en metales (estaño) y en 1903 por el estadounidense Ira Washington Rubel para la impresión sobre papel.

plancha por cada color que a imprimir. En el caso de la fotocromía, por cada uno de los cuatro colores del modelo de color CMYK (cian, magenta, amarillo y negro) a lo que también se le conoce como impresión en cuatricromía. Además, interviene en el proceso un quinto color: el blanco del papel. Utilizando cantidades diferentes de esos cinco colores puede reproducirse casi cualquier color alcanzable a través del modelo sustractivo de color, con la excepción de colores metálicos como el dorado y el plateado y colores fosforescentes o que estén fuera del rango del modelo CMYK.

El método de impresión offset es uno de los sistemas de impresión indirecto, ya que el sustrato (generalmente papel) no tiene contacto con la plancha matriz para traspasar la imagen. La tinta pasa de la placa de aluminio al cilindro porta caucho o mantilla para después pasar al papel (u otro sustrato), ejerciendo presión entre el cilindro porta caucho y el cilindro de presión (conocido también como cilindro de impresión o de contra presión).

La impresión offset se realiza mediante planchas monocromáticas, de modo que debe crearse una

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Todas las fotografías (en color o en escala de grises) pueden reproducirse litográficamente mediante la utilización del proceso de difusión por semitonos. Actualmente se digitaliza la película fotográfica (mediante un escáner de alta resolución), o se obtiene la imagen mediante fotografía digital y en el proceso de pre-prensa se separan los colores creando una imagen distinta representativa de cada canal de color.

La impresión offset se realiza mediante planchas monocromáticas, de modo que debe crearse una plancha por cada color que a imprimir. En el caso de la fotocromía, por cada uno de los cuatro colores del modelo de color CMYK (cian, magenta, amarillo y negro) a lo que también se le conoce como impresión en cuatricromía. Además, interviene en el proceso un quinto color: el blanco del papel. Utilizando cantidades diferentes de esos cinco colores puede reproducirse casi cualquier color alcanzable a través del modelo sustractivo de color, con la excepción de colores metálicos como el dorado y el plateado y colores fosforescentes o que estén fuera del rango del modelo CMYK. Para que la plancha se impregne de tinta únicamente en aquellas partes con imagen se somete a un tratamiento fotoquímico de tal manera que las partes tratadas atraen la tinta. Así, la plancha se pasa primero por un rodillo mojador, impregnándola de agua y, seguidamente, por un rodillo entintador. La forma impresora es plana, sin relieve, dura pero además flexible. Normalmente se utiliza el aluminio anonizado o monometalico. Como la tinta es un compuesto graso es repelida por el agua y se deposita exclusivamente en las partes tratadas, o sea, con imagen.

El agua, a menudo, contiene otras sustancias para mejorar su re actividad con la chapa y la tinta. Finalmente, las imágenes ya entintadas se transfieren a un caucho que forra otro cilindro siendo este caucho el que entra en contacto con el papel para imprimirlo, ayudado por un cilindro de contra presión o platina.

Ángulos de trama

Una trama de medios tonos está compuesta por pequeños puntos ordenados en líneas, el tamaño de los puntos varía en función de los tonos que se

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quieren simular, por ejemplo, en las áreas claras estos puntos son pequeños y en las oscuras más grandes. Los puntos de trama se componen de puntos de exposición en una filmadora, la resolución de una filmadora se mide en dpi (puntos por pulgada) y los puntos de exposición están dentro del patrón cuadriculado o retícula denominada celda de medios tonos.

La frecuencia de la trama es una medida que hace referencia al número de celdas de medios tonos por línea y se expresa en líneas por pulgada (lpi).

Lineatura apropiada de las calidades de papel y técnicas de impresión: Papel Papel periódico 65 – 85 lpi No estucado 100 – 133 lpi Estucado, mate 133 – 170 lpi Estucado brillante 150 – 300 lpi Métodos de impresión Offset 65 – 300 lpi Huecograbado 120 – 200 lpi Serigrafía 50 – 100 lpi Flexo grafía 90 – 120 lpi El cerebro puede percibir con facilidad patrones de ángulos de entre 0 y 90 grados. En la impresión de cuatricromía tenemos cuatro tramas, una por tinta, por lo que deben ser colocadas en cuatro ángulos distintos claramente separador para evitar el moiré o ángulo erróneo en la orientación de la trama ‘’el punto se puede observar con un cuenta hilos.”

