FEB .XV - MARZO XV / .08
Precio de venta US$ 5.00
bio / JULIA DIAZ el artista / FERNANDO VALDIVIEZO 01
MAX LEIVA el misterio de sus esculturas, la inspiración y los secretos técnicos del artista Impresionantes fotografías Reveladores textos introductorios Entrevista con el artista Lujosamente encuadernado
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EL LIBRO “Max Leiva nos muestra que la escultura puede conjugar refinamiento y expresividad, rigidez y contraste, elegancia de formas y la sinceridad del creador. En cada una de sus obras plasma un imaginario febril elaborando poemas plásticos que concibe para encantar de nuevo nuestros sueños, sueños en un mundo donde todo fuera ternura y voluptuosidad. Por lo tanto, no escatimaremos nuestra admiración por este escultor de dones desconcertantes y porvenir sin límites”. - Noël Coret. Presidente del Salón de Otoño (París, Gran Palacio de Bellas Artes)
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CONTACTO mercadeo y ventas / revista@elartista.org
Fotografías de Julia Díaz cortesía de
COLABORADORES Martín Fernández Ana Beatriz DeLeón
CONSEJO EDITORIAL Gustavo Chacón Monika Bruch Juan B. Juárez
DISEÑO GRÁFICO Y DIAGRAMACIÓN Andrea Villagrán Luttmann
DIRECTOR EDITORIAL Gustavo Adolfo Chacón
BORIS CIUDAD REAL CAMILO ALMARÁZ OTTO HERNÁNDEZ EDWIN BIXCUL
LA OBRA DE
FERNANDO VALDIVIEZO
EL ARTISTA
¿A QUÉ SE REFIEREN LOS EXPERTOS CON EL TÉRMINO ARTE CONTEMPORÁNEO? Por Martín Fernández-Ordóñez
PLUMA INVITADA
PEPO TOLEDO - RETROSPECTIVA JARDÍN INTERIOR
IMPRESIONES DEL CENTRO -JUAN CARLOS CALDERÓN
LA EXPO
JULIA DÍAZ - La pintora de El Salvador
BIO
editorial
GUATEMALA, CAPITAL IBEROAMERICANA DE LA CULTURA 2015 El 2015 promete posibilidades para los artistas locales de presentar sus obras ante un público internacional convocado por la propia ciudad metropolitana que fue nombrada “Capital Iberoamericana de la Cultura”, hecho éste que seguramente atraerá a un tipo de visitante culto e interesado por los fenómenos artísticos, así como revistas y noticieros culturales que le darán cobertura crítica y noticiosa a los diversos eventos que se realizaran en el transcurso del año. En consecuencia, se puede esperar no sólo más producciones artísticas y culturales sino también de mejor calidad. El Artista magazine promete seguir de cerca lo más importante que se produzca en el marco de ese evento de nivel iberoamericano. El primer número de nuestra revista está dedicada a los artistas jóvenes y a sus obras renovadoras y críticas. Esta dedicatoria, sin embargo, se da a la sombra de dos grandes artistas cuya influencia sigue vigente: la mítica Julia Díaz, de El Salvador, y Fernando Valdiviezo, de Guatemala, que sin duda tienen mucho que ver con la formación de las nuevas generaciones de artistas que hoy por hoy se esfuerzan en ocupar los lugares centrales de los escenarios artísticos locales e internacionales. Los guatemaltecos Edwin Bixcul y Camilo Almaraz, y los salvadoreños Otto Hernández y Boris Ciudad Real, pertenecen a la primera generación del siglo XXI, formada plenamente en un contexto cultural, estético y tecnológico marcado por la globalización en el que gozan de ciertas facilidades para la creación, al mismo tiempo que sufren a su manera las limitaciones propias de sus respectivas culturas a la hora de configurar la “estética de nuestro tiempo” y gestionar sus obras en los mercados locales e internacionales. En resumen, El Artista magazine empieza el 2015 con optimismo y con renovada fe en el arte y los artistas, optimismo y convicción que compartimos con nuestros lectores y anunciantes. GCH
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/ JULIA DIAZ
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BIO Autoretrato / Julia Díaz
...LA OBRA DE JULIA DÍAZ EVOLUCIONO ... HASTA UN EXPRESIONISMO MUY INTENSO BAJO EL CUAL LOS PERSONAJES SE DESVANECEN COMO FANTASMAS EN LA OSCURIDAD..,
JULIADIAZ LA PINTORA DE EL SALVADOR 08
Por Juan B. Juárez
Julia Díaz (1917-1999) es sin duda la más entrañable pintora de El Salvador, no sólo porque pintó a los humildes sino también porque enseñó a sus compatriotas a ver sus país con ojos de artista y a reconocer en la mirada de un niña campesina, de una mujer sola que protege a sus hijos y de un cargador de frutas la angustia que produce la guerra, la violencia y la pobreza. En el lenguaje de hoy se diría que la ilustre pintora salvadoreña pintaba temas de interés social, principalmente campesinos, maternidades, niños y mujeres desvalidas, y que en ese sentido sus cuadros tienen mucho de documental. Ella, sin embargo, hizo algo más. Nacida en un pueblo de provincia a principios del siglo XIX, vivió no sólo en medio de la agreste naturaleza, que es bella a su manera, sino también en una comunidad rural de un país de escaso desarrollo económico, social y político, que es trágica también a su manera. En ese contexto, su interés como pintora se centró definitivamente en las personas y no tanto en la descripción del entorno social y cultural, y de allí que su pintura sea fuerte y conmovedora, expresión de una verdad que es más hondamente humana que la que podría promoverse desde las abstracciones ideológicas.
