Anita Kontrec by HDLU

Zagreb, 2016.

Nakladnik / Publisher Hrvatsko društvo likovnih umjetnika / Croatian Association of Fine Artists, Trg žrtava fašizma 16, 10 000 Zagreb, hdlu@hdlu.hr, www.hdlu.hr | Za nakladnika / For the publisher dr. sc. Josip Zanki, predsjednik / president | Upravni odbor HDLU / Executive board of HDLU Josip Zanki (predsjednik / president), Tomislav Buntak (dopredsjednik / vicepresident), Fedor Vučemilović (dopredsjednik / vicepresident), Ida Blažičko, Ivan Fijolić, Monika Meglić, Melinda Šefčić | Ravnateljica / Director Ivana Andabaka | Umjetnički savjet Galerija / Artistic board of Galleries Tomislav Buntak, Suzana Marjanić, Koraljka Kovač Dugandžić, Branka Benčić, Ivan Fijolić, Josip Zanki, Ivica Župan Urednici / Editors Anita Kontrec, Ante Rašić Predgovor monografije / Preface Iva Körbler Intervju / Interview Iva Körbler, Anita Kontrec Autori tekstova / Authors of texts Peter Lodermeyer, Anđelko Hundić, Gerhard Kolberg, Aleksandar Flaker, Thomas E. Schultze, Jurgen Kisters, Anita Kontrec Dokumentacija / Documentation Anita Kontrec Lektura i korektura hrvatskog teksta / Croatian language proofreading Mirna Vidić Prijevod na engleski jezik i lektura / English translation and pfroofreading Anita Kontrec, Boris Anić, Candace Goodrich Prijevod na njemački jezik / German translation Matija Kontrec-Goedecke, Mladen Šipek, Antonela Rajič Grafičko oblikovanje / Design Ante Rašić / Studio Rašić Fotografije likovnog postava / Photographs of the exhibition set up Damir Fabijanić Fotografije / Photographs Damir Fabijanić, Juraj Vuglač, Stephan Goedecke, Friedrich Rosenstiel, arhiva Anite Kontrec Video Intervju / Video Interview Dalibor Jelavić Priprema za tisak / Pre-press Ankica Penava Pejčinović / Studio Rašić Tisak / Printed by Printera Grupa d.o.o., Sveta Nedelja Naklada / Copies 1000 Copyright © Anita Kontrec & HDLU, Zagreb, Hrvatska, 2016 ISBN 978-953-8098-11-6 CIP zapis je dostupan u računalnome katalogu Nacionalne i sveučilišne knjižnice u Zagrebu pod brojem 000943047 / A CIP catalogue record for this book is available from the National and University Library in Zagreb under 000943047 Uz podršku / Supported Izložba i monografija realizirane su uz novčanu potporu Gradskog ureda za obrazovanje, kulturu i sport Grada Zagreba, Ministarstva kulture Republike Hrvatske, Goethe Instituta u Zagrebu i Veleposlanstva Savezne Republike Njemačke u Zagrebu / The exhibition and monography have been generously supported by funding from the City Office for Education, Culture and Sports Zagreb, Ministry of Culture of the Republic of Croatia, Goethe Institut and The Embassy of the Federal Republic of Germany in Zagreb. Napomena urednika / Editorial note Tekstovi pojedinih autora u prvom dijelu monografije navedeni su u skraćenom obliku, osobito u njemačkom i engleskom prijevodu. Legende radova i fotografija u Dokumentaciji navedene su na hrvatskom i engleskom jeziku. / The texts by various authors that are presented in the first part of the monograph are given in shortened form, particularly in the German and English translations. The captions for the works and photographs in the Documentation are given in Croatian and English.

SADRŽAJ

Tekstura sjećanja - zrcalne slike

iva körbler

Kružni tok

1. Oblici sjećanja

2. Gradovi i snovi

3. Boja, energija, svjetlost – dodiri slikarstva i kiparstva

116

4. Kaligrafski krajolici

148

II.

INTERVJU

I tu i tamo – o životu na relaciji Zagreb – Köln

166

III. Dokumentacija

182

212

Bibliografija, životopis, izložbe

inhalt

Textur der Erinnerung - Spiegelbilder

iva körbler

contents

The Texture of Memory - Mirror Images

iva körbler

I. Kreisverkehr

I. roundabout

1. Formen der Erinnerung

1. Shapes of Memory

2. Städte und Träume

2. Cities and Dreams

3. Farbe, Energie, Licht – Berührungspunkte

3. Colour, Energy, Light – Touching Point

von Malerei und Skulptur

116

4. Kalligraphische Landschaften

148

of Painting and Sculpture

116

4. Calligraphic Landscapes

148

II. INTERVIEW

HIER UND DORT – das Leben zwischen

BOTH HERE AND THERE – about life and work

Zagreb und Köln

between Zagreb and Cologne

166

III. DokumentaTION

182

III. DoCUMENTATION

182

212

210

Vita, Ausstellungen, Bibliographie

Biography, exhibitions, bibliography

Tekstura sjećanja – zrcalne slike IVA KöRBLER

I. Oblici sjećanja – “Umjetnost prije umjetnosti”

Još od sredine sedamdesetih godina 20. stoljeća umjetnica Anita Kontrec u kontinuitetu radi zapise, ne samo u formi klasičnog teksta ili dnevnika već rečenice, misli i citate dodaje fotografijama, skicama i crtežima, ali se igra i s fotokopijama zapisa i autoportreta. To je začetak njezinog slojevitog pristupa umjetničkom izražavanju, gdje se spaja vidljivo i nevidljivo značenje, konkretno i metaforičko – simboličko. U tom ranom periodu Anita Kontrec svojim radovima ne pristupa kao umjetničkim

Autoportreti, 1972-76. / Selfportraits, 1972-76

djelima ili akcijama, već kao prirodnom produžetku misaonih procesa, iako ti zapisi načinom prezentacije već tada nose značajke Fluxusa. Ona, naime, ne radi razliku između života i umjetničkog djelovanja, već se služi intermedijalnošću na način kako ju je umjetnik Dick Higgins definirao 1966. godine: “Ona znači slobodno korištenje svih umjetničkih disciplina u oblikovanju određene umjetničke ideje… Ako je u pitanju sinteza, Fluxus traži pomirenje vječitog antagonizma između umjetnosti i života”.1 Na hrvatskoj umjetničkoj sceni konceptualne tendencije srodnog načina razmišljanja mogu se prepoznati u zapisima, bilježnicama i crnim pločama istaknutog umjetnika Dimitrija Bašičevića Mangelosa, jednog od rodonačelnika konceptualne umjetnosti u Hrvatskoj. Međutim, za razliku od djela Anite Kontrec, Mangelosova su djela mnogo bliža tradiciji dadaističkih objekata, ali jednako tako u sebi često nose poetsko-filozofsko-ontološki sloj koji nije isključivo vezan uz negaciju egzistencije i smisla umjetnosti, već nas upućuje prema filozofiji umjetnosti, pitanju opstanka estetike, kao i unutarnjeg umjetnikovog razloga umjetničkog stvaranja. Taj isti sloj možemo pratiti i u ranim radovima Anite Kontrec.

Textur der Erinnerung – Spiegelbilder

The Texture of Memory – Mirror Images

IVA KöRBLER

I. Formen der Erinnerung – “Die Kunst vor der Kunst”

I. The Shapes of Memory – “Art before Art”

Noch seit der Mitte der siebziger Jahre des 20. Jahrhunderts fertigt die Künstlerin Anita Kontrec in Kontinuität Aufzeichnungen an, nicht nur in Form eines klassischen Textes oder Tagebuchs; vielmehr ergänzt sie Photographien, Skizzen und Zeichnungen mit Sätzen, Gedanken und Zitaten, spielt aber auch mit Photokopien von Aufzeichnungen und Selbstportraits. Dies ist der Keim ihrer vielschichtigen Herangehensweise an den künstlerischen Ausdruck, wo sich die sichtbare mit der unsichtbaren Bedeutung, das Konkrete mit dem Metaphorischen/Symbolischen verbindet. In dieser frühen Zeit fasst Anita Kontrec ihre Arbeiten nicht als Kunstwerke oder künstlerische Aktionen auf, sondern als natürliche Verlängerung der Gedankenprozesse, obgleich diese Aufzeichnungen nach ihrer Darstellungsart damals schon Merkmale der Fluxus-Bewegung trugen. Sie macht nämlich keinen Unterschied zwischen Leben und künstlerischem Wirken, sondern bedient sich der Intermedialität auf dieselbe Art und Weise, wie sie 1966 von dem Künstler Dick Higgins definiert wurde: ”Sie bedeutet die freie Nutzung aller künstlerischen Disziplinen bei der Bildung einer bestimmten künstlerischen Idee. … Wenn es um die Synthese geht, bedeutet Fluxus die Versöhnung des ewigen Antagonismus zwischen Kunst und Leben”.1 In der kroatischen Kunstszene sind konzeptuelle Tendenzen einer verwandten Denkweise in den Aufzeichnungen, Notizbüchern und schwarzen Tafeln des prominenten Künstlers Dimitrije Bašičević Mangelos, einem der Altväter der Konzeptkunst in Kroatien, erkennbar. Doch im Unterschied zu dem Werk von Anita Kontrec liegen die Werke von Mangelos viel näher an der Tradition der dadaistischen Objekte, tragen aber ebenso häufig eine poetische, philosophische und ontologische Schicht in sich, die nicht ausschließlich mit der Verneinung des Bestehens und des Sinns der Kunst zusammenhängt, sondern uns auf die Philosophie der Kunst, die Frage des Fortbestands der Ästhetik und auf den inneren Beweggrund für das künstlerische Schaffen verweist. Dieselbe Schicht lässt sich auch in den frühen Arbeiten von Anita Kontrec mitverfolgen. Anita Kontrec fühlte intuitiv die Zeit der Neuerungen in der kroatischen Kunst der siebziger und zu Beginn der achtziger Jahre, und so arbeitete sie Mitte der achtziger Jahre in Rovinj an einer “Einwicklung der Landschaft”, als sie die Landschaft und Steine in Krepppapier und Zellophan einwickelte. Eine ähnliche Aktion wiederholte sie im Jahr 2015 auf Palagruža, der am südlichsten gelegenen kroatischen Insel, im Rahmen der künstlerischen Aktion “Kunst auf Leuchttürmen”. Die Aktion “Unterlagenverbrennung” fand im Jahr 2008 in Köln statt. Sie sammelte viele Unterlagen, die sich auf verwaltungstechnischen Aspekt ihres Lebens und Arbeit in Kroatien und in Deutschland bezog, brachte sie an das Ufer des Rheins, entfachte dort ein Lager und verbrannte alle Unterlagen, deren Asche vom Wind in den Fluss getragen wurde. Das Wasser als alles davontragendes und reinigendes Naturelement ist verbunden mit den Energien der Erde, des Feuers und der Luft, die das Thema der Regeneration potenzieren.

Ever since the 1970s the artist Anita Kontrec has continually kept records, not only in the form of a classic piece of text or a diary, but also adding sentences, thoughts and quotes to photographs, sketches and drawings, and she has played with the photocopies of records and self-portraits. That is the beginning of her complex approach to artistic expression, where the visible and the invisible, concrete and metaphorical / symbolic meanings meet. In this early period, Anita Kontrec does not treat her work as works of art or actions, but rather as a natural extension of thought processes, even though these records in the manner of their representation already bear the features of the Fluxus movement. She, to be exact, does not make a distinction between life and an artist’s work, but she uses intermediality the way the artist Dick Higgins defined it in 1966: “it means free usage of all art disciplines when articulating a certain artistic idea… When talking about synthesis, Fluxus aims to reconcile the eternal antagonism between art and life.” 1 On the Croatian artistic scene the conceptual tendencies of similar ways of thinking can be found in the records, notebooks and black boards of the distinguished artist Dimitrije Bašičević Mangelos, one of the founders of conceptual art in Croatia. However, unlike the work of Anita Kontrec, Mangelos’ artwork is much closer to the tradition of the Dadaist objects, which at the same time often carries a poetic-philosophical-ontological component which does not exclusively relate to the negation of existence and the purpose of art, but rather, it directs us to the philosophy of art, to the question of the survival of aesthetics, as well as to the artist’s intrinsic drive for artistic creation. This very same component may be traced in the early work of Anita Kontrec. Anita Kontrec intuitively sensed the period of innovations in the Croatian art of the seventies and early eighties, so she conducted several artistic actions, including one “Zamatanje krajolika” (Wrapping up a Landscape) in the mid-eighties in Rovinj, when she wrapped landscape and rocks in crepe paper and cellophane. She repeated a similar action in 2015 on Palagruža, the southernmost Croatian island, as part of the artistic action “Umjetnost na svjetionicima” (Art at Lighthouses). The action “Spaljivanje dokumentacije” (The Burning of Documentation) in Cologne in 2008 was inspired by an artistic decision to quit her journalistic career; so she collected everything and anything related to the administrative aspect of that work, took the lot to the Rhine river, built a fireplace there and set fire to the documentation, whose ashes were then carried by the wind into the river. Water, as a natural element that takes everything with it and which purifies, is connected with the energies of the earth, fire and air, all of which intensify the notion of regeneration. 11

Anita Kontrec intuitivno je osjećala period inovacija u hrvatskoj umjetnosti sedamdesetih i početkom osamdesetih godina, pa je tako sredinom osamdesetih u Rovinju radila i nekoliko umjetničkih akcija, kao i jedno “Zamatanje krajolika”, kada je krajolik i kamenje zamatala krep-papirom i celofanom. Sličnu je akciju ponovila 2015. godine na Palagruži, najjužnijem hrvatskom otoku, u okviru umjetničke akcije “Umjetnost na svjetionicima”. Akciju “Spaljivanje dokumentacije” izvela je u Kölnu 2008. godine kada je sakupila brojne dokumente o svom životu i radu u Hrvatskoj i Njemačkoj i odnijela ih na rijeku Rajnu. Tamo je napravila ognjište i zapalila dokumentaciju čiji je pepeo vjetar nosio u rijeku. Voda kao prirodni element koji sve odnosi i pročišćava povezana je s energijama zemlje, vatre i zraka, koje potenciraju temu regeneracije. U tom razdoblju Anita Kontrec eksperimentirala je i s videoperformansima, od kojih je zanimljiv onaj u Bazilici Svetoga groba u Jeruzalemu, gdje je snimala ljude kako ulaze u Isusov grob, ali stoje u povorkama i ne dižu pogled prema gore, odnosno, prema kupoli koja je izvor svjetla. Za to vrijeme umjetnica je plesala pored njih u plavoj haljini, obasjana svjetlošću koja probija kroz kupolu. Poruka tog videorada bila je da

ljudi traže svjetlost u mraku, a ne vide ju iznad i oko sebe niti – metaforički – ne dižu pogled prema nebu. Od niza tzv. “umjetničkih tekica” koje je autorica ispisivala u tom ranom periodu sačuvana je jedna koja ima posebno značenje jer je spašena u zadnji trenutak od požara u njezinom stanu u Zagrebu 1987. godine. Ta “tekica” uz sasvim osobne, intimne zapise, sadržava skice i rane predloške mnogih kasnijih radova i koncepata. Zanimljivo je, međutim, kako umjetnica već tada ne inzistira na hermetično-intelektualnom konceptu radova, već se intenzivno bavi temom svjetlosti, očuvanja duše, izlaska iz sivila i mraka svakodnevice, ali i temom ljubavi. Ne može se površno reći kako teži onostranom, već se u tim radovima – koji su nadahnuti različitim europskim i svjetskim pjesnicima i književnicima – već tada nazire autoričina potreba da napravi sintezu svih razina emotivno-mentalno-duševnog horizonta i osobnih iskustava. Piše također i konkretnu poeziju, ali i tzv. “pjesme za plesanje”; od riječi radi oblike, igra se skrivenim značenjima, leksigramima i anagramima, beskonačnim ponavljanjem riječi prema principu mantre, ritmom i glazbom u riječima i stihovima “kao da riječi plešu” traži dublji smisao svega što je na prvi pogled jasno i u kulturološkom kodu zapisano kao fiksno, jednodimenzionalno značenje. Pri tome nas podsjeća da 12

auch mit dem Thema der Liebe befasste. Es kann nicht oberflächlich gesagt

In this period, Anita Kontrec also experimented with video-performances, of which there is an interesting one done at the site of Jesus’ grave in the Church of the Holy Sepulchre in Jerusalem, where she filmed people entering the tomb, but standing in lines, keeping their eyes to the ground rather than lifting their heads towards the dome, which is the source of light. At the same moment the artist danced next to them in a blue dress, illuminated with the light that pierced through the dome. The message of this filmed work of art was that while people searched for light in the darkness, they did not see it above and around them and neither did they – metaphorically – lift their gaze towards the sky. From the series of the so-called “little artistic notebooks” in which the author jotted things down in this early period, one with a special meaning has been preserved because it was saved at the last moment from a fire in her apartment in Zagreb in 1987. This “little notebook”, besides the quite personal, intimate records, also contains some sketches and early templates for many of her later works and concepts. It is interesting to note, however, that the artist already at that time did not insist on a hermetic-intellectual concept of her works, but was intensely dealing with the subject of light, preservation of the soul, getting out from the greyness and darkness of the everyday, as well

werden, dass sie zum Transzendentalen neigte; vielmehr war in diesen Ar-

as with the subject of love. It would be quite unwarranted and superficial to

beiten – die von verschiedenen Dichtern und Schriftstellern aus Europa und

say that she aims for that which lies beyond, for those works – inspired by

der ganzen Welt inspiriert sind – bereits damals das Bedürfnis der Autorin

various European and world poets and writers – already at that time reflected

erkennbar, eine Synthese aller Ebenen des gefühlsmäßigen und geistigen Ho-

the author’s call for a synthesis of all the levels of the emotional-mental-social

rizonts und der persönlichen Erfahrungen zu schaffen.

horizon together with the personal experiences.

Sie schreibt auch Konkrete Poesie, aber auch sogenannte “Tanzgedichte”, bil-

She also writes concrete poetry, as well as the so-called “songs for dancing”;

det Formen aus Wörtern, spielt mit versteckten Bedeutungen, mit Lexigram-

she turns words into forms, she plays with the hidden meanings, lexigrams

men und Anagrammen, mit der endlosen Wiederholung von Wörtern, dem

and anagrams, never-ending repetition of words according to the mantra

Grundsatz des Mantra folgend, mit dem Rhythmus und der Musik in Worten

principle; with the rhythm and the music within the words and verses, “as if

und Versen, “als ob die Worte tanzten”. Sie sucht einen tieferen Sinn in al-

the words dance”, she searches for a deeper meaning to anything that is at the

lem, was auf den ersten Blick klar erscheint und im kulturologischen Code

first glance seen as clear, and written in the cultural code as having a fixed,

als feststehende, eindimensionale Bedeutung niedergeschrieben ist. Dabei er-

one-dimensional meaning. At the same time, she reminds us that we must

innert sie uns daran, dass wir nicht vergessen dürfen, dass Worte in uralten

bear in mind that for the ancient cultures words were like living creatures.

Kulturen wie lebendige Wesen waren. Der Gedanke der Spiegelung und des

The idea of mirroring or reverse writing from the back of a thin sheet of pa-

seitenverkehrten Schreibens auf der Rückseite eines dünnen Blattes Papier, mit

per, with the left hand from the right to the left, is linked with the thesis that

der linken Hand in der Richtung von rechts nach links, steht in Zusammen-

there exists something “on that other side”, both in the meaning and in the

hang mit der These, dass “auf der anderen Seite” immer etwas Bedeutendes

metaphor, when we feel that there is absolutely nothing there. The blending of

und Metaphorisches existiert, wenn es uns scheint, dass es dort nichts gibt.

words and drawings and dealing with letters and characters carries with it an

Die Verschmelzung von Worten und Zeichen trägt den Akt der Meditation in

act of meditation, but also of searching for the ancient principles according

In diesem Zeitraum experimentierte Anita Kontrec mit Video-Performances; darunter ist jene Performance am Grab Jesu in der Grabeskirche in Jerusalem interessant, wo sie Videoaufnahmen von Menschen machte, die das Grab betraten, aber in Prozessionszügen stehen und den Blick nicht nach oben richten, beziehungsweise zur Kuppel hin, die eine Quelle des Lichts ist. Zur gleichen Zeit tanzte die Künstlerin in einem blauen Kleid neben ihnen, erhellt durch das Licht, das durch die Kuppel drang. Die Botschaft dieser Video-Arbeit war, dass Menschen nach Licht im Dunkel suchen, es aber über ihnen und um sie herum nicht sehen und – metaphorisch – den Blick nicht zum Himmel richten. Aus der Reihe der sogenannten “Tekice” (“Kunstheftchen”), die die Künstlerin in dieser frühen Zeit mit Text füllte, ist eines erhalten, dem eine besondere Bedeutung zukommt, weil es im Jahr 1987 im letzten Moment aus einem Brand in ihrer Wohnung in Zagreb gerettet wurde. Dieses “Heftchen” enthält neben ganz persönlichen und intimen Aufzeichnungen auch Skizzen und frühe Vorlagen späterer Arbeiten und Konzepte. Interessant ist jedoch, dass die Künstlerin bereits damals nicht auf einem hermetischen intellektuellen Konzept der Arbeiten bestand, sondern sich intensiv mit den Themen des Lichtes, der Erhaltung der Seele, dem Austritt aus dem Grau und Dunkel des Alltags, aber

ne smijemo zaboraviti kako su za drevne kulture riječi bile poput živih bića. Ideja zrcaljenja ili obrnutog pisanja s poleđine tankog lista papira, lijevom rukom, s desna na lijevo, povezana je s tezom kako uvijek nešto značenjski i metaforički postoji “s one druge strane”, kada nam se čini da tamo nema ništa. Pretapanje riječi i crteža te bavljenje slovima i znakovima nosi u sebi čin meditacije, ali i traganja za drevnim počelima na kojima je ustrojen svijet, prema njezinim riječima “beskrajnom arabeskom kozmosa”. Sama umjetnica naziva taj period svojeg stvaranja “umjetnost prije umjetnosti”, dakle, sve ono što je radila prije prijelaza u medij skulpture, koji se okvirno može datirati u sredinu osamdesetih godina prošlog stoljeća. II. Gradovi i snovi: Arheologija sjećanja

Sredinom osamdesetih godina Anita Kontrec postepeno prelazi u medij skulpture malog, srednjeg i većeg formata, najvećim dijelom od šamotne gline, koje je radila u tvornici šamotne opeke “Zagorka” u Bedekovčini pored Zagreba. Na prvi pogled može nam se učiniti kako je ovo poglavlje njezinog rada oblikovno iznimno heterogeno,

no ubrzo zapažamo pravilno i kontinuirano pulsiranje identičnih tematskih krugova koji nastavljaju podjednako teme iz kolektivne riznice nesvjesnog, arhetipske forme u koje su ugrađena sjećanja i simboli drevnih civilizacija, ali i evokacije vlastitog djetinjstva i odrastanja. Prve skulpture iz šamotne gline već samim naslovima ukazuju nepogrešivo na vlastitu kozmogoniju: “Školjka”, “Mali istarski sveci”, “Pupak Istre”, “Muško-ženski portal”, “Spirala”, “Trokuti”… Skulptura “Snježni brežuljak za Sei Shōnagon” (1987.) od šamotne gline i rastaljenog stakla, malih dimenzija, ali velike aure značenja za umjetnicu, bila je nadahnuta djelom japanske književnice Sei Shōnagon i predstavlja svojevrsni “međaš” u njezinom opusu. Uslijedio je ciklus keramoskulptura “Krajolici”, koji ubrzo prerasta u ciklus “Gradina” (1989.). Ti jednostavni oblici mogu pripadati svim drevnim kulturama svijeta, ali i kulturama naših krajeva te ukazuju na kozmopolitski i univerzalni karakter skulptorskog mišljenja Anite Kontrec. Umjetnica će svoj ciklus skulptura mekih formi na granici geometrijskog i arhetipskog nazvati “Nježna geometrija”, čime u oblike diskretno utiskuje element ženske kreacije, eha štovanja Velike Majke, odnosno, božice Zemlje. Promatrajući njezine forme, možemo zaključiti kako one kao da vuku korijene iz pradavne Kine, Sumera, Irana, Egipta, Krete, Etrurije, ali su istovremeno bliske i 14

sich, aber auch die Suche nach alten Urstoffen, aus denen die Welt gemacht ist, nach eigenen Worten “die endlose Arabeske des Kosmos”. Die Künstlerin selbst bezeichnet diese Phase ihres Schaffens als “Kunst vor der Kunst”, also als all jenes, was sie vor dem Übergang zu dem Medium der Bildhauerei geschaffen hat, was sich zeitlich annäherungsweise in die Mitte der achtziger Jahre des vergangenen Jahrhunderts datieren lässt. II. Städte und Träume: Die Archäologie der Erinnerung

Um die Mitte der achtziger Jahre geht Anita Kontrec schrittweise zu dem Medium der Bildhauerei des kleinen, mittleren und größeren Formats über; die Skulpturen waren zum größten Teil aus Schamotteton, die sie in der Schamotte-Ziegelfabrik “Zagorka” in dem Ort Bedekovčina bei Zagreb herstellte. Auf den ersten Blick mag es uns erscheinen, dass dieses Kapitel ihrer Arbeit ausgesprochen heterogen gestaltet ist, doch recht schnell erkennen wir ein regelmäßiges und kontinuierliches Pulsieren identischer Themenkreise, die gleichermaßen eine Fortsetzung der Themen aus der kollektiven Schatzkammer des Unbewussten, archetypische Formen mit eingebundenen Erinnerungen und Symbolen alter Zivilisationen, aber auch Evokationen der eigenen Kindheit und des Erwachsenwerdens darstellen. Die ersten Plastiken aus Schamotteton

weisen bereits durch ihre Titel unfehlbar auf die eigene Weltentstehung hin: “Muschel” (Školjka”), “Kleine Heilige Istriens”(“Mali istarski sveci”), “Der Nabel Istriens”(“Pupak Istre”), “Das männlich-weibliche Portal”(“Muško-ženski portal”), “Spirale”(“Spirala”), “Dreiecke”(“Trokuti”)… Die Skulptur “Schneehügel für Sei Shonagon” (1987) aus Schamotteton und Schmelzglas, klein in den Abmessungen, jedoch von großer Bedeutungsaura für die Künstlerin, war von der japanischen Schriftstellerin Sei Shonagon inspiriert und stellt gewissermaßen einen “Meilenstein” in ihrem Opus dar. Es folgte der Zyklus keramischer Skulpturen “Landschaften”, der schnell in den Zyklus “Festungen” (1989) überging. Diese einfachen Formen können allen alten Kulturen der Welt, somit auch den kroatischen Regionen zugewiesen werden; sie weisen auf den kosmopolitischen und universellen Charakter der bildhauerischen Denkweise von Anita Kontrec hin. Die Künstlerin wird ihren Zyklus der weichen Formen, an der Grenze des Geometrischen und des Archetypischen, mit dem Titel “Zarte Geometrie” versehen, womit sie das Element des weiblichen Schaffens, Widerhalle der Verehrung der Großen Mutter beziehungsweise der Erdgöttin diskret in die Formen einbringt. Bei der Betrachtung ihrer Formen können wir zu dem Schluss kommen, dass sie ihre Wurzeln scheinbar in dem uralten China, in Sumer, Iran, Ägypten, Kreta, Etrurien haben, dass sie aber auch in Kroatien verstreut liegenden

to which the world was built, in her own words, the “infinite arabesque of the cosmos”. The artist herself calls this period of her creative life the “art before the art”, i.e., anything she had done before transferring to the medium of the sculpture, which can roughly be dated in the middle of the 1980s. II. Cities and Dreams: The Archaeology of Memory

In the mid 80s Anita Kontrec gradually crosses over to the medium of sculpture of small, medium and larger formats, mostly executed in fire clay at the fire clay factory “Zagorka” in Bedekovčina near Zagreb. At the first glance, it may seem that this chapter in her creative work is shaped extremely heterogeneously, but what very soon becomes evident is the regular and continuous pulse of identical thematic circles that quite evenly perpetuate the themes from the collective treasury of the unconscious, the archetypal forms into which memories and symbols of ancient civilisations are built, as well as the evocations of her own periods of childhood and growing up. Already the titles of the first fire clay sculptures unmistakably point to her own cosmogony: “Školjka” (The Shell), “Mali istarski sveci” (Less-known Istrian Saints), “Pupak

Istre” (The Bellybutton of Istria), “Muško-ženski portal” (The Male-Female Portal), “Spirala” (The Spiral), “Trokuti… Skulptura” (Triangles… Sculpture), “Snježni brežuljak za Sei Shonagon” (A Snowy Hill for Sei Shonagon, 1987); made of fire clay and molten glass, not large in size, but with a great aura of significance for the artist, which was inspired in part by the work of the Japanese artist Sei Shonagon, and which represents a kind of a “milestone” in her opus. What followed was a cycle of ceramic sculptures “Krajolici” (Landscapes), which soon became the cycle “Gradina” (Fortress, 1989). These simple shapes may be attributed to any ancient culture of the world, but also to our local areas, and they suggest a cosmopolitan and universal character of the sculptural thought process of Anita Kontrec. The artist later attributes the name “Soft Geometry” to her cycle of soft-form sculptures that are placed somewhere in between the geometrical and the archetypal, where she discreetly imprints into the forms and shapes the elements of female creation, an echo of worship of the Great Mother, i.e., the goddess of the Earth. Observing their shape, it may be concluded that they seem to draw roots from ancient China, Sumer, Iran, Egypt, Crete, Etruria, but they are also close to Croatian scattered fortresses, which we have not even closely been able to date. There are also the motifs of the Tower of Babel, ziggurat, throne, the 15

hrvatskim razasutim gradinama koje još nismo niti približno datirali. Tu su i motivi kule babilonske, zigurata, prijestolja, tornjevi koji opominju i današnje čovječanstvo. Podizanje i rušenje nastavlja se u našoj recentnoj povijesti, pa će se u nekoliko navrata umjetnica baviti motivom “Kuće sjećanja” (1993.), ključnim radom koji razvija od početka devedesetih godina, sve do početka novog tisućljeća, potresnim ehom novih migracija nakon Domovinskog rata u Hrvatskoj (1991.–1995.), gdje su iza ljudi nestale i uništene njihove kuće – stoga žive još samo kao slike u sjećanju. Jedan od najznačajnijih umjetničkih projekata u devedesetim godinama svakako je izložba Recall Byblos (1993.), gdje je uz Anitu Kontrec koautor koncepta bio kölnski slikar Robert Pinsdorf. Ideja je bila vezana uz feničko pismo i civilizaciju, grad Byblos, kao jedan od najstarijih gradova na svijetu, gdje se na toj konceptualnoj izložbi u Ludwig Forum für Internationale Kunst u Aachenu i u Klovićevim dvorima (tadašnjem Muzejsko-galerijskom Centru, MGC) u Zagrebu problematiziralo mitsko-kulturološko nasljeđe te civilizacije.2 To je ujedno i početak sustavnijeg bavljenja motivima starih pisama u opusu Anite Kontrec; temama izgubljenih znanja, mitova, biblioteka, nasljeđa, pisma te krhkosti papira i materijalne pokretne baštine.

