EL ARTISTA 11 by EL ARTISTA MAGAZINE

Dario Escobar

Three artists and their work, in their own words...

INTRODUCTION

By: Martín Fernández-Ordóñez

believe that one of the most interesting text formats to get to know an artist and his or her work are interviews. I recall that many years ago, when I read the book “The Artist’s Voice” on the North American art critique of Katherine Kub (1904-1994), published in 1962, I was able to understand much better the ideas and intentions of the 17 artists interviewed by the author, including Georgia O’keeffe, Alexander Calder and Marcel Duchamp. Reading the exposition of ideas and direct responses of creators helped me have a clear context of the movements in the mid-20th Century, which Katherine Kub covered with her questions. There is a closer and more human approach during an interview, -although we might be decades and continents apart from artists-, regarding the critical or purely academic nineteenth century text. Therefore, when the magazine’s editor commended me to write a text on the work of three Guatemalan contemporaneous artists, I decided to do an interview. And the process becomes fascinating since the very beginning, for the relation between an author/interviewer and the artist develops differently according to the personality of each interviewee. Some have the answer at the tip of their tongue, while others take their time to reflect and respond. Some

might be more willing to reveal details on their creative process, while others prefer to go in more depth on their preferred technique. Some are shy and one has to find creative persuasion ways to get more information, while others offer so much information that it is inevitable to proceed to edits. But there are also artists who don’t like to be interviewed, or simply prefer not to talk about their own work. There might also be questions they don’t like and decide to skip. In the specific case of the artists interviewed this time, -Darío Escobar, Gustavo Chacón and Erick Boror-, I experienced a very different communication level, but they were all open and willing to collaborate. I asked them to take their time to think about their responses and gave them the option to only respond to those questions they felt comfortable with, as well as to go in more depth or less depth, according to their level of interest in a specific topic. So, in spite of the fact that most questions were the same, each interview was different and I hope the reader finds their answers as interesting and informative as I found them. So now, the artists will share with us about their careers, their creative process, their goals and the current status of their own processes.

Tres artistas y su obra, en sus propias palabras...

INTRODUCCIÓN

Texto de: Martín Fernández-Ordóñez

esde hace ya algún tiempo, he considerado que uno de los formatos de texto más interesantes para conocer a un artista y su obra es el de la entrevista. Recuerdo que hace varios años, cuando leí el libro “The Artist´s Voice” de la crítica de arte estadounidense Katherine Kuh (1904-1994), publicado en 1962, pude comprender mucho mejor las ideas e intenciones de los 17 artistas que la autora entrevistó, entre ellos Georgia O´keeffe, Alexander Calder y Marcel Duchamp. Leer la exposición de ideas y respuestas directas de los creadores me ayudó a tener un contexto más claro de los movimientos en plena ebullición de mediados del siglo XX que Katherine Kuh cubría con sus preguntas. Hay en la entrevista algo de más cercano y humano, -aunque nos encontremos a décadas y continentes de distancia de los artistas-, respecto al decimonónico texto crítico o puramente académico. Por tal motivo, cuando el editor de esta revista me comisionó escribir un texto sobre la obra de tres artistas contemporáneos guatemaltecos, me incliné a hacerlo a partir de una entrevista. Y es que el proceso resulta fascinante desde un principio, pues la relación entre autor/ entrevistador y artista se desenvuelve de forma muy distinta según la personalidad de cada entrevistado. Así, hay quienes tienen la respuesta en la punta de la lengua, mientras que otros se toman su tiempo para reflexionar antes de responder. Alguno estará más dispuesto a revelar detalles sobre su proceso creativo, 3

mientras que el otro preferirá profundizar más sobre su técnica preferida. Unos son de pocas palabras y hay que recurrir a formas creativas de persuasión para conseguir más información, mientras que otros ofrecen tanta que resulta inevitable proceder a la edición. Pero hay también artistas a quienes para nada les gusta ser entrevistados, o simplemente, prefieren no hablar sobre el propio trabajo. Incluso, hay veces que a alguno no le gustará una de las preguntas del cuestionario y decidirá pasar a la próxima. En el caso particular de los artistas que entrevisté para esta ocasión, -siendo ellos Darío Escobar, Gustavo Chacón y Erick Boror-, con cada uno tuve un nivel de comunicación muy distinto, pero todos se mostraron abiertos y dispuestos a colaborar. A los tres les pedí que se tomaran su tiempo para elaborar sus respuestas y les ofrecí plena libertad para responder solo aquellas preguntas con las que se sintieran cómodos, así como profundizar más o menos según el nivel de interés de cada uno, en un abordaje específico. De esa cuenta pues, a pesar de que la mayoría de preguntas fueron las mismas, cada entrevista resultó diferente y espero que el lector encuentre las respuestas de cada entrevistado tan interesantes e informativas como me parecieron a mí. Dejo entonces la palabra a cada artista, para que sean ellos mismos quienes nos hablen sobre sus carreras, sobre su proceso creativo, sobre sus retos, metas y en dónde se encuentran actualmente en sus propios procesos.

Why do most people reject contemporaneous art? By: Martín Fernández-Ordóñez

To go in-depth into a series of writings on cotemporaneous art, I chose the method of one question per article approach, which I will try to respond while developing this topic. The reader will immediately note that this is not about cumbersome questions, for these might even seem simple; however, giving relatively clear explanations represents certain challenges and complexities.

meaning, everything that happens and develops around us and in our time. It is precisely here where mistakes regarding this same term start. Let me explain: let’s take the example of some artistic movements of the 19th Century. I am certain that Impressionism comes to mind to most of us. Therefore, if we think about the Parisian society of that time, when those who had the opportunity to visit the famous Paris Salon saw the art work of Manet (-do you remember the polemic painting titled The Luncheon on the Grass?)3, this type of paintings represented contemporaneous art at that time, accompanied by the corresponding shock that is generally caused by the new and the unknown.

Personally, I am not really interested in deep questioning the ontology of art1, nor do I intend to determine if this or that specific piece should be considered art work. Beyond joining the tireless efforts of the academia in trying to define art -one of the preferred obsessions of historians of this discipline-, I will focus on giving simple explanations to questions many of us have, such as why art is now the way it is, with its different shades and characteristics that many times contradicts precisely what most understand as Art (with a capital A).

Ontology is a branch of metaphysics that studies the nature of being. In art history, art ontology presents questions on the nature of art, its definitions and characteristics. 1

In the following article titled What do experts refer to with the “term contemporaneous art”? we will review the main characteristics of the type of art work in this category. 2

Since we must start somewhere, maybe it is necessary to do this clarifying some technical terms of the historic-artistic discipline. When the academia refers to contemporaneous art, it actually means a very specific group of manifestations, although there is certain ambiguity with the term. But we will go in more depth on this subject in the next article.2

In 1863, Édouard Manet (do not confuse with Claude Monet) presented at the Paris Salon a large scale painting, Déjeuner sur l´Herbe (The Luncheon on the Grass), with the title Le Bain (The Bath), which was rejected by the jury, but finally exhibited in an alternate salon called Salon des Refusés (Salon of the Refused). This art work caused a lot of polemic due to various reasons, but mainly due to its content of unjustified nudity that challenged the view of spectators; the model that posed for this painting was a woman with a questionable reputation; the contemporaneous clothing of the characters in the painting caused scandal due to the proximity with spectators. 3

As its name indicates, contemporaneous is a cultural manifestation that exists in each generation,

I like citing the specific case of impressionists because even though it has been 140 years since then, in our current context, there are very similar situations of rejection to contemporaneous art. If there were artists in Western art history for whom it was challenging to stand out and position themselves in the artistic world, it was the impressionists. Some, such as Caillebotte or Degas, were fortunate to belong to accommodated families that financially supported them and sometimes they were the ones who offered protection to their colleagues. But most of them lived those last decades of the 19th century having to face innumerable economic difficulties, due to the political and financial instability of the postNapoleonic France. The British writer Sue Roe, in her book The Private Lives of the Impressionists, relates in a very entertaining way, all the adventures and difficulties that many of the main representatives had to overcome; the way in which they organized in groups to have collective art exhibitions and who were the first to believe in them and make them notorious.4

Academy. We should not call them uneducated or ignorant. What happened was actually something very normal and simple: they did not understand. They had to spend several decades and make an endless number of efforts before the society started appreciating the new paintings. First, there were many exhibitions doomed to failure; a long list of bad critiques in the newspapers and even mocks and insults, before recognizing the beauty and charm in this new way of representing the world.

Probably some readers are wondering: How is it possible for such talented artists to have a challenge in finding a respectable space in the art world? Why did they not receive an immediate recognition on behalf of the public?

This rushed review of the past helps illustrate a situation that has repeated in the Western world, especially after the II World War, regarding contemporaneous artistic manifestations and the public. The rupture of dialogue between the artistart work-spectator started intensifying after the first avant-garde of the 20th century, but it was not until the 60’s, this past century, when communication was almost completely broken.

We must remember that this was a society that had spent over a century learning in its official academy that Art (with a capital letter, once again) was entering a rigid system of hierarchies and also had to obey a social function5. Therefore, it was not going to be that easy for people by foot, not even the most educated on the subject, to accept from one day to the other that a painting that represents women ironing or people dressed as them having picnics by the river, should also be considered Art.

If we contemplate a landscape of Pisarro or a wine cellar of Cezanne, we would not even think about questioning their esthetic and artistic values. Much less if we think of the ethereal scenes of the ballet dancers of Degas or even the tortuous night landscapes of Van Gogh. But for the common people of that time, for persons who visited the Salon every year expecting to find something beautiful, impressionist art seemed ugly or unacceptable. Needless to say! -argued some gentleman who saw the art work exhibited at the famous Salon of the Refused- This painting is a mock, it is not even finished, it seems like a sketch! My youngest daughter would have done a better job!

In the next edition, we will make a more detailed review of this historic moment, without which it is impossible to understand why art took that direction and why it became distant from the understanding of most people.

Roe, Sue. The Private Lives of the Impressionists. Harper Perenial. New York, 2007 4

The Real Academy of Paint and Sculpture of France was founded in Paris in 1648. This institution established that art was structured in a species of hierarchic pyramid according to the importance of content: in the peak, there were paintings with religious, mythological, historic, literary or allegoric topics. In the second category, there were gender paintings such as portraits, landscapes, dead nature, custom scenes, etc. For the Academy, the first category of painting had a social function because it required certain interpretation of life or transmitting patriotic, civic or moral values. 5

As North Americans would say: Sounds familiar? Playing the role of the devil’s advocate, one must not judge too harsh those people who slightly started facing a type of art that was completely outside the institutional framework established by the strict

¿Por qué la mayoría de personas rechaza el arte contemporáneo? Por: Martín Fernández-Ordóñez

Para adentrarnos en esta serie de escritos sobre arte contemporáneo, escogí como método el planteamiento de una pregunta por artículo que intentaré responder durante el desarrollo del tema. El lector notará inmediatamente que no se trata de preguntas engorrosas, ya que algunas veces podrían llegar a parecer hasta simples; sin embargo, dar explicaciones relativamente claras presenta ciertos retos y complejidades. Personalmente, no me interesan demasiado los cuestionamientos profundos sobre la ontología del arte6, ni siquiera me seduce el intento de etiquetar si esta o aquella pieza específica debería considerarse como obra de arte o no. Más allá de sumarme a los esfuerzos incansables de muchos académicos por tratar de definir lo que es el arte –una de

las obsesiones preferidas de los historiadores de esta disciplina–, me enfocaré en dar algunas explicaciones sencillas a planteamientos que muchos compartimos, como por qué el arte de nuestros tiempos es como es, con sus distintos matices y características que muchas veces contradicen precisamente lo que mayoría entiende como Arte (con A mayúscula). Como hay que empezar por algún sitio, quizás sea necesario hacerlo con la aclaración de algunos términos técnicos propios de la disciplina histórico-artística. Cuando los académicos hablan de arte contemporáneo, en realidad se refieren a un grupo muy específico de manifestaciones, aunque en realidad existe cierta ambigüedad con el término. Pero sobre este asunto en particular nos ocuparemos en el siguiente artículo.7

Como su nombre lo indica, contemporáneo es toda manifestación cultural que existe en el momento de cada generación, es decir, todo aquello que sucede y se desarrolla a nuestro alrededor y en nuestro propio tiempo. Es justo aquí donde empiezan los equívocos respecto al término mismo. Me explico: tomemos como ejemplo alguno de los movimientos artísticos del siglo XIX. Estoy seguro de que a la mayoría se le vendrá a la mente el Impresionismo. Si pensamos, por lo tanto, en la sociedad parisina de aquella época, cuando quienes al tener la oportunidad de visitar el famoso Salón de París se toparon de pronto con las obras de Manet (¿Se acuerdan de su polémico cuadro titulado Almuerzo sobre la hierba?) 8, este tipo de pinturas representó el arte contemporáneo de su momento, acompañado del respectivo shock que causa generalmente lo nuevo y desconocido.

La ontología es la rama de la metafísica que estudia la naturaleza del ser. En historia del arte, la ontología del arte se plantea por lo tanto preguntas sobre la naturaleza misma del arte, sobre sus definiciones y características. 6

En el siguiente artículo titulado ¿A qué se refieren los expertos con el término “arte contemporáneo”? revisaremos algunas de las principales características del tipo de obras de arte que entran dentro de esta categoría. 7

En 1863 Édouard Manet (No confundir con Claude Monet), presentó al Salón de París una pintura de gran formato titulada Déjeuner sur l´Herbe (Almuerzo sobre la hierba), con el título Le Bain (el baño), el cual fue rechazado por el jurado, pero finalmente expuesto en un salón alterno llamado precisamente Salon des Refusés (Salón de los rechazados). Esta obra causó mucha polémica por varios motivos técnicos, pero principalmente por su contenido como el desnudo injustificado que desafía la mirada del espectador; la modelo que posó para el cuadro era una mujer conocida y de reputación cuestionable; la vestimenta contemporánea de los personajes del cuadro escandalizó por su cercanía a los espectadores. 8

Me gusta citar el caso específico de los impresionistas, porque, aunque estemos a más de 140 años de distancia, en nuestro contexto actual suceden situaciones de rechazo hacia el arte contemporáneo muy similares a aquellas. Si hubo artistas en la historia del arte occidental a quienes les costó sobresalir y posicionarse dentro del mundo artístico, fueron precisamente los impresionistas. Algunos, como Caillebotte o Degas, tuvieron la suerte de pertenecer a familias acomodadas que los apoyaban financieramente y algunas veces ellos mismos ofrecieron protección a sus compañeros. Pero la mayoría de ellos vivió aquellas últimas décadas del siglo XIX teniendo que enfrentar innumerables dificultades económicas, a merced de la inestabilidad política y financiera de la Francia posnapoleónica. La escritora británica Sue Roe en su libro The Private Lives of the Impressionists, relata de forma muy amena todas las peripecias y dificultades que tuvieron que superar varios de sus principales representantes; la forma en la cual tuvieron que organizarse en grupos para lograr exponer todos juntos y quiénes fueron los primeros que creyendo en ellos, consiguieron llevarlos a la notoriedad.9 Probablemente algunos lectores se estarán preguntando ahora mismo: pero ¿cómo es posible que les costara tanto a aquellos talentosos artistas encontrar un lugar respetable dentro del mundo del arte? ¿Cómo pudo ser que no obtuvieran un inmediato reconocimiento por parte del público?

Si contemplamos un paisaje de Pisarro o un bodegón de Cezanne, ni siquiera se nos ocurriría cuestionar sus valores estéticos y artísticos. Mucho menos si pensamos en las escenas etéreas de bailarinas de Degas o incluso hasta en los tortuosos paisajes nocturnos de van Gogh. Pero para la gente común de aquella época, para las personas que visitaban el Salón cada año esperando encontrar lo bello, el arte impresionista les pareció feo e inaceptable. ¡Ni hablar! –argumentaban algunos airados caballeros frente a las obras expuestas en el famoso Salón de los Rechazados- ¡Esta pintura es una burla, si ni siquiera está terminada, parece un simple boceto! ¡Hasta mi hija pequeña podría haberlo hecho mejor! Como dirían los estadounidenses: Sounds familiar? Jugando un poco el rol del abogado del diablo, no hay que juzgar con demasiada dureza a aquellas personas que apenas empezaban a enfrentarse a un tipo de arte que se salía completamente del marco institucional establecido por la estricta Academia. Tampoco debemos tacharlos de incultos, ni mucho menos de ignorantes. Lo que les sucedió en un principio fue en realidad algo muy normal y sencillo: no lo entendieron. Tuvieron que pasar varias décadas y un sin fin de esfuerzos antes de que la sociedad empezara a tomarle el gusto a aquella nueva pintura. Primero tuvo que sucederse una gran cantidad de exposiciones prácticamente destinadas al fracaso; una larga lista de malas críticas en los periódicos e

incluso burlas e insultos, antes de que se llegara a reconocer la belleza y el encanto en aquella nueva forma de representar al mundo. Debemos recordar que aquella era una sociedad que llevaba más de un siglo aprendiendo en su academia oficial que el Arte (con mayúscula, nuevamente) entraba en un sistema rígido de jerarquías y que además debía obedecer a una función social10. De modo que no iba a ser tan fácil que las personas de a pie, pero ni siquiera los más entendidos en la materia, aceptaran de la noche a la mañana que una pintura que representa a mujeres planchando o a gente vestida como ellos teniendo picnics a la orilla de un río, también debía ser considerado Arte. Esta apresurada revisión del pasado nos sirve para ilustrar una situación que se ha repetido en el mundo occidental, en especial a partir de la Segunda Guerra Mundial, respecto a las manifestaciones artísticas contemporáneas y el público. Porque la ruptura del diálogo entre artista-obra de arte-espectador, empezó a intensificarse a partir de las primeras vanguardias del siglo XX, pero no fue sino hasta los años 60 del siglo pasado cuando la comunicación se rompió casi por completo. En las próximas entregas haremos una revisión más detallada de este momento histórico, sin el cual no se consigue entender mucho de por qué el arte tomó la dirección que tomó y cómo fue que terminó por alejarse del entendimiento de la mayoría de personas.