Fotografía

“CHEMA MADOZ” José María Rodríguez Madoz

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ace en Madrid el 20 de enero de 1958. Entre los años 1980 y 1983 cursa Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid sus estudios fueron en el Centro de Enseñanza de la Imagen. La Real Sociedad Fotográfica de Madrid expone la primera muestra individual del autor en el año 1983. En 1988 la Sala Minerva del Círculo de Bellas Artes (Madrid) inaugura su programación de fotografía con una exposición de sus trabajos. Dos años después, en 1990, comienza a desarrollar el concepto de objetos, tema constante en su fotografía hasta la fecha.

La Editorial Art-Plus de Madrid edita en 1995 su primera monografía: el libro Chema Madoz (1985 - 1995). Tres años más tarde es la Editorial Mestizo, A. C., de Murcia quien le publica un tomo al artista, el libro titulado Mixtos - Chema Madoz.

En 1999 el Centro Gallego de Arte Contemporáneo de Santiago de Compostela muestra la exposición individual de trabajos realizados entre 1996 y 1997. A finales de ese año, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía le dedica la exposición individual “Objetos 1990 - 1999”, que se configura como la primera muestra retrospectiva que este museo dedica a un fotógrafo español en vida.

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Con sus fotografías en blanco y negro, crea metáforas visuales a partir de objetos cotidiano tales como agujas, letras, libros, piedras, zapatos…

Logrando un estilo surrealista y minimalista en diferente composición , logrando llevar al espectador a lo irónico o dándole un poco de humor dando una abstracción que nos muestran nuevas formas a través de los objetos, lo cual crea nuevas sensaciones y nuevas formas de interpretar la obra. Creando un lenguaje fotográfico haciendo realidad aquello que no lo es y entendible para todos.

Los espacios con los que trabaja suelen ser muy pequeños y depende mucho del objeto fotografiado. Trata de plasmar el objeto como lo principal en primer plano dándoles un recorrido visual que en ocasiones quedan definidas por los propios objetos, y el resto del espacio mostrado es sólo el que le acompaña. Las tonalidades muestran una similitud contrastante pretendiendo destacar la formas y los objetos principales. El resultado es el de una fotografía muy natural, sencilla, pero muy expresiva.

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ALFONSE MUCHA P

intor, grabador, escultor, diseñador, artesano y dibujante checo, (Ivancine, Moravia, 24 de Julio de 1860- Praga, 14 de Julio de 1939). Interesado por el dibujo desde la adolescencia, pretende cursar estudios en la Academia de Artes Plástica de Praga en 1877, siendo su petición denegada. En consecuencia, de manera circunstancial trabaja como decorador de una compañía teatral y retratista a lo largo de la década de los ochenta, e incluso da comienzo a su andadura profesional como artista entre Viena y Munich, donde ingresa en la Academia muniquesa. No obstante, será su posterior marcha a París en 1887 quien le abrirá las puertas del éxito y la popularidad, tras formarse en la Academia Julian de la capital francesa, gracias en gran medida al mecenazgo del conde Khuen-Belassi. Establecido en la ciudad del Sena, publica sus ilustraciones de manera regular en diversos diarios y diseña varios carteles (el primero en 1894) para la reconocida actriz teatral Sarah Bernhardt y su teatro de la Renaissance. Además, se encarga de la decoración del pabellón bosnio en la Exposición Mundial de 1900. De igual manera, a lo largo de su periplo por tierras francesas, se postuló como uno de las piedras angulares del denominado Art Nouveau. De hecho, sus carteles publicitarios (basados en un tratamiento de la fotografía, absolutamente innovador y original), estampas, dibujos, paneles decorativos, entre otras muchas de sus aportaciones, le consagraron como una figura fundamental y extremadamente virtuosa en cada uno de los géneros que trabajo.

Perfecto ejemplo del modernismo, residió en EEUU durante los primeros años del siglo XX (1904-1910), hasta que a partir de 1910 decide retornar a su tierra natal y centrar exclusivamente su última etapa artística y profesional en la pintura histórica y monumental. Un ciclo de veinte cuadros colosales, tales como la Epopeya Eslava, ponen de manifiesto una estética delicada, elegante y seductora.

Reconocido por su inconfundible estilo, muestra una clara inclinación a la curva y la contracurva unida al exquisito arabesco, la exuberancia y el exotismo patente en sus más afamados carteles modernistas.

