DIE Hamburger Galerien 11

NR 11 | WINTER 2014

GUDBERG NERGER

Shanghai / Hamburg

PUBLIC SI GNS, VISU AL COMMU NICATION. designxport 14. – 29.11.2014

Ausstellung mit AVOID RED ARROWS • CHEN RONG CHEN TAO • GUDBERG NERGER • I LIKE BIRDS • PAN JIANFENG Hongkongstraße 8 • HafenCity Hamburg • www.designxport.de Präsentiert im Rahmen von CHINA TIME HAMBURG 2014. Gefördert durch die Freie und Hansestadt Hamburg, Kulturbehörde.

INHALT

Liebe Leserinnen und Leser, wir freuen uns, Ihnen die nächste gemeinsame Ausgabe von „Die Hamburger Galerien“ und „gallerytalk.net“ – dem Onlinemagazin für zeitgenössische Kunst – präsentieren zu können. Zusätzlich zu aktuellen Ausstellungsinformationen der Hamburger Galerien erhalten Sie eine redaktionelle Berichterstattung. Nachdem wir uns im letzten Heft redaktionell Kunst und Öffentlichkeit gewidmet haben, stoßen wir in dieser Ausgabe immer wieder auf die in vielen Facetten diskutierte Frage „Was kostet Kunst?“. Verschiedene Ausstellungsformate, künstlerische Genres und Kunstmarktanekdoten sind Anknüpfungspunkte dieser Fragestellung, doch geht aus unserer Sicht damit auch die Frage „was wollen wir uns Kunst kosten lassen?“ einher. Neben einem subjektiven Wertbegriff geht es dabei insbesondere um die kollektive Rezeption und die gesellschaftliche Bereitschaft der Kostenübernahme. Einige Gedanken haben wir dazu für Sie in diesem Heft zusammengetragen.

Viel Freude beim Lesen wünschen, Jan Müller-Wiefel GUDBERG NERGER

Justus Duhnkrack gallerytalk.net

A K T U E LLE AU S S T E LLU N G E N WI N T E R 2 014 GALERIE MAGNUS P. GERDSEN GALERIE NANNA PREUSSNERS RENATE KAMMER GALERIE BORSSENANGER EVELYN DREWES | GALERIE GALERIE JENS GOETHEL SCORPION GALERIE GALERIE HENGEVOSS-DÜRKOP ROBERT MORAT GALERIE OZM ART SPACE GALLERY

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Titel: mittenimwald, OZM Art Space Gallery

S TO R I E S BY GA LLE RY TALK . N E T REVIEW P/ART WIR MÜSSEN REDEN / ULRIKE PAUL SALONDERGEGENWART KUNSTMARKT / JEFF KOONS QUERSCHNITT HAMBURG KÜNSTLERGESPRÄCH MIT VERA KOCHUBEY BUCHREZENSION DAIM KUNST IM ÖFFENTLICHEN RAUM BERLIN AUSFLUG BEOBACHTUNG / GLENN GEFFKEN

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Impressum Dieses Magazin erscheint im Verlag der GUDBERG NERGER GmbH | Herausgeber & Gestaltung: Jan Müller-Wiefel | www.gudbergnerger.com | Poolstrasse 8, 20355 Hamburg | Auflage: 8.000 Exemplare, erhältlich an kunstaffinen Ecken | Vertrieb: Cartel X Promotion GmbH & Co.KG, www.cartelx.de | erscheint 3 mal im Jahr www.diegalerien.de

4 | AUSSTELLUNG „GERDSEN CONTEMPORARY“ – KÜNSTLER DER AFFORDABLE ART FAI: NOVEMBER 2014 Nikola Dimitrov, Klaus Fussmann, Rasmus Hirthe, Thomas Kaiser, Kai Quedens, Heinz Rolfes

NIKOLA DIMITROV // „KlangRaum V“, 2013, Pigmente, Bindemittel, Lösungsmittel auf Leinwand, 140 x 140 cm

CHRISTOPH BÖLLINGER // „Kinetische Plastik“, 1989, Kupfer, ca. 37 x 38 x 10 cm

GALERIE MAGNUS P. GERDSEN Mittelweg 152, 20148 Hamburg, 040/277389, www.galerie-gerdsen.de Di - Fr 11:00 - 18:30, Sa 11:00 - 14:00, u.n.V.

THOMAS KAISER // „modulation l+m·i+i“, 2013, Acryl auf Leinwand, 50 x 50 cm

KAI QUEDENS // „ruad swark (Rote Wolke)“, 2014, Eitempera auf Leinwand, 100 x 120 cm

6 | AUSSTELLUNG IAN MCKEEVER – PAINTED PANELS, 2012 - 2014: NOCH BIS 29. NOVEMBER 2014

AUSSTELLUNG NICHOLAS BODDE – FARBENSPIEL: 5. DEZEMBER 2014 - 24. JANUAR 2015 Vernissage am 5. Dezember um 18:00 Uhr

IAN MCKEEVER // Hours of Darkness, Hours of Light, 2014 Öl und Acryl auf Leinwand und Holz, je 45 x 33 cm Foto: Stephan Brendgen

GALERIE NANNA PREUSSNERS im Galeriehaus Hamburg, Klosterwall 13, 20095 Hamburg, 040/32967671, www.nannapreussners.de Di - Fr 13:00 - 19:00, Sa 12:00 - 16:00, u.n.V.

NICHOLAS BODDE // o.T., 2013 ﾃ僕 und Acryl auf Aluminium, 100 x 167 cm

NICHOLAS BODDE // o.T., 2014 ﾃ僕 und Acryl auf Aluminium, 140 x 60 cm

8 | AUSSTELLUNG – ENTWÜRFE, SKIZZEN, PARTITUREN: ZEICHNUNGEN: 14. DEZEMBER 2014 - 30. JANUAR 2015

BERNHARD JOHANNES BLUME // „Wahlindianer“, 1980, Kreide auf Papier, 29,5 x 21 cm, signiert, datiert und bezeichnet

FRANZ ERHARD WALTHER // o.T., 1994, Bleistift und Tempera auf Karton, 61 x 43 cm, signiert und datiert SIGMAR POLKE // o.T., 1981, Kugelschreiber und Marker auf liniertem Papier mit Stempel der HfbK Hamburg, 29,5 x 21 cm

K.P. BREHMER // „Machtpotentiale 2“, Japan/W-Deutschland, Mischtechnik, 42 x 59,5 cm

JOSEPH BEUYS // „Thermo-chemische Kreisprozesse“, ~1970, Partitur auf Schreibheftblatt, Bleistift und Stempel (Hauptstrom), 20 x 14,5 cm, signiert und datiert

RENATE KAMMER Münzplatz 11, 20097 Hamburg, 040/232651, www.galerierenatekammer.de Di - Fr 12:00 - 18:00, Sa 11:00 - 15:00

RICHARD TUTTLE // o.T., 1971, Mischtechnik auf Papier, 28,3 x 18,5 cm, rückseitig signiert und datiert

STEPHAN VON HUENE // „D/S“ 1988-16, Bleistift auf Papier, 29,5 x 20,7 cm

HANNE DARBOVEN // „22.2./23.2.1982, Liebe paula - gut - dein Anruf “, 1982, Schwarzer Filzstift auf Notenpapier, 29,7 x 21 cm, signiert und datiert

STEPHAN VON HUENE // „FRENK“, D 1964-68, Bleistift auf Papier, 27,9 x 21,6 cm

TOMAS SCHMIT // „NICHT WEIT/WEIT“, 1970, Filzstift und Buntstift auf Karton, 22,5 x 31 cm, signiert, datiert und bezeichnet

10 | AUSSTELLUNG JOHANNES ULRICH KUBIAK – „FLECHTEN“: 22. NOVEMBER 2014 - 16. JANUAR 2015 Eröffnung am 22. November um 19:00 Uhr

J. U. KUBIAK // Mehrung, 2014, Aquarell, 140 x 101 cm

GALERIE BORSSENANGER Blankeneser LandstraĂ&#x;e 83, 22587 Hamburg, 040/38675751, www.borssenanger.de Do - Sa 15:00 - 18:00, u.n.V., Galerieferien: 21. Dezember 2014 - 07. Januar 2015

J. U. KUBIAK // Einmischung, 2014, Aquarell, 55 x 137 cm

12 | AUSSTELLUNG MICHAEL PELTZER – „KINTOP“: 22. NOVEMBER 2014 - 31. JANUAR 2015 Vernissage am 21. November um 19:00 Uhr

LONELY STRANGERS // Triptychon, 200 x 80 cm, Acryl auf Nessel, 2014

EVELYN DREWES | GALERIE Burchardstrasse 14, 20095 Hamburg, 0151/11536222, www.evelyndrewes.de Mi - Fr 14:00 - 18:00, Sa 12:00 - 16:00, u.n.V.