Roe, Sue. The Private Lives of the Impressionists. Harper Perenial. New York, 2007

La Real Academia de Pintura y Escultura de Francia fue fundada en París en 1648. Esta institución establecía que el arte estaba estructurado en una especie de pirámide jerárquica según la importancia de su contenido: en la cúspide se encontraba la pintura con temas religiosos, mitológicos, históricos, literarios o alegóricos. En la segunda categoría se encontraba la pintura de género como los retratos, paisajes, naturalezas muertas, escenas costumbristas, etc. Para la Academia, la pintura de la primera categoría tenía una función social porque debía conllevar cierta interpretación de la vida o transmitir valores patrióticos, cívicos o morales. 10

AMIR LUCKY By Dr. Orlando Hernández-Ying

The Last Carrot

Art Historian / Curator 8

First Inroads

expression, without limits or censorship, in the most spontaneous and democratic of the pictorial languages of today.

Lucky felt an innate calling to become an artist. The artistic environment was familiar since he was a child, for his father, the painter Rafael Candanedo, worked for many years at a family signage business. At a young age, Lucky turned his vocation into his purpose of life. At the age of 20, his intellectual curiosity led him to travel to Italy. This trip was a decisive “quantum leap from Pedregal” – his natal neighborhood in the Panamanian capital – to Rome. There he observed the frescoes of the Sistine Chapel and the Vatican introduced him to monumental formats and the chiaroscuro of the Renaissance artists – Michelangelo and Raphael – among other great artists.

The artist had a revelation while painting in the secrecy of the night. There he discovered by himself some elements of harmonious graffiti that we wanted to evoke in his visual message. He nourished the pictorial elements of the microcosmos of the graffiti art subculture. He studied giant formats and mixed techniques, including aerosol. Then he gave it a twist and incorporated them to his palette. Lucky continued painting on the streets. One of the things he values the most of this time is the experience and the people crossed paths with. This human aspect of urban art that creates images considering the feeling of the community where these will belong can be identified in the vision of Lucky and his artwork. Among the projects carried out during this time he recalls one in Yaviza, Darien, where several graffiti artist colleagues painted on the walls of houses on the main street in town, as if it were a street packed with canvas.

The visual polished proposal of Lucky that we observe today is the result of an intense and continuous introspective exercise. The search for his visual language and his form of expression was not easy or immediate. On the contrary, these are a result of a long exploration and maturing process in the conceptual, as well as in the technical aspects. Throughout the years, he carried along innumerable sketch notebooks in the seasons of loneliness in Panama and foreign countries. Temporarily, he dedicated to tattoo art, and then to academic drawing. His artistic expression reached a point in which, according to the artist, he spent “long hours drawing himself.”

El Charcco

Graffiti and Urban Art Thanks to Neo, a graffiti artist and friend, Lucky discovered graffiti art. He was impacted by the great proportions of the urban art format. He also identified himself with the freedom of expression, his grandiloquence and versatility of means, and the techniques one can combine in this style. In addition, the rebel street spirit of this artistic style offered a world of opportunities to manifest himself as an artist and “belong in time” without being subjected to the critique of small groups. Urban art offered him an open field for artistic 9

inviting European artists to paint in Panama. During this trip and in the middle of his introspective moment, Lucky had several “encounters” with artwork that resonated with this esthetic sense. The bizarre and apparently spontaneous worn out finishings of Kinki Texas (Holger Meier) penetrated him. Lucky observed in the artwork of the active contemporaneous artist in Berlin how the chaotic tears, blots and blasts saturating his compositions become pictorial elements, a methodology that he reinterprets and incorporates in his work in an innovative way. Our artist achieves this by evoking deterioration signs as a compositive resource, more than evidencing time passing by, which become expressionist elements that give personality and movement to animated characters, the protagonists of his artwork. When arriving in Belgium, after this experience, Lucky felt an imminent calling to continue exploring his personal path in art and finding his own voice. Once again he felt the urban art calling, that sensation of freedom, but in his own comfort zone. He experienced uncertainty and frustrating moments. It was in Belgium and Germany that he discovered his affinity for experimenting in his artwork with the creation of characters. Finally, he felt the urge to continue by himself. He had to say to say good-bye to his colleagues at EXO2 CREW to study this new phase in isolation, to have space for his spiritual and artistic search. Somehow, he was also seeking some type of relief to the anxiety he suffered due to this constant search.

Follow The Leader

Commercial Art and Exodus Urban art and its new techniques opened the doors to commercial muralism. Its great impact artwork attracted the attention of interior designers and that is how decoration projects started at signature hotels, restaurants and commercial locations. During 4 years, he dedicated to this profitable activity. However, this distracted Lucky from his original search as an artist, for he only painted according to the criteria of designers that commended the work. He felt that with every commercial decoration project, he got farther away from his own artistic vision and visual language.

He ended up in Naples, temporarily at his sister’s house. He felt an inner emptiness similar to the creative frustration expressed by Duero in his famous artwork, Melancholy. Lucky had to face his challenge with severe economic limitations, limited mobility and far away from home. Finally, he was able to return to Panama with his family’s help. The relief of returning home did not

In 2019, the artist became part of the EXO2 CREW— a young and talented group. Together they organized the Bilateral, a period of four months throughout Europe with the objective of painting in several countries and

contemporaneous art, such as aerosol painting, image overlapping and blasts, among others. These details evoke textures in street art murals and are also used as expressive compositive elements that give its own personality to Lucky’s artwork. With this formula, he creates the current graphic line that Lucky denominated Abstract Toons.

last long due to the anxiety caused by the inconclusive questions of his artistic process introspection. This concern was so severely psychosomatically manifested that it was impossible for him to work on his art. The artist almost went bankrupt. In this empty space, he hit rock bottom. He went back home to his mother to be surrounded by family support. In spite of the severe situation, the alternative of resuming commercial decoration contracts was out of question.

The Abstract Toons characters come from images that Lucky finds in the graphic content observed on the streets. The artwork emphasizes on elements of an urban landscape that are occasionally unperceived by most people, but elevating them to an esthetic level. Among his many contributions, the artistic proposal of Lucky stands out for adopting and reformulating graffiti urban art techniques to a medium-size format of canvas painting in a dynamic and trendy form.

Very few artists are as aware of the importance of mental health and its relation with the creative process as Amir Lucky. The young painter understands the correlation between emotional, psychological and social wellbeing and the way in which an artist thinks, acts and expresses when facing challenges in life. It is exceptional to find such a young person with so elevated concerns on the self-perception of awareness and its connection with artistic sensitivity. The long thought process through which Lucky profiled his visual speech is found in his methodologies of esthetics, the branch of philosophy that studies the essence and perception of beauty. His artistic search shows how the expression of beauty is one of the most sophisticated thought processes conceived by human race, being a recurring topic throughout history and analyzed by great philosophers such as Plateau, Diderot, Kant, Hegel and Schopenhauer.

The textures that accompany Lucky’s characters represent the inconformity with the world on the streets that challenges the art gallery scheme. Behind a first apparently candid and playful impression, the toons express themselves with total freedom and rebellion against the system. In esthetic terms, the “street textures” that make up the great urban landscapes and appear in the artwork as tears, drip paint and overlapped paint layers, symbolize spontaneous and open human activity that juxtaposes to the rigid exclusivity of the elite group. Lucky considers that every initiative that gives access to the people to art is a step forward. According to him, an urban artist has the possibility of navigating both spheres. In conclusion, Abstract Toons is an esthetic proposal well built in form and substance.

“Abstract Toons” At the end of his long conceptual search, Lucky found his subject in the characters he recalled during his childhood in animated cartoons. His proposal makes a contemporaneous reference to the ludic world. In addition, he boldly breaks the monolithic topics of the art world. The artist creates his own repertoire of characters and topics, as well as a new visual speech that combines elements of urban art and abstraction with a contemporaneous twist.

The talent of Amir Lucky stands out not only due to his technical talent in managing urban art means, his forefront palette and explosive compositions, but also due to the depth and eloquence of his speech. The cartoon characters are sophisticated semiotic icons that evoke much more than the phantasy of animated cartoons. With high chromatic contrasts, the toons break the formal art schemes with a smile on their face. The extensive search of our artist finally gave fruit in a conceptual message executed in an impacting and creative way. The mastery of Lucky reflects on the brilliant pictorial execution and roundness of subjacent arguments that his message expands and reaches new semiotic dimensions as it simultaneously brings down artificial social barriers.

Among the subjects of the artwork of Amir Lucky are iconic characters and others from his own imagination. However, he introduces them decomposing their shapes or accompanying them by abstract elements – occasionally inspired on the artwork of Olga Sinclair. He also incorporates techniques of urban and

Donald

AMIR LUCKY Por Dr. Orlando Hernández-Ying

Historiador del Arte / Curador 12

Primeras Incursiones Lucky sintió un llamado innato a ser artista. El ambiente artístico le era conocido desde niño ya que su padre, el pintor Rafael Candanedo, trabajó por muchos años en un negocio familiar de rotulación. Siendo muy joven, Lucky convirtió su vocación en propósito de vida. A sus 20 años, su curiosidad intelectual lo llevó a emprender un viaje a Italia. Este viaje fue un decisivo “salto cuántico desde Pedregal”—su barrio natal en la capital panameña—a Roma. Allí observó de primera mano los frescos de la Capilla Sixtina y el Vaticano que lo introdujeron a los monumentales formatos y al claroscuro de los viejos maestros renacentistas—Miguel Ángel y Rafael—entre otros grandes de las artes. La pulida propuesta visual de Lucky que podemos observar hoy es el resultado de un intenso y continuo ejercicio introspectivo. La búsqueda de su lenguaje visual y su manera de expresión no se dieron de manera fácil ni inmediata. Por el contrario, son el resultado de un largo proceso de exploración y maduración tanto en el aspecto conceptual como en el técnico. A lo largo de los años, innumerables cuadernos de bosquejos siempre le acompañaron durante sus largas temporadas de soledad en Panamá y el extranjero. Temporalmente, se dedicó al arte del tatuaje, y mas adelante, al dibujo académico. Su proceso artístico llegó al punto, en que, según el propio artista, pasaba “largas horas dibujando lo mismo.”

Graffiti y Arte Urbano Gracias a Neo, un amigo graffitero, Lucky descubrió el arte del graffiti.

Quedó impactado por las grandes proporciones del formato de arte urbano. Además, también se sintió identificado con su libertad de expresión, su grandilocuencia, y la versatilidad de medios y técnicas que se podían combinar en este estilo. Además, el espíritu callejero rebelde de esta corriente artística le ofreció un mundo de oportunidades para manifestarse como artista y “permanecer en el tiempo” sin tener que someterse a la crítica de pequeños grupos. El arte urbano le ofreció un campo abierto para la expresión artística, sin límites ni censura, en el mas espontáneo y democrático de los lenguajes pictóricos de la actualidad. El artista tuvo una de sus revelaciones pintando en la clandestinidad de la noche. Allí descubrió para sí mismo algunos de los elementos del graffiti cónsonos a lo que quería evocar en su mensaje visual. Se nutrió de los elementos pictóricos del microcosmos de la subcultura graffitera. Estudió sus formatos agigantados y sus técnicas mixtas, incluyendo el aerosol. Luego les dio un giro y los incorporó a su paleta. Lucky continuó pintando en las calles. Una de las cosas que mas valora de esta etapa, son sus experiencias y el contacto con las personas que encontró en su camino. Ese aspecto humano del arte urbano que se esmera en crear imágenes teniendo en cuenta el sentir de la comunidad en donde van a permanecer, lo podemos identificar en la visión de Lucky y en su obra. Entre los proyectos de esta etapa, recuerda uno que se llevó a cabo en Yaviza, Darién, en donde varios colegas graffiteros pintaron las paredes de las casas en la calle principal del pueblo como si se tratara de una calle llena de lienzos.

Arte Comercial y Éxodo

buscaba también algún tipo de alivio de la ansiedad que sufría a causa de su constante búsqueda.

El arte urbano y sus nuevas técnicas le abrieron las puertas al muralismo comercial. Sus obras de gran impacto llamaron la atención de diseñadores de interiores y así surgieron proyectos de decoración en hoteles de diseño, restaurantes, y locales comerciales. Durante 4 años el artista se dedicó a esta lucrativa actividad. Estos derroteros, sin embargo, llevaron a Lucky a distraerse un poco de su búsqueda original como artista ya que en ellos solo pintaba según los criterios de los diseñadores que comisionaban su trabajo. Sentía que con cada proyecto de decoración comercial se alejaba mas de su propia visión artística y de su lenguaje visual.

Terminó atascado en Nápoles, alojado temporalmente en casa de su hermana. Sintió un desolador vacío interior similar a la frustración creativa que expresó Durero en su famoso grabado Melancolía. Lucky tuvo que enfrentar su desafío con severas limitaciones económicas, movilidad limitada, y lejos de su tierra. Finalmente pudo regresar a Panamá con ayuda de su familia. El alivio de haber regresado a su país duró poco por causa de la ansiedad que generaban las preguntas inconclusas de su introspectivo proceso artístico. Esta preocupación se manifestó de manera psicosomática de manera tan grave que le imposibilitó hacer arte. El artista llegó al punto de quiebre. En ese espacio vacío tocó fondo. Volvió a casa de su madre para rodearse del apoyo familiar. Pese a la severidad de la situación, la alternativa de retomar contratos de decoración comercial quedó descartada.

En 2019, el artista formó parte de EXO2 CREW—un grupo de jóvenes talentos. Juntos organizaron Bilateral, un periplo de cuatro meses por Europa con el objetivo de pintar en varios países y a la vez invitar a artistas europeos a pintar en Panamá. Durante ese viaje y en medio de su propia coyuntura introspectiva, Lucky tuvo varios “encontrones” con obras que tuvieron resonancia con su sentido estético. Le calaron, por ejemplo, la bizarría y los acabados desgastados aparentemente espontáneos de Kinki Texas (Holger Meier). Lucky observó en la obra de este artista contemporáneo activo en Berlín, como los caóticos rasgados, borrones, y chorreados que casi saturan sus composiciones se convierten en elementos pictóricos, metodología que reinterpreta e incorpora en su trabajo de manera innovadora. Nuestro artista lo hace evocando los signos de deterioro como recurso compositivo, mas que evidenciar el paso del tiempo, pasan a ser elementos expresionistas que dotan de carácter y movimiento a los personajes animados que llevan el protagonismo de sus cuadros.

Pocos artistas están tan conscientes de la importancia de la salud mental en relación con el proceso creativo One Way

Al llegar a Bélgica, luego de esta experiencia, Lucky sintió un llamado inminente a continuar explorando su camino personal en las artes y encontrar su propia voz. Volvió a sentir el llamado del arte urbano, su sensación de libertad, pero dentro su zona de confort. Experimentó momentos de incertidumbre y frustración. Fueron sus estancias en Bélgica y Alemania donde descubrió su afinidad por experimentar en su obra con la creación de personajes. Finalmente, se vio en la necesidad de estar solo. Tuvo que despedirse de sus compañeros de EXO2 CREW para estudiar su nueva etapa de manera aislada, de modo que tuviese espacio para su búsqueda espiritual y artística. De alguna manera 14

Recreo

como Amir Lucky. El joven pintor comprende la correlación entre el bienestar emocional, psicológico, y social y la forma en que piensa, actúa, y se expresa un artista, al enfrentarse a los retos de la vida. Es excepcional encontrar una persona tan joven con preocupaciones tan elevadas acerca de la autopercepción de la conciencia y su estrecha conexión con su sensibilidad artística. El largo proceso de pensamiento mediante el cual Lucky perfiló su discurso visual se encuentra dentro de las metodologías de la Estética, la rama de la filosofía que estudia la esencia y la percepción de la belleza. Su búsqueda artística demuestra como la expresión de la belleza es en sí uno de los procesos de pensamiento mas sofisticados concebidos por la raza humana siendo un tema recurrente a lo largo de la Historia y analizado por grandes filósofos como Platón, Diderot, Kant, Hegel y Schopenhauer.

“Abstract Toons” Las texturas que acompañan a los personajes de Lucky representan la disconformidad del mundo de la calle que desafían los esquemas de las galerías de arte. Detrás de una primera impresión aparentemente cándida y juguetona, los toons se expresan en total libertad y rebeldía contra el sistema. En términos estéticos, las “texturas callejeras” que conforman los paisajes de las grandes urbes, y que aparecen en la obra en forma de rasgados, drip paint, y capas superpuestas de pintura, simbolizan la actividad humana espontánea y abierta que se yuxtapone a la rígida exclusividad de las élites. Lucky considera que cualquier iniciativa que permita el acceso del arte al pueblo es un paso ganado. Según él, el artista urbano tiene la posibilidad de navegar en ambas esferas. En conclusión, Abstract Toons es una propuesta estética bien construida en fondo y forma.