Aunque la formación que recibió en El Salvador en la academia del español Valero Lecha fue bastante sólida, fue su larga estancia en Europa entre 1948 y 1953 la que sin duda la salvó del provincianismo y consolidó su visión de lo artístico y sus innatas intuiciones estéticas. Así, libre de los peligros de las concepciones ideológicas del arte y del trabajo artístico, la obra de Julia Díaz evolucionó desde el realismo inicial que captaba la ternura y el dolor de sus convincentes personajes, hasta un expresionismo muy intenso bajo el cual los personajes se desvanecen como fantasmas en la oscuridad, como queriendo dejar al sentimiento el protagonismo de la imagen, siempre conmovedora. Entre uno y otro punto lo que siempre está presente en su obra y que hace que su trabajo alcance ese nivel de artisticidad es la apertura hacia el sentir profundo de la gente y la capacidad poética para captarlo y expresarlo en su autenticidad, sin adornos ni exageraciones, dejando que fuera la verdad del arte la que conmoviera al espectador.
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la expo
RETROSPECTIVA 10
15/NOV 2014 - 31/ENERO 2015 INAUGURACIÓN 15/NOVIEMBRE 2014 SANTO DOMINGO DEL CERRO, ANTIGUA GUATEMALA
El 15 de noviembre fue inaugurada la exposición Pepo Toledo Escultura Urbana Retrospectiva 2014 en Santo Domingo del Cerro, Antigua Guatemala. La muestra consistió en presentar maquetas de quince esculturas urbanas de Pepo Toledo colocadas en distintos países y cuatro proyectos de obras que serán instaladas próximamente. Las piezas pertenecen a las series Bestiario, Bosque Urbano y Ciudades Utópicas __ de la colección Esculturas Peligrosas__, Abstracciones Neurológicas, Ángeles y Haikais __ poemas escultóricos. Abrió el acto Ana Claudia de Suasnábar, Directora de Paseo de los Museos de Hotel Museo Casa Santo Domingo en Antigua Guatemala. Jorge Castañeda pronunció un emotivo discurso. Pepo Toledo explicó al público cómo cada una de las esculturas es acompañada de mensajes proponiendo realizar arte en apego a la verdad y los valores humanos. También la relación de sus obras con la metafísica y las fuerzas antagónicas pero a la vez complementarias que hacen que el Universo sea un sistema sostenible en el tiempo. Recordó con nostalgia cuando estaba realizando sus primeras dos esculturas y lo visitó Jorge Castañeda en su taller. Allí propuso hacer una exposición. Al día siguiente lo llamó Ana Claudia para fijar la fecha. Este compromiso lo hizo trabajar febrilmente hasta juntar una muestra de 21 piezas. Finalmente, el 3 de julio de 2010, realizó su ópera prima en el Hotel Museo Casa Santo Domingo. La iniciativa de Castañeda fue determinante en su carrera de arte. Sin ella es incierto que hubiera pasado. Vuelve cuatro años y medio después con la satisfacción de haber realizado 17 esculturas públicas, 31 exposiciones individuales y eventos especiales en lugares como Washington, Ginebra, París, La Haya, Ámsterdam, México y Costa Rica.
PEPO TOLEDO 11
la expo
Fotos tomadas durante la inauguración de “Retrospectiva”
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el artista
FERNANDO VALDIVIEZO Por Juan B. Juárez
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el artista
“HABLANDO EN PLATA” ES MÁS QUE UNA SERIE O UN TEMA: ES UN UNIVERSO INAGOTABLE DENTRO DEL CUAL EL OFICIO DEL ARTISTA EVOLUCIONA...