14 | KÜNSTLER DER GALERIE

ULRICH JENNESSEN // „Chaos“, 2014, Piezo Pigment Print, 90 x 120 cm

ELENA KOZLOVA // „Unter dem Mikroskop“, 2013, Bleistift auf Leinwand, 150 x 120 cm

GALERIE JENS GOETHEL Showroom Hegestrasse 11 b, 20251 Hamburg, 0171/1721964, www.galeriejensgoethel.de nur nach Vereinbarung, auf der Affordable Art Fair Hamburg 2014: Stand E7

16 | GRUPPENAUSSTELLUNG „III SCORPIONNALE HAMBURG 2014“ MALEREI, SKULPTUR, FOTOGRAFIE: 31. OKTOBER - 30. DEZEMBER 2014

AUSSTELLUNG MARLONA DE BRAUX „REGEN-FENSTER“ FOTOGRAFIE: 31. DEZEMBER 2014 - 28. FEBRUAR 2015

MARLONA DE BRAUX // „Zaun-Fenster“, Fotografie, 100 cm x 70 cm, 2010

WOLFGANG KOPKOW // „Pentagon“, Bronze 5-teilig, Höhe ca. 35 cm, 2009

SCORPION GALERIE Lokstedter Steindamm 5, 22529 Hamburg, 0173/4579459, www.scorpion-galerie.de Di, Mi, Fr 15:00 - 18:00, u.n.V.

MARLONA DE BRAUX // „Regen-Fenster“, Fotografie, 70 cm x 100 cm, 2014

18 | AUSSTELLUNG „CHILL OUT!“: 19. NOVEMBER 2014 - 31. JANUAR 2015 Mit Arbeiten von Dirk Brömmel, Kyung-Hwa Choi-ahoi, Enfants Terribles, Barbara Petzold, Reiner Riedler, Jacqueline TaЇb

GALERIE HENGEVOSS-DÜRKOP im Galeriehaus Hamburg, Klosterwall 13, 20095 Hamburg, 040/30393382, www.hengevossduerkop.de Mi - Fr 14:00 - 19:00, Sa 12:00 - 15:00, u.n.V.

BARBARA PETZOLD // „these days“, Öl auf Nessel, 160 x180 cm, 2013

DIRK BRÖMMEL // „Lokomotiv“, 2013, A. P. : 170 x 23 cm, I / III, Mischtechnik, Pigmentdruck

salondergegenwa 21. bis 23. november 2014

... auch 2014 präsentiert salondergegenwart geschätzte sowie neue positionen der gegenwartsmalerei

groĂ&#x;e bleichen 34 I 20354 hamburg I www.salondergegenwart.de

art

mona ardeleanu jirĂ­ georg dokoupil hedwig eberle bernard frize lukas glinkowski lothar gĂśtz kerstin grimm philip grĂśzinger jochen hein rocco hettwer gregor hildebrandt julian hoffmann corinne von lebusa daecheon lee robert lucander frank maier dirk meinzer sebastian nebe sebastian neeb igor oleinikov franziska reinbothe sarah-lena rickert achim riethmann susanne roewer cameron rudd thomas scheibitz moritz schleime sebastian schrader junior toscanelli gavin tremlett robert vellekoop detlef waschkau

22 | AUSSTELLUNG BART MICHIELS | THE COURSE OF HISTORY & JOSHUA LUTZ | HESITATING BEAUTY: 8. NOVEMBER 2014 - 10. JANUAR 2015 Ausstellungserรถffnung am Freitag, den 7. November um 18:00 Uhr

BART MICHIELS

ROBERT MORAT GALERIE Kleine Reichenstr. 1, 20457 Hamburg, 040/32870890, www.robertmorat.de Di - Fr 12:00 - 18:00, Sa 12:00 - 16:00, u.n.V.

JOSHUA LUTZ

24 | AUSSTELLUNG MITTENIMWALD – „MUNDO DE LOS MUERTOS“: BIS 20. DEZEMBER 2014

AUSSTELLUNG „UP THE WALL“: BIS 20. DEZEMBER 2014 M it Darco F.B.I., Loomit, ArtOne, MIR, mittenimwald, Darko Caramello, Dirk Vorndamme, Oz, Simo, Quintessenz, Micheal Kiessling, Lady Wave, Low Bros, Danny Doom, Husni Lagot

MITTENIMWALD // „tiffy mouse“, Sprühlack, Acryl auf Holz, 50 x 70 cm, 2014

MITTENIMWALD // „holly – muertos“, Sprühlack, Acryl auf Holz, 50 x 70 cm, 2014

MITTENIMWALD // „jane the slut“, Sprühlack, Acryl auf Holz, 50 x 70 cm, 2014

MITTENIMWALD // „chelsea – muertos“, Sprühlack, Acryl auf Holz, 50 x 70 cm,2014

OZM ART SPACE GALLERY Bartelsstraße 65, 20357 Hamburg, 040/50719508, www.onezeromore.com Do 13:00 - 19:00, Sa 13:00 - 00:00, u.n.V.

MITTENIMWALD // „sophia 2000“, Sprühlack, Acryl auf Holz, 126 x 207 cm, 2014

26 | REVIEW

P/ART 14 D I E P/ART 14 WAR SO V I E LE S. AU S S T E LLU N G, FRE I R AUM , I D E E N L ABO R, KÜ N S T LE R AU S TAU SCH, PAR T Y, LE H RVE R A N S TA LT U N G, K I N D E RPAR AD I E S

Die P/ART 14 war dieses Jahr ein voller Erfolg und verdankt diesen vor allem drei heraus stechenden Faktoren: den Räumlichkeiten, dem innovativen Konzept und der Qualität der Ausstellung. Diese Faktoren bringen die Zielsetzung der P/ART-Schöpfer zum Vorschein und verkörpern eine konsequente Umsetzung der Idee, sich bewusst im Grenzbereich zwischen Ausstellung und Messe anzusiedeln.

Was fiel zuerst in den Blick, wenn man die P/ ART in Harburg besucht hat? Unweigerlich waren es die Phoenix-Fabrikhallen, die breit und klinkerfarben wie ein alter, müder Drache mitten in Harburg liegen. Das übrige Areal beherbergt den Nachfolger des traditionsreichen Gummiherstellers Phoenix.

Die Hallen stehen heute größtenteils leer und in einem der Nachbargebäude ist die renommierte Sammlung Falckenberg untergebracht.

Die insgesamt 4000 qm große Ausstellungsfläche erstreckte sich auf zwei Gebäude mit jeweils zwei Etagen, die durch Brückengänge miteinander verbunden waren. Die als Rundgang angelegte Gebäudearchitektur begann in der ersten Halle mit einer Landschaft aus Paletten und Metallpodesten. Darin zeigte sich das gelungene Bestreben, den Industriecharakter der Gebäude in die Messearchitektur aufzunehmen.

In diesem Raum fanden Symposien und Gespräche statt, um das Rahmenprogramm der P/ART in diesem Jahr vermehrt in den Vordergrund zu rücken. Beabsichtigt war, abseits der Ausstellungsflächen einen Einblick in Kunst und Künstler zu geben und den Diskurs zwischen Betrachter und Produzenten anzustoßen. Die übrige Ausstellungsarchitektur zeigte verschiedene Gesichter und schaffte den Spagat zwischen Industriecharme und White-Cube-Ausstellung: derbe Industriehallen, die durch museales Flair kontrastiert wurden. Jede der vier Hallen hatte ihren eigenen Charakter und bot neben unkonventionellen Ausstellungsräumen ein besonderes Erlebnis.