Al final de su larga búsqueda conceptual, Lucky encontró su sujeto en los personajes que recordaba de su infancia de los cartones animados y las caricaturas. Su propuesta hace una referencia contemporánea al mundo lúdico. Además, rompe audazmente con los monolíticos temas del mundo del arte. Con esto el artista crea su propio repertorio de personajes y temas, además de un nuevo discurso visual que combina elementos del arte urbano y la abstracción con un giro contemporáneo. Entre los sujetos de la obra de Amir Lucky se encuentran personajes icónicos y otros de su propia autoría. Los presenta, sin embargo, descomponiendo sus formas, o bien acompañándolos de elementos abstractos—inspirados ocasionalmente en la obra de Olga Sinclair. También incorpora técnicas del arte urbano y contemporáneo, como la pintura en aerosol, la superposición de imágenes, y los chorreados, entre otras. Estos detalles evocan las texturas de los murales del arte callejero y a la vez son utilizados como expresivos elementos compositivos que le dan a la obra de Lucky un carácter propio. Con esta formula crea la línea gráfica de actualidad que el mismo Lucky denominó Abstract Toons.

El talento de Amir Lucky sale a relucir no solo por su talento técnico en el manejo de los medios de arte urbano, su paleta de vanguardia, y sus explosivas composiciones, sino también por la profundidad y elocuencia de su discurso. Los personajes de caricatura al final son sofisticados íconos semióticos que evocan mucho mas que la fantasía de los cartones animados. Con sus altos contrastes cromáticos, los toons rompen los esquemas formales del arte con una sonrisa en la cara. La extensiva búsqueda de nuestro artista finalmente rinde frutos en un mensaje conceptual ejecutado de manera impactante y creativa. La maestría de Lucky sale a relucir en la brillantez de su ejecución pictórica y en la redondez de los argumentos subyacentes de su mensaje que se expande y cobra nuevas dimensiones semióticas a medida que simultáneamente va derribando las artificiales barreras sociales.

Los personajes de Abstract Toons provienen de las imágenes que Lucky encuentra en el contenido gráfico que observa por las calles. La obra hace hincapié en elementos del paisaje urbano que en muchas ocasiones pasan desapercibidos para la mayoría de las personas, pero elevándolos al plano estético. De entre sus muchos aportes, la propuesta artística de Lucky se destaca por adoptar y reformular las técnicas del arte urbano graffitero al formato mediano de la pintura de caballete de manera dinámica y actual. 15

Implacable

ERICK BOROR (San Juan Sacatepéquez, Guatemala 1980) By Martín Fernández-Ordóñez

“Art is a verb that is conjugated in first person, in which circumstances and events that plow our life are magnified”.

he has collaborated in other cultural events in the country, such as Guatemala Fashion Film Festival (2018) and Simbiótica (event dedicated to art and design in the Guatemala edition in 2016 and the Taipei, Taiwan edition in 2017).

Erick Boror

In the cinematographic field, he participated in the film “Polvo” (2013), by the director Julio Hernández Cordón and collaborated in the film “Marimbas del infierno” (2011), by the same director.

Trained in the architectural field, considered himself a self-taught person. However, he has explored different techniques in his work such as sculpting, etching, painting and designing.

He has received several recognitions in Guatemala and other countries; his work is part of private collections and public spaces in Guatemala, El Salvador, Taiwan and Monaco.

Erick has participated in several individual and collective art exhibitions, as well as in main art auctions in Guatemala. In addition, 16

MFO: Who is Erick Boror, a recognized artist in our country? What circumstances in life led you to become an artist?

to consider it as the desire of an artist to have a dialogue with the stage of time that defines it. And, making use of the best managed skills, building a proposal that is a synthesis of the way of thinking of this generation. In the context of Guatemala, this action makes art become a code and the artist a chronist of his or her time.

EB: It is not reliable to adopt the position of recognized artist in a society in which art is not a priority, however, I am grateful that there are persons, part of a cultural circle, who consider my work as a referral.

MFO: What defines what you do as an artist in regards to the technique, discipline or mean?

My presence in art has been gradual, and in a way, circumstantial. When I was 17, I participated, jointly with a collective art group, in a series of activities dedicated to cultural management and promotion in my home town, San Juan Sacatepéquez. In that moment, art was still not a professional activity for me, I simply saw the need to strengthen the community fabric. It was not until I completed my university studies that I made the decision to dedicate to art and I found in my adolescent experiences, a direction to define the search in my work.

EB: Each piece I produce is enunciated in a specific way, therefore it demands a different kind of attention depending on each project. Understanding the nature of the work allows us to define the more appropriate mean or discipline based on the project’s objective, with the end in mind of reaching its own hegemony.

The art occupation has provided me the opportunity to explore the means with a greater tradition, such as drawing or painting. But I have also been involved in other less conventional, such as art-object and using technological systems, as I have in more recent experiences. For instance, in some public work murals, I have explored the laser cut and application of paint based on an industrial process. This technique has been very enriching for I recognize I am not the first in using this technical support, the good results obtained, considering the dimension and scale of these projects, have become a referral for other persons who wish to follow this process.

MFO: What does art mean for you and what is your approach in regards to contemporary art? EB: Art is in essence a reflecting territory in which sensitivity and human thinking reconcile, it is a verb conjugated in first person, in which circumstances and events that plow our life are magnified.

More than thinking of contemporary art as a category that seems to present difficulties in the approach, I like

These projects have helped me reconcile art with my first professional training, meaning architecture as a unit of plastic integration. This multiplicity of means has given me the opportunity to understand that, as creators, we have been vulnerated by the conditions around us and that we need to communicate. However, regardless of the technique used, it will never overcome a fundamental element, which is the artist’s desire to become a detonator of all information received throughout his or her life. MFO: What has been your greatest challenge as an artist in Guatemala?

Repuestos

EB: Beyond personal challenges of working in a country like Guatemala, I would like to focus my response on the element that I consider more imperative: the endless source of information provided in this country and its constant contribution for the construction of creative 17

The Big Chino

environment where we have developed, to understand that art is the threshold where proposals are the result of an active and committed awareness with topics, which we artistically approach. Personally, it is hard to have a linear script due to the fact that I am an artist with indigenous ascendence from the peripheral area of the city, but lucky to have access to university education. In addition, I’ve had contact with many ancestral traditions, but to a large extent, I have been trained by the 80’s and 90’s television and programming. I believe that most of the artist’s time is in a process of intermediation between external events and personal sensitivity; I cannot find a way to have a unidirectional speech. MFO: What artists, movements or periods of art have influenced or inspired you? EB: Although I don’t sympathize with a specific artist, I admire the conviction of some for turning art into a cause, for promoting their work, but also personifying it. It is in that precise moment that there is a possibility of developing a congruent work. I am not attracted to a specific artistic movement either.

thinking of artists, starting with the presence of Original Nations and the conditions in a territory with complex social circumstances. Artists need to face the most significant challenges: to create a solid work body in dialogue with the rest of the world, based on these elements, but without recurring to a media speech, folklore or simply working on a pleasing piece of art. I consider it is valid to approach an ample diversity of topics, especially when we have experienced this in person. The challenge is to develop a specific topic and at the same time, to stay away from a pamphlet speech that represents artificial resources to gain visibility.

However, I believe there is certain work that condensates and blends social events in the time in history in which these took place and end up being declarations of this time. These pieces may become referral elements, but to find inspiration, I prefer to look for it in elements of culture, for this provides me with more tools to produce my work. Popular art, for instance, is one of the expressions that has unconsciously shaped me and the reality I am familiar with.

MFO: What do you wish to transmit or communicate through your artistic practice? Is there a cross-cutting script throughout your practice or have your thematic interests changed?

MFO: Do you inform yourself, inspire, research other disciplines outside the art world to develop the artistic process or do you consider it an ontological process?

EB: I believe it is inevitable that one of the elements with higher hierarchy for many artists is Guatemala, and it appears in our topics due to the strong emotional load. I refer to Guatemala as the catalyzer that promotes, but also conditions artistic work because this is a result of the reality we are familiar with and leads us to propose work that overcomes esthetic limits. Maintaining a dialogue with Guatemala through art means diving in social circumstances. This is a conversation with the

EB: I can say that my artistic process was previously designed by a cumulus of experiences that have permeated me. I believe the best way of controlling my artistic process has been maintaining the willingness to be vulnerated by social circumstances that characterize me, to which we are all exposed every day of our lives.

More than researching, I observe and try to nourish myself with the stimuli that life provides. I allow myself 18

to be a receiver that processes all that information and becomes an amplifier of the occurred.

EB: I am not fully convinced in magnifying myself as a person that future generations will have as a referral. However, if I had that opportunity, I’d prefer people to note my work, and if possible, for it to become a point of inflection for their own proposals. This way, my work will have met the objective on its own.

MFO: Where are you in your artistic career? Are you satisfied with what you’ve accomplished up to now? EB: I feel the commitment of remaining in constant experimentation, this would be the only thing I can declare. In regards to stages, it is hard to make declarations, for we need to abstract from ourselves to understand and we still have no certainty; we should delegate that task to people who interact with our work. The artist is responsible for making an eloquent proposal.

I recognize it is gratifying when people find a referral in an artist, but I appreciate the fact of this encounter being something more casual and not forced. When the artist seeks to stand out, he or she vulnerates the work and risks producing a pleasing art piece. There are convincing proposals in which the artist is the axis of the work, either through his or her body or registry, however, the projection of the person becomes a secondary thing and opens the possibility for the work to be more relevant.

What I do find satisfactory is looking back at each project and knowing these have all been completed. That is the true capital to develop a map that delimits our journey in art.

MFO: How has the current pandemic affected (or continues affecting) your life/practice as an artist? Do you consider it has had a positive or negative impact?

MFO: Has your idea on what art is changed from the moment you started up to now?

EB: In favor of solidarity and considering the situation that others have gone through with adversarial circumstances, -in addition to those who had to reinvent themselves-, I believe my situation is not as relevant, for I have had the opportunity to maintain a professional regularity that was not necessarily positive, but not negative either.

EB: “Change” is not the term I would use for the events that have taken place in my artistic life. However, a common denominator could be that all artists look forward to an encounter with their own work. In other words, persistent work and continuous exploration produce an imperative self-discovery effect.

I believe that the pandemic allowed some of us to reset ourselves. In many, it caused some elements to detonate. I know of cases in which people decided to become independent, which they would have never done if they had labor stability. Unfortunately, I also know of many projects that collapsed, but somehow they were already experiencing difficulties.

More than changing, there is a capacity to make our senses more acute. To reach that ability, we must transit different routes, but these always lead us to the same destination. When the search is frank and transparent, there is an epiphany, there is no turning back, we stop being art tourists and become residents of this expression.

To make a living of an activity we identify with gives us a perspective of what it means to be an entrepreneur in Guatemala. I have managed my professional career since 2007 and since then, I’ve tried to make a living of it, maintaining projects with which I am satisfied. But for some artists, it continues being a sector pending to develop skills that allow managing the artistic career and knowing how to promote it. And the fact of making a living of their art work, without devaluating the quality of their projects, is the price that all of us, artists, pay for performing an occupation that brings us satisfaction.

Although I know that not everyone experiences this, personally I’m convinced that the artist’s own dynamic is the search and his or her work is a record, a fingerprint of the human being in a context. Maybe the only thing that has changed in my practice is that now, I approach all these topics with more awareness and a lucid state of mind. MFO: What is the main legacy you wish to leave as an artist? How would you like to be remembered by future generations?

MFO: If you could choose a museum in the world to make a monographic art exhibition, which would it be and why?

MFO: Thinking of the new generation of artists, what advice would you give to young people who decide to dedicate to this profession?

EB: It would have to be in one of the most representative spaces of art. Some already have a double importance to me, since these were referrals during my stage as an architecture student. I could mention the Guggenheim Museum in New York (designed by Frank Lloyd Wright), the Guggenheim Museum in Bilbao (designed by Frank Gehry), the Queen Sofia Palace of Arts (designed by Santiago Calatrava) and the Museum of Art in Sao Paulo (Designed by Lina Bo Bardi), whose work is exceptional.

EB: I don’t know if I’m in the position of giving advice, for we all have personal goals and these are completely different. On the other hand, the impetus of youth and artistic nature overcome the willingness to listen to advice.

On the contrary, it is when we believe that everything is clear, when impetus takes over. We have to work in a febrile and spontaneous way, which is necessary, for this is the moment in which we pursue our vocation. But I suppose that many times we substitute a recommendation that we should take into consideration, due to the effervescence of experiences that mark the road that leads us to build a criterion.

However, I am satisfied for having presented my work at the Museum of Modern Art Carlos Mérida, which I visited many times as a High School student and then a university student.

The only recommendation I would give anyone, -and not necessarily new artists only-, is to take a position, regardless of what this is. I consider this is an element that characterizes a consistent proposal and differentiates it from others that limit to purely esthetic elements.

MFO: Is there an artist you would like to work in collaboration with and why? EB: More than thinking of a specific artist, I would like to nourish myself with the experiences of the work of people who perform in other creative production fields. The collaborations in which I have participated have been fundamental to define my vision of art, for up to now I have found complicity with people who have invited me to participate in their projects, which I treasure and appreciate.

This allows me to approach disciplines such as graphic design, industrial design and film making. Some creators have found in my work a space to interact with what they do and in this dynamic, I have had the opportunity to illustrate poetry books, work in jewelry design, experiment with haute couture, etc.

Copia

Right now, I am developing the images for a film of a friend of mine with social elements, for which I have a lot of empathy.

ERICK BOROR (San Juan Sacatepéquez, Guatemala 1980) Por Martín Fernández-Ordóñez

“El arte es un verbo que se conjuga en primera persona, donde se magnifican las circunstancias y los acontecimientos que surcan nuestra vida”. Erick Boror Formado en el campo de la arquitectura, se considera a sí mismo un artista autodidacta. Sin embargo, ha explorado diferentes técnicas en su trabajo como la escultura, el grabado, la pintura y el diseño. Erick ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas, así como en las principales subastas de arte que se llevan a cabo en Guatemala. Además, ha colaborado en otros eventos culturales del país como el Guatemala Fashion Film Festival (2018) y Simbiótica (evento dedicado al arte y el diseño en su edición Guatemala, 2016 y en su edición Taipei, Taiwan, 2017). En el campo cinematográfico participó en la película “Polvo” (2013), del director Julio Hernández Cordón y colaboró con la película “Marimbas del infierno” (2011), del mismo director. Ha sido acreedor de varios reconocimientos en Guatemala y el extranjero; su obra puede encontrarse en colecciones privadas y espacios públicos de Guatemala, El Salvador, Taiwán y Mónaco.

Embarazos Inesperados

Más que pensar en el arte contemporáneo como una categoría que pareciera presentar dificultades para ser abordada, me gusta verla como el deseo que posee el artista para estar en diálogo con la etapa de tiempo que lo define. Y, haciendo uso de las habilidades que mejor sabe manejar, construye una propuesta que intenta ser una síntesis del pensamiento de su generación. En el contexto de Guatemala, esta acción le permite al arte convertirse en una especie de códice y al artista ser un cronista de su propio tiempo. MFO: ¿Cómo defines lo que haces como artista en cuanto a técnica disciplina o medio? EB: Cada pieza que produzco se va enunciando de manera particular, por lo que demanda una atención distinta dependiendo de cada proyecto. Comprender la naturaleza de la obra nos permite definir cuál es el medio o disciplina que más se acerca al objetivo del proyecto, con el fin de que alcancen su propia hegemonía.

MFO: ¿Quién es Erick Boror que llego a ser un reconocido artista en nuestro país ¿qué circunstancias de tu vida te llevaron a que te convirtieras en artista?

El oficio del arte me ha brindado la oportunidad de explorar los medios de mayor tradición, como el dibujo o la pintura. Pero también he incursionado en otros menos convencionales como el arte-objeto, hasta llegar a sistemas tecnológicos y computarizados, como en algunas experiencias más recientes. Por ejemplo, en algunos murales de obra pública, he podido explorar el corte láser y la aplicación de la pintura a partir de un proceso industrial. Esta técnica ha sido muy enriquecedora pues, aunque reconozco que no soy el primero en explorar estos soportes técnicos, los buenos resultados que he obtenido tomando en cuenta la dimensión y la escala de estos proyectos, han sido el referente para que otras personas quieran acercarse a este mismo proceso.

EB: Es poco fiable adoptar la posición de artista reconocido en una sociedad donde el arte no es una prioridad, sin embargo, se agradece que existan personas que, pertenecientes a un círculo cultural, tengan como referencia el trabajo que he propuesto desde hace algunos años.

Mi presencia en el arte ha sido gradual y hasta cierto punto circunstancial. Cuando tenía 17 años aproximadamente participé junto a un colectivo de arte en una serie de actividades dedicadas a la gestión y promoción cultural del municipio donde aún resido, San Juan Sacatepéquez. En ese momento no contemplaba todavía al arte como una actividad profesional, sencillamente veía la necesidad de fortalecer el tejido comunitario. Fue hasta terminar mis estudios en la universidad que tomé la decisión de dedicarme profesionalmente a este oficio y encontré en las experiencias de la adolescencia una dirección probable para definir la búsqueda que mi trabajo podía contener.

Estos proyectos me han permitido conciliar el arte con la que fuera mi primera formación profesional, es decir, la arquitectura como una unidad de integración plástica. Esta multiplicidad de medios me ha brindado la oportunidad de comprender que, como creadores, hemos estado vulnerados por las condiciones de nuestro entorno y que poseemos la necesidad de comunicar. Sin embargo, cualquiera que sea la técnica que se utilice, nunca sobrepasará al elemento fundamental que es el deseo del artista por convertirse en un detonante de toda la información que ha recibido a lo largo de su vida.

MFO: ¿Qué es para ti el arte y cuál es tu postura ante el arte contemporáneo? EB: El arte es en esencia un territorio de reflexión donde se concilia la sensibilidad y el pensamiento humano, es un verbo que se conjuga en primera persona, donde se magnifican las circunstancias y los acontecimientos que surcan nuestra vida.