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EL VALOR DE LA IMAGINACIÓN CRÍTICA Con la serie “Hablando en plata” que inició en 2008, Fernando Valdiviezo (Guatemala, 1962) alcanzó una especie de madurez que no fue sólo técnica sino también de conciencia artística y de responsabilidad expresiva, desde la cual toda su obra anterior parece dibujar una trayectoria y una búsqueda quizás un poco erráticas, pero fatalmente orientadas a lo inconsciente como fuente de un discurso plástico e intelectual existencialmente auténtico y significativo. Volver a las bases y a las técnicas académicas, principalmente al dibujo, significó para el artista un verdadero reinicio, el cual, sin embargo, no empezó de cero sino con lo que rescató del inventario de recursos artísticos y experiencias humanas que había acumulado a lo largo de su carrera y que, aceptándolos en su justo valor, se convirtieron en el fundamento de una expresión que es a la vez crítica y reflexiva, imaginativa y realista, tradicional e innovadora. Intervenir billetes y crear escenarios disparata-
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dos en torno a los solemnes personajes que agregan valor histórico a las expresiones monetarias de todos los países, y titularlos con nombres poéticos que remarcan el absurdo es, en efecto, un ejercicio que va más allá del humor y la irreverencia. Es poner en duda no tanto el valor del dinero o de las celebridades nacionales, sino el valor y el significado de las verdades históricas en las que oficialmente se fundamentan las identidades colectivas e individuales que, en estos tiempos de corrupciones locales y globalizadas bien arraigadas, se han visto un tanto desacreditas, sumidas en la ambigüedad política y prestándose a la cínica manipulación de los pueblos de Latinoamérica y de todo el mundo. Pero “Hablando en plata” es más que una serie o un tema: es un universo inagotable dentro del cual el oficio del artista evoluciona tanto en la configuración formal de sus símbolos gráficos como en la articulación de un imaginario crítico que se corresponde con la vida individual y social tal como se da en la actualidad.
el artista
...“ME IMPRESIONA MUCHO CUANDO PALPO EN LA OBRA DE UN ARTISTA LA SINCERIDAD”...
¿EN QUÉ AÑO TE INICIASTE EN LAS ARTES PLÁSTICAS? Mi inicio en la parte formativa fue en el año 1979 cuando ingrese a la ENAP; estuve allí 5 años. En 1983 empecé a participar en exposiciones colectivas con mis compañeros de generación y con artistas que ya tenían un nombre artístico.
Educación, (todavía no existía el ministerio de Cultura y Deporte), me invito para que fuera a trabajar con él como su auxiliar, y ahí fue cuando entré verdaderamente al mundo del arte, no sólo al arte de la plástica sino a todas las disciplinas: la danza, la poesía, el teatro, la música, y conocí a mucha gente.
¿CÓMO TE DISTE CUENTA DE QUE QUERIAS SER ARTISTA?
¿SI NO FUERAS ARTISTA, QUÉ SERÍAS?
Cuando ingrese a ENAP tenía 16, pero desde los 12 años me empezó la inquietud y era notorio que a mí ya no me gustaba nada de lo que enseñaban en la escuela. En casa me preguntaban si quería ser doctor, ingeniero u otro montón de profesiones que me mencionaban, y yo respondía que no. En realidad no tenía claro que querría ser artista, un pintor, lo que sí sabía era que me divertía mucho pintando y dibujando; mi relación con los materiales de la plástica siempre fue natural y fue cuando llegué al ENAP que me di cuenta que realmente eso era lo que yo quería: estar en el mundo de la plástica por el resto de mi vida.
Es difícil, podría hacer muchas cosas, siempre me ha gustado la filosofía, la literatura, el estudio de las leyes; me hubiese encantado ser juez, el estudio de la estructuración legal de una sociedad.
¿CÚAL HA SIDO TU MAYOR SATISFACCIÓN EN EL MUNDO ARTÍSTICO? Mi mayor satisfacción es poder hacer lo que más me gusta en la vida, levantarme todos los días temprano, entrar a mi estudio y ver cómo en un lugar tan pequeño hay un mundo que es tan grande y que yo lo he creado.
¿Y TU MAYOR DECEPCIÓN? ¿CUÁLES SON TUS MEJORES RECUERDOS DE ESTA ÉPOCA?
No tengo decepciones en el arte. Sería fácil hablar sobre si te compran poco o mucho, ese tipo de cosas, pero yo no tengo ninguna decepción con el arte ni con la sociedad, porque no fue la sociedad la que me ordenó hiciera lo que hago y que me dedicara a lo que me dedico; tomé una decisión propia y siempre me he esforzado para estar bien.
Hay muchos que son en la escuela, con mis compañeros y los grandes maestros de arte, pero el más grande recuerdo que tengo es en mayo de 1980 cuando el maestro Víctor Vásquez Késtler, que en ese entonces tenía el mando del departamento de Artes Plásticas de la Dirección General de Bellas Artes del Ministerio de
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¿QUÉ TE INSPIRA PARA CREAR UNA OBRA? Para mí hay un gran hecho que siempre me resulta inspirador; y es el hecho mismo de saber que voy a enfrentar al papel y plasmar mis ideas que estoy desarrollando obedeciendo a un proyecto mayor. Mi inspiración en la serie “Hablando en plata tiene” que ver mucho con la escala de valores sociales en la cual vivimos, todo este mundo del poder, de dominación a través del dinero, el dominio político actual, todo esto me ha inspirado para realizar el proyecto más grande en el que he estado trabajando.
¿CUÁL CREES QUE ES TU OBRA MÁS SIGNIFICATIVA?
¿A QUÉ ARTISTA NACIONAL O INTERNACIONAL ADMIRAS?