Tragovima pisma: Pismo je/kao sudbina

U jednoj praiskonskoj, arhetipskoj dimenziji Anita Kontrec se vraća u ciklusima uvijek na temu početka stvaranja mediteranske i europske civilizacije koja kroz slovo, slog i riječ komunicira s ovostranim, materijalnim, ali i onostranim svjetovima. Njezine su skulpture intimni hommage babilonskoj kuli, ali i mističnim starohrvatskim gradinama, kao što su u riječima i slovima koje aplicira ili urezuje u volumen ili papir, skrivena drevna zaboravljena pisma, uz svijest o slojevitosti sanskrta, feničkog i japanskog pisma, glagoljice ili bosančice. Jer pismo je sudbina – kao što je jednako vrijedna enciklopedija ili nečiji intimni dnevnik, ovisno tko ga u kojemu trenutku sudbine piše te u kojim društveno-povijesnim previranjima. Pa čak ako i zanijemimo pred katastrofama ovog svijeta, još uvijek imamo mogućnost da bilježimo misli, stavove i osjećaje koji nas povezuju s drugima oko nas, daleko izvan naših prostornovremenskih granica i životnog vijeka. III. Boja, energija, svjetlost – dodiri slikarstva i kiparstva

Kada je pisao o projektu Recall Atlantis (2006.), njemački povjesničar umjetnosti Peter Lodermeyer ustvrdio je kako je taj projekt za umjetnicu “vrijeme sinteze, vrijeme 16

Festungen nahe stehen, die wir noch nicht einmal annähernd datiert haben. Hier finden sich Motive des Turms zu Babel, der Zikkurat, des Throns; Türme, die auch die heutige Menschheit ermahnen. Auch in unserer jüngeren Geschichte wird gebaut und niedergerissen, und so beschäftigt sich die Künstlerin wiederholt mit dem Motiv “Häuser der Erinnerung” (“Kuće sjećanja”, 1993), dem Schlüsselwerk, das sie seit Beginn der neunziger Jahre bis zum Beginn des neuen Jahrtausends entwickelte, ein erschütterndes Echo der neuen Völkerwanderungen nach dem Kroatischen Unabhängigkeitskrieg (1991-1995), in dem die zurückgelassenen Häuser der fortgezogenen Menschen verschwanden und zerstört wurden – und somit nur als Bilder in der Erinnerung leben. Eines der bedeutendsten künstlerischen Projekte in den neunziger Jahren ist zweifellos die Ausstellung Recall Byblos (1993), an dem neben Anita Kontrec auch der Kölner Maler Robert Pinsdorf als Koautor des Konzeptes beteiligt war. Die Idee stand im Zusammenhang mit der phönizischen Schrift und Zivilisation, mit der Stadt Byblos als eine der ältesten Städte der Welt, wo auf der konzeptuellen Ausstellung im Ludwig Forum für Internationale Kunst in Aachen und in den “Klovićevi dvori” (dem damaligen Museums- und Galeriezentrum MGC) in Zagreb die Problematik des mythisch-kulturellen Erbes dieser Zivilisation

towers that stand as a warning even to the human civilisation of today. The building and the tearing down goes on in our recent past as well, so on several occasions the artist deals with the motif of “Kuće sjećanja” (The House of Memories, 1993), the key piece of work that was developed from the beginning of the 1990s until the beginning of the new millennium, a disturbing echo of the new migrations caused by the Homeland War in Croatia (19911995), when, after the people were gone, their houses were destroyed as well – so they live on only as images in the memory. One of the most important artistic projects from the 1990s is certainly the exhibition Recall Byblos (1993), with Robert Pinsdorf, a painter from Cologne, as a co-author. The idea was built around the Phoenician alphabet and civilisation, the city of Byblos, as one of the oldest cities in the world. This conceptual exhibition in Ludwig Forum für Internationale Kunst in Aachen and Klovićevi dvori (at the time Museum Gallery Centre, MGC) in Zagreb investigated the mythical and cultural heritage of this civilisation.2 This was at the same time the beginning of a more systematic dealing with the motifs of ancient scripts in the opus of Anita Kontrec, the subject of the lost knowledge, myths, libraries, heritage, scripts and the fragility of paper and mobile material heritage.

aufgezeigt wurde.2 Dies bildet zugleich den Beginn einer systematischeren

Beschäftigung mit Motiven alter Schriften im Opus von Anita Kontrec, mit Themen verloren gegangenen Wissens, Mythen, Bibliotheken, Erben, Schriften und der Zerbrechlichkeit von Papier und materiellen beweglichen Erbes. Auf der Spur der Schriften: Die Schrift ist / wie das Schicksal

In einer uranfänglichen, archetypischen Dimension kommt Anita Kontrec im Kreislauf immer wieder auf das Thema der Anfänge des Schaffens der mittelmeerländischen und europäischen Zivilisation zurück, die durch den Buchstaben, die Silbe und das Wort eine Kommunikation mit der diesseitigen, materiellen Welt, aber auch mit den jenseitigen Welten, aufrecht erhält. Ihre Skulpturen sind eine intime Hommage an den Turm zu Babel, aber auch an die mystischen altkroatischen Festungen, so wie die Worte und Schriftzeichen, die sie auf Formen oder Papier appliziert oder einschnitzt, versteckte alte vergessene Schriften sind, mit einem Bewusstsein um die Vielschichtigkeit des Sanskrit, der phönizischen und japanischen, der glagolitischen oder der bosnischen kyrillischen Schrift. Denn: Die Schrift ist/wie das Schicksal – so wie ein Lexikon oder jemandens intimes Tagebuch gleichermaßen wertvoll ist, je nach dem, wer es zu welchem Schicksalszeitpunkt und während welcher gesellschaftlichen und geschichtlichen stürmischen Zeiten schreibt. Und selbst wenn wir vor den Katastrophen dieser Welt verstummen, haben wir noch immer die Möglichkeit, Gedanken, Standpunkte und Gefühle aufzuzeichnen, die uns mit unseren

Tracing the letter: A letter is / like destiny

In some primal, archetypal dimension, Anita Kontrec goes back in circles, always following the subject of the beginnings of the Mediterranean and European civilisations that communicate with the present world ( but also with the worlds beyond), by means of the letter, syllable and word. Her sculptures are an intimate homage to the Tower of Babel, but also to the mystical old Croatian ruins, just like in the words and letters that she applies or carves into shapes or papers there are hidden ancient forgotten scripts, and an awareness of the complexity of Sanskrit, Phoenician and Japanese scripts, Glagolitsa or Bosnian Cyrillic scripts. For, a letter is a destiny – much like there is worth in an encyclopaedia or someone’s intimate diary, depending on who is writing it and in what moment and under what socially and historically turbulent circumstances. Even when we fall silent before the disasters of this world, we still have the opportunity to record our thoughts, attitudes and feelings that connect us with others around us, far beyond the reaches of our time-andspace limitations or our lifespan. III. Colour, Energy, Light – Meeting Point of Painting and Sculpture

When writing about the project Recall Atlantis (2006), the German art historian Peter Lodermeyer noted that this project represents for the artist a 17

sjećanja”, s “rezovima i kontinuitetom”, gdje će se pojaviti skulpture koje više podsjećaju na stojeće slike-objekte, slike, ali i prostorne crteže. Iako već od 2004. godine Anita Kontrec u svoje radove unosi boju, stvarajući serije slika-objekata različitih formata u poliesteru s pigmentima, zanimljivo je kako nikada nije izgubila mjeru nanošenja intenziteta jakih pigmenata, već je ovisno o temi koja ju je zanimala, manje ili više kontrolirala vatromet boja. U svega dvije godine, između 2004. i 2006., umjetnica stvara serije slika-objekata koje se pretežno sastoje od dvije nijanse pigmenta, kombinirane u sasvim nepredvidivim, atipičnim parovima boja, izvan strogih pravila komplementarnosti ili kontrasta. “Elementi”, “Rajski krajolici”, “Pejzaži”, “Sunčani kvadrati”, “Indijsko putovanje”… samo su neki ciklusi stvarani prema ideji kromoterapije ili liječenja frekvencijama boja, koji se direktno nadovezuju na kolorističku apstrakciju Marka Rothka, ali ih umjetnica strukturalno dalje nadograđuje, bez opasnosti od ponavljanja istih kolorističkih obrazaca. Boja kao čista energija dobiva u ovim djelima sasvim novu dimenziju; poluprozirni karakter poliestera omogućava proboj dnevnog ili umjetnog svjetla kroz slike-objekte, pretvarajući ih u vibrirajuća svjetlosna tijela. Pomicanje praga percepcije i senzibiliteta kroz kolorite djela u kojima odjekuju

“izgubljene i zaboravljene melodije i duge boja” (Linda Goodman) ukazuje na to da je pred nama značajan segment meditativno-kontemplativne umjetnosti. Kao što se u projektu Recall Atlantis Anita Kontrec dotiče motiva socijalne utopije, idealne ljudske civilizacije od koje smo do danas premalo naučili, tako se i u diptihu “Paradise – How long?” (2006.) – koji je bio inkorporiran u projekt Atlantide – bavi temom izgubljenog raja prema djelu Johna Miltona i Williama Blakea, koje smo u današnjem potrošačkom društvu zamijenili utopijom sreće koja se sastoji od privremenog posjedovanja predmeta ili nam se nudi lažna sreća New Age ”papazjanije”. Anita Kontrec pokušava osvijestiti promatrača kako je izgubljeni raj simbol i metafora silaska u dezintegrirani svijet podvojenih načela, dužnosti, ideologija, religija i naših individualnih, (ne)iskvarenih želja. Ambijentalne instalacije: Očuđavanje prostora

Na tragu ideje “o nečemu sasvim drugomu”, što ukazuje na veliku sposobnost idejnožanrovske sinteze u djelu ove umjetnice, nalazi se projekt-izložba “Nevidljiva ruža” (2010.) koja je realizirana kao site-specific instalacija od 25 radova u prostoru zagrebačkog muzeja Atelijer Meštrović. Tom izložbom asamblaža, instalacija i skulptura 18

Mitmenschen verbinden, weit außerhalb unserer räumlichen und zeitlichen Grenzen und Lebensdauer. III. Farbe, Energie, Licht – Berührungen von Malerei und Plastik

Als er über das Projekt Recall Atlantis (2006) schrieb, stellte der deutsche Kunsthistoriker Peter Lodermeyer fest, dieses Projekt sei für die Künstlerin “eine Zeit der Synthese, eine Zeit der Erinnerung”, mit “Einschnitten und mit Kontinuität”, eine Zeit wo die Plastiken auftauchen, die mehr an stehende Bildobjekte erinnern, Bilder, aber auch räumliche Zeichnungen. Obwohl Anita Kontrec bereits seit dem Jahr 2004 Farben in ihre Arbeiten einführt, indem sie Bild- und Objektreihen verschiedener Formate in Kunstharz mit Pigmenten schafft, verlor sie interessanterweise niemals das Maß für die Intensität der aufgetragenen starken Pigmente verlor. Sie kontrollierte mehr oder weniger das Feuerwerk der Farben, je nach dem Thema, das sie interessant fand. In nur zwei Jahren, zwischen 2004 und 2006, schaffte die Künstlerin Bild-Objekte, die überwiegend aus zwei Pigmentnuancen bestehen, kombiniert in völlig unvorhersehbaren, atypischen Farbenpaaren, außerhalb der strengen Regeln der Komplementarität und des Kontrastes. “Elemente”, “Paradieslandschaften”, “Landschaftsbilder”, “Sonnige Quadrate”, “Indienreise”… dies sind nur einige der Zyklen, geschaffen nach der Idee der Chromotherapie oder der Behandlung mit Farbfrequenzen, die sich unmittelbar an die koloristische Abstraktion von Mark Rothko anbinden, jedoch von der Künstlerin strukturell weiter ausgebaut werden, ohne Gefahr zu laufen, dieselben koloristischen Muster zu wiederholen. In diesen Werken kommt der Farbe als reiner Energie eine völlig neue Dimension zu: der halbdurchsichtige Charakter der Kunstharz ermöglicht eine Durchdringung des Tages- oder Kunstlichts durch die Bildobjekte und verwandelt sie in vibrierende koloristische Leuchtkoerper. Die Verschiebung der Perzeptions- und Sensibilitätsschwelle durch das Kolorit der Werke, in denen “verlorene und vergessene Melodien und Regenbögen” (Linda Goodman) widerhallen, zeigt, dass wir es mit einem bedeutenden Segment der meditativen und kontemplativen Kunst zu tun haben. Wie Anita Kontrec im Projekt Recall Atlantis das Motiv der sozialen Utopie anspricht, der idealen menschlichen Zivilisation, von der wir bis heute zu wenig gelernt haben, so beschäftigt sie sich in dem Diptychon “Paradise – How long?” (2006) – der in das Atlantis-Projekt eingearbeitet ist – mit dem Thema des Verlorenen Paradieses nach dem Werk von John Milton und William Blake, das wir in der heutigen Verbrauchergesellschaft durch die Utopie des Glücks ersetzt haben, das in dem zeitweiligen Besitz von Gegenständen besteht, oder es wird uns das falsche Glück des New Age Mischmaschs angeboten. Anita Kontrec versucht, dem Betrachter bewusst zu machen, dass das “Verlorene Paradies” ein Symbol und eine Metapher des Abstiegs in die desintegrierte Welt der zwiespältigen Grundsätze, Pflichten, Ideologien und Religionen unserer individuellen, (un)verfälschten Wünsche ist. Installationen: Die Verfremdung des Raums

Auf den Spuren der Idee von “etwas völlig Anderem”, was jedoch auf die große Fähigkeit der Synthese von Idee und Genre im Werk dieser Künstlerin hinweist, bewegt sich auch das Projekt und die Ausstellung “Unsichtbare Rose” (“Invisible Rose”, 2010) umgesetzt als standortspezifische Installation von 25 Arbeiten im Raum des Zagreber Museums Atelijer Meštrović. Mit dieser Ausstellung von Assemblagen, Installationen und Skulpturen fügte sich die Künstlerin in den weiteren Kontext der Thematisierung des Lebens und Werks von kroatischen Bildhauers Ivan Meštrović (1883-1962 ), aber auch seiner

“time of synthesis, a time of memory”, with the “cuts and continuity”, when sculptures emerge that are more reminiscent of standing picture-objects, paintings, and drawings in space. Although Anita Kontrec introduces colour into her work already in 2004, making a series of picture-objects of various formats in polyester with pigments, it is interesting to note that she has never crossed the line in terms of the measure of the intensity of applying strong pigments, but, depending on the subject she was exploring, she more or less controlled the fireworks of colours. In only two years, between 2004 and 2006, the artist created a series of picture-objects that predominantly consist of two shades of pigments, combined in utterly unpredictable, atypical pairs of colours, beyond the strict rules of complementariness or contrast. The “Elementi” (The Elements), “Rajski krajolici” (Paradise Landscapes), “Pejzaži” (Landscapes), “Sunčani kvadrati” (The Sun Squares), “Indijsko putovanje” (The Indian Journey)… are only some of the cycles created following the idea of chromotherapy, or healing with the frequencies of colours, which directly lean on the colourist abstractions of Mark Rothko. However, the author keeps upgrading them structurally, without the danger of repeating the same patterns of colour. Colour, as pure energy, receives in these works an entirely new dimension; a semi-transparent character of polyester enables the light of day or artificial light to pierce through the picture-objects, turning them into vibrant bodies of colour. Moving the threshold of perception and sensibility with the colour palette of the works that resound with the “ forgotten rainbows and forgotten melodies of colours” (Linda Goodman) tells the viewers that what stands before them is a piece of meditative-contemplative art that is not to be taken lightly. Just as Anita Kontrec in the project Recall Atlantis broaches the motif of a social utopia, an ideal human civilisation that we have learned too little from, so too in the diptych “Paradise – How long?” (2006) – that was part of the project Atlantis – she deals with the subject of Paradise Lost according to the works of John Milton and William Blake, which, in today’s consumer society, we have replaced with the utopia of happiness that consists of a temporary possession of an item or one which has on offer the false happiness of the New Age hodgepodge. Anita Kontrec strives to make the viewer aware that “Paradise Lost” is a symbol and a metaphor of a descent into the disintegrated world of split principles, duties, ideologies, religions and our individual, (non) corrupted desires. Art Installations: “Verfremdung” as an Artistic Intervention in Space

Following the idea of “something completely different”, which also points to a great capability of making a synthesis between the idea and genre in the work of this artist, there is the project-exhibition “Nevidljiva ruža” (The Invisible Rose, 2010) which was realised as a site-specific installation of 25 pieces in the museum space of the Atelijer Meštrović in Zagreb. With this exhibition of assembled pieces, installations and sculptures, the artist placed herself in the wider context of problematising the life and work of famous Croatian sculptor Ivan Meštrović (1883-1962), but also his first wife, Ruža Klein, who played the key role in Ivan Meštrović’s artistic career. In the focus of interest of Anita Kontrec, one finds their emotional and creative interrelationship together with the museum space, as a testing site, a stage of memory of a truly remarkable woman. The space and atmosphere built by 19

umjetnica se uklopila u širi kontekst tematiziranja života i djela čuvenog hrvatskog kipara Ivana Meštrovića (1883.-1962.), ali i njegove prve supruge, Ruže Klein, koja je odigrala ključnu ulogu u njegovoj umjetničkoj karijeri. U fokusu interesa Anite Kontrec naći će se njihov emotivni i kreativni suodnos i prostor muzeja kao poligona, pozornice sjećanja na sasvim posebnu ženu. Ambijent koji gradi Anita Kontrec otvara simbolički prostor za Ružu Meštrović s mnogo emotivnih referenci prema njezinoj sudbini žene i umjetnice te “pratilje” slavnog Ivana Meštrovića. Kada se bavi ženskim temama kroz povijest, Anita Kontrec nikada ne zapada u agresivnu ideologiju feminizma, već vrlo suptilno daje do znanja kako bi se bez ženske – naizgled pasivne i primajuće – energije naš svijet potpuno urušio. U ovom projektu Anita Kontrec također koristi ready-made elemente umjetničkog rada, poput dadaista Marcela Duchampa, ali će se ponovno referirati i na ostavštinu Josepha Beuysa, koristeći tekućinu kao materijal koji je kratkog vijeka trajanja. Naime, u mnogim radovima iz različitih vremenskih ciklusa Anita Kontrec gradi duhovnu poveznicu s Beuysom u kontekstu sličnog korištenja sličnih materijala

– krhkih, prolaznih, organičkih (sapun, maslac/ghee, vosak), razvijajući dalje ideju kako je već sam materijal poruka, a ne samo sredstvo prenošenja umjetničke poruke. Materijal i umjetničko djelo tako postaju nešto što je svjesno i konceptualno osmišljeno kao “privremeno i prolazno”, čime se prema riječima njemačke kustosice Julie Ritterskamp – koja je kritički iznimno afirmativno pratila opus Anite Kontrec – negira ideja kako je umjetničko djelo “konzervirano da traje kroz duži period i gdje se pojačava iluzionistički karakter naše percepcije, ljepote i zemaljske egzistencije”. Tragajući za balansom i ispravljanjem povijesno-kulturoloških klišea prema likovima žena (zapravo žena-heroina), Anita Kontrec u zadnjih nekoliko godina ponovno će se vratiti svojoj važnoj temi s početka umjetničkog djelovanja, liku japanske književnice Sei Shōnagon. IV. Kaligrafski krajolici – hommage à Sei Shōnagon

Bez obzira na likovni medij prenošenja ideje i poruke, jedna od glavnih linija umjetničkog djelovanja Anite Kontrec vođena je idejom tzv. tekstualnog zapisa ili palimpsesta koje umjetnica inkorporira i varira s podtemom “arheologije sjećanja”. Naime, u ovom umjetničkom opusu svi zapisi na papiru, koji često imaju element umjetničke akcije ili performansa – kao i prostorne slike, slike-objekti, objekti i skulpture 20

ersten Gemahlin Ruža Klein ein, der eine Schlüsselrolle in dem künstlerischen Werdegang von Ivan Meštrović zukam. Im Brennpunkt des Interesses von Anita Kontrec stehen deren gefühlsmäßige und schöpferische Wechselbeziehung sowie der Museumsraum als Übungsplatz, als Bühne der Erinnerungen an eine ganz besondere Frau. Das von Anita Kontrec geschaffene Ambiente öffnet einen symbolischen Raum für Ruža Meštrović, mit einer Vielzahl an emotionalen Verweisen auf ihr Schicksal als Frau und Künstlerin sowie auch als “Begleitperson” des berühmten Ivan Meštrović. Wenn sie sich mit dem Thema der Frauen durch die Geschichte hindurch beschäftigt, verfällt Anita Kontrec niemals der aggressiven Ideologie des Feminismus, sondern gibt sehr feinfühlig zu verstehen, dass unsere Welt ohne die weibliche – anscheinend passive und empfangende - Energie vollkommen zusammenbrechen würde. In diesem Projekt macht Anita Kontrec ebenfalls Gebrauch von den ready-made Elementen der künstlerischen Arbeit, wie etwa der Dadaist Marcel Duchamp, verweist jedoch erneut auf das Erbe von Joseph Beuys, indem sie organische Materiale von kurzer Dauer verwendet. In vielen Arbeiten aus verschiedenen Zeitabschnitten stellt Anita Kontrec eine geistige Verbindung mit Beuys her, und zwar im Kontext eines ähnlichen Gebrauchs ähnlicher Werkstoffe, die zerbrechlich, unbeständig, organisch sind

Anita Kontrec symbolically opens the space for Ruža Meštrović, with many

(Seife, Butter/Ghee, Wachs), und entwickelte so den Gedanken weiter, dass der Werkstoff selbst eine Botschaft ist, und nicht nur ein reines Medium zur Übertragung der künstlerischen Botschaft. Der Werkstoff und das Kunstwerk werden somit zu etwas, das bewusst konzeptuell als “zeitweilig und vorübergehend” ausgelegt ist, womit nach den Worten der deutschen Kuratorin Julie Ritterskamp , der Gedanke verneint wird, das Kunstwerk sei “konserviert, um über einen längeren Zeitraum hinweg zu bestehen, womit sich der illusionistische Charakter unserer Wahrnehmung, Schönheit und Erdenexistenz verstärkt”. Auf der Suche nach einem Gleichgewicht und einer Berichtigung der historischen und kulturologischen Klischees von Frauengestalten (im Grunde genommen der weiblichen Heldenfigur) kehrt Anita Kontrec in den letzten Jahren zurück zu dem ihr wichtigem Thema aus den Anfängen ihres künstlerischen Wirkens, zu der japanischen Schriftstellerin Sei Shonagon.

of time and where the illusionist character of our perception, beauty and earthly existence is intensified”. By searching for balance and by rectifying the historical-cultural clichés of the characters of women (or rather women-heroines), Anita Kontrec has in the recent years returned to her very important theme from the beginning of her work as an artist, the personality of the Japanese writer Sei Shonagon.

IV. Kalligraphische Landschaften – Eine Hommage an Sei Shonagon

Ohne Rücksicht auf das Ideen und Botschaften übertragende Ausdrucksmedium der bildenden Kunst wird eine der Hauptlinien im künstlerischen Wirken von Anita Kontrec von der Idee der sogenannten textuellen Aufzeichnung oder des Palimpsest geleitet, den die Künstlerin in das Unterthema der “Archäologie der Erinnerung” eingliedert und variiert. In diesem künstlerischen Opus spiegeln nämlich alle Aufzeichnungen auf Papier, die oft auch ein Element der künstlerischen Aktion oder der Performance aufweisen – sowie die räumlichen

emotional references to her fate as a woman and artist and “companion” of the famous Ivan Meštrović. When she deals with feminine subjects through history, Anita Kontrec can never be placed within the aggressive ideology of feminism, but rather, she very subtly lets it be known that without the female energy – which appears to be passive and on the receiving end – our world would collapse entirely. In this project Anita Kontrec also uses some readymade elements of artwork, like the Dadaist Marcel Duchamp, but she makes repeated references to Beuys’ heritage, using organic substances as materials of short duration. In many of her works from different time cycles, Anita Kontrec builds a spiritual bond with Beuys by using similar materials in similar ways – fragile, transient, organic (soap, butter/ghee, wax), thus further developing the idea that the very material is a message, rather than just a means that carries the artistic message. The material and the work of art thus become something that is purposely and conceptually designed as “temporary and transient”, and this in turn, according to the German curator Julie Ritterskamp, negates the idea that a work of art is “conserved in order to last for a long period

IV. Calligraphic Landscapes – Homage to Sei Shonagon

Besides the painted and sculpted works of art that carry ideas and messages, one of the main lines of Anita Kontrec‘s artistic production is guided by the idea of the so-called textual record or palimpsest that the artist incorporates and varies with the sub-topic of the “archaeology of memory”. More closely speaking, in this artistic opus, all records on paper (which frequently carry elements of artistic activity or performance) much like the spatial images, picture-objects, objects and sculptures made of polyester with colour pigments – indirectly reflect the theme of lost and forgotten ancient knowledge, letters, symbols, various cultures and civilisations. If one were to put the opus of Anita Kontrec within the confounds of a couple of particular notions, what would soon come to light would be the continuity of subjects related to the letter, architecture and colour, which are expressed through the tradition of lyrical, colourist abstraction, the author’s individual variant of the so-called 21

od poliestera s pigmentima boja – posredno zrcale temu izgubljenih i zaboravljenih drevnih znanja, pisma, simbola, različitih kultura i civilizacija. Kada bismo opus Anite Kontrec trebali svesti na nekoliko karakterističnih pojmova, zapazili bismo kontinuitet tema vezanih uz pismo, arhitekturu i boju, koji se stilski iskazuju kroz tradiciju lirske, kolorističke apstrakcije, autoričine posebne inačice tzv. nježne geometrije i healing art-a, ali i gestualno-kaligrafske dionice. Ta će gestualno-kaligrafska dionica biti značajna dimenzija umjetničina rada od 2013. godine do danas. Poetski objekti posvećeni Sei Shōnagon, dvorskoj dami, koja je živjela prije više od tisuću godina i napisala roman “Zapisci pod uzglavljem” s dnevničkim zapisima o prirodi i dvorskom životu, iznimno su rafiniran i lirski doprinos Anite Kontrec našoj recentnoj umjetnosti. Bilo da je podloga papir, flis, namotani svileni papir, ti “zapisci pod uzglavljem” nalaze adekvatnu likovnu pratnju u izričaju Anite Kontrec. Varijabilnih dimenzija, od sasvim malih crteža crnim akrilom na papiru do velikih prostornih ambijenata koji su slobodno nošeni strujom zraka u galerijskom prostoru, po svojem su gestualno-kaligrafskom senzibilitetu njezini radovi bliski opusu njemačke grafičarke i slikarice Lore Heuermann koja na tragu automatskog pisma ispisuje potresne kaligrafske dionice. *** Umjetnički put Anite Kontrec iznimno je odmjeren, konceptualno dorađen, bez alogičnih tematsko-stilskih amplituda i istraživanja, što ukazuje na iznimno konzistentno zacrtan umjetnički koncept od samih početaka njezina djelovanja do danas. Kroz gotovo programatski primijenjeno odsustvo pretjerane vizualne dekorativnosti, naracije i primjene određenih likovnih trendova i tendencija, u ovom je umjetničkom opusu svaka faza jedan zaseban doživljajni svijet u kojemu se i najteže egzistencijalne poruke promatraču prenose s poetskom dimenzijom. Nakon uništavanja i razaranja uvijek dolazi period kreacije, obnavljanja i dizanja iz pepela. Ništa nije konačno – i sve je promjenjivo. Umjetnička poruka Anite Kontrec istovremeno je duboko humana, posvećena velikim dijelom ženskim kreativnim dilemama i sudbini žena kroz povijest; uvijek, bez iznimke, primjenjiva na svaki društveno-kulturološki trenutak ili razdoblje podjednako. U tom kontekstu umjetnička kreacija mora stvarati nove vrijednosti, otvarati nova tumačenja svijeta – a kada se ponekad bavi idejom rušenja i razgradnje / ili razaranja onoga što nije dobro – mora imati u sebi uključenu dimenziju vitalističke kreacije koja daje drugačije viđenje svijeta. Anita Kontrec ponekad svjesno hoda po ruševinama postojećih svjetova, ali uvijek ukazuje na nove putove i emotivno-duhovne obrasce koji njezinu umjetnost čine duboko humanom i iscjeljujućom. 1 Koščević, Želimir: “Fluxus: rujan 1962. – studeni 1999.”, u katalogu izložbe. “Fluxus – donacija Francesca Conza”, MSU, Zagreb, 1999.; 13. 2 Na izložbi su novim radovima, osmišljenima posebno na temu projekta, sudjelovali umjetnici iz Zagreba: Petar Barišić, Vladimir Gudac i Ivan Kožarić te umjetnici iz Kölna: Gunter Demnig, Volker Hamann, Ulrike Hein i Robert Pinsdorf.

Bilder, Bildobjekte, Objekte und Plastiken aus Kunstharz und Farbpigmenten – mittelbar das Thema der verlorenen und vergessenen alten Kenntnisse, Schriften und Symbole verschiedener Kulturen und Zivilisationen wieder. Wenn wir das Opus von Anita Kontrec auf nur wenige charakteristische Begriffe reduzieren müssten, würden wir die Kontinuität der mit der Schrift, Architektur und Farbe zusammenhängenden Themen bemerken, die stilistisch durch die Tradition der lyrischen und koloristischen Abstraktion zum Ausdruck gebracht werden, durch die von der Autorin geschaffene Form der sogenannten zarten Geometrie und der Healing Art, aber auch die gestischen und kalligraphischen Abschnitte. Dieser gestische und kalligraphische Abschnitt bildet eine bedeutende Dimension in der Arbeit der Künstlerin seit dem Jahr 2003 bis heute. Die poetischen Objekte, gewidmet Sei Shonagon, der Hofdame, die vor mehr als eintausend Jahren gelebt und das Prosawerk “Das Kopfkissenbuch” verfasst hat, mit Tagebucheinträgen über die Natur und das Leben am Hof, sind ein außerordentlich raffinierter und lyrischer Beitrag von Anita Kontrec an die rezente kroatische Kunst. Unabhaengig davon, ob die Unterlage Papier, Filz oder gewickeltes Seidenpapier ist, dieses “Kopfkissenbuch” findet eine adäquate Begleitung in der bildenden Kunst, wie sie von Anita Kontrec zum Ausdruck gebracht wird. In verschiedenen Abmessungen, von ganz kleinen Zeichnungen mit schwarzem Acryl auf Papier oder den großen räumlichen, von dem Luftstrom im Galerieraum frei getragenen Umgebungen, liegen sie ihrer gestischen und kalligraphischen Sensibilität nach dem Opus der deutschen Graphikerin und Zeichnerin Lore Heuermann nahe, die auf den Spuren der automatischen Schrift erschütternde kalligraphische Abschnitte niederschreibt. *** Der künstlerische Weg von Anita Kontrec ist äußerst maßvoll, konzeptuell verfeinert, ohne alogische thematische und stilistische Amplituden oder Erforschungen, was auf ein außerordentlich konsistent festgelegtes künstlerisches Konzept von den Anfängen ihres Wirkens bis zum heutigen Tag hinweist. Durch ein nahezu programmatisch angewandtes Fehlen übertriebener visueller Dekoration, Narration und Anwendung bestimmter Trends und Tendenzen in der bildenden Kunst ist jede Phase in diesem künstlerischen Opus eine eigene Erlebniswelt, in der dem Betrachter auch die schwersten existenziellen Botschaften mit einer poetischen Dimension vermittelt werden. Nach der Vernichtung und Zerstörung kommt immer eine Zeit des Schaffens, der Erneuerung und des Aufstiegs aus der Asche. Nichts ist endgültig und alles ist veränderbar. Die künstlerische Botschaft von Anita Kontrec ist gleichzeitig zutiefst menschlich, zum Großteil den weiblichen kreativen Dilemmata und dem Schicksal der Frauen durch die Geschichte hindurch gewidmet; immer und ausnahmslos auf jeden gesellschaftlichen und kulturologischen Augenblick oder gleichermaßen auf den Zeitraum anwendbar. In diesem Zusammenhang muss das künstlerische Schaffen neue Werte hervorbringen, neue Deutungen der Welt öffnen, und wenn es sich manchmal mit dem Gedanken des Umsturzes und des Abbaus oder der Zerstörung von allem, was nicht gut ist, befasst – muss es eine Dimension des vitalistischen Schaffens in sich tragen, die eine andere Weltansicht bietet. Anita Kontrec bewegt sich manchmal bewusst auf den Trümmern der bestehenden Welten, zeigt aber immer neue Wege und emotionale und geistige Muster auf, die ihre Kunst zutiefst menschlich und heilend machen.

soft geometry and healing art, as well as the component of gesture and calligraphy. This component of gesture and calligraphy has been a significant dimension of the artist’s work from 2013 until today. The poetic objects dedicated to Sei Shonagon, a court lady, who lived over a thousand years ago and wrote the novel The Pillow Book with diary records about nature and life in court, stand for an extremely refined and lyrical contribution of Anita Kontrec to our recent art. Whether she uses paper, felt or wrapped silk paper as the basis, these “records under the pillow” are an adequate accompaniment to Anita Kontrec’s utterance. Varying in size, from very small drawings in black acrylic paint on paper to large spatial items carried freely by the flow of air in the gallery space, their gestural and calligraphic sensibility brings them close to the work of the German graphic artist and painter Lore Heuermann, who writes disturbing calligraphic items using automated writing. *** Anita Kontrec’s artistic lifeline is exceptionally well weighed out, conceptually fully processed, without the illogical thematic-stylistic amplitudes and explorations, which suggests a truly and consistently laid out artistic concept, from the very beginnings of her active work until today. By means of an almost programmed application of the absence of excessive visual decorations, narration, and with the application of certain art trends and tendencies, in this particular art opus, every phase is a world of experiences in itself, in which even the most grievous existential messages are brought to the viewer with a poetic dimension. Following the destruction and devastation, there always comes a period of creation, regeneration and rising from the ashes. Nothing is final and everything is subject to change. The artistic message of Anita Kontrec is at the same time deeply humane, dedicated to a large extent to the female creative dilemmas and the destiny of women through history; it is always, without exception, more or less equally attributable to any social or cultural moment or time period. In such a context, the artistic creation must bring new values, suggest new interpretations of the world – and when it on occasion deals with the idea of destruction and decomposition / or devastation of that which is not good – it must carry in itself a dimension of vital creation that provides a different view of the world. Anita Kontrec sometimes consciously treads on the ruins of existing worlds, always, however, showing new paths and emotional-spiritual patterns that make her art so profoundly humane and healing. 1 Koščević, Želimir: “Fluxus: rujan 1962. – studeni 1999.”, in the catalogue of the exhibition “Fluxus – donacija Francesca Conza”, MSU, Zagreb, 1999; 13 2 The following artists participated at the exhibition with their works that were designed specially for the project: Petar Barišić, Vladimir Gudac and Ivan Kožarić from Zagreb and Gunter Demnig, Volker Hamann, Ulrike Hein and Robert Pinsdorf from Cologne.

