EL ARTISTA 6 by EL ARTISTA MAGAZINE

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bio / francisco tun el artista / valenz artículo / moderno vs. conceptual II 01

UN AÑO DE ARTE 02

Sucríbete en / elartistamagazine

historiadelarte El COLOR

bio FRANCISCO TUN

polemica MODERNO VS. CONCEPTUAL II

personajes JOSÉ MARIO MAZA

elartista VALENZ

laexpo RICARDO SILVA CORDERO GALERÍA MATIZ LOS AMIGOS DEL ARTE Y DE EL ARTISTA ANAÍ MARTÍNEZ-MONT ERWIN GUILLERMO

carta del lector

editorial

El Artista magazine está de plácemes: contra todos los pronósticos, arribamos a nuestro primer año con las ilusiones intactas. De hecho, este número de aniversario fue preparado con el mismo entusiasmo que el primero, aunque sin duda con una visión más clara del futuro y de los compromisos que, tras un año de batalla, hemos adquirido con los lectores y anunciantes que comparten con nosotros la fe en el arte y los artistas. Nos complace rescatar la obra de Francisco Tún, realizada en los años 70 y parte de los 80 con una lucidez intuitiva que es tanto más admirable cuanto más duras y dolorosas fueron las condiciones en que fue creada, y que ahora debe su reconocimiento, más que a sus valores artísticos intrínsecos, a las especulaciones económicas de algunos coleccionistas. Sergio Valenzuela —Valenz— representa muy bien al artista de éxito de nuestro tiempo, y en la entrevista que nos concedió se refleja de cuerpo entero: un verdadero profesional, creativo, trabajador, metódico y exigente, capaz imaginar, proyectar y construir su obra pensando en diversos escenarios del presente y del futuro. Y entre la diversidad de nuevas propuestas, hemos seleccionado a Anaí MartínezMont cuyas notables realizaciones suman recursos expresivos experimentales a esa imaginación suya, tan fecunda y al mismo tiempo tan fiel a la realidad que la inspira. También incluimos la segunda entrega del artículo sobre la polémica entre lo moderno y lo conceptual, artículo que de cierta manera se anticipó a la discusión que suscitó la XVIII bienal de arte Paiz. Pero sobre todo compartimos la alegría por el éxito que significa hacer reales los ideales que nos motivaron a fundar El Artista magazine. Gustavo Chacón

Director editorial Gustavo Adolfo Chacón Concepto gráfico Andrea Villagrán Luttmann

Consejo Editorial Gustavo Chacón Juan B. Juárez Ana Beatríz DeLeón 05

contacto revista@elartista.org mercadeo y ventas +502 6646.4241

/ FRANCISCO TUN

historia delarte

Hace apenas dos semanas se abrió en la National Gallery de Londres la exposición “La historia del color” que presenta su evolución en ocho salas dedicadas a los principales colores del círculo cromático, acompañado de videos y textos sobre las teorías científicas y las especulaciones de los artistas sobre la naturaleza y las propiedades de este elusivo elemento.

HISTORIA DEL

COLOR

El color, elemento clave de la pintura, es también el más difícil de definir y el más controversial en cuanto a lo que aporta a la expresión artística. Para empezar, no existe más allá de la dimensión humana. Es decir, el color no es una sustancia sino una relación que se establece entre la fuente de la luz, el objeto iluminado y el ojo (humano) que lo percibe, y que da lugar a la posibilidad de tantas variables como individuos lo perciban con su fisiología y subjetividad particulares. De manera que la pregunta sobre si los objetos conservan su color en la oscuridad introduce en la reflexión algo más que una paradoja, pues si bien la ciencia responde que no, en el ámbito de la existencia cotidiana que los objetos conserven su identidad es un imperativo lógico y formal. Y sin duda esa tensión que existe entre lo científicamente objetivo y lo que las personas perciben no sólo con sus sentidos sino también con sus conceptos y toda su experiencia existencial y cultural la fuente de las discusiones artísticas sobre el color. Está claro que a partir de Newton las investigaciones sobre el color dejaron el campo de la filosofía y quedaron en manos de los hombres de ciencia; de allí que la teoría científica del color no sólo ha devenido en una comprensión más