Hay muchos artistas muy sinceros, me impresionan muchas obras, ese arte que más allá de la calidad y el valor que se le pueda dar a la obra, si es buena o mala, me impresiona mucho cuando palpo en la obra de un artista la sinceridad, cuando alguien está haciendo algo obedeciendo a sus propias reglas y sus necesidades, está siendo sincero con él mismo, sin obedecer a una curaduría, una moda, una tendencia. Guatemala es un país de artistas.
Espero no haber hecho aún esa obra. Siempre te preguntan cuál es tu mejor obra, la más importante. Espero no haberla hecho todavía, porque eso significa que tengo un largo camino que recorrer y espero hacerla dentro de mucho tiempo. En la serie Hablando en plata tengo algo de lo que más me ilusiona trasmitir y es en lo que estoy trabajando.
¿QUÉ PIENSAS DEL ARTE PRODUCIDO ACTUALMENTE EN GUATEMALA?
Comenzaría por el maestro Carlos Mérida, luego con el maestro Elmar René Rojas; me impacta mucho la potencia de la obra de Alejandro Urrutia. En artistas internacionales me es inevitable no mencionar a Pablo Picasso, para mí es como la verdad absoluta; también tengo gran admiración por Diego Velázquez; hay varios artistas. En realidad me siento influenciado por todos, por todo lo que veo, escucho, pienso, los pensamientos de mucha gente que te dejan algo interesante
¿QUÉ MENSAJE DARÍAS A TODOS QUIENES SEGUIMOS TU TRABAJO?
¿CUÁLES SON TUS SUEÑOS EN TU CARRERA ARTÍSTICA?
Les agradezco mucho que abran su vida a mi trabajo; de alguna forma son parte de mi trabajo y yo soy parte de sus vidas, en el momento que aprecian mi arte y se interesan en mi proyecto.
Seguir enamorando y redefiniendo la serie en la que estoy trabajando, mi sueño es poder continuar, tener la posibilidad y que la vida me permita llevar esto hasta donde deseo; es un proceso que lleva tiempo, concentración, y mi más grande anhelo es poder continuar haciendo mi arte.
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IMPRESIONES DEL CENTRO
la expo
JUAN CARLOS CALDERON Por Redacción El Artista Magazine
El Club Italiano fue el escenario en el que Juan Carlos Calderón presentó en diciembre una serie de acuarelas titulada Impresiones que recoge vistas del centro histórico de la ciudad de Guatemala y de otros pueblos y ciudades de provincia. Muy concurrida fue la inauguración y fueron muchos las personas que la visitaron posteriormente y que comentaron lo bien logrado de las obras y la difícil originalidad del artista al desarrollar un tema más bien tradicional desde una perspectiva inédita.
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21/NOV 2014 - 30 /DIC 2014 INAUGURACIÓN 21/NOVIEMBRE 2014 CLUB ITALIANO, GUATEMALA Según Juan B. Juárez, editor de El Artista magazine, “Lo que recoge en sus acuarelas no es el registro objetivo y sereno de los monumentos arquitectónicos sino los momentos fugaces en los que la gente, como empujada por el viento y sus urgencias, se arremolina en una calle estrecha, esa sí, cercada de historia; y así como en los cuadros de los impresionistas franceses permanece algo de aquella luz huidiza y efímera perseguida con tanto afán por los pintores del siglo XIX, en los de Calderón permanece el movimiento y el bullicio de la vida urbana del siglo XXI que parecen desdibujar los nobles perfiles de las fachadas manchadas de recuerdos y de smog. En efecto, en sus cuadros no es el perfil de la ciudad el que se ofrece como espectáculo sino la pequeña emoción cotidiana del artista y de tanta gente anónima que agita a ese escenario solemne con más gracia que los grandes acontecimientos históricos del pasado”.
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la expo
Fotos tomadas durante la exposición “Impresiones del Centro”
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laobra de...
BORIS
CIUDAD REAL Por Ana Beatríz DeLeón
Enfrentarse a la obra de Boris Ciudad Real, dejará una experiencia estética agradable, pero con el corazón preparado, la experiencia será distinta, más profunda y densa… escudriñarla nos hará enriquecer el espíritu.Su obra está estrechamente ligada a la migración; un punto común de los centroamericanos, casi todos, tenemos por lo menos un amigo o un familiar que por diversas razones, ha tenido que buscarse el futuro lejos de su país. El artista sale de su estudio, y emprende el viaje recorrido por tantos compatriotas, listo a buscar un total entendimiento de lo que viven los primos, los amigos y los paisanos, que buscan el sueño americano. En la serie EXTINCIÓN compara a los seres humanos con elefantes, especie en extinción. Animales que viven en sociedad, mientras nosotros nos auto-extinguimos… Manadas que se mueven lento pero firmemente; ágiles a la hora de caminar. La ruta a seguir la determina el instinto de sobrevivencia, la búsqueda de comida y agua. Los elefantes muestran comúnmente dolor, humor, compasión, cooperación y capacidad de aprendizaje, características comunes de los migrantes. En el año 2010, Boris fue seleccionado para una residencia artística en Kansas City. Los resultados se mostraron en la exposición colectiva Cara And Cabezas Contemporary. The Voice That Reaches You III Cara and Cabezas Contemporary.
