AIR GUITAR F magazine Mayo 2016 Nº 17
All about the World of Guitar
Dario Chiazzolino El joven Maestro del Jazz
REPORTAJES
Española: Guitarras Flacón Archtop: Zimnicki Guitars Eléctrica: Gus Guitars Eléctrica: Alexander James Guitars Hardware: Red Iron Amps
PROFESIONALES
Pepe Justicia
Goldberg en Flamenco Dario Chiazzolino Red Cloud
El Rincón
Sonoro
1987 by Whitesnake por Antonio Fernández Morell
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Index
CONTENIDO
Pepe Justicia
Dario Chiazzolino
Goldberg en Flamenco
El joven Maestro del Jazz
REPORTAJES
PROFESIONALES
6 Española - Guitarras Falcón.
15 Pepe Justicia
Patrimonio Cultural del Perú
24 Acústicas - Zimnicki Guitars Construir sin encasillamientos.
42 Eléctrica - Alexander James Guitars La búsqueda de un estilo único.
50 Eléctrica - Gus Guitars La musicalidad del carbono.
56 Hardware - Red Iron Amps El mejor tono orgánico se hace en texas.
Goldberg en Flamenco.
32 Dario Chiazzolino El joven Maestro del Jazz. 38 Review - Red Cloud by Dario Chiazzolino
EL RINCÓN SONORO 64 Whitesnake - 1987
Team
Por Antonio Fernández Morell.
GUITAR FAIR MAGAZINE: No. 17 · Mayo 2016 · Año 2 · EDITOR IN CHIEF : José Luis Mármol · GRAPHIC DESIGN: Guitar Fair Magazine COLABORADORES: Antonio Fernández Morell, Abel Franco, Ovidio López · PORTADA: Dario Chiazzolino.
Guitar Fair Magazine - Marzo 2016
AIR GUITAR F magazine All about the World of Guitar
“No hay que plantearse si vas a llegar o no, si te vas a hacer rico o si te vas a hacer famoso. Hay que tocar la guitarra para disfrutar, porque el músico puede llegar a ser el hombre más feliz del mundo con que la olla hierva y tengas un camastro donde acostarte.”
Paco De Lucía Guitar Fair Magazine - Marzo 2016
Todavía no se han levantado las barreras que le digan al genio: ”De aquí no pasarás”. Ludwig Van Beethoven
PRINCE
1958 - 2016
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Espa帽ola
Enrique Falc贸n Salcedo.
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Guitarras Falcón Patrimonio Cultural del Perú
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l arte de la construcción de la guitarra nace cuando Don Abraham Falcón García, fundador de Guitarras Falcón, empieza a desarrollarse en la carpintería de su hermano. Por motivos económicos, necesitaba aprender un oficio diferente y es así que, un 12 de octubre de 1946, se construye las primeras guitarras con madera encontrada en las orillas del Río Palpa, Ica - Perú. Desde ese entonces, se logra enmarcar en una línea ascendente en lo que a técnica y sabiduría se refiere.
En 1985 Abraham Falcón presentó un modelo revolucionario de guitarra, y quedó patentado como “Innovación Estructural para la Guitarra Peruana Clásica de Concierto” Abraham Falcón García.
Escuela Básicamente, ninguna. Don Abraham Falcón García aprendió de las guitarras españolas antiguas que llegaban a Perú y con mucho detalle
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Española Abraham Falcón García aprendió de las guitarras españolas antiguas que llegaban a Perú, y con mucho detalle y observación.
Enrique Jr. Gabriel Falcón
y observación, intentaba copiar y mejorar estructura y estética de estos instrumentos.
landés, y cuerdas son americanas en sus diferentes tensiones.
Instrumentos
Las guitarras que fabricamos poseen cualidades acústicas equilibradas donde podemos definir claramente el timbre, color y forma del sonido. Los diferentes materiales que utilizamos nos otorgan brillantez, dulzura, claridad y potencia sonora para cada una de las guitarras que fabricamos. Mucho depende del ejecutante y su adecuación a determinado modelo. Duraderas y resistentes a cualquier latitud y altitud.
Principalmente se trabaja las guitarras de corte clásico (española y flamenca) Además se han agregado las guitarras electroacústicas y personalizadas.
Materiales Las maderas que utilizamos son muy variadas. Entre las importadas tenemos: pino abeto alemán, pino americano, palisandro de la India, arce avellanado, ciprés español. En cuanto a las maderas peruanas tenemos a la caoba, cedro y nogal principalmente. Los clavijeros son de origen ho-
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Características
Singularidad Todas las guitarras que se construyen en nuestra empresa, poseen
una estructura interna coherente que consta de espinetas colocadas en forma de abanico (incrustadas), que parten desde la barra armónica central y concluyen en las cintas de amarre, estando además encoladas al tablero (tapa armónica). Tal es así que en el año 1985, en el marco del “XV Encuentro Internacional de Luthieres” (XV Rencontres Internacionales de la Guitare) promovido por la Universidad de París, Abraham Falcón presentó un modelo revolucionario de guitarra, al poseer por 1era vez, una estructura interna coherente y unificada. De esta manera, se le nombró creador de la guitarra modelo peruano. En Perú, este desarrollo quedó patentado como “Innovación Estructural para la Guitarra Peruana
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*Actualmente, nuestro legado familiar consta ya de 3 generaciones cuya misión es la de preservar esta tradición por muchos años más. Nuestro fundador, Don Abraham Falcón García con 92 años de edad y su hijo, Enrique Falcón Salcedo, son los que se encuentran al mando del taller. Además, Enrique Jr., Vicente y Gabriel Falcón, también se encuentran aprendiendo, tanto del abuelo y padre, los secretos y detalles de esta profesión.
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Clásica de Concierto” en los registro de INDECOPI (2009) Como se mencionó anteriormente, dicha estructura interna
hace que el sonido de las guitarras que fabricamos sea muy particular y brinde todas las cualidades descritas.
Somos una empresa artesanal que mantiene una línea de trabajo de más de 70 años. Modelos Tenemos guitarras de todo tipo: las guitarras Clásicas de Concierto (fabricadas en palisandro de la India o arce avellanado), Profesionales (caoba selecta), Semi Profesionales (cedro selecto), Export Peña (modelo singular en nuestro país adaptado para música nacional peruana) y Estudio (para principiantes). Los 4 primeros modelos citados son fabricados con pino abeto ale-
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mán en sus diferentes categorías y los 2 últimos con pino americano y andino respectivamente. El tipo y categoría del material define a todos los modelos descritos.
El sector A pesar de la competencia ardua que se tiene por el ingreso de guitarras de corte industrial, nuestra empresa se mantiene por la calidad de los instrumentos que construimos, así como de la experiencia de los artesanos que trabajan con nosotros. Somos una empresa artesanal que mantiene una línea de trabajo de más de 70 años.
Donde No tenemos distribuidores o tiendas a nivel nacional. 1 local de
exhibición y venta cuya dirección se detalla al final de este reportaje. Estamos planeando expandir nuestra frontera en el próximo año para que, de esta manera, nuestros instrumentos tengan otra línea de venta en el extranjero.
Endorsees Por lo general, son músicos (de los diferentes géneros que engloba nuestro folklore nacional) y aficionados del Perú. También hemos tenido un buen recibimiento por compatriotas que radican a nivel de Latinoamérica y Europa así como americanos de todas las ubicaciones geográficas.
Otros Remarcaría el trabajo de la fami-
lia Ramírez, pues llevan 5 generaciones en el arte de la luthería. Es una lucha constante que se debe tener para mantener tu nombre y prestigio durante años.
GF17 Sería estupendo presentar nuestro máximo modelo, la guitarra clásica de Concierto.
GUITARRAS FALCÓN guitarrasfalcon@hotmail.com Av. Luna Pizarro Nº 310 La Victoria – Lima - Perú
Tlf: +51-01-431-5217
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Gallardo delRey
A G E N D A Australia – Gallardo Del Rey Tour 2016 30 Abril Sydney @MOSMAN ART GALLERY
1 Mayo Master Class @SYDNEY CONSERVATORY OF MUSIC
3-8 Mayo
@CANBERRA INTERNATIONAL MUSIC FESTIVAL Programas: SCARLATTI MEETS BACH AND HAENDEL: Sonatas de Scarlatti, Obras propias dedicadas a J.S. BACH y a C.P.E. BACH, e improvisaciones con grupo de cámara al estilo Scarlatti. MÚSICA ESPAÑOLA: Obras de Falla, Albéniz y Moreno Torroba. PROGRAMA GALLARDO DEL REY: Nueva Música Española: Mis obras más inspiradas en el flamenco. *acompañado de cajón flamenco. CANTICLES: Obra para guitarra, percusión y coro. *Estreno absoluto HOMENAJE A GRANADOS: Concierto a duo con Andrey Lebedev, MASTER CLASS
Recovering the Musicality
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Profesionales
PEPE JUSTICIA
Pepe Justicia cuenta con una dilatada andadura profesional. A lo largo de su carrera Pepe Justicia ha obtenido diversos galardones entre los que caben destacar: Primer Premio Nacional de Guitarra Flamenca (1987), Primer Premio Nacional Al Toque Por Bulerías ( 1989), Primer Premio Internacional de Guitarra Flamenca (1999) y Premio Nacional de la Crítica al Mejor Disco de Guitarra Flamenca (2012). Ha grabado varios Cd’s con composiciones propias y ha colaborado en grabaciones de distintos tipos de música desde Clásico hasta Jazz o Pop. Actualmente y desde 2.006 es Profesor del Conservatorio Superior de Danza de Málaga.