objetiva y exacta de la naturaleza y las propiedades del color, sino también en más aplicaciones tecnológicas, como la fotografía, el cine, la TV, las artes gráficas, las computadoras, etc. En el campo del arte, en cambio, las reflexiones sobre el color hechas principalmente por artistas pintores, incluso las aparentemente más objetivas y apoyadas por la ciencia, están siempre teñidas de subjetividad y pasión. Entre Marc Chagall (1887-1985) que decía que “el color es todo: cuando el color es correcto, la forma es correcta” y el Manifiesto Realista de 1920 en el que Gabo y Pevsner proclamaban su renuncia al color como elemento pictórico porque “el color es la superficie óptica idealizada de los objetos; es una impresión exterior y superficial; es un accidente que nada tiene en común con la esencia más íntima del objeto; afirmamos que la tonalidad de la sustancia, es decir, su cuerpo material que absorbe la luz, es la única realidad pictórica”, no hay más conocimiento, únicamente más ideología y más pasión. Y es que lo que se discute en términos tan vehementes y radicales no es la naturaleza objetiva del color sino sus “propiedades expresivas”; de lo que se habla no es de colores y pigmentos ni de longitudes de onda sino de algo tan vago como la psicología del color, la ética del arte y la moral artista, del simbolismo y de los significados del color, del misticismo y de la magia del color, etc., todo ello con un lenguaje metafórico y con intenciones políticas y revolucionarias, es decir haciendo tema de aspectos del color que vienen dados por el contexto cultural y la experiencia y las expectativas de los individuos.

BIO

FRANCISCO URBANO Y MARGINAL TUN Por Juan B. Juárez

Como los guijarros arrastrados por los ríos a los que no les falta ni les sobra nada para ser perfectos, los cuadros de Francisco Tún fueron formados por la corriente, casi siempre tumultuosa, de su vida, y tienen la dureza de lo que ha resistido todo tipo de presiones y al mismo tiempo la gracia frágil de lo leve y delicado. De formas simples y sencillas y colores vivos, sólidos y planos, sus pinturas llenan el espacio que les es propio con la callada quietud de lo pleno y lo elemental y su presencia no exige críticas ni apologías inteligentes y eruditas sino únicamente la silenciosa aquiescencia con la que se acepta lo que simplemente es y está bien.

Atendiendo a esas características, se diría que la obra de Francisco Tún es —otra vez como las piedras— impenetrable a la inteligencia y al discurso, y de esa cuenta casi todo lo que se ha escrito o dicho sobre ella de alguna manera resulta superfluo, falso o impertinente. Del autor, en cambio, se habla muy poco, y ese poco en términos que al mismo tiempo que exageran su genio, reprueban la forma lamentable en que lo dilapidó, sin detenerse jamás en el hondo sufrimiento que marcó su existencia. Es ese tipo de comentarios que dice poco o nada sobre la obra y el artista, y mucho sobre la mentalidad del comentarista y sus lectores, y que a la larga refleja la idiosincrasia de los guatemaltecos más conservadores. Derivar, por ejemplo, sus paisajes urbanos de la simplificación geométrica del arte moderno, los experimentos cubistas y los juegos propios del diseño, habla más de la fantasía de los críticos y su gusto por las agudezas intelectuales

y académicas que de la verdad que encierran y expresan los cuadros de este artista al que todavía no podemos ver de frente. Nacido en 1948, Francisco Tún fue un pintor indígena de la ciudad de Guatemala, que realizó su obra entre 1968 y 1983 y la expuso en las principales galerías y los eventos artísticos más relevantes, a la par de los artistas más conocidos y los jóvenes que en ese momento empezaban a cimentar su prestigio. Más que constituir un caso insólito y algo así como un esperanzador síntoma de integración social en el arte y la sociedad guatemalteca, todo indica que el artista y su obra estaban más bien fuera de lugar en aquellos salones, frente aquellas personas que lo miraban con curiosidad y compraban sus obras forzados por cierto regusto intelectual que la francesa Edith Recourat había puesto de moda en aquellos años.

BIO

Francisco Tún también pintó cárceles y escenas rurales con la misma espontaneidad y las mismas formas tensas, sólidas y sintéticas de sus cuadros urbanos. Lo más cerca que estuvo de lo que está adentro y define lo interior, fue en la cárcel, a la que volvía una y otra vez. De hecho, los cuadros que pintó en prisión o que aluden a ella son los únicos que tienen atmósfera, o mejor dicho, los únicos en los que la geometría de lo cerrado no sofoca el leve espesor del insomnio y del desamparo.