Die P/ART will aber vor allem eines sein: ein Raum für die Künstler. Die Veranstalter, ein buntes, zehnköpfiges Team, erklären den Ursprung der Idee: „Wir wollen KünstlerInnen unabhängig von Galerien eine Spielwiese schaffen, die immer den Bezug zum Kunstmarkt mitdenkt und gleichzeitig den Betrachter und Käufer von künstlerischen Arbeiten in inhaltliche und rezeptionsästhetische Fragestellungen miteinbezieht.“ Somit soll dem Konzept zufolge der Mittelsmann aus dem Kontakt zwischen Künstler und Betrachter oder Erwerber herausgenommen werden und die direkte Kommunikation ermöglicht

werden. Den Künstlern wird freie Hand darüber gewährt, wie sie sich präsentieren wollen und welche Werke letztlich gezeigt werden. Damit will die P/ ART einen offenen Rezeptionsprozess anstoßen, um so die Voraussetzungen zu schaffen, dass Kunst von jedem individuell wahrgenommen, verstanden und erlebt werden kann, ohne eine determinierte Perspektive vorzugeben.

Die Aufgabe der unabhängigen und bunt gemischten Jury ist es, nach ihrem Ermessen Künstler auszuwählen, die ihrer Bewerbung nach in das Konzept passen und dem Portfolio etwas hinzufügen, es ergänzen und spannender machen. Dieses Jahr bewarben sich über 600 Künstler – ein Zeichen dafür, dass die erste P/ART auch in Künstlerkreisen einen positiven Eindruck hinterlassen hat. Es steht die individuelle Handschrift und der Gesamteindruck eher im Vordergrund, als die Auswahl einzelner Werke für eine kuratierte Ausstellung.

Letztendlich reicht das Spektrum der P/ART von Malerei und Zeichnung über Skulpturen und Installationen, Video-Arbeiten bis hin zu Performances und Fotografie. Die Jury ist angehalten, eine Balance zwischen den verschiedenen Medien herzustellen und so eine abwechslungsreiche Zusammensetzung

der Messe zu ermöglichen. Dem Besucher bietet sich dadurch eine abwechslungsreiche Ansammlung an Arbeiten, die an einigen Stellen aufgrund der Menge an Werken fast zu Überforderung führt. Die teilweise starken Brüche von einer Wand zur nächsten erforderderten mitunter für den Betrachter eine kurze Verschnaufpause, jedoch kam dieser Flut an Eindrücken die Aufteilung der Räume zugute. Besonders die diesjährige Internationalität war bestechend, mehr Künstler aus dem Ausland folgten dem Ruf der P/ ART, das Vertrauen aus dem ersten Jahr hat sich bestätigt. Doch auch Künstler aus dem Vorjahr schafften die Aufnahme trotz einer anderen Juryzusammensetzung und bewiesen nachhaltig ihre Qualität.

Folglich profitiert auch der Kulturstandort Hamburg und stärkt die Attraktivität für junge Kreative, in die Hansestadt zu kommen. Doch gerade seitens der Stadt sieht das Organisatoren-Team etwas Aufholbedarf, um Nachhaltigkeit gewährleisten zu können: „Wir brauchen eine Stadtpolitik, die versteht, wie vielfältig internationale Kunstmessen und überregionales Publikum den Standort stärken können.“ Eine Neuerung der P/ART 14 war es, dass die Räume nicht nur allein von den Künstlern bevölkert wurden, sondern ein mehrköpfiges Team von Kommunikatoren den Besuch und Aufenthalt der Künstler so reibungslos wie möglich machte. So wurde der Verkauf vereinfacht und der anfängliche Kontakt zwischen Besucher und Künstler angestoßen und

gefördert. Die Idee ist es, dem Besucher den Kontakt zur Kunst zu erleichtern und mögliche Barrieren niederzureißen, um, ergänzt durch die Symposien und Künstlergespräche, einen natürlichen Austausch herzustellen.

Die P/ART 14 hat mit abwechslungsreicher Kunst überwältigt und die signifikante Professionalisierung zum letzten Jahr erfordert förmlich eine P/ART 15. Gerade in vielen kleinen Details kommt die Leidenschaft und Hingabe des Organisatoren-Teams zum Vorschein. Aus diesen vielen kleinen Teilen fügt sich eine Veranstaltung zusammen, die über die Funktion einer reinen Messe oder Ausstellung hinausgeht, in der es zwar in der Hauptsache um die Kunst geht, aber auch um die Personen hinter wie auch vor den Werken. Stillstand oder Routine sind dem Team der P/ART jedenfalls fremd: „Wir sind ein Kollektiv, das an einem Messeformat für KünstlerInnen arbeitet, das stets verformt und verändert werden kann und soll. Das ist für uns reizvoll – auf Ansprüche, Inhalte und Impulse zu reagieren, die ständig neu und anders auf uns einwirken.“ Reiner Allgeier

P/ART PRODUCERS ARTFAIR // Ausstellungsszenen, Fotos: Carina Lueschen

28 | WIR MÜSSEN REDEN & SALONDERGEGENWART

WIR MÜSSEN REDEN… ULRIKE PAUL 1. VO RS I T ZE N D E D E S NACH T S PE I CH E R 2 3 E.V, Ü B E R D I E F I NANZI E RU N G HA M B U RG E R O FF SPACE S Wie definierst du einen Off-Space?

Ein Off-Space versteht sich als Ort, in dem Raum für Experimente besteht. Für die Künstler ebenso wie für die Organisatoren. Das bedeutet nicht, dass nicht auch eher klassische Ausstellungen stattfinden können. Aber im Gegensatz zu einer auf Profit ausgerichteten Galerie ist hier Platz, auch einmal unkonventioneller zu arbeiten. Sei es, dass noch völlig unbekannte Künstler gezeigt werden oder ein Künstler einmal ein für ihn ganz neues Format ausprobiert oder eben auch der Veranstaltungsort ein neues Format für sich entwickelt, so wie es der nachtspeicher23 im nächsten Jahr umsetzt.

Wie stellt sich eure Finanzierungssituation dar?

Wir werden seit drei Jahren von der Kulturbehörde Hamburg gefördert. Das bildet den größten Anteil, reicht aber leider bei weitem nicht. Zudem zahlen alle aktiven Mitglieder einen Mitgliedsbeitrag und wir haben auch ein paar Fördermitglieder. Die Hauptaus-

gaben sind Raummiete und Nebenkosten. Dieses Jahr wurde vor allem durch Getränkesponsoring der Fortbestand des nachtspeicher23 gerettet, letztes Jahr gab es eine Benefizveranstaltung, bei der von den Künstlern gestiftete Arbeiten versteigert wurden. Das war toll und wir sind sehr dankbar für deren Engagement, aber darauf kann man, finde ich, als Ausstellungsort nicht permanent zurückgreifen – Künstler müssen ja sowieso ständig ihre Arbeit unentgeltlich zur Verfügung stellen und diese selber finanzieren.

Wie beeinflusst ein Finanzierungsengpass eure Arbeit?

Es fließt sehr viel Zeit und Energie in das Beschaffen von fehlenden Geldern und generiert auch Sorgen um unsere Zukunft, was Unruhe in unsere Arbeit bringt.

Zeit und Energie fehlt dann, um sich dem Programmangebot und auch dem Austausch mit den Künstlern und Besuchern anzunehmen. Man stößt viel schneller an seine Grenzen und einige aufwendigere

Projekte können nicht realisiert werden. Dieses Jahr hätten wir unter anderem sehr gerne eine stärkere Vernetzung mit den anderen Ausstellungsräumen St. Georgs vorangetrieben, mussten das aber leider hintenanstellen.

Was müsste perspektivisch passieren, damit Off-Spaces nicht permanent an der Grenze zum Existenzverlust stehen?

Es wäre toll, bei guter Arbeit eine ausreichende Förderung durch öffentliche Gelder zu bekommen, die eine Konzentration auf das Wesentliche ermöglicht und eine Weiterentwicklung des Programms fördert und nicht behindert.