MFO: ¿Cuáles han sido tus mayores retos a los que has tenido enfrentar siendo un artista en Guatemala?

EB: Más allá de los retos personales que representa trabajar en un país como Guatemala, quisiera enfocar mi respuesta en el elemento que considero más imperativo: la inagotable fuente de información que brinda este país y su constante aporte para la construcción del pensamiento creativo de los artistas, desde la presencia de las Naciones Originarias hasta las condiciones de un territorio con circunstancias sociales complejas.

MFO: ¿Qué artistas, corrientes o periodos del arte consideras que te han influenciado o inspirado? EB: Aunque no siento especial simpatía por ningún artista en particular, sí admiro la convicción de algunos por hacer del arte una causa, por promulgar su obra, pero también por personificarla. Es en ese preciso momento que se habrá alcanzado la posibilidad de desarrollar una obra congruente. Tampoco siento atracción por ningún movimiento o corriente artística en específico.

Lo que nos compete a los artistas es asumir el reto más significativo: crear un cuerpo de trabajo sólido y que esté en diálogo con el resto del mundo a partir de estos elementos, pero sin recurrir a discursos mediáticos, al folklor o simplemente a trabajar una obra complaciente. Considero que es válido abordar una amplia diversidad de temas, especialmente cuando los hemos vivido en primera persona. Pero el reto es desarrollar un tema específico y que al mismo tiempo esté alejado de discursos panfletarios que representen recursos artificiales para ganar visibilidad.

Sin embargo, pienso que existen ciertas obras que condensan y amalgaman los acontecimientos sociales del momento histórico en el que fueron ejecutadas, y terminan siendo verdaderos manifiestos de su momento. Esas piezas pueden llegar a convertirse en elementos de referencia, pero para encontrar inspiración, a mí me resulta más enriquecedor buscarla en elementos de la cultura, pues me proporcionan más herramientas para producir mi trabajo. El arte popular por ejemplo, resulta ser una de las expresiones que inconscientemente me han dado forma y también a la realidad que conozco.

MFO: ¿Qué deseas transmitir o comunicar a través de tu practica artística? ¿existe un guion transversal a través de tu practica o has ido cambiando tus intereses temáticos?

MFO: ¿Te informas, inspiras, investigas otras diciplinas fuera del mundo del arte para el desarrollo de tu proceso artístico o lo consideras un proceso ontológico?

EB: Creo que es inevitable que en general, uno de los elementos con mayor jerarquía para muchos artistas sea Guatemala, y que se asome en nuestros temas por su fuerte carga emotiva. Me refiero a Guatemala como el catalizador que impulsa pero también condiciona el trabajo artístico porque es resultado de la realidad que conocemos, y nos conduce a proponer una obra que sobrepasa los límites estéticos. Mantener un diálogo con Guatemala a través del arte significa sumergirse en sus circunstancias sociales. Es una conversación con el entorno donde nos hemos desarrollado, para comprender que el arte es el umbral dónde las propuestas son el resultado de una conciencia activa y comprometida con los temas, la cual abordamos artististicamente.

EB: Podría decir que mi proceso artístico ya estaba trazado previamente por el cumulo de experiencias que me han permeado. Creo que la mejor manera de controlar mi proceso artístico, ha sido mantener la disposición a ser vulnerado por todas las circunstancias sociales que me caracterizan, a los que todas estamos expuestos diariamente.

Mas que investigar, lo que hago es observar he intentar nutrirme de todos los estímulos que la vida me va proporcionando. Me permito ser un receptor que procesa toda esa información y me trasformo en un amplificador de lo acontecido.

En lo personal, me resulta difícil tener un guion lineal por el hecho de ser un artista de ascendencia indígena que procede de la periferia de la ciudad, pero que tuvo acceso a la educación universitaria. Además, me ha sido posible tener contacto con muchas tradiciones ancestrales, pero también en buena medida he sido formado por la televisión y la programación de los años ochentas y noventas. Pienso que la mayor parte del tiempo el artista se encuentra en un proceso de intermediación entre los acontecimientos externos y la sensibilidad personal; no encuentro la manera de tener un discurso unidireccional.

MFO: ¿En qué punto de tu carrera artística te consideras estar actualmente? ¿Te sientes satisfecho con lo que has logrado hasta ahora? EB: Siento el compromiso de permanecer en un punto de experimentación constante, esto sería lo único que podría afirmar de manera personal. En cuestiones de etapas es difícil hacer afirmaciones, puesto que necesitamos abstraernos de nosotros mismos para comprendelas y aun así no podemos tener ninguna

Con Clase Especial

certeza, esa tarea podemos delegársela a las personas que interactúan con nuestro trabajo. Lo que al artista le compete es mantener una propuesta elocuente. Algo que sí encuentro satisfactorio es hacer un recuento de cada proyecto y tener claro que cada uno se ha podido concretar. Ese es el verdadero capital que cuenta para desarrollar el mapa que delimita nuestro paso por el arte. MFO: ¿Ha cambiado tu idea sobre lo que es el arte, desde cuando empezaste hasta hoy día? EB: “Cambiar” no es el término que utilizaría para los eventos que han transcurrido en mi vida Artística. Sin embargo, un común denominador podría ser que todos los artistas caminamos al encuentro de nuestra propia obra. Quiero decir, el trabajo persistente sumado a la exploración contínua, produce un imperativo efecto de autodescubrimiento.

Cuando el artista busca figurar demasiado, vulnera su propio trabajo y se arriesga a producir una obra complaciente. Existen propuestas contundentes en las cuales el propio artista es el eje de la obra, ya sea a partir de su cuerpo o el registro del mismo, y sin embargo, la proyección de la persona queda en un plano secundario y deja el espacio para que la obra tenga mayor relevancia.

Más que cambiar, existe la capacidad de agudizar nuestros sentidos. Para alcanzar esa habilidad debemos transitar por distintas rutas, pero estas nos conducen siempre al mismo destino. Cuando la búsqueda es franca y trasparente ocurre una epifanía, en ese momento ya no existe vuelta atrás, dejamos de ser turistas del arte para pasar a convertirnos en residentes de esta expresión.

MFO: ¿De qué manera afecta (o sigue afectando) la actual pandemia a tu vida/practica como artista? ¿consideras que la situación te ha afectado de forma positiva o negativa? EB: En favor de la solidaridad y tomando en cuenta la situación de muchas otras personas que si han atravesado circunstancias adversas, -además de las que han tenido que reinventarse-, creo que mi situación poco puede destacarse, puesto he tenido la oportunidad de mantener una regularidad profesional que no resultó necesariamente positiva, pero tampoco negativa.

Aunque sé que no todos pasan por esta experiencia, en lo personal estoy convencido de que la dinámica propia del artista es la búsqueda, y que su trabajo es un registro, la huella del ser humano en su contexto. Quizás lo único que ha cambiado en mi práctica es que ahora todos estos temas los abordo de manera más consciente y lúcida. MFO: ¿Cuál es el principal legado que te gustaría dejar como artista? ¿Como te gustaría que te recordaran las futuras generaciones?

Pienso que la pandemia como tal, a algunos nos permitió reconfigurarnos. Y es que en muchos casos causó que detonaran elementos que ya venían en desarrollo. Tuve la oportunidad de conocer casos en los cuales las personas apostaron por independizarse, algo que quizás no habrían hecho si contaban con estabilidad laboral. Lamentablemente, también supe de muchos proyectos que colapsaron, pero de cierta manera ya arrastraban dificultades previas.

EB: No estoy del todo convencido en magnificarme como una persona a la cual las futuras generaciones podrán tener como referencia. Sin embargo, si se diera la oportunidad, preferiría que las personas notaran mi trabajo, y de ser posible, que pudiera servirles como punto de inflexión para sus propias propuestas. De esa manera creo que mi trabajo habría cumplido su objetivo por mérito propio.

Vivir de la actividad con la que nos identificamos nos da un panorama de lo que representa ser un emprendedor en Guatemala, Yo he gestionado mi carrera profesional desde el 2007 y desde el inicio he intentado vivir

Reconozco que es gratificante cuando las personas encuentran en el artista una referencia, pero valoro que ese encuentro sea casual y no necesariamente forzado. 24

específicamente de la misma, manteniendo proyectos con los que me sienta satisfecho. Pero para algunos artistas sigue siendo un rubro pendiente desarrollar las habilidades que le permitan administrar su carrera artística y saber cómo promocionarla. Y es que el hecho de lograr vivir específicamente de sus obras, sin devaluar la calidad de sus proyectos, es el precio que todos los artistas pagamos por desempeñarnos en la profesión que nos satisface.

Precisamente ahora estoy desarrollando las imágenes para una película de un amigo cineasta que retratará elementos sociales por los cuales siento mucha empatía. MFO: ¿Pensando en la nueva generación de artistas que consejos le darías a los jóvenes que quieren dedicarse a esta profesión? EB: No sé si me encuentre en la posición para dar consejos, puesto que todos tenemos búsquedas personales y estas son totalmente diferentes. Por otro lado, el ímpetu de la juventud sumado a la naturaleza artística, muchas veces rebasan la disposición de atender consejos.

MFO: ¿Si pudieras elegir un museo del mundo en donde hacer una exposición monográfica tuya, cual seria y por qué? EB: Tendría que ser en alguno de los espacios más representativos del arte. Algunos tienen una importancia doble para mí, debido a que fueron referencias durante mi etapa como estudiante de arquitectura. Podría mencionar por ejemplo el museo Guggenheim de Nueva York (Obra de Frank Lloyd Wright), el museo Guggenheim de Bilbao (Obra de Frank Gehry), el Palacio de las Artes Reina Sofía de Valencia (Obra de Santiago Calatrava) y el Museo de Arte de Sao Paulo (Obra de Lina Bo Bardi), cuyo trabajo es excepcional.

Por el contrario, es cuando creemos que todo está claro, que el ímpetu nos gana. Tendemos a trabajar de manera febril y espontánea, lo cual es necesario, puesto que es el momento en el cual perseguimos nuestra vocación. Pero supongo que muchas veces sustituimos las recomendaciones que deberíamos tomar en cuenta, debido a la efervescencia de las experiencias que trazan el camino que conduce a la construcción de un criterio.

Sin embargo, me siento muy satisfecho de haber podido presentar mi trabajo en el Museo de Arte Modenro Carlos Mérida, lugar que muchas visité siendo aún un estudiante de diversificado y posteriormente de la universidad de San Carlos.

La única recomendación que me atrevería hacer para cualquier persona, -y no necesariamente solo para los nuevos artistas-, es que tomen una postura, sin importar cual sea. Considero que este es el elemento que caracteriza a una propuesta consistente y la diferencia de otras que se limitan a elementos puramente estéticos.

MFO: ¿Hay algún artista actualmente con quien si pudieras te gustaría trabajar en colaboración, quien seria y por qué? EB: Mas que pensar en algún artista en particular, me gustaría continuar nutriéndome de las experiencias a partir del trabajo con personas que se desenvuelven en otros campos de la producción creativa. Las colaboraciones en las que he participado han sido fundamentales para definir mi visión del arte, pues hasta el día de hoy he encontrado complicidad con personas que me han invitado a participar en sus proyectos, lo cual valoro y agradezco.

Fulminante

Esto me ha permitido acercarme a disciplinas como el diseño gráfico, el diseño industrial e incluso el cine. Algunos creadores han encontrado en mi trabajo un espacio para interactuar con lo que ellos hacen y dentro de esta dinámica he llegado incluso a ilustrar libros de poesía, trabajar en diseño de joyas, experimentar con la alta costura, etc. 25

DARÍO ESCOBAR (Guatemala City, 1971) By Martín Fernández-Ordóñez

“Art is something that goes beyond the simple narration of news, situations and events. Art, more than an event, is a space for reflection.”

with more visibility at international level. He has participated in multiple individual and collective art exhibitions, so numerous, that listing them would take this entire space. His artwork is exhibited at many institutional and private collections around the world, including first level museums such as The Museum of Contemporary Art (MOCA) in Los Ángeles, Centre Pompidou Foundation, Paris and La Colección Jumex, among many others.

Darío Escobar He is one of the Central American artists

MFO: Who is Darío Escobar, who became a wellknown artist at national and international level? What circumstances and situations in life led you to become an artist? DE: Although it may sound as a cliché, being an artist is not a decision made from an awareness point of view. I believe that being an artist is a way of looking at life from a probably more complex perspective, but more satisfactory; it gives you the possibility of rethinking things, exploring matters, and, maybe the most important: to be able to speak about situations that could not be approached with another language.

The other part of your question practically helps develop this answer, for many circumstances contributed. Without question, the education I received at home always led me find creative solutions. I was always interested in entering in this dynamic, for I studied architecture and, due to different circumstances in life, had access to restoration and preservation studies. This allowed me to somehow concretize my thoughts. So, in the end, we could say that it was a series of mistakes that led me to the right answer. MFO: What is art for you and what is your position in regards to contemporaneous art? DE: This is a very complex question. Definitely, for me, art is knowledge. Based on this, I can say that contemporaneous art is nothing more than the space in which you and I live in and share. It is the art manufactured today, currently produced at intellectual level and, obviously, at formal level; it is a thinking format that takes place with the conviction of time.

Probably, it is a type of art that has been confronted, because ideas always confront. Mostly, in a specific time in history, in which different situations are rethought about. Without doubt, contemporaneous art is a space that questions all these exercises and, especially, at the time in which we live. It questions its representation. And, maybe, throughout this entire process of questioning, there is an encounter point that establishes a complicity of sensitivities.

Mensajes cifrados Nº01, 2019 Metal, oro, y pigmentos. Dimensiones Variables. Fotografía cortesía de Dario Escobar Studio Crédito Fotográfico: Claudia Luna

MFO: How do you define what you do as an artist in regards to “technique”, “discipline” or “media”?

sculpture. However, in spite of the fact that what I do may seem “different”, my job is probably a very classic exercise,

DE: To define what I do is very easy; I work in the visual arts field, and my job is in the route of contemporaneous 27

DE: I believe that somehow, and I mentioned this previously, my career has been, just as mathematicians say, a series of mistakes that led me to the right answer. In spite of being in a country with a very low visibility level, I was able to capture certain interest and take advantage of that interest to develop.

Although I’ve always thought that Guatemala is the ideal space to create, probably towards the end of the nineties, when I started working, it was not the ideal space for exhibitions. So, I tried to prioritize the conversation projects with other artists at international level and got involved in this cultural engineering that somehow promoted my work to be visible outside Guatemala and Central America. 50% up 50% down, 2000

MFO: What do you wish to transmit or communicate through your artistic practice? Is there a cross-cutting script throughout your practice or have your theme interests changed?

Cartón, oro y pigmentos. 11 7/16 x 7 1/2 x 2 3/4” Colección Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (MADC) San José, Costa Rica. Fotografía cortesía de Dario Escobar Studio Crédito Fotográfico: Samuel Roeck

DE: Obviously, everyone changes with time. At first, I wanted to question colonization processes, these spaces that define the high culture and the popular culture. However, my interests have shifted, and my work focused on exploring a more linear conversation with the rest of the world at the level of shapes and concepts.

because my artwork actually revolves around the same artistic operations that History has maintained during the past 800 years; meaning cutting, pasting, painting, dividing, sectioning, assembling. These operations have been part of the tradition of visual arts since the Renaissance; including the medieval times up to now.

In reality, what you wish to transmit with your work is one thing, and what the artwork transmits is another. What’s important is maintaining unity in regards to artwork having the capacity to not get distant from the executing points. I am not interested in artwork that is or intends to be a moral reflection on something, what I’m interested in is artwork that has the capacity to reflect and show something, for instance, bringing your focus to a place where otherwise we could not understand.

MFO: What are the greatest challenges you’ve faced as an artist in Guatemala? DE: The greatest challenge I’ve faced – and I think all artists in my generation face as well – is the lack of art critique in our surroundings. That lack of critical thinking has limited our access to start a conversation with the rest of the world.

MFO: What artists, art movements or periods have influenced or inspired you?

The fact of not having a discussion space, of art critique having a structure of cultural journalism, has not allowed the work of many artists in this country to have the “exposure” levels (visibility) required today. Although I’ve been lucky, I believe this is one of the greatest weaknesses of the national art world, and this is something we could start working on. I think universities could go deeper on this academic exercise.

DE: Basically, the entire Universal Art History. My work, actually, starts with an open conversation with Art History from a place like Guatemala. However, there are many artists that I have always been passionate for, such as Caravaggio and Goya; from Cy Twombly to Rothko; and, then of course, other brilliant Guatemalan artists, such as Luis Díaz, Roberto Cabrera or Jamie Bishof, who offered a more ample perspective and the possibility to access a much more complex horizon. Actually, I have always been passionate about Art History.

MFO: What situations or circumstances helped you take a leap into the international art world arena? 28

Obverse & Reverse (Black, White, Red, and Gold), 2016 Cuero, nylon, pigmentos, acero inoxidable, poliestireno, oro. 7 x 10 x 5 mt. (Medidas máximas) Vista de la Instalación en Mercedes-Benz Stadium, Atlanta, Georgia. (IMPORTANTE: Colocar la mención de la ubicación de la obra) Fotografía cortesía de Dario Escobar Studio Crédito Fotográfico: Justin Chan

MFO: Do you inform yourself/inspire/research about other disciplines outside the art world to develop your artistic process or do you consider this an ontological process? DE: My work starts with the daily experience, the day to day experience. It is the exercise of looking at ordinary things in an extraordinary way.