Francisco Tún fue un artista intuitivo y su pintura es la expresión de lo que sentía y no de lo que pensaba. Y lo que sentía era más bien un manojo bien anudado de sentimientos intensos y contradictorios que lo desgarraban y que encontraba expresión en las formas elementales, completas y cerradas de las casas de barriada, cuyas paredes y fachadas anónimas e impenetrables se alinean paralelas a calles desoladas que, como en una pesadilla, se prolongan hasta el infinito. Todo lo que sucede en los cuadros de Tún, sucede en la calle, ese escenario al margen, que es precisamente lo opuesto a la intimidad y al calor humano, a la tranquilidad y el resguardo que ofrecen las casas, tan cercanas e inalcanzables, cerradas a piedra y lodo para sus irremediables esperanzas de desarraigado. Como se ve, la geometría de Tún no surge del cálculo y la medida, sino del intento de representar las formas perfectas de lo que para él permanecía sólidamente cerrado, y que definen como ajeno e inaccesible el espacio vital de lo que está adentro, y como propio del artista y sus historias lo que no cabe en ninguna interioridad y queda, por eso, en una margen que es tanto más doloroso cuanto más cercano está de lo que se anhela y se desprecia.

¿Fue Tún un artista naif, primitivo, ingenuo? ¿Será que su obra logró trascender las fronteras de lo popular y situarse dentro del arte culto? ¿Por qué sus obras se venden actualmente a precios altísimos, mientras que cuando el artista vivía le regateaban el irrisorio precio que pedía por ellos? Esta última pregunta revela la clase el interés que despierta su obra. Es una curiosidad morbosa por el paradójico destino que el mercado le deparó a sus pinturas que, para la mayoría, siguen siendo un “fenómeno único e irrepetible” de un artista indígena, ingenuo y marginal.

POLEMICA

MODERNOVS. CONCEPTUAL I Por Juan B. Juárez

subdesarrollo, pero sobre todo las guerras que los desgarraron a lo interno, mantuvieron a los artistas ajenos a los fenómenos puramente artísticos que agitaban a sus pares en casi todas las grandes ciudades del mundo, incluyendo a las de Latinoamérica. Y no es que desconocieran totalmente esos desarrollos. De hecho, Roberto Cabrera y Luis Díaz desarrollaron su obra en dirección de lo conceptual, pero, obnubilado por el contenido documental y contestario de las obras de este período, el público ni siquiera se percató de las sutilezas que el creciente uso del concepto introducía en la forma.

Después de 100 años, la polémica entre el arte moderno y el conceptual pareciera no encontrar solución de continuidad, pero en la última década el intercambio de descalificaciones ha subido de tono y, lamentablemente, bajado de nivel crítico y conceptual. Y no es que los contendientes se hayan radicalizado en sus ideas y endurecido en sus posturas sino que simplemente se niegan a ver lo que “el otro” está haciendo o diciendo. Es decir, en muchos casos, ya no se trata de una polémica ni de la dinámica de las ideas ni de la dialéctica de los conceptos, sino simplemente de negar enérgica, sistemática y unilateralmente al otro, es decir, de necedades.

Lo conceptual, de hecho, surgió de lo moderno y a lo largo del siglo XX los recursos y las formas conceptuales fueron tiñendo las expresiones artísticas, como parte de un desarrollo consecuente de las características de lo que ahora hay que expresar y de los medios que la tecnología pone en manos de los artistas. En Guatemala, el aparecimiento del arte conceptual no sólo fue tardío, por las razones que apuntamos, sino también abrupto y desafiante. La transición, o si se quiere la evolución de las formas y actitudes modernas hacia otras conceptuales y posmodernas, se dio, por lo menos en apariencia, no como un desarrollo lento y gradual sino más bien como una ruptura que ahora enfrenta a los modernos y a los conceptuales.

Quizás lo que estos contendientes tan radicales han perdido de vista es la dimensión histórica del arte y de los conceptos sobre el mismo, de manera que, defendiendo su feudo, cada quien cree que el arte con el que se identifica es una categoría fija, rígida y a final de cuentas estrecha, en la que sólo caben los fenómenos estéticos que defiende, y no otros, los de la otra parte. En arte, sin embargo, no hay nada fijo, y allí está la Historia del Arte que registra e intenta comprender los cambios que se dan de una época a otra, no sólo en las obras y los estilos sino también en los conceptos y las teorías estéticas que los fundamentan. Si seguimos de cerca lo que ha sucedido en el arte durante los últimos 100 años constataríamos que lo único constante ha sido el cambio. Los hallazgos formales del arte moderno hicieron época, y su estética y su actitud existencial marcaron la cultura mundial durante cuatro o cinco décadas. Y no fue sólo el cinismo del mercado de arte, sino también la manipulación publicitaria, el esteticismo acrítico de los diseñadores y los cada día más omnipresentes medios de comunicación los que se encargaron de llevar las formas y las actitudes modernas a todo el mundo y, de esta manera, banalizarlos y desnaturalizarlos. Y a medida que avanzaba ese proceso de banalización y desnaturalización ética y estética de lo moderno, el arte conceptual iba justificando su razón de ser.