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Profesionales Photos by Iuliana Dragoi.
GOLDBERG EN FLAMENCO
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oldberg en Flamenco, una obra emblemática del contrapunto barroco en las manos de un guitarrista flamenco en el siglo XXI Es una obra que ha fascinado a muchos músicos, melómanos y artistas en general, a mí entre ellos, y algo que empezó como una lectura para conocer un poco los entresijos de esa obra se convirtió en un reto y en la oportunidad de llevar a cabo algo que llevaba mucho tiempo queriendo hacer, interpretar la música de alguien a quien considero lo máximo de la música en la cultura occidental.
¿Y porque no lo hiciste antes?
Como guitarrista flamenco no tenía ni la sonoridad ni el conocimiento del contrapunto que se necesita para tocar a Bach, pero desde mis primeros pasos con la guitarra he tocado obras de él, y en algún momento quería enfrentarme a la grabación de su música. La cuestión era encontrar la forma en que yo me pudiera expresar con naturalidad en esa vertiente. Hay muchos guitarristas clásicos que lo interpretan de forma magistral, siguiendo la tradición de esa escuela clásica que yo no conozco, y yo ni sabía ni quería tocarlo de esa forma. Hice distintas aproximaciones que no me satisfacían hasta que fui encontrando una manera en la que yo me encontraba a gusto tocando, y la música me sonaba al Bach que yo sentía. Y así fui trabajando intensamente, y sobre todo disfrutando,
hasta completar estas primeras 15 variaciones que conforman este primer volumen.
¿Va a haber otro cd con el resto de las variaciones, hasta la 30 que componen la obra? Eso espero, si la respuesta del público es medianamente aceptable me encantaría embarcarme en la transformación del resto de la obra.
¿Depende de la aceptación del público que se complete la grabación? En principio sí, porque es un trabajo que requiere un esfuerzo realmente extenuante, una gran inversión en tiempo y también en dinero. Son muchas horas de análisis, de ensayo y error en la adaptación, muchas horas de práctica,
Todos y todas las músicas venimos del mismo sitio y buscamos lo mismo. de estudio de grabación, de colaboraciones de otros músicos, de tal forma que si no hay una respuesta medianamente aceptable será difícil que me pueda embarcar otra vez en un proyecto semejante. Es una autoproducción y ha requerido renunciar a actuaciones, a tiempo libre, y claro, si ves que el resultado no provoca el interés de la gente será difícil encontrar el ánimo para acometer la
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Profesionales segunda parte.
Cuéntanos cómo fue el proceso de composición/ transformación. Lento, intenso, duro y al mismo tiempo fascinante y enriquecedor. Lo primero transcribir para la guitarra lo que es una obra para teclado, múltiples escuchas de distintos interpretes destacados de la obra como Glenn Gould, Rosalyn Tureck, Baremboin,…etc, en fin, conocer cada una de las variaciones en su forma original y luego buscar el ritmo apropiado de flamenco en el que podría entrar, es decir, la transformación propiamente dicha. Una vez encontrado ese ritmo estudiar la variación hasta que saliera, y bien, y después
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he tenido que renunciar a las actuaciones en público durante el último año, porque si no este trabajo se hubiera eternizado. grabarlo las veces suficientes hasta que quedara satisfecho. Ha habido hasta cuatro versiones, grabaciones, de todas las piezas, con distintas guitarras y micros hasta que decidí que ya estaba lo suficientemente bien sin llegar a volverme “majara”. Luego está el tema de las percusiones. También he tenido que buscar la adecuada para cada variación tratando de no utilizar estereotipos, sino, desde un sentido flamenco encontrar la que reflejara mi visión,
aportar algún sentido flamenco y no entrar en conflicto con el tupido contrapunto que caracteriza la obra. En fin un “trabajo de chinos”. Si no fuera porque la música de Bach es en sí misma una recompensa y un disfrute, hubiera sido imposible para mi terminar este trabajo.
Has dicho que utilizaste distintas guitarras, ¿cuales son las que han quedado fijadas al final?
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Profesionales
Nadie como tú puede saber cuál es la idea que anima tu propia creación y la dirección en que la quieres llevar
Empecé grabando con una guitarra de un constructor granadino, hice una segunda con mi guitarra de toda la vida, una Hermanos Conde, una tercera mezclando las dos y al final las que han quedado fijadas son una Andres Marvi para la primera voz y la Hermanos Conde para la segunda. También fui probando distintos tipos de cuerdas. Descubrí unas cuerdas de Hannabach con un brillo y una tensión increíbles, Hannabach Exclusive, y esas las utilicé para la primera guitarra, que es la que canta, y Hannabach Goldin para la segunda que es la que acompaña. Hay algunos momentos de la grabación donde la mezcla de sonidos y el empaste conseguido me impresionan a mí mismo. En ese sentido estoy muy satisfecho.
Este disco lo has producido tú ¿es obligado hoy ser multidisciplinar? Nadie como tú puede saber cuál es la idea que anima tu propia crea-
ción y la dirección en que la quieres llevar, eso en cuanto a la producción. Siempre está bien tener opiniones que te puedan dar una perspectiva que tú puedes ir perdiendo en el proceso, pero para eso me valgo de amigos, casi siempre ajenos al mundo de la música, a los que martirizo con distintas escuchas y a los que pido la opinión que me vale, que es la del que no tiene prejuicios musicales. Me interesa esa opinión sincera y fresca del oyente que solo espera disfrutar de la música y no entra en juicios técnicos.
Y según tengo entendido grabado en tu propio estudio. Si, mis últimos cuatro CD’s los he grabado en mi propio estudio. Bueno en mi estudio se han hecho las tomas de guitarra que es para lo que está preparado. Las percusiones se han grabado en un estudio profesional, Jabera Records de Málaga por parte de Fran Nuñez y
en Zurich por David Stauffacher. Los bajos los ha grabado Manolo Nieto, un verdadero fenómeno, en Sevilla, y los teclados en Miami por Lance Quinn, otro monstruo que ha producido entre otros muchos a Bon Jovi. Las mezclas y masterización las ha hecho en Sevilla Eduardo Ruiz con el resultado que se puede ver. También estoy contento en este apartado.
¿Tienes algún otro proyecto una vez concluido este? Sí, hay varios ya con mis propias composiciones de música que he creado en los últimos años y que no veía el momento de grabar, en parte por el estado actual del mercado discográfico pero que ahora que estoy animado pues tendré que sacar para adelante. También hay algo que no es un proyecto sino una realidad porque en unos meses saldrá otra grabación que he hecho con unos amigos cubanos, una mezcla de flamenco y salsa con temas míos con música y letra, algo que no había hecho antes, lo de la letra digo. Participan unos músicos y cantantes increíbles como Alcides Toirac, Cesar Correa, Carlos Iraragorri, David Stauffacher, Julio Barreto, Armando
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Miranda “El Moro”, etc. Algo que no tiene absolutamente nada que ver con esta grabación que presentamos ahora. Mucha marcha, con rumbas, chachachás, boleros…
Y todo esto compaginado con tu trabajo habitual y diario... Claro, yo soy profesor de guitarra flamenca en el Conservatorio Superior de Danza de Málaga, y cada mañana a las ocho estoy allí tocando en las clases de baile con mi compañera Nieves Rodríguez, con la ventaja de que al empezar tempranito tengo todas las tardes libres para poder llevar a cabo estos proyectos. A lo que he tenido que renunciar es a las actuaciones en público durante el último año, porque si no este trabajo se hubiera eternizado, y en ese momento era lo que más me interesaba.
¿Que me puedes contar sobre la cuestión de la
distribución del CD? Actualmente como sabes es un tema que está pasando por una encrucijada que nadie sabe por dónde va a salir. Lo que está claro es que internet es el camino, y en ese sentido este cd se puede conseguir mediante descarga y también el cd físico desde mi pagina web www.pepejusticia.es, y también en Amazon. Pero lo que más estamos potenciando es la venta desde mi propia página, única forma de tener control sobre las ventas de tu música, algo que los músicos nunca hemos tenido por estar en mano de unas discográficas que ni rendían cuentas, ni pagaban, ni hacían gran cosa por las grabaciones en cuestión de promoción. Ahora yo me estoy ocupando de esos temas.