I believe that art has now another sense. It goes beyond a kind of sleepless ideological flag, it has a more profound meaning, a more complex thinking approach; a communication capacity, and, mostly, a reflection capacity. I believe that art communicates things every day, although it’s not what we see on the news or read on the newspapers. Art goes beyond the simple narration of news, situations and events. Art, more than an event, is a reflection space.

Obverse and Reverse XIV, 2014 Látex, cuero, hilo, y acero Dimensiones variables Colección The Museum of Fine Arts, Houston (MFAH). Adquisición del Museo financiada por Caribbean Art Fund y Caroline Wiess Law Accessions Endowment Fund. Fotografía cortesía de Dario Escobar Studio y Nils Staerk, Copenhagen Crédito Fotográfico: Mads Fredrik

MFO: At which point of your artistic career are you? Are you satisfied with what you’ve achieved up to now? DE: I consider that I am in my best moment. In this point of my career, I am clearer than ever. Probably, the most important thing is that after 20 years of working in the art field, it is satisfactory to have three publications on my artwork. After making a review of my work through these publications, I realize everything I’ve accomplished, and, furthermore, it has served as a map of what lies ahead. Therefore, this moment, is a fantastic one and I am en enjoying it. MFO: Have you changed your ideas in regards to the meaning of art from the moment you started your career up to now? DE: Not at all, my idea of the meaning of art, from the moment I started up to now continues being the same. However, now I might have more capacity to understand things. I still have big questions in my head, and, probably, one understands a question more when you’re working on finding the answer. However, I believe the route I’ve adopted from the moment I started working up to now is the route I’m still interested in exploring.

Kukulkán I, 2007 Látex, cuero sintético y acero. 138 x 10” Ø La Colección Jumex, Ciudad de México, México. Fotografía cortesía de La Colección Jumex, Ciudad de México

many things. And of course, loneliness is always a space in which meta questions multiply, as well as reflection and new envisioning. To be honest, I don’t think it was negative at all, on the opposite. It was very positive to take the time to rest, because in the end, taking a step back is the best way to keep moving forward. MFO: If you could pick a museum in the world for a monographic exhibition, which one would you pick and why? DE: This is a very interesting question. There are many museums I like, and with which I have been lucky to work with. However, one of the museums I really like is Dia Beacon1. I feel this is a space with sufficient intellectual structure to allow me to hold conversations with great artists I admire, such as Sol LeWitt and Carl André. It would be interesting to start conversations there.

Construcción Geométrica Nº07, 2014 Madera, metal y pigmentos. 123 x 70 x 48” Fotografía cortesía de Dario Escobar Studio Crédito Fotográfico: Edouard Fraipont

MFO: Is there an artist you would like to work with? Who and why?

MFO: What will be your main legacy as an artist? How would you like to be remembered by future generations? DE: This is a very complex question. But actually, if I had to decide this, I would not like to be remembered as a trendy artist or one who adapted to a trend at a certain point in time. I would much rather be within a structure of more concrete thinking; a more deep approach. Actually, I would be interested in being remembered as an artist who had the courage to face the moment in history he have to live in. MFO: How did the pandemic affect your life/practice as an artist? Do you consider that this situation has affected negatively or positively? DE: I still don’t have a very clear answer for this question. What I can say is that having to slow down my rhythm of travel to shows and art exhibitions was very positive, because I finally had time to reflect a little bit more. Not so much on what I do, but on the system in which I develop my work. Meaning, I believe that vertigo and rushing steals away a little of the essence of what we do and what we try to organize.

Bicho, 2008 Madera, acero y látex. Dimensiones variables.

It has also been positive because I had a lot of time to do pending stuff, meet with my friends, and reencounter

Fotografía cortesía de Dario Escobar Studio

Dia Art Foundation. Founded in New York City in 1974. The word “Dia” comes from the Greek, which means “through which”.

DE: Currently, I am more interested in working with writers. For instance, I would be very interested in working with someone like Javier Payeras2. I believe it would be very interesting to hold conversations and start structuring dialogues based on poetry. It seems like this could expand my work, and I could have a two-way conversation, in one sense only.

I can say that what really works for me is hard work. When I became fully aware and started with a professional format, I realized that discipline, interest and enthusiasm are tools that will never come back against you. Honestly, I think that information is at reach of any person interested in developing their work, from the perspective of art. But let’s not confuse information with formation.

MFO: Thinking of the new generation of artists, what advice would you give to young people who want to do this for life?

I believe work is constant, and looking towards the outside will never be something negative. The most important thing is knowing that our context is an origin, and that our destiny is a more open space.

DE: Well look, I don’t like to give advice, because people should be responsible for their own mistakes. However,

Equilibrio Nº01, 2015 Acero y caucho. 11 3/8 x 9 13/16 x 55 1/16” Fotografía cortesía de Dario Escobar Studio Crédito Fotográfico: Gustavo Sapón-Madrid

Javier Payeras, a Guatemalan poet, novelist and essay writer, born in 1974.

DARÍO ESCOBAR (Ciudad de Guatemala, 1971) Por Martín Fernández-Ordóñez

“El arte es algo que va más allá de la simple narración de noticias, situaciones y acontecimientos. El arte, más que un acontecimiento, es un espacio de reflexión”.

con mayor visibilidad a nivel internacional. Ha realizado múltiples exhibiciones individuales y colectivas, tan numerosas, que enumerarlas ocuparía demasiado lugar para este espacio. Sus obras aparecen en muchas colecciones institucionales y privadas alrededor del mundo, incluyendo museos de primer nivel como The Museum of Contemporary Art (MOCA) de Los Ángeles, Centre Pompidou Foundation, París y La Colección Jumex, entre muchos otros.

Darío Escobar Es uno de los artistas de Centroamérica 33

MFO: ¿Quién es Darío Escobar, el que llegó a ser un reconocido artista a nivel nacional e internacional? ¿Qué circunstancias y situaciones en tu vida llevaron a que te convirtieras en artista? DE: Tal vez te sonará cliché, pero ser artista en realidad no es una decisión que parta desde un espacio consciente. Creo que ser artista es una forma de ver la vida a partir de una perspectiva probablemente más compleja, pero más satisfactoria; te da la posibilidad de replantearte cosas, explorar asuntos, y, quizás lo más importante: poder hablar de situaciones que, desde otro lenguaje, no se podrían abordar.

La otra parte de tu pregunta ayuda a desarrollar prácticamente esto, pues contribuyeron un montón de circunstancias. Sin lugar a dudas, la formación y la educación que tuve en mi casa, siempre se dirigió hacia la resolución de las cosas de manera creativa. Siempre me interesó entrar en esta dinámica, pues luego estudié arquitectura, y, por cosas de la vida, tuve acceso a estudios de restauración y conservación. Esto permitió, de alguna manera, que pudiera concretar todo lo que pensaba. Así que, al final de cuentas, se podría decir que fueron como un conjunto de errores que llevaron a la respuesta correcta.

Juego Doble [Double Game], 2005 Hierro, pintura, hilo, plástico y caucho. 192” (Medidas máximas) La Colección Jumex, Ciudad de México, México.

MFO: ¿Qué es para ti el arte, y cuál es tu postura ante el arte contemporáneo? DE: Esta es una pregunta muy compleja. Definitivamente, para mí, el arte es conocimiento. Partiendo de ese

Fotografía cortesía de La Colección Jumex, Ciudad de México Crédito Fotográfico: Francisco Kochen

punto, puedo decirte que el arte contemporáneo no es más que el espacio que a ti y a mí nos tocó vivir y compartir. Es el arte que se fabrica hoy, que se produce actualmente a nivel intelectual y, obviamente, a nivel formal; es un formato de pensamiento que toma lugar desde una convicción de tiempos. Probablemente, es un tipo de arte que ha confrontado, porque las ideas siempre confrontan. Sobre todo, en su momento histórico y en el tiempo en que les toca replantearse distintas situaciones. Sin lugar a dudas, el arte contemporáneo es un espacio que cuestiona todos estos ejercicios y, sobre todo, cuestiona el tiempo que nos toca vivir. Cuestiona su representación. Y, quizás, en todo este proceso de cuestionar existe un punto de encuentro que logra establecer una complicidad de sensibilidades.

Red Star Nº03, 2017 Madera, metal, y pigmentos. 100 3/8 x 117 1/4 x 45 1/4“ Fotografía cortesía de Dario Escobar Studio Crédito Fotográfico: Gustavo Sapón-Madrid

MFO: ¿Cómo defines lo que haces como artista en cuanto a “técnica”, “disciplina” o “medio”? DE: Definir lo que hago es muy fácil: yo me desenvuelvo en el campo de las artes visuales, y mi trabajo mantiene la ruta de la escultura contemporánea. Sin embargo, a pesar de que mi práctica pueda parecer “diferente”, puedo decir que mi trabajo es quizás un ejercicio muy clásico, porque mi obra, en realidad, gira alrededor de las mismas operaciones artísticas que la Historia ha mantenido en los últimos 800 años; es decir, cortar, pegar, pintar, dividir, seccionar, ensamblar. Estas operaciones han acompañado a la tradición de las artes visuales desde el Renacimiento; incluso desde el medioevo, hasta el presente. MFO: ¿Cuáles han sido los mayores retos a los que te has tenido que enfrentar siendo un artista en Guatemala? DE: El mayor reto al que me he tenido que enfrentar —y pienso que todos los artistas de mi generación también—, es la falta de crítica de arte que existe en nuestro medio. Esa falta de pensamiento crítico ha limitado el acceso para entrar en conversación con el resto del mundo.

El hecho de no contar con un espacio de discusión, de que la crítica de arte tenga más bien una

Construcción Geométrica Nº02, 2012

Detalle de Paisaje Urbano (Detroit), 2018

Madera, metal y pigmentos. 124 3/8 x 69 7/8 x 21 5/8” Colección Centre Pompidou Foundation, Paris Donación de Hugo Quinto y Juan Pablo Lojo

Madera serigrafiada y acero. 115 x 152 1/2 x 39 1/2” Colección Detroit Institute of Arts, Detroit Fotografía cortesía de Dario Escobar Studio Crédito Fotográfico: Gustavo Sapón-Madrid

Fotografía cortesía de Dario Escobar Studio

estructura de periodismo cultural, no ha permitido que el trabajo de muchos de los artistas de este país cuente con los niveles de “exposure” (visibilidad) que se necesitan hoy en día. Aunque yo he tenido una suerte diferente, creo que este asunto es una de las grandes debilidades del mundo del arte nacional, y es algo en lo que podríamos empezar a trabajar. Se me ocurre que quizás las universidades podrían profundizar un poco más en este ejercicio académico. MFO: ¿Qué situaciones o circunstancias se dieron para que pudieras dar el salto a la arena del mundo del arte internacional? DE: Creo que, de alguna manera, ya lo dije en un principio. Pienso que mi carrera ha sido, como dicen los matemáticos: un conjunto de errores que llevó a la respuesta correcta. A pesar de estar en un país que tiene muy poca visibilidad a nivel internacional, logré captar cierto interés y aprovecharme de ese interés para poder desarrollarme.

Aunque siempre he pensado que Guatemala es el espacio idóneo para crear, probablemente hacia finales de los noventa, cuando yo empecé a trabajar, no era el espacio idóneo para exhibir. De modo que intenté priorizar los proyectos de conversación con otros artistas a nivel internacional y empecé a insertarme dentro de esta ingeniería cultural que, de alguna manera, propició que mi trabajo saliera de Guatemala y de Centroamérica. MFO: ¿Qué deseas transmitir o comunicar a través de tu práctica artística? ¿Existe un guión transversal a través de tu práctica o han ido cambiando tus intereses temáticos?

Variaciones Sobre un Mismo Elemento, 2019 Metal, oro, y pigmentos. Dimensiones Variables. Fotografía cortesía de Dario Escobar Studio Crédito Fotográfico: Claudia Luna

DE: Obviamente, todas las personas cambian con el paso del tiempo. En un principio tenía muchas ganas de cuestionar los procesos de colonización, esos espacios que definen la alta cultura y la cultura popular. Sin embargo, mis intereses se fueron agudizando en el camino, y mi trabajo se centró en explorar una conversación más lineal con el resto del mundo a nivel de forma y de conceptos.

En realidad, lo que uno quiere transmitir en su trabajo es una cosa, y lo que la obra dice al final es otra. Creo 36

MFO: ¿En qué punto de tu carrera artística consideras estar actualmente? ¿Te sientes satisfecho con lo que has logrado hasta ahora?

que lo importante, en todo caso, es mantener una unidad en cuanto a que la obra tenga la capacidad de no distanciarse de los puntos a partir de donde se ejecutan. No me interesan las obras de arte que son o que intentan ser reflexiones morales sobre las cosas, lo que me interesa del arte, en realidad, es una obra que tenga esa capacidad de reflexionar y de mostrarte cosas, como, por ejemplo, devolver la mirada hacia puntos que desde otro lado no podríamos entender.

DE: Considero que me encuentro en el mejor momento. En este punto de mi carrera estoy más claro que antes. Probablemente, lo más importante es que, después de más de 20 años de trabajar en el campo del arte, es muy satisfactorio haber visto nacer tres publicaciones sobre mi obra. Después de hacer una revisión de mi trabajo en estas tres publicaciones, pude darme cuenta de todo lo que he llevado a cabo, y, más aún, me sirvió de mapa para saber lo que aún falta. De modo que, el actual, es un momento fantástico y lo estoy disfrutando.

MFO: ¿Qué artistas, corrientes o períodos del arte consideras que te han influenciado o inspirado? DE: Básicamente me ha influenciado toda la Historia del Arte Universal. Mi trabajo, en realidad, parte de ser una conversación abierta con la Historia del Arte desde un lugar como Guatemala. Sin embargo, hay muchos artistas que siempre me han apasionado, desde Caravaggio, hasta Goya; desde Cy Twombly, hasta Rothko; y, desde luego, no dejo de pensar en artistas guatemaltecos brillantes, como Luis Díaz, Roberto Cabrera o Jamie Bishof. Estos últimos son artistas que me ofrecieron una perspectiva más amplia y me brindaron la posibilidad de acceder a un horizonte mucho más complejo. En realidad, la Historia del Arte es un área que siempre me ha apasionado.

MFO: ¿Ha cambiado tu idea sobre lo que es el arte desde el momento en que empezaste tu carrera, hasta hoy en día? DE: En absoluto, mi idea sobre lo que es el arte, desde que empecé, hasta hoy, sigue siendo la misma. Pero puede ser que, en este momento, tenga más alcance para entender mejor las cosas. Creo que las grandes preguntas todavía las tengo en la cabeza, y, probablemente, uno entiende más la pregunta cuando trabaja en la respuesta. Sin embargo, me parece que la ruta que he adoptado desde que empecé a trabajar, hasta ahora, es una ruta que me sigue interesando explorar.

MFO: ¿Te informas/inspiras/investigas dentro de otras disciplinas fuera del mundo del arte para el desarrollo de tu proceso artístico o lo consideras un proceso ontológico? DE: Mi trabajo parte de la experiencia cotidiana, de la experiencia del día a día. Es ese ejercicio de ver cosas ordinarias de una manera extraordinaria.

Me parece que el arte tiene, hoy en día, otro sentido. Pues, más allá de ser una bandera ideológica un poco trasnochada, posee un sentido más profundo, un alcance de pensamiento más complejo; una capacidad de comunicación, y, sobre todo, de reflexión. Me parece que el arte puede decirnos más cosas cada día, aunque no sea aquello que vemos en los noticieros o en los periódicos. El arte es algo que va más allá de la simple narración de noticias, situaciones y acontecimientos. El arte, más que un acontecimiento, es un espacio de reflexión.

Deconstruction XII, 2000 Madera serigrafiada, Uretano, cinta de agarre, y acero. Dimensiones Variables Colección Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (MADC) San José, Costa Rica. Fotografía cortesía de Dario Escobar Studio

Construcción Geométrica Nº18, 2021 Madera, metal y pigmentos. 70 3/4 x 236 1/8” Fotografía cortesía de Dario Escobar Studio y Galería RGR Crédito Fotográfico: Ricardo de la Concha

MFO: ¿Cuál es el principal legado que te gustaría dejar como artista? ¿Cómo te gustaría que te recordaran las futuras generaciones?

MFO: ¿De qué manera afectó (o sigue afectando) la actual pandemia a tu vida/práctica como artista? ¿Consideras que la situación te ha afectado de forma negativa o positiva?

DE: Esta es una pregunta muy compleja. Pero en realidad, si me tocara poder decidir sobre esto, me gustaría no ser recordado como un artista de moda o como un artista que se acopló a los discursos que salieron en su momento y que después caducaron. Me interesaría mucho más estar dentro de una estructura de pensamiento más concreto; de planteamientos más profundos. En realidad, a mí me interesaría pasar a la historia como un artista que tuvo la valentía de enfrentarse al momento histórico que le toco vivir.

DE: Creo que esta respuesta no la tengo muy clara todavía. Lo que sí puedo decirte es que el hecho de bajarle el ritmo a los viajes, a las ferias y a las exposiciones fue muy positivo, porque me dio tiempo para reflexionar un poco más. No tanto sobre lo que hago, sino más bien sobre el sistema en el cual se desarrolla mi trabajo. Es decir, soy de la opinión de que tanto vértigo y rapidez le roba un poco la esencia a lo que uno hace y a lo que uno intenta organizar. 38

También ha sido positivo porque pude leer todo lo que tenía pendiente, volver a ver a mis amigos, reencontrarme con muchas cosas. Y, desde luego, la soledad siempre es un espacio en el que las metapreguntas se amplían, y se da cabida a la reflexión y a nuevas visualizaciones. Siendo sincero, no sentí negativa la situación, sino todo lo contrario. Creo que fue muy positivo poder tomar un espacio, poder descansar, porque al fin de cuentas parar es una mejor forma de seguir caminando.