Pero eso es sólo una apariencia. De hecho, en nuestros países vivimos actualmente la transición de lo moderno a lo conceptual, y es un período en que ambas maneras de hacer y pensar el arte se traslapan y crean obras que abordan los temas de nuestro tiempo con una indiscutible solvencia crítica, formal y expresiva, independientemente de que su “estilo” sea moderno o conceptual, aunque frecuentemente es mixto. Sin embargo, en arte no siempre domina lo objetivo y los argumentos razonados, sino que se dan más bien opiniones apasionadas, encendidas y enceguecidas por cierto fanatismo beligerante. Así, lo común es que los contendientes comparen, por ejemplo, obras excelentes de estilo moderno con otras mediocres de tipo conceptual, o viceversa, porque ninguno de los dos lados está libre de la mediocridad, la charlatanería ni de la manipulación del público y del mercado.

En Guatemala y otros países de Centroamérica la tensión entre lo moderno y lo conceptual se estableció de manera abrupta hasta el final del siglo XX. La pobreza y otras condiciones propias del

PERSONAJES

JOSÉ MARIO el carácter y

MAZA el conocimiento En el ambiente tranquilo y silencioso del Museo Nacional de

mos en instituciones del Estado. De hecho, los funcionarios

Arte Moderno “Carlos Mérida”, propicio para la contemplación

que están comprometidos profundamente con la institución

de las obras de arte, la imagen un tanto informal que proyecta

que dirigen deben ser realistas y muy severos a la hora de ha-

el arquitecto José Mario Maza resulta contrastante: más de

cer el recuento de los recursos y de establecer sus objetivos

una persona de acción, como de un arqueólogo en una exca-

y sus planes”.

vación de campo, que de director de esta apacible y civilizada institución cultural.

Queda todavía otra función que cumple el museo, quizás más problemática, y que se desprende de la percepción y las ex-

“Hay una parte de la labor museística que efectivamente es

pectativas que tienen los diversos tipos de usuarios que efec-

muy tranquila” —nos aclara el director, quien, además de ser

tivamente tiene un museo de arte moderno como el que dirige

arquitecto, ha realizado estudios especializados en museolo-

Maza. Por un lado, en Guatemala la mayoría de los autores

gía en España y Japón—: es la parte técnica que tiene que

de las obras que resguarda y exhibe el museo están vivos

ver con la clasificación y estudio de las obras, y también con

y produciendo y, por otro, todos los artistas vivos aspiran al

la manera de mostrarlas al público de acuerdo a criterios y

prestigio que otorga el tener una obra en la colección del mu-

propósitos bien determinados”. Y pone como ejemplo la sala

seo, y ejercen presión para lograrlo. Y, también relacionado

dedicada a Carlos Mérida a la que dedica especial atención, y

con el prestigio, están “los amigos del museo”, que aportan

en la cual va rotando las obras del maestro de acuerdo a cri-

no sólo el caudal inagotable de sus ideas sino también la pre-

terios temáticos con el propósito de responder a los intereses

sión de sus influencias. “Contra eso, dice José Mario Maza,

de los visitantes, casi todos estudiantes.

están los protocolos técnicos y la firmeza de carácter para mantener las decisiones que se toman y que tienen el funda-

“En cambio, la parte administrativa es cualquier cosa menos

mento del conocimiento y la experiencia en el campo propio

tranquila”, —y piensa en los milagros que hay que hacer con

de la especialidad del museo. Ciertamente se trata de un

las asignaciones presupuestarias, crónicamente insuficientes.

espacio público cuyo uso, sin embargo, está rigurosamente

“Pero, argumenta, no podemos permitir que esa situación

reglamentado en función de los intereses colectivos y de los

coarte los emprendimientos, los planes y las acciones; al con-

objetivos específicos de la función institucional, en este caso,

trario, es un desafío permanente para todos los que trabaja-

un museo nacional de arte moderno”.

MAX EL LI B RO LEIVA: el misterio de sus esculturas, la inspiración y los secretos técnicos del artista

“Max Leiva nos muestra que la escultura puede conjugar refinamiento y expresividad, rigidez y contraste, elegancia de formas y la sinceridad del creador. En cada una de sus obras plasma un imaginario febril elaborando poemas plásticos que concibe para encantar de nuevo nuestros sueños, sueños en un mundo donde todo fuera ternura y voluptuosidad. Por lo tanto, no escatimaremos nuestra admiración por este escultor de dones desconcertantes y porvenir sin límites”. - Noël Coret. Presidente del Salón de Otoño (París, Gran Palacio de Bellas Artes)

Impresionantes fotografías Reveladores textos introductorios Entrevista con el artista Lujosamente encuadernado

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el artista

"...le apuesto a los trazos de la primera intencion.. me gusta llegar al lienzo, voy directamente al dibujo..."