1 Koščević, Želimir: “Fluxus: September 1962 - November 1999”, im Katalog der Ausstellung “Fluxus – eine Schenkung von Francesco Conza”, MSU (Museum für zeitgenössische Kunst), Zagreb, 1999, 13 2 An der Ausstellung beteiligten sich, mit speziell für das Projektthema entworfenen neuen Arbeiten, die Künstler, Petar Barišić, Vladimir Gudac und Ivan Kožarić aus Zagreb und die Künstler Gunter Demnig, Tina Haase, Regina Schumann und Robert Pinsdorf aus Köln.

kreisverkehr

/ roundabout

oblici sjećanja formen der erinnerung / shapes of memory

Ne smije postojati razlika između umjetnosti (takozvane) i življenja. To mora biti identičan organski proces koji prolazi kroz metabolizam duše i tijela. Kroz sav prostor i vrijeme koje je bilo i koje jest. Hoću da umjetnost i život budu beskonačna alkemija, pulsirajući organizam, jedinstven i neponovljiv u svakoj jedinki – u svakom živom i neživom biću ili stvari jer sve sadrži u sebi čestice jednog te istog kozmosa. Anita Kontrec, Zrcalni rukopisi – moj umjetnički manifest, 1982.

“Zrcalni rukopisi – moj umjetnički manifest”, 1982. papir, flomaster; 21×29 cm “Mirror manuscript – My Artistic Credo”, 1982 paper, felt pen; 21×29 cm 26

Es sollte keinen Unterschied zwischen der (so genannten) Kunst und dem Leben selbst geben. Das sollte ein identischer organischer Prozess sein, der den ganzen Metabolismus des Körpers und der Seele durchströmt. Ich möchte, dass die Kunst und das Leben eine endlose Alchemie, ein pulsierender Organismus werden - einmalig und unwiederholbar in jedem einzelnen lebendigen und unlebendigen Wesen, denn alles, was es gibt, beinhaltet die Partikel ein und desselben Kosmos. Anita Kontrec, Spiegelmanuskripte (mein Kunstmanifest), 1982

There should be no difference between (so called) art and life. This should be the indentical organic process impregnating the metabolism of the soul and the body, as well as the whole space and time which has been so far and which still is. I want art and life to be an endless alchemy, a pulsing organism, unique in each single unit - in each living/organic and each un-organic being or thing because we are all made of the same particles of one and the same cosmos.

“Zrcalni rukopisi”, 1982. papir, flomaster; 21×29 cm

Anita Kontrec, Mirror Manuscript – My Artistic Credo, 1982

“Mirror Manuscripts”, 1982 paper, felt pen; 21×29 cm

Pismo je za A. K. sredstvo poimanja i isčitavanja svijeta, smisao i slikovna forma, materijalni označitelj i magijski znak. U radu Kontrecove slova prolaze različite značenjske razine i sukladno tome obradu u različitim materijalima kao što su papir, gips, glina, kamen, bronca, zlato, poliester. U njima se prožimaju materijalna prisutnost i nematerijalno značenje. Njezine Schrift-Bilder (pismovne slike) su palimpsesti koji predstavljaju simultanost i višeslojnost govora, pisma i komunikacije. Peter Lodermeyer, iz predgovora kataloga Recall Atlantis, 2006.

“Čitam knjige koje još nisu napisane” Recall Atlantis, Galerija Karas, Zagreb, 2006. “I am reading the books which have not yet been written” Recall Atlantis, Karas Gallery, Zagreb, 2006

Schrift ist für sie Mittel der Weltaneignung und -ausdeutung, Sinn und bildhafte Form, materieller Signifikant und magisches Zeichen. In Kontrec’ Werk durchlaufen die Buchstaben verschiedene Bedeutungsebenen und, damit verbunden, unterschiedliche Materialisationen wie etwa Papier, Gips, Ton, Stein, Bronze, Gold und Kunstharz. In ihnen verdichten sich materielle Präsenz und immaterielle Bedeutung. Kontrec’ SchriftBilder sind Palimpseste, welche die Simultaneität und Vielschichtigkeit von Sprache / Schrift / Kommunikation darstellen. Peter Lodermeyer, Vorwort zu Katalog Recall Atlantis, 2006

To her, writing is a means for understanding and interpreting the world, as well as a medium that has meaning, a pictorial quality, material and magic significance. Letters and ideograms express different layers of meaning which are manifested in paper, plaster, clay, stone, bronze, gold, and synthetic resin. These media have both material presence and immaterial meaning. Kontrec’s pictures with writing /Schriftbilder/ are layered images – palimpsests which display the simultaneity and multiple facets of language, writing and communication Peter Lodermeyer, preface to the catalogue Recall Atlantis, 2006. “Text, Kontext, Kontrec”, 2006. transparentni papir, promjenjive dimenzije “Text, Kontext, Kontrec”, 2006 transparent paper, variable dimensions 32

Prema jednoj mudroj definiciji američkog umjetnika Carla Andrea, minimalizam znači najmanjim mogućim sredstvima postići najveći mogući učinak. U tom je smislu multiple Anite Kontrec minimalistički rad par excellence. Rukom ispisane engleske riječi “right” (“pravo”) i “wrong” (“krivo”) tako su postavljene jedna nasuprot drugoj da se zrcale kao po nekoj nevidljivoj osi, pri čemu se jedna od tih riječi čita u pravom, a druga u obrnutom smjeru. Time je suprotnost između pravog i krivog samo formalna i izražena je načinom pisanja tih riječi. Pri tome je presudno s koje se strane tog transparentnog objekta riječ čita: tj. da li je riječ “pravo” doista ispisana u pravom smjeru čitanja, a riječ “krivo” u pogrešnom (kao u zrcalnom odrazu) ili je pak sve to izvrnuto baš kako treba – tako da se riječ “right” čita u krivom, a “wrong” u pravom smjeru… Ovo unakrsno preplitanje sadržaja i forme posve je zbunjujuće i potiče na dublje razmišljanje. No, ni to nije sve. Cijela ta priča bila bi samo jedna formalna i semantička igrica riječi kada bi se obje ove riječi referirale isključivo na način njihova pisanja. Odlučujuće je međutim to što se one u svojoj predikativnoj funkciji ne mogu ograničavati – one izazivaju cijeli kompleks intertekstualnih referenci i upućuju na niz misaonih procesa i zaključaka. “Pravo” i “krivo” su fundamentalne kategorije za orijentaciju u svemu što radimo i pojmovi kojima vrednujemo gotovo sve što nas okružuje. “Prave” ili “krive” mogu biti

RIGHTWRONG – Minimalistički multiple Anite Kontrec Dr. Peter Lodermeyer rečenice, pretpostavke, postupci, shvaćanja, teorije – zapravo: cijeli način života. Koliko je egzistencijalne ozbiljnosti sadržano u tom paru pojmova – nedvojbeno jasno pokazuje i čuvena misao iz djela “Minima Moralia” T. Adorna u kojoj on kaže kako pravi život u krivome nije moguć. Objekt Anite Kontrec dovodi u pitanje svako okamenjeno fiksiranje značenja. On ukazuje na to da je shvaćanje onoga što je pravo, a što krivo – pitanje perspektive / kuta gledanja. Za dogmatične dualiste nema veće prijetnje od perspektivističkog relativiziranja jasne razlike između “pravog” i “krivog”, lijepog i ružnog, dobrog i lošeg. U europskoj se misli stalno provlači taj riskantni manevar “prevrednovanja svih vrijednosti”: od vještica u Shakespearovom Macbethu i njihovog pojanja “fair is foul and foul is fair” (lijepo je ružno, a ružno je lijepo), pa sve do Nietzscheove misli “onkraj dobra i zla”. No relativizacija razlika ne znači i njihovo jednostavno negiranje. Moć razlikovanja potrebna nam je kako bismo se mogli orijentirati u našim svakodnevnim postupcima, no istodobno opažamo kako se to vrednovanje vrlo lako može instrumentalizirati za nametanje svojih stavova drugima kao jedino ispravnih, kao opravdanje za nasilje i ugnjetavanje različitih čim se te razlike proglase apsolutnim vrijednostima. Osobito je sumnjivo kada se te razlike žrtvuju nekim tobožnjim “višim vrijednostima”. Na riječima “right” i “wrong” temelji se etika, ali i ideologija i fundamentalizam. Anita Kontrec od svega toga radi elegantni i inteligentni konceptualni umjetnički rad, jedan perpetum mobile opažanja i reflektiranja. Najjednostavnijim sredstvima, taj rad pokazuje to da se istinu ne može obuhvatiti dualističkim pojmovima. Apsolutna istina – ukoliko je taj pojam uopće održiv – puno je kompleksnija. Moguće je da umjetnost ukazuje na jednu drugačiju poziciju s koje se pitanje o istini može postaviti bez pojmovnih ograničenja. (iz predgovora RightWrong, multiple, ArtHellweg Edition, Soest/Köln, 2007.) 34

wäre bloß eine formale und semantische Spielerei, wenn die beiden Wörter

American artist Carl Andrea, wisely defined minimalism as the achievement of maximum effects by minimal means. In that sense Anita Kontrec multiple RIGHTWRONG minimalistic works are the par excellence this notion. Words “right” and “wrong” written by hand are juxtaposed as if they were mirroring each other along an invisible axis. Written in this way one of these words can be read in the “right” direction, whereas the other can be read in the “wrong” direction. Therefore this contrast between right and wrong is only formal, expressed by the way it is written. Nevertheless the decisive moment takes place from which side of this transparent object one reads these words. The whole story could be regarded as a formalistic semantic game if these words were referring only to the way they have been written. The crucial point of this work is that these words – right and wrong – evoke a whole chain of intertextual references, complex intellectual processes and

RIGHTWRONG – Minimalistische Multiple von Anita Kontrec

RIGHTWRONG – Minimalistic Multiple by Anita Kontrec

Dr. Peter Lodermeyer

nur selbstbezüglich auf die Art ihrer Schreibung verweisen würden. Das Entscheidende aber ist, dass sie sich in ihrer prädikativen Funktion nicht eingrenzen lassen, sondern eine ganze Kettenreaktion von intertextuellen Bezügen und gedanklichen Schlussfolgerungen auslösen. Denn ,richtig’ und ,falsch’ sind fundamentale Kategorien unserer handelnden Orientierung in der Welt, mit denen wir (fast) alles im Leben bewerten. Das Objekt von Anita Kontrec stellt alle starren Sinnfixierungen infrage. Es deutet darauf, dass es immer auch eine Frage der Perspektive ist. was als richtig und was als falsch angesehen wird. Nichts ist bedrohlicherfür jeden dogmatischen Dualismus als das perspektivische Relativieren des klaren Unterschieds zwischen richtig und falsch, schön und hässlich, gut und schlecht. Doch Unterscheidungen zu relativieren heißt nicht, sie einfach zu negieren. Wir benötigen sie, um uns handelnd in der Welt orientieren zu können, und sehen zugleich, wie sie zu Instrumenten der Rechthaberei, Gewalt und Unterdrückung werden, sobald man sie absolutiert. Besonders bedenklich wird es, wenn sie vermeintlich höheren Werten geopfert werden. right und wrong – aus diesem Stoff werden Ethiken gemacht, aber auch Ideologien und Fundamentalismen. Anita Kontrec macht daraus ein ebenso elegantes wie intelligentes konzeptuelles Kunstwerk, ein Perpetuum mobile des Sehens und Reflektierens. Es deutet mit einfachsten Mitteln an,

conclusions. “Right” and “Wrong” are fundamental assessments we make in daily life – we evaluate (almost) everything that surrounds us by these terms. Anita Kontrec’s objects question each petrified meaning. It reminds us that the understanding of what is right and what is wrong is the question of perspective, and our point of view can shift, and often does. For dogmatic dualists there is no bigger threat than eliminating the relativity of the clear distinction between “right”-“wrong”, “fair- “foul”, “good”-“bad” etc. However, shifting the relative nature of these terms/notions does not mean their negation. The power/capacity of distinguishing between them is vital for our orientation in daily life. At the same time we can observe how easily such evaluations can become instruments of forcing certain attitudes upon others. As soon as these values are being declared as absolutes, they can then be misused for violence and oppression of those who do not share the same values. The terms “right” and “wrong” are basic for ethics, but also for ideologies and fundamentalism. From all this complex matter, Anita Kontrec makes an elegant and intelligent conceptual work, a perpetum mobile of observation and reflection. This work shows through simple means that the truth can not be conceived /understood by dualistic terms. Absolute truth – if it is possible to use this term at all – is much more complex. It is possible that art shows us a different position from which the question about truth can be put without the limitations of dualistic ways of thinking.

Nach einer klugen Definition des amerikanischen Künstlers Carl Andre bedeutet Minimalismus, mit geringsten Mitteln möglichst große Wirkungen zu erzielen. In diesem Sinne ist das Multiple rightwrong von Anita Kontrec ein minimalistisches Werk par excellence. Die in Schreibschrift auf eine Plexiglasscheibe gedruckten englischen Wörter right und wrong sind so platziert, dass sie einander wie an einer unsichtbaren Achse gespiegelt gegenüberstehen, wobei eines der Wörter seitenverkehrt zu sehen ist. Der Gegensatz von richtig und falsch ist somit auch formal, in der Schreibweise, gegeben. Dabei hängt es ganz davon ab, von welcher Seite aus man auf das transparente Objekt blickt, ob das “richtige” Wort richtig und das “falsche” falsch (d. h. spiegelverkehrt) erscheint oder ob umgekehrt alles richtig falschwird: right verkehrt und wrong korrekt (...) Diese kreuzweise Verklammerung von Inhalt und Form ist verwirrend und hält das Nachdenken in Gang. Doch damit nicht genug: Das Ganze

dass sich die Wahrheit nicht mit dualistischen Begriffen einfangen lässt. Dazu ist absolute Wahrheit – wenn dieser Begriff überhaupt einen Sinn haben sollviel zu komplex. Womöglich deutet die Kunst in eine Richtung, aus der die Wahrheitsfrage anders, jenseits begrifflicher Einengung, gestellt werden kann. (Vorwort zu RightWrong, multiple, ArtHellweg Edition, Soest/Köln, 2007.)

(Preface to RightWrong, multiple, ArtHellweg Edition, Soest/Cologne, 2007.)

RIGHTWRONG, 1990/2004. multiple, plexiglas, 30x30x3 cm ArtHellweg Edition, Soest/Kรถln 36

“Spiralna riječ”, 1986. papir, ogledalo; ca. 200×150 cm izložba Oblici sjećanja, Galerija DDT, Zagreb, 1986.

“Drvo života”, 1986. kombinirana tehnika; ca 200×150×60 cm instalacija u Galeriji DDT, Zagreb

“Spiral Word”, 1986. paper, mirror; ca. 200×150 cm Shapes of Memory, Gallery DDT, Zagreb, 1986

“Tree of Life”, 1986 mixed media; ca. 200×150×60 cm installation in DDT Gallery, Zagreb

“Autoportret”, 1976. fotokopija, tempera; 21×29 cm “Self-portrait”, 1976 photo copy, tempera; 21×29 cm 39

Premda joj je u dosadašnjem djelovanju riječ bila ispred primijenjene forme, Anita je spontano došla do trenutka u kojem se riječi pretvaraju u oblike. Naime, ispisujući najprije bilješke u kojima je preko izvanjskog svijeta događaja upoznavala vlastitu prirodu, ponajprije svoj “ženski jezik” u složenoj cjelini koja uključuje klasična pitanja i odgovore o fizičkom i metafizičkom mjestu vlastitog življenja, došla je do ruba koji je zahtijevao da se riječ, teka, knjiga, prenesu na sliku i pretope u oblik. Neda Miranda Blažević

Neda M. Blažević, Anđelko Hundić, Anita Kontrec Otvaranje izložbe Oblici sjećanja, Galerija DDT, Zagreb 1986. Opening of the exhibition Shapes of Memory, Gallery DDT, Zagreb, 1986

Obgleich in Anitas bisherigem Wirken das Wort noch vor der angewandten Form existierte, kam sie spontan zu dem Punkt, an dem sich das Wort in die Form verwandelte. Indem sie zunächst ihre Notizen aufschreibt, wird sie sich mit Hilfe der Außenwelt ihrer eigenen Natur gewahr – in erster Linie ihrer “language feminine”. In einer komplexen Einheit, die klassische Fragen und Antworten zu dem materiellen und metaphysischen Platz ihres eigenen Lebens enthält, gelangt sie schließlich zu dem Moment, der den Anspruch stellte, das Wort, das Heft, das Buch in ein Bild zu übertragen und in eine Form verschmelzen zu lassen. Neda Miranda Blažević

Though in Anita’s previous activities words preceded any applied form, she has spontaneously reached the point where the word trans-forms into a (new) substance. Namely, her notes in which she was describing the phenomenal world have led her to a knowledge of her own inner self, primarily of her “language féminin” in a complex whole including the classical questions and answers on the physical and metaphysical position of her own life. This process has led her to the point where the word, the notebook, the book had to be transposed into images/pictures and shapes/forms. Neda Miranda Blažević 40

“Tekica – Istarski spiralni sfumato”, 1980. kombinirana tehnika; 15×20 cm “Notebook – Istrian Spiral Sfumato”, 1980 mixed media; 15×20 cm 43

Anitu Kontrec upoznao sam početkom 80-ih godina u kruga intelektualaca i umjetnika okupljenih oko Galerije proširenih medija u Zagrebu.1 U to se vrijeme ona bavila književno-teorijskim, novinarskim i prevodilačkim radom. Naime, 1985. pripremao sam prvu autorsku izložbu danas legendarne, a tada još nepoznate i marginalne Grupe šestorice autora,2 koja je održana od 5. do 19.4.1985. u Galeriji Karas, Galeriji Hrvatskog društva likovnih umjetnika.Napisao sam predgovor, no zbog problema oko tiskanja trebao sam hitno, taj isti dan, i njegov prijevod na engleski. Odjurio sam do Anite znajući da u takvim nemogućim uvjetima jedino mogu računati na nju. Dok sam u njezinom stanu čekao na prijevod teksta, pogled mi je zapeo za neke neobične radove za koje sam nakon kraćeg promatranja utvrdio da su zapravo njezina umjetnička djela. Galerija DDT – alternativa trendu

U to vrijeme radio sam kao voditelj Galerije DDT koja je djelovala u sklopu Centra za kulturu Trešnjevka. Razmišljao sam kakav izlagački program osmisliti kako bi Galerija dobila identitet i autentičnost te bila prepoznatljiva u zagrebačkom i širem kulturnom krugu. Treba uzeti u obzir da su u to vrijeme hrvatskom, kao i europskom galerijskom scenom, dominirali “bad painting”, “transavangarda”, “nova slika” i različiti

Tako je počelo Anđelko Hundić eklekticistički i sinkretistički pravci koji su kasnije dobili zajednički naziv “umjetnost revivala”. Umjetnici koji su istraživali još neotkrivena područja i mogućnosti likovnog, odnosno vizualnog izražavanja, nisu bili u trendu pa za njihovo predstavljanje većina galerista nije imala interesa; ta vrsta umjetnosti mogla se vidjeti samo u rijetkim alternativnim galerijskim prostorima kako u Hrvatskoj tako i u Europi. U umjetnosti je moj interes oduvijek bio usmjeren prema radovima i umjetnicima koji su bili inovativni i originalni. Nakon što sam pažljivo pregledao Anitine radove zaključio sam da su oni posljedica promišljenog istraživanja načina materijalizacije sadržaja – u njezinom slučaju poetskog – u vizualnim oblicima te da njezini radovi svojom kvalitetom, originalnošću i inovativnošću zaslužuju da ih se predstavi javnosti. Predložio sam joj samostalnu izložbu u Galeriji DDT. Oblici sjećanja - ambijentalna instalacija

Prva samostalna izložba Anite Kontrec, Oblici sjećanja, održana je od 7. do 17.10.1986. godine u Galeriji DDT u Zagrebu. Radove iz ovog ranog razdoblja njezinog djelovanja podijelio sam u tri grupe i tako ih izložio. To su: vizualna poezija, skulpture i instalacije. Prvu grupu radova činili su tekstovi komponirani na vizualan način. Inovativnost ovih radova očituje se u tome što su tekstovi napisani na različitim podlogama velikog formata, kao što su panoi veličine 1,5 x 1,5 m, ogledalo dimenzija 2,0 x 1,5 m, što im daje i posebno simboličko značenje; ili su napisani na zidu galerije i to slovima također velikog formata. Ispisani su u različitim oblicima: poput spirale ili rastavljeni na slogove po vertikali i horizontali što tekstu/pjesmi daje ritam i usmjerava na ritmičko čitanje. Važno je napomenuti da se pjesma ponekad sastoji od samo jedne riječi, poput miomirisniaramiris – izmišljene i bez semantičkog značenja, ali riječi koja ima izraženu ritmičku kompoziciju. U tim radovima naglasak je stavljen na kontekst 44

Ich traf Anita Kontrec Anfang der 80er Jahre in den intellektuellen und künstlerischen Kreisen rund um die avantgardistische Galerie PM (Galerie für erweiterte Medien)1 in Zagreb. Als ich ihr begegnete, arbeitete sie als Literaturkritikerin, Journalistin und Übersetzerin. 1985 bereitete ich die erste Zagreb-Ausstellung mit Künstlern vor, die zur “Gruppe der Sechs” (“Grupa šestorice autora”)2 gehörten. Sie waren zu dieser Zeit noch unbekannt und von marginaler Bedeutung, aber heute ist es eine legendäre Gruppe international bekannter Künstler. Ich schrieb ein Vorwort für den Katalog, aber da es einige Schwierigkeiten mit dem Druck gab, brauchte ich die englische Übersetzung noch am gleichen Tag. Ich wusste, in so einer unmöglichen Situation konnte ich mich auf Anita verlassen. Ich ging zu ihr und bat sie, mir den Text gleich zu übersetzen. Während ich bei ihr wartete, bemerkte ich einige ungewöhnliche Objekte und fand heraus, dass es ihre eigenen Kunstwerke waren.

I have been meeting Anita Kontrec in intellectual and artist circles, which gather around the avant-garde gallery PM (Gallery of Extended Media)1 in Zagreb since the beginning of 1980’s. When I first met her, she was working as a literary critic, journalist and translator. In 1985 I was preparing the first exhibition in Zagreb of the artists belonging to the “Group of Six” (Grupa šestorice autora")2 , who at that time they were still unknown and marginal, and today are a legendary group who are internationally acknowledged. I was in the process of writing the preface to the catalogue, with a tight deadline due to some difficulties with the print. I needed to have the English translation the very same day. Knowing that in such an impossible situation I can rely only on Anita I went to her place and asked her if she could do it right away. As I was waiting in her flat for her to finish the translation I noticed some unusual objects, and in that moment discovered that they were her works of art.

DDT Galerie: Eine Alternative zum Trend

DDT Gallery : Alternative to trends

Zu dieser Zeit war ich Galerist der DDT Galerie in Zagreb. Mein Ziel war es, in Zagreb eine Galerie mit einer eigenen Identität und Authentizität zu schaffen und mit einem breiteren kulturellen Kontext. Man muss dabei im Hinterkopf haben, dass in dieser Zeit in Kroatien und auch in der europäischen Kunst Trends dominierten wie “Bad Painting”, “Transavantgarde” und “New Painting”, ebenso alle Arten eklektizistischer und synkretischer Tendenzen,

At the time I was working as a gallerist at DDT Gallery in Zagreb. My aim was to create a gallery with a unique and true identity and authenticity in Zagreb and in a broader cultural context. One should bear in mind that at that time in Croatia, as well as within European art, the dominating trend was the so-called “Bad Painting”,“Transavangarde” and “New Painting” , as well as all kinds of eclectic and syncretic tendencies which were later referred to

Wie alles begann

That is how it all started

Anđelko Hundić

die später als “Revival-Kunst” bezeichnet wurden. Künstler, die noch unentdecktes Terrain und Möglichkeiten des visuellen Ausdrucks suchten, waren nicht “en vogue” und somit auch nicht interessant für die meisten Galerien und Museen. Solch eine andere experimentelle Art der Kunst, die nicht im Trend lag, war nur in wenigen alternativen Galerien in Kroatien und auch in Europa zu finden. Als Galerist war ich immer an innovativen und originellen Künstlern und Kunstwerken interessiert. Nachdem ich mich mit Anitas Arbeiten näher befasst hatte, kam ich zu dem Schluss, dass sie Resultat sehr tiefgreifender Überlegungen waren, wie man bestimmten Dingen – in ihrem Falle poetischen Texten – eine entsprechende visuelle, materielle Form geben könnte. Die Qualität ihrer Werke überzeugte mich. Sie verdienten es, der Öffentlichkeit vorgestellt zu werden und deshalb habe ich vorgeschlagen, ihre Einzelausstellung in meiner Galerie zu machen.

as the “Art of Revival”. Artists who were researching still undiscovered areas and potentials of visual expression, were not “en vogue” and consequently not interesting for most galleries and museums. Such experimental art, which was not “trendy” could be seen in only very few alternative galleries in Croatia and throughout Europe. As a gallerist I have always been interested only in artists and artworks which were innovative and original. After a closer look at Anita’s work I came to the conclusion that they were the result of a very profound reflection on how to give certain subjects– in her case poetic texts- a correlative visual/material form. The quality of her works convinced me that they deserve to be presented to the public and that is why I proposed to make her solo exhibition in my gallery.

Shapes of Memory – Raum Installation

Die erste Einzelausstellung Anita Kontrec – Shapes of Memory fand in der DDT Galerie vom 7. bis zum 17. Oktober 1986 statt. Ihre Ausstellungsstücke waren in drei Gruppen unterteilt: visuelle Poesie, Skulpturen und Installationen. Zur ersten Gruppe gehörten Texte, die visuell zusammengestellt waren. Neu an ihrem Vorgehen war, dass sie ihre Texte übergroß auf verschiedene Materialien schrieb – zum Beispiel auf einen Spiegel, der 2 Meter mal 1,5 Meter groß war oder auf Tafeln (1,5m x 1,5m) und auf die Wände der Galerie. Ihre Texte hatten verschiedene Formen die – dadurch dass sie sie vertikal und horizontal anlegte – manchmal aussahen wie Spiralen. Das gab ihren Texten starke rhythmische Impulse. Es ist wichtig zu erwähnen, das ihre Gedichte manchmal nur aus einem einzigen Wort bestanden, wie etwa “miomirismiomiris”, ein Wort, beziehungsweiseText fern jeder semantischen Bedeutung, aber mit einer starken rhythmischen Komponente. Zur zweiten Gruppe gehörten ihre Skulpturen aus Schamott, wobei sich die formalen Eigenschaften nicht von den Praktiken anderer zeitgenössischer

Shapes of Memory – Ambient Installation

The first solo exhibition Anita Kontrec – Shapes of Memory took place in DDT Gallery from October 7-17,1986. Her exhibit was grouped into three units: visual poetry, sculptures and installations. The first group were texts composed in a visual way. The innovative aspect of her procedure was that she wrote her texts on different materials in a big dimension – for instance on a mirror (2,0 x 1,5 meter), or boards (1,5x1,5 meter) and on the walls of the gallery. Giving her texts different forms like spirals, by writing them vertically and horizontally she gave her texts strong rhythmic impulses. It is important to note that her poems sometimes consisted of one single word – like “miomirisnimiomiris”, a word/text beyond semantic meaning but with a strong rhythmic composition. The second group of works were sculptures. Those made of fire clay, in terms of their formal features do not differ from contemporary sculptural practice; nevertheless, what makes them authentic and individual are the associations and connotations generated by a specific context or environment. Anita used many different materials for her sculptures: mirrors, aluminum, crystal glass, 45

samog teksta te se istovremeno aludira na intuitivni doživljaj djela, a ne na njegovo semantičko linearno iščitavanje. Drugu grupu radova činile su skulpture. One, izrađene od šamotne gline, svojim formalnim karakteristikama ne odskaču od suvremene kiparske prakse, ali ono što ih čini autentičnima jesu asocijacije i konotacije koje one izazivaju – postavljene u određeni okvir, umjetno okruženje, prostor ili okoliš, a upravo su tako izložene na spomenutoj izložbi. No velik dio skulptura iz tog razdoblja izrađen je od više različitih materijala: ogledala, aluminija, kristalnog stakla, zemlje, celofana, plastične trake, terakote… Neki od ovih materijala imaju snažan simbolički značaj, a jukstapozicionirani (u usporednom položaju) daju radu metafizičko značenje. U tim radovima materijal je, a ne oblik, primarni nositelj značenja umjetničkog djela. Kod nekih skulptura oblik je nositelj značenja. To su skulpture oblikovane u formi organske ili geometrijske apstrakcije i ponekad komponirane s ready-made predmetima, a u nekim slučajevima njihovi su dijelovi pomični i reflektirajući, kao u radu “Mala kiša”, što daje vizualne i akustične atrakcije koje izazivaju nove doživljaje. Radove iz grupe koju su činile instalacije podijelio sam na dvije vrste. Jednu karakterizira stvaranje manjih zasebnih prostora pomoću transparentnih materijala, kao što su trake od plastične folije unutar kojih su postavljeni multimedijski autorski radovi. Da bi se rad sagledao u cjelini potrebno je da posjetitelj uđe, razmaknuvši plastične trake, u njegov unutrašnji prostor. Time je naglasak stavljen na unutrašnjost, dok vanjština rada ima manju važnost. Time se aludira na vječiti problem forme i sadržaja, gdje se sadržaju daje prioritet. Drugu vrstu predstavljenih instalacija činili su radovi bez unutarnjeg prostora. Ti su radovi trodimenzionalnih volumena, ali izvedeni u najrazličitijim tehnikama i vrstama likovnog izražavanja. Kao primjer naveo bih instalaciju “Drvo života” izrađenu od drvenih greda, pogača od lisnatog tijesta, fotografija, crteža, bilježaka, kolaža, bazena od šamotne gline s vodom u kojem plivaju žive zlatne ribice. Ovaj rad priča nam vrlo složenu priču o tome kako Anita proživljava povezanost njezinog osobnog mikrokozmosa s makrokozmosom, a to je i tema većine njezinih radova. Istraživanje poetike vizualnog, traženje rješenja za prenošenje osobnih doživljaja, metafizičkih i iracionalnih poruka usmjerenih više na intuitivni doživljaj nego svijest i racionalno razumijevanje, je po mom mišljenju glavna karakteristika ranih radova Anite Kontrec. I nakon 30 godina od njezine prve samostalne izložbe, njezini tada predstavljeni radovi i načini likovnog izražavanja još uvijek nadahnjuju autentičnom umjetničkom snagom i svježinom. 1 Galerija PM (Proširenih medija) pod vodstvom Mladena Stilinovića (1947.-2016.) okupljala je osamdesetih godina najznačajnije hrvatske konceptualne i avangardne umjetnike. 2 U “Grupi šestorice autora” su bili Mladen Stilinović, Željko Jerman, Boris Demur, Vlado Martek, Fedor Vučemilović i Sven Stilinović

Skulptur-Arbeiten unterschieden. Was sie aber so authentisch und anders machte, waren die Assoziationen und Konnotation, die durch den spezifischen Kontext oder die Umgebung entstanden. Anita nutzte viele verschiedene Materialien für ihre Skulpturen: Spiegel, Aluminium, Kristallglas, Erde, Zellophan, Kunststoffbänder und Terrakotta. Einige dieser Materialien haben eine starke symbolische Konnotation; nebeneinander entwickelten sie eine metaphysische Bedeutung. Hierbei wir die Bedeutung des Werkes durch das Material selbst übermittelt und nicht durch seine Form. Bei ihren organischen oder geometrisch abstrakt geformten Kunstwerken, die manchmal mit “Ready Mades” kombiniert sind, ist es die Form, der Umriss, der die Bedeutung kommuniziert. Einige Werke, zum Beispiel “Little Rain”, bestehen aus beweglichen Teilen – in diesem Fall kristallene Stöckchen, die Licht reflektieren und Klang erzeugen. Ich habe Anitas Installationen in zwei Gruppen unterteilt: Solche, die eine Art von geschlossenem Raum formen (mittels transparentem Kunststoffbänder ) und solche, die offen sind: Dreidimensionale Strukturen, hergestellt mit vielen verschiedenen Materialien und Techniken. Dazu zählt als Beispiel ihre Installation “Der Lebensbaum”, bestehend aus hölzernen Säulen, Teig, Fotos, Zeichnungen, handgeschriebenen Notizen, Collagen, und ein Ton-Becken mit lebenden Goldfischen. Diese Installation zeigt den Zusammenhang zwischen ihrem Mikro- und Makrokosmos, ein wiederkehrendes Thema in vielen ihrer Werke. Meiner Meinung nach ist das Hauptthema bei Anitas frühen Werken die Erforschung eines visuellen Ausdrucks für die Poesie. Dabei sucht sie nach Formen, metaphysische und irrationale Mitteilungen zu übertragen, wobei es eher um eine intuitive Erfahrung als um das rationale Verstehen geht. 30 Jahre nach ihrer ersten Einzelausstellung sind ihre Werke und ihre Art des künstlerischen Ausdrucks noch immer inspirierend, dank ihrer authentischen künstlerischen Energie und Frische.

earth/soil, cellophane, plastic tape, and terra cotta. Some of these materials have strong symbolic connotations; juxtaposed next to each other they create metaphysical meaning. In this case, the primary medium of communicating the meaning/essence of the work is the material itself, and not the form. In contrast, her more organic or geometrical abstraction works, sometimes combined with ready-mades, communicate their meaning through form /shape. Some works, for example “Little Rain” , consisted of movable parts – in this case crystal sticks, which reflected light and created sounds. I had divided her installations into two groups: those which form some kind of closed spaces (by means of transparent plastic tape) and those which are open three-dimensional structures, combining multiple different materials and techniques. An example of the latter is her installation “The Tree of Life” made of wooden pillars, dough, photos, drawings, notes/handwriting, collage and a clay basin with living goldfish. This installation is about connection between her micro- with macro cosmos, which is a recurrent topic in many of her works. The main feature of Anita’s early work is, in my opinion, her research into the poetics of visual (language), looking for forms of transmitting metaphysical and irrational messages as an intuitive experience rather than rational understanding. Thirty years after her first solo exhibition her works and ways of artistic expression are still inspiring due to their authentic artistic energy and freshness. 1 At that time PM Gallery was led by Croatian conceptual artist Mladen Stilinović (1947-2016) and presented most relevant contemporary croatian conceptual artists and other avangardistic positions. 2 “Group of Six” were Mladen Stilinović, Željko Jerman, Boris Demur, Vladimir Martek, Fedor Vučemilović and Sven Stilinović.