DE: Pues mira, consejos no me gusta dar, porque la gente se equivoca sola. Pero puedo decirles que algo que a mí me funcionó muy bien fue trabajar duro.

Creo que cuando tomé consciencia plena y entré en el formato profesional, me di cuenta de que la disciplina, el interés y el entusiasmo son herramientas que jamás se van a volver en tu contra. Sinceramente, pienso que para cualquier persona que esté interesada en desarrollar su trabajo, desde la perspectiva de las artes, la información está al alcance. Pero no confundamos información con formación.

MFO: Si pudieras elegir un museo del mundo en donde hacer una exposición monográfica tuya, ¿cuál sería, y por qué?

Me parece que el trabajo constante, y ver un poco hacia afuera, nunca será algo negativo. Lo más importante es saber que nuestro contexto es un origen, y que nuestro destino es un espacio más abierto.

DE: Esta es una pregunta muy interesante. Hay muchos museos que me llaman la atención, y en los que he tenido la suerte de poder trabajar. Sin embargo, un museo, en particular, que me interesa es el Dia Beacon3. Siento que es un espacio con la suficiente estructura intelectual como para poder permitirme conversar con los grandes artistas que admiro, desde Sol LeWitt, hasta Carl André. Podría ser interesante entrar en conversación con ese espacio. MFO: ¿Hay algún artista de la actualidad con quien, si pudieras, te gustaría trabajar en colaboración? ¿Quién sería y por qué? DE: En este momento estoy más interesado en trabajar con escritores. Por ejemplo, me interesaría mucho trabajar con alguno, como Javier Payeras4. Pienso que sería muy interesante conversar y empezar a estructurar diálogos desde la poesía y la poética. Me parece que, desde ese lado, se podría ampliar mucho mi trabajo, y podría tener una conversación en dos direcciones, y en un solo sentido.

Red Star Nº04, 2019 Madera, metal, y pigmentos. 39 x 51 1/8 x 46”

MFO: Pensando en la nueva generación de artistas, ¿qué consejo le darías a los jóvenes que quieren dedicarse a esta profesión?

Fotografía cortesía de Dario Escobar Studio Crédito Fotográfico: Claudia Luna

Dia Art Foundation. Fundada en la ciudad de Nueva York en 1974. La palabra “Día” proviene del griego, que significa “a través de”.

Javier Payeras, poeta, novelista y ensayista guatemalteco, nacido en 1974.

GUSTAVO CHACÓN (Ciudad de Guatemala, 1979) By Martín Fernández-Ordóñez

“In many ways, I am certain that an artist’s career is a process and one learns something new every day”. Gustavo Chacón With a background in Law School and Business Administration, he started in the artistic world as an adult. As a plastic artist, editor and cultural manager, he has participated in over 15 individual and collective art exhibitions in Guatemala, El Salvador, Colombia and the United States. He was selected to participate in international artistic festivals in Guatemala, El Salvador and Costa Rica. His art work is part of private collections in Guatemala, El Salvador, Colombia and the United States. He has received different awards and recognitions from institutions such as MARTE (Museo de Ate Moderno in El Salvador) and Fundación Rozas Botrán in Guatemala. His work reflects his personal idea of art, in his own words “the most genuine bond that brings people together in spite of their differences, distance and age. Because an artist strengthens that bond, based on mutual understanding”.

to what is being produced today. Personally, I respect all artistic expressions and manifestations, although I definitely feel identified with some more than others. MFO: How do you define what you do as an artist in regards to “technique”, “discipline” or “means”? GC: In my artistic practice, I don’t limit myself to a specific mean, as a matter of fact, I like to think I manage a concept or an idea and then look for the mean, technique or discipline that best adapts to what I want to transmit.

To illustrate this, I’d like to give examples of very different projects in regards to the resources used. For a series titled “Resurrection” -a very important series in my career, for which I obtained two honorific mentions-, I had the urge to speak up and dare to question in more depth the concept of the divine. To do so, I found old and useless objects, which I then intervened and photographed. For another series titled “INEFFABLE”, I did 100 etchings with monochromatic abstract shapes. Now, I am working on art pieces with augmented reality, for which I am using technology.

MFO: Who is Gustavo Chacón, a recognized artist in our country? What circumstances and situations in your life led you to become an artist?

MFO: What has been the greatest challenge you’ve faced as an artist in Guatemala?

GC: I recall always having the need to express myself and at a very young age, I became interested in art and its different manifestations: I liked painting, music, acting, etc.

GC: My greatest challenge has been at personal and social level, because in Guatemala, art collectors are used to buying what’s trendy or what they see in somebody’s home, so “being trendy” is ephemeral, just an illusion.

But it was not until I turned 25 years old that I made the decision to dedicate myself to art, for I had previously studied Law and Business Administration, so most of my experience was in the business sector. However, thanks to the support of my circle of trust, I started working on my own art work and sharing it with others. I guess this makes me a person who started late in the art world, but with the conviction that this is what I always wanted to do and fulfilling the dream of more and more people appreciating my work. MFO: What does art mean to you and what do you think about contemporary art? GC: Art is the purest form of expression because it honestly is a reflection of the soul.

Contemporary art is simply the way in which art is currently conceptualized. In other words, we now have access to different media, cultures and information, so when we say contemporary, we are simply referring

MFO: What do you wish to transmit or communicate through your artistic practice? Is there a cross-cutting script throughout your practice or have your thematic interests changed? GC: I want to transmit feelings. I want people to decide if they like or don’t like my art work when they see it, but never to be unnoticed, I’d rather know they hate it. I believe that appreciating art is not something you can learn, it is the actually the art work that transmits a feeling or message. I have always wanted to evoke a feeling, regardless of what this feeling is. MFO: Which artists, art movements or periods have influenced or inspired you? GC: I am inspired and influenced by local artists such as Efraín Recinos, Francisco Tun, Daniel Schaffer and Luis Gonzalez Palma. I really like the work of a Venezuelan artist, Carlos Cruz Diez.1 MFO: Do you inform yourself/inspire/investigate other disciplines outside the art world to develop your artistic process or is this an ontological process? GC: Yes, I always do research and find ways to learn more about other artistic movements. I like to inform myself on different social, political and economic topics. I think of myself as a life-long learner and when I have questions, I do research and ask people with expertise.

MFO: Has your idea regarding art changed from when you started your career up to now? GC: Yes, definitely. At first, I thought I had to please art collectors, but as I artistically matured, I faced the fact that the art work I saw around me seemed similar and I heard that’s the way it should be. However, looking back I realize that my current idea of art is completely different, so different that it would be impossible for me to explain it.

MFO: Where do you consider you are in your artistic career? Are you satisfied with what you have achieved? GC: I am currently at a point in my career and artistic development in which I am still not fully satisfied nor consider myself a consolidated artist. This is because I do not share the belief that the art market has of designating someone a “consolidated artist”. For instance, I could not measure this based on the art work I have sold, -due to what I mentioned before on the risk of being something trendy and then losing my North of what truly has meaning-, nor in regards to prices, because I do not see a relation between price and a good piece of art work. In many ways, I am certain that an artist’s career is a process and one learns something new every day.

MFO: How has the pandemic affected (or continued affecting) your life/work as an artist? Do you consider this has affected you negatively or positively? GC: I believe that more than affecting art, it affected the way we relate to others. I am a very sociable person and social distancing affected me more at a personal level than an artistic level, although it is true that I have had more time to focus on my art work.

Carlos Cruz Diez, (Caracas, Venezuela, 1923 – Paris, 2019). Considered one of the most important and innovative Latin American artists in the 20th Century. 1

MFO: If you could choose a museum in the world for a monographic exhibition, which one would it be and why? GC: Honestly, I don’t have a museum or gallery in which I would like to be, that has never been a goal. I believe things happen at the right time and I prefer to be surprised by what comes next. MFO: Is there an artist you would like to work together with and why? GC: No one that comes to mind at this moment. MFO: Thinking of the new generation of artists, what advice would you give to young people who want to dedicate to this profession? GC: Don’t try to please others, focus on striving to accomplish your own dreams and goals, regardless of what others say; there is no greater satisfaction that doing what you love.

GUSTAVO CHACÓN (Ciudad de Guatemala, 1979) Por Martín Fernández-Ordóñez

“En muchos sentidos, estoy seguro de que la carrera de un artista es un proceso y que cada día se aprende algo nuevo”.

Gustavo Chacón Formado en el campo del derecho y la administración de empresas, emprendió en el mundo artístico siendo ya un adulto. Artista plástico, editor y gestor cultural, ha participado en más de 15 exposiciones individuales y colectivas en Guatemala, Colombia, El Salvador y Estados Unidos. Además, ha sido seleccionado para participar en festivales artísticos internacionales en Guatemala, El Salvador y Costa Rica. Sus obras forman 45

parte de colecciones privadas en Guatemala, El Salvador, Estados Unidos y Colombia. También ha sigo galardonado con diferentes premios y reconocimientos por instituciones como el MARTE (Museo de Ate Moderno de El salvador) y la Fundación Rozas Botrán, Guatemala. En su obra se refleja su personal idea del arte como, según sus propias palabras, “el más auténtico enlace que une a las personas a pesar de sus diferencias, distancia y edad. Porque ser artista fortalece este enlace, basado en la comprensión y el entendimiento mutuo”.

MFO: ¿Quien es Gustavo Chacón que llegó a ser un reconocido artista en nuestro país? ¿Qué circunstancias y situaciones en tu vida te llevaron a que te convirtieras en artista?

nos estamos refiriendo a lo que se está produciendo hoy. En lo personal respeto todas las expresiones y manifestaciones artísticas, aunque definitivamente me me sienta más identificado con unas que con otras.

GC: Recuerdo que siempre he tenido la necesidad de expresarme y desde pequeño me llamó la atención el arte en sus distintas manifestaciones: me gustaba la pintura, la música, la actuación, etc.

MFO: ¿Cómo defines lo que haces como artista en cuanto a “técnica”, “disciplina” o “medio”? GC: En mi práctica artística no me limito a un medio en especifico, más bien, me gusta pensar que manejo un concepto o una idea para lo cual posterormente busco el medio, técnica o la disciplina que se adapte mejor para lo que quiero transmitir.

Pero fue hasta cuando tenía aproximadamente 25 años que tomé la decisión de dedicarme al arte, pues anteriormente había estudiado derecho y administración de empresas, de modo que me desarrollé en el sector empresarial.

Para ilustrar a lo que me refiero, me gustaría dar algunos ejemplos de proyectos muy distintos en cuanto a los recursos que utilicé. Para una serie titulada “Resurección” -una serie muy importante en mi carrera gracias a la cual gané dos menciones honoríficas-, sentí la necesidad de hablar y cuestionar más profundamente la concepción de lo divino. Para conseguirlo, busqué objetos viejos y en deshuso, los intervine y luego los fotografié. Para otra serie que titulé “INEFABLE”, realicé 100 grabados en punta seca con figuras abstractas monocromáticas y actualmente estoy trabajando en unas obras que van acompañadas de realidad aumentada, en la cual me apoyo mucho más en la tecnologia.

Sin embargo, gracias al apoyo de mi círculo cercano, empecé a trabajar en mi propia obra y permitir que los demas la pudieran ver. Considero que esto de alguna manera me convierte en una persona que llegó al mundo del arte de forma tardía, pero con la convicción de que esto es lo que siempre quise hacer y alcanzar el sueño de que más y más personas vean lo que hago. MFO: ¿Qué es para ti el arte y cuál es tu postura ante el arte contemporáneo? GC: El arte es la forma más pura de expresión, porque si se hace honestamente es un reflejo del alma.

MFO: ¿Cuáles han sido los mayores retos a los que te has tenido que enfrentar siendo un artista en Guatemala?

El arte contemporáneo para mí es simplemente la forma en la que actualmente se conceptualiza el arte mismo. Es decir, en estos momentos tenemos tanto acceso a diferentes tipos de medios, culturas, e información, que al decir contemporáneo, simplemente

GC: Creo que mis mayores retos han sido a nivel personal y social, porque en Guatemala los coleccionistas están acostumbrados a comprar lo que está de moda o lo que ven en la casa de algún conocido, de modo que “estar de moda”, es algo efímero, una ilusión. MFO: ¿Qué deseas transmitir o comunicar a través de tu práctica artística? ¿Existe un guión transversal a través de tu práctica o han ido cambiando tus intereses temáticos? GC: Yo quiero transmitir sensaciones. Que las personas cuando vean mis obras se planteen si les gustan o no les gustan, pero que nunca les parezcan indiferentes, para esto prefiero que las odien. Soy de la idea de que la apreciación del arte es algo que no se puede aprender, es la obra la que transmite la sensación o el mensaje. Siempre he querido transmitir un sentimiento, no importa cual sea. MFO: ¿Qué artistas, corrientes o periodos del arte consideras que te han influenciado o inspirado?

proceso y que cada día se aprende algo nuevo. MFO: ¿Ha cambiado tu idea sobre lo que es el arte desde cuando empezaste tu carrera hasta hoy en día? GC: Sí, definitivamente. Al principio pensaba que se tenía que agradar a los coleccionistas, pero conforme fui madurando artísticamente, empezó a chocarme el hecho de que muchas obras que veía a mi alrededor se parecían entre sí, y escuchaba decir que así debía de ser. Sin embargo, ahora veo hacia atrás y me doy cuenta de que mi idea actual del arte es completamente diferente, tanto que si la tuviera que explicar, no podria. GC: Me inspira y ha influenciado mucho la obra de artistas locales como Efraín Recinos, Francisco Tun, Daniel Schaffer y Luis Gonzalez Palma. Me gusta mucho también la obra del artista venezolano Carlos Cruz Diez.2

MFO: ¿De qué manera afectó (o sigue afectando) la actual pandemia a tu vida/práctica como artista? ¿Consideras que la situación te ha afectado de forma negativa o positiva?

MFO: ¿Te informas/inspiras/investigas otras disciplinas fuera del mundo del arte para el desarrollo de tu proceso artístico o lo consideras un proceso ontológico?

GC: Pienso que más que haber afectado al arte en sí, afectó la forma en como nos relacionamos con los demás. Soy una persona muy sociable y el actual distanciamiento me ha afectado más en el plano personal que en el artístico, aunque también es verdad que he tenido mas tiempo para trabajar y enfocarme en mis obras.

GC: Sí, siempre investigo y trato de aprender sobre otras corrientes artísticas. Me gusta informarme sobre diferentes temas sociales, políticos y económicos. Siempre trato de seguir aprendiendo y cada vez que tengo alguna inquietud sobre algo que necesito hacer, busco la mayor cantidad de información posible y de personas que lo hayan realizado anteriormente; así como de las formas en cómo lo resolvieron.

MFO: ¿Si pudieras elegir un museo del mundo en donde hacer una exposición monográfica tuya, cuál sería y por qué? GC: Para ser sincero no tengo en mente ningún museo o galería en particular donde me gustaria exponer, nunca lo he tenido como meta. Creo que las cosas se van dando con el tiempo y prefiero dejarme sorprender por cada una que pasa.

MFO: ¿En qué punto de tu carrera artística te consideras estar actualmente? ¿Te sientes satisfecho con lo que has logrado hasta ahora?

MFO: ¿Hay algún artista actualmente con quien si pudieras, te gustaría trabajar en colaboración? ¿Quién sería y por qué?

GC: Actualmente estoy en un punto de mi carrera y desarrollo artístico, en el cual creo que nunca llegaré a sentirme pleno o que soy ya un artista consolidado. Esto se debe a que no comparto muchos de los conceptos que el mercado del arte toma en cuenta para considerar a alguien “un artista consolidado”. Por ejemplo, no lo podria medir a partir de la cantidad de obras vendidas, -por el punto que desarrollé anteriormente, respecto al riesgo de que podria ser por moda y por lo tanto perder el norte de lo que en verdad tiene significado-, tampoco en cuanto a precios, porque no veo la relación entre precio y una buena obra. En muchos sentidos, estoy seguro de que la carrera de un artista es un

GC: En este momento, ninguno en específico. MFO: Pensando en la nueva generación de artistas, ¿qué consejo le darías a los jóvenes que quieren dedicarse a esta profesión? GC: Que no busquen agradar a los demás, que intenten más bien seguir sus sueños y sus propias metas, sin importar lo que otros digan; porque no existe mayor satisfacción que hacer lo que uno quiere.

Carlos Cruz Diez, (Caracas, Venezuela, 1923 – París, 2019). Es considerado uno de los artistas latinoamericanos más importantes e innovadores del siglo XX. 2

Paintbrush with a unique voice Jonathan Ardón is nowadays one of the most important Guatemalan artists in his generation. By Ingrid Roldán Martínez 48

Of the three siblings, Jonathan was the closest to his mother and helped her at home. “She is an excellent cook and she provided for our family by making and selling tamales. I remember our table covered with ingredients, the red color of pepper with the green leaves; I helped her by cutting the leaves in strips. When I am in my art studio, and I am engraving, I remember that process of wetting the leaves and cutting them in strips. This is what the use of materials caused in me,” he recalls. The sum of elements was determinant in his decision to study art and dedicate his life to this. “In Elementary, I had a Literature teacher who gave me the opportunity to question art. I discovered Pablo Neruda, Juan Rulfo, Octavio Paz, Federico García Lorca, Virgilio Rodríguez Macal and his green world. This approach in 4th, 5th and 6th Grade helped me actually see art. In Middle School, my mother enrolled me in the National Conservatory of Music, an experience that I enjoyed.” His strokes have the strength of expression. Colors and shapes that are segue way to the topics covered in each of his art pieces with birds, nests and the freedom to create. Jonathan Ardón is one of the most important artists in his generation. He has presented 16 individual art exhibitions since 2011, an average of two to three per year, except in 2020, in which he only had one. His first art exhibition was at Galería El Áttico and since then, he has been constantly present in art galleries and events.