A parte de flamenco ¿que otras músicas escuchas? Pues quizá flamenco es lo que menos escucho. Para mí el flamenco es algo que vivo, entonces el
escuchar una grabación no es lo que más me satisface. Estoy al tanto de lo que va saliendo sobre todo de otros guitarristas pero gasto más horas de escucha con Música Clásica, Jazz, World Music, etc. Me gusta especialmente la música brasileña, el jazz-fusión, los pianistas de jazz en general, e investigo cuando tengo tiempo en músicas étnicas en las que por lo general descubro conexiones con el flamenco, sobre todo con el que he escuchado de joven, con lo más auténtico de esta música. Al fin y al cabo todos y todas las músicas venimos del mismo sitio y buscamos lo mismo.
PEPE JUSTICIA www.pepejusticia.es facebook.com/pepe.justicia info@pepejusticia.es
GOLDBERG EN FLAMENCO Vol.1
por Pepe Justicia Las Variaciones Goldberg de J. S. Bach en versión flamenca, de mano de uno de nuestros grandes guitarristas. Pepe Justicia: Guitarras Lance Queen:Teclados Manolo Nieto: Bajo Fran Nuñez: Percusiones David Stauffacher: Percusionista en Aria María Jesús Barrios: Castañuelas Descarga en:
www.pepejusticia.es
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Acústica
ZIMNICHI GUITARS Construir sin encasillamientos
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mpecé a interesarme por las guitarras cuando era un adolescente. Recuerdo que mi primera gran influencia fue ver a Joe Pass tocando Jazz en una guitarra archtop.
Inicio Empecé con la construcción de mi primera eléctrica de cuerpo sólido allá por el 1976. Por aquel entonces no tenía a nadie a mí alrededor que me pudiera enseñar cómo llevarla a cabo. Encontré un pequeño reportaje sobre guitarras en un libro de fotografías, donde explicaba con todo lujo de detalles como se construía una guitarra de cuerpo sólido. Mis primeras 4 ó 5 guitarras fuero entonces reflejo de aquella primera. Un par de años después encontré un libro donde describía la construcción de una guitarra acústica, así que me decidí hacerla también, y de forma eventual, también solía buscar información en un libro que hablaba de las guitarras españolas, lo que me permitió navegar por este estilo
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Acústica también. Nunca tuve la oportunidad de ir a una escuela de luthiers o haber podido trabajar como aprendiz, pero continué con mis guitarras gracias a los clientes que conseguía y a sus comentarios positivos sobre aquellos instrumentos. Las críticas honestas de los grandes concertistas siempre fueron un gran recurso en la educa-
ción.
Instrumentos En estos momentos trabajo con todos los estilos: archtops, acústicas, españolas, de cuerpo sólido y bajos. También produzco mandolinas, ukeleles, cavaquinhos, y casi cualquier otro
instrumento de estas características que mis clientes me pidan.
Modelos No tengo modelos propios como tal. Suelo trabajar de manera estrecha con el cliente para entregarle exactamente el instrumento que él ha demandado. En estos 40 años de trabajo, rara vez he construido dos instrumentos iguales. Los clientes siempre quieren algo en sus guitarras que las haga únicas y exclusivas.
Materiales La elección de los materiales depende siempre de qué es lo que quiere el cliente. Las guitarras archtop, por lo general, tienen el dorso y costados de arce y tapa de abeto. Las guitarras acústicas y las guitarras clásicas suelen tener tapa de abeto o cedro rojo, y la trasera y los lados pueden ser de palo de rosa, caoba, arce, nogal, o muchas otras maderas, dependiendo de la apariencia y de lo que el cliente quiere. En ocasiones suelo sugerir una determinada madera en pro de conseguir el tono que el cliente busca.
Siento gratitud a todos mis clientes, porque son los precursores de mi adaptación a nuevas ideas. Algo que llevo haciendo en estos últimos 3 o 4 años es el construir con maderas de viejas casas de Detroit que han sido desmanteladas. Estas casas tienen alrededor de 100 años, y utilizaban tablas para el suelo de arce, magníficas para la trasera y lados, y las viguetas del techo de abeto para hacer las cajas de resonancia. Este ha sido un proyecto divertido y desafiante. He hecho guitarras, mandolinas y ukeleles de maderas recuperadas y el tono ha sido sorprendente a causa de la edad de la madera. Muchos medios en los EE.UU. se han hecho eco de este proceso debido a la curiosidad y a la idea de
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Acústica Muchos de mis clientes no son instrumentistas profesionales, pero son guitarristas muy serios que saben y desean tener alta calidad y exclusividad.
Evolución
no dar una segunda oportunidad a estos materiales. Lo que sí no suelo usar son materiales sintéticos en mis instrumentos; La mayoría de ellos están hechos de madera, excepto en el hardware.
Características Los músicos reconocen el valor y la calidad de mis instrumentos, así como mi predisposición a probar nuevas ideas. Muchos de mis clientes tienen en propiedad más de 10 guitarras, y cuando vienen a mi taller normalmente buscan incorporar diferentes aspectos como mejoras de todas ellas. Creo que muchos de ellos vienen a mí por conocen que no tengo una serie de instrumentos todos iguales. Ellos buscan tener las características de la cabeza de una, la medida del mástil de otra, las maderas de una tercera y el tono de una cuarta... Mi objetivo es el incorporar todos esos detalles
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en un solo instrumento que será la culminación de las experiencias previas de ese cliente, el poder tener lo mejor de varias en una única. A lo largo de estos años he construido más de 300 instrumentos, y tan solo he tenido un cliente que no quedó contento con el resultado final, por lo que entiendo que esta es una carrera de éxito en el trabajo con guitarras.
Las evoluciones en mis guitarras son el resultado de años de experiencia. Siempre estoy en busca de mejorar el tono y la respuesta de mis instrumentos, y estoy seguro que eso ha ido evolucionando durante todos estos años. Mi sentido de la estética también se ha modificado con el tiempo, mayormente basado en las indicaciones de los clientes. Siento gratitud a todos ellos, porque son los precursores de mi adaptación a nuevas ideas. Cuando un detalle o idea aportada por un cliente a dado un buen resultado, trato de incorporarlo a las siguientes.
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Acústica
Donde La mayoría de mis ventas son directas con los guitarristas. He estado tratando con unas pocas tiendas boutique en US, Canadá y Japón, pero, por el tipo de instrumentos que construyo, los clientes suelen preferir el trato directo, y así asegurarse
Algo que llevo haciendo en estos últimos 3 o 4 años es el construir con maderas de viejas casas de Detroit que han sido desmanteladas.
que su guitarra llevará todas aquellas indicaciones que ellos buscan.
Endorsees Algunos de los músicos que tocan mis guitarras son bastante reconocidos, como es el caso de Bucky Pizzarelli y John Jorgenson. Otros, como Rob Bourassa, son muy seguidos en Youtube. Hay muchos reconocidos profesores de mi región como Steve Yankee, Chris Buzzelli y Tim Cummiskey que también trabajan con mis instrumentos. Muchos de mis clientes no son instrumentistas profesionales, pero son guitarristas muy serios que saben y desean tener alta calidad y exclusividad.
Otros Admiro los instrumentos cons-
truidos por cada luthier. Todos ellos tienen algo único, su toque artístico o una característica física. En muchas de mis archtop tuve la influencia de los diseños de Jimmy D’Aquisto, pero eso fue hace mucho tiempo. Aparte de él, no puedo nombrar a un profesional al cual, y de forma deliberada, quisiera emular, pero estoy seguro de que han habido una gran cantidad de influencias sutiles.
ZIMNICHI GUITARS Luhier: Gary Zimnicki www.zimnicki.com 15106 Garfield Avenue Allen Park, Michigan, USA
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ZIMNICHI GUITARS Since 1976 w w w. z i m n i c k i . c o m
GUITAR FAIR
International trade fair for guitars & basses
Passion for the instruments
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Profesionales
BIO
Dario Chiazzolino es un guitarri nacido en Turín.