1 Zu dieser Zeit wurde die PM Galerie von dem Kroatischen Konzeptkünstler Mladen Stilinović geleitet und zeigte viele relevante zeitgenössische Konzeptkünstler und andere avantgardistische Positionen aus Kroatien. 2 “Grupa šestorice autora” (“Gruppe der Sechs”) waren Mladen Stilinović, Željko Jerman, Boris Demur, Vladimir Martek, Fedor Vučemilović und Sven Stilinović.

Zato ti Zrcalnu Koja se Ugurati

šaljem malu sliku moje duše ipak ne da i ne da i ne da u sivo i u pijesak.

Bila sam u samoposluzi i otkrila dvije divne stvari: Mlijeko u staklenim bočicama Koje još uvijek nije izgubilo svoj himen od vrhnja. I ove male bijele salvete, koje su slučajno dolutale među oguljene, ustajale i prljave stvari. Naravno da sam ih morala spasiti Naravno da sam ih morala spasiti deshalb schicke ich dir ein kleines Spiegelbild meiner Seele die lässt es nicht zu die lässt es doch nicht zu dass sie in das Graue und in den Sand geschoben wird. Ich war im Supermarkt und habe zwei wunderschöne Sachen entdeckt: die Milch in Glasflaschen, die ihr Hymen aus Rahm noch nicht verloren hat. Und diese kleinen weissen Servietten, die sich zufällig zwischen den schäbigen und schmudeligen Sachen verirrt haben. Natürlich, dass ich sie retten musste Natürlich, dass ich sie retten musste That is why I am sending you a little mirror image of my soul which does not does not does not allow to be pushed into the grey, into the sand Today I was in the self service and have discovered two wonderful things: Milk in glass bottles which still has not lost its hymen of cream And these little white napkins, which somehow came here among shabby, stale, dirty things. Of course I had to save it. Of course I had to save it. Anita Kontrec, DDR – Schwedt, 1980 48

“Bijela salveta – Oda nedužnosti mlijeka”, 1980. papirna salveta, flomaster; ca. 15×20 cm “White Napkin – Ode to the Innocence of Milk”, 1980 paper napkin, felt pen; ca. 15×20 cm 49

“Paradise - How long?”, 2006. poliester, pigmenti; 160×270×8 cm “Paradise - How long?”, 2006 synthetic resin, pigments; 160×270×8 cm 50

IzloĹžba Recall Atlantis, 2006. Galerija Karas, Zagreb Exhibition Recall Atlantis, 2006 Gallery Karas, Zagreb

Between the ideaÂ And the reality Between the motion And the act Falls the Shadow For Thine is the Kingdom Between the conceptionÂ And the creation Between the emotion And the response Falls the Shadow Life is very long Between the desire And the spasm Between the potency And the existence Between the essence And the descent Falls the Shadow For Thine is the Kingdom T. S. Eliot: The Hollow Men

str. / pp. 54-55 “Shadow”, 2013. Instalacija; kombinirana tehnika; varijabilne dimenzije “Shadow”, 2013 installation; mixed media; variable dimensions “Warten sie, sie werden platziert”, 2013. instalacija; kombinirana tehnika; varijabilne dimenzije, Lepzig “Warten sie, sie werden platziert”, 2013 installation; mixed media; variable dimensions, Lepzig

“Recall Atlantis”, 2006. poliester, pigmenti; 200×260×3 cm “Recall Atlantis”, 2006 synthetic resin, pigments; 200×260×3 cm

“Trag svjetlosti”, 2016. poliester, pigmenti, neon; v. 240 cm “Trace of Light”, 2016 synthetic resin, pigments, neon; h. 240 cm “Kule Babilonske”, 2016. kombinirana tehnika; 240×30×30 cm “Towers of Babel”, 2016 mixed media; 240×30×30 cm

“Dragi Ivane”, 2010. instalacija; celofan, akril; promjenjive dimenzije Atelijer Meštrović, Zagreb “Dear Ivan”, 2010 installation; cellophane, acrylic; variable dimensions Atelijer Meštrović, Zagreb

“Ruža je Eros je Tajna - Ružina oporuka”, 2010. kombinirana tehnika; 20×15×5 cm “Ruža is Eros is Secret - Ruža’s Last Will”, 2010 mixed media; 20×15×5 cm

“Ružina djeca”, 2010. instalacija; kombinirana tehnika; promjenjive dimenzije Atelijer Meštrović, Zagreb “Ruža's Children”, 2010 installation: mixed media; variable dimensions Atelijer Meštrović, Zagreb

Stäadte und Träume

gradovi i snovi städte und träume

/ cities and dreams

To gradovi pričaju o nama Male lične stvari Tvoj cacao, tvoj café Tvoje linije koje izvlačiš Tvoje kretnje Tvoji zamasi I koža ti se, kažeš, promijenila Mekša je, ali slađa I kosa ti drugačije pada, sestro To se ne da nikako usporediti Jer ne možeš uspoređivati nešto S nečim čega nema Anita Kontrec, fragment pjesme “Taktika parfema”, 1982.

Die Städte erzählen von uns kleine persönliche Dinge Dein Kakao, Dein Café Die Linien, die Du ziehst Deine Bewwegungen Deine Gesten Und Deine Haut hat sich verändert, sagst Du Sie ist weicher, aber süsser geworden Und Deine Haare fallen anders, Schwester Das lässt sich gar nicht vergleichen Weil man etwas nicht vergleichen kann mit etwas, was nicht vorhanden ist Anita Kontrec, Fragment aus dem Gedicht “Taktika parfema” (“Taktik des Parfüms”), 1982

The towns are telling about us little personal things your cocoa, your café Your lines which you draw Your movements Your gestures And your skin has changed, you say It is softer, but sweeter And your hair is falling in a different way, sister You cannot compare these things in any way Because you cannot compare something with something which does not exist Anita Kontrec, fragment from the poem “Taktika parfema” (“Tactic of Parfume”), 1982

Skladište tvornice “Zagorka” u Bedekovčini, moj “atelje” tijekom 80-tih godina The Zagorka brick factory, Bedekovčina near Zagreb, my “studio” during the '80s

Gradina I, Gradina II, 1989. šamotna glina; 40x20x20 cm; Fortress I, Fortress II, 1989 fire clay: 40×20×20 cm

“Zigurat”, 1989. šamotna glina; 240×40×40 cm “Zigurat”, 1989 fire clay; 240×40×40 cm

“Nježna geometrija – Osmijeh Anđela”, 1990. šamotna glina; 40×30×30 cm “Tender Geometry – Angel Smiles”, 1990 fire clay; 40×30×30 cm

“Nježna geometrija – Pietà”, 1990. šamotna glina; 40×50×50 cm “Tender Geometry – Pietà”, 1990 fire clay; 40×50×50 cm

“HIER / OVDJE”, 1991. cement, 240×120×60 cm Bürgerhaus Stollwerck, Köln “HERE”, 1991 cement, 240×120×60 cm Culture Center Stollwerck, Cologne

U razizemlju Vijećnice grada Kölna “Spanischer Bau”, nasuprot povijesne kelnske Gradske Vijećnice, čini se da je u hodu zaustavljena povorka crnih spodoba. To su figure ljudi u prirodnoj veličini raspoređene u prostoru u parovima i pojedinačno, a većinom su to likovi žena i djece. Pognute glave iskazuju rezignaciju, prestravljenost, nepoimanje. Njihova tijela doimaju se zakočeno, ali iz njih ne zrači beznađe već reducirani govor forme odiše dostojanstvom. Načinjene su od papier-mâchéa i monokromno su obojene crnom bojom. Hrvatska umjetnica Anita Kontrec načinila je ovu povorku napaćenih izbjeglica upravo za ovu izložbu u Kölnu i njome želi skrenuti pozornost na bezumni rat u Jugoslaviji. U tom ratu, koji ponajviše pogađa one koji su ga najmanje htjeli, nisu stradale samo tisuće i tisuće ljudi već je, zbog višestoljetnih predrasuda, ciljano uništavano i niz značajnih umjetničkih djela. Anita Kontrec je na vrlo snažan umjetnički način prikazala tu katastrofu nijemim figurama u njihovoj tamnoj monolitnoj strogosti, njihovoj crnoj žalosti, njihovim govorom tijela. Namjerno ih je ostavila bez naznake individualnih crta lica jer oni simboliziraju sve stradalnike rata i u drugim dijelovima svijeta. Po načinu oblikovanja te vrlo plastično prikazane žrtve rata podsjećaju na sliku “Oproštaj” Augusta Mackea koja se nalazi u Muzeju Ludwig u Koelnu. August Macke sliku je

Zemlja – tRatRat aR – Pepeo Dr. Gerhard Kolberg, viši kustos za skulpturu, Museum Ludwig, Köln

započeo 1914. godine, ali je nije uspio završiti jer je i sam poginuo u ratu. I na njegovoj slici tamne, ukočene figure izražavaju slutnju smrti, pri čemu je Macke osobitu pozornost posvetio prikazu dječje prestravljenosti pred nečim nepojmljivim. Anita Kontrec žalosnu je povorku ljudi svijesno kombinirala s njenim ranijim skulpturama od cementa koje naziva “Cement-Tirani”, a smješteni su uz povorku crnih figura. U formalnom pogledu oni prikazuju gotovo arhaično reducirani govor oblika. Anita Kontrec i ranije se koristila tim jezikom u oblikovanju arhetipskih ženskih likova, pretpovijesnih idola plodnosti. No bez obzira na stupanj apstrakcije, njezine sive cementne skulpture, uz sav potencijal mogućih asocijacija, zadržavaju i visoki stupanj bliskosti sa životom. Anita Kontrec zna kako se velike dimenzije mogu prenijeti na manje forme, ili – drugim riječima: postići da skulpture manjih dimenzija djeluju monumentalno. U razdoblju od 1988. do 1989. godine Anita Kontrec radila je na ciklusu skulptura “Gradine” služeći se pri tome kubističko-geometrijskom apstrakcijom, ali ne u matematički egzaktnom, već u životnom, asimetričnom tretmanu forme. Neposredno nakon toga nastao je ciklus skulptura “Krajolici” koji su reducirani do srži i djeluju kao da su okamenjeni. Unatoč tome oni izražavaju gotovo bajkovite žive organske forme koje istodobno zrače nekom praiskonskom bliskošću s prirodom. Njezinn slijedeći ciklus (nastao 1991. godine) nazvala je “Nježna geometrija” i u tim je radovima dalje razvijala sve navedene aspekte svoje skulpture. Anita Kontrec svoje mjesto vidi u kontekstu tradicije hrvatskog kiparstva koje u našem području nije dovoljno poznato, ali koje bi, upravo zahvaljujući njenom radu na skulpturi, moglo izazvati veće zanimanje. (Govor prilikom otvaranja izložbe “Erde-Krieg-Asche” (Zemlja-Rat-Pepeo) u Vijećnici grada Kölna, siječanj 1992. godine) 76

“Izbjeglice”, 1992. instalacija, papier-mâché, akril; v. ca. 220 cm, varijabilne dimenzije “Refugees”, 1992 installation, papier-mâché, acrylic; h. ca. 220 cm, variable dimensions 78

Eine Prozession schwarzer Gestalten scheint im Untergeschoss des Spani-

letzten, 1989 bis 1991 geschaffenen Zyklus “Zarte Geometrie”, indem sie die

schen Baus, gegenüber dem Kölner Historischen Rathaus, gerade in der Be-

vorher genannten Aspekte aufgreift und fortentwickelte. Anita Kontrec sieht

wegung innezuhalten. In Zweiergruppen sind sie im Raum geordnet, aber

sich in der Tradition kroatischer Plastik, die in unsere Region nicht genügend

auch einzelne Figuren, z. B. an einer Säule lehnend, sind vertreten. Erwach-

bekannt geworden ist, auf die aber durch ihre Skulpturen das Interesse gelenkt

sene.Meist Frauen und Kinder sind es. Häufig den Kopf gesenkt, demonst-

werden kann. Die in Zagreb gebürtige Bildhauerin stellt sich den Fragen der

rieren sie Resignation, Furcht, Entsetzen oder Unverständnis. Ihre Körper

Zeit. Sie fragt z. B. mit ihrer großen weißen Gipsskulptur in dieser Ausstellung,

wirken erstarrt, aber nicht Hoffnungslosigkeit, sondern Würde vermitteln

ob die jüngsten Ereignisse des Hasses und der Gewalt in den Ländern Osteu-

sie über ihre reduzierte, abstrakte Formensprache. Die gestalten sind Le-

ropas, aber die darüber nicht zu vergessenden, im Westen Europas, nicht aus

bensgroß, aus Pappmache hergestellt und mit schwarzer Farbe monochrom

diesem Erdteil ein surreales “Trugbild” machen. Es ist eine sockelartige Trep-

eingefärbt. Die kroatische Bildhauerin Anita Kontrec schuf diese Zug lei-

pe, deren Stufen unbegehbar hoch zu liegen scheinen, so das niemand hinauf-

dender Flüchtlinge ausdrücklich für die Kölner Ausstellung und bezieht

schreiten kann. Aber auch die asymetrisch versetzt gestalteten Flügel an den

sich auf den irrationalen Krieg in Jugoslawien. Diesem Krieg sind nicht

Treppenwangen, wollen wohl nur den Versuch eines gemeinsamen Aufstiegs

bisher allein Tausende Menschen, zumeist diesem Krieg überhaupt nicht

und Zieles andeuten. Hoffen wir, dass er dennoch gelingt.

wollende, sondern als Zeichen Jahrhunderte alter Vorurteile, bisher auch bedeutende Kunstwerke absichtlich der Zerstörung zum Opfer gefallen. Die

(Eröffnungsrede zu der Ausstellung “Erde-Krieg-Asche”, Kölner Rathaus, Ja-

Künstlerin hat das Desaster ausdruckstark in ihren stummen Figuren er-

nuar 1992)

fasst, in ihrer dunklen, monolitischen Strenge, in ihrer schwarzer Trauer, in

Erde - g KriegKrieg eirK – Asche

Earth - rWarWar aW - Ashes

Dr. Gerhard Kolberg, Oberkustos für Skulptur, Museum Ludwig, Köln

Dr. Gerhard Kolberg, senior curator for sculpture, Museum Ludwig, Cologne

ihrer Körpersprache. Bewusst sind sie Gesichtslos, denn sie symbolisieren

On the ground floor of the Cologne City Hall Spanische Bau, right across from

alle vom krieg Betroffenen, auch die in anderen Teilen der Welt.

the historic City Hall of Cologne, a procession of dark figures seems to have

Von der gestalterischen Auffassung her erinnem diese plastische dargestellten Kriegsopfem an August Mackes, im August 1914 begonnenes und durch seinen eigenen Kriegestod unvollendet gebliebenes Gemälde “Abschied”, welches im Kölner Museum Ludwig hängt und die Mobilmachung zum Ersten Weltkrieg in Bonn auf die Zurückgebliebenen reduziert. Auch in diesem Bilde zeigen dunkle und starre gestallten Todesahnung, wobei besonders die Angst der kleinen Kinder vor dem Unbegreiflichen erfasst ist. Anita Kontrec hat ihre trauende Menschenbilder bewusst mit älteren Zementplastiken aus ihrem Ouvre kombiniert. Diese, aber auch etwas abseits platzierte, zeigen eine formal fast archaisch reduzierte Formensprache, zumal die Künstlerin sich bereits früher mit archetypischen weiblichen Plastiken,

halted mid-step. These figures are at a human scale, appearing as pairs or single persons, mostly women and children. Their heads are bent, looking down, in resignation, astonishment, and consternation. Thier bodies are stiff, but due to the reduced laguage of form they do not radiate hopelesness but dignity. Croatian artist Anita Kontrec has reproduced this procession of suffering refugees for her exhibition in Cologne wanting to draw attention to the senseless war in Yugoslavia. She has shown this catastrophe in a very strong artistic way by presenting mute figures in their dark, monolithic gravity, a black sadness expressed through their body language. She did not give them any individual features because they stand for all victims of war in many other parts of the world. The plastically formed figures of war victims remind of August Macke’s painting “Taking Leave” (“Abschied”) which can be seen in the Museum Ludwig in Co-

mit Fruchtbarkeitsidolen der Vorzeit befasst und diese gestalterisch aufge-

logne. August Macke started this painting in 1914, but did not finish it because he

griffen hat. Ihre grauen Zementskulpturen erhalten über das Assoziationspo-

was killed during the war. In his painting, the darkness and stiffness of the figures

tential des Einzelnen bei aller Abstraktion einen hohen Grad an Lebensnähe.

suggest their anticipation of death. August Macke paid special attention to show-

Und die Spuren ihrer Formung, die Strukturen in ihrer Oberfläche fördern erheblich das Interesse des Betrachters. “Zement-Tirani” – die “Zementierten”, nannte sie diese Art von Skulptur. Und dieser Begriff kann ebenso kritisch gedeutet werden. Die Künstlerin versteht es, größere Dimensionen auf kleinere Skulpturen zu übertragen, oder anders gesagt, auch kleiner dimensionierte, monumental erscheinen zu lassen. In kubisch-geometrischer Abstraktion, aber nicht in mathematisch-exakter, sondem in bewegter asymetrischer Auffassung der Formen, schuf sie 1988 bis 1989 einen Zyklus mit dem Thema. “Festungen”. Weniger Zeit drauf, 1989 bis 1990, einen über “Landschaften”, die aufs Wesentliche reduziert, in Stein erstarrt zu sein scheinen, aber dennoch eine zuweilen märchenhaft-archaisch anmutende Organik und damit lebendige und zugleich uralte Naturnähe vermitteln. Bewusst nannte sie ihre

ing children’s bewilderment when facing the unfathomable. Anita Kontrec has deliberately combined the sad procession with her earlier cement sculptures called “Cement-Tirani” (Cemented), which are placed near the procession of black figures. These sculptures also show almost archaically reduced language of forms. Regardless of the grade of abstraction, her grey cement sculptures, comprising the whole potential of possible associations, are still very close to natural, living forms. Anita Kontrec knows how to transpose big dimensions to smaller ones; or, in other words – make sculptures of smaller dimensions appear monumental. Anita Kontrec sees her artistic position in the context of the Croatian sculptural tradition, which is in Germany not well-known. We may expect that her work could arouse a greater interest in Croatian sculpture. (opening speech of the exhibition “Earth-War-Ashes”, Kölner Rathaus, January 1992) 79

“Izbjeglice”, 1992. instalacija, papier-mâché, akril; v. 220 cm, varijabilne dimenzije “Refugees”, 1992 installation, papier-mâché, acrylic; h. 220 cm, variable dimensions 80

“Trugbild Europa - Lažna slika Europe”, 1992. glina; 20×10×20 cm “False Image of Europe”, 1992 clay; 20×10×20 cm 81

“Prijelaz preko granice izgubljeni dom”, 2016. instalacija, kombinirana tehnika; varijabilne dimenzije “Passing over the Border A Lost Home”, 2016 installation: mixed media; variable dimensions 82

“Grenz - über - Gänger”, 2013. instalacija / detalj; varijabilne dimenzije “Grenz - über - Gänger”, 2013 installation / detail; variable dimensions 84

“Onkraj – Jenseits” I-V, 2013. karton, akril, kreda; 70×50 cm “Beyond – Jenseits” I-V, 2013 cardboard, acryl, chalk; 70×50 cm 85

“Zestörer der Zeit”, 2013. karton, akril, kreda; 70×50 cm “Destroyer of Time”, 2013 cardboard, acryl, chalk; 70×50 cm 86

“Zapaljene kuće”, 2016. performans, Galerija Prsten, Zagreb “Burning Houses”, 2016 performance, Prsten Gallery, Zagreb 88

“Spaljivanje dokumentacije na obali Rajne”, 1990./2008. Köln “Burning of Documentation on the Rhine”, 1990/2008 Cologne

Draga gospođo Kontrec, u svojim ste se djelima često bavili našim zajedničkim europskim naslijeđem, a time, naravno, i ratom, bijegom, progonom te na kraju krajeva i migracijom – ključnim aspektima sadašnje političke diskusije. Već ste se 1992. godine na dojmljiv način dotaknuli teme izbjeglica, a razlog za to je ovdje u Hrvatskoj i više nego jasan. Već 1993. godine nastavili ste svoj rad na gradnji mostova u sklopu njemačko-hrvatskog umjetničkog projekta Recall Byblos. S obzirom na tisuće i tisuće izbjeglica koje trenutačno pristižu s kriznih područja Bliskog i Srednjeg istoka, ali i Afrike, Vaš je rad upravo u ovom vremenu ponovno postao iznimno aktualan. Ovdje nije riječ o anonimnoj masi izbjeglica niti o brojkama, nego o ljudima s različitim sudbinama. Neće svi oni moći ostati u Europi, ali svi oni zaslužuju da se prema njima ponašamo na način koji je dostojan čovjeka, a to je nešto što su Hrvatska i njezini građani prošle jeseni učinili na uzoran način. Mene u Vašim djelima osobito fascinira i Vaše ophođenje s temom granica. Osobito zato što se trenutačno opet puno govori o zatvaranju granica. Granice mogu razdvajati i nanijeti bol. One trebaju vlastitim građanima pružiti sigurnost, ali ne smiju nas

Nadilaženje granica Nj.E. Thomas E. Schultze, veleposlanik Savezne Republike Njemačke u Republici Hrvatskoj izolirati. Preko granica možemo i trebamo jedni drugima pružiti ruku, dati i sebi i drugima priliku, jednostavno jedanput skočiti preko vlastite sjene i napraviti iskorak. Suzdržanost se može pretvoriti u znatiželju da saznamo što se nalazi s druge strane granice. Prevladavanje granica može osloboditi i golemu pozitivnu energiju. Upravo Schengenski prostor, kojem Hrvatska još nije pristupila, omogućio je ljudima u Europi da osjete ujedinjenu Europu i potaknuo je mnoge ljude da se slobodno kreću u toj Europi bez granica i da je obogate. Mi, draga gospođo Kontrec, ali i drugi u ovoj prostoriji, još se sjećamo prijašnjih vremena kad su dugački redovi pred graničnim prijelazima bili dio svakodnevice. Tog smo se vremena, nažalost, morali nedavno ponovno prisjetiti. Zato je sasvim jasno: U to se doba ne želimo vratiti. Vaša djela zbog svojih impresivnih asocijacija i snažnoga slikovnoga govora potiču na razmišljanje. I, kao što sam već spomenuo, ona su aktualnija nego ikad prije. Kad gledamo Vaš rad, istog je trenutka uočljivo i da Vi sami vrlo često prelazite granice. Središnja točka Vašeg života nakon Zagreba postala je Njemačka, ali Vi se stalno i vraćate. Na taj način već dulje od dva desetljeća njegujete čvrste veze s obje zemlje i njihovim umjetničkim scenama. Koliko god da su Vam te granice katkad otežavale svakodnevni život, imam osjećaj da su Vas i potaknule u umjetničkom smislu i dale vam krila. Postali ste prava putnica između Hrvatske i Njemačke koja se u oba svijeta osjeća kao kod kuće i koja je u oba svijeta poznata i iznimno priznata. Zato ste vi uzor za prijateljstvo koje nadilazi granice i dokaz za tezu da nas ljudska i kulturna razmjena obogaćuje, da nas tjera naprijed i otvara nam nove perspektive i horizonte.

(Govor na otvaranju retrospektivne izložbe “Kružni tok” u Galeriji “Prsten” u Zagrebu, 8.9.2016.)

Liebe Frau Kontrec,

Dear Ms Kontrec,

in Ihrem Werk haben Sie sich immer wieder mit unserem gemeinsamen europäischen Erbe beschäftigt und damit unweigerlich auch mit Krieg, Flucht, Vertreibung, letztlich auch Migration – Kernaspekten der gegenwärtigen politischen Diskussion. Schon 1992 in Köln griffen Sie – aus hier in Kroatien nur zu gut verständlichem Grund – das Thema Flüchtlinge eindrücklich auf und bereits 1993 setzten Sie ihre brückenbildende Arbeit im deutschkroatischen Künstlerprojekt Recall Byblos fort. Durch die vielen Tausend Flüchtlinge, die derzeit Europa aus den Unruheherden des Nahen und Mittleren Ostens sowie Afrikas erreichen ist Ihre Arbeit gerade in dieser Zeit wieder hoch aktuell. Es handelt sich um keine anonymen Massen von Flüchtlingen, nicht um Zahlen, sondern um Menschen mit unterschiedlichen Schicksalen. Nicht alle werden in Europa bleiben können. Sie alle aber verdienen menschenwürdige Behandlung; etwas, das Kroatien und seine Menschen im letzten Herbst vorbildlich geleistet haben. Mich fasziniert an Ihrem Werk besonders auch Ihr Umgang mit dem Thema Grenzen. Gerade weil derzeit wieder viel vom Schließen von Grenzen die Rede ist. Grenzen können trennen und schmerzen, sie sollen den eigenen Bürgern Sicherheit bieten; sie dürfen aber nicht abschotten. Man kann und

In your work, you have always been dealing with our common European heritage which also inevitably means, or rather includes, wars, escape, banishment and also, more recently, migration. All of these issues are significant political realities, and indeed are very much framing current political discourse at the moment. Already in 1992, in Cologne, you have very impressively dealt with the issue of refugees, which can be very well understood, considering the situation in Croatia at that time. A year later, in 1993, you have continued your work of establishing cultural cross-cooperation in your German-Croatian artists’ project Recall Byblos. Due to the dozens of thousands of refugees who are coming to Europe from unstable regions, in the Near and Middle East, as well as from Africa, you work is again most poignant and relevant. It is not about anonymous masses of refugees, it is not about the numbers; it is about people with their most individual and unique backgrounds and life-stories. Not all of them will be able to remain in Europe, but all of them deserve to be treated with dignity, care and utmost respect. Last autumn, Croatia and it’s people gave an example on how it can be done. I am most fascinated by how you approach the topic of borders in your work. At this moment, there is much talk about closing borders. Borders can

Grenzen überwinden

Overcoming borders

S.E. Thomas E. Schultze, Botschafter der Bundesrepublik Deutschland in der Republik Kroatien

H.E. Thomas E. Schultze, the Ambassador of the Federal Republic of Germany in the Republic of Croatia

soll sich über Grenzen aber auch die Hand reichen und sich selbst und dem anderen eine Chance geben. Einfach einmal über seinen Schatten springen. Zurückhaltung kann sich in Neugier auf das Andere jenseits der Grenze wandeln. Und die Überwindung von Grenzen kann enorme positive Energie freisetzen. Gerade der Schengenraum, dem Kroatien noch nicht angehört, hat für die Menschen Europas das vereinigte und geeinte Europa fühlbar gemacht, zahlreiche Menschen dazu bewegt, sich in diesem Europa ohne Grenzen frei zu bewegen und es zu bereichern. Wir, liebe Frau Kontrec, und andere in diesem Raum können sich noch an die Zeit davor erinnern, als lange Schlangen vor den Grenzübergängen die Regel waren. Daran wurden wir vor Kurzem leider wieder erinnert. Deshalb ist ganz klar: Dahin wollen wir nicht zurück. Ihr Werk regt durch die eindrücklichen Assoziationen und die starke Bild sprache zum Nachdenken an und ist, ich sagte es bereits, aktueller denn je. Wenn man sich mit Ihrer Arbeit befasst, sticht natürlich ins Auge, dass Sie selbst auch eine Grenzgängerin sind. Ihr Lebensmittelpunkt wanderte von Zagreb nach Deutschland und immer wieder auch zurück, Sie haben dadurch seit über zwei Jahrzehnten enge Verbindungen in beide Länder und beide Kunstszenen. Dabei habe ich aber das Gefühl, dass diese Grenzen, so schwer sie manchmal auch das Alltagsleben machten, Sie auch künstlerisch angeregt und beflügelt haben. Und Sie sind zu einer echten Reisenden zwischen Kroatien und Deutschland geworden, die in beiden Welten zu Hause, bekannt und höchst anerkannt ist. Damit sind Sie ein Vorbild für die Freundschaft über die Grenzen hinweg und ein Beweis für die These, dass menschlicher und kultureller Austausch gegenseitig befruchtet, uns weiterbringt, neue Perspektiven und Horizonte eröffnet.

separate and hurt people; they should nevertheless provide security for the citizens of their respective countries. Borders, however, should never block off peoples. Most beneficial and mutual co-exchange is entirely possible, and people should be encouraged to reach and extend their hands beyond borders and give themselves and others a chance, that is to say, a chance to overcome one’s own internal and mental borders. Instead of being reserved and suspicious, one can become curious and open, towards those who are behind any given border. Overcoming borders can unleash enormous amounts of positive energy. In countries belonging to the Schengen area (where Croatia still does not belong) people could experience how united Europe feels.; it inspired many of them to move freely in such a Europe without borders, and enrich it by doing so. Many of us can remember the times when the long queues of people at the borders were a regular sight. Recently we were unfortunately reminded of that again, and we are quite clear about that: we do not want to experience it again. Surveying your work, one can at once surmise that you yourself are also a “Grenz-über-Gängerin” – that is, someone who is passing through borders. The focus of your life has moved from Zagreb to Germany and back, again and again. Thanks to this fact, in the course of two decades, you have established close connections in both countries and art-scenes. My personal feeling is that, passing those borders, even when they made your life sometimes very difficult, inspired and enriched you as artist. And you have turned into a real traveller between Croatia and Germany and feel at home in both countries, being an appreciated and acknowledged artist and person. In this sense, one can see you as an example for the friendship which surpasses borders, and you confirm the thesis that human and cultural exchange enriches both sides, bringing us forward, and opening new perspectives and horizons.

(Grußwort bei der Ausstellungseröffnung in der Galerie “Prsten”, Zagreb, am 8. September, 2016.)

(Speech at the opening of the retrospective “Kružni tok / Roundabout” in the "Prsten" Gallery in Zagreb, 8th September, 2016.) 93

Moje putovanje u Byblos započelo je u vlaku na relaciji Zagreb – Bedekovčina, na putu za tvornicu opeke ”Zagorka” u kojoj sam, poput još nekoliko umjetnica i umjetnika iz Zagreba, imala priliku raditi svoje skulpture. Ta je tvornica izgrađena prije više od 100 godina i u to je vrijeme bila jedna od najznačajnijih tvornica te vrste na prostoru Srednje Europe. Od tog se vremena u tvornici nije mnogo toga promijenilo. Tehnologija je uglavnom ostala ista: neobična mješavina industrijskog i manufakturnog načina proizvodnje - a s njome i ljudi – način na koji rade, misle, sjede, govore, jedu. Tvornica je sve više tonula u povijest, da bi dosegla točku u kojoj nadilazi svaki pojam o vremenu. Vrijeme se tamo raspolovilo. Vanjski je svijet u međuvremenu zahvatila luđačka akceleracija vremena. Skladište tvornice uvijek me ponovno zbunjivalo i inspiriralo – kao nešto između arheološkog nalazišta i suvremene umjetničke instalacije kolektivno anonimnog umjetnika/graditelja. U tom skladištu, u toj simultanosti vremena i svjetova, i prije svega – bogatstvu formi – maštala sam o Byblosu, prema predaji najstarijem gradu na Mediteranu koji je izgradio sam bog Kronos. U halama u kojima sam radila nalaze se police s pečatima na kojima su otisnuti brojevi i slova – poput fragmenata šifriranih poruka iz svijeta koji treba dešifrirati, koji je tu, ali kojega ipak više nema. Anita Kontrec, predgovor kataloga ”Recall Byblos“, 1993.