VALENZ Por Juan B. Juárez

Sergio Valenzuela (Guatemala, 1970) está, casi que desde su niñez, en proceso de diseñar, imaginar y construir su propio mundo interior. Referida a él y a su obra la expresión “mundo interno” no quiere decir, sin embargo, la fuente no visible de su trabajo, o bien lo inconsciente que actúa en su espíritu y se manifiesta y hace visible en una pintura, por ejemplo. Es más, hasta se podría decir que en él las cosas marchan en sentido contrario, y que es su mundo interno el que se configura a partir de lo visible y lo manifiesto en su obra. Y en ese sentido, a diferencia del de todos los artistas y de todas las personas con sensibilidad, el mundo que Valenz está diseñando, imaginando y construyendo con método y lucidez y con cierta alegría lúdica, no es el ámbito misterioso, amorfo y casi siempre en penumbra donde resuenan con melancólica insistencia los afectos y las emociones, sino el espacio abierto y claro donde la creación, la libertad y la felicidad son posibles.

diseño e imaginación Por otro lado, se puede decir que su obra “sucede” en un espacio poético en el que la imaginación es la fuente de lo real. En su caso no es una imaginación desbordada y fantasiosa sino una imaginación creadora que se activa a partir de las reglas y del ritmo propio del juego, ese ir y venir una y otra vez que deviene en ritual y que abre un espacio diferente del cotidiano. Y en ese espacio Valenz diseña. Es decir, proyecta lo imaginado, principalmente a través de la línea: esos juegos infantiles, esos mecanismos mágicos, esos salones y esos campos que muestran simultáneamente todos sus lados, esas sillas y esas escaleras tan frágiles y significativas que pueblan sus pinturas, lógicas y rigurosas a pesar de su aparente espontaneidad. Y ese espacio poético que marca la realidad de lo que imagina el artista, es tan intenso, tan vívido, tan verosímil y convincente que de pronto reclama la tercera dimensión y, como línea, dibujo y diseño, interviene en el mundo cotidiano o bien, como escultura, inserta en la materia sus formas poéticas para añadir al mundo físico en el que transcurre la vida la dimensión de lo imaginario.

el artista

nas cosas. Desde muy pequeño tuve contacto con diferentes disciplinas artísticas, no sólo con la pintura, también con la música.

¿EN QUÉ AÑO TE INICIASTE EN LAS ARTES PLÁSTICAS? Desde siempre he estado inclinado hacia las artes plásticas. Inicié desde niño, y pintar y dibujar fue en mí un proceso natural sobre el cual no puedo decir con exactitud cuando comenzó.

¿CÚAL HA SIDO TU MAYOR SATISFACCIÓN EN EL MUNDO ARTÍSTICO? Una de mis mayores satisfacciones fue cuando llegué a una exposición de arte y me encontré con que no conocía a ninguna persona, y sin embargo, la gente me identifico rápidamente y alguien dijo “¡Ah, allí está VALENZ!”. Me satisface saber que lo que hago tiene un impacto en las personas.

¿CÓMO TE DAS CUENTA QUE QUERIAS SER ARTISTA? Nunca fui consciente de que quería ser artista, simplemente hacía arte. En lo que se refiere a conocimientos y habilidades, las fui desarrollando a medida que crecía. Me di cuenta de que dibujar y pintar me llenaba espiritualmente, y hacer lo que me gustaba me hacía sentir libre.

¿Y TU MAYOR DECEPCIÓN? Las mayores decepciones vienen cuando las cosas que hago pasan desapercibidas. Cuando empecé, una de las grandes decepciones fue la falta de apoyo cuando las galerías me cerraron las puertas. Sin embargo, esas decepciones me han servido para fortalecerme, para agarrar valor.