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En las obras “Pilar de Ladrillos” (2009) y “Abejas” (2008 , Premio de Arte Joven CCEspaña), Boris pasa a hacer uso de las tres dimensiones para expresar la inestabilidad y zozobra tanto social como económica que provocan los fenómenos de la migración y de la violencia, respectivamente. Esta vez explorando el contraste de la historia desde los receptores tanto de las divisas como de las noticias de violencia que se vive lejos de la comodidad. En el 2014, Boris viaja a Los Estados Unidos para iniciar el proyecto artístico en desarrollo El Viaje y la extinción . Mamá Art Café organizó una exposición individual del artista salvadoreño en San Francisco, California. Regresa a su estudio con un corazón lleno de emociones por contar, así con ese ímpetu comienza la batalla entre la forma, la composición, la paleta y el trazo. Es una historia colectiva, que no puede dejar de contar y que toma por asalto sus lienzos y los transforma en crónicas
“Elefante teñido color azul”
Pero… ¿Cómo salir a buscar las vivencias de otros sin vivir las suyas propias?Boris es un artista que busca vivir el día a día con todas sus circunstancias y quizás porque en sus expediciones se da cuenta del dolor causado por la separación; personalmente se preocupa por fortalecer de diferentes maneras los lazos con su familia. Marcelo, su hijo es su colaborador. Los trazos, convierten la intimidad de la relación padre-hijo en un lenguaje universal. Es otra manera más de luchar por un mundo mejor. Respetuoso, el artista deja en su obra el espacio para que el espectador también se involucre en esa búsqueda, solo quienes estén dotados con el don divino de la sensibilidad podrán encontrar el mensaje, un mensaje sugerente y poético.
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“2 elefantes”
“El camino del elefante”
“El camino del elefante”
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laobra de...
CAMILO ALMARAZ
POESÍA SENCILLA
La pintura del joven Camilo Almaraz (Guatemala, 1991) está centrada en la figura femenina a la que se acerca con delicadeza de poeta y cierto erotismo contenido, es decir con aquella emoción que se parece mucho al amor romántico, inspirador de versos conmovedores e imágenes eternas y deslumbrantes, como la luna y el mar, la luz y la sombra, el deseo y el pudor y, en su caso, la quietud y el movimiento, la palidez y la intensidad del color que definen y expresan la presencia y la ausencia del objeto amado y los ciclos de certeza e incertidumbre y de felicidad y angustia que padecen los enamorados. La mujer como la luna que, lejana e imperturbable, levanta deseos intensos como las olas violentas de los mares tempestuosos; astro pálido y eterno que las pasajeras nubes no alcanzan a ocultar, sus cuadros, en efecto, componen un poema en el que el esmerado oficio del pintor y el sentimiento auténtico del artista se apropian y le dan nueva vida a esas imágenes sin tiempo.
Por Juan B. Juárez
Más que expresión libre de emociones los cuadros de Camilo son ejercicios virtuosos de versificación pictórica. De la misma manera que un poeta versifica en estrofas, Almaraz organiza sus cuadros en dípticos que se corresponden más que por la simetría, por la continuidad de un ritmo que además de gráfico es temporal: son momentos, fases de un mismo sentimiento intenso e indefinible al que cabe, sin embargo, seguir en el curso de su órbita en torno al objeto que al mismo tiempo lo atrae y lo aleja. Declaraciones pudorosas, los cuadros de Almaraz tienen algo de japonés en su expresión, no sólo por la delicadeza de su factura sino también por la alargada verticalidad de su formato, que contribuye a señalar la fragilidad emotiva en que se sostiene la imagen y que obliga a una lectura que de arriba abajo y de abajo a arriba va lentamente descubriendo intimidades y misterios.
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laobra de... Obra de Camilo Almaraz
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laobra de...
RETRATOS DE PERSONAJES OTTO CON MUNDO HERNANDEZ Por Juan B. Juárez
Dibujante acucioso y exacto, la pintura de Otto Hernández (El Salvador, 1980) está signada por una lucidez delirante que hace detonar las concepciones más equilibradas y optimistas del ser humano y del mundo. En ese sentido lo que aparece en sus obras no es nunca una idea, una abstracción, un concepto o una generalización teórica sino una persona concreta devorada por su experiencia existencial en un ambiente vital tan intenso, diverso y cambiante que desborda su capacidad de análisis y entendimiento.
y una postura —un modo de ser en el mundo— y a veces una fatalidad y una tragedia.