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ntre las obras de Mucha hay que destacar su aporte a la pintura. Se pueden observar dos estilos bien diferenciador, por un lado una estética realista (de influencia prerrafaelista) y por el otro un estilo similar a sus carteles, es decir influenciado por el Art Nouveau. En ambos predomina la figura femenina, siempre con las características de las Mujeres de Mucha, entre inocentes y diosas, que también se observa en sus carteles.

También se destacan sus obras en serie o secuencia, como Las 4 Estaciones, Momentos del Día, Las Artes, Las Joyas, Las Flores, Las Estrellas.

Siempre buscó inspirar se en elementos reales y de la naturaleza para crear a estos seres irreales que se asemejan a diosas, hadas o hechiceras

Las 4 Estaciones de Alphonse Mucha Estas obra se emplearon al principio en paneles decorativos, a pedido de Champenois en 1896, fue una de las obras más populares de Mucha, tuvo tanta aceptación que Champenois encargó dos sistemas más basados en el mismo tema en 1897 y 1900 Se puede observar como Mucha captura los humores de cada estación, como también la utilización de elementos y climas tonales y cromáticos que identifican a cada estación del año. En todas las versiones se observan las características típicas de las obras de mucha, el personaje sensual, enmarcadas en columnas y arcos bizantinos, la ropa sedosa y los elementos de la naturaleza que equilibran el diseño.

Las adaptaciones de 1900 presentan la particularidad de que sus personajes se presentan con el pelo recogido a diferencia de la mayoría de las mujeres de Mucha que suelen tener largos cabellos envolventes, como es el caso de Las 4 Estaciones de 1896 y de 1897. En estas últimas los personajes parecen más libres y menos rígidos que en la versión de 1900, donde la postura es firme y la mirada se dirige al espectador sin ensoñación como las anteriores.

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Los Momentos del Día de Alphonse Mucha Estas obras de Mucha, están cargadas detalles y cromáticidad de tonos tenues. Los personajes femeninos tienen ropa ligera, con actitud provocativa de coqueta timidez, y representan conceptos alegóricos como los momentos del día.

La frase que decía Mucha “Yo hago las cosas a mi manera recoge la filosofía de nuestros artistas”.

Los colores frescos con todo delicados usados por Mucha, combinado con adornos florales exuberantes y, en detalle, con cuatro mujeres hermosas hacen esto a la serie particularmente de abrogación.

Fijan a cada mujer dentro de los alrededores naturales que refleje su humor y realce su belleza. El conjunto se incluye en un marco ornamental elaborado evocador de una ventana gótica.

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Ilustración

Jules Chéret (1836-1932)

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héret fue un innovador litográfico y fue el inventor del cartel, así como artista y genio de la publicidad, que formuló los medios técnicos de producir los carteles sombreados con cada color del arco iris con apenas tres o cuatro piedras y así elaboró los primeros carteles ilustrados y económicos.

Todos sus carteles tenían una estructura básica, es decir, predominaba la imagen sobre el texto, la figura principal era una muchacha que promocionaba el producto o evento y el texto estaba fuertemente vinculado a la imagen.

Pero lo más impactante de sus diseños eran “sus chicas”, ya que las características de las mismas no eran comunes en su época, y se convirtieron en ejemplos a seguir.

Las muchachas de Chéret tenían una fuerte carga erótica y un estilo de vida particular, atrevidas y desinhibidas, disfrutaban de la vida bailando con sus vestidos escotados, bebiendo y fumando en público.

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La obra de Jules está llena de color, vitalidad, figuras estilizadas y bellas, con poco texto y muy entendibles para el público en general.

Con líneas y colores planos encuentra profundidad en sus dibujos, además conseguía conectar con los gustos populares.

Su entrenamiento como litógrafo y su sentido exquisito del color y la estética le permitió elevar el cartel a nuevos niveles artísticos.

Jules logró influir en el movimiento artístico del Art Nouveau en toda Europa y América con sus carteles teatrales.

Su producción fue muy variada siendo el primero que se dedicó a ello de forma sistemática. Creador de carteles para teatros o cabarets, sus creaciones se colgaron del Folies Bergere, el Teatro de la Ópera o el Moulin Rouge.