¿CUÁLES SON TUS MEJORES RECUERDOS DE ESTA ÉPOCA? Todos los recuerdos que tengo en relación al arte son buenos. El arte me dio la posibilidad de sacar adelante a mis hijos, de hacerme profesional, de viajar y de estar aprendiendo nuevas cosas que me mantienen permanentemente en crecimiento. Cada vez que pinto un cuadro es un recuerdo agradable, pero no he sido marcado por un momento específico. Para mí todos los momentos son buenos y válidos como fuente de inspiración o de concreción de una obra

¿QUÉ TE INSPIRA PARA CREAR UNA OBRA? Mi proceso creativo es igual al de un chef en su cocina, al de un profesional en su oficina. Soy un poco temático, y antes de empezar a pintar me gusta que todo este ordenado y limpio, tener desorden ordenado. Entonces, yo mismo limpio y mientras lo estoy haciendo en mi cabeza se está gestando una idea y voy recordando o imaginando cosas. Es decir, hacer la limpieza es un acto que utilizo conscientemente para poder pintar, es como un ritual que me pone en situación creativa.

¿SI NO FUERAS ARTISTA, QUÉ SERÍAS? Sería músico, sería un buen compositor. Tengo también habilidad con la música, con la guitarra incluso he llegado a componer algu

Por otro lado, está mi esposa; ella me motiva con su presencia, su plática y su crítica, y es es un insumo creativo exigente: me empuja para seguir adelante. Ella y mis hijos son el motor mi vida. También leo mucho sobre arte. Me gusta estar informado, involucrarme al contexto, estar enterado de las tendencias, aunque yo no pertenezca a ellas. La música no debe faltarme, sea clásica, jazz, trova, música en español: soy de 80s, 70s, 60s. Y con ese fondo se da el proceso. Y le apuesto a los trazos de la primera intención; cuando corregís mucho es porque no es la esencia de lo que querés; a mi me gusta llegar al lienzo, voy directamente al dibujo y en el camino voy mutándolo hasta que logro algo satisfactorio. ¿A QUÉ ARTISTA NACIONAL O INTERNACIONAL ADMIRAS? Esta es una de las preguntas que más me cuesta contestar. Yo admiro a todos los artistas de este país que han tenido el valor de pintar, esculpir, dibujar; los admiro por su trabajo y por su trayectoria, por su carrera profesional, por su trabajo ordenado y honesto. A nivel internacional me gustan muchas tendencias. Mi primera influencia fue René Magritte, y me gustan mucho las obras de Da Vinci, de Picasso, los admiro a todos por igual. Creo que soy influencia de todo lo que me rodea. ¿CUÁLES SON TUS SUEÑOS EN TU CARRERA ARTÍSTICA? Exponer en EE.UU. y en Europa con la misma apertura que tengo acá en Guatemala.

¿CUÁL CREES QUE ES TU OBRA MÁS SIGNIFICATIVA? Es complicado decir “esta es la pieza con la que yo me consagro”: esa obra probamente aún no la he hecho. Pero creo que con lo que te puedes consagrar es con hacer las cosas bien. Una pintura que hizo que la gente me pusiera atención como artista fue una que se exhibió en Juannio, que se llamaba “Fábrica de sueños”; en esa obra traté de hacer una pieza original, que tuviera un lenguaje propio, que fuera contemporánea, y creo que allí descubrí una exigencia que me ha funcionado bien. ¿QUÉ PIENSAS DEL ARTE PRODUCIDO ACTUALMENTE EN GUATEMALA? Veo que por fin la gente se atreve a hacer cosas. Siento que hay mucha apertura de espacios nuevos, de mentalidades nuevas y contemporáneas, lo que hace que la propuesta artística en general sea más rica. Guatemala tiene no solo sus culturas étnicas, también tiene todas las culturas que adoptamos como propias, y eso hace que la gente se enriquezca con conceptos fantásticos que he visto en las exposiciones de artistas emergentes. ¿QUÉ MENSAJE DARÍAS A TODOS QUIENES SEGUIMOS TU TRABAJO? Que hare todo lo posible por no defraudar a la gente que ha confiado en mí trabajo, que ha dicho yo quiero tener obra de VALENZ en mi casa e invertiré en él. Para mí eso es un gran compromiso muy serio, un gran reto, y en respuesta tengo muchos planes con proyectos en mente, estoy seguro que habrá VALENZ para bastante rato.

GERMINALIA

LOS TEMAS CLÁSICOS DE ERWIN GUILLERMO

La dilatada trayectoria de Erwin Guillermo está jalonada de imágenes paradigmáticas que identifican no sólo las distintas etapas de la evolución del artista sino también la época histórica en que fueron creadas. Esas imágenes ponen de manifiesto no sólo los conocimientos y recursos técnicos del artista sino también su sensibilidad y su cultura para captar la atmósfera espiritual que envolvía la época, y la imaginación para sintetizar y expresar en imágenes de hondas resonancias el cúmulo de ideas y emociones que envolvieron a la sociedad guatemalteca en los momentos más tensos de su historia. De los años 70 son estas imágenes, una de la cuales incorpora los resultados de las investigaciones de Erwin Guillermo en el campo de la identidad cultural, y la otra capta y expresa con vehemencia el terror permanente que envolvió a la población por la violencia desatada por la guerra interna.