De ese mundo que nos rodea y que no sólo es emotivo sino también reflexivo, que no sólo es pasión sino también —y quizás más propiamente— acción, lo que queda registrado en sus obras y en los rostros y los cuerpos de las personajes que allí habitan —con un grafismo académico fluido y convincente— son los gestos que delatan frente al mundo una incomodidad esencial, una aspiración ideal, un acomodo superficial o todas esas posibilidades juntas que a veces definen una actitud
Y a un lado de esos cuerpos y rostros sufrientes y reflejantes, la realidad de signos que marca la materia con toda clase de señales y llena las mentes con el rumor sordo de mensajes inagotables, confusos y contradictorios, cuando no decididamente absurdos, que estallan en constelaciones indescifrables y en luminosidades fulgurantes y enceguecedoras desdibujando los signos de nobleza que, en otras épocas, señalaban la humanidad de los rostros y los cuerpos.
La honestidad del artista y la característica de su estética es que no juzga ni se queja de lo que percibe sino que se limita a registrar con apasionada objetividad el lenguaje no verbal que se sedimenta en la piel y en la mirada de sus personajes, sedimentación que funciona como las huellas y los vestigios de una vida realmente vivida, aunque no se pueda definir en cada caso la experiencia de cada quien.
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Ruido Blanco
Zapata Fuga en Re Menor
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laobra de...
Miradas Largas
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la expo
JARDIN INTERIOR Annybeth Guillen, Anamaría Flores, Aída Prato, Lucia Escobar, Johanna Jerez, Olga de Chacón, Romina Katz, Alejandra Ochoa, Gina Figueroa, Ninfa García, Piki
Pullin, July Echeverry, Leslie,
ES EN EL ALMA DONDE SE CULTIVAN LOS SENTIMIENTOS Capehart, Gaby Pappa, Maria Antonieta Sanchez, Brendy Lobo, Monika Bruch.
depende de cada quien poblar el alma de bellas flores y plantas exoticas
QUE LA ENRIQUEZCAN. ESTA EN TI
CULTIVAR LA TUYA Y OBTENER BELLOS FRUTOS EN LA VIDA. Annybeth Guillen 36
ESTUDIO DE MÓNIKA BRUCH 30 / OCTUBRE 2014 CLUB SAN ISIDRO, GUATEMALA
Juan Pablo Canale pintando durante el evento.
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CONTEMPORANEO
¿A QUÉ SE REFIEREN LOS EXPERTOS CON EL TÉRMINO ARTE
pluma invitada
Parte 1 Por Martín Fernández-Ordóñez Para continuar con nuestra exploración acerca del arte contemporáneo, es necesario que retomemos el hilo que quedó suspendido en el artículo anterior. Como se recordará, traté de ilustrar una situación del pasado con la cual pudiéramos relacionarnos en el presente: aquello vivido durante el movimiento impresionista en el París de finales del siglo XIX. Vimos cómo aquella nueva forma de representar la “realidad” causó rechazo, confusión y desaires en el público que contempló sus cuadros. Para concluir con este argumento, debemos tener en mente que cada generación, en todas las épocas de la humanidad, ha tenido su porción de “arte contemporáneo”. Sin embargo, dentro de los periodos artísticos delimitados por la propia disciplina artística1 , se le llama “arte contemporáneo” a la categoría que sigue después de la denominada “arte moderno”. Como cada disciplina humanística, la historia del arte tiene sus propias metodologías y formas de “medir” o agrupar los periodos histórico-artísticos, todo con el fin de facilitar su estudio y comprensión. En el campo de la filosofía se debate mucho sobre lo que es la modernidad, si es que la época moderna empezó realmente en este o aquel momento de la historia. Todos estos son temas debatibles y depende mucho de los puntos de vista y de los argumentos de los académicos. En cuanto a la historia del arte respecta, la escuela anglosajona (principalmente) ha tendido a separar el arte a partir del siglo XX de dos maneras: 1. Arte moderno (primera mitad del siglo XX) y arte contemporáneo (desde los años 60 del siglo XX a la actualidad) y 2. Arte en la primera mitad del siglo XX, arte en la segunda mitad del siglo XX y arte contemporáneo (desde el año 2000 a la actualidad). Desde mi punto de vista, esta última clasificación puede ser apropiada ya que, aunque nos parezca que ocurrió ayer, nos encontramos a más de medio siglo de lo sucedido en los años 60 del siglo pasado. El lector encontrará estas diferencias según los libros o los pénsums de los programas académicos de las universidades que consulte. 38
Para facilitarnos la vida y no entrar demasiado en estas diferencias técnicas de la disciplina, propongo tomar el camino puramente “matérico”, es decir, lo que en concreto implica aquello que denominamos “arte moderno” y “arte contemporáneo”. En mis clases de la universidad he encontrado muy útil presentarle a mis estudiantes una especie de cuadro comparativo, porque aunque es imposible insertar en un rígido marco a una gran cantidad de movimientos artísticos y sus tiempos, sí es verdad que podemos intentar agrupar dentro de diferentes épocas a aquellas manifestaciones que comparten características similares. Debido al límite de espacio en esta publicación, no será posible profundizar en los detalles y características de las primeras vanguardias del siglo XX, en mi opinión, una de las épocas más interesantes de la historia del arte occidental. No obstante, podemos resumir que la mayoría de lo producido por aquellos movimientos comparte algunas características comunes como: 1. Contar con un soporte material. 2. Aunque dichas vanguardias no fueran entendidas por la mayoría, sus integrantes explicaban sus obras por medio de manifiestos, manteniendo cierta comunicación con el público. 