Después realizó trabajos para promocionar perfumes, licores, cosméticos o productos farmacéuticos, entre otros. Chéret fue el primer artista moderno de carteles y revolucionó su apariencia dando el papel preponderante a la ilustración, que hasta entonces estaba subordinada al texto, y dejando para éste una función explicativa, relativamente menos importante.

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Imagen Impresa

La Grafica En Las Bordadoras

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ordado de la máquina es un término que se puede utilizar para describir dos diversas acciones.

El primero se utiliza una máquina de costura que cree “manualmente” el bordado (a pulso o con built-in puntadas) un diseño en un pedazo de tela o en otro artículo similar. El segundo es utilizar un diseño especialmente bordado a máquina de coser-bordado para crear automáticamente un diseño pre-hecho del patrón que se introducirá en la máquina. La mayoría de las máquinas del bordado usadas por los profesionales y aficionados son asistidas hoy por las computadoras que leen los archivos convertidos a digital del bordado creados por software especial. Con la llegada del bordado automatizado, la técnica para crear este tipo de bordados se basa principalmente en el arte de la fibra a utilizar y el digitalizado de imágenes para la creación de un bordado en particular. Mientras que algunos todavía realizan bordados a mano para embellecer prendas, con la llegada del bordado computarizado 8 Ibídem, a se logrado reducir tiempo y costo de producción favoreciendo la demanda de este servicio

¿Que es el ponchado?

El ponchado es una técnica de bordado digital.

El proceso de esta técnica convierte una imagen preferiblemente vectorial y sencilla en una figura bordada sobre un material adecuado para la bordadora.

En el bordado digital la técnica de ponchado incluye los datos requeridos para el uso de colores apropiados, el tiempo y el trayecto que la bordadora tendrá al escoger cada hilo del color respectivo, la forma, el tiempo y el camino a seguir en el bordado.

Para el Bordado Digital, lo preliminar del diseño es la silueta, los bordes.

La aplicación de color, el relleno de las siluetas, se denomina ponchado.

El Sistema de Bordado Digital, dispone de una librería, con una gran variedad de formas y estilos, las cuales se pueden aplicar en los bordes y en relleno, respectivamente.

Cuando la superficie de relleno es muy grande, se pueden emplear distintos materiales: cuero, telas, acetato, vinilo, etc.

En un primer proceso se aplica un bordado simple para la silueta externa. Se desmonta la pieza y se recorta la demasía. Luego se vuelve a cargar el material a la unidad de bordado y se aplica un bordado de puntada más ancha, que permita fijar el relleno a la tela. En la jerga textil, a todo este proceso se le conoce como ponchado.

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Tipos de Puntadas Pespuntes, puntadas colocadas una

detrás de otra longitudinalmente, como una costura convencional. Las puntadas pueden ser cada vez más cortas o más largas o bien resaltar su grosor re-punteando varias veces.

Puntadas planas, son puntadas

Usos principales de la Herramienta.

en zigzag y muy juntas. Su anchura y grosor puede seleccionarse libremente.

Es la más versátil de las puntadas para bordado. Con la ayuda de las puntadas De base, las puntadas planas pueden Adquirir pueden adquirir volumen

La máquina está diseñada para bordar automáticamente sobre prendas textiles diferentes diseños definidos por el usuario, e introducidos en formato digital en la memoria de la máquina, a través de un puerto USB in talado en la misma o almacenados en un disco. Se puede utilizar para bordar prendas textiles tales como camisetas, pañuelos, etc.wademás de gorras o similares mediante la instalación de un bastidor especial para este tipo de prendas.

Puntadas de relleno para llenar áreas. El área a cubrir puede bri-

llar más o menos y tener estructuras tipo relieve según el intervalo y la frecuencia de las puntadas. Seleccionar una longitud de punto adecuada ahorrará muchas puntadas en el diseño del bordado.

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Historia del Diseño

IMPRESIONISMO Paul Cézanne (1839)

Fue un pintor francés postimpresionista, sus obras establecieron las bases de la transición entre la concepción artística decimonónica hacia el mundo artístico del siglo XX.

Gauguin(1848- 1849) Características

Volcándose mayor mente en paisajes y desnudos muy audaces para la época por su rusticidad y colorido rotundo, opuestos a la pintura burguesa y esteticista predominante en la cultura occidental.