Es uno de los músicos de jazz it en los festivales de Jazz interna de los mejores músicos america
Premios internacionales: 2006 Best Guitarist – Berklee Um 2007 Competition Winner for To 2008 Official Registration – Jaz 2011 Best Guitarist – Italian Jaz 2011 Featured on Archivio Chita 2011 Selection for Ultra Sound R 2012 Artist of the Year – D-mag 2015 Best Guitarist – Guitarlist 2015 Top 15 best songs 2015 – “F
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ista y compositor italiano
talianos más demandados acionales y en las grabaciones anos y europeos.
mbria Jazz Award orino Jazz Lab zz Italia zz arristi Jazz Italiani Records: Nuovi Segnali Acustici g
Floating” – Suono
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Dario Chiazzolino El joven Maestro del Jazz
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u formación inicial viene del clásico. ¿Qué características propias tiene un músico de jazz, comparado con un músico formado en otro género? Empecé a tocar la guitarra a los 12 años, cuando recibí mi primer instrumento como regalo de mis padres. Era una guitarra clásica. Me considero un músico autodidacta ya que nunca he asistido a un curso específico de guitarra. Después de la escuela secundaria fui al conservatorio y me gradué en Estudios de Jazz. Una vez dicho esto he de decir que sin duda empecé con la música clásica - en su mayoría bajo el perfil de la disciplina y el rigor del clásico. Durante mi primera experiencia musical me acostumbré a tocar música Rock, como la mayoría de los guitarristas jóvenes. El Jazz llegó a mí algo más tarde, y fue un encuentro increíble. Creo que la música de jazz te da la oportunidad de explorar la música en su lado más profundo. El jazz no es sólo un lenguaje musical, si no que es una forma de pensar en la música. De una manera más espiritual también puedo decir que el jazz es una forma de vida.
Esta extraordinaria música tiene el poder de ofrecer el ser realmente consciente de lo que haces sobre el escenario. Me refiero a que puedes controlar cada nota que quieres tocar, ya que siempre sabes la relación entre una sola nota y un acorde cambiante. En resumen, creo que el Jazz es libertad.
¿Qué músicos y guitarristas han influido más en tu carrera musical? Los tres guitarristas que más me han influido son Jimmy Hendrix, Wes Montgomery y Django Reinhardt. Por diferentes razones son tres maestros, tres hombres que cambiaron el mundo de la guitarra, radicalmente. Respecto a otros instrumentos podría decir que me gusta el trabajo de Bill Evans, quien es sin duda uno de mis músicos favoritos. Y hablando de la música clásica, he estado muy influenciado por Bach y Chopin. Su música es absolutamente divina.
¿Cuál es tu equipo ideal para estudio, e ideal para concierto? Estoy acostumbrado a realizar mi trabajo casi siempre con mi Gibson ES135, de la que he sido endorsee
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Profesionales desde 2011. Uso Randall amplificador, Dr Strings, pastillas Kinmann, Essetipicks y cables Mogami. Soy un endorsse orgulloso de todos estos productos maravillosos. Yo tiendo a usar el mismo equipo para mis presentaciones en vivo y en estudio. No uso ningún efecto de guitarra, excepto un poco de reverb. Siempre he pensado que tu sonido viene de tus dedos, no de los engranajes. Por supuesto, una buena guitarra puede ayudar. Pero no soy un maniaco del instrumento, en absoluto.
Tengo una gran sensación con mi guitarra. Es también una cuestión de afecto humano. Háblanos de tu guitarra, sus características. Bueno, mi Gibson ES135 es una guitarra de cuerpo semi-hueco. Está justo en el medio entre la Gibson ES175 y la ES335. El sonido va desde el eléctrico al acústico, de esta manera puedo modular dependiendo de la intensidad y la agresiva que requiera cada pasaje. Desde que era un adolescente he sido siempre un gran seguidor de Gibson. He de reconocer que las guitarras de cuerpo semihueco que Gibson produce son de un nivel superior. En particular, tengo una gran sensación con mi guitarra. Es también una cuestión de afecto humano.
¿Qué piensas de las nuevas tecnologías en su relación con la composición e interpretación? Creo que la tecnología brinda un
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Profesionales soporte maravilloso para los músicos, pero hay que hacer un buen uso de ella. Cuando era más joven estaba acostumbrado a componer música y escribir sólo en el papel, como aquellos viejos músicos de la escuela. Desde hace algunos años he comenzado a hacer música con el uso de software musical, archivos MIDI y similares. Es sin duda una ayuda increíble para las personas que hacemos música para ganarnos la vida. Hoy la vida nos exige producirlo todo de una forma casi inmediata. Bueno, yo personalmente prefiero preproducir mis sonidos por mí mismo, con mi equipo, mi guitarra, mi bajo y mi controlador MIDI. Esto me da la posibilidad de pensar en la música, pudiendo reproducir de inmediato la proyección virtual de mi álbum. Tras ello, una vez que estoy realmente satisfecho, puedo ir al estudio con la banda y grabar mis obras. Desde que hago música de Jazz siento que realmente puedo evolucionar mis
Siempre he pensado que mi sonido viene de tus dedos, no de los engranajes. ideas musicales con los músicos con los que toco. Ellos brindan su experiencia a mis temas para que juntos podamos ir a un nivel superior. Es una mezcla de elementos.
¿Te sientes atraído por otros géneros musicales? Si por supuesto. Me encanta la música sin limitaciones. Me gusta la buena música, siempre que se interpreta con el corazón.
Siendo italiano, con formación clásica, profesional
del jazz e intérprete internacional, ¿qué sensaciones te da el Flamenco? Buena pregunta. He estado siempre atraído por la música flamenca. Es un verdadero placer y una maravilla las costumbres y la cultura de España. Tengo mucho respeto a los músicos flamencos, a pesar de que nunca he explorado ese mundo desde el punto de vista de la guitarra. Creo que un músico debe valorar sus costumbres, por eso me encanta la historia de nuestra música. Las raíces de la música italiana y europea están llenas de obras increíbles. Lirismo, poesía, melodía y pasiones son elementos clave. Mientras compongo y toco mi música trato de llevar en mi sonido mi esencia italiana.
¿Crees que el Jazz está mejor considerado en Europa que en Estados Unidos? Creo que la música de jazz está bien considerada en Europa, y en
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Profesionales los Estados Unidos también. El Jazz tiene un montón de fans de todo el mundo. Lo que sí noto es una diferencia en la oportunidad de tocar: En Estados Unidos, concretamente en ciudades como Nueva York, Chicago o Los Ángeles, está de moda el escuchar conciertos en clubes de Jazz, la mayoría de las veces las entradas están agotadas, las personas partici-
La mejor manera de hacer música efectiva es compartiendo tu personalidad musical. El líder simplemente recoge y guía la energía.
pan con gran pasión, y siempre hay un gran número de público. Esto representa una buena oportunidad para los intérpretes que muestran su música, y además optan a colaborar con muchos de los grandes músicos de Jazz. Creo que en Europa hay un montón de grandes festivales en lugar de clubes. Es probable que en Europa la gente esté optando mantener el hábito de escuchar Jazz en los grandes eventos internacionales.
¿Qué consejo puedes dar a quienes se inician con la guitarra, y a quienes buscan entrar en el circuito profesional? El mejor consejo que puedo dar es que trabajen con determinación y se dedique a la música al 100%. Si deseas obtener buenos resultados es necesario ser muy ambicioso.
El Jazz no es sólo un lenguaje musical, si no que es una forma de pensar en la música. Por supuesto que si se tiene una buena naturaleza y una buena guía probablemente podrá ser más fácil conseguir un buen objetivo. Pero el viaje es duro y largo, y tienes que ser fuerte y estar siempre muy motivado.
Háblanos de tu última grabación, Red Cloud, ¿cuál es el planteamiento de este disco? Comencé componiendo este trabajo con el objetivo de expresar el sentimiento y las emociones humanas en comparación con los fenómenos meteorológicos. Cada canción describe un estado mental específico: a veces somos felices, tristes, enfadados, relajados, etc. Sólo traté de dar voz a nuestra parte interna, que en su mayoría permanece oculta. Los críticos definen Red Cloud como un álbum conceptual.
¿Como son los músicos que te acompañan en este nuevo trabajo? He tenido el privilegio de estar acompañado por tres músicos extraordinarios, y que son figuras significativas en el panorama jazzístico europeo e internacional. Antonio Farao al piano, Dominique Di Piazza en el bajo y Manhu Roche con la batería. Desde el primer momento tuve una sensación fuerte y una conexión profunda con ellos. Son músi-
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Profesionales Mientras compongo y toco mi música trato de llevar en mi sonido la esencia italiana. cos muy sensibles y que han interpretado a la perfección la esencia de mis temas. El reto inicial siempre es tener tu espíritu totalmente conectado con cada composición. No es tan sólo cuestión de hacer música, es más una cuestión de sensibilidad humana.