Interview: Justus Duhnkrack

NACHTSPEICHER // Institutionsfoto, Foto: Oliver Tan

EIN SALON FÜR HAMBURG

SALONDERGEGENWART // Ausstellungsansicht 2013

I M G E S PR ÄCH M I T M ARGAR I TA U N D CH R I S T I A N H O LLE

Zum vierten Mal findet vom 21. - 23. November 2014 der salondergegenwart in Hamburg (Große Bleichen 34) statt. Weit mehr als nur eine weitere Ausstellung zeitgenössischer Malerei wollen die Initiatoren Margarita und Christian Holle bieten. Was ist das Ziel des Salons? „Der besondere Reiz eines Salons liegt früher wie heute darin, dass Menschen mit unterschiedlichen Ideen, Hintergründen und Ansichten zusammenkommen und sich in ihrem Denken so gegenseitig inspirieren. So treffen auch beim diesjährigen Salon wieder Newcomer und Zugpferde der zeitgenössischen Kunstszene auf ein breites Publikum. Im Vordergrund steht dabei der Austausch zwischen Besuchern und Künstlern. Wer will kann auch kaufen. Mit unserem Salon wollen wir Hamburg als Standort der Kunst-Präsentation stärken und das Interesse an Kunst wecken.“ Wen gibt es zu sehen? „Galerielose Künstler, teilweise sehr jung und an Hochschulen entdeckt, aber auch von Galerien vertretene Künstler mit großen Namen wie Jiri Georg Dokoupil, Bernard Frize, Gregor Hildebrandt, Robert Lucander und Thomas Scheibitz. Wir wollen eine bunte Mischung zeigen und nicht in Hamburg präsentierten Künstlern eine Plattform bieten.“ Und weil das gemeinnützige Vorhaben so großen Anklang findet, geht der als einmalige Veranstaltung geplante Salon nun schon in die vierte Runde. Vormerken!

Carolin Meier

SALONDERGEGENWART 2014 // ISBN: 978-3-943061-50-5 Verlag: GUDBERG NERGER, Herausgeber: Christian Holle, 24 x 29,5 cm, 80 Seiten, Hardcover, Leineneinband, veredelt, deutsch, EUR 21,90

30 | KUNSTMARKT

DIE AUSSTELLUNG IST DAS AUSGESTELLTE D I E J E FF KO O N S RE T ROSPE K T I VE I M WH I T N E Y MU SE UM

Vor seinem Umzug von der Upper Eastside in den Meatpacking District zeigt das Whitney Museum of American Art am alten Standort eine grosse Jeff Koons Retrospektive. Allerlei große, neue und imposante Exponate zeichnen sein bisheriges Künstler-Dasein chronologisch nach. Für einen Besucher, der sich über Koons bereits in der Hamburger Kunsthalle einen ausreichenden Überblick verschafft hat, wenig erfrischend – und doch war der Besuch im Whitney eine bereichernde Erfahrung. Allerdings liegt dies nicht an der sehr viel umfangreicheren Werkschau im Whitney, sondern am beflügelnden und zugleich beklemmenden Gelächter des dauerhaft omnipräsenten Kunstmarkts.

Es ist die New Yorker Brille, durch die man die Ausstellung betrachtet und den entscheidenden Unterschied zur Hamburger Ausstellung ausmacht. New York kostet. Immer und viel. Es ist normal, Gefallen mit Trinkgeld statt mit Dank zu belohnen. Hier zu überleben ist Kunst, kommerzielle Kunst. Niemand geht nach New York, um dort nur zu leben, sondern um es zu schaffen. Fake it, ’til you make it. Wer auf dem Weg zum Erfolg scheitert, muss die Stadt wieder verlassen. Vor diesem Hintergrund muss man auch die Ausstellung im Whitney sehen. So abgedroschen es klingt: in New York hat alles einen Preis, der den Dingen einen Wert verleiht. Treue wird mit Rabattkarten entlohnt, Dinge sind wertlos, wenn sie nicht in Geld aufzurechnen sind. Wert versus Marktpreis, wer ist bereit wie viel zu bezahlen?

Wenn wir ehrlich sind: Die Exponate sind irgendwie auch ästhetisch schön, aber gleichzeitig egal, es ist der kommerzielle Erfolg von Koons, der die meisten Besucher fasziniert. „From rags to riches“ leicht gemacht. Gewissermaßen hat Koons kunstwirtschaftlichen Erfolg als Kunst salonfähig gemacht.

Er hat weder ready-mades, noch knallige Farben erfunden. Koons selbst arbeitet ja auch nicht. Seine Ideen werden von seinem Team umgesetzt. Auch

wenn der von Koons zu großen Teilen selbst eingesprochene Audioguide etwas anderes vermitteln will: Die Werke bedeuten nicht viel, der Schaffensprozess spielt keine Rolle und mit einem klassischen gesellschaftskritischen Kunstbegriff haben seine Werke wenig gemein. Politisches Statement – Fehlanzeige.

Sie sind egal und größtenteils durch irgendein anderes knalliges, spiegelndes, großes Etwas austauschbar.

Statt darüber zu fabulieren, was es bedeutet, dass jedes blitzblanke Exponat den sich spiegelnden Ausstellungsbesuchern als Reflexionspunkt dient oder was uns Koons sagen will, wenn er einen von seinem Sohn geformten Klops aus Knetmasse originalgetreu aber sehr viel größer dupliziert (von seinem Team duplizieren lässt), ist es doch meist nur eine Fotovorlage für das nächste Smartphone-Selfie. Um der Ausstellung gerecht zu werden, muss man sie in der Nische zwischen den fulminanten Exponaten lesen: die Besucherzahl, die schiere Größe der Retrospektive in einem der weltweit renommiertesten Museen für moderne Kunst, in der wohl teuersten Wohngegend der Welt. Die Ausstellung selbst ist die Ausstellung (sic): Eine Retrospektive im Whitney wird zweifellos Koons Marktwert nach oben treiben. Durch die Retrospektive wird der Markt untrennbar mit der Kunst verbunden. Je höher der Preis eines Exponats, desto höher auch der künstlerische Wert. Kurz: Einem von Koons zum Kunstobjekt erhobenen Staubsauger wird ein bombastischer Rahmen gegeben und letzten Endes ist der Rahmen und nicht der Staubsauger das Beeindruckende.

Was bleibt von Koons im Whitney? Es geht nicht um die Werke oder darum, was sie bedeuten. Es geht um den Markt, der den Werken ihren monetären Wert gibt. In der Retrospektive ist also vor allem eines zu besichtigen: der Markt für moderne Kunst.

Dieses abstrakte Gebilde zwar nicht ausstellbar, aber doch erlebbar gemacht zu haben, ist das faszinierende an dieser Ausstellung im Whitney Museum. Der spit-

ze Aufschrei des Kunstmarkt-Gelächters hat darin aber noch nicht einmal seinen Höhepunkt gefunden.

Wenig verwunderlich, dass Lana Newstrom (ebenfalls in New York) noch einen draufsetzen konnte.

Sie emanzipiert sich noch weiter vom Gegenständlichen: „invisible art“. Hier lenkt einen die Künstlerin nicht einmal mehr mit großen knallig-spiegelnden Exponaten vom eigentlich Ausgestellten ab. Der Aufschrei der Massen ist nur ein Widerhall dessen, was wir schon kennen. Eigentlich schade, dass es sich nur um Satire handelt.

Sebastian Bresser

INSTALLATION VIEW OF JEFF KOONS // A Retrospective (Whitney Museum of American Art, New York, June 27–October 19, 2014). From left to right: Jeff Koons, Cat on a Clothesline (Aqua), 1994-2001; Balloon Dog (Yellow), 1994-2000; Boy with Pony, 19952008. © Jeff Koons. Photograph by Ronald Amstutz

INSTALLATION VIEW OF JEFF KOONS // A Retrospective (Whitney Museum of American Art, New York, June 27–October 19, 2014). From left to right: Jeff Koons, Moon (Light Pink), 1995-2000; Play-Doh, 1994-2014; Cake, 1995-97. © Jeff Koons. Photograph by Ronald Amstutz

32 | HAMBURG & KÜNSTLERGESPRÄCH

QUERSCHNITT HAMBURG Hamburg hat neben seiner Vielzahl an Galerien natürlich noch einiges mehr zum Entdecken. Das Elektrohaus verspricht am 9. November (16 – 20 Uhr) und 15. November (16 – 20 Uhr) Actiontime in der Ausstellung „Sick Dream Whip Cream“.

Laut und magentafarben wird es zur Eröffnung der Affordable Art Fair (13. – 16. November) in ganz Hamburg. Mit einem etwas internationaleren Galerie-Teilnehmerfeld und einzelnen Gesprächsrunden zu aktuellen Themen will sich das Messeformat in einigen Punkten neu aufstellen.