Primeros rasgos impresionistas 1844

Series de Monet 1872 - 1875 Caracteristicas

Estudio de la plasmación de luz vibrante sobre el lienzo: Intentaban captar la impresión momentánea de las cosas, la apariencia, por eso debían trabajar deprisa. Estudiaban los distintos matices de la atmósfera mediante versiones de un mismo motivo en distintos momentos del día, variando la luz y la atmósfera.

caract pintura impresionista 1870 Características

En la primera mitad del siglo XIX, en pleno Romanticismo, Joseph Mallord William Turner y John Constable —pintores paisajistas ingleses— sentarían las bases sobre las que más adelante trabajarían los impresionistas.tomarían su gusto por la fugacidad, sus superficies borrosas y vaporosas y el difuminado y mezcla de amarillos y rojos intensos

Elegían temas.

Frecuentemente mostraban escenas de París y sus alrededores.

Los paisajes los pintaban al aire libre.

Los temas preferidos eran banales, secundarios, sin importancia: escenas urbanas, de la vida cotidiana, interior de cafés, bulevares de Paris, regatas, carreras de caballos y bailarinas, que muestran su gusto por el movimiento.

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Nacimiento del Impresionismo. 1874

Un grupo de pintores, cansados de ser excluidos del Arte Oficial, decidieron realiza una exposicion fuera del conservador Salón de Paris, la que tuvo lugar en la casa del fotógrafo Nadar, en el Boulevar des Capucines, París. En ella, expusieron artistas como Renoir, Pisarro; Sisley, Cézanne y Monet, donde a este último se le debe el nombre de este movimiento, ya que debido a una crítica de una de sus obras, “sol naciente”, el crítico Louis Leroy dijo” ¿impresión? Ya lo decia yo. Puesto que estoy tan impresionado, es que hay impresión...y ¡qué libertad, qué maestría de técnica!

Comienza la etapa impresionista en la pinturas de Cezanne 1872 - 1873 Cezanne entra en contacto con el impresionismo, aunque pronto abando na esta corriente para construir una obra más personal.

El tratamiento que da a los desnudos en un paisaje es completamente distinto al de los maestros de siglos precedentes como Tiziano o Poussin.

Renoir: un estilo caracteristicos 1876

Las composiciones eran espontáneas, con puntos de vista fotográficos; utilizaban encuadres originales, que cortaban los cuerpos de forma parcial. Sus cuadros no tenían carga política ni social, los impresionistas eran artistas bohemios que vivían en barrios como Montmartre.

caract pintura impresionista 1875

Gustaban de los colores claros, luminosos y brillantes, no los mezclaban sino que yuxtaponían pinceladas de colores puros (cuadros con colores vibrantes). Siguiendo las leyes ópticas de «contrastes simultáneos» de Chevreul; aplicaban colores primarios o secundarios directamente sobre el lienzo y era el ojo del espectador el que recomponía los colores.

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Las pinceladas sueltas, donde todos los impresionistas coinciden en utilizar toques yuxtapuestos de colores claros, con poca materia y pinceladas finas; Los pintores huyen de los talleres y comienzan a pinatr al aire libre; El contacto directo con lanaturaleza, donde se retrata el ambiente visto por el ojo del artista; Las temáticas son variadas, donde los artistas pintan retratos, paisajes, escenas de la vida cotidiana

Exposiciones Impresionistas. 1876 - 1886

Tras la primera exposición, los impresionistas reunieron sus obras en siete ocasiones más a lo largo de 10 años

Historia del Diseño

WILLIAM MORRIS (1834 – 1896)

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ue un artesano, diseñador, impresor, poeta, escritor, activista político.

Diseñador inglés que impulsó la formación del movimiento Arts & Crafts. Pintor de la escuela de los prerrafaelistas y neorromántico. Se preocupó en preservar las artes y oficios medievales detestando la producción en masa. Su ideología estuvo muy influenciada por Ruskin. Contribuyó al desarrollo del Art Nouveau. Sus principios tuvieron fuerte influencia en la Bauhaus.

William Morris nació en 1834 en Walthamsow (Inglaterra), (Essex, Inglaterra). Hijo de un adinerado hombre de negocios.

Empezó a estudiar en 1848 en el Marlborough College y posteriormente en el Exeter College de Oxford donde estudia arquitectura, arte y religión. A partir de 1856 trabajó como aprendiz de arquitecto durante un corto periodo, en la firma G.E. Street y en los años siguientes se conviertió en pintor profesional (de 1857 a 62). En esta época conoció al crítico John Ruskin, que tendría una gran influencia, y también a su futura esposa, Jane Burden (de clase obrera, pelo cobrizo y piel pálida).