Cuando formas una banda, ¿es necesario que los músicos compartan tu visión espiritual? En mi opinión, la mejor manera de hacer música efectiva es compartiendo tu personalidad musical. El
líder simplemente recoge y guía la energía. Por supuesto, antes de empezar una grabación trato de elegir a las personas adecuadas, capaces de dar un estado de ánimo específico a mi música. Pero cuando estás en el estudio con la banda siempre sucede algo que nadie podría esperar. Lo bueno de esto es que el resultado siempre es a mejor.
¿Cuándo podremos disfrutar de un concierto tuyo en España?
¿Cuáles son sus proyectos futuros?
Y por último, tres guitarristas clásicos y tres actuales.
Actualmente estoy trabajando en mi próximo álbum, cuya producción incluirá la participación de algunos cantantes internacionales. No puedo revelar demasiados detalles, pero pronto podré adelantar noticias muy interesantes. Sí puedo adelantar que se tratará de todo un repertorio original, dispuesto para abarcar una línea aun más extensa.
La verdad es que no tendremos que esperar demasiado, ya que mi agencia de management está en contacto con diferentes organizadores y festivales, por lo que será cuestión de poco tiempo el poder anunciar fechas en este maravilloso país.
Sin duda, tengo que mencionar a tres de los músicos más importantes y legendarios, que contribuyeron de manera increible al mundo de la guitarra de Jazz: Joe Pass, Tal Farlow y Barney Kessel. En cuanto a los actuales, por supuesto, no puedo evitar hablar de Lionel Loueke, Pat Metheny y John Scofield.
DARIO CHIAZZOLINO www.dariochiazzolino.com facebook: dariochiazzolino
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RED CLOUD Dario Chiazzolino
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Review - Red Cloud
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emos tenido la ocasión de poder escuchar y disfrutar del nuevo trabajo del guitarrista de jazz Dario Chiazzolino, bajo el título de Red Cloud, que como él mismo indica en su entrevista para GFM, es un muestrario de sensaciones y estados de ánimo que encuentran su reflejo en los cambios atmosféricos, que como trata en este magnífico trabajo, también sentimos sus similitudes en el lenguaje musical. Con este concepto inicial, se nos abre una nueva vía de sensaciones naturales, que nos invitan a buscar en nuestro interior aquel histórico de momentos diarios y cotidianos. En esta grabación se presenta arropado de un equipo de músicos que demuestran estar en la alta esfera en la interpretación, como son:
Antonio Farao (piano), Dominique Di Piazza (bajo) y Manhu Roche (batería). Ellos cuatro hacen un alarde de gran concentración, y la seguridad de un trabajo sólido y meditado. Como es habitual en las grabaciones de músicos de calidad, las sesiones fueron grabadas en directo, sin cortes ni fisuras, propias de ediciones digitales, y con esa particularidad, tanto Dario como sus compañeros de viaje, se mueven con soltura y elegancia entra las armonías y los motivos rítmicos más complejos. Dario mantiene su seña de identidad, basada en un mensaje claro y brillante, con una muestra constante de su técnica impecable, pero como joven Maestro, usando su técnica al servicio de la musicalidad y la comunicación melódica. Su sentido rítmico, aunque en ocasiones no son
nada fáciles para los intérpretes, lo muestra como si hubiera nacido con ello dentro, haciendo aun más evidente su gran sentido de líder. Antonio Farao muestra su compromiso con esta propuesta musical, ofreciendo un sonido redondo y a la vez brillante cuando el momento lo requiere, mientras que Dominique se mantiene firme con su gran técnica y demostrando la gran vertiente del cantábile del bajo. Manhu Roche ratifica una vez más la diferencia entre tocar sin más e interpretar, ya que sus registros ofrecen una sensibilidad en la batería a la vez que firmeza en las intenciones. Sella esta propuesta musical un equipo técnico profesional que nos ofrece esta maravilla artística en bandejas sonoras de muy alta calidad, donde la naturalidad del sonido
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Dario Chiazzolino
Dominique Di Piazza
Antonio Faraò
Manhu Roche
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Review - Red Cloud prima sobre todos los procesos audio. En definitiva, Red Cloud se presenta como grabación de cabecera para los amantes del Jazz, y como muestra de buenas formas para aquellos que buscan desarrollar una
carrera profesional, y no solo en el Jazz. Si Dario Chiazzolino ha conseguido captar toda esa energía en esta grabación, ¿¿¿qué nos depararán sus conciertos en directo??? Sin duda alguna, allí estaremos para disfrutarlo. Enhorabuena!!!. GFM
RED CLOUD Disponible en dariochiazzolino.com y en iTunes
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Eléctricas Photos by Joby Sessions, Simon Farmer, Martyn Casserly & Susan Tillman
GUS GUITARS La musicalidad del carbono
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onstruí mi primer bajo eléctrico cuando tenía 14 años, y desde entonces quedé completamente enganchado a este trabajo. Las guitarras son objetos infinitamente fascinantes de hacer, ya que hay tantas consideraciones prácticas y ergonómicas, con las opciones de diseño y los materiales, que pueden tener un impacto real sobre las funciones del instrumento. Todavía a día de hoy me resulta un momento
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emocionante cuando pongo un conjunto de cuerdas de un instrumento por primera vez y se llena de vida… mágico!
Inicio No he estudiado lutheria como tal, mi educación ha estado basada en la artesanía y el diseño. En el Reino Unido tenemos el sistema de la escuela de arte, donde todos aquellos interesados en temas de arte y diseño hacen un año en el foundation course que cubre un amplio espec-
tro, desde la disciplina del dibujo a la cerámica, que luego pasan a especializarse después en un área escogida para su grado. Hice un grado en diseño en 3D en la Universidad de Wolverhampton, que cubren la artesanía y el diseño del producto. Fui capaz de dirigir la mayoría de mis proyectos a la fabricación de instrumentos. Luego dediqué otros dos años para estudiar un Master en Diseño de Producto, donde de nuevo me produje diseños de guitarra eléctrica para los que serían mis grandes
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Eléctricas proyectos. Considero esta amplia educación en el arte y el diseño y la exposición a diferentes disciplinas como la razón por la cual estoy construyendo guitarras a día de hoy. El haber estando rodeado por conceptos desde fabricación desde muebles a joyas y obras de arte ha influido en mis diseños actuales.
nes principales en el G1 - hardtail, Vibrato, Piezo, MIDI, barítono y siete cuerdas, y cinco variaciones principales en el bajo G3 - cuatro, cinco y seis cuerdas, barítono y MIDI. También estoy trabajando en un nuevo modelo de guitarra-bajo, el G5 Gus, del que ya tengo prototipos listos para producir.
Instrumentos
Materiales
Construyo guitarras eléctricas, barítonos y bajos de varias escalas y arreglos de cuerda. Todos mis instrumentos son por encargo, y son únicos y exclusivos para mi cliente, a pesar de que se basan en torno a dos diseños principales, el Gus G1 Guitar y el Gus G3 Bass. Tengo seis variacio-
La clave del diseño de mis instrumentos es la construcción del cuerpo en fibra de carbono. Se basa en una nueva técnica que desarrollé en los años 90 cuando pude experimentar con una amplia gama de materiales; Me encontré que la combinación de fibra de carbono con maderas de tonos ligeros le
daba al instrumento una resonancia increíble, con una mejor claridad cuerda a cuerda, definición y sustain, pero con una musicalidad en el tono que otros instrumentos de fibra de carbono no habían conseguido. La construcción también fue inmensamente fuerte y estable, por lo que he sido capaz de hacer cosas con el diseño que no tiene necesariamente que ver con un instrumento puramente de madera. Esto también me da confianza cando envío un instrumento a cualquier parte del
mundo, ya que se que llegará sin alteraciones por variaciones en el clima y/o la temperatura. He pasado los últimos veinte años puliendo este proceso para conseguir que mis instrumentos sean tan emocionantes como dinámicos en el toque. Otro elemento clave en el diseño de mis instrumentos, y no menos visual, es el tubo. El uso de tubos de aluminio para el contorno de mi guitarra G1 y secciones de mi bajo G3, es un desarrollo de mi trabajo experimental anterior con las guitarras
de estructuras de acero, donde toda la estructura de la guitarra eran hechas de tubo de acero. Llamé a estos primeros instrumentos Guitubes, y aunque eran instrumentos funcionales, veía la necesidad de introducir una tonalidad más natural a las guitarras y darles una forma más compleja, un carácter musical, que me impulsó a experimentar con fibra de carbono y madera. Me gustó la estética del tubo de metal, y aunque con ellos encontré el inicio de mis propios diseños, he de reconocer
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que se convirtieron en los primeros prototipos G1. Estos no son simplemente apoyos visuales, ya que el tubo proporciona un marco necesario sobre el que situar los enganches en posiciones de equilibrio óptimo.