3. Las vanguardias eran colectivos, personas que compartían una misma ideología, filosofía o estética, pero en su mayoría se presentaban como un grupo y no tanto como expositores de individualidades. 4. Aunque mucho del arte de esta época dejó de ser figurativo y empezaron a integrarse algunos materiales hasta ahora ajenos al lenguaje tradicional del arte (el collage 2 , por ejemplo), por lo general los artistas continuaron valiéndose de lienzos y pigmentos para los cuadros y de madera, arcilla, bronce y mármol para las esculturas. 5. Para finalizar, la mayoría de lo producido en este periodo, de alguna forma trataba sobre “algo”. Aún así, no está demás mencionar que muchos de los antecedentes del arte contemporáneo vieron sus primeras luces muy temprano en el siglo XX, especialmente dentro de vanguardias como el Dadá 3. Pero todo lo expuesto anteriormente cambió a partir de los años 60. Sin detenernos demasiado al respecto, me parece importante mencionar que las dos guerras mundiales causaron un efecto devastador en todo aspecto cultural de la humanidad. Y estos alcances no se limitaron a Occidente. Pero, ¿qué relación tiene todo esto con el arte? En pocas palabras, podemos decir que tiene absolutamente todo que ver. Limitándonos esta vez a la II Guerra Mundial, tal vez puede servir para darnos cuenta de su magnitud el hecho de que el centro del arte que durante al menos dos siglos fue París (y
por lo tanto Europa), pero una vez finalizada la Guerra, dicho centro artístico se trasladó a Nueva York y le pese a quien le pese, lo continúa siendo. En lo que a impacto ideológico y cultural se refiere, la II Guerra Mundial dejó traumas y cicatrices en el mundo Occidental que aún hoy no han terminado de sanar. El llamado “Viejo Continente”, la cuna de la civilización de esta parte del globo, casi llegó a su total exterminio. Todo aquello en lo que se creyó durante siglos se vino abajo en un periodo de 6 turbulentos años. Por eso una vez finalizado el conflicto, el mundo no podía volver a ser el mismo. Todo se encontraba destruido, una generación casi completa desapareció de la faz de la Tierra y la reconstrucción en muchos países europeos empezó prácticamente desde cero. El fotógrafo rumano Brassaï, en su fascinante libro “Conversaciones con Picasso”4 , cuenta con detalle como París se fue despojando de sus mentes más brillantes, cómo quienes pudieron escaparon al extranjero mientras que otros murieron en los campos de concentración. Fue como si la guerra le hubiese robado el alma a la que hasta entonces era considerada la ciudad del arte por excelencia. Debido a la magnitud de la destrucción, es obvio pensar que los años que siguieron fueron dedicados a la reconstrucción del continente. Pero como diríamos coloquialmente, “la pelota ya había pasado al otro lado de la cancha”. Y esa cancha era Estados Unidos. Desde entonces, se invirtieron los papeles y fue Europa la que empezó a reaccionar hacia lo que se producía en Estados Unidos. Tuvieron que pasar muchos años hasta que dicho continente volviera a producir algún movimiento artístico de autoridad. Irónicamente, para poder trazar una especie de línea de tiempo e iniciar nuestra definición de “arte contemporáneo” con un hecho artístico en concreto, considero emblemático un movimiento que para gran sorpresa nuestra no surgió ni en Estados Unidos ni en Europa. Sucedió en uno de los países sacudidos hasta sus raíces por la devastadora Guerra: Japón. Será a partir de lo generado por un grupo de artistas japoneses que podremos empezar a mencionar algunas características de lo que se inició entonces y que de muchas maneras se mantiene vigente hasta el presente. Este análisis nos permitirá poder llevar a cabo nuestro cuadro comparativo y de esa forma comprender mejor algunas generalidades que comparten aquellas obras a las que ya podremos catalogar como “contemporáneas”.
Más adelante revisaremos dos de las preguntas más interesantes, pero complejas del mundo del arte: ¿Quién decide lo que es arte o no? ¿Quién está detrás de lo que hemos llegado a considerar arte? 2 Según el Diccionario de la lengua española, el collage es una técnica pictórica consistente en pegar sobre lienzo o tabla materiales diversos. Esta técnica empezó a ser explorada y popularizada por Picasso y Braque durante el periodo cubista. 3 En 1916, durante la mitad de la I Guerra Mundial en la neutral Suiza, un grupo heterogéneo de artistas e intelectuales fundaron el movimiento Dada. Dicho término, de origen controversial, describía un evento en el cual el entretenimiento, la casualidad y la total libertad eran elementos decisivos para hacer arte. Dada era la negación de todo (…); era arte y la negación del arte. (Parmesani, Loderana, “Dada” en “Art of the Twentieth Century”, Editorial Skira, Milán, 2012 (traducción libre). Su principal representante fue el artista francés Marcel Douchamp, considerado como el padre del arte contemporáneo. 4 Brassaï, Conversaciones con Picasso. Turner y Fondo de Cultura Económica. España. 1997. 1
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“No nos dejes caer en tentación” - Gustavo Chacón - Mención honorífica
“Stairway to heaven”
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SUMARTE
2014 EL SALVADOR Por Ana Beatríz DeLeón
Gracias a los recursos recaudados en la subasta SUMARTE
bilidad de garantizar la calidad de las obras. De las ciento
2014, miles de estudiantes tienen la oportunidad de aproxi-
cuatro propuestas que recibieron en la categoría de “Artistas
marse al arte, asistiendo a los programas educativos del Mu-
seleccionados” escogieron veinte, dentro de las cuales se
seo de arte de El Salvador, Marte.