Junto a su amigo el pintor Dante Gabriel Rosetti fundó la Oxford and Cambridge Magazine. Se interesó mucho por la literatura greco-latina y medieval, y tradujo obras como “La Eneida” o “La Odisea”.

Colaboró políticamente en actividades propagandísticas de la Liga Socialista. En 1883 fundó la Federación Socialdemócrata y más tarde organizó la Liga Socialista.

Fundó la empresa Morris, Marshal, Faulkner and Co. en 1861, esta producía muebles, papelería, alfombras, tapicerías, objetos, etc. manufacturados y de gran calidad que atrajo a gente de todo el mundo.

En 1875 la compañía pasa a ser propiedad solo de Morris, llamándose Morris and Co. Fundó la Kellmscot Press. Los dibujos de los libros de Morris se inspiraban en textos medievales, aunque la tipografía y los motivos florales, muy actuales, fueron obra del propio Morris. Morris diseñó para la Kellmscot press bloques para la prensa, (iniciales, bordes, marcos, portadas, etc.).

“El verdadero secreto de la felicidad está en tomar un interés genuino en todos los detalles de la vida cotidiana.”

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Arts & Crafts A partir de 1856 trabajó como aprendiz de arquitecto durante un corto periodo, en la firma G.E. Street y en los años siguientes se convirtió en pintor profesional.

En esta época conoció al crítico John Ruskin, que tendría una gran influencia, y también a su futura esposa, Jane Burden Junto a su amigo el pintor Dante Gabriel Rosetti fundó la Oxford and Cambridge Magazine. Se interesó mucho por la literatura greco-latina y medieval, y tradujo obras como “La Eneida” o “La Odisea”.

Fundó la empresa Morris, Marshal, Faulkner and Co. en 1861, esta producía muebles, papelería, alfombras, tapicerías, objetos, etc. manufacturados y de gran calidad que atrajo a gente de todo el mundo. En 1875 la compañía pasa a ser propiedad solo de Morris, llamándose Morris and Co Fundó la Kellmscot Press. Los dibujos de los libros de Morris se inspiraban en textos medievales, aunque la tipografía y los motivos florales, muy actuales, fueron obra del propio Morris. Morris diseñó para la Kellmscot press bloques para la prensa.

Decía que el arte debía responder a las necesidades de la sociedad y que no debía hacerse distinción entre las bellas artes y la artesanía utilitaria. Estaba de acuerdo con la racionalización en el diseño. También defendía principios más vanguardistas como que la arquitectura y el arte debían responder a las necesidades e influencias del mundo industrial moderno y que un buen diseño debía ser agradable en lo estético y satisfactorio en lo técnico. Por lo tanto, además de las clases de escultura, pintura y arquitectura, se impartían clases de artesanía, tipografía y diseño industrial y comercial.

Morris murió en la casa Kelmscott el 3 de octubre de 1896. Sus diseño e ideas son un legado invaluable en la historia del desarrollo del diseño gráfico, industrial y del arte.

Retórica

Anthony Goldschmidt A

nthony Goldschmidt (Nueva York, 1942). Influyente diseñador gráfico creador de memorables carteles y pósters para grandes producciones cinematográficas de Hollywood: Sillas de montar calientes (Mel Brooks, 1974), E.T. el extraterrestre (Steven Spielberg, 1982), El color púrpura (Steven Spielberg, 1985),Thelma & Louise (Ridley Scott, 1991).

Después de asistir a escuelas de Suiza y Massachusetts, se lincenció con honores en Bellas Artes en la Universidad de Washington, St Louis (Misuri, Estados Unidos), continuó sus estudios en la Universidad Ya le (New Haven), donde realizó un Programa Master de Diseño Bauhaus.

Su andadura profesional empezó con su incorporación como director de arte en J.Walter Thompson (Nueva York), posteriormente se mudaría a California para recalar en Warner Bros Entertainment.

Anthony Goldschmidt, ha trabajado para películas como El jovencito Frankenstein, Gremlins, Rain Man, Beowulf, 300, Charlie y la fábrica de chocolate, El código Da Vinci, Ángeles y Demonios, Apollo 13, The Princess Bride, Showgirls, El cuervo, Twister, Sexo en Nueva York y la serie de películas de Christian Bale, Batman, El Caballero Oscuro. Fue uno de los cartelistas preferidos por directores como Steven Spilberg y Ridley Scott.