Características
Bill Nelson
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Las características que los músicos buscan en mis instrumentos son difíciles de nombrar, ya que cada músico es único y tiene sus propias razones para estar interesado en mis diseños. A veces, el músico ha podido probar todas las guitarras o bajos “convencionales” y quiere probar algo diferente. Algunos pueden estar intrigados por la construcción y las ventajas tonales que se dan. Estoy seguro que la mayoría se sienten atraídos por la idea custom, donde un instrumento se hace a mano y
contando con la más alta calidad, en exclusiva para ellos.
Evolución Tanto mi guitarra G1 como el G3 son diseños únicos que han evolucionado a partir de mi experimentación con materiales y procesos. Como he mencionado anteriormente, la construcción en fibra de carbono es un proceso que he desarrollado sólo para mis instrumentos; la forma en que combino la madera con la fibra de carbono es la clave de estos modelos, y es algo único en Gus Guitars. Uso una combinación de un proceso de vacío asistido que le da un acabado de muy alta calidad a la superficie del instrumento, con un enfoque más práctico para la unión entre la propia madera y otras capas de fibra de carbono. También diseño
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Eléctricas y produzco el hardware para mis instrumentos, por lo que el puente, pastillas, perillas y otras partes son todos artículos que he diseñado personalmente y he hecho en mi taller. Las únicas partes que compro son los clavijeros.
Donde A través de los años he trabajado con un variado número de puntos de venta, incluyendo Harrods en Londres. Sin embargo, he encontrado que tratar directamente con los músicos es la mejor manera de manejar mi negocio, ya que no hay intermediarios que puedan confundir el proceso, lo que me permite hacer un instrumento que se adapta exactamente a las necesidades de mi cliente.
Endorsees Como constructor individual intento no involucrarme en endorsements, aunque he tenido una amplia gama de intérpretes profesionales que han estado utilizando mis guitarras y bajos en estos últimos años, incluyendo Seal, Bill Nelson (Bee Bop Deluxe), Gus Isidore (Peter Gabriel, Thin Lizzy) Pere ap Gwynedd (Pendulum), Leigh Marklew (Terrorvision), Martin Glyn Murray (Mock Turtles) y David Brooks (Gary Numan). La mayoría de mis músicos tienden a mantenerse fuera de la
Considero esta amplia educación en el arte y el diseño la razón por la cual estoy construyendo guitarras a día de hoy. línea convencional, como lo hacen sus propios instrumentos, supongo.
Otros Admiro a cualquier fabricante que busca los límites en lugar de copiar servilmente lo que ha ido conociendo. Desafortunadamente, muchos de estos fabricantes han tendido que quedarse en el camino ya que sus instrumentos han demostrado ser demasiado aventureros para el gusto del público. El mercado de guitarras y bajos eléctricos es muy convencional y profundamente arraigado en su patrimonio de 1950. Sólo tratemos de imaginar cualquier otro diseño de producto que haya mostrado tal falta de voluntad para seguir adelante... ¿os imagináis un coche o una televisión, por ejemplo, que se estuviera produciendo a día de hoy con la misma línea y materiales con la que se fabricaban en la década de 1950? Trato de ver esto como una situación positiva, de esta manera
consigo que sea más fácil que mi trabajo destaque. Soy realista acerca de la posición que ocupo en el nicho de mercado de la guitarra, y soy feliz con la producción de un pequeño número de creaciones custom para individuos iluminados!
GUS GUITARS Luthier: Simon Farmer www.gusguitars.com simon@gusguitars.com
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ElĂŠctricas
Gus G1 Purple Special
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Eléctricas Photo by: facebook/3rd Eye Girl
Como cualquier amante de la música y la guitarra, quedé profundamente sorprendido al escuchar las noticias sobre Prince en el día después. Fue particularmente conmovedor para mí ver como una de las últimas fotos conocidas de Prince fue mostrando una guitarra que había construido para él ante su público en Paisley Park el pasado sábado. La Gus G1 Purple Special que construí para Prince era la máxima expresión de mi diseño G1, y cada aspecto de ella se adaptó a él. Enfocado como estaba en piano solo recientemente, estaba, sin embargo, tantas ganas de verlo rasgar para arriba en la guitarra, ya que sólo pudo y estoy devastado a pensar que no va a ocurrir ahora. Tras aprobar el diseño me pidió si podía hacerle una versión para bajo. Envié unas fotos para que le diera un vistazo y me pidió uno en negro y oro de cuatro cuerdas, que fue justo lo que acaba de empezar a construir en estos últimos días. Había dejado las especificaciones bajo mi criterio, y me surgieron algunas ideas que creo que le hubieran gustado. Así que, en estos momentos siento de una manera personal su pérdida, a pesar de que nunca lo tuve en persona frente a mí. Serán días de pena y lágrimas despidiendo a uno de los más grandes músicos y guitarristas de la historia.
Simon Farmer
GUS Guitars Guitar Fair Magazine - Marzo 2016
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Alexander James Guitars La búsqueda de un estilo único
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mpecé a tocar la guitarra cuando tenía 14 años de edad. La razón por la que empecé a tocar fue debido a mi amor por las bandas Tool y The Mars Volta. Quería aprender a tocar todas sus canciones, y aquí es donde realmente empezó mi pasión por la música. Al igual que cualquier persona que comienza con un instrumento, uno desea hacerse con muchas marcas diferentes de guitarras, como también se da el caso de esa guitarra que desearías comprar, pero no puedes permitírtelo. En aquel momento, la guitarra que realmente quería era una Paul Reed Smith. Y fue mi admiración por ese constructor lo que me empujó a convertirme en luthier.
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Inicio A la edad de 17 años, sentí que tenía suficientes conocimientos sobre la construcción de guitarras y que era la hora de construir mi propia guitarra personalizada. No tenía a nadie que me enseñara y básicamente confiaba en libros profesionales e Internet. Mi primera guitarra la basé sobre una plantilla de una guitarra Paul Reed Smith Custom 24. En honor a la verdad, tuve mucha suerte, y la guitarra, en realidad, resultó bastante buena. En mi opinión, mi primer instrumento fue bueno por casualidad, porque a día de hoy reconozco que hay tantas cosas que pueden ir mal que fue pura suerte. Creo que debido a este éxito inicial, me sentí lo suficientemente seguro como para intentar construir otra
guitarra. A partir de ahí, construí guitarras basándome en las opciones de hardware y maderas exóticas que siempre me encantaros y que nunca había visto en otras guitarras antes. Después de un par de años de trabajo, mis amigos cercanos comenzaron a preguntar si podían comprarlas. Se corrió la voz sobre mi atención al detalle y la calidad y empecé a recibir contactos de muchas partes. En 2008, abrí un taller de carpintería en mi ciudad natal y decidí comenzar oficialmente a ofrecer instrumentos personalizados para los guitarristas. Ahora construyo para músicos de todo el mundo y puedo trabajar con algunas maderas que son sorprendentes y que me llegan de todo el mundo.
Instrumentos Construyo guitarras personalizadas en mi taller, con diferentes formas y tamaños y que son 100% originales. He dedicado mucho tiempo hasta llegar a la estética actual del cuerpo de mis guitarras, pero a estas alturas estamos muy orgullosos de nuestra propia línea original. Debido a que mis guitarras se ofrecen como guitarras “a medida”, el cliente puede pedir el ajuste sobre muchas opciones. Cuando el tiempo lo permite, intentamos construir lo que nosotros llamamos “instrumentos de producción”. Son guitarras que cuentan con las maderas, el hardware y la electrónica que nos gustaría ver en un instrumento. Una vez completado, están disponibles para la venta, y son una opción fácil para alguien
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que no quiere esperar 4 meses por una guitarra de encargo.
Modelos Actualmente ofrecemos 5 modelos originales: Ethos, Osa, Dios, Nira y Xylon. Cada modelo de guitarra es completamente personalizable, pudiéndose adaptar al cliente. Todos estos modelos presentan una forma diferente y una manera de sentir exclusiva.
Materiales Nos gusta usar maderas exóticas de todo el mundo. Algunos de mis favoritas son maderas de la familia del ébano. Por ello, trato de mantener en stock una buena cantidad de
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piezas de ébano. Las maderas que están siempre en uso en Alexander James Guitars son de Ébano, Caoba de Sapele, Caoba, Bloodwood, Purpleheart, Padauk, Arce Rizado, Albizia, Zebrawood, Rosewood, Acacia Africana, etc. Nos gusta usar ébano para la tapa principal en nuestras guitarras, y los clientes realmente parecen disfrutar también de esa opción. Estas unidades se agotan en poco tiempo, y gracias a las técnicas que utilizamos en nuestras guitarras, la madera de ébano presta un tono increíble en estos instrumentos. Una de mis opciones favoritas es la utilización de ébano en el mastil. Aunque caro, el tono y el sustain de un mástil de
ébano es realmente sorprendente.