In dieser Ausgabe bereits vorgestellt, findet vom 21. November bis 23. November der salondergegenwart statt, der jüngere und etablierter Künstler in einer Ausstellung zusammenbringt.

Der Kunstverein Harburger Bahnhof, seit Sommer unter der kuratorischen Leitung von Anna Sabrina Schmid, eröffnet am 22. November eine Videoinstallation von Daniel Laufer unter dem Titel „Train of Thought“. Mit verschiedenen Filmtechniken verdichtet Laufer Gemaltes und Wirkliches, Fiktion und Realität zu einem neuen, filmischen Raum, der durch Text, Malerei und Musik ergänzt wird.

Der nachtspeicher23 wird in der Adventszeit – ja, sie steht vor der Tür – (Eröffnung 5. Dezember) unter dem Titel „INTROspektion“ die zehn ausstellenden Künstler des kommenden Jahres vorstellen.

Für das neue Jahr kann man sich schon ein weiteres Stadtgespräch (12. Januar) der Stadtkuratorin mit der Künstlerin Ricardo Basbaum im Kunsthaus vormerken.

UNTER DER OBERFLÄCHE BEGINNT DIE KONTROVERSE Ein Künstler ist in erster Linie der Kunst verschrieben. Auf die Frage, ob Kunst politisch sein sollte, muss die Antwort also lauten: Nein, aber sie kann. Die junge russische Künstlerin Vera Kochubey belebt ein klassisches Genre: das Portrait. Ihre Arbeiten dokumentieren Zeitgeschehen mit subjektivem Einschlag und Ausrufezeichen.

Was haben Putin und der Dalai Lama gemeinsam?

Allem voran sind sie beide Anführer. Beide haben

kenswert, dass sie medial omnipräsent war und die Öffentlichkeit das auch noch spiegelte. Ich fand das lächerlich. Mir schien es, als sei das nur eine weitere Rolle, die die junge Schauspielerin da unbedingt spielen musste.

Und hat sie die denn gut gespielt?

Ja! Und sie hat alles gut vorbereitet, aber am Ende war die Rede einfach zu oberflächlich und fade. Sie hat mich an diese sowjetischen Pioniere erinnert – wie sie mit roten Schals um die Hälse ihre politischen Parolen schreien, die Raserei in den Augen. Mit dieser Ironie habe ich Watson auch portraitiert, denke ich.

Ich kann dich total verstehen, ein bisschen Bauchschmerzen hat mir die Banalität Rede auch gemacht.

Ich bin sogar traurig. Es war mir völlig klar, dass dieses amerikanische Mädchen keins der wesentlichen Bücher wichtiger Feministen des 20. Jahrhunderts gelesen hat. Hätte sie das nämlich getan, hätte sie sich für ihre Rede schon mal kein Kleid im Stil von Marylin Monroe ausgesucht.

Mir scheinen deine Arbeiten auf eine sehr direkte und unverblümte Art politisch.

Auf eine persönliche, ja.

KÜ N S T LE RG E SPR ÄCH M I T VE R A KO CH U B E Y

Macht und Millionen von Anhängern. Sie sind charismatische Persönlichkeiten des politischen Zeitgeschehens.

die Spiritualität unserer Zeit. Alles ist, wie es ist – voller Kontroversen und Zweideutigkeiten. Das habe ich versucht, zu zeigen.

Wir haben uns das letzte Mal während der Messe Berliner Liste getroffen. Dort hast du Portraits von beiden nebeneinander gehängt. Der eine lächelt ein wenig, der andere blickt ein bisschen traurig drein, aber ein Kind könnte wohl nicht entscheiden, welcher der Bedrohliche ist.

Absicht?

Wenn ich derart berühmte Personen portraitiere, dann versuche ich, sie in einem Licht zu zeigen, das die Massen nicht gewohnt sind. Ich habe viel über Psychoanalyse und Philosophie gelernt – versteckte Aspekte einer Persönlichkeit habe ich immer im Hinterkopf.

Jetzt sind Portraits ja wirklich deine Spezialität – gerne von Menschen, die jeder kennt und mit deren Gesicht man nahezu täglich konfrontiert ist: Politiker eben oder Personen aus der Unterhaltungsindustrie wie Emma Watson. Was kann denn ein Portrait von ihnen leisten, was ein Foto nicht kann?

Bei meinen großformatigen Arbeiten dreht sich alles um die ganz Großen. Mich beschäftigen die Menschen, die zählen, die die Welt verändern und bewegen – Menschen von globaler Relevanz. Wenn ich ihre Gesichter auf eine eineinhalb Meter Leinwand male, dann hebe ich den speziellen Moment hervor, in dem die eine bestimmte Person besonders „groß“ war.

Du wählst also eine Perspektive, die oberflächlich nicht zu erkennen ist? Und jetzt hängen da Putin und der Dalai Lama nebeneinander.

Ich würde nicht sagen, dass ich die Portraits so gehängt habe, um einen Konflikt zu demonstrieren.

Obwohl der Dalai Lama den russischen Präsidenten ja vor nicht allzu langer Zeit öffentlich kritisiert hat.

Für mich repräsentieren die Portraits die Politik und

Watson macht sich gerade als UN-Sonderbotschafterin für die Gleichstellung von Männern und Frauen einen Namen. Auf Instagram hast du das Portrait von ihr mit dem Hashtag #feminism myass kommentiert.

Ich denke schon, dass Watsons Rede historisch bemerkenswert war. Sie war auf eine Weise bemer-

Welchen Unterschied, meinst du, macht es für einen Betrachter, ob er eine abgebildete Person wiedererkennt? Stellt das vielleicht sogar einen persönlicheren Bezug zu deiner Kunst her, weil sie einem gelegentlich vertraut vorkommt, auch wenn sie fremd ist?

Wenn ich an dem Bild einer anderen Person arbeite, nutze ich meine Empathie, um eins mit ihr zu werden, zu verschmelzen. Zwischen dem Künstler und dem, der gemalt wird, verschwimmen dann die Grenzen.

Der Betrachter hingegen projiziert Eigenes in meine Portraits hinein – man sieht sich quasi selbst im Bild des Anderen. Das Gesicht einer berühmten Person verstärkt diese Erfahrung wesentlich. Sie geschieht im Übrigen auch schneller. Durch Wiedererkennen lernen wir und wir verstehen eine Botschaft dann auch leichter, glaube ich. Es ist der „Aha!“-Effekt.

Du malst dich auch immer wieder selbst. Was fällt dir den leichter: ein fremdes Gesicht zu malen oder dein eigenes?

Mein eigenes Gesicht zu malen, ist überhaupt das Allerhärteste. Ich habe ein paar Selbstportraits gemacht und das war für mich das Schwierigste überhaupt.

Ich male Gesichter nicht aufgrund ihrer Schönheit oder um den Menschen dahinter zu schmeicheln.

Für gewöhnlich bin ich aufrichtig interessiert an der Geschichte einer Person. Geschichten von Liebe, Schmerz und Verlust – all diese prägen ein Gesicht.

Ohne Kommunikation sind sie schwer zu entdecken und hervorzubringen. Ich versuche eher, einen Charakter, eine Persönlichkeit oder eine Geschichte zu malen – nicht einfach ein Gesicht.

Interview: Anna Meinecke

34 | BUCHREZENSION & KUNST IM ÖFFENTLICHEN RAUM

KUNST AUS DER DOSE Mirko Reisser aka DAIM schafft einzigartige, spektakuläre Kunst, über die man nur staunen kann, und das schon seit nunmehr 25 Jahren.

Anlass genug, einem der wohl bedeutendsten deutschen Graffitikünstler unserer Zeit mit einer Werkschau in Form eines wunderbaren Buches Tribut zu zollen.