Goldschmidt fue nominado a los Premios Emmy de 1976 por su excelente trabajo de diseño gráfico y secuencias de crédito en Eleanor and Franklin (1976). Además también fue galardonado con 10 Art Directors Club de Los Ángeles, 6 Graphic Gold Awards, 9 CLIO Awards y 26 Golden Trailer Awards.

En 1999, The Hollywood reporter le concede un premio como reconocimiento a toda su trayectoria.

Key Art Awards THR’s reconoce anualmente la mejor publicidad de entretenimiento.

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El caballero de la noche. (2008) Una de las grandes películas taquilleras, el poster se encuentra en formato vertical, captura los tonos siniestros del Joker usando tonalidades frias como el color negro, rojo y un degradado de negro y blanco que se encuentra en la pared , la tipografía es palo seco, recta de color blanco, hace una alusión a uno de los personaje importantes ya que en esta secuela es un nuevo enemigo (guason) logrando lo con los circulos en color negro que simulan ojos y el símbolo de batman en color rojo produciendo una boca, a la vez plantea un oximoron ya que el poster represente a los dos personajes dando una contrariedad que juntando los crean una idea mayor, que para el receptor es entendible.

ANTZ Una película animada en donde narra una paradoja de hormigas, en el poster de formato vertical con fondo color blanco se encuentra una lupa de lado derecho hiperbolizando a la hormiga quien carga la ultima letra del nombre de la película de colores negro y amarillo, también se muestra la utilización de sinécdoque ya que esta la hormiga que es el personaje principal representando el todo de la película.

Se7en El poster se encuentra en formato vertical, maneja colores amarillo en el fondo de acuerdo a la temática de la película. Este diseño de poster muestra la combinación de fotografía, tipografía y diseño para producir una ejecución llamativa. Siniestra y espeluznante, logrando una acumulación de fotografías con escenas de la película en donde la progresion es la forma en que estan acomodadas mostrando un 7 que es el numero de la secuela de forma gradual ,el cartel captura el espíritu de la película en general.

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Fotografía

Sección Fotográfica

Helados L

a sección fotográfica consiste en crear imágenes de alguna temática con diferente composición, atmósfera y dirigida para algún publico en general. Cuando se trata de fotografía de alimentos, especialmente de postres, la fórmula de iluminación más extendida y efectiva es una luz principal lateral y ligeramente trasera o viceversa (trasera, contraluz, pero ligeramente ladeada), aunque por supuesto hay muchas más maneras. Además si contamos con una buena ventana luminosa en nuestra casa, no necesitaremos mucho más ya que será suficientemente grande para que no genere sombras demasiado duras. Lo ideal es un día nublado o luz indirecta (como la que viene de un patio de luces, pero ¡ojo con el fondo de nuestra foto!). Si entrase luz del sol directa, siempre podemos tamizarla con unas cortinas traslúcidas, una sábana fina o papel vegetal.

Esta sección fotográfica se realizo con la intensión de promocionar helado tiene como objetivo mostrar la realización del proceso, empezamos bocetando cada una de las tomas que se realizarían incluyendo todo los elementos o adornos que acompañarían el helado de acuerdo al color o al sabor que se trata de dar, el paso siguiente es la preparación, para una sección de alimentos o bebidas se necesita de trucos para que esto sea funcional en el caso de helado se puede ocupar manteca vegetal o pure de papa esto hace que el producto sea durable y no pierde la frescura , el sabor o color se obtiene mezclando colorante vegetal .una vez teniendo el producto , se elige un fondo ya sea ciclorama o horizontal de un color adecuado o que contraste con el color, se crea una atmósfera.

Se hace una prueba de luz normalmente en primer plano para checar el diafragma o la velocidad y a si tener una toma perfecta, la lamparas regularmente se colocan de lado lateral a a 90º o 45ª , para obtener una mejor iluminación ocupamos placas de corchos esto hace que la luz rebote y tengamos zonas iluminadas, en el momento de capturar las tomas se juega con diferentes ángulos para obtener la imagen que se estaba deseando.

Des pues de seleccionar la fotografía adecuada se crea una etiqueta para a si promocionar el producto, con la tipografía adecuada y colores de acuerdo al funcionamiento de este.

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