Características Los clientes vienen a nosotros cuando se dan cuenta de que la calidad y la atención a los detalles son lo que puede hacer a una buena guitarra, una guitarra increíble. Somos reconocidos por nuestras guitarras singulares, y esto es lo que destaca el cliente. Me esfuerzo para impresionar constantemente a mis clientes y hacer que el proceso de encargo sea fácil y agradable. Me encanta conocer a mis clientes.
Evolución Año tras año, siempre estamos tratando de ampliar nuestra ya alto
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nivel de calidad. En nuestra mente, nada es perfecto y siempre tratamos de alcanzar un mayor nivel de perfección. En cuanto a la construcción, siempre estamos buscando nuevas maderas exóticas para incorporar en nuestros instrumentos.
Dónde
Canadá. Hemos tenido unidades en otras tiendas alrededor de Ontario, pero aparte de eso, trabajamos directamente con los músicos. Esto nos deja conocer a cada uno de nuestros clientes de la mejor manera posible, y también nos permite controlar todos los niveles en la experiencia del servicio al cliente.
En ocasiones tenemos guitarras en The Twelfth Fret en Toronto,
Otros
En Alexander James Guitars realmente amamos y apreciamos el trabajo de Doug Kauer en Kauer Guitars en USA. Ha sido un amigo y un recurso indispensable en la construcción de cada guitarra y también en mi negocio.
ALEXANDER JAMES GUITARS Luthier: Alexander James alexanderjamesguitars.com alexanderjamesguitars@ gmail.com Address: 443 Florence Dr., Peterborough, Ontario.
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Alexander James Guitars by Alexander James
w w w. a l e x a n d e r j a m e s g u i t a r s . c o m
G UITAR FAIR Feria internacional de guitarras y bajos custom conciertos, conferencias, clinics, master-class, etc.
Passion for the instruments www.guitarfair.net
info@guitarfair.net
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Hardware
M El mejor tono orgánico se hace en Texas
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i primer recuerdo sobre válvulas vino de un tocadiscos Philco que teníamos al final de nuestro pasillo. Recuerdo especialmente una grabación: The Harmonicats. Aquel fue uno de los primeros grupos en usar reverberación. Años después los vi en vivo, eran entre tres y cuatro intérpretes con armónicas, incluso una armónica bajo, cuatro líneas armónicas con reverberación. Recuerdo que fue una enorme experiencia que ensanchó la amplitud de mis oídos,… que manera de flotar! Con el paso de años, descubrí la
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Hardware revista Popular Electronics. Estos fueron los años en los que reinaban las tiendas Heathkits. Después de leer todos los artículos sobre la construcción de un amplificador, convencí a un amigo para que me llevara a la tienda Healthkit más cercana. ¡Guauu! Acababa de entrar en el cielo. No tenía mucho dinero, sin embargo, me compré un manual de RCA que se convirtió en mi Biblia de cabecera durante muchos años. Estudié las características de la válvula y sus esquemas. No me importaba el hecho de que no entendiera mucho de lo que leía, porque tenía claro que aquello era algo que quería hacer. Musicalmente, el primer amplificador para guitarra que construí fue un Sunn Scepter. Con un Dynaco Mark III y un preamplificador 12AX7. Esa máquina me hizo sentirme fuerte y orgulloso. Durante las dos siguientes décadas, allí donde la vida me llevó siempre llevé mi manual RCA bajo el brazo. Yo mismo me hacía llamar un “late bloomer” (flor tardía). En mi estancia en el ejército seguí aprendiendo acerca de la electrónica (aprovechando aquel impulso).
No fue hasta que oí hablar de un fabricante de amplificadores de guitarra que trabajaba en las cercanías de Pflugerville, Texas, llamado Kendrick Amps. Decidí ir a comprar algunas piezas para mi “enfermo” Fender Champ, y una vez allí mencioné que era un técnico de válvulas (por su puesto no lo era…). El ayudante me dijo que el jefe había mencionado algo sobre la necesidad de contratar a uno, así que le di mi número, pensando que llamaría a los pocos días. Varias semanas más tarde (después de que me hubiera olvidado de aquella locura), recibí una llamada preguntando si estaría interesado en un período de prueba, para lo que debía cogerme unos días de vacaciones en el que era mi trabajo en aquel momento. Hasta entonces nunca había reparado un amplificador a válvulas. Después de tres días, Gerald Weber me contrató. Renuncié a mi trabajo de inmediato y fui a trabajar en el estreno de aquel boutique guitar amplifier manufacturer. Después de un par de años de mucho trabajo, Kendrick decidió mover su empresa demasiado lejos buscando una mejor rentabilidad.
Inicio Por primera vez en mi vida tuve que pensar en vivir de mi ingenio. Decidí no volver a trabajar para otra persona jamás. Se me ocurrió el nombre Red Iron Amps a causa de las características propias de la madera que había elegido para la construcción de mis chasis, el Mesquite, una madera robusta y coloreada propia de mi región. Me encanta trabajar con previos a válvulas
Muy a menudo tienen agujeros de insectos naturales y madrigueras, y es que no hay un creador más fino de la belleza de la naturaleza. octales como los 6SN7, 6SL7 y 6SJ7. Estos fueron las precursores de las 12AX7 / 12AU7 (En los años 90, el mundo se enamoría de las octales en la alta fidelidad). Con ello, y teniendo un mayor espacio, me fue más fácil el poder realizar soldaduras desde que había optado por usar resistencias de compuesto de carbón de 1 vatio (Allen Bradley, por supuesto). En ese momento, AB había dejado de hacerlas, así que compré sin cesar allá donde pudiera encontrarlas. Me encanta la vieja escuela de los condensadores Sprague con el extremo del vidrio. No se puede encontrar esa clase de calidad! ¡Suave!
Características Uno de mis principios de funcionamiento de los amplificadores de diseño es: Cuanto más simple mejor. Mínimos controles de tono, factor Q (campana) y silbatos, ya que
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Hardware demasiados controles obstruyen la pureza de la señal. El usuario sabe intuitivamente lo que hacen las perillas después de 5 minutos, por lo tanto, no veo necesario etiquetar mis controles. Los octales tienen la particularidad de producir tonos “carnosos”. Por ello considero que son especialmente necesarios en los amplificadores de guitarra, donde las frecuencias medias son predominantes. Producen unos picos máximos sedosos, y se comportan de forma audaz y clara en los registros más graves. Tienen connotaciones muy agradables cuando se empuja la señal hacia la distorsión. Los Red Irons tienen un sonido más “maduro” que la mayoría del resto de amplificadores. Se acabó la estridencia típica de los amplificadores americanos.
Modelos El modelo Mil Spec utiliza transformadores de potencia encapsulados como los de la vieja escuela. ¿Por qué? En primer lugar, porque
creo que el encapsulamiento estabiliza los bobinados de resonancia produciendo efectos microfónicos. Otro motivo es, más importante aún, que cuando se fabricaban estos transformadores encapsulados (De la época de la Segunda Guerra Mundial), el cobre era más puro. No hubo aluminio, propio de las latas de cerveza, en la mezcla. No nos vamos a encontrar materiales de las antiguas latas de guisantes de la post guerra! También me gusta utilizar reactancias “old school” en la fuente de alimentación, esto producen un tono más orgánico. Mis transformadores de salida son los que Woodward-Schumacher hizo en sus últimos años de fabricación. Esta combinación de componentes contribuye a obtener un sonido clásico desde el primer momento en que se saca de la caja, algo que llevaría años en lograrse. En cuanto a los controles, me gusta mantener un concepto simple: volumen, graves y agudos. Algunos modelos del Mil Spec han sido pedidos sin controles de tono, para obtener una señal
limpia directamente de la amplificación. En ocasiones personalizo ciertas características bajo petición de los clientes. Esto conlleva un proceso de diálogo cuidadoso antes de empezar cualquier trabajo, ya que tanto él como ella estarán comprando un amplificador particular sin conocer aun el resultado final, por lo que es muy importante conocer las intenciones del cliente, incluso del tipo de música que escucha y desea tocar. El T-Rex es mi amplificador de alta ganancia con el ADN del desaparecido Trainwreck de Ken Fisher. Aun que la etapa de ganancia asimétrica es la única similitud con el diseño de Ken Fisher. Todos los elementos del circuito que se pueden girar hacia orgánicos se implementan. Sus válvulas de salida son 6L6GCs y tres 6SL7s. Tanto la Mil Spec y el T-Rex desarrollan entre 30 y 35 vatios. El amplificador Bronx es una versión mucho más visceral del T-Rex: dos unidades de la 6550 en las salidas y aproximadamente 50 vatios, manteniendo todavía el ADN Trainwreck, con tres válvulas de previo 6SL7. Red Iron Amps usa siempre (y siempre lo hará) cableado de punto a punto, siendo uno de los últimos (muy pocos) constructores que lo mantienen. Cada componente se elige, es cortado y soldado para su función específica dentro del circuito.