Meine Reise nach Byblos begann im Zug auf der Strecke von Zagreb zur Ziegelei ”Zagorka” in Bedekovčina, ein Städchen etwa 50 Kilometer von Zagreb entfernt, wo ich, zusammen mit einigen Künstler//Innen, die Möglichkeit hatte, an meinen Skulpturen zu arbeiten. Die Fabrik wurde von mehr als hundert Jahren errichtet und war zu jener Zeit eine der bedeutesten Fabriken dieser Art im mitteleuropäischen Raum. Seitdem hat sich in der Fabrik nicht viel verändert - die Technologie ist mehr oder minder die gleiche geblieben: eine merkwürdige Mischung aus industrieller und Manufakturproduktion. Das Fabriklager verwirrte und inspirierte mich immer wieder aufs Neue - ein Mittelding zwischen archäologischer Fundstelle und zeitgenössischer künstlerischer Installation eines kollektiven, anonymen Künstlers/Erbauers. In diesem Lager, in dieser Gleichzeitigkeit der Welten und vor allem Reichtum der Formen, träumte ich von Byblos, der, nach der Überlieferung, ältesten Stadt am Mittelmeer, die von Gott Chronos selbst errichet worden war. In den Hallen, wo ich arbeitete, stehen Regale mit Stempeln aus Ziffern und Buchstaben wie Fragmente verschlüsselter Botschaften, aus einer Welt, die vorhanden ist, aber dennoch nicht mehr existiert. Anita Kontrec, Katalog Recall Byblos, 1993

Recall Byblos - “Kuće sjećanja”, 1993. drvo, gips; ca. 700 ×300 ×150 cm Ludwig Forum für internationale Kunst, Aachen Recall Byblos - “Houses of Memory”, 1993 wood, plaster, ca. 700×300×150 cm Ludwig Forum für internationale Kunst, Aachen

My journey to Byblos started on the train from Zagreb to Bedekovčina, on my way to the Zagorka brick factory where, with several other artists, I was given the opportunity of working on fireclay sculptures. The factory was built over a hundred years ago. At that time it was one of the leading brick and ceramic factories in Central Europe. The factory itself had not changed much since those days. The technology had remained more or less the same: a rare combination of industry and manufacture. The factory warehouse has always confused and inspired me anew: it was something between an archeological site and a contemporary art installation of the collective anonymous artist. In this warehouse with its simultaneity of times and worlds and above all – with its versatility of forms – I dreamed of Byblos which is – allegedly the oldest Mediterranean city, created by the god Chronos himself. In the production halls where I was working there were shelves with seals containing numbers and letters. These reminded me of coded fragments coming from a world which must be decoded: a world which is here, yet no longer exists. Anita Kontrec, catalogue Recall Byblos 1993

Pozivam vas na “plovidbu novu” u podrum. Kada ističem podrum kao izložbeni prostor, ne mislim toliko na prostor ratnog refugiuma, premda izložba Recall Byblos nije lišena tih tjeskobnih konotacija, koliko na činjenicu da je njezino prvo uprizorenje imalo mjesto u podrumskim prostorijama bivše tvornice kišobrana, koja je voljom obitelji Ludwig u Aachenu adaptirana u vrlo utjecajni i renomirani kulturni “Forum”. Feničani nas dočekuju na izložbi u liku ženske božice Tanit, koju je za tu prigodu izradio Petar Barišić, a već svojim geometrijskim oblicima podsjeća na prapočetke kulture koja nam je dala 22 praslova iz kojih je izveden grčki alfa-bet, a zatim i latinska a-be-ce-da, da bi se u “Gutenbergovoj galaksiji” širila putem one, za nas znamenite “kutije olovnih slova” kao jedine utjehe rezigniranom Krleži, sve do kompjutorske ere koja se ne koristi smo arapskim računskim znakovima nego i onim feničanskim izumom prijenosa priopćenja preko pločica, a da nismo daleko odmaknuli od vremena kada se rušila Kartaga. Feničani su, dakako, na ovoj izložbi velika ali ipak metonimija, pars pro toto za sve kulture koje su oplodile čovječanstvo da bi zatim nestale, ostavljajući za sobom 22 slova što i nije tako malo, ako uzmemo u obzir da se upravo s polazištem u tim slovima dade ispisati jedan tekst na bezbroj suvremenih jezika, kako nas na svojim keramičkim pločicama uči Gunter Demning odajući svoj hommage jednakosti ljudi, rođenih s razumom i savješću kao pretpostavkama njihovu bratimljenju. Ali – feničanska je metonimija slojevitija od navedenog značenja. Poziva nas na pamćenje nestalih gradova kao civilizacijskih središta. Da je grad struktura koja nastaje pomoću smišljenog koda, podsjeća nas ponovno Anita Kontrec, izlažući naslage numeriranih pločica iz zagorske Bedekovčine, koje sadrže nama tajne. a graditeljima vrlo određene poruke o tome kamo koja opeka ide, pa je bez brojki i bez slova grad kao struktura nezamisliv.

Pozivam vas na plovidbu u podrum dr. Aleksandar Flaker Uostalom, povijest nas uči kako Feničani nisu svoju moć gradili na imperijalnoj vlasti, nego na trgovačkim računicama: nisu bili zabavljeni raspodjelom teritorija, već je njima umijeće priopćavanja služilo povezivanju faktorija: osvajali su prostore pismenima, brodicama i galijama koje nisu bile “carske”. Tek njihovi punski nasljednici krenuli su na slonovima preko Alpa: znamo kako je taj pohod završio. Byblos je ime jednog feničanskog grada iz kojega je potekao papirus, tadašnja građa za pismeno priopćavanje; od biblosa nas vodi put prema Bibliji kao (jedinstvenoj) knjizi i prema biblioteci kao u pismu sačuvanom pamćenju čovječanstva. Usporedo pak s bibliotekom i na ovoj izložbi stoji riznica, koju su također poznavali Feničani, na što nas podsjećaju Kožarićevi izlošci – od građe koja znači neuništivost (pohranjene) materije. Dakako, kolega Radovan Ivančević ima pravo: u ovoj izložbi ima igre. Međutim ta se igra temelji na asocijativnom nizu koji podrazumijeva (znanstvena) znanja koja nisu drugo nego pamćenje čovječanstva, poznavanje književnosti kao (nekoć) vodeće umjetnosti, a ništa manje poznavanje materijala od kojega se stvaraju (likovne) umjetnine. Igra je ovdje umjetnička, a to znači primanje umjetničkih poruka do kojih se gledatelj i čitatelj mora probiti i iz niza poruka koje zapljuskuju njegovu korabljicu odabrati onu pravu, koja ne mora biti u skladu s onim što je “umjetnik htio reći”. Poruku nam šalje podrumski prostor i Gudčeva “Postmoderna”, sažeta u natpisu “Sklonište”. Stoga valja upozoriti na još jedno: Anita Kontrec i Robert Pinsdorf, kao idejni začetnici izložbe, organizirane u suradnji umjetnika iz Zagreba i Kölna, izložbe koja se uklapa u težnje suvremene europske umjetnosti, bili su jamačno svjesni još jednoga mogućeg značenja takve izložbe. Hrvati su 1991., pri svojem prvom pokušaju da potvrde svoj “europejski” značaj, ne svojom voljom, nego nasiljem agresora stjerani u – podrume. Ova europske nacija već treću godinu živi u podrumima. Pa je upravo ova izložba, premda ponovno smještena u podrum, ujedno i izlazak iz hrvatskog podruma u europsku umjetničku ravnopravnost i “bratimljenje” utemeljeno na razumu i savjesti. Ne, ovo nije krik da nam se pritekne u pomoć i izvuče nas iz podruma odlučno i konačno, ovo je samo želja i nastojanje da se intelektualno, a po tome i umjetnički, povezujemo s opće europskim znakovnim sustavom na djelu, da budemo nazočni, intelektualno, umjetnički i moralno u Europi, ne samo radi promicanja naših interesa i stvaranja povoljnije slike o nama, već radi nas samih – naše europske opstojnosti, naših pločica, naših korabljica, naših gradova, knjižnica i riznica. (dijelovi govora na otvaranju izložbe, Recall Byblos, Zagreb, 1993.) 98

Ich lade Sie ein zur “Neuen Seefahrt” in den Keller. Wenn ich die Betonung auf den Keller als Ausstellungsraum setze, denke ich nicht so sehr an ein Refugium aus der Kriegszeit, obwohl die Ausstellung Recall Byblos nicht ganz frei ist von diesen bedrückenden Konnotationen, sondern vielmehr an die Tatsache, dass sie mit einer Erstveranstaltung in den Kellerräumen der ehemaligen Regenschirmfabrik begann, die nach dem Willen der Familie Ludwig in Aachen zu einem äußerst einflussreichen und renommierten kulturellem “Forum” umgebaut wurde. Auf der Ausstellung werden wir von Phöniziern in Gestalt der Göttin Tanit willkommen geheißen, zu diesem Anlass von Petar Barišić geschaffen, die bereits mit ihren geometrischen Formen die Uranfänge jener Kultur ins Gedächtnis ruft, die uns 22 Urbuchstaben bescherte, von denen das griechische “Alphabetos” und danach das lateinische Alphabet abgeleitet wurde, um sich in der “GutenbergGalaxis” wie der bei uns berühmte Setzkasten für den Bleisatz als einziger Trost für den resignierten Krleža auszubreiten, bis hin zur Computerära, die sich nicht nur der arabischen Rechenzeichen bedient, sondern auch von der phönizischen Erfindung der Übertragung von Mitteilungen über Tafeln Gebrauch macht, wobei wir uns nicht besonders stark von der Zeit der Zerstörung Karthagos abgesetzt haben. Die Phönizier sind auf dieser Ausstellung natürlich eine große, aber dennoch eine Metonymie, das Pars pro toto für alle Kulturen, die die Menschheit bereicherten und daraufhin untergingen, die 22 Buchstaben zurückließen, was ja nicht gerade wenig ist, wenn wir in Betracht ziehen, dass sich gerade auf der Grundlage dieser Buchstaben ein Text in einer Unzahl moderner Sprachen verfassen lässt, wie uns Gunter Demning mit seinen Keramiktafeln vor Augen führt

Die Botschaft wird uns durch den Kellerraum vermittelt, wie auch durch die “Postmoderne” von Gudac, auf den Punkt gebracht mit der Aufschrift “Zufluchtsort”. Deswegen gilt es, auf noch eine Sache aufmerksam zu machen: Anita Kontrec und Robert Pinsdorf als Impulsgeber der in Zusammenarbeit mit Künstlern aus Zagreb und Köln veranstalteten Ausstellung, der Ausstellung, die sich in die Bestrebungen der zeitgenössischen europäischen Kunst einfügt, waren sich ganz gewiss der weiteren möglichen Bedeutung einer solchen Ausstellung bewusst. Die Kroaten wurden 1991, bei ihrem ersten Versuch, ihren “europäischen” Stellenwert zu belegen, nicht durch ihren eigenen Willen, sondern durch die Gewalt des Aggressors, in die Keller getrieben. Diese europäische Nation lebt bereits das dritte Jahr in Kellern. Und so ist gerade diese Ausstellung, obwohl wieder einmal im Keller veranstaltet, gleichermaßen auch ein Ausstieg aus dem Keller, hin zu einer europäischen künstlerischen Gleichberechtigung und zu einer auf Verstand und Gewissen beruhenden “Verbrüderung”. Nein, dies ist kein Hilfeschrei, dass man uns zu Hilfe eilen und uns entschlossen und endgültig aus den Kellern befreien möge, dies ist nur der Wunsch und das Bestreben, dass wir uns intellektuell und demnach auch künstlerisch mit dem in Europa geltenden Zeichensystem verbinden, dass wir intellektuell, künstlerisch und moralisch in Europa anwesend sind, nicht nur wegen der Förderung unserer Interessen und der Schaffung eines vorteilhafteren Erscheinungsbildes, sondern wegen uns selbst – wegen unseres Fortbestands in Europa, unserer Tafeln, unserer Archen, unserer Städte, Bibliotheken und Schatzkammern.

Ich lade Sie ein zur Seefahrt in den Keller

I Invite You to the Journey in the Cellar

Dr. Aleksandar Flaker

und damit eine Hommage an die Gleichheit der Menschen schafft, die mit Verstand und Gewissen als Voraussetzung für ihre Verbrüderung geboren wurden. Aber die phönizische Metonymie ist vielschichtiger als die angeführte Bedeutung. Sie ruft uns auf, verschwundene Städte als Zentren der Zivilisation in Erinnerung zu behalten. Dass die Stadt eine Struktur ist, die mittels eines ausgedachten Codes entsteht, daran erinnert uns auch erneut Anita Kontrec, indem sie Anlagerungen nummerierter Platten aus Bedekovčina in der Region des Zagorje ausstellt, die Geheimnisse für uns bergen, Bauherren jedoch sehr spezifische Auskünfte darüber vermitteln, wohin welcher Backstein geht, und so ist die Stadt als Struktur ohne Zahlen und Buchstaben undenkbar. Im übrigen lehrt uns die Geschichte, dass die Phönizier ihre Macht nicht auf imperialer Herrschaft begründeten, sondern auf kaufmännischen Berechnungen: sie befassten sich nicht mit der Aufteilung von Territorien, sondern gebrauchten ihre Mitteilungsfähigkeiten zur Verbindung von Faktorien: Sie eroberten Räume mit Schriften, Schiffen und Galeeren, die nicht “kaiserlicher” Herkunft waren. Erst ihre punischen Nachfolger machten sich auf zur Überquerung der Alpen auf Elefanten; wie dieser Feldzug endete, das ist uns ja bekannt. Byblos ist der Name der phönizischen Stadt, die als Herkunftsort des damaligen Beschreibstoffes Papyrus gilt; von Byblos aus führt uns der Weg zur Bibel als dem (einzigartigem) Buch und zur Bibliothek als dem in Schriftform festgehaltenen Gedächtnis der Menschheit. Parallel zu der Bibliothek steht auch bei dieser Ausstellung die Schatzkammer, die den Phöniziern ebenfalls bekannt war, wie uns die Ausstellungsstücke von Kožarić in Erinnerung bringen – aus dem Baumaterial, das die Unzerstörbarkeit der (verwahrten) Materie bedeutet. Der Kollege Radovan Ivančević hat natürlich Recht: in dieser Ausstellung ist ein Spiel vorhanden. Doch dieses Spiel beruht auf einer assoziativen Reihe, die (wissenschaftliche) Kenntnisse voraussetzt, die nichts anderes sind als das Gedächtnis der Menschheit, Kenntnisse über die Literatur als der (einst) vorherrschenden Kunstform, und in nicht geringerem Maße auch Kenntnisse über das Material, aus dem (bildende) Kunstwerke geschaffen werden. Das Spiel ist hier ein Spiel der Kunst, und dies bedeutet die Entgegennahme künstlerischer Botschaften, zu denen der Betrachter und Leser durch eine ganze Reihe von Botschaften durchdringen muss, die seine Arche umströmen, und unter denen er die wahre Botschaft auswählen muss, die nicht unbedingt mit dem in Einklang steht, “was der Künstler sagen wollte”.

In this exhibition the Phoenitians are welcoming us in the form of godess Tanit, made for this project by croatian sculptor Petar Barišić. By its geometric form this sculpture reminds us of the very origins of the culture which gave us 22 letters. Greek aplha-beth was derived from these signs; later followed latin a-b-c-d system; in the era of the Gutenberg Gallaxy these signs are being spread by means of the famous “box of lead letters”, all the way to the computer era which is using not only arabic numbers but also applying the phoenitian discovery of transmitting messages by using “script plates”. In this exhibition the Phoenitians are a big metonimy, pars pro toto, standing for all cultures which have made great contribution to mankind and than disappeared. Phoenitians have left us 22 letters which is quite a big contribution when we think of the fact that it has provided basis for writing texts in numerous contemporary languages. This is what german artist Gunter Demnig has shown in this exhibition on his ceramic files inscribing his Homage to the equality of people born with instrinstic reason and consciousness as basis for brotherhood of men. But the phoenitian metonimy has some additional layers of meaning. It invites us to recall vanished cities which used to be centers of civilisation. By exhibiting layers of seals with numerical codes from the brick factory in Bedekovčina near Zagreb (codes which contain for us secret, but for constructors of the cities very precise messages where each brick belongs) Anita Kontrec reminds us of the fact that the city as structure is not possible without the alfa-numerical system. Cellar as exhibition space is a message itself, emphasised in this exhibition by work of Vladimir Gudac called “Postmoderna”. It is depicting the sign for shelters. By the first attempt to confirm their “european” character, Croatian people were forced by military power of Yugoslav army to retreat to cellars. Although Recall Byblos is one more exhibition which is taking place in the cellar, it stands at the same time for the exit from the croatian cellar. It takes us to european artistic equality and “brotherhood” based on reason and consciousness. It is by no means a scream for help to get us out of the cellar for once and for all. This exhibition stands for the wish and intention to be connected to the general european cultural codes on intellectual and artistic level, to be present in Europe intelectually and morally not only because of promoting our own interests and creating a more favourable image of ourselves. We want to do that because of our own croatian cultural identity.

(Eröffnungsrede zu der Ausstellung Recall Byblos, Zagreb, 1993)

(from the opening speech of the exhibition Recall Byblos, Zagreb, 1993) 99

“Kuće sjećanja”, 1993. drvo, gips Klovićevi dvori, Zagreb; Köln, atelje “Houses of Memory”, 1993 wood, plaster Klovićevi dvori, Zagreb; studio, Cologne

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Detalj retrospektivne izložbe Kružni tok u Galeriji Prsten, Zagreb, 2016. Detail of retrospective exhibition Kružni tok/ Roundabout in Prsten Gallery, Zagreb, 2016

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“Baustelle Byblos”, 1993./2016. kombinirana tehnika; promjenjive dimenzije “Baustelle Byblos”, 1993/2016 mixed media; variable dimension

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“Kuća Života”, 2016. instalacija, kombinirana tehnika; promjenjive dimenzije “House of Life”, 2016 installation, mixed media; variable dimension 107

“Hram”, 1993. bronca; v. 10-15 cm “Temple”, 1993 bronze; h. 10-15 cm

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“Vrata Sunca”, 1993. bronca; v. 10 cm “Sun Gate”, 1993 bronze; h. 10 cm

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“Anita Kontrec zna kako se velike dimenzije mogu prenijeti na manje forme, ili - drugim riječima: postići da skulpture manjih dimenzija djeluju monumentalno.”

“Anita Kontrec versteht es, größere Dimensionen auf kleinere Skulpturen zu übertragen, oder anders gesagt, auch kleiner dimensionierte, monumental erscheinen zu lassen.”

“Anita Kontrec knows how to transpose big dimensions to smaller forms; in other words: achieve that sculptures of small dimensions appear monumental.”

Dr. Gerhard Kolberg, 1992.

Dr. Gerhard Kolberg, 1992

“Vrata Sunca”, 2004. čelik, pozlata; 240×80×40 cm Schlosshotel, Lerbach, Bergisch Gladbach “Sun Gate”, 2004 steel, leaf gold; 240×80×40 cm Schlosshotel, Lerbach, Bergisch Gladbach

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“Free Soul”, aluminij, impala, 240x40x40; Koeln, Skulptur Draussen, 2000 str. 99 - uzeti fotku tri skulpture sa str. 97 - “Kailash”, “Zenith” “Trishul”, bonca, travertin, ca. 220 cm, dvorac Lerbach, Bergisch Gladbach

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str./pp 112-113 “Slobodna Duša”, 2004. aluminij, kamen; 220×30×30 cm “Free Soul”, 2004 aluminium, stone; 220×30×30 cm

“Kailash”, 2004. bronca, kamen; 220×35×35 cm “Kailash”, 2004 bronze, stone; 220×35×35 cm

“Kailash”, “Zenith”, “Trishul”, 2004. bronca, kamen; v. ca 220 cm “Kailash”, “Zenith”, “Trishul”, 2004 bronze, stone; h. 220 cm

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Boja, energija, svjetlost – dodiri slikarstva i kiparstva farbe, energie, licht

– berührungspunkte von malerei und skulptur / colour, energy, light – touching point of painting and sculpture

”Za boju nemam riječi - boja je jača od jezika. Ona je izraz duše, govor emocije i izmiče svakom opisu. U prirodi nema ničega što je bez boje… Zbog toga je boja za mene sinonim za život: životnu energiju i životnu radost.” Anita Kontrec

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”Für Farbe finde ich keine Wörter Farbe ist stärker als Sprache. Sie ist Ausdruck der Seele, die Sprache der Gefühle und entschlüpft jeder Beschreibung. In der Natur gibt es Nichts was farb-los ist… Deshalb ist die Farbe für mich das Synonym für das Leben: Lebenskraft und Lebensfreude.” Anita Kontrec

”I have no words for colour – colour is stronger than language. It is the expression of the soul, the language of emotions and it evades any description. In nature there is no-thing which is not coloured… That is why for me colour stands as a synonym for life life energy and the joy of life.” Anita Kontrec

“Putovanje po Indiji I”, 2004. poliester, pigmenti; 100×60×8 cm “Indian Journey I”, 2004. synthetic resin, pigments; 100×60×8 cm 118

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“Paradise Landscape”, 2006. instalacija, poliester s pigmentima; 260×120×8 cm “Paradise Landscape”, 2006 installation, synthetic resin, pigments; 260×120×8 cm

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“Stripes - Horizonti”, 2010. instalacija, poliester, pigmenti; 100×50×3 cm (5 dijelova) “Stripes - Horizons”, 2010 installation, synthetic resin; 100×50×3 cm (5 pieces)

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“Kvadrat I”, “Kvadrat II”, 2008. poliester, pigmenti; 100×100×8 cm “Square I”, “Square II”, 2008 synthetic resin, pigments; 100×100×8 cm

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“Magenta - Orange”, 2016. poliester, pigmenti, neon; 100×240×4 cm “Magenta - Orange”, 2016 synthetic resin, pigments, neon; 100×240×4 cm

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“Elementi”, 2004./2016. poliester, pigmenti, neon; 100×700×20 cm “Elements”, 2004/2016 synthetic resin, pigments, neon;100×700×20 cm

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“Krajolik”, 2008. poliester s pigmentima; 100×60×8 cm “Landscape”, 2008. synthetic resin, pigments, 100×60×8 cm

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“Vrtne slike”, 2006. poliester s pigmentima; 3× (100×60×8 cm) “Garden Pictures”, 2006 synthetic resin; 3× (100×60×8 cm)

“Rajski vrt - Palmižana”, 2012. poliester s pigmentima; 200x100 cm “Paradise Garden - Palmižana”, 2012 synthetic resin with pigments; 200×100 cm

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“Elementi”, 2004. poliester s pigmentima; 340×220×20 cm Alexa.Jansen.Galerie, Köln “Elements”, 2004 synthetic resin with pigments; 340×220×20 cm Alexa.Jansen.Galerie, Cologne

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“Farb Stelen - Stupovi boje”, 2004. poliester s pigmentima; v. 240 cm Gallery Art Felchlin, Skulpturenpark Schwyz, Švicarska “Farb Stelen - Towers of Colour”, 2004 synthetic resin with pigments; h. 240 cm Gallery Art Felchlin, Skulpturenpark Schwyz, Swiss

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Anita Kontrec dugo se vremena koncentrirala na izražavanje ljudskog iskustva putem jezika, skulpture i arhitekture. Sada izražava iskustva koja se ne mogu obuhvatiti jezikom ili uobličiti u konkretne predmete. Ono neizrecivo sada se u njezinim radovima pokazuje u snažnom zračenju boja. “Ponekad čovjek mora učiniti nešto što je potpuno drugačije od svega što je do tada radio”, kaže Anita Kontrec – da bi onda utvrdio kako to ipak i nije tako bitno drugačije. To je doduše na tragu svega što je do tada učinjeno – ali je drugačije. Riječ je o slikama-objektima i skulpturama intenzivnih boja na kojima umjetnica radi posljednjih godina. Kao slikarica i kiparica koristi snagu boja – bez obzira radilo se o impulzivnim krajolicima Vincenta van Gogha ili koncentriranim plohama boje Barnetta Newmanna ili Marka Rothka. No tu je spoznaju važno uvijek iznova oživljavati – i za sebe i za druge. U svojim najnovijim radovima Anita Kontrec odlučila je ljude izravno suočavati s blještavim sjajem boja oslobođenima od kakvog bilo konkretnog motiva ili naracije. Njoj je poznato da u dodiru s bojom značenja nastaju sama od sebe – bilo to svjesno ili nesvjesno. Boje djeluju na našu dušu – do te je spoznaje vrlo jednostavno doći: plava boja djeluje na nas drugačije, nego crvena ili žuta. Svaka boja ima svoj vlastiti karakter, no njezino je djelovanje ipak individualno – ovisi o iskustvima i sklonostima svakog čovjeka još od najranije dobi. Način na koji doživljavamo boje isto je tako priča za sebe – svatko ima svoje najdraže boje, boje koje nešto

Odnos boje i energije: boje nikoga ne ostavljaju ravnodušnima Jürgen Kisters signaliziraju ili koje djeluju umirujuće. No jedno je potpuno jasno – boje nikoga ne ostavljaju ravnodušnim! Boje su elementarni jezik i one djeluju na cijelo tijelo. Čini se da je djelovanje boja nešto što se u našoj duši samo po sebi razumije i što se zadržalo tijekom cijele ljudske povijesti. Anita Kontrec želi iskoristiti snagu sjajne čarolije boja i unijeti ih u prostore suvremene arhitekture u kojima je boja često potpuno potisnuta ili u kojima prevladavaju tmurne boje. Za ovu su umjetnicu boje arhetipski element. Anita Kontrec oduvijek se zanimala za kulturne arhetipe koje psihoanalitičar Carl Gustav Jung opisuje kao praslike ljudskih predodžbi koje su se zadržale u našoj kolektivnoj podsvijesti. Ljudi kao individue prolaznog su vijeka, no arhetipski su elementi neuništivi. To je poznato Aniti Kontrec, slikarici i kiparici koja je studirala jezik i etnologiju, no do sada je te arhetipe izražavala pretežno koristeći osnovne oblike arhitekture, skulpture i strukturu jezika. Oko prvo percipira boje, tek onda oblik – vjeruje Anita Kontrec. Zbog toga je na njezinim slikama-objektima boja u prvom planu. Za svoje slike ne koristi platno, jer kao kiparici koja se gotovo dva desetljeća bavi kiparstvom, tj. volumenom i strukturama, za njezin umjetnički temperament, platnu nedostaje dimenzija prostora. Isto tako nije htjela koristiti minimalističko-konceptualne obojene plohe, čija je materijalnost isuviše jednodimenzionalna. Tako je svoj koncept rada s bojom najprije izražavala u obliku skulptura/stela od poliestera koje se može slobodno razmještati u otvorene ili zatvorene prostore i na taj ih način transformirati. Odsutnost boje u suvremenoj arhitekturi kod mnogih ljudi često izaziva tmurno raspoloženje. Svojim se skulpturama Anita Kontrec suprotstavlja toj turobnosti i neživotnosti prostora. Sljedeći korak bio je rad na trodimenzionalnim slikama-objektima od poliestera. U vrlo zahtjevnom tehnološkom postupku, koji se mora odvijati u brzom ritmu, nanosi brojne slojeve mase pomiješane s visoko kvalitetnim pigmentima, a svaki naneseni sloj, kad se stvrdne, iznova se brusi sve dok ne dobije konačnu glatku opnu i željenu strukturu slike-objekta. Tako nastaju treperave, glazirane voluminozne plohe koje zrače energiju boja u prostor. Aniti Kontrec je bitno da su njezine slike-objekti trodimenzionalna tijela koja s prostorom, kao i sa svima koji se u njemu zatiču, ostvaruju dinamičan, ujedno i kontemplativan dijalog. 138

Hatte Anita Kontrec sich lange vorwiegend auf den durch Sprache, Gegenstän-

For a long time Anita Kontrec has been concentrating on expressing experi-

de und Architektur vermittelten Bereich der menschlichen Erfahrung konzen-

ences by means of language, sculpture and architecture. Now she is reaching

triert, sind es jetzt die Erfahrungen jenseits der Sprache und der konkret Greif-

for the unfathomable - experiences which cannot be expressed by language

baren Gegenstände. Das Unaussprechliche, es zeigt sich: zum Beispiel in einem

or be given a concrete material form, by means of a powerful radiance of

kraftvoll farbigen Leuchten.

colours.

“Manchmal muss man in seiner Kunst etwas ganz anderes machen als alles,

In her recent work, Anita Kontrec confronts her audience with a luminous

was man bisher gemacht hat,” sagt Anita Kontrec. Um dann wiederum fest-

raidance of colour, free from any concrete motif or narration. She knows that

zustellen, dass es so ganz anders doch nicht ist. Irgendwie ist es in der Spur

when we get in touch with colour, the meaning is constituted by itself – either

des Bisherigen, nur eben anders. Gemeint sind die farbleuchtenden Bildob-

consciously or sub-consciously. Colours affect the soul – it is a very common

jekte und Skulpturen, die sie im letzten Jahr entwickelt hat. Ganz aus der

experience: blue touches us in a different way than red or yellow. Each colour

Kraft leuchtender Farben heraus und der Einsicht, dass Farbe immer eine be-

has its own character, but the effect of it is nevertheless individual.

lebende Wirkung hat. Selbstverständlich ist diese Einsicht nicht neu, schließ-

But one thing is quite clear: colours never leave you unaffected.

lich beruht die Wirkung vieler Bilder seit der künstlerischen Moderne auf

Colours are as elemental as language and they influence our whole body.

ihrer fast schreienden Farbkraft, gleichgültig ob es sich um die impulsiven

Anita Kontrec works to unlock this shining magic. She introduces colour

Landschaftsszenerien Vincent van Goghs oder die konzentrierten Farbfelder

to contemporary architecture where colour is often completely suppressed

Barnett Newmanns oder Mark Rothkos handelt. Manchmal muss man diese

or dominated by sterile dark colours. For her, colours are archetypes and

bekannten Ansätze einfach auffrischen, für sich selbst und für andere.

she has always been interested in cultural archetypes in particular, which

Anita Kntrec hat in ihre neuesten Arbeiten beschlossen, die Menschen di-

psychoanalyst Carl Gustav Jung describes as primordial human images in-

rekt und unvermittelt mit dem Leuchten kraftvoller Farben zu konfrontie-

scribed in our collective subconsciousness. Anita Kontrec, besides being a

ren. Losgelöst von jedem konkreten Bildmotiv und jeder erzählerischen (Be-)

painter and sculptor, studied language and ethnology/cultural anthropology,

Über Farbe und Energie: Farben lassen niemanden gleichgültig Jürgen Kisters Deutung. Allerdings wohl wissend, dass sich beim Blick auf Farben immer (Be-)Deutungen einstellen, bewusst oder unbewusst. Farben behandeln Seelisches, heißt die einfache (Er-)Kenntnis, die davon ausgeht, dass ein Blau eine andere Wirkung schafft als ein Rot oder ein Gelb. Jede Farbe hat ihren eigenen Charakter, doch es hängt auch vom einzelnen Menschen ab, seinen Vorlieben und Abneigungen, seinen Erfahrungen von Kindesbeinen an. Auch die Farberfahrung hat eine Geschichte. Kein Zweifel, es gibt Lieblingsfarben, so wie es Signalfarben und besänftigende Farben gibt. Doch eines steht in jedem Fall fest: Farben lassen niemanden gleichgültig. Die Farben sind eine elementare Sprache und ihre Wirkung ist ganz körperlich. Die Berührung durch die Farbe geschieht unmerklich oder als überwältigende Irritation, wie ein sanfter Hauch oder als greller Augenhieb. Die Wirksamkeit der Farben, so scheint es, ist eine Selbstverständlichkeit in unserem Seelischen, die sich durch alle kulturellen Veränderungen hindurch über Jahrtausende erhalten hat. Anita Kontrec will die Kraft des strahlenden Naturzaubers in die tristen Innenräume der Kultur/Architektur hineinbringen, indem sie diesen im Kunstwerk inszeniert. Nicht als Abbildung, sondern als Entsprechung. Nicht als Reiz-Reaktions-Schema, sondern als listige Verführung. Ihr Anliegen besteht darin, ein zwingendes Energiefeld zu schaffen, dessen leuchtende Schwingungen den bestehenden Raum von Grund auf verwandeln. Die Farben sind für die Künstlerin ein archetypisches Element. Und für kulturelle Archetypen, die der Psychoanalytiker Carl Gustav Jung als im kollektiven Unbewussten enthaltene Urbilder menschlicher Vorstellungsmuster beschrieb, hat sie sich in ihrer künstlerischen Arbeit schon immer interessiert. “Menschen sind vergänglich, archetypische Elemente sind unzerstörbar,” weiß sie. Allerdings waren es bislang vor allem architektonische Grundformen, gegenständliche Zeichen und das Strukturfeld der menschlichen Sprache, mit denen die studierte Anthropologin, Malerin und Bildhauerin bildnerisch beschäftigte.

About Colour and Energy: Colours never leave you unaffected Jürgen Kisters and is therefore well-versed in this topic. She galvanizes these archetypes by using the basic forms of architecture, sculpture, and the structures of language. Anita Kontrec believes that we first perceive colour and only then shape. This is why she foregrounds colour in her picture-objects. She does not use canvas for her painting because for her and her artistic temperament (as a sculptor who has worked on sculpture for over two decades – meaning work on the volume and structures of material) canvas lacks the dimension of space. Her picture objects are made of synthetic resin, which is a very demanding and sensitive material and technology. She mixes high quality pigments directly with many layers of synthetic resin. She polishes the hardened surface of her objects many times until she gets the right texture, colour, and surface quality. The result are vibrant, multi-layered voluminous objects which radiate the energy of colours into space. For Anita Kontrec, it is essential that her “picture objects” are three dimensional bodies of colour which establish a dynamic and at the same time contemplative dialogue with people and the space itself.