Neben Texten, Interviews und Hommagen an den einzigartigen Stil des Künstlers ist das Buch prall gefüllt mit 350 teilweise unveröffentlichten Werken DAIMs, die seinen Werdegang nachzeichnen. Abbildungen, die den Schaffensprozess des Künstlers dokumentieren, bieten einen Blick hinter die Kulissen. Ist das Buch aber auch etwas für einen Novizen der Graffitiszene, der weder selber mal eine Spraydose in der Hand hat, noch weiß, was „Pieces“ sind? Ja, absolut! Trotzdem eine kleine Einführung in die neue Straßenkunst gefällig? Die hat das Buch anhand der Werkschau zum Jubiläum Mirko Reissers zu bieten. Erste Erkenntnis: So neu ist die Straßenkunst gar nicht. Tatsächlich existiert sie in gewisser Weise schon seit der Steinzeit. Richtig bekannt wurde das Graffito (merke: Singular zu Graffiti) dann in den späten 1960er Jahren in Philadelphia und New York. Kreative Köpfe aus der Werbebranche fingen an, mit Typographie zu experimentieren, nach und nach entstanden die für das ungeübte Auge kaum zu entziffernden farbigen Schriftzüge. Besonders in der Jugendszene beliebt, bekannt für seine sozialen und politischen Statements und als Kunstform immer noch etwas umstritten, fand das Graffito den Weg auch auf unseren Kontinent.

DAIM ist in der Szene für seine einzigartige Handschrift und hohen technischen Fähigkeiten bekannt. Seine Tags sind höchst sorgfältig konstruiert, oft mit Hilfe von Bildbearbeitungsprogrammen, und bestechen durch ihre Dreidimensionalität und klassisch konstruierte Räumlichkeit. Neben Sprühfarbe für klassische Graffiti bezieht DAIM seit 2006 auch Tape als Material mit ein, auf das er sich zunehmend

N E U E S BU CH VO N M I RKO RE I S SE R [DA I M]

konzentriert. Seiner Aussage nach sei es die „perfekte Kombination zwischen den digitalen Vektorgrafiken (…) und der ‚händischen‘ Arbeit“ mit den Sprühdosen. Eigentlich logisch, dass sich DAIMs Arbeit nicht nur auf Flächen beschränkt: Mit Skulpturen entgeht er den Grenzen einer zweidimensionalen Wand. So existieren nicht nur zahlreiche DAIMs auf Leinwand oder Mauern, sondern auch in Styropor oder Holz.

Mühelos fügen diese sich in den urbanen Raum ein, sind andererseits weniger dynamisch als die Bilder.

Als Kompromiss entstehen auch Kombinationen von Skulptur und Bild wie in „Die Mauersprengung“ von 2006. Die Skulptur setzt das Graffiti auf einer Hamburger Ziegelmauer ins Plastische fort.

Ein ungewöhnliches und in der Szene seltenes Medium wählt DAIM mit der Veröffentlichung von Editionen. Die Möglichkeit, seinen Tag als Sammelobjekt zu erwerben, zeigt die Vielseitigkeit seines künstlerischen Schaffens, wenn seine Graffiti sich an einer Ziegelmauer genauso gut präsentieren wie sie im heimischen Wohnzimmer oder auf dem Cover eines iPads funktionieren. Ebenso hat es DAIM damit in den letzten 25 Jahren geschafft, den Weg von der Straße auf den internationalen Kunstmarkt zu finden. Das beweisen zahlreiche Auftragsarbeiten im öffentlichen Raum: Wandarbeiten auf der Art Cologne, in der Villa Merkel und für die Biennale in Venedig, um nur einige Beispiele zu nennen. Trotzdem ist er mit diesem Status immer noch eher die Ausnahme als die Regel, auch wenn der Straßenkunst keineswegs mehr wie früher das gleiche Dogma der Illegalität und der unzugänglichen Subkultur anhaftet. Trotzdem betont Mirko Reisser im Interview, dass die Sprühkunst auf dem Markt nur bedingt und nicht dauerhaft etabliert sei.

In anderen Kunstgattungen eine Nebensächlichkeit, steht die Signatur in der Graffitikunst im Mittelpunkt. Der Tag bleibt über die Jahre hinweg gleich, immer wieder DAIM, DAIM, DAIM in allen möglichen Variationen. Eben dieses gleichbleibende Element, das in so vielen verschiedenen Facetten dar-

gestellt wird, zwingt zu künstlerischer Veränderung, die das Buch wie im Zeitraffer begleitet. 1991 ging Reisser als 19-jähriger erstmals unter seinem heutigen Synonym auf die Straße. „Jeder Style, jeder Schriftzug ist ganz klar ein Selbstportrait. Meine Entwicklung als Mensch korrespondiert stark mit meiner Entwicklung als Künstler“, so Reisser selbst. Tags, die das ungeübte Auge schnell zu Kritzelei banalisiert oder aufgrund der Masse in U-Bahnhöfen und Gebäudefassaden schlichtweg übersieht, geben den Kundigen Aufschluss über die persönliche Handschrift der Künstler und über lokale und individuelle Einflüsse.

Kommunikation als Stichwort. Der Streetartist Cedar Lewisohn bringt es so auf den Punkt: „Der Graffito-Tag ist die Essenz einer Signatur, die als Inhalt fungiert“ und „glücklich zwischen Figuration und Abstraktion sitzt“.

Mirko Reisser wurde 1971 in Lüneburg geboren und fing 1989, mit siebzehn Jahren, an zu sprayen, nahm schon früh erste Auftragsarbeiten entgegen und war national und international tätig. Nachdem er schon lange in der Hamburger Graffiti-Szene bekannt war, nahm Reisser 1996 ein Studium der freien Kunst in Luzern auf, was ihm, der von Anfang an auch auf Leinwand gearbeitet hat, das Problem der Präsentation von Graffiti im Innenraum vor Augen führte. Folgerichtig rief er mit Kollegen 2000 die Ausstellungsreihe „Urban-Discipline“ ins Leben.

2004 gründete er sein eigenes Kleidungslabel DAIMartwear. Neben den zahlreichen Graffiti im urbanen Kontext ist Reisser in verschiedenen deutschen Kunstsammlungen vertreten, beispielsweise in der Sammlung des Altonaer Museum in Hamburg.

Ergänzt wird der bebilderte Werdegang Reissers durch deutsche und englische Texte der Autoren Rik Reinking, Johannes Stahl, Belinda Grace Gardner und Arne Rautenberg. Das Buch „Mirko Reisser [DAIM] 1989-2014“ ist diesen Oktober bei der Drago Media Kompany erschienen.

Eleonora Meinhardt

EINE STADT KURATIEREN Kunst geschieht oft vor unseren Augen. Dennoch rezipieren wir oft Kunst als solche nur im Kontext von Ausstellungen und Museen. Bevor man in eine Ausstellung geht, gibt es eine bewusste Entscheidung. Kunst im öffentlichen Raum dagegen hat einen gewissen Nötigungscharakter, weil man ihr nicht ausweichen kann. Sophie Goltz ist Hamburgs erste Stadtkuratorin. Bis November 2015 belebt sie das seit 1981 existierende Programm „Kunst im öffentlichen Raum“ neu. Ein Gespräch über Chancen und Perspektiven im öffentlichen Raum, globale Diskurse und ihre ersten Projekte in der Hansestadt.

Nach zahlreichen Stationen als Kuratorin und Kunstvermittlerin im In- und Ausland, zuletzt am Neuen Berliner Kunstverein (n.b.k.), wurden Sie Ende 2013 zur künstlerischen Leitung des Programms Kunst im öffentlichen Raum nach Hamburg berufen. Was ist Ihre Aufgabe als Stadtkuratorin Hamburgs?

Eine Stadtkuratorin trifft viele Künstlerinnen und Künstler und spricht mit ihnen zum Beispiel darüber, wie Menschen in der Stadt zusammen leben und arbeiten. Sie plant und organisiert die Projekte der Künstler und beschafft Geld dafür. Und sie analysiert, wie diese Kunstwerke auf die Stadt, auf ihre Menschen, ihre Architektur und ihre Kunst reagieren. Denn dabei können Probleme greifbar werden, für die wir heute vielleicht noch gar keine Begriffe und keine Lösungen haben. Das Konzept Kunst im öffentlichen Raum umfasst eine konkrete Auseinandersetzung mit städtischen Fragen aus Politik und Gesellschaft. Was meinen Leute, wenn sie heute von öffentlichem Raum sprechen? Wie organisiert der öffentliche Raum heute die Menschen und was ist daran problematisch?

Was sind Ihre Ansätze damit umzugehen, neue Ausstellungsformate?