Materiales En Texas, no prolifera la madera, así como su uso, salvo el Mesquite Es una madera difícil de utilizar en los gabinetes. En su embrionario insta a crecer y se adapta a las condiciones, con los vientos terminan dando giros y vueltas, y rara vez
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Hardware uno de mis principios de funcionamiento de los amplificadores de diseño es: Cuanto más simple mejor. crece recto. La madera de mezquite es dura, y ofrece colores que van desde el luminoso color miel a las los resplandecientes tonos púrpura, con variaciones infinitas. Qué mejor manera de ser una representación visual de lo que hacemos: crear tonalidades, crear música. Greene & Greene fueron arquitectos famosos durante el periodo de la artesanía, alrededor del inicio del SigloXX. Tuve la suerte de visitar personalmente la Casa Gamble en Pasadena, California. Pude ver que no hicieron uso alguno de clavos o tornillos. Aquello me impresionó tanto en mi adolescencia que cuando diseñé mis gabinetes quise usar una técnica similar: no hay tornillos o clavos. Para las placas frontales suelo elegir las piezas más orgánicas que consigo encontrar, aun que por lo general dejo que sea el cliente quien elija entre todas las piezas que traigo al taller. Muy a menudo tienen agujeros de insectos naturales y madrigueras, y es que no hay un creador más fino de la belleza de la naturaleza. Una historia corta, por favor: En una de las ediciones del Dallas Guitar Show, una mujer pasaba, y le pasó la mano por la parte superior de uno de mis amplificadores, y ella le dijo a su marido: “Yo quisiera encontrarme esto en mi sala de estar.” jajajaja.
Otros interesantes No me gustaría que un cliente potencial pensara que sólo construyo amplificadores de guitarra. Mi primer amor fue con el HIFI Vintage, y aun mantengo esa pasión, por eso construyo con los previos a válvulas más musicales, que por su puesto son los octales. Pronto empezaré a construir mi primer previo a válvulas para plato (giradiscos) viendo que desde no hace mucho el vinilo está realizando una gran vuelta al origen.
IRON RED AMPS Paul Sanchez www.redironamps.com paul@redironamps.com or clnsdlpr@austin.rr.com 213 S. Rio Grande, Lockhart, Texas, 78644 - USA.
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www.redironamps.com
paul@redironamps.com
213 S. Rio Grande, Lockhart, Texas, 78644 - USA.
GUITAR FAIR
International trade fair for guitars & basses
Passion for the instruments
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El Rinc贸n Sonoro
by Antonio Fern谩ndez Morell.
WHITESNAKE
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ras un análisis anterior a una jovencísima promesa como es Jared James, hoy os vengo a hablar de un clásico, uno de los discos más fascinantes y completos que he escuchado jamás y que no es otro que 1987 de Whitesnake. Lanzado al público el 7 de abril de 1987 (Geffen Records en Estados Unidos y EMI para el resto del mundo) siendo producido por Mike Stone y Keith Olsen. Obtuvo 8 discos de platino en EEUU. Dos de sus singles acabaron dentro de la lista top 10 de Billboard (a la postre serían los dos únicos temas de whitesnake que entraran en esta lista), Here I Go Again y Is This Love, de las cuales hablaremos más adelante. Los problemas internos en la formación, las malas lenguas hablan del excesivo liderazgo del guitarrista Sykes, ensombreciendo a David Coverdale (vocalista del grupo, ex Deep Purple), hicieron que el grupo se desmembrara incluso antes de que el plástico saliese al mercado. Espectacular de principio a fin, supuso un antes y un después en la música Glam Metal y contiene baladas que perdurarán por siempre. Sin más dilación vamos a pasar de
descubrir este 1987, me resulta casi imposible creer que el anterior disco de la banda, Slide It In, fuera tan “bluesero”, porque aquí nos vamos a encontrar Hard Rock ochentero del bueno. Un huracán de 300 kilómetros por hora nos sacude en el primer corte, Still Of The Night, que auténtica pasada. Un riff tremendo y un sonido demoledor, no es de extrañar que durante un tiempo fuese el video más solicitado en cadenas como MTV. Solo por esta canción ya merece la pena comprar el disco. Agresiva (el solo es sencillamente perfecto), dulce (la parte de los violines es para flipar) y hasta sexual en algunos momentos… una de las mejores composiciones de la banda en su historia. Esto empieza pero que muy bien. Give Me All Your Love es un corte potente y muy
alegre, pero a la vez con una letra romántica a más no poder. Un ritmo pegadizo, perfecta para cargar energías porque es innegable las buenas vibraciones que da. Ojo al solo del señor Sykes, WOW! En Bad Boys vuelve el Heavy Metal, el de los chicos malotes…me encanta esta canción, muchísima velocidad, de nuevo un solo de aúpa. Cabe destacar la fuerza de la batería, sobre todo al final del tema, buenísimo. Qué puedo decir de Is This Love… ¿Hay alguien en el mundo que no haya escuchado esta balada? Yo me niego a creerlo. Aunque en principio fue compuesta para Tina Turner fueron los chicos de David Coverdale quienes se hicieron con ella. Llegó al número dos en las listas solo superada por el siguiente corte del disco (Here I Go Again),
además está considerada una de las 10 mejores baladas de amor de todos los tiempos. Es una canción realmente bella, a mi me pone los pelos de punta cada vez que la escucho. Here I Go Again fue versionada para este disco, puesto que ya había sido editada por Whitesnake en el disco Saint’s and Sinners (1982), y se convirtió en corte más exitoso de la banda, llegando al número 1 en las listas de EEUU. Utilizada para innumerables anuncios, películas, series, etc. En 2006 fue colocada por VH1 entre las 20 mejores canciones de la década de los 80. Archiconocida y, desde luego, una de las mejores baladas que he escuchado en mi vida. Straight for The Heart vuelve al buen rollo y a la carga de energía de la que anteriormente os hablaba. Pegadiza y bastante comercial, aunque con detalles de temazo, como el solo de guitarra que vuelve a ser muy rápido y con un sonido brillante. Fácil de escuchar, os sacará una sonrisa de la cara siempre. Con Looking for Love me vienen muchísimos recuerdos a la cabeza, jamás podré olvidar la primera vez que la escuché (también me pasó con Crying in the rain, de la que os hablaré más adelante). Si bien es cierto que hemos hablado de grandes éxitos anteriormente, como Is This Love o Here I Go Again, para mi esta es la mejor balada
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El Rincón Sonoro
del disco, y posiblemente de toda la historia de Whistesnake, a pesar de que ni de broma obtuvo el reconocimiento de las anteriores. Esta canción crea una atmósfera bellísima, con una voz penetrante, una letra espectacular, y un solo de guitarra cargado de sentimiento y feeling. Siempre la he catalogado como la “canción perfecta” porque lo es en todos los sentidos. Tal vez alguien de vosotros esté de acuerdo conmigo. Children of the Night nos regresa a la caña, dadle fuerte chicos. Are You Ready to Rock? No podréis dejar de bailar, os
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lo aseguro. Como veis el disco es un poco montaña rusa, intercalando baladas y temas heavy una tras otra. Impresionante. You´re Gonna Break My Heart Again me recuerda bastante al sonido de bandas como Scorpions, seguro que los de Klaus estarían orgullosos de haber sacado un tema como este. Muy buena. Yo creo que Crying in The Rain está en el puesto 10 de la edición europea del disco (la que estoy analizando, en EEUU el orden es distinto) porque es una canción 10. Para el que os escribe es el mejor corte de este 1987 y, como
os dije antes, imposible para mi olvidarme de la primera vez que la escuché, y no porque fuese en un autobús camino a ver un concierto de Yngwie Malmsteen, si no porque me quedé perplejo, que barbaridad. También fue versionada para este disco, pues que al igual que Here I Go Again, fue editada en Saint´s and Sinners unos años antes. Brutal de principio a fin, impresionante la voz, la batería, el mundo al que te traslada y el mejor solo de guitarra de todo el disco. “El sol brilla ahí fuera, pero todavía llueve en mi corazón”. Me quedo
sin palabras, la estoy volviendo a escuchar ahora mismo y estoy casi emocionado. Con Don´t Turn Away acaba esta maravilla, esta obra de arte que se hizo música, bonita canción y de corte de nuevo comercial para poner la guinda a una despedida mejor imposible, un adiós perfecto.
Antonio Fernández Morell.
WHITESNAKE - 1987 David Coverdale - Voz John Sykes - Guitarra Neil Murray - Bajo Aynsley Dunbar - Batería
65
Guitar Fair Magazine - Marzo 2016
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