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“Tri sveca”, 2005. poliester s pigmentima; 180×120×8 cm

“Prsten I”, Prsten II”, 2006. poliester s pigmentima, 200×100×8 cm

“Tree Saints”, 2005 synthetic resin; 180×120×8 cm

“Ring I”, “Ring II”, 2006 synthetic resin, 200×100×8 cm

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“Sedmi dio neba”, 2006. poliester s pigmentima; 380×180×8 cm “Seventh Level of Heavens”, 2006 synthetic resin, pigments; 380×180×8 cm 143

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Detalj retrospektivne izložbe Kružni tok u Galeriji Prsten, Zagreb, 2016. Detail of retrospective exhibition Kružni tok/Roundabout in Prsten Gallery, Zagreb, 2016

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“Prozori”, 2006. instalacija, poliester s pigmentima; 4× (240×60×8cm), 4× (80×80×8cm) “Windows”, 2006 installation, synthetic resin; 4× (240×60×8cm), 4× (80×80×8cm)

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kalligraphische landschaften

calligraphic landscapes

”U proljeće, najljepša je zora. Dok svjetlost mili brežuljcima njihovi su obrisi obojeni blijedim rumenilom i po njima se vuče pramenje grimiznog oblaka. Ljeti, to su noći. Ne samo za mjesečine, već i za tame kad noću krijesnice svjetlucaju, pa i kad kiši, o kako je lijepo!” ... Sei Shonagon: "Zapisci pod uzglavljem" (prevela s engleskog Anita Kontrec, SNL, 1987.)

”In spring it is the dawn that is most beautiful. As the light creeps over the hills, their outlines are dyed a faint red and wisps of purplish cloud trail over them. In summer the nights. Not only when the moon shines, but on dark nights too, as the fireflies flit to and fro, and even when it rains, how beautiful it is!” ... "The Pillow Book of Sei Shonagon", translated and edited by Ivan Morris, Columbia University Press

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Poetski objekti iz ciklusa Kaligrafski krajolici – Hommage à Sei Shōnagon nadahnuti su romanom Pillow Book – Zapisci pod uzglavljem glasovite japanske književnice Sei Shōnagon. Ta je dvorska dama osebujnog duha prije više od tisuću godina u svojim dnevničkim zapiscima na lirski istančan način opisivala prirodu, kao i život na dvoru u tadašnjoj prijestolnici Kyotu. Njezini tekstovi odišu poetskom elegancijom, natopljeni su profinjenim erotskim fluidom te oštroumnim i duhovitim zapažanjima. Prevodeći ovaj roman (s engleskog jezika, izdanje Sveučilišne naklade Liber SNL, Zagreb, 1987.) pred mojim su se unutarnjim očima nizale slike koje su me potakle da doživljeno izrazim likovnim jezikom. Zapisci pod uzglavljem pripadaju književnom žanru zuihitsu, što u prijevodu znači ”zapisi što slijede kist”. Moji su crteži poetski objekti koji slijede riječ – tako se japansko slikovno pismo Sei Shōnagon pretvorilo u moje pismovne slike /Schriftbilder/. Crteži iz ciklusa Kaligrafski krajolici nastaju zamasima, slobodnim pokretima ruke i cijelog tijela, pri čemu mlaz boje slijedi koreografiju tijela. Tako se riječ pretvara u pokret, a pokret ostavlja trag na višeslojnom svilenom papiru ili transparentnom flisu. Presavijanjem papira nastaju trodimenzionalne skulpturalne forme – opredmećene riječi – poetski objekti u kojima se riječ vraća u svoju izvornu dimenziju – šutnju. Anita Kontrec, 2013.

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Die poetischen Objekte aus dem Zyklus Kalligraphische Landschaften – Eine Hommage an Sei Shonagon beziehen ihre Inspiration aus dem Prosawerk Pillow Book – Das Kopfkissenbuch der namhaften japanischen Schriftstellerin Sei Shonagon. Diese Hofdame von originellem Geiste beschrieb in ihren Tagebucheinträgen vor mehr als eintausend Jahren auf lyrisch-raffinierte Weise die Natur und das Leben am Hof der ehemaligen Residenzstadt Kyoto. Ihre Texte strahlen eine poetische Eleganz aus und sind von einem erhabenen erotischen Fluid sowie von scharfsinnigen und geistreichen Beobachtungen durchwoben. Bei der Übersetzung dieses Prosawerkes (aus dem Englischen, herausgegeben vom Universitätsverlag Liber SNL Zagreb, 1987) erschien eine Reihe von Bildern vor meinem inneren Auge, die mich dazu bewegten, das Erlebte durch die Sprache der bildenden Kunst zum Ausdruck zu bringen. Die Einträge des Kopfkissenbuchs gehören der Literaturgattung des ZUIHITSU an, was übersetzt ”dem Pinsel folgend” bedeutet. Meine Zeichnungen sind poetische Objekte, die dem Wort folgen – und so verwandelte sich die japanische Bilderschrift von Sei Shonagon in meine Schriftbilder. Die Zeichnungen aus dem Zyklus Kalligraphische Landschaften entstehen durch schwunghafte, freie Bewegungen der Arme und des ganzen Körpers, wobei der Farbstrahl der Choreographie des Körpers folgt. So verwandelt sich das Wort in Bewegung, und die Bewegung lässt eine Spur auf dem mehrschichtigen Seidenpapier oder dem Transparentzeichenpapier zurück. Durch Falten des Papiers entstehen dreidimensionale skulpturale Formen, vergegenständlichte Worte – poetische Objekte, bei denen das Wort zu seiner Ausgangsdimension zurückfindet: dem Schweigen.

Poetic objects from the Calligraphic Landscapes – Hommage à Sei Shonagon cycle are inspired by the The Pillow Book written by famous Japanese author Sei Shonagon. She was ”lady-in-waiting” who lived in the court of Kyoto, the former capital of Japan, over one thousand years ago. The narrative describes nature and scenes from court life in the most lyrical and refined way. Excerpts from her diary and the novel on the whole, are characterized by a poetic elegance, erotic fluidity, and full of witty observations. While translating her novel (for the first time from English into Croatian in 1987), I experienced through my inner sight (inner eyes, internal lens), vivid images which inspired me to realize them physically through the visual arts. The Pillow Book of Sei Shonagon belongs to the Japanese literary genre ”zuihitsu”, which means ”notes which follow the brush”. My poetic objects follow the imagery of Sei Shonagon texts. This transfiguration from language to object is embodied in my Script-images /Schriftbilder/ and objects. Drawings from the Calligraphic Landscapes cycle were made by the free movements of my hands and whole body, in a kind of meditative dance; sprays of black color follow the choreography of these movements. This is how words are turning into movements, leaving traces on several layers of silk paper or transparent fleece. By folding these papers with drawings and inscriptions I have made three dimensional sculptural forms – materialized words – poetic objects in which words find their way back to their original dimension – silence.

Anita Kontrec, 2013

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Atelje u Leipzigu, Artist Residency One-Sided Story, 2013. Studio in Leipzig, Artist Residency One-Sided Story, 2013

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“Jastuci”, 2011. instalacija, svileni papir, akril; varijabilne dimenzije “Pillows”, 2011 installation, silk paper, acrylic; variable dimensions 156

“Snovi”, 2013. svileni papir, akril, drvo; 64×50×13 cm “Dreams”, 2013 silk paper, acrylic, wood; 64×50×13 cm 157

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str. / p. 158

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“Breze i snovi”, 2010. instalacija, detalj; breze i svileni papir, akril

“Zimski krajolik”, 2010. poliester, akril; 20×30×3 cm

“Birches and Dreams”, 2010 installation, detail; birch, silk paper, acrylic

“Winter Landscape”, 2010 synthetic resin, acrylic; 20×30×3 cm

“Spiralni krajolik”, 2010. filc, akril; varijablne dimenzije “Spiral Landscape”, 2010 felt, acrylic; variable dimension 161

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interview

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I tu i tamo o životu na relaciji Zagreb – Köln Razgovarala Iva Körbler Vaša rana etapa umjetničke inspiracije obilježena je važnim književnim uzorima i tekstovima iz povijesti europske književnosti. Koje biste pisce izdvojili prema dijalektičkoj i duhovnoj srodnosti, koji se i kasnije provlače kroz sve faze i etape vašeg stvaralaštva? To je prije svega William Blake, koji je i sam bio pjesnik i slikar, ali je i najjasnije pokazao što za njega znači riječ u odnosu na sliku, a da ne govorimo o tome kakav je bio vizionar. On je za mene pojam pjesničke dubine, poetičke kvalitete i trajne vrijednosti; o njemu sam pisala diplomski rad. Drugi pjesnik kojemu se također stalno vraćam je T. S. Elliot. Često koristim i njegove stihove, zbog toga što je on razvio jednu interesantnu teoriju, teoriju tzv. ”objektivnog korelativa”, svjesno se baveći time koje pjesničke slike odgovaraju kojim osjećajima. Također je važan i zbog intenzivne poetičnosti pjesničkog jezika, metafora i slika. No razlog zbog kojeg sam uopće upisala englesku književnost je William Shakespeare. I ranije sam čitala njegove drame i pjesme, no za vrijeme studija sam mu se u potpunosti posvetila, pogotovo drami “Macbeth” koju i danas smatram jednom od najboljih kazališnih tekstova uopće. Čitajući Macbetha bila sam osupnuta tolikim intenzitetom slika, i u jednom mi se trenutku taj cijeli niz slika sažeo u dvije riječi s početka drame, a to je čuveni citat “Fair is foul and foul is fair”. Taj me citat doveo do promišljanja o tome što je “foul”, a što je “fair”; kako su ti pojmovi utjecali na razvoj te drame i kako oni rezoniraju u našoj svijesti. Tada sam realizirala jedan rad, početkom 80-ih godina, koji se sastoji od ispisivanja riječi “fair” i “foul”, odnosno “pravo-krivo” na transparentnom papiru, a smisao rada razotkrivao se okretanjem tog papira, tako da se te riječi mogu čitati i s pozadine pri čemu se otkrivalo suprotno značenje tih pojmova. To je sažetak jedne vrlo kompleksne priče koju sam izrazila s te dvije ključne riječi iz drame kroz gestu okretanja napisanog na papiru. Za mene, naime, sve ima pojavnu stranu, ali me uvijek zanima i ono što je iza toga. Gesta me vodi do značenja. 166

HIER UND DORT

BOTH HERE AND THERE

das Leben zwischen Zagreb und Köln

about life and work between Zagreb and Cologne

Das interview führte Iva Körbler

Interviewed by Iva Körbler

Die frühe Phase Ihres künstlerischen Schaffens ist von bedeutenden literarischen Vorbildern und Texten aus der europäischen Literaturgeschichte gekennzeichnet. Welche Schriftsteller würden Sie nach der dialektischen und seelischen Verwandtschaft am ehesten hervorheben, welche begleiten Sie auch in den späteren Schaffensphasen?

The early phase of your artistic inspiration is marked with important literary idols and texts from the history of European literature. What writers would you single out according to the dialectic and spiritual kinship and who are the ones that may be found in every phase of your creative work?

Vor allem William Blake, der selbst auch Dichter und Maler war und am deutlichsten aufgezeigt hat, was für ihn das Verhältnis von Wort und Bild ist. Für mich ist er der Inbegriff der poetischen Tiefe und Qualität. Und das, von einer dauerhaften Wertigkeit. Über ihn habe ich auch meine Diplomarbeit geschrieben. Der zweite Dichter, der mich bis heute begleitet und zu dem ich immer zurückkehre ist T. S. Elliot. Seine Verse zitiere ich häufig, weil er eine äußerst interessante Theorie entwickelt hat. Die Theorie des sogenannten “objektiven Korrelativs”. Er beschäftigt sich bewusst mit der Frage welche poetischen Bilder welchen Gefühlen entsprechen. Er ist ebenso bedeutend wegen der intensiven Poetik seiner Sprache und der verwendeten Metaphern und Bilder. Der Grund jedoch warum ich das Studium der englischen Sprache und Literatur aufnahm ist William Shakespeare. Schon vor meinem Studium hatte ich seine Dramen und Gedichte gelesen, doch erst während des Studiums habe ich mich komplett ihm gewidmet. Mich hat vor allem das Drama “Macbeth” inspiriert, das für mich heute noch eines der besten Theatertexte überhaupt ist. Beim Lesen von “Macbeth” war ich überwältigt von der Intensität der Bilder. Gleich zu Beginn des Dramas wird dieses in zwei Worten zusammengefasst, durch das berühmte Zitat “Fair is foul and foul is fair.” Das hat mich zum Nachdenken darüber angeregt was richtig (“fair”) und falsch (“foul”) überhaupt bedeutet und wie diese beiden Begriffe das Stück geprägt haben und wie sie in unserem Bewusstsein räsonieren. Damals, Anfang der 80er Jahre habe ich dann auch ein Kunstwerk geschaffen, das aus den Worten “pravo-krivo” (kroatisch für “richtigfalsch”) bestand, geschrieben auf einem Stück transpatenten Papiers. Der Sinn dieser Arbeit offenbart sich, wenn das Blatt gewendet wird, so dass die Worte auch von der Rückseite gelesen werden können, wobei die gegenteilige Bedeutung der Begriffe sichtbar wird. Das ist die Essenz eines sehr komplexen Dramas, die ich durch die beiden Schlüsselworte durch das Wenden des Blattes ausgedrückt habe. Für mich hat alles eine augenscheinliche Seite. Mich interessiert aber auch was dahinter steckt. Die Geste führt mich zur Bedeutung. Wenn man versuchen würde, Ihren gesamten Opus zusammenzufassen, bevor wir vom Genre, der Interdisziplinarität und Intermedialität sprechen, und ihn in ein paar Thesen und Sätzen definieren, drängt sich bei mir der Eindruck auf, dass

One of them would, above all, be William Blake, who was himself both a poet and a painter, but he was also the one who most clearly showed what, to him, was the meaning of the word in relation to the image; not to mention what a visionary he was. To me, he stands for poetic depth, poetic quality and permanent value. Another poet that I keep coming back to is T. S. Eliot, and I often quote his verses, and that is because he develops an interesting theory, the theory of the so-called “objective correlative”. It is about finding out what poetic images correspond to what feelings. He is also important because of the intense poetic expression of his language and because of his metaphors and images. But, the reason why I actually enrolled the study of the English language and literature was William Shakespeare. I had used to read his plays and poems before, but it was while studying English literature that I gave him my complete attention, especially to his play “Macbeth,” which I find one of the best theatre texts of all times. When reading “Macbeth,” I was astounded by the intensity of the images; and, at one moment, this entire series of images condensed into the two words from the beginning of the play, and that is the famous quote “Fair is foul and foul is fair”. This led me to think about what it actually meant by “foul”, and “fair,” for that matter, and what the influence was of these words on the development of this play, how they resonated in our consciousness. In the beginning of the 1980s I made an art work which consisted of writing out the words “fair” and “foul” - i.e.: “right-wrong” on a transparent piece of paper. The point of this work was revealed by turning that piece of paper, so that the words could be read out on the background, too, thereby revealing the opposite meaning of each term. This is a brief summary of a very complex story that I expressed using these two key words from the play, together with the gesture of turning over what was written on the paper. To me, I mean, everything has its side that is its appearance, but I am always interested in what lies beyond that. Gesture takes me to the meaning. If we attempted to comprise all of your work – before we address genres, interdisciplinarity, intermediality – and define it with a few theses and sentences, I always come to the conclusion that you seem to strive in your work to raising above the material (world). However, with you there is never a presence of forced and pretentious intellectualism or spirituality… it’s as if in this world of ours, split between the material and the spiritual, you succeed in keeping a balanced synthesis and a combination that encompasses matter, i.e., the physis, the emotional, spiritual levels, but also the subject of the soul. You do 167

Kada bismo pokušali sažeti cijeli vaš opus – prije no što se dotaknemo žanrova, interdisciplinarnosti, intermedijalnosti – i definirati ga s par teza i rečenica, uvijek mi se čini da vi u svojim radovima težite ka izdizanju nad materijalnim (svijetom), međutim kod vas nikada nema forsiranog, pretencioznog intelektualizma i duhovnosti… kao da u tom našem podvojenom svijetu između materije i duhovnog uspijevate zadržati balansiranu sintezu i spoj koji obuhvaća materiju, odnosno fizis, emotivni, duhovni nivo, ali i temu duše. Čini se da ne gubite saznanje o povezanosti i istovremenosti svih tih razina u umjetničkom djelu, bez obzira na vašu različitu fazu, etapu ili ciklus? Mislim da ja kao umjetnica ne mogu ni poželjeti čuti nešto bolje od toga, jer to i jest najveći kunst, odnosno umjetnost; ta težnja ka nekoj cjelovitosti. Naravno, težišta se razlikuju ovisno o temi kojom se bavim u datom trenutku. U više navrata sam interdisciplinarnost imala priliku izraziti na više razina i na više načina. Najcjelovitija slika tog mog načina razmišljanja bio je projekt Recall Byblos. U njemu je sudjelovalo osmero umjetnika i svatko je od njih imao slobodu dati svoje osobno viđenje jedne zadane teme, u ovom slučaju istraživanja pisma kao oblika komunikacije, konkretno pisma feničke kulture. Uz umjetnike iz Zagreba (Petra Barišića, Ivana Kožarića i Vladimira Gudca) i Kölna (Roberta Pinsdorfa, Guntera Demniga, Tine Haas i Regine Schumann) bilo mi je važno u takav projekt uključiti više različitih glasova i diskursa – od povjesničara umjetnosti, publicista, književnika… i tu se okupila odlična ekipa. Taj je projekt bio moj san kojeg mi je bilo važno ostvariti i pokazati ga kao model međunarodne suradnje gdje je stvoren novi kulturni i duhovni kontekst u kojemu sam se osjećala kao doma. Naime, to je bilo nedugo nakon mog odlaska iz Zagreba u Köln. Kad sam došla u drugu sredinu bilo mi je važno ne zapasti u tzv. “gastarbajterski blues”, jer pronaći svoj umjetnički identitet nije bilo baš lako, ali kroz umjetnost je ipak lakše. Takav stav bio je prepoznat i nagrađen time što smo za projekt dobili odlična sredstva i izvrsno mjesto za izlaganje u prestižnom Ludwig Forum für Internationale Kunst u Aachenu i u Klovićevim dvorima (tadašnjem Muzejsko-galerijskom Centru, MGC) u Zagrebu. No vratimo na se na tu cjelovitost koju ste već spomenuli… ja njoj zaista težim. Baveći se kulturnom antropologijom stekla sam neka druga znanja. Ono što karakterizira tzv. izvorne kulture – mi ih pogrešno nazivamo primitivnima, to što im daje čak i negativan predznak dio je naše europocentričnosti – jest da su uvijek davale cjelovita rješenja za svako životno pitanje; od ekonomskih, bračnih, seksualnih, duhovnih, odnosno težili su sinkretičkom stanju svijesti. Primjerice, Indijanac izrađuje od drva jedan čun kako bi mogao loviti ribu i prehraniti svoju obitelj; ukrašava ga nekim uresima i simbolima, koji imaju estetsku, magičnu i duhovnu dimenziju. Taj je 168

Sie in Ihren Arbeiten dazu neigen, sich von der materiellen Welt zu erheben. Gleichzeitig finde ich in Ihren Werken keine forcierte, prätentiöse Intellektualität oder Spiritualität. Als ob Sie es schaffen in unserer Welt, die zwischen der materiellen und spirituellen Ebene gespalten ist, eine balancierte Synthese und Verbindung zwischen der Physis, Emotion, Spiritualität und der Seele zu finden. Es scheint, als verlören Sie nie das Bewusstsein von der Verbindung und Gleichzeitigkeit all dieser Ebenen in Ihren Kunstwerken, ungeachtet dessen, in welcher Schaffensphase oder in welchem Zyklus Sie sich befinden?

Ich denke als Künstlerin kann ich es mir nicht wünschen, etwas Schöneres als das zu hören. Denn das ist die höchste Kunst in der Kunst. Mir geht es tatsächlich darum, eine Ganzheitlichkeit die ich wahrnehme, auszudrücken. Natürlich ist dies abhängig davon, mit welchem Thema ich mich in dem Moment befasse. Die Schwerpunkte sind unterschiedlich. Meine Interdisziplinarität konnte ich auf vielfältige Weise zum Ausdruck bringen. Das umfassendste Bild meiner Denkweise war das Projekt “Recall Byblos”, in dem insgesamt acht Künstler/Innen teilgenommen haben. Wobei jeder von ihnen die Freiheit hatte, seine/Ihre Sichtweise zu einem vorgegebenen Thema zu äußern. Dieses Thema war die Untersuchung der Schrift als Kommunikationsform, konkret am Beispiel der phönizischen Kultur. Neben den Künstlern aus Zagreb (Petar Barišić, Ivan Kožarić und Vladimir Gudac) und Köln (Robert Pinsdorf, Gunter Demnig, Tina Haas und Regine Schumann) war es mir wichtig, in diesem Projekt verschiedene Stimmen und Diskurse von Kunsthistorikern über Publizisten bis hin zu Schriftstellern einzubeziehen. Wir waren ein ausgezeichnetes Team. Dieses Projekt war mein Traum, dessen Verwirklichung mir besonders am Herzen lag. Denn ich hatte ein Modell der internationalen Zusammenarbeit aufgezeigt und einen kulturellen und spirituellen Kontext geschaffen, in dem ich mich Zuhause fühlte. Dies geschah damals unmittelbar nach meinem Umzug von Zagreb nach Köln. Mir war sehr wichtig nicht in den sogenannten “Gastarbeiter-Blues” zu verfallen, als ich mich in ein neues Umfeld begab. In so einer Situation ist es nicht einfach, die eigene Identität zu finden, vor allem als Künstlerin. Durch die Kunst wird es jedoch einfacher. Diese Denkweise von mir wurde wiedererkannt und

not seem to lose sight of the knowledge about the interconnectedness and simultaneity of all these levels in a work of art, regardless of a particular phase, stage or cycle. I believe that as an artist I cannot wish to hear something better than this, because this is, in my opinion, the most supreme kunst, i.e., art. I am indeed striving for some sort of wholeness. I have had several opportunities to express interdisciplinarity in different ways and on different levels. The most wholesome image of this kind of thinking was the project Recall Byblos. There were altogether eight artists participating in it, and each of them had the freedom to have his/her own personal view of a set subject – it was the exploration of the script as a means of communication, in this case, the Phoenician culture. Besides the artists from Zagreb (Petar Barišić, Ivan Kožarić and Vladimir Gudac) and Cologne (Robert Pinsdorf, Gunter Demnig, Tina Haase and Regina Schumman), it was important to me to include in such a project several different voices and types of discourse – art historians, publicists, writers… and so a great team was eventually formed. This project had been my dream that was important for me to make it come true and to present it as a model of international cooperation where a new cultural and spiritual context was created in which I felt at home. In fact, this took place not long after I had arrived in Cologne from Zagreb. It was important to me not to succumb to the so-called “gastarbeiter blues” after joining a new cultural surroundings. It was not an easy task to find a new artistic identity in this surroundings, but – through art, it was easier. This thought process of mine was recognised and rewarded with the fact that we received substantial means for the project and a superb place to exhibit, at the prestigious Ludwig Forum für Internationale Kunst in Aachen, and in the Klovićevi dvori (at the time the Museum Gallery Centre, MGC) in Zagreb. But, to get back to the wholeness that you mentioned… it really is what I strive for. Having dealt with cultural anthropology I came to some other insights. What characterises many ancient cultures – that we wrongly call “primitive”, (and the fact that this even gives them a twinge of negativity is part of our Europo-centricity ) is that they always provided wholesome solutions to any issues in life, from the economic, marital, sexual, spiritual, in other words, they strove for a syncretic state of consciousness. For example, an Indian puts two logs together to build a boat to be able to catch fish and feed his family, but he decorates it with some ornaments and symbols which carry an aesthetic, magical and spiritual dimension. This primitive, i.e., original and primary approach was ideal to me too because I believe that all of our actions reflect in one way or another the entirety of our being, together with our cultural, individual background, our command of technology… and I am very pleased that this can be traced and recognised in my work because that indeed is my goal. Today, we would add that this is a holistic approach, but the thought is important to me that we are all not only culturologically connected, but that we also live in synchronicity and simultaneity of cultures and worlds, and that we are all connected on both the micro and the macro levels. These are the key elements of my artistic way of thinking. You have often said that in your work you make references to old alphabets of ancient civilisations and cultures. You have also moved a small step away from this mainstream because, unlike many artists in Europe and the world, you do not make references to the mystical level of Kabbalah. You deal with the Phoenician alphabet, Sanskrit 169

primitivni, odnosno izvorni i primarni pristup i meni bio ideal, jer smatram da svako naše djelovanje na ovaj ili onaj način odražava sveukupnost našeg bića, kao i naš kulturni, individualni background, naše vladanje tehnologijom… i jako sam sretna ako se to u mojim radovima može slijediti i prepoznati. Danas bismo ovakav pristup nazvali holističkim. Važna mi je i misao da smo svi povezani, ne samo kulturološki već da živimo u sinkronicitetu i simultanosti kultura i svjetova i da smo svi povezani na mikro i makro razini. To su ključne točke mog umjetničkog razmišljanja. Često ste izjavljivali da se u svojem radu referirate na motive starih pisama, drevnih civilizacija i kultura, no napravili ste jedan mali otklon i od tog mainstreama;

za razliku od mnogih svjetskih i europskih umjetnika ne referirate se na mističnu razinu Kabale, već ste otišli do feničkog pisma, sanskrta, pa i mita o Atlantidi. Išli ste mnogo dalje u prošlost, u vrijeme kada te motive još nije koristilo mnogo umjetnika, ali ste se saču-

vali od bilo kakvog ezoterijskog trenda. Možemo li to tako reći?

Definitivno. Ne ljubim naročito pojam ezoterije, jer mi se čini da je to jedan reducirani, pomalo merkantilni pojam. To me ne zanima, za razliku od istinskog duhovnog i intelektualnog promišljanja, što je sasvim druga kategorija. Jasno da se želim baviti temama koje nisu trendovske i potrošive. Od samog početka bavljenja umjetnošću nikakav me trend nije ni zanimao. Uvijek me zanimalo nešto novo, nešto čime svojoj znatiželji mogu dati maha. Taj akademski ili, nazovimo ga, racionalni dio mene je prije svega strast za istraživanjem, i tu ću se ponovno vratiti na projekt Byblos, jer je on uključio i tu znanstvenu razinu. Projekt se bavi kulturološki toliko važnim i neosviještenim poglavljem povijesti… pa grad Byblos je odredio ime Bibliji koja je u svakom smislu fundament zapadne civilizacije. Malo tko i danas zna da je feničko pismo od 22 slova bilo osnova za razvoj grčkog pisma, a time i svih modernih europskih pisama. To je bila urbana kultura u kojoj su ženski i muški princip bili vrlo izbalansirani. Jedna moja skulptura iz projekta Recall Byblos zove se “Prijestolje” (“Thron”), a u toj su formi bila zastupljena oba načela. Ta je skulptura nakon Aachena dugo bila izložena u Ženskom muzeju (Frauenmuseum) u Bonnu u okviru međunarodnog projekta “Dea Syria” (1996.). Projekt se odvijao u suradnji s umjetnicama iz Sirije, a bio je posvećen boginjama Sredozemlja i Bliskog istoka. Dotaknuli ste još jednu podtemu svoje umjetnosti, koja nas ponovno vraća na ideju uravnoteženosti energija, ravnoteže muško-ženskog principa. Za vašu se 170

anerkannt, vor allem dadurch dass wir genügend Mittel und eine ausgezeichnete Ausstellungsmöglichkeit hatten. Diese war im prestigeträchtigen Ludwig Forum für internationale Kunst in Aachen und in der Galerie Klovićevi Dvori (dem damaligen MGC) in Zagreb. Zu der von Ihnen erwähnten Ganzheitlichkeit muss ich bestätigen, dass ich in der Tat zu ihr geneigt bin. Als ich mich mit Kulturanthropologie befasst habe, erlangte ich dieses erweiterte Verständnis für Kulturen. Das was die sogenannten ursprünglichen Kulturen charakterisiert, ist dass sie immer ganzheitliche Lösungen für jede Lebenssituation haben, sei es in ökonomischen, ehelichen, sexuellen oder spirituellen Fragen. Sie tendieren zu einem synchronistischen Bewusstseinszustand. Und wir bezeichnen sie fälschlicherweise als primitiv, was ihnen einen negativen Beigeschmack verleiht, der unserem Eurozentrismus geschuldet ist. Zum Beispiel: Wenn ein Indigener einen Holzkahn baut, um damit fischen zu können, um so seine Familie zu ernähren, verziert er ihn auch mit Schnitzereien und Symbolen, die gleichzeitig eine ästhetische, magische und spirituelle Dimension haben. Dieser primitive, beziehungsweise ursprüngliche und primäre Ansatz war mein Ideal, da ich der Meinung bin, dass jede Tat von uns auf diese oder jene Art und Weise die Ganzheitlichkeit unseres Wesens widerspiegelt, wie auch unseren kulturellen und individuellen Background, unsere Beherrschung der Technologie usw. Wenn man dies in meinen Arbeiten wiedererkennen kann bin ich sehr glücklich, denn das ist auch mein Ziel. Heutzutage würde man diesen Ansatz als holistisch bezeichnen, aber mir ist auch der Gedanke wichtig, dass wir alle verbunden sind und dass nicht nur kulturell. Wir leben in einer Synchronizität und Simultanität der Kulturen und Welten und wir sind alle miteinander verbunden auf der Mikro- und Makroebene. Das sind die Kernpunkte meiner künstlerischen Denkweise. Sie haben häufiger gesagt, dass Sie sich in ihren Arbeiten auf die Motive alter Schriftzeichen, antiker Zivilisationen und Kulturen beziehen. Sie sind aber auch ein wenig von diesem Mainstream abgewichen, weil Sie sich im Gegensatz zu vielen anderen Künstlern in Europa und in der Welt nicht auf die mystische Ebene der Kabbala beziehen, sondern sie in Ihren Arbeiten Bezüge zur phönizischen Schrift, Sanskrit und dem Mythos von Atlantis herstellen. Sie sind weit in die Vergangenheit gereist, zu einer Zeit, als das noch nicht das Motiv vieler Künstler war und umgingen gleichzeitig jeglichen esoterischen Trend. Können wir das so sagen? Definitiv. Ich mag den Begriff des Esoterischen nicht sehr. Es kommt mir vor, als wäre das ein reduziertes und leicht kommerzialisiertes Schlagwort. Das interessiert mich nicht. Mich interessiert vielmehr eine wahrhafte spirituelle und intellektuelle Reflexion, was eine völlig andere Kategorie ist. Natürlich will ich mich nicht mit Themen befassen, die im Trend sind und früher oder später verbraucht sind. Von meinen ersten Schritten als Künstlerin an war ich an Trends überhaupt nicht interessiert. Mich hat immer das Unbekannte interessiert, etwas was meine Neugier beflügelt. Dieser akademische, oder nennen wir ihn rationale Teil von mir war in erster Linie eine Leidenschaft für das Entdecken. Das führt mich zurück zum Projekt Byblos, weil dieses auch eine wissenschaftliche Ebene beinhaltete. Die phönizische

and even the myth of Atlantis. You went much further into the past at the time when this as a motif was not widely used by artists, but you managed to keep yourself away from any esoteric trends. Would it stand to say so? Definitely. I am not particularly fond of the concept of esotery because it seems to me to be a reduced and a somewhat mercantile term. It does not appeal to me, unlike the true spiritual and intellectual deliberation, which falls under an entirely different category. I quite understandably wish to deal with the topics that have not become trendy and depleted. From the very beginnings of my art, I was never interested in any trends. I have always been interested in what was new and that in which I could let my imagination wander. This academic, or shall we call it rational, part of me stands above all for the passion for exploration, and here I will go back to the project Recall Byblos because it implied a scientific level as well. This was, culturologically speaking, a very important chapter of history and yet there is a lack of awareness about it … I mean, the city of Byblos gave the name to the Bible, which is in every sense a cornerstone of western civilisation. Even today, few people know that the Phoenician alphabet that consisted of 22 letters was the basis for the development of the Greek alphabet, and with it of all modern European scripts. This was an urban culture, where the relationship between the female and the male principles was very balanced. One of my sculptures from the project Recall Byblos is called “The Throne”, and both principles can be found in that form. After Aachen, that sculpture was exhibited for a long time in the Frauenmuseum in Bonn as part of the international project “Dea Syria” (1996), which was a cooperation with female artists from Syria, and the theme of the project was dedicated to the goddesses of the Mediterranean and the Middle East. You have broached another sub-theme of your art, which takes us back to the idea of balanced energies, the male-female principles. It cannot be said that your art is feminist in some narrow sense of the word, but your work at the same time does oppose simple definitions of style, idols, tendencies, because it consists of many layers. Namely, when we look at the works of many distinguished artists, both domestic and foreign, we always seem to reach the conclusion that the secret to their long lasting lies in complexity, that their works can be 171

umjetnost ne može reći da je feministička u nekom uskom smislu; ona se opire jednostavnim definicijama stila, uzora, tendenecija, jer je satkana od mnogo

slojeva. Naime, kada razmatramo djela mnogih istaknutih domaćih i svjetskih

umjetnika, uvijek na kraju dođemo do zaključka da je tajna njihovog trajanja u

kompleksnosti; da njihova djela nude mnogobrojna čitanja, drugačije interpre-

tacije od kojih se neke mogu i međusobno negirati, ali u konačnici uvijek se radi

o čitanju smisla i poruke na više razina. Čini mi se da je to i vaš slučaj, u svim fazama i ciklusima rada… Jeste li svjesni toga i imate li odmak od vlastitog opusa u tom kontekstu?