La producción actual de Erwin Guillermo tiene como sustrato la destreza técnica desarrollada a lo largo de su carrera, así como la sensibilidad y la cultura filtrada por las infinitas experiencias artísticas y humanas que le ha deparado la vida.

la expo

RICARDO SILVA CORDERO

EN GALERÍA LA ANTIGUA

Muy concurrida estuvo la inauguración de la exposición de Ricardo Silva Cordero en galería La Antigua el pasado ocho de febrero, en donde sus pinturas de la serie Alter Ego continuaron despertando la admiración y el entusiasmo del público que acudió a visitarla durante el período que permaneció abierta. La pintura de Silva Cordero se caracteriza por la energía que el artista despliega durante la ejecución de cada cuadro y que expresa y comunica —casi diríamos que contagia— al espectador por medio de los trazos, los colores, las formas abstractas y las composiciones dinámicas en las que, por así decirlo, que queda capturada. Pero no sólo eso. Según Juan B. Juárez dice que su pintura “tiene también un componente intelectual que hace que sus

“contagia al espectador por medio de los trazos, los colores, las formas abstractas y las composiciones dinámicas”

cuadros no sólo permanezcan abiertos a múltiples interpretaciones sino que también involucren al espectador en la experiencia vital que supone cada obra, que a su vez es la expresión lúcida, angustiada y centellante de un artista que no quiere perderse en la velocidad y el caos de la vida contemporánea”.

la expo

Fotografías inauguración exposición Ricardo Silva Cordero

la expo

GALERÍA MATIZ

UN NUEVO ESPACIO PARA LAS ARTES, CON EL RESPALDO Y LA EXPERIENCIA DE GRUPO VIMARCO

En el mes de mayo fue inaugurada la galería Matiz con una exposición colectiva con obras de los artistas que jalonan la historia del arte moderno, desde Agustín Iriarte, Carlos Mérida y Humberto Garavito, Elmar Rene Rojas, Cesar Izquierdo, hasta los más jóvenes creadores que incursionan ahora en el arte contemporáneo. Luego del acto de inauguración y del recorrido de la galería, los artistas presentes expresaron su complacencia tanto por las instalaciones de la nueva institución cultural como por la calidad de la muestra, el criterio curatorial y museográfico con que fueron seleccionados los artistas y las obras y montada la exposición, que ponen de manifiesto el esfuerzo de los colaboradores para mostrar el trabajo de los artistas de una forma interesante y atractiva, sobre todo para las nuevas generaciones de coleccionistas, estudiosos y amantes del arte. La exposición de inauguración ilustra muy bien este criterio: uno de los hilos conductores de la muestra es la perspectiva histórica, que no se impone como fuente de erudición sino como un ordenamiento que recrea un contexto, justamente el que permite comprender y valorar las obras y el trabajo de los artistas. Así, el trabajo de Mérida, por ejemplo, se muestra en el contexto de sus investigaciones y hallazgos sobre un arte que fuera plenamente latinoamericano, y también la influencia que tuvieron sus obras y sus reflexiones sobre los artistas que lo sucedieron. “La misión de la nueva Galería es propiciar un acercamiento fresco y original al arte, una visión sin paralelo y una celebración de la riqueza multicultural de Guatemala, abierta a las manifestaciones artísticas de otras latitudes”.

Fotografías inauguración Galería Matiz

Y DE EL ARTISTA

LOS AMIGOS DEL ARTE

1,2,3

galería

Le correspondió a Aktiva, empresa líder en iluminación y tecnología, ser la anfitriona de Mercedes Benz, El Áttico, Citibank, Corchos y Molmarca, marcas amigas y anunciantes de El Artista magazine, que se reunieron en los primeros días de marzo para celebrar el lanzamiento del quinto número de la revista.

Además de brindar por el éxito de la nueva publicación, los amigos de El Artista analizaron desde sus particulares puntos de vista el potencial de El Artista magazine para funcionar como la ventana para ver y promover la creación y el conocimiento del arte de la región, auspiciada por el prestigio y el compromiso de sus anunciantes y colaboradores. “Es como fundar una hermandad sobre la base del conocimiento profundo de los pueblos de la región y que, a través del arte, se manifiesta como una sensibilidad, como un afecto y como una identidad inmediata y activa, más efectiva que los discursos y proclamas”, dijo el representante de El Artista al agradecer el beneplácito con que ha sido recibida la revista en todos los círculos sociales, culturales y empresariales del medio.