Ja, neue Ausstellungsformate zum Beispiel, aber auch neue Einmischungen, Allianzen. Vielleicht muss man aber auch erkennen, dass es gar nicht mehr geht, dass Kunst ihre kritischen Kapazitäten in einem solchen Programm entfalten kann. Dass sich neue Kunstformen zeigen, die sich so nicht mehr als Kunst im öffentlichen Raum definieren lassen und wo es den kuratorischen Auftrag dann auch so nicht mehr gibt.

Wenn Sie von dem Projekt als Forschungsvorhaben sprechen, was ist die zentrale Forschungsfrage?

Der öffentliche Raum war nie nur ein öffentlicher Raum, sondern immer schon durch soziale, regierungstechnische und kulturelle Grenzen definiert.

künstlern und anderen, die ihre Arbeit nicht mehr auf den Markt ausrichten, die sich in Opposition zu dessen Logik sehen, und deren künstlerische Formsprache diese Opposition auch klar artikuliert.

Austausch, Vernetzung und Diskurs sind wichtige Instrumente in ihrem Projekt. Haben Sie dabei unter anderem auch die Frage nach der kulturellen Attraktivität Hamburgs im Kopf?

Nein, eher eine Relevanzfrage. Wo, wie und warum wird Kunst heute relevant? Wie verknüpft sich das, was politisch und kulturell beispielsweise in Italien passiert, mit Deutschland? Mit dem Podium „Provincializing Hamburg“ auf unserem Symposium wollten wir provozieren. Der Titel bezieht sich auf ein Buch des postkolonialen Theoretikers Dipesh Chakrabarty. Er kritisiert darin die systematische Blindheit unserer politischen Sprache für nicht-westliche Realitäten. Diese Kritik lässt sich auch auf den Kunstbegriff beziehen. Welche unerkannten und uneingestandenen Ausschlüsse hat uns die westliche Moderne hinterlassen? Darauf hat man in ganz Europa noch keine Antworten gefunden, eher versucht man sich abzuschirmen und neue Grenzen einzuziehen, im Innern und nach außen. Das wird auf Dauer nicht gut gehen.

STADTKURATORIN SOPHIE GOLTZ // Foto: Frank Egel Heute steht die Frage im Vordergrund: Wie geht Hamburg, das sich als „Tor zur Welt“ sieht, mit einer global veränderten Perspektive um, mit Konflikten einer hierarchischen Weltgesellschaft, die auch und gerade hier durchschlagen? Die Frage ist, wie sich Hamburg dieser Verantwortung stellt. Die Frage ist, welche Öffentlichkeit diese Stadt herstellt und anerkennt.

Dieser Auseinandersetzung haben Sie sich in ihrem bisherigen Programm vor allem im Rahmen von Diskussionen und Symposien gewidmet, welche Hauptthese wurde dabei erarbeitet?

In bestimmten Kulturen wird Kunst anders in den Alltag integriert, als wir es aus westlichen Gesellschaften kennen. Diese Gesellschaften stecken wieder einmal in einer Krise – und damit auch ihr Kunstbegriff. Das zeigt sich auch im Kunstmarkt. Ich glaube, es gibt eine zunehmende Spaltung zwischen Markt-

Diesem globalen Narrativ wird durch die Symposien und geplanten Kooperationen Rechnung getragen. Aber findet Vernetzung auch hier vor Ort statt?

Ja. Es erwartet uns in Hamburg auf jeden Fall Performance-Kunst. Die Urban Performance ist durch die Protestkultur des letzten Jahrzehnts zur eigenen Form geworden. Auch geht es uns um eine Verdichtung von Aktivitäten, die aus der Stadt heraus Wirkung zeigen sollen. Vor allem sollen Orte abseits der klassischen und schon sehr bekannten Institutionen in den Blick der Öffentlichkeit kommen. Der digitale Raum wird auch eine große Rolle spielen. Das ist schließlich der „öffentliche Raum“, in dem wir am meisten über unser Leben kommunizieren, wo wir unsere Identität erproben und zu verteidigen versuchen. Und da sind wir auch gerade dabei, das zu entwickeln. Zum Beispiel Kommunikationsplattformen und künstlerische Dokumentationen, die dann in einem eigenen digitalen Format zugänglich sein werden – auch hier geht es uns um Fragen von Zugang und Ausschluss.

Im Dezember 2015 soll ihr Engagement als Stadtkuratorin auslaufen. Was erhoffen Sie sich dann rückblickend von dem Projekt?

Wir wollen und können Hamburg nicht revolutionieren. Aber wir können schon eine Plattform herstellen, die die Probleme des Programms Kunst im öffentlichen Raum als gesellschaftliche Probleme erkennbar macht. Ein Teilerfolg wäre die Fortführung des Projektes. Das Modell könnte in Hamburg da stehen, wo andere Städte sonst Biennalen haben.

Interview: Carolin Meier

36 | BERLIN & BEOBACHTUNG

BERLIN AUSFLUG

Der Berliner November steht im Zeichen der großen Galerien. Mit Shows bei neugerriemschneider, Johannn König oder Sprüth Magers startet der Haupstadt-Kunstherbst in die nächste Runde. Wie gewohnt konzentrieren sich die Eröffnungshighlights auf bestimmte Wochenenden. Diesmal lohnt sich ein Ausstellungsspaziergang besonders am 7./8. und am 14./15. November.

© AI WEIWEI // courtesy the artist and neugerriemschneider, Berlin.

Foto: Jens Ziehe, Berlin

Den Auftakt ins erste Eröffnungscluster könnte etwa ein Ausflug nach Friedrichshain darstellen: Etwas abseits vom Mitte-Kreuzberg-Kunstzentrum haben sich hier Capitain Petzel in einem sozialistischen Glas-Prachtbau an der Karl-Marx-Allee niedergelassen. Unter dem Titel „Gastarbeiten“ zeigt die 2008 von Gisela Capitain und Friedrich Petzel eröffnete Galerie am Freitag, den 7. November abstrakte Fotografien des in L.A. ansässigen Briten Walead Beshty.

Gleich zwei Shows eröffnen am selben Tag etwas weiter westlich bei Johann König. 2002 gründete der Abkömmling der bekannten Kunstdynastie König in Berlin seine eigene Galerie, mittlerweile mit zwei Standpunkten: König stellt sowohl in einem alten Industriegebäude unweit des Martin-Gropius-Baus aus als auch im monumentalen 60er Jahre-Bau der ehemaligen Kirche St. Agnes in Kreuzberg. Am Freitag kann man in der Galerie Arbeiten von Jorinde Voigt und Jeremy Shaw bewundern. Während Voigt symbolträchtige zeichnerische Partituren und Notationen anfertigt, arbeitet Shaw unter anderem mit Kirlianfotografie, einer Technik, die mittels elektrischer Hochspannung bunte Auren um Alltagsgegenstände sichtbar macht.

Wer Anfang November verhindert ist, erhält ein Wochenende später noch einmal die Chance auf einen hochkarätigen Eröffnungsbummel, mit einer Auswahl von über zwei Dutzend Vernissagen. Diesmal bietet sich zum Beispiel ein Start in Mitte bei Sprüth Magers an. In Köln als Fusion der seit meh-

reren Dekaden international aktiven Galeristinnen Monika Sprüth und Philomene Magers gegründet, residiert die Galerie seit 2008 in Berlin. Konzeptkunst, Minimalismus, Feminismus und Fotografie hat sich das Doppelgespann auf die Fahnen geschrieben. Mittlerweile gibt es eine Sprüth Magers-Dependance in London und ab 2015 auch in Los Angeles. In den Berliner Räumlichkeiten in der Oranienburger Straße eröffnen am 14. November zwei Ausstellungen parallel: Robert Elfgen „I Wish my Pictures“ und Louise Lawler „No Drones“. Unter dem Titel „Arte Povera und ‚Multipli‘, Torino 1970-1975“ läuft dazu noch bis zum 17. Januar eine Gruppenausstellung zur Arte Povera.

Ebenfalls am Freitag eröffnet nicht weit entfernt in der Linienstraße die Hauptstadt-Institution neugerriemschneider – ebenfalls eine Kollaboration zweier Galeristen, Tim Neuger und Burkhard Riemschneider. Ausgehend von der mehrteiligen Arbeit „Frames“ aus leeren Rosenholz-Rahmen zeigte die Galerie von September bis Anfang November bereits ihre zweite Ausstellung von Arbeiten Ai Weiweis.