Riječ je zapravo o dva različita pristupa. Jedan je kustoski, odnosno, galeristički, a u drugom ja kao umjetnica na autentičan način izražavam ono što mislim i osjećam. Koliko slojeva u mojem radu netko iščitava… mislim da se može reći da je “ljepota u očima promatrača”, ali i u backgroundu kojega svatko u sebi nosi. Važna je i sloboda koju sam sebi oduvijek mogla dozvoliti, jer nikada nisam bila niti u jednom fahu, cehu, grupi. Naravno da se u takvoj konstelaciji umjetnik može i jako lako izgubiti. Razumijem umjetnike koji cijeli život imaju samo jedan stil pa ga neprekidno variraju, i to je isto u redu. Svatko je slobodan odabrati svoj put, a moj je put upravo put traženja, tumaranja, lutanja… neke ideje mogu propasti. Što se tiče galerijskog iskustva, ono što sam zapazila u Njemačkoj jest tendencija galerista da, nakon što vas otkriju i uzmu pod svoje, preferiraju samo jednu liniju stila rada, jer galerije gledaju svoj profit i one nastoje umjetnika brendirati. Imala sam sreću upoznati jednog od značajnijih njemačkih galerista, Hansa Jürgena Müllera, koji je bio presudan za etabliranje suvremene njemačke umjetnosti i koji je prvi doveo u Europu Andyja Warhola u svoju galeriju u Stuttgartu. Mülleru se jako dopala moja skulptura i moji kolaži, ali bio je u potpunosti iziritiran u trenutku kad sam počela raditi u poliesteru. Tada sam susrela galeristicu Alexu Jansen iz Kölna koja je upravo to preferirala: otkrivanje novih materijala, bavljenje bojom u prostoru… Mijenjanje stila i medija uvijek je pomalo riskantno i donekle je pitanje hrabrosti. Vratimo se malo još vašim počecima kada ste 1989. došli u Köln. Kakva vas je tamo umjetnička scena dočekala, koji su bili izazovi i utjecaji? Koliko vas je povuklo nasljeđe i aura Beuysa, a koliko njihov postapstraktni ekspresionizam i ge-

stualno slikarstvo… Što je sve bilo presudno za obogaćivanje vašeg senzibiliteta? Proces obogaćivanja zapravo traje sve ovo vrijeme. Jako sam zahvalna što sam imala priliku biti u sredini koja je likovno bogata, pri čemu ne mislim samo na njemačku umjetnost, iako je u Kölnu u trenutku mog dolaska bilo najmanje stotinjak galerija, više sotina umjetnika iz svih krajeva svijeta. S jedne strane jako dobra situacija, a s 172

Kultur ist kulturhistorisch ein hochinteressantes Kapitel der Menschheitsgeschichte, das noch nicht ausreichend beleuchtet wurde. Die Stadt Byblos gab der Bibel ihren Namen, und diese ist bekanntlich das Fundament der westlichen Zivilisation. Die wenigsten wissen heute, dass das phönizische Alphabet mit 22 Lettern die Grundlage für die Entwicklung des griechischen Alphabets und damit für alle modernen europäischen Schriften bildete. Dies war eine urbane Kultur, in der das Verhältnis zwischen dem männlichen und weiblichen Prinzip sehr ausgewogen war. Eine Skulptur, die ich für das Projekt Recall Byblos geschaffen habe heißt “Thron”. In ihr sind beide Prinzipien vertreten, das Männliche und das Weibliche. Nach der Ausstellung in Aachen war diese Skulptur lange Zeit im Frauenmuseum in Bonn, im Rahmen des Projekts “Dea Syria” (1996) ausgestellt. Einer Ausstellung in Zusammenarbeit mit Künstlerinnen aus Syrien. Die Ausstellung hatte die Darstellung der Figuren von weiblichen Gottheiten aus dem Mittelmeerraum und dem Nahen Osten, zum Thema. Damit erwähnen Sie ein weiteres Unterthema Ihrer Kunst, die Sie zur Idee der Ausgewogenheit der Energien, des männlichen und weiblichen Prinzips zurückführt. Ihre Kunst kann nicht wirklich als feministisch im engeren Sinne gedeutet werden: Sie widersetzt sich immerfort einfachen Definitionen des Stils, der Vorbilder oder Tendenzen aufgrund ihrer Vielschichtigkeit. Betrachten wir die Werke vieler bedeutender Künstler weltweit kommen wir stets zum Schluss dass das Geheimnis ihrer Dauer in der Komplexität ihrer Werke liegt, dass ihre Werke mehrfache Deutungen und unterschiedliche Interpretationen zulassen, von denen sich einige sogar widersprechen. Schlussendlich bilden sie aber eine Sinnhaftigkeit und senden eine Nachricht auf mehreren Ebenen. Mir erscheint, als sei das bei Ihrem Werk auch der Fall. Sind Sie sich auch dessen bewusst und können Sie Ihr Werk in diesem Kontext auch mit einem Abstand betrachten? Es gibt dabei zwei unterschiedliche Herangehensweisen. Die eine ist aus dem Blickwinkel eines Kustos, bzw. eines Galeristen und der andere ist der, bei dem ich als Künstlerin auf authentische Art und Weise das zum Ausdruck bringe, was ich persönlich denke und fühle. Wie viele Schichten dabei jemand in meinen Kunstwerken herausliest… nun, ich denke dass man dabei durchaus sagen kann, dass die Schönheit im Auge des Betrachters liegt, aber auch im Background, den jeder von uns mitbringt. Mir persönlich ist die Freiheit besonders wichtig, die ich mir immer nehmen konnte, weil ich nie in einem Fach, einer Stilrichtung oder Genre angehörte. Die Gefahr dabei ist, dass sich ein Künstler dabei verlieren kann. Ich kann die Künstler durchaus verstehen, die im Leben einen Stil entwickeln, den sie dann ununterbrochen variieren, das ist auch in Ordnung. Jeder ist frei, seinen Weg dabei zu wählen. Mein Weg ist jedoch der Weg der Suche des Schweifens und des Streifens. Ideen können dabei verfallen oder eine neue Qualität bekommen. Meine Erfahrung mit Galeristen in Deutschland ist jedoch, dass die Galeristen die Tendenz haben, einen Künstler, wenn er einmal entdeckt ist, unter ihre Fittiche zu nehmen und dann auf einer Linie des Schaffens bestehen. Die Galerien schauen auch auf ihren Profit und sie

read in many ways, that they offer numerous interpretations – some of which may even be mutually exclusive – but it always boils down to being able to read the sense and message in many ways. It appears to me that this goes for your work too, for all your phases and cycles … Are you aware of this and do you put some distance from your work in this context? There are two ways to approach this. One is from the curator’s point of view, i.e., the gallerist’s, and the other is the one where I as an artist express in an authentic way that which I personally believe in and feel. Indeed, how many layers are there that someone may read out… I think we can say that beauty is in the eye of the beholder, but also in the background that everyone carries within themselves. Another important thing is the freedom that I was able to allow myself because I was never part of some particular line of work, like a guild or a group. Naturally, such circumstances may very easily leave an artist adrift. I do have an understanding for artists who stick to one type of style all their lives, and there is nothing wrong with that. Everybody has the freedom to choose their own path, and mine was precisely the one of searching, exploration, wandering, roaming… Some ideas may fail utterly, but they can also provide some new qualities. However, what I noticed through my experiences with the galleries in Germany was their tendency to take you under their wing once you are discovered and prefer that you stick to one particular line of your work, because galleries look after their profit and they try to make an artist a brand. I was very fortunate because I met one of the most significant German gallerists, Hans Jürgen Müller, who played a key role for the establishment of modern German art, and he was the one who first brought Andy Warhol to Europe to his gallery in Stuttgart. Müller liked my sculptures and my collages very much, but the moment I started working in synthetic resin, he became kind of irritated. But then I met the gallerist Alexa Jansen from Cologne, who had preferred precisely that kind of thing: discovering new materials, dealing with colour in space… Changing style and media has always borne a bit of risk and is, to some extent, a matter of courage. Let’s get back some more to your beginnings, when you came to Cologne in 1989. What was it that greeted you there on the art scene, what were the challenges and influences you faced? How much were you taken in by the heritage and aura of Beuys, and how much by the post-abstract expressionism and gestural art… What played the key role and enriched your sensibility? That process of enrichment has actually been going on all this time. I am very grateful that I had the opportunity to be in the environment that was soaked in art, and I do not mean only German art. When I arrived in Cologne, there were over hundred of galleries there, with hundreds of artists from all over the world living there… which is on the one hand a very good thing, but on the other it brings very strong competition. About 50 years ago, the first international art fair was founded in Cologne as a modern way of presenting and selling art, the famous Art Cologne, where every year the leading German and world galleries exhibit their works. It is hard to imagine how difficult it was to establish any kind of contact with galleries and build a profile as an artist, but in my experience – looking in hindsight – it looks like a little fairytale. Which does not mean that everything went smooth and easy. However, after only six months I held 173

druge strane velika konkurencija. U Kölnu je prije 50-ak godina osnovan prvi međunarodni sajam umjetnosti kao moderni način prezentacije i prodaje umjetnosti, čuveni Art Cologne na kojemu svake godine izlažu vodeće njemačke i svjetske galerije. U sklopu tog sajma, na popratnom sajmu Liste, Alexa.Jansen.Galerie organizirala je moju samostalnu izložbu 2007. godine. Teško je zamisliti kako je komplicirano bilo doći u bilo kakav kontakt s galerijama i profilirati se kao umjetnica, ali moje je iskustvo, s današnje pozicije, poput male bajke, što ne znači da je sve išlo baš lako i glatko. No ipak, već sam nakon pola godine imala svoju prvu samostalnu izložbu. Radilo se o ciklusu skulptura “Nježna geometrija” koji je bio izvanredno dobro primljen i na temelju kojeg sam dobila mogućnost raditi i dalje izlagati. Godinu dana kasnije (1991.) realizirala sam svoju prvu javnu skulpturu u Kölnu – “Hier” (”Ovdje”) ispred centra za kulturu Stollwerck. Već je 1992. moju drugu samostalnu izložbu u Vijećnici grada Kölna otvarao viši kustos za skulpturu Muzeja Ludwig u Kölnu Dr. Gerhard Kolberg uz gradonačelnicu Kölna gospođu Renatu Canisius. A što se tiče Beuysa – njega sam otkrila tek u Njemačkoj i bila sam zaprepaštena koliko sam zapravo, već i prije susreta s njegovim radom i radovima ostalih pripadnika Fluxusa, s njima bila dubinski povezana u načinu razmišljanja i djelomično u načinu rada. Najviše me inspirirao Beuysov društveni angažman i njegov pojam ”erweiterter Kunstbegriff ” ili pojam proširenog shvaćanja pojma umjetnosti. Nadahnula me i duhovna dimenzija njegovog rada koja se najvećim dijelom bazira na antropozofskom učenju Rudolfa Steinera, od kojeg je Beuys dosta toga preuzeo. Čudi me da se povjesničari umjetnosti – barem koliko je meni poznato – tako malo bave utjecajem Steinera na Beuysa, koji je po mom mišljenju bio presudan. Rekla bih da takav slijed događaja ipak upućuje na

činjenicu da ste sa svojim radovima uspjeli prona-

ći točku ravnoteže i prepoznavanja, upravo kroz autentičnost svojeg umjetničkog razmišljanja,

pogotovo u jednoj tako zahtjevnoj umjetničkoj sredini?

To se zaista tako dogodilo. U to se vrijeme u Hrvatskoj razbuktao rat i bila sam jako opterećena tom situacijom. U trenutku kad sam odlazila iz Hrvatske, osjećala sam se vrlo ambivalentno. Na izložbi “Erde–Krieg–Asche” (“Zemlja-RatPepeo”) u kölnskoj Vijećnici htjela sam prikazati kulturološki i politički šok koji se dogodio s prvim ratom na tlu Europe nakon 1945. godine. Za tu sam izložbu napravila četrnaest skulptura veličine preko dva metra od lijepljenog papira, a uz to izložila sam još jednu instalaciju od cementa koja je simbolizirala razrušene gradove i arhitekturu, odnosno gubitak doma. Ta je 174

versuchen aus dem Künstler eine Marke zu machen. Ich selbst hatte die Gelegenheit einen der bedeutendsten Galeristen in Deutschland kennenzulernen. Dies war Hans Jürgen Müller, der eine entscheidende Rolle gespielt hat in der Etablierung der zeitgenössischen deutschen Kunst und der als erster Andy Warhol nach Europa brachte, in seiner Galerie in Stuttgart. Müller mochte meine Skulpturen und Collagen sehr, aber als ich anfing, mit Kunstharz zu arbeiten war er plötzlich sehr irritiert. Zu dem Zeitpunkt lernte ich die Galeristin Alexa Jansen kennen die genau das interessierte. Nämlich neue Materialien und die Entdeckung der Farbe im Raum. Ein Stilwechsel ist immer mit Risiken verbunden und als solches immer eine Mutprobe. Zurück zu Ihren Anfängen als Sie 1989 in Köln ankamen. Wie sah dort die Kunstszene aus, die Sie erwartete? Welches waren ihre Einflüsse und Herausforderungen? Wie sehr wirkte auf Sie das Erbe und die Aura Joseph Beuys, und wie sehr sein postabstrakter Expressionismus und gestische Malerei. Was war der entscheidende Beitrag zur Bereicherung Ihrer Sensibilität? Diese Bereicherung dauert bis heute noch an. Ich bin sehr dankbar dafür, dass ich die Gelegenheit hatte, in einem Umfeld zu sein das künstlerisch so reich ist. Und damit meine ich nicht nur die deutsche Kunstszene, obwohl es zu der Zeit in Köln über hundert Galerien gab und dort hunderte von Künstlern aus aller Welt lebten. Einerseits ist das eine sehr gute Situation, andererseits herrscht auch große Konkurrenz. Vor etwa 50 Jahren wurde in Köln die erste internationale Kunstmesse gegründet, als eine moderne Art und Weise der Kunstpräsentation und des Verkaufs. Dies ist die berühmte Art Cologne, bei der jedes Jahr die bedeutendsten Galerien aus Deutschland und der ganzen Welt vertreten sind. Im Rahmen dieser Messe, im Begleitmesse “Liste”, organisierte die Alexa.Jansen Galerie 2007 eine eigenständige Ausstellung. Es ist schwer vorstellbar, wie kompliziert es war, überhaupt einen Kontakt zu Galerien herzustellen und sich als Künstlerin zu profilieren. Meine heutige Erfahrung betrachte ich daher wie ein kleines Märchen. Was aber nicht bedeutet, dass alles immer ganz glatt ging. Wie noch immer, bereits nach einem halben Jahr in Köln hatte ich meine erste selbständige Ausstellung. Es handelte sich um den Skulpturenzyklus “Zarte Geometrie”, der sehr gut angenommen wurde und der es mir ermöglichte weiter zu arbeiten und auszustellen. Ein Jahr später, 1991, konnte ich schon meine erste Skulptur im öffentlichen Raum aufstellen, das “Hier” vor dem Bürgerhaus Stollwerck in Köln. Meine zweite selbständige Ausstellung folgte im Jahr 1992, im Kölner Rathaus. Diese wurde bereits vom leitenden Kustos für Skulpturen des Ludwig Museums, Dr. Gerhard Kolberg zusammen mit der Bürgermeisterin Frau Renate Canisius eröffnet. Was Beuys betrifft, ihn habe ich erst in Deutschland für mich entdeckt und ich war geradezu frappiert, wie tief ich bereits vor der Begegnung mit seinem Werk verbunden und auch mit den Arbeiten der anderen Mitglieder des Fluxus, insbesondere mit deren Denk- und teils auch mit deren Arbeitsweise. Am meisten inspirierte mich Beuys gesellschaftliches Engagement und sein “Erweiterter Kunstbegriff ”. Die spirituelle Dimension seiner Arbeiten, die größtenteils auf der anthroposophischen Lehre Rudolf Steiners basiert, von dem Beuys insgesamt viel

my first solo exhibition. It was the cycle of sculptures “Tender Geometry,” which was very well received so I had the opportunity to keep working and exhibiting. A year later (1991) I made my first public sculpture in Cologne – “Hier” / “Here” in front of the cultural centre Stollwerck in Cologne. My second solo exhibition in 1992 in the Cologne Town Hall was opened by the Senior Curator for Sculpture of the Ludwig Museum in Cologne, Dr. Gerhard Kolberg, together with the Mayor of Cologne, Ms Renate Canisius. And as for Beuys – I only discovered him in Germany and I was stunned by the fact of the extent to which I had been closely connected with him in the manner of thinking and in part in the manner of working, even before I came to know his work and the work of other artists from Fluxus movement. I was inspired the most by Beuys’ social engagement and his term “erweiterter Kunstbegriff” – an extended understanding of the concept of art. I was inspired also by the spiritual dimension of his work, which is largely based on the anthroposophical teaching of Rudolf Steiner, from whom Beuys took a lot, generally speaking. It surprises me that art historians – at least as far as I am aware – deal very little with the influence of Steiner on Beuys, who indeed was, in my opinion, the key figure. I would say that such a chronology of events does suggest the fact that you were able to find the point of balance and recognition in your work, precisely through the authenticity of your artistic way of thinking, and especially in such a demanding artistic environment? It really did transpire that way. At that time, the war was breaking out in Croatia, and I was very much burdened by that. At the moment I left Croatia, I was having very mixed emotions. At the exhibition “Erde – 175

izložba također bila jako zapažena, s odjekom na televiziji, a kasnije sam svaki svoj istup u medijima koristila za senzibiliziranje njemačke likovne publike za hrvatsku umjetnost. Zanima vas pomicanje praga percepcije i senzibiliteta u različitim temama. Na materijalnoj razini to radite kroz česte promjene medija, materijala. U kojem ste trenutku došli na ideju da koristite materijale poput voska, papira, gheeja, sapuna, koji nisu jako trajni i otporni na atmosferilije, na vrijeme… Otkuda ta fascinacija temom transparentnih materijala? Je li ona vezana uz važnu temu sjećanja i čuvanja memorije u vašem opusu? Ima puno razloga za to i u mojoj osobnoj biografiji. Pitanje nastajanja i nestajanja je povezano. Ako gledamo u širem kontekstu, bilo je mnogo civilizacija prije nas koje su dosegnule svoj vrhunac i zatim nestale. Jedna od njih je Atlantida ili mit o Atlantidi, zatim fenička civilizacija, i to je dio koji je negdje u nama pohranjen. Također, indirektni povod je moj odlazak iz Hrvatske koncem 1989. godine. Od trenutka kad sam napustila svoju sredinu, u kojoj sam se zapravo dobro osjećala i bila relativno etablirana – u smislu da sam već imala tri, četiri dobro prihvaćene samostalne izložbe i imala mogućnost rada u tvornici šamotne opeke “Zagorka” u Bedekovčini, tema memorije i seljenja postala je aktualna i u mojem umjetničkom radu. Uvijek sam morala odlučivati što nosim sa sobom, a što ostavljam. Isto tako sam doživjela da svoje najdraže radove moram ili uništiti ili pokloniti, prepustiti ih njihovoj vlastitoj sudbini i biti sretna da od mene nitko ne traži da platim kontejner za njihov odvoz. Rano sam spoznala da je materija prolazna, iz svojeg kiparskog, ali i iz privatnog iskustva, budući da mi je 1987. godine u požaru u mojem stanu u Zagrebu izgorjela cijela biblioteka, gotovo sve knjige i bilježnice, a ostale samo moje šamotne skulpture. Danas je dio mog koncepta da radim stvari kojima je predviđen rok trajanja, i zato sve više prenosim težište na ideju, odnosno na prijenos ideje, a ne očuvanje materije. Mislim da je općenito dobro ne vezati se za ništa previše. Godina 2004. još je jedna vrlo važna godina u vašem radu, godina u kojoj

se vraćate boji, odnosno počinjete mnogo intenzivnije raditi s vrlo živim 176

übernommen hat, hat mich ebenfalls sehr beflügelt. Ich bin erstaunt darüber, dass die Kunsthistoriker, zu meiner Kenntnis, dem Einfluss Steiners auf Beuys Werk so wenig Beachtung schenken. In meinen Augen hat Steiner Beuys Arbeit entscheidend beeinflusst. Ich würde doch sagen, dass diese Entwicklung darauf hinweist, dass Sie mit ihren Arbeiten Ihren Mittelpunkt finden konnten und ein Erkennungszeichen gesetzt haben, gerade durch die Authentizität Ihrer künstlerischen Denkweise, insbesondere in einem künstlerisch so anspruchsvollen Milieu? Das ist in der Tat so geschehen. Zu der Zeit brach der Krieg in Kroatien aus, worunter ich sehr gelitten habe. Als ich Kroatien verließ fühlte ich mich sehr zerrissen. In der Ausstellung “Erde - Krieg -Asche” im Kölner Rathaus wollte ich den kulturellen und politischen Schock zeigen, der mit dem ersten Krieg auf europäischem Boden seit 1945 ausgelöst wurde. Für diese Ausstellung machte ich 14 Skulpturen aus Pappmaché von über zwei Meter Größe. Dazu stellte ich noch eine Installation aus Zement aus, die die Zerstörung der Städte und der Architektur bzw. den Verlust der eigenen vier Wände symbolisiert. Diese Ausstellung fand ein großes Echo, vor allem im Fernsehen. Später nutzte ich jeden Auftritt in den Medien um das deutsche Kulturpublikum für die kroatische Kunstszene zu sensibilisieren. Sie interessieren sich sehr für die Verschiebung der Wahrnehmungsschwelle und die Sensibilisierung für vielfältige Themen. Auf der materiellen Ebene äußert sich das durch häufige Wechsel der Materialien und Medien. Wann sind Sie auf die Idee gekommen Materialien wie Bienenwachs, Papier, Butterschmalz oder Seife zu verwenden, was allesamt Materialien sind, die nicht lange haltbar und sehr empfindlich gegenüber der Witterung sind? Woher kommt Ihre Faszination für transparente Materialien? Hat es was mit dem Thema der Erinnerungen und deren Erhaltung in Ihrem Opus zu tun? Das hat viele Gründe, die auch was mit meinen eigenen Lebenserfahrungen zu tun haben. Die Geschichte der Entstehung und Zerstörung sind eng miteinander verknüpft. Wenn wir das in einem weiteren Kontext sehen, gab es bereits vor uns eine ganze Reihe von Zivilisationen die Ihren Höhepunkt erreicht haben und verschwanden. Eine von ihnen ist die mythische Zivilisation von Atlantis, eine weitere die phönizische Zivilisation, um Beispiele zu nennen. Sie haben alle Spuren hinterlassen die sich auch in uns wiederfinden. In meinem Leben war der indirekte Auslöser mein Abschied aus Kroatien Ende 1989. Von dem Moment an, als ich meine Heimat verließ, in der ich mich sehr wohl gefühlt habe und ziemlich gut etabliert war ( in dem Sinne dass ich in zweieinhalb Jahren vier erfolgreiche eigenständige Ausstellungen hatte und darüber hinaus die Möglichkeit besaß, in einer Tonfabrik meine Skulpturen zu fertigen), wurde das Thema der Erinnerung und der Migration in meinem künstlerischen Opus aktuell. Ich musste von da an stets die Entscheidung treffen, was ich bei mir haben will und was nicht. Ich habe erleben müssen dass ich die Arbeiten, die mir am meisten am Herzen lagen entweder vernichten, verschenken oder zurücklassen

Krieg-Asche” / “Earth-War-Ashes) in the Cologne Town Hall, I wanted to present the cultural and political shock that was brought along with the first war on European grounds after 1945. For that exhibition, I had made fourteen sculptures over two meters high and made of paper glued together. I juxtaposed another installation, made of cement, which symbolised devastated cities and architecture, i.e., the loss of home. This exhibition also received quite some attention. I directed all of my appearances in the media towards making the German art audience sensitive to Croatian art. You are interested in moving the threshold of perception and sensibility in various themes. On the material level, you do this through frequent changes in the medium, the material. What was the moment you reached the decision to use materials such as wax, paper, ghee, soap, which are not durable and are subject to weather conditions, or the passing of time… And how did you become so fascinated with transparent materials? Does it have to do with the important subject of memory and preservation of memory in your work? There are a lot of reasons for this in my personal biography. These questions of coming to existence and disappearing are connected. If we look at a wider picture, there were civilisations before us that had reached their peak and then disappeared. One of these is the myth of Atlantis, then there is the Phoenician civilisation as a model, and there are traces of that somewhere inside all of us. In my biography, an indirect reason lies in my leaving Croatia towards the end of 1989. Ever since I left that place where I, in fact, felt good and where I was relatively well established (meaning that I had already had three or four well received solo exhibitions and had an opportunity to work in the brick factory “Zagorka” in Bedekovčina), the theme of memory and moving became present in my art work. I always had to face decisions about what to take with me and what to leave behind, and so I was often forced to either destroy or give away my favourite pieces. I came to know very early on that matter is transient, as part of my sculpting, but also as a personal experience. In 1987, in a fire that broke out in my apartment in Zagreb, my entire library was lost, nearly all the books and notebooks, and all that was left were my fire clay sculptures. Today, it has become part of my concept to do things that have an expiration date, and so I am moving the focus more and more towards the idea, i.e., the transfer of idea, rather than the preservation of matter. I find that it is good in general for us not to be too closely attached to anything. 177

koloritom. Mnogo je teoretičara umjetnosti u to vrijeme na europskoj i svjetskoj sceni prihvatilo ideju kromoterapijske kvalitete boja koja se u umjetnost

preslikala iz znanosti: na radove cijelog niza umjetnika, na njihove kolorističke apstrakcije, počinje se gledati kao na “umjetnost koja liječi”, tzv. healing

art, s tezom da svaka boja i njezina nijansa imaju utjecaj na naše raspoloženje, moždane valove pa čak i na balansiranje energetskih tijela. Koliko je to bila intuitivna odluka i zašto?

Tada još nisam imala primisli o bavljenju bojom, iako sam bila upoznata i s tzv. signalističkim pokretom, gdje se točno zna kako određena frekvencija boje djeluje na nas, međutim, moj je fokus na “body of colour” došao malo kasnije. Naime, jako me iritirala suvremena arhitektura kojoj se svi dive i koja je akromatska. Pokazalo se da se ljudi razbolijevaju u takvim sivim zgradama. Dosta mi je bilo takve arhitekture u kojoj je sve sivo, crno, antracit. Također, primijetila sam da ljudi zaziru od boje, kao da se ona smatra nečim primitivnim, a da ne govorim o odjeći! Svi se oblače kao da stalno idu na groblje i to se smatra posebno šik, a zapravo je nemaštovito, jer crno se treba znati nositi. Morate znati kako koristiti crnu boju, pa tako i kako njome slikati. Suočeni smo s kroničnim nedostatkom boje u suvremenoj civilizaciji. Boja je čista energija i zato uvijek kažem da me zanima energija, ne zanima me nikakva narativnost, nikakva priča. Zanima me fenomen boje i želim to do kraja osvijestiti: i tu duhovnu dimenziju boje i liječenje bojom. U tome mi je pomogao odlazak u Indiju, gdje sam između 2000. i 2012. godine boravila u nekoliko navrata i bavila se indijskom kulturom i shvatila da to njihovo šarenilo nije tu samo zato da nas uveseljava. Tko promatra i proučava njihovu kulturu znat će da svako njihovo božanstvo ima “svoju” boju i da se s njim komunicira preko te određene boje te da se zna u kakvim se prilikama nosi određena boja, jer ona stvara određeno duhovno stanje, itd. Indijci kažu: “No colour, no Guru”. Dakle, vidjevši da to tamo savršeno funkcionira željela sam prenijeti to iskustvo na suvremen način i oblik na svoje radove, u kojima radim s dodirivanjem i prelijevanjem boja. Za to mi je dobro poslužio medij poliestera, jer ne oslikavam površinu plohe poliestera, već koristim više vrsta pigmenata sličnih nijansi koje prelijevam u slojevima izmiješanim s poliesterom pa svaki sloj brusim i ponavljam taj postupak. Zanima me otkuda dolazi boja, pitanje tog izvora, a čisti izvor je čista svjetlost. Nakon pet, šest godina ispitivanja intenziteta i frekvencija boja došla sam do bijele boje pa sam godinama slikala samo bijele i transparentne slike-objekte. Zašto? Ne naravno iz nekog pomodnog trenda, iako postoji tzv. bijelo slikarstvo koje jako cijenim, ali tek kad sam osjetila bijelu, usudila sam se unositi crnu. Možemo li zaključiti mišlju kako se cijeli vaš opus referira ili je vođen idejom

o današnjoj civilizaciji koja je u fazi izgubljenog raja, i da smo svjesni u koli-

koj smo mjeri otpali od savršenstva, ravnoteže nekog zlatnog doba… i da smo 178

musste. Früh musste ich erkennen, dass alle Materie vergänglich ist, als Teil meines künstlerischen und persönlichen Lebens. 1987 wurde bei einem Brand in meiner Wohnung in Zagreb meine gesamte Bibliothek vernichtet, fast alle Bücher und Notizhefte, einzig meine SchamottTon-Skulpturen überlebten. Heute ist es ein Teil meines Konzepts, dass ich Kunstwerke mit einem absehbaren “Haltbarkeitsdatum” kreiere und ich mich auf die Ideen verlagere, bzw. auf die Übertragung der Idee und nicht den Erhalt der Materie. Ich denke, dass es nicht gut ist, wenn wir uns zu sehr mit den Dingen verbinden. Das Jahr 2004 war für Ihren Opus ein sehr bedeutendes Jahr, da Sie damals die Farbe wiederentdeckt haben, bzw. angefangen haben, sich viel intensiver mit lebendigen Farben auseinanderzusetzen. Viele Kunsttheoretiker in Europa und auf der Welt haben zu dem Zeitpunkt angefangen sich mit der therapeutischen Wirkung der Farben, die über die Wissenschaft in die Kunst Einzug erhalten hat, auseinanderzusetzen. Zu der Zeit befassten sich auch viele Künstler mit der Idee der Farbabstraktionen als sog. “Healing Art” oder “Heilende Kunst”. Die wurde begleitet von der These, dass jede Farbe und jeder Farbton einen gewissen Einfluss auf die Laune eines Menschen, auf seine Hirnfrequenz, sogar bis zum energetischen Körper habe, der damit in Einklang gebracht werden soll. Wie intuitiv war Ihre damalige Entscheidung? Damals hatte ich noch nicht die Idee, mich mit Farben zu befassen, obwohl mir die sog. signalistische Bewegung, die genau einordnen kann, welche Farb-Frequenz wie auf uns wirkt, durchaus bekannt war. Mein Fokus auf den “Body of Colour” kam jedoch ein wenig später. Damals irritierte mich die zeitgenössische Architektur sehr, der heute so viel Beachtung geschenkt wird. Ich finde sie farblos. Es zeigte sich, dass die Menschen allmählich in diesen Häusern krank wurden. Ich hatte genug von diesen grauen Gebäuden und dieser Architektur in der alle Gebäude grau, schwarz und anthrazitfarben sind. Dabei musste ich feststellen, dass die Menschen Farbe geradezu verabscheuen. Das zeigen sie insbesondere durch ihre Kleidung. Viele Menschen sind gekleidet, als gingen sie oder kämen sie geradewegs von einer Beerdigung. Und das wird dann als besonders chic empfunden, dabei ist es so phantasielos, denn die Farbe Schwarz muss man tragen können. Genauso wie man als Maler wissen muss wann und wie man diese Farbe verwendet. Man kann sagen, dass wir in der heutigen Gesellschaft einer chronischen Farblosigkeit ausgesetzt sind. Farbe ist die reine Energie und ich habe immer gesagt, dass mich die Energie interessiert, und nicht irgendwelches Geschwätz. Mich interessiert das Phänomen der Farbe und das Bewusstsein dafür möchte ich vertiefen, insbesondere für die spirituelle Dimension der Farbe und deren therapeutische Wirkung. Die Inspiration dazu hatte ich in Indien, das ich zwischen 2000 und 2012 mehrfach besucht habe. Ich habe mich dabei intensiv mit der indischen Kultur befasst und festgestellt, dass die indische Farbenpracht nicht bloß der Erheiterung der Menschen dient. Wer sich mit der indischen Kultur beschäftigt hat, weiß dass jede hinduistische Gottheit ihre eigene Farbe hat und dass über diesen Farbcodex Kontakt zu den Gottheiten aufgenommen wird, da jede Farbe einen spezifischen Geisteszustand hervorruft. Die Inder

The year 2004 was also very important in your work; when you returned to colour, in other words, you started to work much more intensely with a very live colour palette. A lot of art theoreticians in Europe and the world at that time started introducing the idea of chromotherapeutic quality of colours, which was poured into art from science, when the works of many artists of colourist abstraction were beginning to be looked at as so-called “healing works”. They mean that every colour and nuance influences our mood, our brain waves and even the balance between the bodies of energy. How much was that decision made on intuition and why? I did not have any thoughts at that time about using colour, although I was acquainted with the so-called “signalist movement”, where they determined precisely how different frequencies of colour affect us. My focus on the “body of colour” came a bit later. Namely, I was very irritated by the modern architecture that everyone admired and which was essentially colourless. It was later proved that people fell ill in those grey buildings, and I had had enough of such dull architecture, where everything was grey, black, anthracite. I noticed that people were disinclined to using colour, as if it was thought to be something primitive, and not to even mention the clothes! Many people are dressed as if the only place they are about to go to is the cemetery and this is considered especially chic, but in fact it is unimaginative, because black is something you need to know how to wear. In much the same way you need to know how to use black, and how to draw or paint with it. So, we are faced with a chronic lack of colour in the modern civilisation, both in the private and business areas of our lives. Colour stands for pure energy, so I always point out that I am interested in energy, and I am not interested in any narration, any story. I am interested in the phenomenon of colour, and I wish to fully bring attention to this: including this spiritual dimension of colour, and healing with colour. What helped here was my stay in India, which I visited on several occasions between 2000 and 2012. I dealt with their culture, but all their colourfulness is not there “just for fun”. Whoever observes and studies their culture will find that every one of their deities has “their own” colour and that one communicates with them through that particular colour. The Indians say: “No colour, no Guru”. So, I saw that it worked perfectly well over there, and I wanted to transfer that experience in my own work. Synthetic resin was great to use for this because I do not paint on the surface of this material but use several kinds of pigments of similar nuances that I mix in many layers with the synthetic resin, and then I refine each layer and finally repeat the process. I am interested to see where does colour come from, the question of this source, and the source is pure light. After five or six years of examining the intensity and frequency of colours I came up with white. Many years I painted only with white pigments and transparent synthetic resin. Why? Well, of course it was not because of some current trend, even though there is the so-called white painting, which I appreciate a lot. It was only when I felt the quality of white that I dared to introduce the black colour. Can we, therefore, conclude with the thought that your entire opus refers to or is guided by the idea of today’s civilisation, which is currently in the phase of Paradise Lost, and that we are aware of how 179

emotivno, duhovno, energetski pa i civilizacijski u jednom iščašenom svijetu gdje umjetnošću pokušavamo vratiti tu drevnu mudrost i ravnotežu?