Initial stages of his career “At a very young, I discovered I could draw, I had the ability to reproduce images, and that made me become curious about art”, states the artist.

Ardón does not come from an artistic family, but he was in contact with materials and techniques that his mother used, a Home Economics teacher, a specialized teaching branch. “I could see a very rich plastic arts ability in her; she always helped us with our projects. I realized I had a visual ability and became more and more interested”.

Then, he discovered that his thing was visual arts. In High School he started taking classes at the municipal academy of painting, in the old Post Office building with Iris Castilllo, who helped him realize he had talent. “I knew I could draw, but that oneiric aspect of art…” The he enrolled at the National School of Plastic Arts (ENAP). “The reproduction of images is related to what is called an artistic expression; one looks at something and wants to reproduce it on paper, it is a great incentive, even for those who do contemporaneous art and do not draw

or paint, to express themselves in other ways, many would like to know how to draw but cannot, others would like to do music, but cannot”, he states.

me to exhibit my work at El Áttico. I came to El Attico and showed him my work, he said he wanted to see the progress throughout time. That was the moment when I decided to leave home, a very loving and stable home.

“At a very young age, I was clear I had the ability to draw, and I focused all my strength in painting and drawing, painting and developing a life project in art, quitting to looking for a job or studying a career that would not give me the satisfaction that art gives me”, he acknowledges.

His purpose was to live and fully dedicate his life to his art work. “I moved into an apartment in zone 1. On the first floor of the building, there was a bird business; I would hear them sing and started dreaming about them. I did some research on birds, on flying and on the sky. That was when the topic of the human body changed, now it was all about images interrupted by birds, the image of human body became a complement to the birds”.

He started at the National School of Plastic Arts (ENAP) in 2006. His first individual art exhibition was in 2011. “I studied the first five years as a foundation, then two at ENAP, two at the Art School of Universidad San Carlos, where I became an assistant professor and throughout this process I decided I had to exhibit my art”.

This thematic change marked his first individual art exhibition. “That was when the conceptual relation with birds, the conception of color and mixed technique started, but always related to birds and flying. Young artists seek to be rebellious and provoke, not me. I am indifferent to social topics, but I also approach the topic of love and poetry”.

The invitation to present his first individual art piece came from Guillermo Monsanto, El Áttico gallery. “I had an art exhibition at El Áttico gallery, with nests and recycled material, leaves intervened with nests. Then, after doing some research, and thinking, and the relation with my friends.”

Jonathan Ardón has participated in Juannio (2014 and 2015, as a guest artist), Rozas Botrán, and El Túnel gallery.

This first exhibition had a previous process. “I left home with my mother’s blessing. Leaving home was a decision I made because of art. El Áttico had set the date for my first art exhibition. I had worked as a teacher and was also an assistant for very well-known artists. All great artists had art and showing their work as a common denominator. I had an epiphany of creating a set of art pieces and showing the world what I was. I was the first in my generation to come up with unique art work”.

“I was fortunate and had the opportunity to meet great artists. When you are a drawer and a painter, you are able to distinguish those whose have talent and they saw that in me. The first artists on whom I had an impact were Alejandro Urrutia, Erwin Guillermo, Arnoldo Ramírez Amaya, Elmar Rojas, Ramon Ávila, and Rodolfo Abularach. When you speak to them, you understand their vision of art; there is a very high percentage of artists that need the return and acceptance, for somebody to buy your art work, however, your own voice speaks louder. Being able to say I do this because I like it, because it is what I want to say and not fall into the trap of expecting acceptance during an auction, by a curator or an art collector”, he affirms.

“I love drawing, it is the flame that makes my heart burn. I really enjoyed drawing the human body. Guillermo Monsanto came to ENAP to teach and I did a portrait; he said he loved it. I saw him again during an art exhibition at Fundación G&T Continental, a sample of Moncrayon, the drawer. He invited

As a young artist, he is present in social media and has an Instagram (nathan_ardon) and Facebook account.

pieces. I work with acrylic as a base and oleo for colors, this is a very rich material and very few artists want to understand this”.

“When I started, I did not think Facebook or Instagram would become a display window for my work; now, young artists of those spaces when creating their work, they seek recognition in those spaces”, he comments.

In regards to the thematic, “I continue changing and revolving the topic of birds and flying. There is an abstraction that derives from birds, you are able to see the interaction of textures and colors that allow you to see a bird”.

In regards to his current work, he stated: “I feel that I am evolving from a drawer to a more complete artist; I am understanding the processes related to paint and color. I feel I am growing and developing, the formats have expanded. It is a way of being kind of rebel because there are no spaces to exhibit your work; new artists are creating small art pieces for apartments. I rebel and create large art

His art work is part of art collections in Central America, the United States, Spain and England. In June 2021, he exhibited at “Al Coda”, in the National Palace of Culture of Guatemala. He also presented his collection “The Route of Birds”, during the Latin American and Caribbean Week, SALC 2021, in France.

Pincel con voz única Jonathan Ardón es hoy uno de los artistas guatemaltecos más importantes de su generación Por Ingrid Roldán Martínez

Sus trazos tienen la fuerza de la expresión. Colores y formas dan paso a los temas que cubren cada uno de sus lienzos con aves, nidos y libertad de crear. Jonathan Ardón es hoy uno de los artistas más importantes de su generación. Ha presentado 16 exposiciones individuales desde 2011, un promedio de dos o tres al año, salvo 2020 que fue solo una. Presentó su primera exposición en galería El Áttico y desde entonces su presencia en galerías de arte y eventos artísticos ha sido constante.

Etapa inicial de su carrera “Descubrí desde muy pequeño que podía dibujar, la habilidad de reproducir imágenes me hizo tener la curiosidad sobre lo que es el arte”, comparte el artista. Ardón no proviene de una familia de artistas, pero sí estuvo en contacto con los materiales y técnicas que utilizaba su mamá como maestra para el hogar, una rama especializada del magisterio. “Vi en ella un habilidad plástica muy rica, hacía manualidades, siempre nos ayudó con los proyectos de maquetas, vi que tenía esa capacidad visual que, de alguna manera, me fue interesando”.

Más adelante que descubrió que lo suyo era el arte visual. En bachillerato empezó a recibir clases en la academia municipal de pintura en el antiguo edificio de Correos con la maestra Iris Castilllo, ella le hizo ver que tenía talento. “Yo sabía que podía dibujar, pero ese aspecto onírico del arte…” Fue entonces cuando se inscribió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP).

en pintar y dibujar, pintar y desarrollar un proyecto de vida en el arte, renunciando a trabajo y carrera en donde no iba a tener las satisfacciones que me da el arte”, reconoce.

“La reproducción de imágenes está vinculada a lo que llaman expresión

Ingresó a la Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP) en 2006. Su primera exposición individual fue en 2011. “Tuve esos 5 años de principio, 2 en la ENAP, dos en la Escuela Superior de Arte de la Universidad de San Carlos y como asistente de maestro y en ese proceso dije tengo que exponer”.

artística, uno ve y quiere reproducir en el papel lo que uno ve, es un incentivo muy grande, incluso quienes hacen arte contemporáneo que no dibujan ni pintan, se expresan de otras maneras, muchos quieren dibujar y no pueden, quieren hacer música y no pueden”, dice.

La invitación a presentar su primera muestra individual provino de Guillermo Monsanto, de galería El Áttico. “Hice una exposición en galería El Áttico, tenía unos nidos y material reciclado, hojas intervenidas con los nidos. Después, investigando un poco, y conmigo mismo, y la relación con mis amigos”.

“Yo, desde paqueño tenia claro mi capacidad en el dibujo, toda mi fuerza

Esa primera exposición tuvo un proceso previo.

De los tres hermanos, era Jonathan quien estaba más cerca de su mamá para ayudarla. “Es una excelente cocinera y nos sacó adelante haciendo tamales. Recuerdo siempre la mesa llena, el color rojo del pimiento con el verde de las hojas, me hacía cortar el cibaque y hacerlo tiritas. Cuando estoy en mi estudio, cuando estoy haciendo grabado, me recuerdo del proceso de mojar el cibaque y hacerlo tiritas. Eso hizo en mi esa relación con la utilización de materiales”, recuerda. La suma de elementos fue determinante en su decisión de estudiar arte y dedicarse a ello. “En la primaria tuve al oportunidad de tener una maestra que nos dio literatura, me dio la oportunidad de cuestionar el arte, descubrí a Pablo Neruda, Juan Rulfo, Octavio Paz, Federico García Lorca, Virgilio Rodríguez Macal y su mundo verde. Ese acercamiento en 4to, 5to y 6to primaria me ayudó a ver el arte. En los básicos mi mamá me inscribió en el Conservatorio Nacional de Música, fue algo que me gustó como curiosidad”.

“Me fui de la casa con la bendición de mi mamá. Cuando decidí irme de la casa, una decisión que la hice por el arte, El Áttico me había dado fecha para la primera exposición. Había trabajado de dar clases y era asistente de un gran maestro. Todos los maestros tenían como común denominador tener arte y mostrar su obra, exponer. Tenía como epifanía hacer un conjunto de obra y mostrar al mundo lo que soy. Fui el primero de mi generación en tener una obra única”. “El dibujo me encanta, es la llama que enciende mi corazón en el arte, Me gustaba mucho la figura humana. Guillermo Monsanto llegó a la ENAP a dar clases, yo hice un retrato, cuando lo vio me dijo me encanta. Me invitó a exponer en El Áttico, cuando me vio en una exposición en Fundación G&T Continental, era una muestra del dibujante Moncrayon. Llegué a El Attico y le mostré obra que tenía, me dijo veamos dentro de un tiempo. Fue en ese momento que me fui de mi casa, de un hogar cariñoso y estable”. Su propósito era vivir solo para poder dedicarse de lleno a su obra. “Me fu a vivir a un apartamento en zona 1, en el primer piso del edificio había una venta de aves, escuchaba los cantos y comencé a soñarlos. Indagué sobre las aves, sobre volar y sobre el cielo. Fue ahí donde cambió el tema de figura humana, ahora eran imágenes interrumpidas por aves, la imagen de la figura humana era un complemento de las aves”.

Este cambio de temática marcó su primera exposición individual. “Ahí fue donde inició la relación conceptual con las aves, los nidos, la concepción de color y técnica mixta, pero siempre relacionado las aves y volar. El artista joven busca ser contestatario y busca provocar, pero yo no. No soy indiferente a los temas sociales, pero también abordo el tema del amor, de la poesía”. 54

Jonathan Ardón ha participado en Juannnio (2014, 2015 siempre como artista invitado), Rozas Botrán, así como en galería El Túnel. “Tuve la dicha de hablar con grandes maestros. Cuando uno es dibujante y pintor distingue a alguien con talento y los maestros vieron eso en mí. El primer artista que me impactó fue Alejandro Urritua, Erwin Guillermo, Arnoldo Ramírez Amaya,

Elmar Rojas, Ramon Ávila, Rodolfo Abularach. Cuando uno habla con ellos se da cuenta de su visión del arte, hay un porcentaje muy alto que necesita el retorno y la aceptación, que compren la obra, pero es más fuerte la voz propia. El decir que hago esto porque me gusta, porque es lo que quiero decir y no caer en el error de esperar la aceptación de la subasta, del curador y del coleccionista”, afirma.

la pintura y el color. Me siento creciendo desarrollando, los formatos se han ampliado. Es una forma de ser un poco rebelde porque no hay espacios para exponer, los nuevos artistas están haciendo obras pequeñas para apartamentos. Yo me rebelo haciendo obras grandes. Trabajo con acrílico como base y con oleo para colores, este es un material muy rico y muy pocos artistas quieren entenderlo”.

Como artista joven está presente en las redes sociales, tiene cuenta en Instagram (nathan_ardon) y en Facebook.

Con respecto a la temática: “sigo girando y dándole vuelta al tema de las aves y el vuelo. Hay una abstracción que deriva de las aves, se logra ver ese juego de texturas y colores que permite ver el ave”.

“Cuando comencé no pensé que Facebook o Instagram sea mi vitrina, ahora los artistas jóvenes piensan en esos espacios antes de hacer su obra, buscan el reconocimiento en esos espacios”, comenta.

Su obra figura en colecciones de España, Inglaterra, Centroamérica y Estados Unidos. En junio 2021 expuso “Al Coda”, en el Palacio Nacional de la Cultura de Guatemala, y presentó la muestra “Ruta de las aves”, en la Semana de América Latina e El Caribe, SALC 2021, en Francia.

Con respecto a su obra actual afirma que: “siento que estoy evolucionando de un dibujante a un artista mas completo, entender los procesos que tienen que ver con

Galeria El Tunel, 50 years Pedro Solis, Director of El Tunel, speaks during this interview in regards to the journey of this cultural institution. By Ingrid Roldán Martínez

What does five decades of constant activity in Guatemala mean to El Tunel? It means a lot. To start, it is a great coincidence that the gallery is celebrating its 50th year and I am celebrating my 20th year of as Director, my father would be celebrating his 100th birthday, my daughter is celebrating her 10th birthday, all cabalistic numbers. We recently celebrated Manuel Martinez’s birthday, who has worked with us since 1989, he turned 70. There is something special about these numbers. Going back to your question, it means a lot of work and effort. Although it’s been 50 years, it’s still about figuring out what to do, how to solve. I believe that the difference with other projects has been my mother, Ingrid Klussman’s follow-up, as well as mine. It is continuity.

What does five decades of constant activity in Guatemala mean to El Tunel?

We were already using WhatsApp, through which we sent digital catalogues, but this became more intense during the pandemic. The truth is that it has given a good result. Parallel to that, we have made several virtual tours of the gallery, in which you can literally turn around, zoom in and appreciate the art work. Instagram has also been another tool not only for the gallery, but for Guatemala, it has had a great impact. This past year, we experienced this trend and using several technological tools was a big step for us.

Considering everything that happened this past year (the pandemic), and when we look back throughout history, in the 70’s, some artists such as Ixquiac and my mother used to say that the art market was slow. Then, other difficult times came, such as the earthquake in 1976, the abductions in the 90’s; I was a child but I remember very well how all this affect the gallery. I started in 2001, and it’s been 20 years now, we’ve witnessed the evolution and revolution of the Internet, the media, the computers. The gallery has adapted to the digital world. Now, it’s funny, but when I started there was no Internet. Everything has changed in that sense, the images, how information is communicated, the work is more intense. I get messages on my phone starting at 5:00 a.m. until 11:00 p.m., it’s constant.

How are artists overcoming this challenge? Many have adapted to working digitally and have done very well. I am kind of old school. Our last art exhibition was with Arnoldo Ramirez Amaya and he worked very hard to create a printed catalogue. I have spoken to some artists about this and it is admirable because this was his initiative. I think this should not disappear, because these documents will endure throughout the years. There are people who collect these and it is magnificent that Ramirez Amaya had that initiative. Also, for the past three years, I have been an advisor for Juannio and I insisted to continue with the traditional catalogue because it cannot be substituted; digital you might take a look once, maybe see it all, and then erase it. If you have it on paper, you get to keep it forever, the image, the prizes, all the information will stay there as a reference. I continue supporting this. Until last year, I continued sending out printed invitations, precisely to leave proof. To me, a hybrid model is best.

In the 70’s, when the gallery opened, the art market was not considered a strong market. What are the characteristics of the art market today? There is a lot more interest in acquiring art work, people understand it more. It is radical, especially in the case of etchings. From the moment I started until now, it has changed a lot. Before, when you showed an etching, people would say it was just a copy and that there were probably many others. It still happens, but etchings have become much more relevant. It has been gratifying, especially because younger generations are showing interest, as well as the fact that people travel and communication has turned art into part of life for many of us.

In Guatemala City and other parts of the country, galleries are closing. What does that cause?

With the pandemic, many museums and art galleries became virtual in several countries. What tools are you using to keep active in social media?

There are certainly less galleries. To me, having a gallery is a huge commitment, it is an every-day and all-day commitment. Thank God, we have continued moving forward. I would even say that there is even more work and we have become more creative in regards to adapting to change. For us, this is an opportunity, it is a greater commitment to make this gallery better every day.

How many artists do you El Tunel existed during the represent? earthquake, one of the most difficult times for our country, We currently work with 50-60 artists, at least. Artists artists disappeared and were such as Abularach, who recently passed, Ramon Avila, who has worked with us the longest, he’s 87 years old exiled, but it has been an and we have an excellent relationship, working very active entity in the cultural closely during these past years. Ramirez Amaya is 76 years old; he is very active and comes very often to life of our country. What is the visit us at the gallery; it is a pleasure and an honor to be importance of the location at close to him. In photography, we are now working with Gonzalez Palma, Luis Chavarria. Also, Arturo Monroy, 16 calle for El Tunel? Mariadolores Castellanos, who started at our gallery in 1989 and with whom we have an excellent relationship, Max Leiva, who is focused on his art exhibition in October this year. As a matter of fact, there is a book he edited in Mexico and we are launching it to the public in Guatemala. Younger artists such as Jonathan Ardon, Marlov Barrios, Erick Menchu. We have projects, we are making installations, specific projects for houses and buildings, which is a great satisfaction and a challenge at the same time, these are some of the things that have changed. It is not only about selling art, it’s more about advising your customer, this is one of our differentiators.