En ese ambiente festivo, optimista y profesional, Gustavo Chacón, director de El Artista magazine, expresó que uno de los objetivos de la publicación es acrecentar y administrar el prestigio de los artistas y de los anunciantes y compartirlo con sus lectores y los consumidores más exigentes y conocedores. “Nuestros anunciantes han captado la idea de que el éxito de El Artista magazine depende de la cantidad de prestigio que pongamos en las manos de los lectores, prestigio que viene de la nobleza y calidad del arte y de los productos, marcas y servicios que ellos proveen, y que para el consumidor se traduce en un mejor nivel de vida”.

Fotografías inauguración Evento El Artista en Aktiva.

LA FUERZA CREATIVA DE ANAI MARTINEZ -MONT No es sólo la fuerza creativa lo que impresiona de Anaí Martí-

poblados sometidos a semejante presión los más diversos

nez-Mont; es también la forma en que la alimenta, la controla,

materiales para formar con ellos nuevas configuraciones que

la dirige hacia proyectos de dimensiones heroicas o la con-

evocan a las que se derivan del azar y la violencia descomunal

centra en obras mínimas en las que la fragilidad lírica de las

que rige a nivel cósmico y planetario.

formas no esconde la enorme vitalidad de la que provienen. Ella, consciente de esa fuerza, hace todo lo que esté a su

Y en esas evocaciones sorprendentes y ambiciosas se define

alcance para acrecentarla y al mismo tiempo para no dejarse

al carácter metafórico de la obra de esta artista que considera

dominar por ella. Así, su actitud artística se caracteriza por la

que el arte es la continuación de los procesos creativos de

apertura espiritual con la que se acerca a la vida, el estudio

la Naturaleza, y cuyos méritos empiezan a ganar el recono-

permanente del arte contemporáneo, local y de otras latitu-

cimiento unánime del público y la crítica. De allí que su pro-

des, y la experimentación constante de las formas y los ma-

ducción se ciña, metafórica o realmente, a ciclos de creación

teriales en que se sustenta su muy personal expresión. Y esa

que nacen precisamente de hechos destructivos y violentos

actitud la delata como una artista que desconfía de lo genial

que se dan no sólo a nivel meteorológico sino en todos los

y que, en cambio, se preocupa por cultivar y fundamentar su

ámbitos de la vida, incluso en los aparentemente más tiernos

talento con estudio y trabajo.

e inocentes. Por ejemplo, del ritual lúdico de la piñata infantil que transcurre en una atmósfera de felicidad y culmina en un

En los grandes proyectos, esa fuerza creativa alcanza un

paroxismo de violencia, destrucción y saqueo, Anaí rescata la

caudal al que paradójicamente bien podemos llamar cataclís-

estructura violentada, destruida y despojada de sus aparien-

mico. De hecho, algunas de esas obras recuerdan las imá-

cias festivas para insertarla en otro contexto de significado

genes que transmiten los satélites sobre el curso y la fuerza

—su propia obra— que comprende la efímera existencia del

que desarrollan los fenómenos atmosféricos que se ciernen

objeto, el ritual que lo destruyó y la alegría que generó ese

sobre vastas regiones de nuestro planeta. Y al igual que esos

acto violento, cotidiano e intrascendente.

meteoros arrasadores, Anaí recoge de la naturaleza y de los

CARTA DEL

LECTOR

Guatemala, 17 de junio del 2014

Señores editores El Artista Magazine Presente Mis más sinceras felicitaciones por la Revista El Artista, es un aporte muy valioso sobre el quehacer artístico y cultural de Guatemala. No había una publicación de esta naturaleza con información tan variada y de calidad sobre artistas consolidados y emergentes, nuevos espacios culturales y eventos artísticos de importancia en el país. Al leerla, uno rápidamente se puede poner al tanto de las nuevas tendencias y del auge que está tomando las Artes Plásticas en Guatemala y también en la región centroamericana, con cierto nivel crítico. Sin embargo, para que la revista tenga más proyección a nivel internacional considero que debería tener una sección traducida al inglés, para que cualquiera que la vea en el exterior y/o a través de internet, pueda también documentarse sobre el desarrollo de las Artes Plásticas en la región. Esto, con el objetivo de hacernos más visibles pues generalmente, las manifestaciones artísticas y culturales de los países centroamericanos pasan muy desapercibidas a nivel internacional. Los exhorto a seguir adelante en este esfuerzo tan necesario…. Verónica González Pérez Presidenta AGOGO

EL ARTISTA 6

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