Naravno da tome težim kao umjetnica i pri tome se više povodim svojom intuicijom – pa ako to odgovara duhu vremena – tim bolje. Svi trebamo zacjeljivati na svim razinama, što nam pokazuje svakodnevni život. Najveći je doprinos umjetnosti to da budi u čovjeku neku vrstu radosti, životnosti. Znači li to da nas umjetnost ne smije deprimirati? Smatram da umjetnik smije biti sretan, da zato nije ništa lošiji umjetnik. To je također jedna tema s kojom se dosta bavim. Ne želim deprimirati ljude. Naravno, za svakoga sreća ima neko drugo značenje, ali kreirati to stanje ne znači podilaziti ljudima i raditi na jeftinom ukusu, nego zaista raditi na povratku praiskonske radosti; formama i bojama dotaknuti nešto vitalno u ljudima.

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sagen daher “No Colour, no Guru.” Nachdem ich erfahren habe, wie in Indien mit Farbe umgegangen wird, wollte ich dieses Erlebnis auf eine zeitgemäße Art und Weise auch in meinen Arbeiten transportieren, wo ich Farbe und Farbwechsel berührbar machen will. Das Medium Kunstharz ist dafür sehr gut geeignet, da ich nicht die Oberfläche der Kunstharz bemale, sondern dem flüssigen Harz zahlreiche Farbpigmente ähnlicher Nuancen beimische und diesen dann in Sichten aufgieße. Dann schleife ich jede einzelne Schicht und wiederhole diese Vorgänge. Mich interessiert dabei wie die Farbe entsteht, was deren Quelle ist. Und das ist das Licht. Nach fünf-sechs Jahren des Auslotens der Intensität und Frequenz der Farbe, kam ich zur Farbe Weiß und habe anschließend nur in Weiß und Transparent gemalt. Nicht aus einem Modetrend heraus, obwohl damals die sog. weiße Malerei aufkam, die ich sehr schätze. Es war vielmehr so, dass ich die Farbe Weiß gespürt habe und ich mich erst dann überhaupt getraut habe, Schwarz zu verwenden. Die Farben muss man verstehen. Können wir zusammenfassend sagen, dass ihr Werk geleitet ist von der Idee der Vertreibung aus dem Paradies, in der sich die heutige Zivilisation befindet und dass wir im Bewusstsein leben, wie weit wir uns von der Vollkommenheit entfernt haben, der Ausgewogenheit einer “Goldenen Ära”, und dass wir emotional, spirituell und energetisch in einer entgleisten Welt leben, in der wir mit Hilfe der Kunst versuchen, diese verlorene Weisheit und Balance wiederherzustellen?

much we have drifted away from perfection, from the balance of some Golden Age … and that we are currently emotionally, spiritually, energetically and even civilisationally occupying a twisted world in which we are trying to retrieve that ancient wisdom and balance with art? Naturally, this is what I aspire to as an artist and I am guided more by my intuition – so if it happens to coincide with the spirit of the era – all the better. We should all heal on all levels, which is what our everyday life points to. The biggest contribution is that art is able to awaken in a person some sort of joy, of life. Does this mean that art should not bring us the blues? I believe that an artist is allowed to be happy, that it does not make him or her any less good as an artist. This is another theme that I am dealing with quite a lot. I do not wish to bring people down. Of course, happiness means different things to different people, but to create such a state does not mean to humour people and do things cheaply, but to really work on bringing back that primal joy; to reach something vital in people with forms and colours.

Selbstverständlich versuche ich als Künstlerin, dieses Bewusstsein zu erlangen. Dabei lasse ich mich vor allem von meiner Intuition leiten. Wenn ich dabei den Zeitgeist treffe, umso besser. Wir alle müssen heilen und das auf allen Ebenen. Das zeigt uns unser alltägliches Leben. Die größte Leistung ist, wenn Kunst im Menschen Freude und Lebenskraft erweckt. Bedeutet das, dass die Kunst uns nicht deprimieren darf? Ich bin der Meinung, dass ein Künstler glücklich sein darf und dass ihn das nicht zu einem schlechteren Künstler macht. Das ist auch ein Thema mit dem ich mich befasse. Ich will die Menschen nicht deprimieren. Natürlich ist das Glücklich-sein etwas absolut individuelles und hat für jeden Menschen eine eigene Definition. Das Erlangen dieses Zustands bedeutet jedoch nicht sich dem Publikum anzubiedern und billigen Massengeschmack zu beliefern, sondern an der Wiedererlangung der Freude in ihrer ursprünglichen Form hin zu arbeiten und mit Formen und Farben die Vitalität der Menschen zu berühren.

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III

doku menta cija dokumentation

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documentation

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“GRADINE” ANITE KONTREC Nulto stanje arhitekture Zahuktala energija skulptorice Anite Kontrec traje istim intenzitetom otkako je 1986. Počela izlagati ono što je počela raditi četiri godine ranije, tj. keramičku skulpturu ili kraće – keramoskulpturu. Kontrecova nije likovni akademac, nego profesorica engleskog, sociologije i etnologije, a ako postoji pupčana vrpca između njena izvan likovnog obrazovanja i samoga skulptorskog rada, bit će to u dalekoj asocijaciji linija etnologije … Zakratko, t. za posljednjih mjesec dana, autorica se predstavila s dvije izložbe. Poslije “Krajolika” izloženih Galeriji “Zagreb” evo je s “Gradinama” u Galeriji proširenih medija HDLUZ-a. Njihov vremenski redoslijed podudaran je skulptoroskom slijedu; sinoćnja je izložba logičan korak dalje u tematskom formalnom smislu. Zanimljivo je kako se Kontrecova namjerna analitičnost odabrane teme, dakle jedan posve racionalan element rada, amalgamira s tipično umjetničkim rezultatom koji zakonito pretpostavlja slobodu od usmjeravanog racija.

Kontrecova najprije blago opipava materijal u kojem radi, ostavljajući dojam da u nj nije intervenirano, već da je riječ o zatečenom stanju prirode. Mimesis, mit i arhetip ključna su mjesta razvoja te faze rada. Dogaaju se kad njene intervencije idu korak dalje od šifre “priroda kao graditelj”, korak u kojemu priroda oživljava na način čovjeka: u oblikovanu šamotnu glinu, dakle u jednu izrazito materijalnu tvorevinu, “ugrađuje” se metafizički moment, pokušava se materijalizirati nematerijalno: postavlja se “disanje krajolika”, događaju se metonimija, singedoha i personifikacija. Korak dalje je logičan: arhitektura. Najprije kao nenamjeran događaj u za to predestiniranom materijalu, a potom kao nulto stanje arhitekture. Tako nastaju “Gradine”, i one zasad ne prelaze “opasnu” granicu kad se zapada u dekorativnu dimenziju. Zato autorici ne želimo korak naprijed kamo je možda u stvaralačkom “švungu” krenula, prerano emigrirajući s očito potentnog terena s kojeg je krenula autentičnim korakom. A. Lendvaj (Večernji list, 27. IV 1989.)

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“Das ist Köln”, Edition Limosa, 2009.

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RECALL ATLANTIS SITNALTA LLACER

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Popis fotografija na str. 193 i 194 / List of photographs, pp 193 and 194 1/ Branka Uzur, Anita Kontrec, Petar Barišić, Gordana Vojnović u dvorištu ALU u Zagrebu, 1973. / In the yard of Art Academy in Zagreb, 1973, Croatia 2/ Anita Kontrec, Otvaranje izložbe – DDT / Vernissage DDT, 1986. 3/ U ateljeu kod Branka Ružića, Zagreb / In Branko Ružić’s atelier, 1993. 4/ Ž. Uremović, Anita Kontrec, P. Knauf, H. Lieb, M. Wißkirchen, Sven O. Kraus, Köln, skulptura "Hier / Ovdje", 1991. 5/ U ateljeu Petra Barišića: Petar Barišić, Ivan Kožarić, Anita Kontrec, Radovan Ivančević, Vladimir Gudac, Albert Goldstein; Zagreb, 1993. 6/ Vladimir Gudac, Petar Barišić, Anita Kontrec, Greta Seidler; Ludwig Forum, Aachen, 1993. 7/ Petar Barišić, Ivan Kožarić, Anita Kontrec, Vladimir Gudac, Zagreb, 1993. 8/ Robert Pinsdorf, Anita Kontrec, Ante Sorić, Ludwig Forum, Aachen, 1993. 9/ V. Gudac, A. Hundić, D. Glavan, otvaranje izložbe Recall Byblos, Klovićevi dvori, Zagreb, 1993. / opening of the exhibition

Popis fotografija na str. 196 i 197 / List of photographs, pp 197 and 198 1, 2/ Izložba “Gradine”, Galerija PM, 1989., Zagreb / Exhibition “Fortresses”, Galerija PM, 1989. Zagreb, Croatia 3/ Izložba Recall Atlantis, Galerija Karas, 2006., Zagreb / Exhibition Recall Atlantis, Karas Gallery, 2006, Zagreb, Croatia 4/ Izložba “Schriftlandschaften”, Galerie Art Depot, 2008., Innsbruck, Austria 5/ Sajam umjetnosti / Art Fair “Liste”, Alexa.Jansen. Galerie, 2007., Köln

Popis fotografija na str. 198 i 199 / List of photographs, pp 198 and 199 1/ Skulpturenpark Schwyz, Galerie Joe Felchlin, Zürich - Schwyz, Švicarska, kipari / sculptors A. Reichlin, A. Meier, galerist J. Felchlin, S. Goedecke, M. Eberle, P. Knapp, Anita Kontrec 2/ Skulptur Draussen, Köln, Stephan Goedecke, Anita Kontrec, Dr. Gerhard Kolberg, Köln; 2004. 3/ Izložba slika-objekata, Alexa.Jansen.Galerie, Köln / Exhibition of picture objects - with Stephan Goedecke and son Matija Kontrec Goedecke, Köln, 2004. 4/ Otvaranje izložbe “Black&White”, Anita Engert – Art Engert, Eschweiler, 2015. / Opening of the exhibition “Black&White”, Art Engert, Eschweiler 5/ Alexa Jansen, Anita Kontrec, Art Frankfurt, 2005. 6/ Anita Kontrec, Dr. Peter Bach, Art Fair – Alexa.Jansen. Galerie, Köln, 2006. 7/ Anita Kontrec, Dagmar Meneghello, Palmižana, Croatia, 2014. 8/ Anita Kontrec, Danijel Dragojević, Recall Atlantis, Galerija Karas, Zagreb, 2006. 9/ Jennifer Garret i Anita Kontrec, Recall Atlantis, Galerija Karas, Zagreb, 2006. 10/ Izložba “Skulptur Draussen”, Köln, 2004. 195

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Otvaranje retrospektivne izložbe “Kružni tok / Kreisverkehr / Roundabout”, Galerija Prsten, Zagreb, 8. 9 . 2016. Nj.E. Thomas E. Schultze, Ivančica Markovčić, Anita Kontrec, Iva Körbler, Tomislav Buntak, Josip Zanki Opening of the exhibition “Kružni tok / Kreisverkehr / Roundabout”, Prsten Gallery, Zagreb, September 8th, 2016 200

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Anita Kontrec u ateljeu u Kรถlnu Anita Kontrec in her studio in Cologne Sa Peterom Lodermeyerom, 2006. With Peter Lodermeyer, 2006

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U ateljeu u Kรถlnu / In her studio in Cologne, 2004.

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Kaligrafski krajolici – kaligrafski ples; slikanje u ateljeu, One-Sided Story, Artist Residency, Leipzig, 2013. Calligraphic Landscapes – Calligraphic Dance – painting in the studio, Artist Residency One-Sided Story, Leipzig, 2013

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Atelje u Ludwig Forumu u Aachenu, 1993.

Atelje u Leipzigu, 2013.

Studio in Ludwig Forum in Aachen, 1993

Studio in Leipzig, 2013 209

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1/ Natalia Borčić, Ljiljana Mihaljević, Anita Kontrec u ateljeu u Leipzigu, Artists Residency OSS, 2013. / studio in Leipzig, 2013 2/ Party in Studio – Leipzig, OSS residency: Jacob Hicks, Ljiljana Mihaljević, Eric Mavko, David Eustace 3/ Atelje u Leipzigu – Spinnerei / Studio in Leipzig, OSS Residency, 2013. 4/ Kustos izložbe Elmar Zorn otvara izložbu “Gegensätze”, Dresden, 2013. / Curator Elmar Zorn opening the exhibition “Gegensätze”, Dresden, 2013 5/ Atelje u Leipzigu / Studio in Leipzig, OSS, 2013 6/ OSS Residency: A. Evans, E. Mavko, A. Kiljunen, J. Hicks, K. Stubbs, Leipzig – Spinnerei, 2013 7/ Candace Goodrich, Anita Kontrec, Norbert Sander, na izložbi “Gegensaetze”, Dresden, 2013. 8/ Anita Kontrec: “Ž kao Život” /“L stands for Life”, izložba “Gegensätze” Dresden, 2013. 9/ Anita Kontrec – instalacije “Čitam knjige” i “Kaligrafski krajolici”, izložba “Gegensätze”, Dresden, 2013. / Installations “I am Reading the Books” and “Calligraphic Landscapes”, Dresden, 2013

10/ Anita Kontrec pred ostatkom Berlinskog zida, 2013. / Anita Kontrec in front of the Berlin Wall, 2013

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Ĺživotopis, izloĹžbe, bibliografija vita, ausstellungen, bibliographie

biography, exhibitions, bibliography

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ŽIVOTOPIS Anita Kontrec rođena je u Zagrebu, a od 1989. živi u Kölnu. Prvu samostalnu izložbu Oblici sjećanja održala je u Zagrebu 1986. godine; 1993. godine je koncipirala je i organizirala u suradnji s umjetnicima, znanstvenicima i publicistima iz Zagreba i Koelna interdisciplinarni i intermedijalni projekt Recall Byblos u Ludwig Forumu für Internationale Kunst u Aachenu i Klovićevim dvorima u Zagrebu. Održala je niz samostalnih izložbu u Hrvatskoj, Njemačkoj i Austriji i sudjelovala u brojnim međunarodnim grupnim izložbama i projektima, kao i na značajnim sajmovima umjetnosti. Radovi joj se nalaze u nekoliko javnih i privatnih zbirki u Hrvatskoj, Njemačkoj i Švicarskoj. U prostornima slikama Anita Kontrec istražuje granice dodira kiparstva i slikarstva te djelovanje boje i svjetlosti u novim prostornim i svjetlosnim konstelacijama suvremene arhitekture. Arhitektura, pismo i boja su tri glavne teme koje će nastaviti istraživati i u slijedećim projektima.

VITA Anita Kontrec ist in Zagreb, Kroatien geboren und lebt seit 1989 in Köln. Sie startete ihre künstlerische Laufbahn 1986 mit ihrer ersten Einzelausstellung Shapes of Memory in Zagreb; konzipierte und organisierte 1993 in Zusammenarbeit mit Künstlern, Publizisten und Wissenschaftler aus Zagreb und Köln das intermediale und interdisziplinäre Projekt Recall Byblos im Ludwig Forum für Internationale Kunst, Aachen, in Kooperation mit der Galerie Klovićevi dvori in Zagreb. Sie hatte zahlreiche Einzelausstellungen in Kroatien, Deutschland und Österreich und nahm an vielen internationalen Gruppenausstellungen und Kunstmessen teil. Ihre Arbeiten sind in mehreren öffentlichen sowie privaten Kunstsammlungen in Kroatien, Deutschland und in der Schweiz vertreten. Anita Kontrec erforscht die Wirkung von Farbe und Licht in Bezug auf die neuen Licht- und Raumverhältnisse der zeitgenössischen Architektur (Site specific Painting) - Bildobjekte, Skulpturen und Installationen aus Kunstharz und Pigmenten für Innen und Außen. Architektur, Schrift und Farbe sind drei Schwerpunkte die Anita Kontrec auch in ihren bevorstehenden Projekten weiter vertiefen wird.

BIOGRAPHY Anita Kontrec was born in Zagreb, Croatia, lives since 1989 in Cologne, Germany. She began her artistic career in 1986 with her first personal exhibition Shapes of Memory in Zagreb; in 1993 she elaborated the concept and organised interdisciplinary intermedial project Recall Byblos in cooperation with artists, scientists and publicists from Zagreb and Cologne presented in Ludwig Forum für Internationale Kunst in Aachen, Germany and Klovićevi dvori in Zagreb. She had numerous solo and group exhibitions in Croatia, Germany and Austria. Her artworks are in several public and private collections in Croatia, Germany and Switzerland. With her picture-objects Anita Kontrec researches the touching points between sculpture and painting as well as the effects of color and light in new spatial and light constelations of contemporary architecture. Achitecture, Writing and Colour are the major topics that she will continue to explore in her coming projects. www.anita-kontrec.com anitakontrec@gmail.com

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izložbe / ausstellungen

exhibitions

Samostalne izložbe (izbor) Personal Exhibitions (Selection) 2016. Kružni tok / Kreisverkehr / Roundabout – Restrospective, Gallery “Prsten”, Zagreb, Croatia 2014. Angels, Art Meneghello, Palmižana (with S. Goedecke), Croatia Stripes & Dots, Gallery Arthur, Dubrovnik, Croatia 2012. ArcheFarb, Kunst in Technologie Park, B. Gladbach (with S. Goedecke), Germany Art Project Be Happy Gallery, Haidakhan (with S. Goedecke), India 2010. Nevidljiva Ruža / Invisible Rose, Atelijer Meštrović, Zagreb, Croatia 2008. Schriftlandscaften / Scripts and Landscapes; Gallery Art Depot, Innsbruck, Austria 2007. More-Amore, Art Meneghello, Palmižana, Croatia 2006. Recall Atlantis, Galerija Karas, Zagreb, Croatia 2004. Bildobjekte und Skulpturen, Alexa.Jansen. Galerie, Cologne, Germany Skulptur Draussen, Cologne, Germany 1992. Wars and Ashes (with S. Raff), Town Hall, Cologne, Germany 1990. Earth and Sound (with S. Raff), Eurozentrum, Cologne, Germany 1989. Fortresses, Galerija PM, Zagreb, Croatia Landscapes, Galerija Zagreb, Zagreb, Croatia 1989. Krajolici /Landscapes, Art Meneghello, Palmižana, Croatia 1988. Zeitraum, Galerie am Baseler Tor, Karlsruhe, Germany 1986. Shapes of Memory, Galerija DDT, Zagreb, Croatia

Izabrane grupne izložbe, projekti, sajmovi umjetnosti Selected Group Exhibitions, Projects, Art Fairs 2015 Black & White, Gallery Art Engert, Eschweiler, Germany 2014 Poesie in Glass – Kroatische Künstler in Österreich, Gallery BBKÖ, Klagenfurt, Austria 2013 One-Sided Story (Residency), Leipzig-Spinnerei, Germany (Mai Rundgang) Gegensätze, Dresden, Staatsministerium der Justiz und für Europa 2009. Art Innsbruck, Galerie Art Depot, Austria 2006. art.fair, Alexa.Jansen.Galerie, Cologne, Germany 2005. art.fair, Alexa.Jansen.Galerie, Cologne, Germany art frankfurt 2005, Alexa.Jansen.Galerie, Cologne, Germany flora(l) _ neu, Alexa.Jansen.Galerie, Cologne, Germany 2004. Querblick, Stadtmuseum Cologne, Germany Gallery Art Felchlin, Zürich – Skulpturenpark, Schwyz 2003. Sculpture project, Alexa.Jansen.Galerie, Cologne, Germany, Schloßhotel Lerbach, Germany Water - Symposium, KKL, Lucerne, Switzerland 2002. Sculpture-Garden Sürth, Cologne, Germany Sculpture exhibition, Dorn Garden, Elm 2001. Water - Symposium, Lucerne, Switzerland 1998. Das Meer – the Sea in contemporary Croatian art, DW, Cologne, Germany 1996. Dea Syria, Frauenmuseum, Bonn, Germany 1993. Original idea and concept for the project Recall Byblos, a cooperative project by artists and academics from Zagreb and Cologne, Aachen, Ludwig Forum für Internationale Kunst; Co-edited the art book Recall Byblos 1993. Recall Byblos II, Klovićevi dvori, Zagreb, Croatia 1991. Kunst, Europa (Art, Europe), Siegen, Germany IV. Triennial of Croatian sculpture, Gliptoteka HAZU, Zagreb, Croatia 1988. III. Triennial of Croatian sculpture, Gliptoteka HAZU, Zagreb, Croatia

Javne zbirke / Public collections Stadtsparkasse, Köln – Bonn, Germany Prüfungsverband der Deutschen Banken, Köln, Germany

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bibliografija / bibliographie / bibliography 1986. Neda Miranda Blažević: “Oblici sjećanja” / “The Shapes of Memory” (predgovor kataloga / preface to catalogue) 1988. Marina Kralik Uremović: “Anita Kontrec i njeni radovi” / “Anita Kontrec and her Works” (predgovor kataloga / preface to catalogue) 1989. Ana Lendvaj: “Nulto stanje arhitekture“, Večernji list, 27. 4. / “Zero point of Architecture” 1989. Ana Lendvaj: “Nježna geometrija”, Večernji list, 6. 1. / “Tender Geometry” 1989. Tomislav Lalin: “Arhetipska keramoskulptura” / “Archetypal Ceramic Sculpture” (predgovor kataloga / preface to catalogue) 1991. B.H: “Mit Ton und Erde”, Kölner Stadt Anzeiger, 9. 1. / “Earth and Sound” 1992. V.S.: “Žalost i bijes“, Kölnische Rundschau, 25. 1. / “Sorrow and Rage” 1992. I.B.Y.: “Trauer und Krieg im Rathaus”, Kölner Stadt-Anzeiger, “Sorrow and War in the City Hall” 1992. Hannelore Maas: “Plastiken sind auch geprägt vom Krieg in Kroatien” NRZ, 27. 6. “Sculptures of War in Croatia” 1993. Suizdavač kataloga Recall Byblos u suradnji s “Ludwig Forum für internationale Kunst” / Co-editor of the catalogue Recall Byblos, Aachen 1993. Ana Lendvaj: “Projekt Recall Byblos – “Primjer sinhrone komunikacije” / “An Example of Synchronic Communication” (predgovor kataloga / preface to catalogue) 1993. Jürgen Kisters: ”Recall Byblos - Kunst der Mittelung”, Kunstforum Nr. 123, Juni / “Recall Byblos – Art of Communication” 1993. Gernot Geduldig: ”Erinnerung an die Kultur der Phönizier”, Aachener Nachrichten, 24.03. / “Remembering the Phoenician Culture” 1993. Gabriele Frohn: ”Eine Reise zurück in die Gegenwart“, Artefact Nr. 5, / “A Journey back to the Present“ 1993. Aleksander Flaker: “Pozivam vas na plovidbu podrumom“, Vijenac 25. 12. / “I invite you on a Journey to the Cellar” 1993. D. Nenadić: ”Svjetski proboj – hrvatski umjetnici u Aachenu“, Slobodna Dalmacija, 9. 4. / “A Break Through – Croatian Artists in Aachen”

1993. Janka Vukmir: “Recall Byblos“, Kontura Nr. 4 1993. Vesna Kusin: “Feničko pismo iz Bedekovčine”, Intervju, Vjesnik, 23. 10. / “Phoenician Writing from Bedekovčina“ 1993. Vesna Kusin: “Od Bedekovčine do Aachena”, Vjesnik, 3. 4. / “From Bedekovčina to Aachen” 1993. Darko Glavan: “Bedekovčina u Aachenu”, Danas, 14. 7. / “Bedekovčina in Aachen” 1993. Sandra Križić-Roban: “Grad kao labirint”, Danas, 19. 10. / “The City as Labyrinth” 2002. Sylvia Demme: “Goldener Schimmer lockt im üppigen Grün”, Kölner Stadt Anzeiger, 8. 8. 2002. A. Ludwig: “Hans Dorn vereint Garten und Skulptur zueinem Gesamtwerk”, Frankfurter Rundschau, 10. 6. 2003. Petra Diederichs: “Steine mit einer Seele aus Gold”, Rheinische Post, 12. 4. / “Stones with a Heart of Gold” 2004. Ulrike Süsser: “Die Mystik des Lichts”, Kölner StadtAnzeiger, 23. 9. / ”Mystic of Light” 2004. Kerstin Voelling: “Schwarze Sonne empfängt das Licht”, Kölnische Rundschau, 21. 9. / ”The Black Sun Receives the Light” 2004. Jürgen Kisters: “Ein Querblick auf Aktuelle Kunst”, Kölner Stadt-Anzeiger, 13. 10. / “Review of Actual Art” 2005. Lydia Keck: “Kunst verkauft sich nicht von selbst”, Kölnische Rundschau, 9. 4. 2006. Peter Lodermeyer: Recall Atlantis (predgovor kataloga / preface to catalogue) 2009. “Das ist Köln”, Edition Limosa 2011. Ivana Meštrov: Anita Kontrec – “Nevidljiva Ruža u Atelijeru Meštrović” / “Invisible Rose in Atelijer Meštrović”, Art Magazin “Kontura”, Nr. 113, June 2011 2013. I. Š. Banov: “Hrvatsko kiparstvo od 1950. do danas” (Croatian Sculpture since 1950), Naklada Ljevak, Zagreb 2016. Iva Körbler: “Kružni tok / Kreisverkehr / Roundabout”, Monography, hdlu Croatian Association of Visual Artists and Anita Kontrec Ana Malbaša: “Dom kao inspiracija”, “Nacional”, 6.9.2016., br. 958

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zahvala

Najsrdačnije zahvaljujem svim suradnicima i prijateljima iz Zagreba, Kölna i Leipziga na nesebičnoj pomoći i podršci u procesu stvaranja ove monografije. Iskrenu zahvalnost za dragocjenu financijsku potporu kojom su omogućili njezino objavljivanje izražavam Ministarstvu kulture Republike Hrvatske, Gradu Zagrebu, Goethe Institutu i Veleposlanstvu Savezne Republike Njemačke u Zagrebu. Pri tome, napose ističući njihov osobni angažman – voditeljici Goethe Instituta gospođi Katrin Ostwald-Richter i Veleposlaniku SRNj u Republici Hrvatskoj, Nj.E. Thomasu E. Schultzeu. Zahvaljujem, nadalje: Studiju Rašić na predanu radu, dugogodišnjoj suradnji i kreativnom druženju; Ivi Körbler koja već više od deset godina prati moj rad i predano isčitava nove slojeve u mojoj umjetnosti; našem vrsnom fotografu Damiru Fabijaniću koji je zabilježio najvažnije momente moga umjetničkoga rada u Hrvatskoj tijekom posljednjih desetak godina; Daliboru Jelaviću koji je snimio intervju Ive Körbler sa mnom i postav izložbe u galeriji “Prsten” u Zagrebu. Mojim cijenjenim kolegama i dragim prijateljima Petru Barišiću i Ljiljani Mihaljević najtoplije zahvaljujem na budnom praćenju svakog mog umjetničkog koraka i nesebičnoj pomoći iznimno konstruktivnim savjetima i kritikama. Moj umjetnički život i rad ne bi bili mogući bez razumijevanja, podrške i ljubavi moga sina Matije i dugogodišnjega životnog partnera i kolege kipara Stephana Goedeckea.

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danksagung

acknowledgments

Ich danke ganz herzlich allen Mitarbeitern und Freunden aus Zagreb, Köln

My heartfelt gratitude to all collaborators and friends in Zagreb, Cologne, and

und Leipzig für ihre selbstlose Hilfe und Unterstützung bei der Erstellung die-

Leipzig for their selfless help and support in the making of this monograph.

ser Monographie. Mein aufrichtiger Dank für die wertvolle finanzielle Unter-

The edition would not have been possible without the financial support of the

stützung, durch welche die Publizierung dieses Werks möglich wurde, geht

Ministry of Culture of the Republic of Croatia, the City of Zagreb, the Goethe

an das Ministerium für Kultur der Republik Kroatien, die Stadt Zagreb, das

Institute, and the Embassy of the Federal Republic of Germany in Zagreb, and

Goethe Institut und die Deutsche Botschaft Zagreb. Ganz besonders hervor-

I owe special thanks to Mrs. Katrin Ostwald-Richter, director of the Goethe

heben möchte ich den persönlichen Einsatz der Institutsleiterin, Frau Katrin

Institute, and His Excellency Thomas E. Schultze, ambassador of the Federal

Ostwald-Richter und Seiner Exzellenz des Botschafters der Bundesrepublik

Republic of Germany to the Republic of Croatia, for their personal efforts in

Deutschland, Herr Thomas E. Schultze. Ich danke ebenso dem Studio Rašić

this regard. My thanks to Rašić Studio for their dedicated work, our collabo-

für die engagierte und langjährige Zusammenarbeit sowie die kreativen Be-

ration of many years and our creative affiliation; to Iva Koerbler, who has been

gegnungen; Iva Körbler, die bereits seit über zehn Jahren meine Arbeit beglei-

following my work for over ten years and continues to find new layers in my art;

tet und engagiert alle neuen Facetten meines künstlerischen Schaffens inter-

to our excellent photographer, Damir Fabijanić, who has captured the key mo-

pretiert. Ich danke dem hervorragenden Photographen Damir Fabijanić, der

ments of my artwork in Croatia over the last ten years; to Dalibor Jelavić, who

die wichtigsten Momente meiner künstlerischen Arbeit im Verlauf der letzten

recorded Iva Koerbler's interview with me and the exhibit at the Prsten Gallery

zehn Jahre festgehalten hat. Ich danke Dalibor Jelavić für die Aufnahme des

in Zagreb. I thank my esteemed colleagues and dear friends Petar Barišić and

von Iva Körbler mit mir geführten Interviews und für die Realisierung der

Ljiljana Mihaljević for following my every artistic step and helping me with

Ausstellung in der Galerie “Prsten” in Zagreb. Meinen geschätzten Kollegen

advice and critiques. My artistic life and work would not have been possible

und lieben Freunden Petar Barišić und Ljiljana Mihaljević danke ich für die

without the understanding, support and love of my son Matija and my partner

wache Begleitung aller meiner künstlerischen Schritte und für die selbstlo-

and colleague of many years, sculptor Stephan Goedecke.

se Hilfe in Form von überaus konstruktiven Ratschlägen und Kritikpunkten. Meine künstlerische Arbeit wäre ohne das Verständnis, die Unterstützung und Liebe meines Sohnes Matija und meines langjährigen Lebenspartners und Kollegen des Bildhauers Stephan Goedecke nicht möglich.

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