It is part of our history. Since I was a young child, I attended art exhibitions and what I literally remember is if you were at one extreme of the gallery, it was hard to get to the other because it was completely packed. It was nice because the community of artists, customers, and friends came together, it was like a party. There was much more beyond the art exhibition. I remember an exhibition of miniatures, which started in 1977, and continued as a tradition. It was Isabel Timeus who came up with this idea. My mother brought this idea to life selling more affordable pieces of art of Efrain Recinos, Roberto Gonzalez Goyri, Elmar Rojas, in the month of December for the Holidays. We exhibited over 500 pieces. That was the foundation of what the gallery is today, the connection with artists, it is more than just sending out letters or emails, it is a relation that endures over the years, it’s listening to them, spending time with them. To me, it has been one of the best experiences. I treasure the time I get to spend with people such as Rolando Ixquiac. I had the honor of visiting Rodolfo Abularach, we recently had dinner together, a three to four-hour long dinner, until midnight, sharing anecdotes; it’s all about the human touch, which has been our differentiator. People tell me this as well.

What are you planning for your 50th anniversary? Our anniversary is on July 5th. We are planning a collective art exhibition. The gallery started next door to Santo Doming Church, in zone 1. It was a very narrow space and that’s where our name comes from, El Tunel (The Tunnel). My mother, Ingrid Klussman, was a student at the Faculty of Humanities of Universidad Rafael Landivar and Father Antonio Gallo proposed this project to her, they wanted URL to have an artistic promotion space. That’s how it started, as a university project. It was there for one year. Then, we moved to 16 calle 5-30 zona 1. Today, that location is being used by Rodolfo Guevara, an emerging artist, as his art studio, in tribute to my mother. That’s where we might hold some of the activities. This is a second home to my mother. She still lives in zone 1 and she jokes that she will never leave that house, not until she moves to 20 calle (the cemetery).

What is the relationship of El Tunel with spaces such as Juannio with which you currently work? My father, Rodolfo Solis, our founder, was the most involved. He and other doctors and people had the vision of an auction to raise funds for the Neurological Institute. This is the 56th year in which this auction takes place. My father,

being a doctor, had a lot of contact with artists, he traveled throughout Central America. It was all about the friendships and direct communication with them.

during these past years. Art and the gallery have continued moving forward and almost intact. It is ironic, but this also opened a space for people to appreciate their own spaces, their homes, people realized they could do home office and created their own office space at home. For the gallery, this has been an opportunity, adapting to their schedules, using technological tools, but we continue moving forward.

What is the communication with other artists in other countries like?

Galeria El Tunel

There is communication, especially with El Salvador. During the past years, Santiago Valladares has travelled a lot to Guatemala. I currently work with Luis Cornejo, I love his work and this year we are planning an art exhibition with him. The Salvadorian artist is always looking to come to Guatemala. This is the second country with more participation of artists at the gallery.

Founded on July 5th, 1971. It was originally a university project to promote art and then became a point of reference for Guatemalan artists, as well as artists from other countries. It has been in four locations, the first on 10 calle zona 1, then 16 calle zona 1 towards the end of the 20th Century and it is still there.

How do you feel about being part of the gallery and directing it?

In 2000, a branch opened at Bulevar Los Proceres zona 10 and then, it moved to its current location, in zone 10. Its first Director was the artist Ingrid Klussman, succeeded by her son, Pedro Solis, who is still the Director since 2001.

What I remember the most as a child are the exhibitions of miniatures, the exhibitions of Luis Diaz, which were very important, Juannio, which was the event of the year. I always liked it and participated in the preparation. I love that, literally placing art work on the wall. I studied business administration, I was halfway my university career and many of my friends had started looking for a job. In 2001, I started going to the gallery and Amelia Moran, who collaborated with us for many years, asked me to come and help her organize things in the gallery. One year before, we had opened the first gallery at Bulevar Los Proceres zone 10. My uncle had given a space to my mother to help her, it was on the second floor of the FPK workshop. My mother did not want to leave zone 1, however, unfortunately, customers no longer came to zone 1. I started going and parallel to that, I looked for jobs at other places. I got a job at Banco de Occidente, but by the second or third month I realized that the gallery had a lot of potential, that I had grown up at this gallery, in the middle of meetings and conversations with artists. And from that moment on, I never stopped nor considered to stop. I realized everything we could do. 20 years later, here we are, very happy and grateful with the artists, our customers and friends for the response we’ve had from them throughout this entire journey, but especially

Since its foundation, the gallery has held an average of 24 art exhibitions per years (2 per month). Every year, in the month of December, since 1977, it holds its traditional collective art exhibition of miniatures.

Galería El Túnel, 50 años Pedro Solís, director de El Túnel, habla en esta entrevista sobre la trayectoria de esta institución cultural Por Ingrid Roldán Martínez

¿Qué significan cinco décadas de actividad constante de El Túnel en Guatemala?

Martínez, quien ha trabajado con nosotros desde el año 89, cumplió 70 de edad. Ahí hay algo especial con los números. Regresando a su pregunta, significa muchísimo trabajo, esfuerzo. Aunque ya tenemos 50 años, es ver qué hacer, qué resolver. Creo que lo que ha hecho la diferencia con los otros proyectos es realmente el seguimiento que tuvo mi mamá (la artista Ingrid Klussmann) y que he tenido yo. Es la continuidad.

Significa muchísimo. Para comenzar, es una gran coincidencia que la galería cumple 50 años y yo cumplo 20 años de estar al frente, mi papá cumpliría 100, mi hija cumple 10, son números cabalísticos. Hace poco celebramos el cumpleaños de Manuel 60

¿Qué momento difíciles han afectado a la galería?

Nosotros ya habíamos comenzado a utilizar WhatsApp, estábamos mandando desde hace algún tiempo los catálogos digitales, pero eso se intensificó con la pandemia. La verdad es que nos ha dado muy buen resultado. Paralelamente, se han hecho recorridos virtuales de la galería en los que literalmente usted puede dar una vuelta, acercarse y ver todas las obras. Instagram también ha sido otra herramienta no solo para la galería sino para Guatemala, en el tema visual ha impactado en el último tiempo. En el último año ya veníamos con esa tendencia y sí se dio un paso grande al sumir todos los medios electrónicos posibles.

Ahora, con todo esto que ha pasado en el último año (la pandemia), si vemos históricamente, en los años 70, lo decían algunos artistas como Ixquiac y mi mamá, que el mercado del arte era muy bajo. Vinieron momentos difíciles como el terremoto (de 1976), la época de los secuestros en los años 90, yo era pequeño pero recuerdo muy bien que afectó a la galería. Yo comienzo a dirigirla en el 2001, de ahí para acá han pasado 20 años, la evolución y la revolución del Internet y de los medios, las computadoras. La galería se ha ido adaptando a todo el medio digital. Ahora suena como chiste, pero cuando yo comencé no había Internet. Ha cambiado mucho en ese sentido, las imágenes, cómo circula la información, el trabajo se ha vuelto más intenso. Al teléfono me escriben a veces desde las 5 de la mañana hasta las 11 de la noche, se vuelve algo continuo.

¿Cómo han asumido artistas este desafío?

los

Muchos se han adaptado al mundo digital y lo han hecho bien. Yo a veces soy de la vieja escuela. Nuestra última exposición fue de Arnoldo Ramírez Amaya y él se esmeró mucho en hacer un catálogo impreso. Yo lo he hablado con algunos artistas y realmente es admirable, en este caso fue iniciativa de él. Siento que eso no debería desaparecer porque son documentos que quedan literalmente para la historia. Hay personas que los han coleccionado y me pareció magnífico que el maestro Ramírez Amaya tuviera esa iniciativa. También, desde hace tres años estoy asesorando a Juannio e insistí en seguir con el catálogo tradicional porque ese no se sustituye, lo otro usted lo ve una vez si es que lo ve completo, lo borra y ahí se queda. Si lo tiene en papel lo va a tener de por vida, quedan como referencia la imagen, los premios, toda la información. Eso lo sigo apoyando. Hasta el último año yo seguí haciendo las invitaciones en papel, precisamente para dejar documentos. Para mí debería ser un híbrido.

En los años 70, cuando la galería abrió, el mercado del arte no se consideraba como tal, ¿qué caracteriza hoy día el mercado del arte? Hay mucho más interés por adquirir obra de arte, la gente lo entiende mucho más. Se ve radicalmente, sobre todo, en el caso de los grabados. De cuando comencé para ahora ha cambiado un montón. Antes uno enseñaba un grabado y decían esto es una copia, de estos hay varios. Sigue pasando, pero el grabado ha tomado muchísima más importancia. Ha sido gratificante, sobre todo que se ha despertado el interés en los jóvenes, también el hecho de que las personas viajen y todo el tema de las comunicaciones ha hecho que el arte se vuelva más parte de la vida de muchos.

En ciudad de Guatemala y otras partes del país se ha visto en cierre de galerías de arte, ¿cómo siente el ambiente?

Con la pandemia muchos que los grandes museos abrieron sus puertas de forma virtual, así como galerías de varios países, ¿ustedes que herramientas están utilizando para mantener esa actividad en redes?

Definitivamente disminuyó. Para mí, tener una galería es un compromiso bien grande, es un compromiso de todos los días y a toda hora. Nosotros, gracias a Dios, hemos seguido adelante. Le diría que incluso con más trabajo y viendo con más ingenio de adaptarnos al momento. Para nosotros, indudablemente es una oportunidad, es un compromiso aún mayor con el medio cultural de hacer de esta galería aun mejor. 61

¿Han recibido más solicitudes de artistas para exponer en El Túnel?

artística. Así comenzó, como un proyecto universitario. Allí estuvo un año. Después pasó a la 16 calle 5-30 zona 1. Hoy por hoy el espacio está y Rodolfo Guevara, quien es un artista emergente, lo está utilizando como estudio, le hizo en homenaje a mi mamá. Probablemente allí haremos algunas de las actividades. Para mi mamá es su segunda casa. Ella vive en la zona 1 y dice que de allí saldrá a la 20 calle, lo dice como broma.

Sí tenemos muchas solicitudes, yo quisiera tener más espacio. Hemos tratado de organizar y ordenar la galería lo más posible. Indudablemente se podrían tener 8 o 9 locales porque hay muy buen arte. He tratado de encontrar un equilibrio con una selección de artistas de diferentes generaciones y que sean representativos y tener cierta variedad.

El Túnel ha estado presente en el terremoto, la época difícil del país, desaparición y exilio ¿A cuántos artistas representan de artistas, ha sido un ente activo en la vida cultural del ustedes? país, ¿qué tanta importancia Actualmente trabajamos entre 50 o 60 artistas por lo menos. tiene para El Túnel actual ese Artistas como Abularach (quien falleció hace poco), Ramón espacio de la 16 calle? Avila, quien actualmente es el mayor, tiene 87 años, y tenemos una excelente relación, hemos estado trabajando muy de cerca en el último tiempo. Ramírez Amaya tiene 76 años, está muy activo, es de los artistas que más viene a la galería y es un gusto y un honor poder estar con él. En fotografía, ahora estamos trabajando con González Palma, Luis Chavarría. También con Arturo Monroy, Mariadolores Castellanos, quien nació en la galería en el año 1989, tenemos una magnífica relación, Max Leiva que está enfocado en hacer una muy buena exposición en octubre de este año. De hecho hay un libro que editó en México y lo tenemos que lanzar al público en Guatemala. Artistas más jóvenes como Jonathan Ardón, Marlov Barrios, Erick Menchú. Hemos hecho proyectos, se están haciendo más instalaciones, proyectos específicos para casas y edificios, lo cual me llena mucho de satisfacción, es también un reto, creo que es de las cosas que han ido cambiando. No es solo vender arte sino asesorar, creo que esa es una diferencia con otros espacios.

Sin duda es parte de la historia. Yo, de muy pequeño, asistí a las exposiciones allí y lo que recuerdo es que, literalmente, había exposiciones en las que si usted estaba en un punto de la galería no podía llegar al otro, se llenaba totalmente, había un aforo increíble. Era bonito porque se había creado una comunidad de artistas, de clientes, de amigos, era como ir de fiesta. Había más allá que solo la exposición. Recuerdo la exposición de miniaturas, que se hace desde el año 1977, es algo que siempre nos ha acompañado. La idea la tuvo Isabel Timeus. Mi mamá la llevó a cabo con la idea de vender piezas más asequibles para el fin de año de artistas como Efraín Recinos, Roberto González Goyri, Elmar Rojas, hacían piezas especiales para diciembre. Se llegaron a poner más 500 piezas. Sin duda eso sentó las bases para lo que la galería es hoy, la conexión con los artistas, es más que mandar una carta, más que enviar un mail, es una relación que se ha tenido por mucho tiempo, escucharles, estar con ellos. Para mí ha sido de las mejores experiencias. Con Rolando Ixquiac valoro mucho todas la reuniones. A Rodolfo Abularach tuve la dicha de visitarlo, hasta hace poco nos juntábamos a cenar, cenas de tres o cuatro horas, hasta la media noche, platicando de anécdotas, un contacto muy humano, que creo que ha sido algo diferenciador. Me lo han dicho.

¿Qué actividades tienen previstas con motivo del 50 aniversario? El 5 de julio es el aniversario. En ese mes vamos a tener una colectiva. La galería abrió a un costado del templo de Santo Domingo, en la zona 1. Era un espacio muy delgado, estrecho y de ahí sale el nombre de El Túnel. Mi mamá (la artista Ingrid Klussmann) estudiaba en la Facultad de Humanidades de la Universidad Rafael Landívar y el padre Antonio Gallo le propone el proyecto, querían que la URL tuviera un espacio de promoción

¿Cuál ha sido la relación de El Túnel con espacios como Juannio con quienes usted colabora actualmente? 62

El que más estuvo fue mi papá (el doctor Rodolfo Solís), él fue fundador. Él, conjuntamente con otros médicos y otras personas tuvieron la visión de hacer la subasta para recaudar fondos para el Instituto Neurológico. Hoy son 56 años de que se hace la subasta. Mi papá, por su lado, siendo médico, tuvo mucho contacto con los artistas, viajó por toda Centroamérica. Era eso, tener una amistad y una comunicación directa con ellos.

respuesta que hemos tenido a lo largo de toda la carrera, pero particularmente en estos últimos tiempos. El arte y la galería han seguido caminando sin parar y casi sin haber sido afectada. Es irónico, pero también se abrió un espacio donde la gente comenzó a apreciar más sus espacios, sus casas, en lugar de viajar compraron un cuadro, se dieron cuenta que pueden hacer home office e hicieron una oficina dentro de su casa. Para la galería ha sido una oportunidad, adaptándonos a los horarios, a los medios electrónicos, seguimos firmes para adelante.

¿Cómo es la comunicación con artistas de otros países?

Galería El Túnel Fue fundada en 1971.

Sigue habiendo, más con El Salvador. Los últimos años, Santiago Valladares ha venido mucho a Guatemala. Actualmente trabajo con Luis Cornejo, me encanta su obra, este año tenemos planificado hacer una exposición de él. El artista salvadoreño siempre ha buscado venir a Guatemala. Fuera de los guatemaltecos, es el segundo país que más participación tiene en la galería.

abrió sus puertas el 5 de julio de ese año. Originalmente fue un proyecto universitario para la promoción artística, con el tiempo se convirtió en un punto de referencia para los artistas guatemaltecos y de otros países. Ha tenido cuatro sedes, la primera en la 10 calle zona 1, después se trasladó a la 16 calle de la zona 1 donde permaneció en actividad hasta finales del Siglo XX y que continúa vigente. En el año 2000 abrió una sucursal en el bulevar Los Próceres zona 10 y después se trasladó a su sede actual, también en zona 10.

¿Cómo se siente usted con ser parte de la galería y su gestión frente a ella?

Su primera directora fue la artista Ingrid Klussmann y después le sucedió su hijo, Pedro Solís, quien la dirige desde el año 2001.

Lo que más recuerdo de niño son las exposiciones de miniaturas, las exposiciones de Luis Díaz que siempre fueron muy importantes, Juannio que no me lo perdía, era el evento del año. Siempre me gustó, muchas veces participé en los montajes. Me encanta hacer los montajes y, literalmente, colgar los cuadros. Yo estudié administración de empresas, estaba a la mitad de mi carrera, varios de mis amigos comenzaron a buscar trabajo. Yo comencé a ir a la galería y Amelia Morán, quien colaboró muchos años con nosotros, me dice venga, ayúdeme, ordenemos la galería, era el año 2001. Un año antes se había abierto la primera sucursal en el bulevar Los Próceres, zona 10. Mi tío le había dado un espacio a mi mamá para ayudarla, era en el segundo piso del taller de FPK. Mi mamá no quería dejar zona 1 pero, lamentablemente, los clientes habían dejado de visitarla. Comencé a ir y, paralelamente, busqué trabajo en un par de lugares. Fui a una cita al Banco de Occidente, pero al segundo o tercer mes me di cuenta del potencial que tenía la galería, me di cuenta de que yo había crecido en medio de la galería, en medio de reuniones, en medio de pláticas con artistas. De ahí para hoy jamás paré, ni lo consideré. Me di cuenta de todo lo que se podía lograr y todo lo que había por hacer. 20 años después estamos aquí muy contento y muy agradecido con los artistas, con los clientes y amigos de la

Desde su fundación la galería ha tenido un promedio de 24 exposiciones anuales (2 al mes) Todos los años, en diciembre, desde 1977, presenta la tradicional exposición colectiva de miniaturas.

editorial director

Gustavo Chacón name of the picture on the cover

Red Star Nº04, 2019 Madera, metal, y pigmentos. 39 x 51 1/8 x 46”

Fotografía cortesía de Dario Escobar Studio Crédito Fotográfico: Claudia Luna

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Darío Escobar

Contact gustavo@elartista.art +502 33235299 www.elartista.art

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