Die Mitte November eröffnende Nachfolgeshow präsentiert dagegen Werke des kubanisch-amerikanischen Künstlers Jorge Pardo, der in Berlin bereits an anderer markanter Stelle tätig war: Pardo stattete das Paul-Löbe-Haus des Bundestags mit seinen farbigen Kugellampen aus.

Ebenfalls in der Linienstraße, aber einige Hausnummern weiter westlich, zeigt die Galerie Neu

neo-konzeptuelle ready-mades des Pariser Künstlerkollektivs Claire Fontaine. „Fighting Gravity“ heißt die Show, die einen Tag später, am 15. November eröffnet.

Am ausstellungsintensiven Wochenende um den 14. November lohnt es sich jedoch nicht nur im alten Kunst-Epizentrum rund um die Auguststraße von Vernissage zu Vernissage zu schlendern, auch anderswo in der Stadt eröffnet alles, was Rang und Namen hat. So zeigt die aus Mitte abgewanderte Esther Schipper am Schöneberger Ufer nahe der Neuen Nationalgalerie den französischen Künstler und Filmemacher Philippe Parreno. Bei VeneKlasen/ Werner in der Rudi-Dutschke-Straße im Grenzbereich Kreuzberg/Mitte präsentiert man unter dem Titel „Deserto-Modelo“ Arbeiten des brasilianischen Künstlers Lucas Arruda, während die Galerie Nordenhake nicht weit entfernt in der Kreuzberger Lindenstraße die farbintensiven, minimalistischen Arbeiten der Schwedin Ann Edholm ausstellt.

Den Abschluss des spätherbstlichen Ausstellungsrundgangs könnte abseits der Galerienlandschaft ein Besuch im Schinkel Pavillon bilden. Im exzentrischen DDR-Gebäude in der Oberwallstraße nahe Unter den Linden wird ebenfalls Philippe Parreno ausgestellt. „How Can We Tell The Dancers From The Dance“, ist der Titel der Präsentation, die am Freitag im Garten des Kronprinzenpalais Eröffnung feiert.

Martina John

BEOBACHTUNG WA S B LE I BT, I S T D I E E N T TÄU SCH U N G: G E FFK E N U N D D I E G L AT T E N B I LD E R

Das zärtliche Streicheln von ebenen Oberflächen wird gemeinhin als ein Symptom unserer Gegenwart betrachtet. Die Faszination für die glatte, vollkommene Fassade, die sich besonders in unserem Umgang mit mobilen Kommunikationsgeräten offenbart, dient dem Kulturphilosophen und Professor der UdK Berlin Byung-Chul Han im Zuge der Veröffentlichung seines neuen Buches „Psychopolitik“ dazu, das Glatte als ein Charakteristikum unserer Zeit zu markieren. Doch nicht nur in unserem Umgang mit Technik sieht Han dieses reflektiert – auch die Liebe, Politik und Kunst schließt er in seine Gegenwartsdiagnose mit ein: Die Scheu vor „Kratzern“, vor Verletzungen, vor dem Bruch und der Ambivalenz macht nach Han den Weg frei für eine neue Art der Gefälligkeit und Harmlosigkeit. Nichts darf mehr wirklich weh tun, wir dümpeln lieber an der hübschen Oberfläche, als die Konfrontation zu suchen.

In seinen kulturpessimistischen Ausführungen liefert Han damit auch die Beschreibung dessen, was schon lange vor ihm als ein bestimmendes Merkmal des kulturellen Feldes der Postmoderne herausgearbeitet wurde. So diagnostiziert Martin Kurthen in seinem Aufsatz „Lob der Oberfläche“: „Statt Verdrängung, Kontrast, Dialektik findet man nur noch sich potenzierende Oberflächen: Der Teich des Unbewußten ist einfach ausgetrocknet.“ Insbesondere ist es die Arena des Ästhetischen, die für die postmoderne Beweisführung eines Sieges der Außenseite herhalten muss: Auf dem Feld der bildenden Kunst wird Andy Warhol als Gründungsfigur einer postmodernen Oberflächenasthetik gleichermaßen gefürchtet und gefeiert. Denn das, was seine Arbeiten aussagen, ist eben nur das, was der Betrachter erkennt: Sehen ist gleichermaßen Verstehen, kein verborgener Sinn hinter den Zeichen. Die Absage an die bravbürgerliche Suche nach der Botschaft geht mit einer Abkehr von dem Paradigma der Tiefe einher.

Begegnet man den Bildern von Glenn Geffken, die zuletzt auf der P/ART Producers Artfair in Hamburg zu sehen waren, sieht man sich mit planen, abstrakten Formen in unscheinbarer Farbgebung konfrontiert. Die Serie „Patch“, auch Disappointment Paintings genannt, umfasst sowohl digital gefertigte Bilder als auch damit in Beziehung gesetzte

Alltagsgegenstände. Sie zeigt eine gegenstandslose, fast monochrome Malerei, die nichts sein will – außer sie selbst. Beiläufig, lässig hingemalt scheinen sie, die Kringel, Kleckse und Pinselstriche, die niemals einen Pinsel gesehen haben. Als eine Reproduktion von Malerei, eine kaum befriedigende Kopie kommen sie daher – sofort werden Assoziationen zur „Appropriation Art“ wach. Und sogleich macht man sich auf die Suche: Was sind das da für Zeichen? Eine Wolke? Ist das eine Spielkarte, dort am Bildrand?

Und überhaupt, diese geometrischen Grundformen, ist das nicht eine Referenz auf …?

Doch je mehr man schaut, desto banaler kommen einem die Zeichen vor, die dort wie falsche Fährten auf dem Bildgrund verstreut liegen. Immer wieder wird man zurückgeworfen auf seine Ausgangsposition, diese Bilder möchten niemanden herein lassen. Neben ihrer digitalen Fertigung ist es das Schablonenhafte, das die letzte Illusion einer möglichen Aura zerstört – diese Bilder sind Hüllen ihrer selbst und kopieren sich dabei gegenseitig in einem inzestuösen Reigen der Selbstgenügsamkeit.

Mehr noch als ihre offensichtlichen abstrakten Vorbilder aus dem 20. Jahrhundert negieren sie nicht nur die inhaltliche Tiefe und verweisen auf ihre Form, sie machen die Form selbst unfruchtbar und steril, indem sie diese wie eine bloße Referenz, einen Link behandeln. Was der Betrachter vom Bilderstream des Internets gewöhnt ist, zeigt sich hier als Malerei: Binge Looking – sehen und ausspucken. „Crapstraction Art“ nennt der Kunstkritiker Jerry Saltz diese neue Strömung in der Kunst, zu der sich die Disappointment Pictures wie ein Kommentar verhalten.

Diese Kunst bietet keine visuelle oder materielle Angriffsfläche mehr. Ihre Form ist wahrhaftig glatt, der Blick gleitet von einem Anhaltspunkt zum nächsten und der Betrachter wird unbefriedigt zurückgelassen. Im Ausstellungskontext, konfrontiert mit postmodernem Design, Softdrinks, Pizza, offenbaren die Disappointment Paintings einmal mehr ihre Unbrauchbarkeit. Die Alltagsgegenstände scheinen so viel interessanter als sie.

Sind die Arbeiten Geffkens damit die ins Bild gesetzte Feier einer zynischen Oberflächlichkeit?

Lassen sie sich als die perfekten Illustrationen für die

von Han diagnostizierte Glätte betrachten? Vielleicht zeigen sie auch nur umso deutlicher, dass die Kategorie der Oberfläche niemals ohne die der Tiefe gedacht werden kann. Der Oberfläche eine eigenständige Existenz zuzuweisen bedeutet immer auch, sich von der Tiefe wie von einem ungeliebten Untergrund abgrenzen zu wollen. Im Falle von Geffkens Disappointment Paintings scheint die Bildoberfläche den Blick freizugeben für gerade die forcierte Nicht-Existenz eines Dahinters, eines Wesenskerns.

Denn selbst auf der formalen Ebene, auf der Oberfläche, werden wir ratlos zurückgelassen. Was wir sehen, ist, dass wir nichts sehen. Was wir kriegen, ist, was wir verdienen.

Was bleibt, ist die Enttäuschung.

Nele Groeger

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