le otorgó el premio único “Rodolfo Molina” a la fotografía: “Intentando ser blanco” del artista Víctor Hugo. También se
Desde hace once años, SUMARTE, ha logrado motivar la
concedieron tres menciones honorificas así: obra “Sagrada
participación no solo de artistas locales sino también a otros
Familia” de la serie “Old times spiritual drawings” de Vladimir
de la región centroamericana, así como a empresas pa-
Renderos, obra”La Peregrinación” de Ernesto Cartagena y
trocinadoras que apoyan esta iniciativa que promueve el
a la pieza “No nos dejes caer en la tentación” del artista
quehacer de las artes visuales. Los coleccionistas tienen la
Gustavo Chacón.
oportunidad de enriquecer su acervo con propuestas que son el reflejo de una nueva realidad, vista a traves de la sen-
El jurado calificador de SUMARTE 2014, después de haber
sibilidad de sus creadores.
hecho su trabajo concluyo que la pintura no ha perdido su vigencia ni popularidad. Fueron un total de ochenta y un
Carla Tesak Regent, María Cristina Orantes y Thelma Castillo,
creadores quienes participaron en las categorías de artistas
miembros del jurado, tuvieron en sus manos la responsa-
invitados, sugerencias del comité y artistas seleccionados.
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laobra de...
EDWIN BIXCULLA IMPOSIBILIDAD Por Juan B. Juárez
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DE LA LECTURA
En apariencia el trabajo de Edwin Bixcul se presenta como
Sololá. Es más bien una obra profunda, bien pensada y mejor
un intento de negar la función comunicativa del lenguaje y
desarrollada que, a partir de experiencias personales y co-
específicamente del texto, entendiendo por tal una composi-
tidianas de incomunicación, despliega con rigor y coheren-
ción escrita para ser leída, es decir interpretada y compren-
cia todas sus posibilidades formales y expresivas y explora
dida mediante el acto de la lectura. Así, por un lado, diseña
con implacable lógica todas sus posibilidades semánticas y
y construye páginas que suponemos de periódicos, libros y
constructivas. Así, no obstante que el artista juega con una
otros documentos gráficos que deberían contener algún tipo
de las formas más entrañables de la cultura occidental —la
de información pero que de hecho carecen de la dimensión
escritura—, intencionalmente le obtura el lado en que puede
significativa: poseen la forma —son una formalidad— pero
acoger o acceder a un significado para, de esta manera,
no tienen contenido, entendiendo por tal, en el caso de estas
provocar en el espectador la incómoda experiencia existen-
obras, un pensamiento, una historia o un mensaje expresado
cial que se deriva de esta especie de callejón sin salida del
en lenguaje escrito; en algunos casos, la formalidad vacía
lenguaje y la comunicación.
del texto y los párrafos se cumple con sellos y estampaciones fragmentarias, aludiendo quizás a la autoridad y al poder
Lo que queda en esas páginas mudas y en esos objetos
de los que emana la palabra escrita que, no obstante la im-
que no alcanzan a balbucear su nombre es, en efecto, un
posición de su dictado, desemboca igualmente en la nada.
simulacro de mensaje que no apunta al entendimiento ni a
Por otro lado, dibuja objetos cuya materia está constituida
la comprensión sino que se agota en la nada de la página
por letras diminutas que pululan como hormigas sobre la su-
en blanco como forma vacía y como ausencia de sentido y,
perficie, sin acertar a articular algo que revele su sentido, a
sobre todo, de voluntad comunicativa. Y es que esa nada
si sea éste su sonido, su nombre: en este caso, a la inversa
que envuelve y corroe los párrafos ilusorios en los que se
del anterior, se trata de un contenido que carece de forma
estructura el no mensaje del artista quiere ser, por contradic-
significante y, por tanto, de significado.
torio que parezca, algo más que un concepto o una metáfora de la carencia de significado: una experiencia comunicativa
Como se ve, se trata de algo más que una propuesta inte-
fundada en el ser y la verdad.
ligente de un artista prometedor de San Pedro La Laguna,
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Obra de Edwin Bixcul
laobra de...
IxquiacXicara Quiroa CarlosMérida LuisGonzálezPalma EfraínRecinos LENCHO FIGUEROA T. 4770-2980
lenchitofigueroa@hotmail.com 45
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